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Un petit frère - Léonor...

Yolande Decarsin - La Montagne...

Bienvenue dans une année en immersion au cœur du cabinet des avocates Christine Mengus et Nohra Boukara. Les deux juristes se sont spécialisées dans le droit des étrangers, un domaine où les règles ne cessent d'être rebattues, généralement au détriment des plaidants. La caméra capte ainsi les instants de vie décisifs de clients confrontés à toutes sortes de situations problématiques qui trouveront, ou non, résolution.

Au micro de l'interview minutée, le réalisateur de Maîtres, Swen de Pauw, insiste en effet sur le fait que le temps du cinéma n'étant pas celui de la justice, son propos n'a jamais été de suivre les affaires jusqu'à leur verdict, mais bien de livrer une chronique de ce pan de justice (et d'injustice) méconnu. Et encore plus, de donner à voir et entendre ces personnes invisibilisées parce que venues d'ailleurs ; ainsi que leurs avocates hautes en couleurs qui se noient sous la paperasse pour faire avancer les choses. Swen de Pauw détaille un dispositif basé sur la confiance et évoque les subtilités du montage.

Le système minuté

Il s'agit de laisser jouer le hasard. J'ai arbitrairement décidé de noter ce qui se passe aux 7', 42', 70' et 91' minutes des films et de soumettre ces moments aux réalisateurs et acteurs venus en faire la promotion. L'idée est d'être vraiment très précise dans ces descriptions afin que mon interlocuteur puisse réagir au maximum d'éléments, selon ce qui lui importe le plus (le son, les cadrages, les couleurs, etc.). Le choix des mots a son importance également et il arrive que je me fasse reprendre, c'est très bien comme ça. Chacun s'approprie l'exercice comme il l'entend, mais au final on arrive presque toujours à parler du film de manière concrète, en contournant légèrement le train-train promotionnel. On pourrait dire que le résultat est à mi-chemin entre la bande-annonce et le commentaire audio, tel qu'on en trouve sur les suppléments DVD. Par ailleurs, ces entretiens sont " neutres " : que j'aie aimé ou non les films n'entre pas en ligne de compte, il s'agit avant tout de parler cinéma, sans a priori.

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Entretien : Maîtres - Swen de Pauw - BANDE À PART

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L'interview minutée de Swen de Pauw ou comment parler du film Maîtres en contournant légèrement le train-train promotionnel. BANDE À PART, magazine de cinéma.

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Pour son troisième documentaire au cinéma, le documentariste Swen de Pauw s'intéresse dans le film Maitres aux coulisses d'un cabinet d'avocates, spécialisé en droit des étrangers. Christine Mengus et Nohra Boukara se battent au quotidien pour aider leurs clients dans les méandres d'une justice pas toujours très lisibles. Le documentaire est dans les salles de cinéma depuis le 1er février dernier.

Synopsis :

A Strasbourg, un cabinet d'avocates s'est spécialisé en droit des étrangers. Christine Mengus et Nohra Boukara s'y battent chaque jour pour aider leurs clients. Grâce à leur ténacité, leur humour et leur professionnalisme, elles tentent de trouver des solutions humaines face à la Justice et parfois l'injustice de certaines situations. Elles sont pour beaucoup, les avocates de la dernière chance...

Swen de Pauw : le documentariste de l'humain

BDC : Comment avez-vous rencontré les deux avocates de votre documentaire, Christine Mengus et Nohra Boukara ?

Swen de Pauw : Je connaissais déjà les deux avocates. J'ai rencontré Christine par le biais de rencontres professionnelles à Strasbourg. Elles avaient pour but de coordonner plusieurs corps de métiers, professeurs, assistantes sociales, médecins, pour prendre en charge des personnes hors case qui avaient besoin d'aide. J'ai rencontré Nora à l'occasion des 60 ans de l'OTAN. C'était la première sortie de Barack Obama hors des Etats-Unis depuis son élection. L'avocate me dit alors qu'elle souhaitait assigner la préfecture au tribunal administratif suite à la création d'un fichier sauvage et d'entraves à la liberté de circulation. Je ne savais pas que c'était possible d'assigner une préfecture. Je finissais alors mon film sur le psychiatre Georges Federmann. Mon producteur me propose alors d'enchainer sur un documentaire sur ces deux avocates. Au départ, je n'étais pas super emballé. J'avais peur de faire le même film que mon précédent. Mon producteur insiste. Je suis allé à leur cabinet pour répondre à sa demande. Je me suis alors rendu compte que c'était le sujet dont j'avais envie.

BDC : Quelles sont, selon-vous, les qualités de ces deux professionnelles ?

Swen de Pauw : Je travaille sur la notion de " petits pouvoirs ". Je trouve admirable qu'il puisse exister des personnes comme ces deux avocates qui puissent aider les autres. Ce n'est malheureusement pas la norme. Dans beaucoup de domaines, notamment la médecine, les stages sont effectués au service d'établissements publics. Mais une fois en exercice, beaucoup montent une entreprise dans un but lucratif, oubliant parfois leur mission première tournée vers l'entraide. D'avoir des personnes qui mettent à profit leur " petit pouvoir ", non pour s'enrichir, mais pour aider les autres, je trouve cela exceptionnel. Le psychiatre de mon précédemment film, c'était exactement pareil. Il aidait ses patients alors que lui-même était endetté. Aide, soutien, accompagnement, ce sont donc les principales qualités que j'ai trouvées à ces deux avocates.

BDC : Que souhaitez-vous mettre en avant à travers ce film ?

Swen de Pauw : Mon producteur disait que c'est " un film qui rend honneur à la justice française ". On est dans un pays de droit. Les fachos pourront hurler à la mort mais c'est un fait, les émigrés ont des droits dans notre pays. Mon film est là pour le rappeler. A l'instar des plus grands, les émigrés sont eux aussi protégés par un système judiciaire. Il n'est pas possible de traiter ces personnes n'importe comment.

BDC : Quels sont pourtant les principaux dysfonctionnements au niveau de la justice des étrangers en France selon vous ?

Swen de Pauw : Si la justice dysfonctionne, cela ne vient pas des règles françaises à mon sens. Je prends l'exemple des migrants du bateau Aquarius. La mission de sauvetage a été une aberration car il y a eu des discussions autour de la loi applicable en fonction du lieu du sauvetage. On peut alors parler de dysfonctionnement quand, en droit maritime, on n'arrive pas à fixer exactement le pays qui doit répondre à la demande de secours. Les gens peuvent crever, il y a un statut quo des états qui se renvoient la balle. En revanche, quand il est établi que c'est le droit français qui s'applique, il n'y a plus à mon sens de dysfonctionnement. Néanmoins, la notion de justice dans son unicité n'existe pas pour moi. Il y a plein de justices qui diffèrent en fonction des personnes qui appliquent la loi. Chaque avocat ne va pas plaider de la même façon, chaque juge ne va pas apprécier le texte de la même façon, chaque ministre ne va pas avoir la même politique....

" Je travaille sur la notion de petits pouvoirs "

BDC : Les protagonistes ont-ils réussi à oublier facilement la caméra ?

Swen de Pauw : Je ne voulais surtout pas qu'ils oublient la caméra. Je fonctionne totalement à l'inverse. Je veux que l'équipe de tournage soit vue pour que les protagonistes soient conscients de ce qu'ils disent pendant le tournage. Car ce qu'ils me donnent, je le prends. Je filme sans filtre. Concernant les autorisations de tournage, je donne le contrat et je n'attends surtout pas à ce qu'on me le rende signé tout de suite. Je préfère que les clients consultent des avis extérieurs, leur famille, leurs amis, des associations pour faire traduire le document, avant de me remettre leur consentement. Durant ce délai de réflexion, ils prennent conscience que leur apparition va avoir une portée. Les deux avocates ont d'ailleurs été les dernières à me signer leurs autorisations. Elle voulait voir le film avant afin de bien vérifier que toutes leurs règles déontologiques avaient été respectées : qu'il n'y avait pas de noms de clients qui nous avaient échappés au montage, que tout ce qu'elles disaient dans le film pouvait être diffusé...

BDC : Pourquoi est-il important pour vous que ce soit un documentaire de cinéma et non de télévision ?

Swen de Pauw : Je tiens à préciser qu'il n'y a aucune hiérarchie dans mon esprit entre un documentaire de cinéma et un documentaire de télévision. Le cinéma est mon milieu, c'est pour cette raison que je me dirige naturellement vers ce média. Par ailleurs, je trouve que le cinéma français de ces dernières années s'adresse toujours à un archétype de spectateurs, blancs et généralement âgés. Avec Maitres, je veux filmer ce que j'appelle des figures cinématographiques différentes, des étrangers en situation délicate, des individus venant de classes sociales pas forcément aisées. J'espère que cette représentativité à l'écran permettra à un autre public de venir en salle pour ne pas laisser le grand écran qu'à une sorte de public. Le théâtre a depuis quelques années entamé une transformation vers plus de diversité, à la conquête de nouveau spectateur. Je suis convaincu que le 7 ème art peut faire de même. Cependant, il y a encore du boulot...

En savoir plus :

Date de sortie France : 01/02/2023

Distribution France : Nour Films

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Interview / Swen de Pauw pour le documentaire "Maîtres" - Bulles de Culture

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L'interview du réalisateur Swen de Pauw pour son film "Maîtres" dans les salles le 1er février 2023. Le documentaire suit le quotidien d'avocates.

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bande annonce du film Maîtres de Swen de Pauw

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bande annonce du film Maîtres de Swen de Pauw

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Regardez la bande annonce du film Maîtres (Maîtres Bande-annonce VF). Maîtres, un film de Swen de Pauw

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Bande annonce Le Divan du Monde - Swen de Pauw 

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Bande annonce Le Divan du Monde - Swen de Pauw 

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Regardez la bande annonce du film Le Divan du monde (Le Divan du monde Bande-annonce VF). Le Divan du monde, un film de Swen de Pauw

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Bande annonce Ceux de la Nuit - Sarah Leonor

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Bande annonce Ceux de la Nuit - Sarah Leonor

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Ceux de la nuit Bande-annonce VF (2023) Sarah Leonor

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La frontière franco-italienne au col de Montgenèvre. Le jour : le tourisme, des capitaux investis pour rentabiliser la montagne, des emplois saisonniers qui font vivre une grande partie des habitants de la région.

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25 mai 2016 par Swen de Pauw (réalisateur) / Thierry Philippon (entretien)

Pas d'interview, pas de commentaire en voix off mais des mots. Des mots sur des maux. En champ / contrechamp et parfois, de biais. Des paroles que prononcent des patients et un psychiatre (le docteur Federmann) dans le huis clos d'un cabinet privé de la région strasbourgeoise. Durant plusieurs années, un réalisateur, Swen de Pauw, a tenté d'en capter des bribes, grâce à un "cinéma direct", sans fard ni artifice.

Le documentariste a passé ainsi environ cinq ans à construire ce documentaire qu'aucun autre réalisateur n'avait entrepris avant lui. Sujet laborieux, coûteux, médicalement délicat, juridiquement complexe, le Divan du Monde réussit pourtant le pari de captiver le spectateur à l'écoute du monde et de ses maux, à travers la personnalité charismatique et atypique du docteur Federmann.

Si le pari humain d'un tel film crève l'écran, les difficultés techniques et de réalisation, semblent plus secondaires puisque tout le film se joue sur une seule unité de lieu, avec des personnages récurrents. Les écueils n'ont pourtant pas manqué, résolus les uns après les autres, grâce à un dispositif bien particulier, longuement réfléchi. A l'occasion d'une rencontre impromptue (au Festival de La Manufacture d'Idées), le réalisateur a bien voulu dévoiler à magazinevideo l'envers du décor technique du Divan du Monde. La préparation du film est également riche en enseignements sur la manière dont un réalisateur a obtenu la confiance de patients qui sont devenus au fil des mois les "personnages" inities de son film.

MV : 3 caméras filment les patients et le docteur Federmann, quels modèles ont été choisis et pourquoi ?

Swen de Pauw : On a pensé le dispositif très en amont, en 2007-2008, A l'époque on travaillait en Sony HVR-Z1 (sur K7) sur des petits projets documentaires, institutionnels, ou publicitaires. On a fait nos premiers essais (durant 2 semaines) en 2009, avec cette Sony HVR-Z1, alors que c'étaient les débuts des HVR-Z5 / Z7. Et on s'est dit que peut-être une Z5 ou une Z7, ce serait mieux, on n'avait pas encore confiance suffisamment dans les appareils photo dont c'étaient les tout débuts (2008) et qu'on ne savait pas maîtriser. Mais comme le film mettrait un certain temps à sortir, on avait un peu peur que l'image de la Z1 soit dépassée.

Les contraintes financières ont pris le dessus, les Z5 ou Z7 étaient trop chères, on a donc choisi la Z1 et pour obtenir la même qualité d'image entre les 3 sources, il nous fallait donc trois Z1 pour faciliter l'étalonnage. Côté support, on changeait les K7 des Z1 au bout de 40 minutes, même si la consultation suivante était courte, afin de ne jamais être trop juste pendant la consultation.

MV : Louer des Z5 / Z7 était exclu ?

S.D.P : On a calculé à l'époque qu'au bout de 50 à 60 jours de tournage, on rentabilisait l'achat d'une caméra. C'est pourquoi on est parti sur de l'achat. J'avais une première caméra qui m'avait été prêtée par un ami. Pour une deuxième, j'ai lancé un crowdfunding (en 2009), ce qui n'était pas encore très courant à l'époque, en passant par une page Facebook qu'on avait créée et sur laquelle on avait montré la caméra qu'on souhaitait acheter (d'occasion, elle valait 2500-2600 euros). On a atteint la somme. Cela faisait 2 caméras, il me manquait une 3e Z1, c'est alors qu'un collaborateur éloigné nous a proposé d'acheter une Z1 et de nous la louer pour un prix très bas à 10€-15€/jour. Il savait qu'il rentabiliserait la caméra et pour nous cela représentait un tarif imbattable. On aurait pu acquérir une seconde Z1, mais nous n'en avions pas l'utilité après le tournage.

MV : Pourquoi 3 caméras et pas 2, voire 1 en alternant les prises ?

S.D.P : 1 caméra c'était trop risqué, parfois lors de tournages précédents, la batterie pouvait lâcher alors que l'autonomie indiquait " 400 minutes " restantes, c'était des " no name " et j'avais une confiance relative... Avoir 3 caméras, cela voulait dire que j'en avais toujours 2 qui tournaient quoi qu'il arrive.

La 3e caméra était portative, tenue par un opérateur. Cette 3e caméra était justifiée par le fait qu'elle était tenue par quelqu'un dont je connaissais les qualités et les défauts, et qui surtout, pouvait répondre physiquement à un patient fragile, en gérant le stress de la situation. (NDLR : en 2005, un des patients du docteur Federmann a tué l'épouse du psychiatre dans son cabinet et blessé de 4 balles le psychiatre lui-même qui s'en est sorti).

MV : Combien as-tu compilé de nombre d'heures de rushes ?

S.D.P. : J'ai réuni 500 heures de rushes sur les 3 caméras, soit 150 à 175 heures à peu près X 3 + environ 50 heures tournées dans les autres pièces du cabinet qu'on ne voit pas sur le montage final.

MV : Et c'est sans compter le temps de " mise en conditions " et d'essais ?

S.D.P. : Oui le tournage s'est déroulé de août 2010 à décembre 2011, après j'ai même tourné 1 an dans les autres pièces du cabinet. Mais j'ai d'abord passé 2 ans dans le cabinet pour expliquer le projet, sans matériel. Je commençais à instaurer un rythme de 2 jours / semaine et les patents s'habituaient à nous. Les patients qui " supportaient " le projet, on les encourageait à venir les mardi et jeudi. Les autres, qui n'avaient pas envie, venaient les autres jours. On a aussi procédé à des essais durant 2 semaines en 2009 qui nous ont permis d'éprouver le dispositif qu'on avait élaboré pendant 2 ans et on a affiné en fonction.

MV : As-tu disposé des trépieds dans le cabinet ?

S.D.P. : Non j'ai refusé qu'il y ait le moindre trépied pour de raisons d'encombrement; dans un lieu exigu comme le cabinet d'un psy, les patients, le docteur ou nous-mêmes pouvions tout le temps trébucher sur un trépied. Et je ne voulais pas que les patients puissent se dire : " je suis dans un studio de tournage ". Donc pas de trépied.

MV : Et côtés micros ?

S.D.P. : Durant tous les essais sons, qui ont été les plus longs, les différents ingénieurs du son que j'avais rencontrés avaient chacun leur dispositif. C'étaient toujours des super micros et on en avait posés sur le bureau, planqués derrière des feuilles, etc. Mais il y avait trop de bruits de table, le médecin déchirait tout le temps des enveloppes, des papiers, c'est pourquoi au final, les micros ont été suspendus.

MV : Des micros-cravates ont-ils été envisagés ?

S.D.P. : Ça a été envisagé une demi-seconde mais balayé tout de suite ! Le docteur Federmann aurait accepté mais pour moi, il était hors de question de palper un patient, et en plus, les arrêter dans leur élan, avoir une interaction alors que certains se préparent pour aller voir un psychiatre.

Il restait l'éventualité de fixer un micro-cravate uniquement sur le docteur, mais on aurait créé un déséquilibre, le son du médecin aurait été meilleur. Et moi je voulais mettre thérapeute et patient sur un pied d'égalité.

MV : Malgré tout, la prise de son est très correcte ...

S.D.P. : Au tout début du tournage, durant 1 mois, on a eu des très bons micros, des Sennheiser, mais il y a eu un problème humain avec l'ingénieur du son, et du coup, il est reparti avec ses micros. On a fait des essais avec un 1 Neumann KMR81 et 1 Audiotechnica AT897. Le Neumann était meilleur, donc a suivi la même logique que pour les caméras, on a doublonné sur les 2 caméras principales pour supprimer les différences de teinte et pour éviter de donner du boulot supplémentaire au mixage. Ces micros étaient suspendus à la même barre que les éclairages.

MV : Micros et éclairages étaient fixés à une barre ?!

S.D.P. : Oui c'était l'enfer pour mettre au point ce dispositif. Le cabinet est situé au RDC dans une petite rue, donc très mal éclairé. Les capteurs de la Z1 ne suivaient pas. Au départ j'étais contre l'idée d'éclairages artificiels mais je me suis résigné. C'est là qu'un appareil photo aurait été intéressant.

Par hasard, dans ma région, une grosse boîte audiovisuelle a fermé, c'était la caverne d'Ali-Baba (!), j'ai pu acheter d'occasion 3 mandarines 800 watts pour 600 euros (les 3) avec caisse sur roulettes, et un stock d'ampoules. Dans cette " caverne ", on voyait un intérêt à tout... :) J'ai trouvé aussi un moniteur de régie que j'ai payé 500 euros d'occasion.

Pour les lumières, je ne voulais ni pied d'éclairage ni câbles de 5 mètres de haut qui pendent, alors on a écumé tous les magasins de bricolage de la région strasbourgeoise, en expliquant le dispositif. Les responsables de magasins étaient surpris mais contents de tenter de nous aider. Après peut-être 20 magasins de bricolage, on a fini par trouver en pleine cambrousse un magasin qui vend des barres de fixation pour les discothèques et les salles de concerts. Ce sont de grosses barres en alu sur lesquelles on fixe les spots. Ça nous a coûté 600 euros et on fixé ça au plafond, ce qui a entraîné d'énormes travaux dans le cabinet. On a profité de la période d'essais pour les fixer, le cabinet était bien sûr fermé pendant ces travaux.

MV : Ne risquais-tu pas de dénaturer le décor du cabinet ?

S.D.P. : Si. Mais il fallait que tout soit débrayable : installable / désinstallable en 1 minute. A chaque étape, il fallait trouver une solution à un problème. Et du coup, j'ai installé une régie dans le secrétariat du médecin et on a envahi l'espace de la secrétaire avec 5 ou 6 techniciens rivés sur un écran. Dans cette régie, on avait les arrivées de tous les câbles de sons, lumière et vidéo et tous les retours de câbles finissaient en régie. On avait ouvert une tranche électrique (on a fait venir un électricien) pour ne pas faire tout sauter dès qu'on allumait projos et caméras.

J'avais un retour vidéo des caméras avec une petite molette pour passer d'une caméra à l'autre et j'avais un retour son dans le casque. Pendant le premier mois, j'avais un micro-casque, donc je pouvais guider le technicien.

MV : Les câbles ne gênaient ni les patients ni le docteur Federmann ?

S.D.P. : Non on avait tout gaffé, tout remonté le long des murs, on utilisait des cavaliers. Aucun câble ne traînait dans le bureau. Toutes les prises XLR ou vidéo pendaient et il n'y avait plus qu'à brancher les micros, et les caméras. On allumait les lumières depuis le secrétariat en montant / abaissant un fusible.

RÉALISATION

MV : Est-ce que des éléments du décor ont été aménagés ?

S.D.P. : La réalisation est née de fortes contraintes techniques et du coup, ce n'est pas la production qui a dirigé la réalisation, mais c'est la réalisation qui est née en partie de ces contraintes techniques. Il y a un élément important qui n'existait pas à l'origine, c'est le grand meuble noir derrière le docteur Federmann (que nous avons acheté) et sur lequel j'ai posé la caméra qui filme les patients. On la voit, c'est intentionnel, pour donner déjà une clé, et éviter des débats sur le voyeurisme, le fait d'être filmé à son insu, etc. La caméra à cet endroit, c'était aussi pour la laisser dans le champ de vision du patient, derrière le médecin. Ce meuble était par ailleurs réglable cm par cm, ce qui permettait de bien caser la caméra entre les étagères.

Le grand meuble noir permettait aussi de garder le docteur Federmann dans le champ, sinon il sortait du cadre sans arrêt pour chercher ses papiers, alors que là, il se retourne simplement. Et c'était aussi un peu le bordel dans le bureau (en réalité, dans le cadre choisi, on n'aperçoit pas tout le bazar :)), ça permettait de ranger un petit peu. J'ai acheté un meuble noir, la caméra étant noire, pour qu'on voit une masse globale noire, c'est à dire que la caméra puisse être vue mais sans qu'elle attire trop l'attention.

MV : L'achat du meuble, c'est un peu une forme de mise en scène. C'est acceptable pour du documentaire ou ce n'est pas de la mise scène selon toi ?

S.D.P. : Si, si, en soi, c'est de la mise en scène. Mais pour moi, on est déjà dans une modification de la réalité dans la mesure où je demande à un psychiatre et à ses patients d'accepter d'être filmés. Après on peut extrapoler et dire que même si on met une caméra, ça ne change pas les comportements des patients qui oublient la caméra (NDLR : Marco Lamensch et Jean Libon, créateurs de l'émission Strip Tease, et qui passaient plusieurs mois en repérages, ont souvent révélé que même sans caméra, les gens étaient vraiment ainsi au naturel).

MV : C'est la seule mise en scène ?

S.D.P. : Oui, il était hors de question de faire répéter des phrases même si une caméra claquait ou un micro avait mal capté le son. C'était d'ailleurs assez particulier quand une batterie lâchait car tu ne peux pas dire au patient et au docteur qu'on arrête parce que ta caméra a lâché. Tu dénatures l'équilibre que tu essaies de mettre en place, alors on faisait semblant de continuer à filmer !

MV : Et la caméra qui filme le docteur Federmann, où se trouve-t-elle ?

S.D.P. : Je l'ai insérée dans une bibliothèque qui existait déjà. Elle n'apparaît à l'écran que lorsqu'on découvre une situation à 2 patients dans laquelle le cadre est élargi, elle se situe légèrement au-dessus des têtes des patients.

Mais on a fait intervenir malgré tout un menuisier car on avait tous nos réglages, zoom, PDC, etc, mais la semelle avait besoin d'être calée, pour qu'on ne mette pas 3 heures à chaque fois à la remettre dans le bon axe, l'ajuster, etc. C'était important au niveau de l'écriture du documentaire qu'on retrouve les personnages à la même place dans le même endroit de l'écran, bref que la fixité de la caméra nous ramène à la fixité d'une consultation typique. La composition de l'espace devait rester la même.

MV : Rien ne vient perturber en effet ce dispositif, d'ailleurs même pas des plans de coupe ? On aurait pu imaginer qu'il y en ait, par exemple en intro du film.

S.D.P. : Oui on s'est posé la question. Je n'aime pas les plans de coupe en tant que cache-misère.

MV : Le montage final dure 1H30. Mais combien de temps as-tu pris pour monter ?

S.D.P. : J'ai pris 1 an pour dérusher, j'ai quitté Strasbourg, j'avais besoin de me détacher. Ensuite, je suis revenu et j'ai travaillé avec une monteuse pendant 6 mois. Et on a employé 5 ou 6 stagiaires au montage qui eux, calaient les 3 caméras pour que je puisse monter les rushes, un peu comme un match de foot. Ainsi , sur les 3 axes, on voyait immédiatement quelle était la meilleure image des 3 sources.

En termes techniques, j'avais acquis les images des K7, j'avais 8 DD et j'avais cloné ces disques pour avoir tous mes rushes en double. J'ai laissé mes disques à Strasbourg avec les stagiaires, et je suis parti à l'étranger avec les DD clonés. Les stagiaires m'envoyaient le fichier FCP par Internet avec les 3 pistes son calées, les 3 caméras, etc. Je travaillais à l'époque sur FCP6.

Les stagiaires avaient aussi retranscrit les conversations pour que je puisse monter " à l'écrit " et pas seulement " à l'image " car je considère que quand tu montes ce film à l'image, tu as tendance à t'endormir, surtout quand tu regardes les mêmes patients dans le même décor pendant des mois, alors que sur papier, c'est une autre manière de fonctionner, c'est plus dynamique avec une recherche par mot-clé éventuellement.

Par exemple quelqu'un qui va parler constamment de sa voiture, tu vas pouvoir lancer une recherche écrite, tu peux faire des liens avec d'autres histoires ou des passages que tu n'as pas forcément " entendus " en regardant les rushes, d'autant que la parole est le guide, la " lumière " du film.

MV : L'image est très belle au final. Comment obtiens-tu cette image presque cinéma ? Et pourquoi une diffusion au cinéma ?

S.D.P. : Au départ, je suis un "mec de cinéma", plutôt que télé, d'ailleurs il n'y a toujours aucune diffusion télé prévue pour l'instant ! La télé c'est la mort d'une esthétique, la mort d'une forme de discours, mais paradoxalement une thématique proche de la mienne est sortie en série à la télé : la série In Treatment (En analyse) avec Gabriel Byrne. Je la connaissais quasiment depuis sa création, mais je n'ai commencé à la regarder que lorsque j'ai débuté le montage. J'ai d'ailleurs trouvé que c'était une bonne série en tant que spectateur. Mais le Divan du Monde, c'était mon bébé, et j'avais l'impression qu'on me fauchait une idée... C'était naze de penser comme ça, mais j'avais cette impression. La seule chose qui m'embête, c'est qu'on me parle de In Treatment comme une référence possible (pour moi), alors que mon projet était déjà imaginé avant que je ne vois la moindre image de la série.

La chose incroyable, c'est que la série américaine sort quasiment après la genèse de mes préparatifs de tournage (en 2007-2008) mais est diffusée dix fois plus vite que mon film. Je suis la tortue qui se fait rattraper par un lapin.

MV : Et pour en revenir à la belle image cinéma obtenue ? Tu as ajouté du grain ?

S.D.P. : Non mais l'étalonneur a fait du bon travail. En fait on a refilé le bébé à des gens qui ne sont que des professionnels de cinéma, l'une d'elle (Katharina Wartena), qui a travaillé 6 mois sur le film, a d'ailleurs remporté l'équivalent aux Pays-Bas du meilleur montage pour un précédent film. Une autre, Laureline Delom, ne travaille quasiment que pour le cinéma.
Ce ne sont pas des spécialistes du documentaire, car je ne voulais pas un rythme de documentaire, mais plutôt comme une fiction, avec un autre rythme. On a filé également l'étalonnage à quelqu'un qui ne travaillait que pour le cinéma (2 jours d'étalonnage).

La systématisation des plans a forcément aidé le monteur ou étalonneur puisque c'était toujours le même type de plans ou de texture à l'image. Et idem pour le mixage ciné alors que notre son n'était pas extraordinaire.

MV : Au total 9 intervenants (couple compris) alors que tu as filmé 80 patients ?

S.D.P. : Le montage, c'était l'horreur. Tu procèdes à l'inverse de tout ce que tu as fait pendant des années, c'est à dire humaniser des patients, en faire des sujets et pas des objets. Et au montage, tu " réobjectives " les gens, tu arrives à des raisonnements extrêmes, c'est à dire par exemple : j'ai 8 femmes alcooliques battues par leur mari, il faut que j'en élimine 7, et que j'en garde 1, car elles racontent toutes la " même " histoire. Alors que ce que tu devrais faire, c'est un film sur ces 8 femmes, parce que chacune ont des singularités qui les différencient.

MV : Mais alors pourquoi en avoir filmé 80 attendu que le montage promettait d'être difficile ?

S.D.P. : J'ai filmé tous ceux qui acceptaient, sans exceptions. D'autre part, je ne connaissais pas les gens ni leur potentiel de " personnage de cinéma " avant de les avoir filmés car ils peuvent être complètement différents dans la rue et dans le bureau d'un psychiatre, sans avoir la même posture. L'autre raison qui m'a conduit à me retrouver avec 80 personnes est qu'il ne faut pas avoir des préjugés et définir qui va être bon et qui ne va pas l'être. Leur humanité, c'est de la nitroglycérine, tu ne peux pas dire : toi je te filme, toi je ne te filme pas.

MV : Quand on est reporter ou documentariste, on peut rechercher ce que l'on appelle " le bon client ". Se dire que telle personne a un caractère intéressant qui peut orienter le choix...

S.D.P. : En ce qui concerne Georges Federmann, qui est le personnage central, ce serait mentir que de dire que je ne savais pas que ce serait " un bon client ". Mais en face, c'est la multiplicité des patients qui vont en faire des " personnages de cinéma ". Certains patients, je les ai découverts sur la longueur, pas à la première rencontre. Et à l'inverse, certains n'étaient pas sûrs de vouloir rester dans le dispositif.

MV : Comment s'est déroulée la présentation du film avec les patients ? Est-ce que tu leur as promis de leur montrer les images ? Et quelle a été la proportion de ceux qui ont accepté / refusé ?

S.D.P. : Oui à tous, cela faisait partie du " deal ". Je me suis procuré une session de droits à l'image d'une chaîne de télévision, j'ai utilisé ce document de départ en le montrant à des amis avocats et en le détaillant avec eux, j'ai ajouté 1 ou 2 phrases pour préciser que la cession de droits était spécifique au projet et qu'à partir du moment où on voulait en faire une autre utilisation, on revenait vers eux.

Le document de la chaîne était en soi hyper stressant (pour le patient) ! J'ai demandé aux patients de ne pas le signer tout de suite, de l'emmener chez eux, de le regarder à tête reposée, de le montrer à un avocat ou à leurs copains, de revenir me voir et de me dire. Et ensuite je leur ai dit qu'ils avaient accès quand ils le voulaient aux images (pas celles des autres évidemment). Je leur disais néanmoins que je préférais qu'ils ne les regardent pas car je préférais qu'ils les voient dans l'ensemble du film, déjà parce que je n'étais pas sûr de les mettre dans le film, au point que j'en ai parlé au départ avec le docteur Federmann, pour qu'on se mette d'accord sur des personnes qui supporteraient de ne pas se voir à l'image dans le montage final, même si je les ai filmées sur 40 séances.

Ce faisant, les patients pouvaient stopper à tout moment, même après le visionnage final.

Au départ, sur les 300 patients environ du Dr Federmann, j'ai dû en rencontrer entre 200 et 250 et je n'en ai filmés " que " 80. Plein ont refusé.
Mais au final aucun patient qui m'avait donné son accord n'a voulu sortir du film, certains sont même venus en famille lors de la première projection. C'était un signe de confiance.

MV : Et quel était l'accord avec le docteur Federmann ?

S.D.P. : L'accord avec Federmann, c'est qu'il n'intervienne jamais côté artistique mais qu'il soit vigilant pour tout ce qui touche au médical. Si un aspect du tournage avait altéré la thérapie en quoi que ce soit, il fallait que Federmann mette le holà et qu'on trouve une solution. Il n'a jamais eu besoin de le faire. Par contre, il a dû dire une ou deux fois " est-ce que c'est la caméra qui vous gêne " ou " est-ce que vous avez vraiment envie d'en parler devant la caméra ? "

MV : Pourquoi es-tu un des premiers réalisateurs (sinon le premier) à filmer un psychiatre dans son cabinet privé ?

S.D.P. : Je ne sais pas. Les seules rares expériences que je connaisse sont aux Etats-Unis, notamment un film avec 4 personnages " Sleepless in New York" de Christian Frei qui a été présenté à Visions du Réel 2014. Mais le réalisateur les filmaient principalement en dehors du cabinet.

Je pense que les médecins ont peur d'être jugés par leurs pairs. Ils sont seuls tout au long de leur carrière, offrir leur image relève du contresens. Par ailleurs, ce sont des gens intelligents et puissants qui ont le pouvoir du langage. Et s'il n'ont pas envie d'être filmés, ils vont très bien savoir l'expliquer.

MV : Comment finance-t-on un film aussi long, comment on se lance dans une telle aventure ?

S.D.P. : Nous avons présenté des budgets à 350.000 euros ou 400.000 euros. Mais on s'est amusés à calculer le coût réel, avec les conventions collectives, etc, on a abouti à un total de 2,5 millions d'euros ! Quand on sait que même les très gros documentaires font jusqu'à 1 millions d'euros maximum, ça donne une idée...

Sinon on a reçu seulement 80.000 euros de subventions cinéma + 10.000 euros récemment. Jusqu'au montage, personne n'a été payé. Rien qu'avec le montage, on a dépensé 60.000 euros, charges comprises. Moi j'ai mis tout mon argent personnel dans le film pendant plusieurs années au prix de pas mal de sacrifices, mais c'était mon choix. On a essayé de le produire pendant 2 ou 3 ans, c'était galère mais après, on a eu de la chance d'avoir des coproducteurs. Et à ce moment-là, tu n'es plus tout seul.

photos (sauf dernière) : © Promenons-nous dans les bois Promenons-nous dans les bois !

Propos recueillis par Thierry Philippon

Vous pouvez aussi retrouver un entretien avec Swen de Pauw sur Aligre.fr. Cet entretien est plus orienté sur le rapport du réalisateur au psychiatre et aux patients et il est ponctué de plusieurs extraits audio du film.

Un DVD du film "Le Divan du Monde" sortira prochainement. Nous vous tiendrons informés sur le Forum.

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Des caméras et des maux, une news de la rédaction de magazinevideo

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MALORY CONGOSTE

Directrice de la Photographie

"Les Archives d'après Minuit"
Série Ina - Diffusion sur INA Madelen

Minuit.
12 coups.
12 épisodes qui nous plongent dans les tréfonds du fantastique et du bizarre à la télévision française, là où se côtoient sorcières, extraterrestres, tueurs en série, chasseurs de fantômes, zombies, vampires, savants fous et loups-garous.

"Celle qui n'avait pas vu Friends"

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MALORY CONGOSTE Directrice de la Photographie "Les Archives d'après Minuit" Série Ina - Diffusion sur INA Madelen Minuit. 12 coups. 12 épisodes qui nous plongent dans les tréfonds du fantastique et du bizarre à la télévision française, là où se côtoient sorcières, extraterrestres, tueurs en série, chasseurs de fantômes, zombies, vampires, savants fous et loups-garous.

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ITW minutée Bande à part Ceux de la nuit de Sarah Leonor

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ITW minutée Bande à part Ceux de la nuit de Sarah Leonor

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Entretien : Ceux de la nuit - Sarah Leonor - BANDE À PART

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L’interview minutée de Sarah Leonor ou comment parler du film Ceux de la nuit en contournant légèrement le train-train promotionnel. BANDE À PART, magazine de cinéma.

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D'une envie comme chevillée au corps, le musicien Rodolphe Burger, leader jusqu'en 2004 du groupe Kat Onoma, a toujours initié des rencontres plutôt paradoxales, souvent déterminantes, y compris avec des artistes ou d'autres personnages sans renom ou sans œuvre, et au point même de se saboter. Transfigurant le rock, il a poursuivi un cheminement, mêlant son histoire intime à une certaine histoire de la musique, une histoire de gens à une histoire de lieux. Et en s'avançant vers une destination qu'il ne souhaitait pas forcément connaître. Tout au plus sait-il quelles sont ses terres d'attache : Sainte-Marie-aux-Mines, Paris, l'Île de Batz. Tout au plus sait-il qu'il y a une provenance à tout cela - que son parcours personnel l'a conduit de la philosophie à la musique.

Musician and Kat Onoma band leader until 2004, Rodolphe Berger lives as if he had nine lives. He's had many determining if paradoxical meetings, with artists or fameless and workless characters, to the point of sabotaging himself sometimes. He kept on going no matter what, transfiguring rock music, mixing his own intimate story with some history of music, a story of people with a story of places. He kept going towards a destination he didn't necessarily want to know about. We only know where his home bases are: Sainte-Marie-aux-Mines, Paris, Batz Island. We only know that it all stems from something - that his personal path took him from philosophy to music.

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Film-documentaire.fr est le site francophone de référence et la plus grande base de données collaborative de documentaires.

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Lucile Coda « QU’EST-CE QU’ON VA PENSER DE NOUS ? » : LA PLACE (QU’ON PREND AU FIL DU TEMPS)

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Lucile Coda « QU’EST-CE QU’ON VA PENSER DE NOUS ? » : LA PLACE (QU’ON PREND AU FIL DU TEMPS)

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Quiconque aura lu La Place d'Annie Ernaux reconnaîtra très vite la filiation, ou le cheminement, tantôt choisi, tantôt subi, d'une femme qui avance.
D'une libre adaptation de ce livre, retranscrite dans sa propre sphère autobiographique, Lucile Coda tire son premier film documentaire Qu'est-ce qu'on va penser de nous ?

Élever, s'élever... entre ces deux mots bien différents se joue une multitude de trajectoires vers lesquelles Lucile Coda chemine : grandir, s'émanciper, comparer, se comparer, faire le point régulièrement, se rappeler où on est, se souvenir d'où on vient... Cheminement cérébral pour commencer, qui devient très vite une expérience sensible en forme de portraits et d'autoportrait, sans reproche, sans regrets, sans amertume, mais avec une distance qui se plaît à se perdre pour garder son innocence et son port altier. Au fond, elle s'inclut dans ce " nous "... chacun des portraits prend sa juste place, la place, le film est un chemin.

Il vient d'être récompensé de deux prix au Festival des Écrans Documentaires (Arcueil) : le Prix des Écrans 2023 et le Prix des Lycéens.

Cinq étudiant·es en Licence d'Arts du spectacle de l'Université Rennes 2, faisant partie de l'atelier Programmation du Ciné-Tambour, coordonné par JB Massuet, sont venus aux Rencontres de Films en Bretagne. Leurs missions ? Trouver un film parmi la sélection pour le programmer au Ciné - Tambour - le ciné-club pointu et réputé de l'Université - début 2024 et écrire leurs retours d'écran.
Autant de styles, d'approches, d'impressions différentes qui constituent une constellation de regards de spectateurices cinéphiles... Arno Chamberlan, Trivie Exaucé Massengo, Juliette Le Cam, Thomas Milon, Sofyan Talbi se sont prêté·es à cet exercice - périlleux ! - de l'écriture.

Voilà notre dernier film des Rencontres de Films en Bretagne et quelle fin géniale ! Pour un premier film, c'est absolument grandiose et c'est notre court de cœur à tous les 5 (sans aucune hésitation, ni aucun débat). Juliette Le Cam

Ce film est drôle, émouvant et donne envie de faire plein de choses. On a envie de délaisser un peu la fiction pour voir et revoir plein de films documentaires. On a envie de filmer ses parents, ses amis, tout le monde ! Rien que pour cet effet-là le film est génial.

Au-delà de cela, le film de Lucile Coda est extrêmement touchant car intimiste de par le dispositif : la réalisatrice filme elle-même sans équipe de tournage des moments très personnels avec ses parents.Le film est très riche sur le fond, il parle de tellement de choses à la fois que tout le monde peut se sentir concerné et être touché .

Formellement, c'est assez simple mais certains choix d'échelle de plan et de mise en scène sont très intelligents et foncièrement efficaces.

Enfin, je ne suis d'habitude pas très fan de la voix off, mais ici elle est parfaitement équilibrée et elle intervient sans être envahissante, sans nous orienter à penser de telles ou telles manières.

Thomas Milon
Après avoir terminé ses études dans une grande école de commerce, Lucile Coda se demande ce qu'elle va faire de sa vie. Elle décide alors, contre toute attente, de rentrer dans son village natal afin de faire un film centré sur ses parents, Philippe et Viviane.

La grande beauté du film réside dans ce retour aux sources, cette façon si douce qu'à Lucile Coda de filmer ses parents, de filmer les oubliés de la France comme le chante Gauvain Sers dans l'une des scènes du film.

En filmant le banal, le quotidien, Lucile Coda nous montre ce petit monde oublié qu'est la France des campagnes, cette France vieillissante mais bien présente que le cinéma semble avoir pourtant oublié. L'émotion naît alors de la simplicité des choses qui l'entoure et qu'elle filme, comme le départ à la retraite de son père ; un plan rapproché fixe sur le visage de ce dernier, alors au bord des larmes suite à un discours proclamé en son honneur retraçant les étapes importantes de sa vie, nous fait ressentir toutes les émotions contradictoires que l'on peut ressentir dans ces situations. Un grand film.

Vie vue à l'américaine...

Ouverture du film, presque irréelle : c'est une plongée en apnée dans le décalage, dans la faille qu'interroge le film...

Cérémonie quasi hollywoodienne, éclairage et annonces tonitruantes et, qu'on l'appelle mortier, toque de fin d'étude ou encore mortarboard, il y a ce couvre-chef rectangulaire des films américains, avec la toge universitaire longue (l'un n'allant évidemment pas sans l'autre dans ce cérémoniel codifié). Ce chapeau universitaire représente à la fois la fin de la vie d'étudiant et la concrétisation de plusieurs années de travail, la réussite universitaire, la réputation des établissements d'enseignements supérieurs et l'appartenance à un réseau professionnel. Il matérialise le rite de passage, la fierté, la solennité du moment. Mais, contrairement à ce que l'on pourrait penser, l'origine du motarboard est européenne et date de la Renaissance italienne : la " Biretta " était portée par le clergé, puis ce couvre-chef était porté en Italie et en France au XIIIe siècle dans les premières universités européennes, dans les couloirs de la Sorbonne notamment...

Le film s'ouvre donc dans cette solennité, pourtant solitaire, où tous les protagonistes ne trouvent pas leur place - l'effort serait aussi démesuré que ce show " inhabité " -, où le film trouvent ses marques assez vite... Il se précipite dans ses marques pour ainsi dire... Avec un enjeu qui s'avoue assez vite fluctuant... du mépris au mépris du mépris...

Champ : une routine qu'il faut bien mériter #1

Et puis il y a très vite le champ, au propre comme au figuré, où les parents travaillent. Le film se réveille là d'où il vient. Il commence où finit le Candide de Voltaire, à cultiver son jardin. Il commence aussi sur La Place d'Annie Ernaux, dans cet " amour séparé " des parents et de là où on vient. Et le film de revêtir l'habit de sa fierté de film : le film est une entreprise d'inventaire, de fouille archéologique, qui creuse doucement son sillon, sans oublier de prendre sa part de responsabilité.
Il y a là une vie de labeur, tendrement esquissé. Un labeur ENSEMBLE, un labeur aimant, un bonheur simple malgré la pénibilité, une Franche-Comté verte où la discrétion est une valeur fondamentale à en croire le parcours sans heurts et sans lutte de cette famille. Pourtant, ces parents ne sont pas sans histoire : lui, Philippe, est l'avant dernier d'une famille de sept enfants, fils de parents Italiens qui ont fui l'Italie de Mussolini... Il a été ouvrier, cantonnier, balayeur, et travaille toujours, malgré son droit à la retraite. Elle, Vivianne, a grandi au Sénégal, en Allemagne, au gré des mutations de son père qui travaillait dans l'administration de l'armée. Elle a travaillé comme hôtesse d'accueil pendant plus de quarante ans. Ils ont cultivé leur jardin, pour revenir à Voltaire. Aucune résignation, mais la lutte silencieuse pour " élever " leur enfant. " Elever " : il y a tant de nuances dans ce mot !

On est les oublié(e)s

Le film prend le temps des portraits " uniques " de chacun des parents. Il est pourtant difficile de les considérer séparément... Le film fait ce chemin, avec toute l'attention délicate de considérer Philippe et Vivianne pour ce qu'ils sont en tant que personnalités qui existent, sont, cheminent, interagissent au-delà du cercle familial. Philippe est un homme apprécié, dévoué à toujours bien faire... Ses collègues le lui rendent bien. Vivianne est plus solitaire, à la retraite depuis 2018, et parfois en conversation secrète avec quelque rêve enfoui. " On est les oubliés ", dit-elle... ou plutôt chante-t-elle... La chanson qui est là, dans la cuisine, traduit la chose subtilement, comme un porte-voix, une projection, une façon d'être moins seule.
Vivianne change de visage régulièrement dans le film... c'est à la fois étrange et rassurant, il change au gré des aléas du voyage du film, au gré de son aise ou son malaise à être filmée... elle se prête au jeu pour jouer le jeu de son enfant, elle est confiante, mais toujours tirailler par cette discipline observée une vie entière : rester discrète.

Côte à côte face à la montagne : une routine qu'il faut bien mériter #2

Le film suit les saisons et s'accorde une pause estivale. Au bord du lac, face à la montagne. Il fait le point sur la distance, la justesse de la distance, comme " dans le dos des parents " (parce que le traitement semble parfois traduire cinématographiquement les choses dans un premier degré immédiat et salutaire). La justesse du film passe par le doute et ses chemins de traverse, par une parole qui cherche rarement l'efficacité percutante, plutôt la sincérité partagée, y compris celle de celle qui filme.
Alors lorsqu'on se trouve sur cette plage, " à l'ombre de la montagne ", il y a quelque chose de serein, de l'enfance retrouvée, de se sentir dans la place, au bord de l'eau, dans une quiétude bien méritée.

Les inséparables... qui font des ronds dans l'eau

Et la scène de se prolonger par ce bain où, tels des inséparables, les parents fond des ronds dans l'eau. Sans démonstration, ils semblent se dire discrètement (toujours) " Je t'aime "... Ils ont traversé une vie simple, modeste, sur laquelle ils peuvent tantôt poser un regard résigné et/ou sans illusion. Ils sont néanmoins parvenus à " durer ", et durer, c'est un travail de chaque instant, aussi.
Bain de jouvence, bain de légèreté... qui dure lui aussi, abandonné à sa rêverie. La filmeuse assiste-t-elle à : 1. quelque chose qu'elle ne soupçonnait pas. 2. quelque chose qu'elle avait oublié 3. quelque chose qui la touche au plus profond et fera très prochainement rebondir le film ? Le trois à la fois, au premier degré encore une fois, chacune des propositions révélant sa substance pour enfanter sa situation. L'image raconte parfois au-delà de ce que l'on voit. Remember The Fabelmans !

Contrechamp : prendre une place, oser la mériter

La filmeuse apparaît soudain - le photogramme d'après et sa légende arrivent juste avant, ils sont ici volontairement inversé... parce que jusque là, elle ne prenait pas de place dans cette chorégraphie. Elle l'observait, cherchait la distance... Soudain, elle est contrainte de rentrer dans la danse, à leurs côtés : Lucile a fait un chemin, en prenant le risque de faire fausse route... " Qu'est ce qu'on va penser de nous, c'est ça le titre du film ? Mais qui c'est qui dit ça ? "
Figure de la mère, digne, aimante, toujours à sa juste place. Figure de la fille, toute aussi digne, aimante, qui trouve sa juste place.
Qu'est ce qu'on va penser de nous ? est un film d'amour. Avec ce souffle léger et bienfaisant des films qui ne sont pas fabriqués par leurs auteurs ou autrices, ces films où les choses se font plutôt dans l'autre sens, ce sont les filmés et les filmées qui font les filmeurs ou les filmeuses. Le réel à sa propre grâce, et c'est le propre du courage documentaire de se laisser porter par cette grâce et le temps qu'elle prend.

Qu'est qu'on va penser de nous : qui c'est qui dit ça ?

Ce plan, c'est celui qui précède le contrechamp sur le Lucile... Figure de la mère, digne, aimante, toujours à sa juste place, disais-je. Figure de la mère, digne et respectée, et miroir qui révèle. Vivianne est forte. Et nous savons à ce moment-là à quel point elle est une belle personne. Au détour de cette forêt, à l'abri des regards, nous pouvons bien tout nous dire... Nous avons fait le chemin ensemble : itinéraire d'enfants gâté·es, itinéraire de sentiments partagés mais parfois peu communiqués, itinéraire qui aboutit à une rencontre vraie, pleine d'admiration et de respect avec celles et ceux qu'on ne voit plus (regarde plus) tant ils et elles sont proches.
En toute innocence, une leçon sur la distance.

2023 * Documentaire * 69 minutes

Synopsis : Il a été ouvrier, cantonnier, balayeur. Elle a toujours été secrétaire. Mes parents s'inquiètent. Pourquoi n'ai-je pas de travail après de longues études si chères ? En mêlant le récit autobiographique à des instants de vie familiale, je tente de retranscrire le chemin parcouru entre rêves d'ascension sociale et désillusion.

Une coproduction production déléguée : Mille et Une Films / Vie des Hauts production * avec la participation de Emmanuelle Jacq et Gilles Padovani
soutiens du CNC (Fonds d'Aide à l'Innovation et FSA), des régions Bretagne (développement et production) et Bourgogne Franche-Comté (écriture et production), de la procirep-angoa (production) et de la ce film à bénéficié de la Bourse " Brouillon d'un rêve " de la SCAM
Rencontres d'août de Lussas 2020 / Dispositif Cinéaste en Résidence - Périphérie - 2022

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" QU'EST-CE QU'ON VA PENSER DE NOUS ? " : La place (qu'on prend au fil du temps) - Films en Bretagne

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" QU'EST-CE QU'ON VA PENSER DE NOUS ? " : La place (qu'on prend au fil du temps)

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les collaborations documentaires d'Aline Huber

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les collaborations documentaires d'Aline Huber

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sélection francophone européenne des états généraux

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ARDECHE IMAGES : Réalisateurs - Aline Huber

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Créée en 1979, l'association Ardèche Images, basée à Lussas, en Ardèche, regroupe quatre secteurs engagés dans le développement du cinéma documentaire de création par leurs activités de formation et de diffusion.

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interview par Strasbourg Metropole en tant que Cheffe op son sur le long métrage Mon Legionnaire (2019)

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Films documentaires de Franck Vialle - Ardèche image

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Films documentaires de Franck Vialle - Ardèche image

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ARDECHE IMAGES : Réalisateurs - Franck Vialle

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Créée en 1979, l'association Ardèche Images, basée à Lussas, en Ardèche, regroupe quatre secteurs engagés dans le développement du cinéma documentaire de création par leurs activités de formation et de diffusion.

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Page de Marie Dumora sur l'Acide : biographie, filmographie, extraits, écrits...

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Page de Marie Dumora sur l'Acide : biographie, filmographie, extraits, écrits...

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Le site de l'ACID - Association du Cinéma Indépendant pour sa Diffusion

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Marie Dumora tourne ses films dans l’Est de la France à quelques arpents de terre les uns des autres et s’est créé ainsi un territoire de cinéma. Le personnage d’un film l’amène vers le suivant comme un fil d’Ariane, si bien qu’il n’est pas rare d…

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Malory Congoste, directrice de la photographie, Paris | Crew United

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Films : Celle qui n’avait pas vu Friends, Arthur H - Nancy, Les Archives d’après minuit, Love Bug, Le Somnambuliste (digital), Tout à coup - En cours (sketch Inernet)

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Les films de Michel Klein - Sens Critique

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Les films de Michel Klein - Sens Critique

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Acteur, réalisateur et producteur. Michel Klein est connu pour Orpheline, Je suis un No man's land, Peau de cochon.

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co-écriture et co-réalisation du film documentaire El Asembleo

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Dossier de presse Loin de vous j'ai Grandi de Marie Dumora

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Dossier de presse Loin de vous j'ai Grandi de Marie Dumora

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Aller au contenu principal Centre Pompidou

Image du film " Emmenez-moi "

Image du film " Emmenez-moi "

Anthony a maintenant 15 ans et s'apprête à passer un CAP de menuiserie au foyer de L'Institut Mertian à Andlau avec Jules, Jimmy et Sébastien. Ensemble, les quatre garçons imaginent leurs vies. Plus que d'obtenir son CAP, Anthony rêve de rejoindre son père. Mais son père habite le Nord. La route est longue.

Projection du film de Marie Dumora :

Emmenez-moi, France, 2004, couleur, 90 min.

En présence de Marie Dumora

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Aller au contenu principal Centre Pompidou Image du film " Emmenez-moi " Image du film " Emmenez-moi " Anthony a maintenant 15 ans et s'apprête à passer un CAP de menuiserie au foyer de L'Institut Mertian à Andlau avec Jules, Jimmy et Sébastien. Ensemble, les quatre garçons imaginent leurs vies.

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ITW Diego Governatori sur Quelle Folie !

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ITW Diego Governatori sur Quelle Folie !

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Diplômé de la Fémis, Diego Governatori a collaboré pendant 10 ans avec son frère Luca. Ils ont ensemble réalisé plusieurs courts et moyens-métrages. Cette fois-ci, il revient sur les écrans avec son premier long métrage, Quelle folie, un film documentaire dans lequel il filme Aurélien, son ami autiste.

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Extraits de l'entretien

"C'est un documentaire sur un ami très proche et dans ce film, je voulais reprendre la main sur quelque chose de plus quotidien, pour faire en sorte que quelque chose de plus intime de ma vie soit au travail. "

"Le flot de paroles est l'incarnation de tout ce que je vivais avec Aurélien depuis des années. Aurélien est celui qui parle, et moi celui qui écoute. Je vous laisse imaginer la façon dont il a pu me remplir pendant des années, et quelque chose a débordé de ce flux. C'était épuisant mais extrêmement stimulant, puisque dans ce flot et ce flux tout communique, aussi bien ses problèmes personnels que de grandes fulgurances philosophiques. Mon plus grand travail sur ce film c'est l'écoute, mais aussi la canalisation de ce flux. Faire un film sur la parole, c'était à la fois être très décomplexé par rapport à la quantité de parole qu'il allait contenir, mais aussi être extrêmement rigoureux sur l'organisation de ce flux et de ce flot. La question qui s'est posée est : comment organiser un chaos."

"Je voulais protéger le film d'un excès de cérébralité, et très vite j'ai engagé un travail de transformation de cette parole en images et en sensations. C'est là-dessus que s'est bâti tout le travail d'écriture et de conception du film. L'idée c'était de traduire en images, en sons et en montage tout ce qui pouvait évoquer le lien qu'entretient Aurélien avec le monde, avec les autres, ses difficultés de rentrer dans les cercles sociaux, professionnels et culturels. Je voulais que le spectateur puisse ressentir vraiment ce qu'il vivait, afin d'avoir un œil aiguisé sur sa solitude."

Archives

Jean Oury, émission " A voix nue ", France Culture, 1990

Michel Foucault, émission " Les matinées de France Culture, 1972

Extraits

Quelle folie, film de Diego Governatori, 2019

Références musicales

Simon Goubert, S'il vous plaît

Simon Goubert, Pina Bausch

Prise de son

Valérie Lavallart
Vous pouvez écouter et/ou podcaster l'entretien en cliquant sur le lien ci-dessus

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Diego Governatori : "L'enjeu du film est de saisir l'insaisissable"

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"Quelle folie", le premier long métrage du réalisateur sort en salles le 9 octobre. L'occasion de l'interroger sur ce qui l'a poussé à filmer Aurélien, son ami autiste. Il évoque le flot de paroles à canaliser, et surtout l'importance de l'écoute.

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LE BLEU TE VA BIEN : premier film, en première diffusion dans l’heure D - Films en Bretagne

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LA MOITIÉ DU MONDE, documentaire réalisé par Nathalie Marcault
Un jour, je tombe sur cette phrase de Marguerite Duras qui me saisit : “Je crois qu