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Em Mágoas da Escola, Daniel Pennac aborda os problemas da escola e da educação desde um ponto de vista insólito - o ponto de vista do mau aluno. Pennac, que foi ele próprio um péssimo estudante, analisa a figura do cábula outorgando-lhe a nobreza que merece e restituindo-lhe a carga de angústia e dor que inevitavelmente o acompanha.

Misturando recordações autobiográficas e reflexões acerca da pedagogia e das disfunções da instituição escolar, sobre a dor de ser um mau estudante e a sede de aprendizagem, sobre o sentimento de exclusão e o amor ao ensino, Daniel Pennac oferece-nos, com humor e ternura, uma brilhante e saborosa lição de inteligência.

Mágoas da Escola é um livro único e irrepetível, que todos os pais e todos os professores não podem deixar de ler - e dar a ler.

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Em Mágoas da Escola, Daniel Pennac aborda os problemas da escola e da educação desde um ponto de vista insólito - o ponto de vista do mau aluno. Pennac, que foi ele próprio um péssimo estudante, analisa a figura do cábula outorgando-lhe a nobreza que merece e restituindo-lhe a carga de angústia e dor que inevitavelmente o acompanha.

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Welcome to 48 Doughty Street, the London home of Charles Dickens

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Visit the Charles Dickens Museum in London, the place in which Oliver Twist was written. The museum is a fantastic thing to do in London, with events and activities regularly being hosted. The museum is set up as a Victorian middle-class home and looks as though Dickens has just left. We also offer guided tours.

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"Dubliners" is a unique record of life in Dublin, Ireland, at the turn of the last century.

JJ Clarke, from Castleblaney, Co Monaghan, took the photographs between 1897 and 1904, when he was a medical student in Dublin. Dr Clarke's photojournalistic approach to his subjects allowed him to capture vivid scenes from the daily lives of Dublin's men, women and children.

Compelling in themselves, the images also show us how the city looked to writer James Joyce. His best known works - the short story collection Dubliners, and the novels A Portrait of the Artist as a Young Man and Ulysses - are all set around this time, when Joyce too was a young student fascinated by the world around him.

Many of JJ Clarke's photographs show Dubliners making their way along the city streets, or taking a moment's rest.

These figures could easily have appeared in any of Joyce's works, and been passed by Stephen Dedalus or Leopold Bloom as they wander through the fictional Dublin of Ulysses on 16 June 1904.

The driver of this Lanchester motor car appears to be the famous British racing driver, Charles Jarrott. Jarrott competed in the 1903 Gordon Bennett Race, the first international motor race to take place in Ireland.

Joyce's short story "After the Race", which was first published in 1904, uses this race for its background.

Several chapters of Ulysses are set beside the sea - the novel opens in the Martello Tower on the coast at Sandycove. In the "Proteus" chapter Stephen Dedalus walks along Sandymount Strand, and later in the day we find Leopold Bloom in the same location.

Trips to the seaside were popular outings for Dubliners.

In 1902, Joyce left Dublin for Paris, intending to study medicine. His plans did not work out, and he came back to Dublin in 1903, where his mother was dying of cancer.

The first character we meet in Ulysses is Buck Mulligan, a medical student, and the "Oxen of the Sun" chapter in that novel is set in the maternity hospital at Holles Street.

The National Library of Ireland on Kildare Street was a bustling place full of young people, at the time when Clarke and Joyce were students.

Joyce knew the librarians well, and set one of the chapters of Ulysses, "Scylla and Charybdis", in the domed Reading Room

Curator of original exhibition at the National Photographic Archive - Gráinne MacLochlainn, Assistant Keeper, National Library of Ireland

The story featured may in some cases have been created by an independent third party and may not always represent the views of the institutions, listed below, who have supplied the content.

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Dubliners: The Photographs of JJ Clarke - National Library of Ireland - Google Arts & Culture

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"Dubliners" is a unique record of life in Dublin, Ireland, at the turn of the last century. JJ Clarke, from Castleblaney, Co Monaghan, took the photographs between 1897 and 1904, when he was a medical student in Dublin. Dr Clarke's photojournalistic approach to his subjects allowed him to capture vivid scenes from the daily lives of Dublin's men, women and children.

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Editorial Feature

Portugal's greatest poet and the places he visited

Luís Vaz de Camões is considered to be Portugal's greatest poet. His treatment of verse and his linguistic ability has been compared to literary heavyweights Shakespeare, Vondel, Homer, and Dante. While he wrote many lyrical poems and dramas, he is best remembered for his epic work Os Lusíadas (The Lusiads).

Not a huge amount is known about Camões himself, but we do know that he moved around a lot during his 55 years. Born in Lisbon in 1524, the poet moved to Coimbra to study at university then to Morocco where he lost an eye during combat as a soldier for the Portuguese army. He then moved to India, where he served as a soldier for three years; Arabia and the east African coasts on military expeditions launched from Portuguese-ruled India; Macau, where he worked as a chief warrant officer and was charged with managing the properties of missing and deceased soldiers in the Orient; and Goa. He was eventually shipwrecked on the Mekong River along the Cambodian coast, before finally returning to Lisbon.

It was during Camões' time in Macau where he began to write Os Lusíadas in a hidden grotto - every poet's favorite hideaway. When Camões finally made it back to Lisbon in 1570, two years later, he published Os Lusíadas, and it's still widely regarded as the most important work of Portuguese literature. The epic poem celebrates the discovery of a sea route to India by the Portuguese explorer Vasco da Gama (1469-1524). Made up of ten cantos (sections) and a total of 1,102 stanzas, the work takes on a fantastical interpretation of these 15th and 16th century voyages. Here we use Street View to explore some of the locations Camões described in his monumental poem and learn more about the poet himself.

Mount Olympus, Greece

Not one to start small, the beginning of Os Lusíadas sees the gods of Greece being called to decide whether or not the Portuguese will be successful on their voyages. Watching over the voyage of Vasco da Gama from Mount Olympus, the gods have divided loyalties. Who wouldn't want to see the gods battle it out? Venus favors the Portuguese but is opposed by Bacchus, who in the poem is associated with the east and isn't a fan of newcomers on his territory. Later in the voyage, unable to sit back, Bacchus in disguise urges locals to attack the explorer and his crew, putting the Portuguese voyage in jeopardy. The first few lines are a great introduction to Camões' lyrical style, get a sense of his vivid descriptions below:

"Arms and the Heroes, who from Lisbon's shore,
Through Seas where sail was never spread before,
Beyond where Ceylon lifts her spicy breast,
And waves her woods above the watery waste,
With prowess more than human forced their way"
- Luís de Camões

The Island of Mozambique, Nampula Province, Mozambique

The island's name is derived from Ali Musa Mbiki (Mussa Bin Bique), sultan of the island in the times of da Gama. This name was then adopted by the mainland country - now modern-day Mozambique - and the island was renamed Island of Mozambique. The Portuguese established a port and naval base there in 1507 and built the Chapel of Nossa Senhora de Baluarte in 1522, now considered the oldest European building in the Southern Hemisphere.

In Os Lusíadas, the Portuguese fleet arrives on the Island of Mozambique and they are initially welcomed by Muslims who, intimidated by the power of the ships, promise them supplies and a pilot to take them to India. Camões was familiar with the island, having lived there from 1568 to 1570 - the story goes that it was there that the poet undertook the final revisions of Os Lusíadas, before returning to Lisbon.

Malindi, Kenya

The voyagers spend several days in Melinde, which today is known as Malindi, on the east coast of Africa. Camões has da Gama (the main narrator in the poem) recount the entire history of Portugal for the king of Melinde, from its origins to the inception of their voyage, which can be found in cantos III, IV, and V. Though this might initially not sound like a great party trick, these cantos contain some of the most descriptive passages in the poem. Here, in stanza 87 da Gama explains the apprehension felt before their voyage:

"To weigh our anchors from our native shore
To dare new oceans never dared before
Perhaps to see my native coast no more
Forgive, O king, if as a man I feel,
I bear no bosom of obdurate steel."
- Luís de Camões

In public readings of the poem, they're often accompanied by slides to illustrate what da Gama is referring to in his speech, because while beautiful it doesn't always translate too well to modern ears!

Battle of Ourique, Baja, Portugal

Featuring in cantos III and another example of Camões' descriptive passages, the battle of Ourique is the clash between the forces of Portuguese Prince Afonso Henriques (of the House of Burgundy) and the Almoravid, led by Ali ibn Yusuf. In Camões' poem, Afonso Henriques (who is impressively credited as being the first king of Portugal) defeats Ali ibn Yusuf after having a vision of Christ, we've all been there right? As a result, this leads him to paint the five shields on the flag of Portugal.

Mekong Delta River, Vietnam

Camões alludes to his time being shipwrecked on the Mekong Delta river in Os Lusíadas but only very briefly. The story goes that the poet was returning from Goa after responding to accusations of misappropriations during his time in the military. It was along the Cambodian coast that Camões hit trouble and became shipwrecked.

His lover, Dinamene, who was traveling with Camões from China, unfortunately did not survive the accident. But fear not, because the poet did make sure his manuscript of Os Lusíadas was safe, phew! Although of course we'll never really know whether he could've saved both of his loves. The story goes that Camoões risked his life for the manuscript by holding it aloft while swimming to the shore so the stack of papers didn't get soggy. If that's not commitment, we don't know what is! He continued to work on the epic before slowly making his way back to Lisbon.

Padrão dos Descobrimentos, Lisbon, Portugal

Padrão dos Descobrimentos (Monument of the Discoveries) is a monument on the northern bank of the Tagus River estuary, in the civil parish of Santa Maria de Belém, Lisbon. It celebrates the Portuguese Age of Discovery written about in Os Lusíadas and is located along the river where ships departed to explore and trade with India and the Orient.

The monument was conceived in 1939 by Portuguese architect José ngelo Cottinelli Telmo and sculptor Leopoldo de Almeida. Camões himself features on the western profile of the monument as his poem about the discoveries has become almost as significant as the original voyages. While you're in the area be sure to visit the nearby Belém Tower, a UNESCO World Heritage Site, along with the Jerónimos Monastery, a stunning example of Portuguese Gothic architecture - and try don't forget to try the famous Pastéis de Belém while you're there!

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Take A Tour Around The World With Poet Luís Vaz de Camões - Google Arts & Culture

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Editorial Feature Portugal's greatest poet and the places he visited Luís Vaz de Camões is considered to be Portugal's greatest poet. His treatment of verse and his linguistic ability has been compared to literary heavyweights Shakespeare, Vondel, Homer, and Dante. While he wrote many lyrical poems and dramas, he is best remembered for his epic work Os Lusíadas (The Lusiads).

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La exposición traza la vida literaria de Cervantes (1547-1616) a través de un recorrido por su propia obra: desde su primera creación, (1585), una novela pastoril, a la última: Los trabajos de Persiles y Sigismunda, relato bizantino que se publicó póstumamente, en 1617.

A través de imágenes y palabras, la muestra presenta a algunos de los personajes literarios de Cervantes para trazar el recorrido de su obra: Galatea, Persiles y Sigismunda, don Quijote, Sancho Panza, Dorotea, el Caballero de la Blanca Luna, los duques, Clavileño, el licenciado Vidriera, Rinconete y Cortadillo, Preciosa, Cipión y Berganza, doña Lorenzana, Chanfalla, Catalina de Oviedo, y Pedro de Urdemalas conforman una galería de personajes e historias, ilustrados por Pedro Moreno, que pretenden ser una invitación a la lectura.

16 personajes para subrayar y unir simbólicamente el año de la muerte de Cervantes 1616 y el de su conmemoración en 2016. En esta galería de personajes, se incluye también la presencia del novelista en sus creaciones como personaje y como escritor, dialogando y hablando de sí mismo o de sus obras.

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16 personajes que maravillan y... Miguel de Cervantes

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La exposición traza la vida literaria de Cervantes (1547-1616) a través de un recorrido por su propia obra: desde su primera creación, La Galatea (1585), una novela pastoril, a la última: Los trabajos de Persiles y Sigismunda, relato bizantino que se publicó póstumamente, en 1617.

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William Shakespeare was an English poet, playwright, and actor, widely regarded as the greatest writer in the English language and the world's greatest dramatist. He is often called England's national poet and the "Bard of Avon". His extant works, including collaborations, consist of some 39 plays, 154 sonnets, two long narrative poems, and a few other verses, some of uncertain authorship. His plays have been translated into every major living language and are performed more often than those of any other playwright.
Shakespeare was born and raised in Stratford-upon-Avon, Warwickshire. At the age of 18, he married Anne Hathaway, with whom he had three children: Susanna and twins Hamnet and Judith. Sometime between 1585 and 1592, he began a successful career in London as an actor, writer, and part-owner of a playing company called the Lord Chamberlain's Men, later known as the King's Men. At age 49, he appears to have retired to Stratford, where he died three years later.

Discover this historical figure

"O thou invisible spirit of wine, if thou hast no name to be known by, let us call thee devil."

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William Shakespeare - Google Arts & Culture

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William Shakespeare was an English poet, playwright, and actor, widely regarded as the greatest writer in the English language and the world's greatest dramatist. He is often called England's national poet and the "Bard of Avon". His extant works, including collaborations, consist of some 39 plays, 154 sonnets, two long narrative poems, and a few other verses, some of uncertain authorship.

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Virginia Woolf é considerada uma das principais referências do movimento feminista. Nascida em Londres em 1882, era escritora e teatróloga que conseguiu entrar num mundo dominado por homens por expor claramente as suas ideias feministas, muito arriscadas para o tempo em que viveu.

Mesmo assim, há muitos dados que são desconhecidos perante a maioria das pessoas.

1) Apesar das boas críticas aos seus trabalhos, Virginia Woolf não foi à escola. Ela foi criada em casa pelos pais, que ensinaram latim, história, literatura e a língua francesa quando tinha apenas sete anos.

2) Virginia Woolf era bipolar. Os seus problemas mentais começaram desde muito jovens, quando teve que superar a morte precoce da sua mãe, tendo-a levando a vários estágios de depressão. Na sua infância, a escritora sofreu de abuso sexual por parte dos seus irmãos adoptivos.

3) Na altura em que era conhecida como Virginia Stephen, a autora e o seu grupo de intelectuais elaboraram uma travessura. O objectivo era entrar na Capitania da Marinha Real, denominado HMS Dreadnought. Para isso, vestiram-se com trajes tradicionais da Etiópia e pintaram o rosto posando como o príncipe Malaken da Abissínia. Ninguém se apercebeu deste golpe, mesmo quando a chuva começou a cair, o que fez com que a água limpasse a maquilhagem e com que se tornassem pouco audíveis os sons que emitiam para comunicarem. Passados 45 minutos, terminaram a sua visita e, como prova, enviaram uma carta para o Daily Mirror a explicar travessura e a ridicularizar a Marinha Real.

4) Durante a Segunda Guerra Mundial, Virginia Woolf tornou-se um alvo de Hitler. A escritora era casada com um judeu e uma grande admiradora da sua religião, tendo enfurecido Adolf Hitler e feito este escrever o seu nome na lista de mortes do ditador alemão.

5) As suas constantes depressões levaram Woolf a tentar cometer suicídio várias vezes. Numa das vezes esta tentou esse acto atirando-se de uma janela, mas a baixa altura impediu um resultado mais trágico. Aos 59 anos, estava disposta a terminar a sua vida e conseguiu fazê-lo, atirando-se a um rio com o casaco cheio de pedras. O corpo foi encontrado quase um mês depois.

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Cinco Coisas Que Não Sabia Sobre Virginia Woolf - História

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Virginia Woolf é considerada uma das principais referências do movimento feminista. Nascida em Londres em 1882, era escritora e teatróloga que conseguiu entrar num mundo dominado por homens por expor claramente as suas ideias feministas, muito arriscadas para o tempo em que viveu. Mesmo assim, há muitos dados que são desconhecidos perante a maioria das pessoas.

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Jules Gabriel Verne ou Júlio Verne como foi conhecido, foi um escritor, poeta e dramaturgo nascido em Nantes (França) e 1828. A ele devem-se obras que fazem parte da história.

Filho de burgueses, o futuro de Júlio Verne era converter-se num advogado como o próprio pai mais a paixão pela literatura fez com que abandonasse o seu "destino" e concentrou-se na criação de universos e histórias.

As obras mais famosas como " Viagem ao Centro da Terra", "Vinte mil léguas de viagem submarina" ou "A volta ao mundo em 80 dias", entre outras terão vendido milhares em todo o Mundo e foram admirados por crianças e adultos.

Foi o precursor da ficção científica, já que as histórias que criou estavam a anos-luz de distância do que era vivido na época. Grande investigador da ciência, utilizou esses conhecimentos para criar objectos que pudessem ser credíveis dentro das suas obras.

1. Com apenas 10 anos, Verne fugiu de casa para embarcar num navio para a Índia e viver as aventuras que muito ansiava na cabeça. Mas a fuga tão esperada não chegou a acontecer, já que foi parado pelo próprio padre quando estava prestes a entrar no navio. Esse desejo de explorar reflecte-se nas suas personagens.

2. A paixão pela tecnologia levou-o a fazer uma viagem mental no tempo e a partilhar conceitos como a Internet ou os helicópteros, muitos anos antes de serem inventados. Por isso não é de surpreender que seja homenageado na terceira parte do filme "Back to the Future", uma vez que a precisão de muitas das suas invenções que podem ser lidas nas obras ou a quantidade de objectos que imaginou são típicas de alguém de outra época.

3. Apesar de não ser um dos escritores mais prolíficos, as obras que escreveu foram posteriormente exploradas no cinema mais de 95 vezes. Um dos livros que mais se adaptou ao cinema foi Miguel Strogoff, que conta a história do correio do czar, que foi forçado a atravessar a Sibéria para alertar sobre os planos terríveis.

4. A perna manca, tão característica de Verne, aconteceu após uma ferida de bala causada pelo seu sobrinho Gastón. O relacionamento entre os dois era muito bom, daí que as ações foram justificadas pela loucura, levando a que fosse internado num hospital psiquiátrico.

5. As suas obras serviram de inspiração para muita gente, sobretudo na comunidade científica. O almirante Byrd, por exemplo, declarou que, se não fosse o trabalho de Verne, nunca se tinha aventurado a ir para o Polo Sul. Ou, por exemplo, o astronauta Yuri Gagarin, que sempre se declarou fã do escritor francês, indicou que este era o grande culpado pela sua carreira.

Já leu os livros de Júlio Verne? Qual é o seu favorito?

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Cinco coisas que não sabia sobre Júlio Verne - História

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Jules Gabriel Verne ou Júlio Verne como foi conhecido, foi um escritor, poeta e dramaturgo nascido em Nantes (França) e 1828. A ele devem-se obras que fazem parte da história. Filho de burgueses, o futuro de Júlio Verne era converter-se num advogado como o próprio pai mais a paixão pela literatura fez com que abandonasse o seu "destino" e concentrou-se na criação de universos e histórias.

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Lord Byron on History Channel Biographies (2004)

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Victor Hugo: A Monumental French Writer - Centre des monuments nationaux (CMN) - Google Arts & Culture

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Victor Hugo was born on February 26th 1802 and died May 22nd 1885. He was not only a renowned French writer, but also a committed intellectual and an outsp...

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Tinha sonhos que não cabiam na sua modesta condição de empregado de escritório. Por necessidade absoluta de viver outras vidas, inventava novas identidades. Fernando Pessoa era o "outro" de si mesmo. Múltiplo e universal, impossível de definir.

Dizia Fernando Pessoa que, entre a data do seu nascimento e a da sua morte, todos os dias eram seus. Mas, ironia das ironias, quem se quis manter distante do mundo deixou em legado uma obra universal.

Se assim não tivesse sido, os biógrafos encontrariam tarefa fácil: uma vida discreta, começada a 13 de junho de 1888 e terminada a 30 de novembro de 1935, quase sempre em Lisboa - tirando a adolescência passada na África do Sul -, um curso de Letras incompleto, um romance vago com uma jovem de nome Ofélia, um quotidiano feito de rotinas nos mesmos cafés e nos mesmos curtos passeios; enfim, um discreto e apagado empregado de escritório, de fato escuro, óculos redondos, quase sempre de chapéu.

O mistério por detrás deste rosto fechado numa incerta melancolia, como se estivesse retirado de si mesmo, morava na solidão dos quartos alugados onde escrevia em noites seguidas sem sono. Poeta do desassossego, poeta fingidor, poeta fazedor de sonhos, criador de heterónimos, "procurava sentir as coisas de todas as maneiras".

Para quem escrevia "como se fosse muitos", apenas publicou em vida "Mensagem", poema patriótico traduzido em 15 línguas ( agora com uma edição em braille), alguns poemas e contos em jornais e revistas, como a Orpheu, que fundou com Almada Negreiros, Mário de Sá-Carneiro, Santa Rita Pintor, entre outros, para afirmar o modernismo em Portugal.

Poeta, escritor, filósofo, impossível de catalogar, Fernando Pessoa deixou uma das mais relevantes obras de literatura e ainda milhares de documentos numa arca ainda por catalogar. O poeta Arnaldo Saraiva apresenta nesta peça uma curta biografia.

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A infinita busca de Fernando Pessoa - RTP Ensina

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Tinha sonhos que não cabiam na sua modesta condição de empregado de escritório. Por necessidade absoluta de viver outras vidas, inventava novas identidades. Fernando Pessoa era o "outro" de si mesmo. Múltiplo e universal, impossível de definir. Dizia Fernando Pessoa que, entre a data do seu nascimento e a da sua morte, todos os dias eram seus.

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O manifesto futurista, publicado em 20 de fevereiro de 1909 no jornal francês "Le Figaro", foi o ponto de partida para o surgimento de várias vanguardas culturais que vão dominar a Europa do século XX.

No Manifesto, o poeta italiano Filippo Marinetti, exaltou a beleza das máquinas em comparação com a das estátuas gregas. O movimento, que se viu reforçado, no ano seguinte, com o manifesto dos pintores futuristas, fazia o elogia da máquina, da velocidade, da luz e da rutura.

O futurismo seria apenas uma das muitas vanguardas culturais que, na primeira metade do século XX, surgiram na Europa. Entre estes podemos identificar, para além do Futurismo, o Expressionismo, o Cubismo, o Dadaísmo ou o Surrealismo.

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O Futurismo, motor dos movimentos vanguardistas - RTP Ensina

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O manifesto futurista, publicado em 20 de fevereiro de 1909 no jornal francês "Le Figaro", foi o ponto de partida para o surgimento de várias vanguardas culturais que vão dominar a Europa do século XX. No Manifesto, o poeta italiano Filippo Marinetti, exaltou a beleza das máquinas em comparação com a das estátuas gregas.

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Orpheu e o Início do Modernismo em Portugal

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Orpheu e o Início do Modernismo em Portugal

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Fernando Pessoa e Mário de Sá-Carneiro fizeram uma revista que teve o efeito de um terramoto. Depois da Orpheu nada ficou como dantes na cultura e na literatura portuguesas do século XX. Porquê? Porque um grupo de jovens teve a ousadia da transgressão.

A revista literária não trazia conteúdos compatíveis com a cultura vigente do país conservador, acabado de entrar em ditadura. Nas páginas da Orpheu, poesia e prosa reinventavam-se numa linguagem radical para espantar e incomodar. A publicação do primeiro número, a 24 de março de 1915, provoca escândalo mas esgota em pouco tempo. A "arte avançada" dos jovens vanguardistas impulsionados por Fernando Pessoa e Mário de Sá-Carneiro não passava de "literatura de manicómio", feita por "imbecis".

Com apenas duas publicações, o terceiro número não sai da tipografia por falta de financiamento. A revista "foi o primeiro grito moderno que se deu em Portugal", como escreverá mais tarde Almada Negreiros, um dos colaboradores. A primeira geração de modernistas portugueses não foi compreendida na altura mas a sua influência projetou-se em todos os movimentos literários e artísticos que se seguiram no tempo futuro.

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Orpheu e o início do Modernismo em Portugal - RTP Ensina

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Fernando Pessoa e Mário de Sá-Carneiro fizeram uma revista que teve o efeito de um terramoto. Depois da Orpheu nada ficou como dantes na cultura e na literatura portuguesas do século XX. Porquê? Porque um grupo de jovens teve a ousadia da transgressão.

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O Convento de Mafra construído em pedra lioz da região de Pero Pinheiro e Sintra, o edifício ocupa uma área de 37 790 m2, compreendendo 1200 divisões, mais de 4700 portas e janelas, 156 escadarias e 29 pátios e saguões. Sendo a maior fábrica do tempo, aqui trabalharam operários vindos de todo o reino, chegando a atingir cerca de 50 000 num mesmo ano. Tal magnificência só foi possível devido ao ouro do Brasil, que permitiu ao monarca pôr em prática uma política mecenática e de reforço da autoridade régia. A direcção da Real Obra foi entregue a João Frederico Ludovice, ourives alemão, com formação de arquitecto em Itália. O modelo adoptado inspira-se na Roma Papal, um barroco classicizante influenciado por Bernini e com torres de cariz borrominiano, sem esquecer algumas influências germânicas.

A 17 de Novembro de 1717 lançou D. João V a primeira pedra, abençoada pelo Patriarca de Lisboa Ocidental perante toda a Corte. Pensado inicialmente para treze frades, o projecto sofrera entretanto sucessivas alterações para comunidades de 40, 80 e, finalmente, 300 religiosos. No domingo 22 de Outubro de 1730, data do 41° aniversário do Rei, realizou-se a Sagração Solene da Basílica, dedicada a Nossa Senhora e Santo António, que durou oito dias no meio de um fausto e magnificência nunca vistos.

Para o Real Convento de Mafra encomendou o monarca obras de escultura e pintura de grandes mestres italianos e portugueses, bem como, em França e Itália, todos os paramentos e alfaias religiosas. Na Flandres encomendou ainda dois carrilhões com 92 sinos, que constituem o maior conjunto histórico do mundo.

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O Convento de Mafra construído em pedra lioz da região de Pero Pinheiro e Sintra, o edifício ocupa uma área de 37 790 m2, compreendendo 1200 divisões, mais de 4700 portas e janelas, 156 escadarias e 29 pátios e saguões.

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The Architecture of Archives - Andalusian Archives - Google Arts & Culture

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Tourists and travelers rarely visit these historical archives, and nor do the residents of the cities themselves. However, these buildings contain much o...

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Antoni Gaudi was a Spanish architect and is the best practitioner of Catalan Modernism, a movement focused on the reclaiming of Catalan identity through various avenues of arts and culture. Gaudi's style was also influenced by Neo- Gothic art, Oriental techniques and the decorative style of Art Nouveau architecture, which led to elaborate and ostentatious designs.

Gaudi's work was driven by his passions: architecture, nature and religion. Every detail of his buildings was carefully thought through and he made sure to include crafts such as ceramics, stained glass, wrought ironwork and carpentry. He also introduced new techniques in terms of his use of materials, like trencadís, which used waste ceramic pieces.

Most of his buildings can be found in Barcelona and seven of his projects are now declared World Heritage Sites by UNESCO. Here we take a tour of some of Gaudi's most known and unique works, all with the help Street View.

Sagrada Familia, Barcelona, 1882-present

Sagrada Familia, is a huge unfinished Roman Catholic church in Barcelona and probably Gaudi's most instantly recognizable building. Construction on the project started in 1882 under the architect Francisco de Paula del Villar. He resigned in 1883 and Gaudi took over as chief architect, completely transforming the project into his style, which combined Gothic and Art Nouveau forms. Gaudi dedicated his life to the project and at the time of his death age 73 in 1926, less than a quarter of the building was actually complete.

The reasons behind the delay lie mainly in the fact the project has relied solely on private donations. Advancements in technology have sped construction along and in 2010 the project passed the midway point. The building's greatest challenge remains the construction of ten more spires, each symbolizing an important biblical figure in the New Testament. It is said the building will be completed by 2026, the centenary of Gaudi's death.

Casa Batlló, Barcelona, 1904-1906

Casa Batlló is said to be one of Gaudi's masterpieces and is a remodel of a previously built house. The architect redesigned the dwelling in 1904 and the local name for the building is 'Casa dels Ossos' (House of Bones), because of his skeletal, organic quality.

The building combines animal shapes, vine-like curves, hints of bone and skeleton combined with glistening colored bits of glazed ceramics and glass. This is another example of Art Nouveau architecture, a School of French decorative artists from the 1890s who took influence from sinuous shapes in plants and nature. As with many of Gaudi's projects, there is recurring religious imagery. Embedded and semi-concealed in the building are religious images and texts planted in the upper levels of the building, as well as in the small details around the facade.

College of the Teresians, Barcelona, 1888-1890

Located in the neighborhood of Sant Gervasi in Barcelona, the College of the Teresians was a project carried out between 1888 and 1890. Like with the Sagrada Familia, Gaudi took on this project while it was already in progress. The time constraints meant Gaudi had to harness his imagination and create a new vision in just two years.

The building consists of a lower floor plus three stories on a rectangular plane. On the lower and first levels are classrooms and offices, while bedrooms for the nuns and students are located on the two upper two floors. The building's aesthetic is inspired by the Neo-Gothic movement specifically the ideas of French architect Viollet-le-Duc. The style saw a revival of medieval Gothic architecture, including elements like decorative patterns, finials, lancet windows, hood moulds and label stops.

Portal Miralles, Barcelona, 1901-1902

Although not quite a building, this entrance gateway is a minor work in Gaudi's architectural portfolio but it still highlights his style and the architectural solutions that he applied to every project he undertook. Gaudi was tasked with creating the entrance gateway that led to a house built by fellow architect Domènec Sugrañes.

The most notable feature is the undulating wall. Made of mortared stone, it is adorned with white trencadís mosaic and on top of that there's a chain-like grill that looks similar to a fishing net topped with spikes. The commission came from industrialist Ermenegild Miralles and Gaudi had fun experimenting in Miralles' workshop, which allowed him to test materials.

Torre Bellesguard, Barcelona, 1900-1909

The Bellesguard house, built between 1900 and 1909, uses rectilinear forms (shapes composed of straight lines and angular corners), rarely seen in Gaudi's other work. The architect's inspiration was the medieval castle of Martin I, also known as Martin the Humane, the last king of the Catalan dynasty of the House of Barcelona, who resided at Bellesguard until 1410. Gaudi's castle is a blend of Art Nouveau and Gothic style and allowed the architect to restore the ruins of the medieval palace, which are now part of the estate's grounds.

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Discover the Unique Architecture of Antoni Gaudi - Google Arts & Culture

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Antoni Gaudi was a Spanish architect and is the best practitioner of Catalan Modernism, a movement focused on the reclaiming of Catalan identity through various avenues of arts and culture. Gaudi's style was also influenced by Neo- Gothic art, Oriental techniques and the decorative style of Art Nouveau architecture, which led to elaborate and ostentatious designs.

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Mozart - Symphony No. 40 in G minor, K. 550 [complete]

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Editorial Feature

Discover the pioneering architect's work and his impact on architecture

Charles-Édouard Jeanneret, who became known as Le Corbusier, was a Swiss-French architect, designer, painter, urban planner and one of the pioneers of what we now called modernist architecture. Le Corbusier's career spanned five decades and he designed buildings in Europe, Japan, India and North and South America.

The architect completed his first building at age 18 and went on to dedicating his life to providing better living conditions for the residents of crowded cities. He was a founding member of the Congrès International d'Architecture Moderne (CIAM) and also came up with Les cinq points de l'architecture moderne (The Five Points of Modern Architecture) in 1925.

The principles were co-authored with his cousin, Pierre Jeanneret and summarized lessons Le Corbusier had learned in previous years and then put into practice. The points included various features the architect felt each modern building should have, including buildings built on concrete pylons, flat roof terraces rather than sloping ones, open plan interiors with columns instead of load-bearing walls, ribbon windows to allow equal light in all rooms and a free facade, which encouraged the use of glass facades to keep the building light and open.

Modernist architecture emerged at the end of the 19th century from revolutions in technology, engineering and building materials, and from a desire to break away from historical architectural styles and to invent something that was purely functional and new. Le Corbusier championed this approach and in each project utilized the space and materials available to him to create buildings that he saw as a force for change.

Here we take a virtual tour of 12 of the architect's most significant buildings and better understand the principles that drove him.

Le Corbusier standing on stage with notes in his hand and drawing on a sketch pad during a lecture (From the collection of LIFE Photo Collection)

2. Maison Guiette, Antwerp, Belgium

Maison Guiette also known as Les Peupliers, is a house in Antwerp, Belgium, which Le Corbusier designed in 1926 and built in 1927. It was the studio and living quarters of René Guiette, a painter and art critic. It's one of the architect's lesser-known works and is an early example of the International Style, which is strongly related to Modernism and is characterized by an emphasis on volume over mass, the use of lightweight mass-produced materials, flat surfaces and a rejection of ornament and color.

The building was Le Corbusier's first commission outside of France and is a series called White Villas, which formed the basis of the architect's early career. As one of the first examples of Modernist architecture in the country, the house is considered particularly important to the evolution of the style in Belgium.

3. Villa Savoye, Poissy, France

The Villa Savoye came a few years after Le Corbusier's Maison Guiette and is one of the most important buildings by the architect. The top-heavy building was created as a Modernist version of the French country house. Completed in 1931 it is one of the only houses in France to have been declared a national monument during the architect's lifetime.

Designed as a weekend holiday home for the Savoye family, it was created in collaboration with his cousin Pierre Jeanneret, who worked with Le Corbusier on a number of his most famous projects. The brief was left open and the architect took it as an opportunity to realize a house that expressed his Five Points of architecture. Villa Savoye is also an example of Le Corbusier's belief in the home as a "machine for living in", which is expressed through the planning of spaces arranged to maximize efficiency and a minimalistic aesthetic.

9. National Museum of Western Art, Tokyo, Japan

The National Museum of Western Art was completed in 1959 and aimed to act as a symbol of diplomatic ties between Japan and France after World War II. This was Le Corbusier's only project in the Far East and critics commended the building as being just as beautiful as the work that was on display inside.

The museum was initially built to house the collection of works gathered by the industrialist Matsukata Kojiro between 1920 and 1923. Le Corbusier asked that his 3 Japanese apprentices were responsible for developing the detail drawings and supervising the construction. The main building is square and raised on piloti to first floor level. The entrance is double height and is lit from above by a glazed pyramidal skylight intersected with reinforced concrete beams. Externally the museum is clad in prefabricated concrete panels which sit on U-shaped frames.

10. Carpenter Center, Massachusetts, USA

Completed in 1963, the Carpenter Center for the Visual Arts was one of his only projects in the United States. Located on Harvard University's campus the center was designed in conjunction with Chilean architect Guillermo Jullian de la Fuentes and Josep Lluis Sert, the Dean of Harvard's GSD at the time. Corbusier highlights an architectural promenade running through the center of the building that connects the interior studios, galleries, and screening rooms to the public spaces within the building, as well as to the campus.

The Modernist Carpenter Center stands out among the traditional architecture of the university and was built to house large open studio spaces for students to work and showcase their art. The building also holds the largest collection of 35mm films in the New England region often holding screenings of independent, international and silent films. For Corbusier, the Carpenter Center was meant to be the synthesis of the arts where architecture would join with painting, sculpture, photography, and film.

Words by Rebecca Fulleylove

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Take A Tour of The Buildings of Modernist Architect Le Corbusier - Google Arts & Culture

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Editorial Feature Discover the pioneering architect's work and his impact on architecture Charles-Édouard Jeanneret, who became known as Le Corbusier, was a Swiss-French architect, designer, painter, urban planner and one of the pioneers of what we now called modernist architecture. Le Corbusier's career spanned five decades and he designed buildings in Europe, Japan, India and North and South America.

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Michelangelo Merisi da Caravaggio, known as Caravaggio, was an Italian painter active in Rome for most of his artistic life. During the final four years of his life he moved between Naples, Malta, and Sicily until his death. His paintings have been characterized by art critics as combining a realistic observation of the human state, both physical and emotional, with a dramatic use of lighting, which had a formative influence on Baroque painting.
Caravaggio employed close physical observation with a dramatic use of chiaroscuro that came to be known as tenebrism. He made the technique a dominant stylistic element, transfixing subjects in bright shafts of light and darkening shadows. Caravaggio vividly expressed crucial moments and scenes, often featuring violent struggles, torture, and death. He worked rapidly, with live models, preferring to forgo drawings and work directly onto the canvas. His inspiring effect on the new Baroque style that emerged from Mannerism was profound. His influence can be seen directly or indirectly in the work of Peter Paul Rubens, Jusepe de Ribera, Gian Lorenzo Bernini, and Rembrandt.

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Michelangelo Merisi da Caravaggio, known as Caravaggio, was an Italian painter active in Rome for most of his artistic life.

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Dame Maria Paula Figueiroa Rego DBE RA is a Portuguese-born visual artist who is particularly known for her paintings and prints based on storybooks. Rego's style has evolved from abstract towards representational, and she has favoured pastels over oils for much of her career. Her work often reflects feminism, coloured by folk-themes from her native Portugal.
Rego studied at the Slade School of Fine Art, University College London and was an exhibiting member of the London Group, along with David Hockney and Frank Auerbach. She was the first artist-in-residence at the National Gallery in London. She lives and works in London.

"Every change is a form of liberation. My mother used to say a change is always good even if it's for the worse."

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Dame Maria Paula Figueiroa Rego DBE RA is a Portuguese-born visual artist who is particularly known for her paintings and prints based on storybooks. Rego's style has evolved from abstract towards representational, and she has favoured pastels over oils for much of her career.

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Maria Helena Vieira da Silva was a Portuguese abstract painter. She was considered a leading member of the European abstract expressionism movement known as Art Informel. Her works feature complex interiors and city views using lines that explore space and perspective. She also worked in tapestry and stained glass.

Artists Maria Helena Vieira da Silva

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Maria Helena Vieira da Silva - Google Arts & Culture

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Maria Helena Vieira da Silva was a Portuguese abstract painter. She was considered a leading member of the European abstract expressionism movement known as Art Informel. Her works feature complex interiors and city views using lines that explore space and perspective. She also worked in tapestry and stained glass.

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Oscar-Claude Monet was a French painter and founder of impressionist painting who is seen as a key precursor to modernism, especially in his attempts to paint nature as he perceived it. During his long career, he was the most consistent and prolific practitioner of impressionism's philosophy of expressing one's perceptions before nature, especially as applied to plein air landscape painting. The term "Impressionism" is derived from the title of his painting Impression, soleil levant, exhibited in the 1874 Salon des Refusés initiated by Monet and his associates as an alternative to the Salon.
Monet was raised in Le Havre, Normandy, and became interested in the outdoors and drawing from an early age. Although his mother, Louise-Justine Aubrée Monet, supported his ambitions to be a painter, his father, Claude-Adolphe, disapproved and wanted him to pursue a career in business. He was very close to his mother, but she died in January 1857 when he was sixteen years old, and he was sent to live with his childless, widowed but wealthy aunt, Marie-Jeanne Lecadre.

"The richness I achieve comes from Nature, the source of my inspiration."

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Oscar-Claude Monet was a French painter and founder of impressionist painting who is seen as a key precursor to modernism, especially in his attempts to paint nature as he perceived it. During his long career, he was the most consistent and prolific practitioner of impressionism's philosophy of expressing one's perceptions before nature, especially as applied to plein air landscape painting.

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Leonardo di ser Piero da Vinci, known as Leonardo da Vinci, was an Italian polymath of the Renaissance whose areas of interest included invention, drawing, painting, sculpture, architecture, science, music, mathematics, engineering, literature, anatomy, geology, astronomy, botany, paleontology, and cartography. He has been variously called the father of palaeontology, ichnology, and architecture, and is widely considered one of the greatest painters of all time.
Born out of wedlock to a notary, Piero da Vinci, and a peasant woman, Caterina, in Vinci, in the region of Florence, Italy, Leonardo was educated in the studio of the renowned Italian painter Andrea del Verrocchio. Much of his earlier working life was spent in the service of Ludovico il Moro in Milan, and he later worked in Rome, Bologna and Venice. He spent his last three years in France, where he died in 1519.
Leonardo is renowned primarily as a painter. The Mona Lisa is the most famous of his works and the most popular portrait ever made. The Last Supper is the most reproduced religious painting of all time and his Vitruvian Man drawing is regarded as a cultural icon as well.

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Leonardo da Vinci - Google Arts & Culture

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Leonardo di ser Piero da Vinci, known as Leonardo da Vinci, was an Italian polymath of the Renaissance whose areas of interest included invention, drawing, painting, sculpture, architecture, science, music, mathematics, engineering, literature, anatomy, geology, astronomy, botany, paleontology, and cartography.

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Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, known simply as Michelangelo, was an Italian sculptor, painter, architect and poet of the High Renaissance born in the Republic of Florence, who exerted an unparalleled influence on the development of Western art. His artistic versatility was of such a high order that he is often considered a contender for the title of the archetypal Renaissance man, along with his rival and elder contemporary, Leonardo da Vinci. Several scholars have described Michelangelo as the greatest artist of his age and even as the greatest artist of all time.
A number of Michelangelo's works of painting, sculpture, and architecture rank among the most famous in existence. His output in these fields was prodigious; given the sheer volume of surviving correspondence, sketches, and reminiscences, he is the best-documented artist of the 16th century. He sculpted two of his best-known works, the Pietà and David, before the age of thirty.

"The best of artists has no conception that the marble alone does not contain within itself."

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Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, known simply as Michelangelo, was an Italian sculptor, painter, architect and poet of the High Renaissance born...

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Raffaello Sanzio da Urbino, known as Raphael, was an Italian painter and architect of the High Renaissance. His work is admired for its clarity of form, ease of composition, and visual achievement of the Neoplatonic ideal of human grandeur. Together with Michelangelo and Leonardo da Vinci, he forms the traditional trinity of great masters of that period.
Raphael was enormously productive, running an unusually large workshop and, despite his early death at 37, leaving a large body of work. Many of his works are found in the Vatican Palace, where the frescoed Raphael Rooms were the central, and the largest, work of his career. The best known work is The School of Athens in the Vatican Stanza della Segnatura. After his early years in Rome, much of his work was executed by his workshop from his drawings, with considerable loss of quality. He was extremely influential in his lifetime, though outside Rome his work was mostly known from his collaborative printmaking.
After his death, the influence of his great rival Michelangelo was more widespread until the 18th and 19th centuries, when Raphael's more serene and harmonious qualities were again regarded as the highest models.

"The ultimate essence of yoga is the contact and the union between the individual consciousness and the divine consciousness."

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Raffaello Sanzio da Urbino, known as Raphael, was an Italian painter and architect of the High Renaissance. His work is admired for its clarity of form, ease of composition, and visual achievement of the Neoplatonic ideal of human grandeur.

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Sir Peter Paul Rubens was a Flemish artist. He is considered the most influential artist of Flemish Baroque tradition. Rubens's highly charged compositions reference erudite aspects of classical and Christian history. His unique and immensely popular Baroque style emphasized movement, colour, and sensuality, which followed the immediate, dramatic artistic style promoted in the Counter-Reformation. Rubens specialized in making altarpieces, portraits, landscapes, and history paintings of mythological and allegorical subjects.
In addition to running a large studio in Antwerp that produced paintings popular with nobility and art collectors throughout Europe, Rubens was a classically educated humanist scholar and diplomat who was knighted by both Philip IV of Spain and Charles I of England. Rubens was a prolific artist. The catalogue of his works by Michael Jaffé lists 1,403 pieces, excluding numerous copies made in his workshop.
His commissioned works were mostly history paintings, which included religious and mythological subjects, and hunt scenes. He painted portraits, especially of friends, and self-portraits, and in later life painted several landscapes.

"My talent is such that no undertaking, however vast in size... has ever surpassed my courage."

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Peter Paul Rubens - Google Arts & Culture

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Sir Peter Paul Rubens was a Flemish artist. He is considered the most influential artist of Flemish Baroque tradition. Rubens's highly charged compositions reference erudite aspects of classical and Christian history. His unique and immensely popular Baroque style emphasized movement, colour, and sensuality, which followed the immediate, dramatic artistic style promoted in the Counter-Reformation.

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Antonio Canova was an Italian Neoclassical sculptor, famous for his marble sculptures. Often regarded as the greatest of the Neoclassical artists, his sculpture was inspired by the Baroque and the classical revival, and has been characterised as having avoided the melodramatics of the former, and the cold artificiality of the latter.

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Antonio Canova was an Italian Neoclassical sculptor, famous for his marble sculptures. Often regarded as the greatest of the Neoclassical artists, his sculpture was inspired by the Baroque and the classical revival, and has been characterised as having avoided the melodramatics of the former, and the cold artificiality of the latter.

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Victor Vasarely, was a Hungarian-French artist, who is widely accepted as a "grandfather" and leader of the Op art movement.
His work entitled Zebra, created in 1937, is considered by some to be one of the earliest examples of Op art.

"The art of tomorrow will be a collective treasure, or it will not be art at all."

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Victor Vasarely, was a Hungarian-French artist, who is widely accepted as a "grandfather" and leader of the Op art movement.

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Diego Rodríguez de Silva y Velázquez was a Spanish painter, the leading artist in the court of King Philip IV and of the Spanish Golden Age. He was an individualistic artist of the contemporary Baroque period. He began to paint in a precise tenebrist style, later developing a freer manner characterized by bold brushwork. In addition to numerous renditions of scenes of historical and cultural significance, he painted scores of portraits of the Spanish royal family and commoners, culminating in his masterpiece Las Meninas.
Velázquez's artwork became a model for 19th century realist and impressionist painters. In the 20th century, artists such as Pablo Picasso, Salvador Dalí and Francis Bacon paid tribute to Velázquez by re-interpreting some of his most iconic images.

"I would rather be the first painter of common things than second in higher art."

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Diego Rodríguez de Silva y Velázquez was a Spanish painter, the leading artist in the court of King Philip IV and of the Spanish Golden Age. He was an individualistic artist of the contemporary Baroque period. He began to paint in a precise tenebrist style, later developing a freer manner characterized by bold brushwork.

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René Jules Lalique was a French glass designer known for his creations of glass art, perfume bottles, vases, jewellery, chandeliers, clocks and automobile ...

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Johannes Vermeer - Google Arts & Culture

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Johannes Vermeer was a Dutch Baroque Period painter who specialized in domestic interior scenes of middle-class life.

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José Victoriano González-Pérez, better known as Juan Gris, was a Spanish painter born in Madrid who lived and worked in France for most of his active period. Closely connected to the innovative artistic genre Cubism, his works are among the movement's most distinctive.

"I always pet a dog with my left hand because if he bit me I'd still have my right hand to paint with."

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José Victoriano González-Pérez, better known as Juan Gris, was a Spanish painter born in Madrid who lived and worked in France for most of his active period.

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Ernst Ludwig Kirchner was a German expressionist painter and printmaker and one of the founders of the artists group Die Brücke or "The Bridge", a key group leading to the foundation of Expressionism in 20th-century art. He volunteered for army service in the First World War, but soon suffered a breakdown and was discharged. His work was branded as "degenerate" by the Nazis in 1933, and in 1937 more than 600 of his works were sold or destroyed.

"Anyone who directly and honestly reproduces that force which impels him to create belongs to us."

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Ernst Ludwig Kirchner - Google Arts & Culture

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Ernst Ludwig Kirchner was a German expressionist painter and printmaker and one of the founders of the artists group Die Brücke or "The Bridge", a key grou...

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Francisco José de Goya y Lucientes was a Spanish romantic painter and printmaker. He is considered the most important Spanish artist of the late 18th and early 19th centuries and throughout his long career was a commentator and chronicler of his era. Immensely successful in his lifetime, Goya is often referred to as both the last of the Old Masters and the first of the moderns. He was also one of the great portraitists of his time.
Goya was born to a lower-middle-class family in 1746, in Fuendetodos in Aragon. He studied painting from age 14 under José Luzán y Martinez and moved to Madrid to study with Anton Raphael Mengs. He married Josefa Bayeu in 1773; their life was characterised by an almost constant series of pregnancies and miscarriages, and only one child, a son, survived into adulthood. Goya became a court painter to the Spanish Crown in 1786 and this early portion of his career is marked by portraits of the Spanish aristocracy and royalty, and Rococo style tapestry cartoons designed for the royal palace.
He was guarded, and although letters and writings survive, little is known about his thoughts.

"Fantasy, abandoned by reason, produces impossible monsters; united with it, she is the mother of the arts and the origin of marvels."

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Francisco José de Goya y Lucientes was a Spanish romantic painter and printmaker. He is considered the most important Spanish artist of the late 18th and early 19th centuries and throughout his long career was a commentator and chronicler of his era.

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Edvard Munch was a Norwegian painter. His best known work, The Scream, has become one of the iconic images of world art.
His childhood was overshadowed by illness, bereavement and the dread of inheriting a mental condition that ran in the family. Studying at the Royal School of Art and Design in Kristiania, Munch began to live a bohemian life under the influence of the nihilist Hans Jæger, who urged him to paint his own emotional and psychological state. From this emerged his distinctive style.
Travel brought new influences and outlets. In Paris, he learned much from Paul Gauguin, Vincent van Gogh and Henri de Toulouse-Lautrec, especially their use of colour. In Berlin, he met the Swedish dramatist August Strindberg, whom he painted, as he embarked on his major canon The Frieze of Life, depicting a series of deeply-felt themes such as love, anxiety, jealousy and betrayal, steeped in atmosphere.
The Scream was conceived in Kristiania. According to Munch, he was out walking at sunset, when he 'heard the enormous, infinite scream of nature'. The painting's agonised face is widely identified with the angst of the modern person.

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Paul Cézanne was a French artist and Post-Impressionist painter whose work laid the foundations of the transition from the 19th-century conception of artistic endeavor to a new and radically different world of art in the 20th century.
Cézanne is said to have formed the bridge between late 19th-century Impressionism and the early 20th century's new line of artistic enquiry, Cubism. Cézanne's often repetitive, exploratory brushstrokes are highly characteristic and clearly recognizable. He used planes of colour and small brushstrokes that build up to form complex fields. The paintings convey Cézanne's intense study of his subjects. Both Matisse and Picasso are said to have remarked that Cézanne "is the father of us all".

"My nervous system is enfeebled, only work in oils can sustain me."

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Paul Cézanne was a French artist and Post-Impressionist painter whose work laid the foundations of the transition from the 19th-century conception of artistic endeavor to a new and radically different world of art in the 20th century.Cézanne is said to have formed the bridge between late 19th-century Impressionism and the early 20th century's new line of artistic enquiry, Cubism.

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Gustav Klimt was an Austrian symbolist painter and one of the most prominent members of the Vienna Secession movement. Klimt is noted for his paintings, murals, sketches, and other Objects d'art. Klimt's primary subject was the female body, and his works are marked by a frank eroticism. Amongst his figurative works, which include allegories and portraits, he painted landscapes. Among the artists of the Vienna Secession, Klimt was the most influenced by Japanese art and its methods.
Early in his artistic career, he was a successful painter of architectural decorations in a conventional manner. As he began to develop a more personal style, his work was the subject of controversy that culminated when the paintings he completed around 1900 for the ceiling of the Great Hall of the University of Vienna were criticized as pornographic. He subsequently accepted no more public commissions, but achieved a new success with the paintings of his "golden phase", many of which include gold leaf. Klimt's work was an important influence on his younger peer Egon Schiele.

"Sometimes I miss out the morning's painting session and instead study my Japanese books in the open."

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Gustav Klimt was an Austrian symbolist painter and one of the most prominent members of the Vienna Secession movement. Klimt is noted for his paintings, murals, sketches, and other Objects d'art. Klimt's primary subject was the female body, and his works are marked by a frank eroticism.

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Vincent Willem van Gogh was a Dutch Post-Impressionist painter who posthumously became one of the most famous and influential figures in Western art history. In a decade, he created about 2,100 artworks, including around 860 oil paintings, most of which date from the last two years of his life. They include landscapes, still lifes, portraits and self-portraits, and are characterised by bold colours and dramatic, impulsive and expressive brushwork that contributed to the foundations of modern art. Not commercially successful, he struggled with severe depression and poverty, eventually leading to his suicide at age thirty-seven.
Born into an upper-middle-class family, Van Gogh drew as a child and was serious, quiet, and thoughtful. As a young man, he worked as an art dealer, often traveling, but became depressed after he was transferred to London. He turned to religion and spent time as a Protestant missionary in southern Belgium. He drifted in ill health and solitude before taking up painting in 1881, having moved back home with his parents. His younger brother Theo supported him financially, and the two kept a long correspondence by letter.

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Vincent van Gogh - Google Arts & Culture

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Vincent Willem van Gogh was a Dutch Post-Impressionist painter who posthumously became one of the most famous and influential figures in Western art history.

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn was a Dutch draughtsman, painter, and printmaker. An innovative and prolific master in three media, he is generally considered one of the greatest visual artists in the history of art and the most important in Dutch art history. Unlike most Dutch masters of the 17th century, Rembrandt's works depict a wide range of style and subject matter, from portraits and self-portraits to landscapes, genre scenes, allegorical and historical scenes, and biblical and mythological themes as well as animal studies. His contributions to art came in a period of great wealth and cultural achievement that historians call the Dutch Golden Age, when Dutch art, although in many ways antithetical to the Baroque style that dominated Europe, was extremely prolific and innovative and gave rise to important new genres. Like many artists of the Dutch Golden Age, such as Jan Vermeer of Delft, Rembrandt was also an avid art collector and dealer.
Rembrandt never went abroad, but he was considerably influenced by the work of the Italian masters and Netherlandish artists who had studied in Italy, like Pieter Lastman, the Utrecht Caravaggists, Flemish Baroque, and Peter Paul Rubens.

"A painting is finished when the artist says it is finished."

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn was a Dutch draughtsman, painter, and printmaker. An innovative and prolific master in three media, he is generally considered one of the greatest visual artists in the history of art and the most important in Dutch art history.

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O Museu Nacional de Arqueologia reuniu numa exposição os mais importante vasos gregos que existiam no país. Alguns foram encontrados em Portugal, mas a maioria pertenciam a coleccionadores que os tinham comprado no exterior.

Não são muito numerosos os achados de vasos gregos no nosso país sendo muito provável que a maior parte destes vestígios tenham chegado à península por importação, através de rotas comerciais que percorriam o mediterrâneo e não porque se tenham estabelecido fortes comunidades de origem helénica.

Nesta exposição de 2007 encontravam-se algumas peças encontradas de norte a sul do país, mas as mais importantes pertenciam a colecções particulares e raras vezes são mostradas em público.

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Não são muito numerosos os achados de vasos gregos no nosso país sendo muito provável que a maior parte destes vestígios tenham chegado à península por importação, através de rotas comerciais que percorriam o mediterrâneo e não porque se tenham estabelecido fortes comunidades de origem helénica.

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Ave Gemma Coeli | Canto Gregoriano á Virgem Maria

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Évora é rica em vestígios megalíticos, tendo definido um percurso pedestre que liga os diversos testemunhos que se encontram no concelho.

Existem em Évora mais de uma dezena de monumentos megalíticos, um património que levou a autarquia alentejana a estabelecer um percurso que passa pelos principais locais. Neste itinerário podem ser visitados o cromeleque e o menir localizados nos Almendres ou a Anta Grande do Zambujeiro, estruturas que se encontram relativamente perto umas das outras.

Mais afastados, mas não menos importantes, encontram-se ainda a Gruta do Escoural , onde existem imagens pintadas e gravadas na parede, a Anta Capela de Nossa Senhora do Livramento ou a Anta dos Tourais.

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Existem em Évora mais de uma dezena de monumentos megalíticos, um património que levou a autarquia alentejana a estabelecer um percurso que passa pelos principais locais. Neste itinerário podem ser visitados o cromeleque e o menir localizados nos Almendres ou a Anta Grande do Zambujeiro, estruturas que se encontram relativamente perto umas das outras.

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O teatro começou por servir os deuses com cânticos, declamações, dança e mímica. Depois veio a tragédia grega e a arte dramática afastou-se da religião. No tempo dos romanos, representar transformou-se num espetáculo complexo e grandioso, digno de um grande império.

Na Grécia antiga a primeira forma teatral foi um cântico coral, o ditirambo, recitado em honra de Dionísio. Representar para os deuses era um ritual das festividades religiosas, conduzido pelas sábias palavras dos poetas gregos que, mais do que puro entretenimento, queriam despertar o público para uma reflexão moral e consciência cívica.

A arte dramática evoluiu e complexificou-se, com mais atores em palco a interpretarem textos densos de dramaturgos como Eurípedes, Ésquilo e Sófocles. Sem perder a dimensão didática, as grandes tragédias contavam histórias quase sempre mitológicas e chegavam a ser encenadas em trilogias. Na mesma altura desenvolveu-se também o género da comédia, sobretudo sátiras a temas da atualidade política. Os espetáculos eram tão populares que em Atenas, no século V a.C., começaram a organizar-se festivais de teatro, com prémios para os concorrentes.

Quando foi introduzido em Roma, o teatro passou a ser um novo símbolo do império, quer na arquitetura em escala monumental, quer na própria conceção de espetáculo, com mecanismos engenhosos para mudar o cenário ao longo da peça.

Construído em plano horizontal e não numa encosta a céu aberto como faziam os gregos, o edifício tinha um auditório em semicírculo em torno da orquestra, e a outra metade do círculo era ocupada pelo palco, que podia receber também exibições de gladiadores. A parede de fundo era muito decorada, tinha três portas para entrada e saída dos atores, por detrás estavam os camarins, armazéns e pórticos. O espaço central que correspondia à orquestra grega estava reservada aos senadores e magistrados. Para os espetadores comuns os lugares ficavam nas bancadas, ligadas por patamares e escadarias.

A tragédia e a comédia gregas foram traduzidas para serem representadas nos palcos romanos e inspiraram grandes dramaturgos de Roma. Mas, na verdade, o público em geral preferia uma diversão mais ligeira, como as lutas de gladiadores e as pantominas satíricas. Por isso, o ator que era tão considerado na Grécia perdeu importância durante o Império Romano. Vamos ouvir Lídia Fernandes, a arqueóloga que coordena o Museu de Lisboa - Teatro Romano sobre este tema.

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Teatro grego e romano - onde estão as diferenças? - RTP Ensina

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O teatro começou por servir os deuses com cânticos, declamações, dança e mímica. Depois veio a tragédia grega e a arte dramática afastou-se da religião. No tempo dos romanos, representar transformou-se num espetáculo complexo e grandioso, digno de um grande império. Na Grécia antiga a primeira forma teatral foi um cântico coral, o ditirambo, recitado em honra de Dionísio.

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Uma nova linguagem das formas surge em Itália no século XVI. O estilo conquista a Europa, todos querem "fazer à maneira dos grandes mestres"... uma corrente a que se chamou Maneirismo.

A harmonia do Renascimento Pleno é quebrada por este estilo que nasce com os pintores italianos quinhentistas. São seguidores dos mestres Rafael e Miguel Ângelo que em algumas das suas obras, deixam transparecer os primeiros sinais de mudança.

O artista interroga-se, já não é só artífice que executa, é agora aquele que pensa e valoriza o seu trabalho individual. Maneirismo, que vem do italiano "maniera", quer também dizer isso mesmo: a maneira, o estilo de cada autor. Mas no ínico, a designação assume um sentido pejorativo, de coisa artificial, de uma arte "amaneirada".

A instabilidade política e social que atravessa a Europa reflete-se nos novos trabalhos: as composições são ambíguas, tensas, perturbadoras. As figuras humanas alongam-se, deformam-se, desafiando as regras das proporções clássicas. Aparecem rostos atormentados, cenas carregadas de dramatismo, cores exageradas e um visível gosto pelo bizarro. A utilização do nu é frequente neste período que tem em Tintoretto, Rosso Fiorentino e Pontormo, alguns dos seus pintores principais.

Em Portugal, o estilo inspira e influencia autores relevantes que se debruçam sobre temas mais religiosos. António Campelo, Gaspar Dias e Gregório Lopes são apenas alguns referenciados no vídeo que destacamos para ilustrar a pintura Maneirista.

Na escultura e na arquitetura, a herança do Maneirismo não será tão forte como na pintura. A estatuária ganha maior expressividade facial, movimentos mais contorcidos e sinuosos. As estruturas das igrejas, palácios e outros monumentos perdem a simetria e o equilíbrio clássicos. Introduzem-se escalas diferentes que acentuam irregularidades, dá-se preferência a espaços longitudinais, a decoração torna-se complexa, por vezes pesada.

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A harmonia do Renascimento Pleno é quebrada por este estilo que nasce com os pintores italianos quinhentistas. São seguidores dos mestres Rafael e Miguel Ângelo que em algumas das suas obras, deixam transparecer os primeiros sinais de mudança. O artista interroga-se, já não é só artífice que executa, é agora aquele que pensa e valoriza o seu trabalho individual.

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Os edifícios religiosos dominam o Românico. Numerosas igrejas são construídas por toda a Europa Ocidental: espaços maiores, naves com abóbadas, decoração esculpida a acentuar a simplicidade e a espiritualidade destes monumentos.

O Românico simboliza a forte espiritualidade que marca todo o mundo do ocidente no tempo das cruzadas e da reconquista.

Deus está no centro das preocupações do homem medieval e, a igreja católica faz da arte uma inspiração religiosa e mais um braço do seu poder. Para muitos historiadores o Românico surge em França, começa por ser difundido pelos monges de Cluny, as ordens monásticas são aliás as grandes responsáveis pela sua propagação.

Constroem-se sobretudo igrejas, capelas e mosteiros com uma nova arquitetura ainda influenciada pela arte romana: abóbadas de berço e de aresta, paredes grossas, colunas a terminarem em capitéis cúbicos, decoração austera e janelas pequenas para manter na penumbra o recolhimento da oração.

Em Portugal, a Sé de Coimbra é considerada o monumento mais expressivo do Românico.

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O Românico simboliza a forte espiritualidade que marca todo o mundo do ocidente no tempo das cruzadas e da reconquista. Deus está no centro das preocupações do homem medieval e, a igreja católica faz da arte uma inspiração religiosa e mais um braço do seu poder.

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O Gótico domina a arquitetura na Europa a partir do século XIII. É a época das grandes catedrais, os primeiros arranha-céus do mundo, que rompem com o obscurantismo da idade das trevas.

O gótico revela um mundo em mudança onde nem o feudalismo irá sobreviver por muito mais tempo. Deus continua a ser o centro do universo, a Igreja a sua representante na Terra, mas a relação do homem com o divino liberta-se do medo e ganha uma nova fé.

Entre 1137 e 1144 esta arquitetura vertical, imponente, quase a tocar os céus, nasce da reedificação da abadia real de Saint-Denis na Ile-de-France, hoje no centro de Paris. Começa por ser conhecida por "trabalho moderno" ou "francês" e alastra a toda a Europa Ocidental, chegando mesmo ao Próximo Oriente levada pelos Cruzados.

O gótico é copiado e reinterpretado ao longo de mais de três séculos mas consegue manter características que o distingue dos demais: uma construção que se prolonga em altura, espaços amplos, mais fendas para passar luz, aberturas tapadas com vitrais, arcos botantes. As nervuras cruzadas ou ogivas presentes nas abóbadas góticas tornaram-no conhecido por estilo arquitectónico ogival.

Em Portugal, o gótico assume uma expressão mais simples e modesta, tendo no Mosteiros da Batalha e de Alcobaça os seus monumentos mais marcantes e exuberantes.

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O gótico revela um mundo em mudança onde nem o feudalismo irá sobreviver por muito mais tempo. Deus continua a ser o centro do universo, a Igreja a sua representante na Terra, mas a relação do homem com o divino liberta-se do medo e ganha uma nova fé.

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Arquitetura original, arte decorativa exuberante ou simplesmente uma variação do gótico final? As teses são muitas, mas certo é que este estilo tem características únicas e bem portuguesas.

O manuelino desenvolveu-se no reinado de D. Manuel I (1491-1521), no auge da expansão marítima, viagens que inspiram muitos dos elementos naturalistas e "vegetalistas" desta complexa ornamentação, exagerada e ampliada.

São conchas, cordas, corais, folhas, alcachofras, animais, seres imaginários e exóticos, saídos da epopeia dos grandes mares que cobrem janelas, portas, arcadas, colunas e rosáceas.

A esfera armilar, símbolo do poder régio, e a cruz da ordem de Cristo, símbolo do poder divino, são os motivos mais importantes da arte manuelina.

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Arquitetura original, arte decorativa exuberante ou simplesmente uma variação do gótico final? As teses são muitas, mas certo é que este estilo tem características únicas e bem portuguesas. O manuelino desenvolveu-se no reinado de D. Manuel I (1491-1521), no auge da expansão marítima, viagens que inspiram muitos dos elementos naturalistas e "vegetalistas" desta complexa ornamentação, exagerada e ampliada.

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De aprendiz de desenho a mestre do modernismo, Amadeo de Souza-Cardoso (1887-1918) é a primeira referência da pintura moderna do século XX em Portugal. Homem de um tempo que vai à frente.

Ícone do modernismo em Portugal, nem sempre o génio de Amadeo de Souza- Cardoso foi compreendido pelos portugueses. As suas exposições foram muitas vezes mal recebidas pelo público em geral e pelos críticos em particular.

No início do século XX as suas obras punham em causa toda a estética cultural vigente. "Sou impressionista, cubista, futurista, abstracionista? De tudo um pouco mas nada disso forma uma escola", diz de si próprio em 1916.

Contemporâneo de pintores como Apollinaire, Picasso e Modigliani, com quem estabelece uma relação de amizade, Amadeo é o vanguardista, o experimentalista, audaz e voraz , o pintor inquieto que procura o novo. Durante 10 anos produz intensamente como se no seu íntimo soubesse que a sua vida seria curta demais para o seu talento. E foi. Morreu prematuramente aos 30 anos, vítima da epidemia da pneumónica.

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O espírito inquieto de Amadeo de Souza-Cardoso - RTP Ensina

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De aprendiz de desenho a mestre do modernismo, Amadeo de Souza-Cardoso (1887-1918) é a primeira referência da pintura moderna do século XX em Portugal. Homem de um tempo que vai à frente. Ícone do modernismo em Portugal, nem sempre o génio de Amadeo de Souza- Cardoso foi compreendido pelos portugueses.

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Pintou, desenhou e esculpiu até ser o inconfundível Amedeo Modigliani. O artista das figuras estilizadas, alongadas, de olhos rasgados, dedicou-se por inteiro à arte. Algumas obras pertencem à coleção do amigo Paul Alexandre, mostradas em Lisboa em 1995.

Começa tudo no olhar de Modigliani. Fascinado pela forma humana, o artista molda com ternura os seus modelos, descobre-lhes a geometria do corpo, perscruta estados de alma e acentua tudo com linhas elegantes, contornos arredondados e uma sensível paleta de cores bem contrastadas.

"Aquilo que procuro não é o real nem o irreal, e sim o inconsciente, o mistério do que há de instintivo na raça humana.", escreve o pintor que conheceu o destino dentro de um sonho.

Nos poucos dados biográficos disponíveis conta-se que o rapazinho, nascido em Itália em 1884, oriundo de uma família da burguesia judaica, adoeceu um dia com febre tifóide e, durante um sonho delirante, teve a revelação de que seria artista. Amedeo começa a cumprir o desígnio aos 14 anos, inicia os estudos na Academia de Arte de Livorno, a terra natal. Frequenta aulas de modelo-vivo, estuda a arte do Renascimento e em 1906 vai para Paris, o coração da vanguarda europeia. Do seu pequeno estúdio em Montmartre absorve Cézanne, Renoir, Matisse, Tolouse-Lautrec, Picasso e Edvard Munch, deixa-se influenciar pelo expressionismo e pelo simbolismo mas procura sempre o seu estilo pessoal.

Modigliani retrata amigos, conhecidos, anónimos. Pinta e desenha nus de mulheres em poses sensuais e misteriosas, com esses quadros e desenhos faz a sua única exposição individual aos 33 anos, rapidamente censurada e proibida. A partir de 1909, inspirado pelas talhas de madeira africanas, dedica-se à escultura, retira cabeças e corpos humanos da pedra, peças que expõe no estúdio de Amadeo de Souza-Cardoso, pintor português com quem desenvolvera uma amizade próxima.

Na sua breve vida, Modigliani tem pouco êxito, os quadros não pagam as contas da casa e dos bares que frequenta. Amores, álcool e drogas, são excessos mais tarde ampliados no cinema, no teatro e na literatura que farão de "Modi" uma lenda, uma personagem trágica.

Nos primeiros anos em Paris é apoiado por Paul Alexandre, que reconhece a genialidade do pintor. Compra-lhe desenhos, aguarelas e quadros, arranja-lhe novas encomendas. O jovem médico é o primeiro patrono do artista italiano, morto prematuramente aos 36 anos, com tuberculose.

Dessa amizade fica uma coleção única, composta por centenas de obras, já mostrada no Palácio Grassi em Veneza, na Royal Academy em Londres, no museu Ludwig em Colónia e na Cultergest em Lisboa. O filho do colecionador, o historiador Noel Alexandre, faz uma visita guiada a esta exposição.

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Começa tudo no olhar de Modigliani. Fascinado pela forma humana, o artista molda com ternura os seus modelos, descobre-lhes a geometria do corpo, perscruta estados de alma e acentua tudo com linhas elegantes, contornos arredondados e uma sensível paleta de cores bem contrastadas.

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Criador de histórias fantásticas, José Saramago construiu grandes metáforas para questionar o mundo. Nesta sua maneira de contar, marcada pela singularidade da sua escrita sem pontuação, "transparece o seu modo de ser e de pensar". E os seus livros contam-nos um Saramago humanista, poético, interventivo, provocador. Ateu convicto que confrontou Deus na literatura, suscitando polémicas e ódios. Aqui o recordamos a refletir sobre alguns destes temas.

Os livros de José Saramago não são peças autobiográficas, mas em toda a obra literária transparece o homem que o escritor é; o modo de ser e de pensar. Os temas escolhidos, a maneira singular de contar histórias, narrativas mais historiográficas ou alegóricas que interpelam o leitor, que colocam questões sobre o presente, sobre a condição humana, sobre a civilização, apresentam o autor, contêm a essência de Saramago. Do primeiro ao último romance, apenas destacando da longa lista os polémicos "Evangelho Segundo Jesus Cristo" e "Caim", o Nobel da Literatura afirmou-se sempre por ser um escritor de ideias, por escrever o que pensava sem obedecer a conveniências ou procurar consensos.

Visivelmente debilitado, muito doente já quando proferiu estas declarações, recuperadas e emitidas na RTP no dia em que morreu, José Saramago não se esconde neste tempo difícil em palavras outras que não as dele mesmo: "A única coisa que necessito é de dizer aquilo que penso". Como dizer-se de forma desassombrada que é ateu, repetir que Deus não é de fiar e que não compreende porque é que as religiões se opõem umas às outras. Saramago, aqui.

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José Saramago: "a única coisa que necessito é de dizer aquilo que penso"

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Criador de histórias fantásticas, José Saramago construiu grandes metáforas para questionar o mundo. Nesta sua maneira de contar, marcada pela singularidade da sua escrita sem pontuação, "transparece o seu modo de ser e de pensar". E os seus livros contam-nos um Saramago humanista, poético, interventivo, provocador.

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Desde su inauguración en diciembre de 2018, llamó la atención del planeta por su diseño revolucionario, la tecnología aplicada para su uso y su asombroso material. Por ello, no es raro que se la elija como la mejor biblioteca del mundo. Se trata de la Biblioteca Central de Helsinki Oodi, comúnmente conocida como Oodi.

El galardón fue entregado por la Federación Internacional de Asociaciones de Bibliotecas (IFLA), e nun evento anual que se realizó en Atenas, Grecia.

Su diseño distintivo fue el resultado de una competencia internacional, en la que fue seleccionada la firma ALA Architects, y se requirieron casi 100 millones de euros para su construcción.

Su diseño abierto y aireado ofrece a los visitantes tres pisos de libros y actividades, así como espacios donde las personas pueden trabajar en silencio o donde los niños pueden divertirse y jugar juegos de mesa y móviles. En un guiño a los extensos bosques de Finlandia, el diseño hace un uso liberal de la madera en la estructura e incluye árboles vivos en el nivel superior.

Oodi funciona como una sala de estar. Está abierta los siete días de la semana, desde la mañana temprano hasta la noche.

La biblioteca tiene una colección de 100 mil libros, revistas, partituras, películas y juegos, con títulos de libros en 17 idiomas.

Otras dos bibliotecas finlandesas también fueron premiadas. Las bibliotecas públicas de Espoo y Vantaa, ambas en el área metropolitana de Helsinki, también recibieron premios en categorías por cortometrajes producidos por la biblioteca y campañas de marketing, respectivamente.

Las bibliotecas de la ciudad de Espoo fueron honradas por un video, "100 razones por las que estas bibliotecas finlandesas son las mejores del mundo", producido para conmemorar el 100 aniversario de la independencia de Finlandia.

Mientras tanto, la aplicación de "biblioteca de bolsillo" de Vantaa también recibió elogios. La aplicación permite a los usuarios reservar libros y renovar préstamos, obtener recomendaciones de lectura y pedir prestados títulos de amigos, entre otras cosas.

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Oodi: esta es la mejor biblioteca del mundo. Ranking 2019

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Desde su inauguración en diciembre de 2018, llamó la atención del planeta por su diseño revolucionario, la tecnología aplicada para su uso y su asombroso material. Por ello, no es raro que se la elija como la mejor biblioteca del mundo. Se trata de la Biblioteca Central de Helsinki Oodi, comúnmente conocida como Oodi.

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Vai a entrevista ainda no princípio e Renata vem pedir ao marido uns 20 euros para ir fazer compras. O marido abre a carteira, pergunta se não é melhor levar 30, e dá-lhe o dinheiro para as compras... Continua-se a entrevista ao marido, o escritor, semiólogo, linguista e ensaísta Umberto Eco, que comenta a interrupção assim: "Nada muda, é como na ópera La Traviata."

É verdade, "nada muda", tanto assim que o seu mais recente romance tem como cenário o ano de 1992 e é um perfeito retrato das relações entre a política, a corrupção e a manipulação jornalística que ainda vigoram no ano de 2015. Intitula-se Número Zero e saiu em Itália em novembro, tornou-se imediatamente um best-seller, estando em curso 35 traduções. Um motivo para Umberto Eco dizer: "Não posso dar todas as entrevistas que pedem, ou não faria outra coisa." No entanto, esta conversa está em curso e o professor que nasceu no ano de 1932 na cidade italiana de Alessandria apresenta-se bem--disposto e de muito bom humor. A prova é que logo ao início tenha brincado com o apelido Silva: "É como o Kim dos coreanos, há sempre mais um."

Umberto Eco está diferente desde a anterior entrevista que concedeu nesta mesma casa em Milão há três anos - voltou a ter uma barbicha aparada -, por altura do lançamento do delirante romance O Cemitério de Praga. Na altura já não acendia o charuto que era uma das suas imagens de marca, mas também não pegava nas cigarrilhas que agora conserva entre os dedos durante as duas horas de diálogo. Não as acende, apenas as usa como uma chucha até considerar que o seu prazo de validade terminou. Então, como se as tivesse fumado de verdade, esborracha as pontas no cinzeiro.

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Umberto Eco abandona as sinfonias de Mahler e opta pelo jazz de Charlie Parker

Umberto Eco não tem pressa em começar a debitar, aliás prefere aproveitar a brisa que entra pelas janelas abertas e lançar alguns temas para o ar. O seu apartamento fica na Praça do Castelo, que recebe este nome pela fortificação Sforzesco em frente, um segundo andar gigante que mais parece a biblioteca da abadia medieval onde decorre a ação do seu romance mais famoso, O Nome da Rosa. Enquanto se percorrem os corredores até ao estúdio onde trabalha, observam-se as lombadas das dezenas de milhares de volumes ali emprateleirados. Sobre a mesa de trabalho, voltada para um jardim interior que a sua mulher cuida com cuidado, conforme refere, está o computador portátil em que escreveu o romance sobre o qual se irá falar na entrevista, bem como pilhas de papel, jornais e vários outros livros, entre os quais a Nostalgia do Absoluto, de George Steiner.

Umberto Eco não se importa de se deixar fotografar nas divisões mais íntimas da sua monumental residência, no interior de um prédio de fachada ocre ladeado por dois de cor amarela, e nem é preciso pedir-lhe para posar, já que ele próprio interrompe a marcha pelo corredor comprido e põe-se em posição. Agradece que não tenha vindo um fotógrafo profissional: "Detesto as sessões fotográficas. Tiram-me tantas fotografias e depois usam apenas uma."

O professor não se cansa desta caminhada interior. Abre a porta que dá para o jardim e mostra as flores; entreabre um pouco mais as janelas do salão e observam-se os turistas e grupos de estudantes a fotografar o escudo heráldico posto na torre virada para o apartamento. Ao falar de turistas, nomeia três restaurantes que não são frequentados pelos milhares de visitantes que fazem o circuito da moda e gastam os últimos euros em Milão - "na Armani ou na Spiga" -, fazendo três sugestões: "Há um restaurante, aqui já à direita, que é caro; outro mais à frente com um ótimo risotto e um chinês naquela rua ali"...

De regresso à sala, entre os livros que refere está um de James Joyce: "Tenho um exemplar da primeira edição de Ulisses." Vê-se que tem prazer nessa posse, mesmo que não seja tão valioso como alguns volumes comprados em alfarrabistas especializados em livros sobre ciências ocultas e alquimia: "Sempre fui fascinado pelo falso, daí que colecione livros antigos falsos. Sou um colecionador ateu, dos que não acreditam no que está nesses livros."

Falar de Ulisses leva-o a dizer que recebeu em tempos de um poeta e tradutor brasileiro, Haroldo de Campos, uma edição daquele romance. De Portugal não foi nenhum e, quando informado de uma nova tradução do livro, fica curioso como é que num país tão pequeno se pode editar um livro tão caro. Diz--se que a tradução de Ulisses é de Jorge Vaz de Carvalho, o mesmo que tem vindo a fazer a tradução ou revisão de toda a sua obra em Portugal. Umberto Eco aproveita para fazer uma confissão: "Percebo melhor o português do Brasil do que o de Portugal, tal como prefiro o inglês dos americanos ao de Oxford."

Não será por acaso, é que Umberto Eco já correu o Brasil de norte a sul várias vezes e visitou muitas cidades para fazer palestras: "Apaixonei-me pela obra do dramaturgo Oswaldo de Andrade, pelo candomblé e pela música deles." Quanto a Portugal: "Estive lá duas vezes: uma primeira a convite de Mário Soares, durante a qual conheci Saramago, e depois aquando da pesquisa para o romance O Pêndulo de Foucault, tendo visitado Tomar por causa dos Templários. E ouvi fado numa casa típica."

Acrescenta uma história que lhe ficou na memória: "Estive num alfarrabista na zona do Chiado e encontrei seis volumes que me interessavam muito e que não eram demasiado caros. Comprei-os, paguei e pedi para mos enviaram para casa. Dias depois houve o grande incêndio e achei que nunca mais os veria, felizmente o livreiro tinha-os expedido na véspera da tragédia."

Após acabar o romance Número Zero, Umberto Eco ainda não tem projetos literários: "O meu editor perguntou-me o que queria fazer após terminar o livro e o que disse foi que me apetecia atirar o livro pela janela." Enquanto o diz, observa um exemplar da edição portuguesa, acabado de sair da gráfica, e não nega que exista alguma parecença com este Número Zero e o O Pêndulo de Foucault, como se sugere: "É verdade, até porque é o meu livro de que mais gosto."

Diga-se que o início deste último romance tem uma situação - uma torneira que pinga - que era para ter sido utilizada no Pêndulo mas que acabou por ser retirada por uma questão de ritmo. Ou que este Zero era para ter sido escrito antes do Pêndulo: "Só que este livro levou--me apenas um ano a escrever e o outro foram oito anos completos."

Finalmente, Umberto Eco instala-se na poltrona de cor diferente de todas as outras e dá início à entrevista. Antes da primeira pergunta ainda se repara nas meias que o escritor calça, às riscas horizontais, como se fosse um arco-íris.

Não começa a conversa sem antes justificar o tom do seu mais recente romance: "Digo sempre que os meus livros eram sinfonias de Mahler, mas este é bastante diferente, é jazz de Charlie Parker. É mais curto, pois pretendo manter um ritmo de jazz e não a complexidade dos andamentos de uma sinfonia."
Não teve medo de ser assassinado por causa das acusações polémicas que faz em Número Zero como sucede a uma das personagens?
Não, porque tudo o que conto neste livro, salvo a fantasia desse Braggadocio sobre o corpo de Mussolini, é verdadeiro, teve processos judiciais e já foi publicado. O pior do que conto no meu romance não é o que se fez de terrível, mas que as pessoas se estejam nas tintas para todos esses acontecimentos. Vejo que tudo entra por uma orelha e sai pela outra das pessoas, como se as coisas terríveis que se passaram há 50 anos não preocupem ninguém e sejam aceites tranquilamente.
Então, está livre de perigo?
Acho que ninguém me quer silenciar, pois não sou Roberto Saviano, que conta segredos da máfia atuais. Eu conto coisas sobre as quais até a BBC já fez um documentário.
Mas o romance é tão provocativo como os cartoons do Charlie Hebdo e viu-se o que aconteceu em Paris.
É diferente, porque o Charlie Hebdo tocou na sensibilidade ao fazer cartoons terríveis sobre a Virgem Maria e Jesus Cristo, já para não falar do islão. Na sensibilidade religiosa não se deve tocar e, por isso, creio que não irritei ninguém, até porque os que cometeram estes crimes tiveram o desplante de os ir comentar à TV.
Repito. Braggadocio morre sem saber a razão da punhalada e no seu livro são tantas as acusações que alguma lhe poderia ser fatal...
Talvez, até porque não revelo a razão por que ele é assassinado. Decidi escrever este romance porque já tinha efetuado todas as discussões sobre os casos polémicos que refiro, ou seja, fiz um autoplágio ao reproduzir partes de textos meus que tinha escrito para a revista l"Espresso e que tinham que ver com esta temática. Fi-lo tranquilamente porque não é um crime plagiar-me a mim próprio. Por isso é que demorei só um ano a escrever este enquanto os outros livros levaram seis anos e o Pêndulo oito.
No entanto, tem semelhanças com O Pêndulo de Foucault.
Concordo, porque há coisas deste livro que já tratara antes para satisfazer o meu vício do jornalismo. Escrevi muitos artigos e tive muitas polémicas, mesmo que as pessoas se esqueçam disso rapidamente.

Não é um crime plagiar-me a mim próprio como fiz neste livro
Em Número Zero tudo gira à volta da conspiração, um tema que o delicia, creio?
É verdade, tanto que neste ano vou estar num congresso sobre a conspiração, um tema que sempre me fascinou por causa da sua mecânica delirante. Tudo consiste em encontrar ligações entre o que jamais teria relação. Braggadocio é o exemplo mais perfeito de um conspirador que encontra ligações entre a morte de Mussolini e a do papa João Paulo I.
Mesmo que ainda estejamos no início do século XXI, já temos boa quantidade de conspirações. O 11 de Setembro é um bom exemplo?
Eu acredito nas conspirações, mas é preciso distinguir a verdade da mentira. O assassínio de Júlio César foi uma conspiração, tal como as tentativas para matar Napoleão, porque o que caracteriza as verdadeiras conspirações é serem imediatamente descobertas. Já as imaginárias e paranoicas nunca se podem verificar se são reais ou não. No caso das Torres Gémeas sabe-se que a Al-Qaeda se organizou para as destruir, mas na conspiração paranoica não foi a Al-Qaeda mas sim os judeus e o presidente Bush.
Começa o delírio?
Basta ver que na internet há teorias sobre a nota de um dólar que, quando dobrada de uma certa maneira, reproduz as duas Torres Gémeas, ou seja, era um acontecimento previsto! É uma loucura, mesmo que muita gente acredite nessa teoria. Houve um grande filósofo, Karl Popper, que escreveu um ensaio fundamental para explicar a teoria da conspiração, no qual explica que já na Ilíada de Homero existia uma conspiração dos deuses para o que acontecia. Imaginar uma conspiração é a melhor forma de não reconhecer que somos limitados ou imbecis.
E ninguém o quer reconhecer?
Quando não se quer reconhecer que se é um imbecil, culpam-se os outros. Aliás, basta ver que todas as religiões do mundo resultaram de conspirações: há sempre um deus que fez isto ou aquilo. Mesmo que tenha sido eu a matar semelhantes numa guerra, logo se aponta para uma maquinação da divindade e que é responsável pelo ato.
Como se transplanta isso para o seu romance?
Recorde-se a operação que resultou na morte do primeiro-ministro Aldo Moro após dois meses em cativeiro. Era realizada pelas Brigadas Vermelhas e muito bem feita, infelizmente. Então, logo se disse que era impossível que jovens de 30 anos fossem capazes de fazer a operação e que haveria por trás alguém mais velho responsável. Esquecia-se que outras pessoas de 30 anos eram diretores de empresas!
Nem faltam na Primavera Árabe suspeitas de conspirações norte-americanas.
Muitas vezes as coisas reais parecem-se com conspirações e é verdade que os serviços secretos de todo o mundo se meteram nos processos das revoluções. A situação passa a paranoia quando se diz que foi o presidente dos Estados Unidos quem montou tudo. Dou um exemplo comezinho: um colega publicou um livro que falava de cemitérios e como na altura fui visitar o cemitério Pére Lachaise em Paris levei-o para ler. Só que esqueci o livro no táxi e ele achou logo que não foi por acaso e perguntou: Porque não perdeste outro qualquer? Transformou um elemento casual numa situação demoníaca.
Os leitores, no entanto, são grandes apreciadores de conspirações?
Sem dúvida, e até posso dar como exemplo o Código da Vinci, cujo autor eu sempre disse que foi inventado por mim. Dan Brown é mais uma personagem do meu romance O Pendulo de Foucault do que alguém com uma existência de verdade. Ele teve um sucesso extraordinário, quase cósmico, mesmo que o que conta seja evidentemente falso. Dan Browm comprou os mesmos livros que eu para as investigações de O Pêndulo, só que eu fiz uma representação grotesca enquanto ele convenceu os leitores de que tudo o que escreveu era verdadeiro.
E conseguiu?
Sim, porque era divertido. Mas o mais espantoso é o facto de as pessoas irem à igreja de Saint-Sulpice confirmar se lá estão as coisas que ele refere. Que não estão, porque a sua ideia de narrativa de uma conspiração ultrapassa o próprio contar da história. O que é ler um romance? É pensar que a narrativa é verdadeira e fazer crer que havia uma mulher que se chamava Madame Bovary e um homem que se chamava Raskolnikov. A sanidade mental consiste em fazer que o leitor deixe o romance com aquela sensação que [Samuel] Coleridge chamava a "suspensão da descrença". As pessoas que leram Dan Brown vão aos locais onde tudo se passa e são ultrapassados pela narrativa, como acontecia aos habitantes da velha Sicília quando o teatro de marionetas ia à sua terra e os espetadores identificavam-se com o mau da fita - confundindo a ficção e a realidade -, e no final espetavam o fantoche mau com os seus punhais para se libertarem.

Ninguém me quer silenciar. Não sou o Roberto Saviano
O próprio Dan Brown acreditará no que escreve?
Não sei, não sou o seu psicólogo.
Quem lê o Código Da Vinci também não acha que Umberto Eco pode ser personagem desse livro?
Sim, mas prefiro pensar que ele é uma personagem de O Pêndulo.
A propósito de conspiração, ainda acredita no que lê nos jornais?
Apesar deste romance se apresentar como uma crítica selvagem, a narrativa termina com uma emissão da BBC, que é jornalismo sério. O jornal do meu livro é o pior exemplo da situação jornalística, e não é por acaso que a redação é composta por medíocres. Não se pode identificar o jornalismo em geral com o do livro, até porque a maioria tenta fazer jornalismo sério.
Em Portugal, há escândalos políticos que estão na berlinda duas semanas até serem esquecidos. É como em Itália?
O esquecimento é a palavra exata, por isso é que situei o meu romance no ano de 1992. Entre as várias razões está a de não existir a internet. Posteriormente, a situação complica-se porque a internet está cheia de falsidades e o grande problema é a capacidade de filtrar o que é verdade. Eu posso separar o trigo do joio, mas se for pesquisar sobre teoria atómica sou bem capaz de ser enganado. Por isso, se dizem que Bush está relacionado com o atentado das Torres Gémeas as pessoas acreditam. Os jornais deviam ter uma, duas páginas diárias a analisar o que vai na internet.
Não estão os jornais e a internet a ser cúmplices, como no caso do falso gesto obsceno de Varoufakis que levou dias a desmascarar?
Isso acontece porque é preciso encher 50 páginas diariamente.

No momento em que todos têm direito à palavra na internet, temo-la dada aos idiotas
O romance Número Zero passa-se antes de Berlusconi. Era uma personagem demasiada perigoso?
Em 1992 parecia que a situação em Itália estava para explodir, daí que fosse o melhor cenário para o que eu pretendia escrever. Tinha havido uma operação Mãos Limpas, mas mesmo com as condenações por corrupção nada mudou. Berlusconi entretanto foi eleito e o que antes era negócios para financiar os partidos foi substituído pelo enriquecimento próprio. Por isso, neste livro apetecia-me falar de uma época mais longínqua, em que as personagens não sabiam o que iria acontecer mas o leitor sim.
Vive frente ao castelo Sforzesco, que entra no livro. Por ser uma visão diária, ou por outra razão?
Está no livro por ter sido a única documentação que precisei de investigar - o resto estava todo na internet. Ao encontrar um livro sobre os lugares secretos de Milão descobri vários locais que desconhecia e coisas sobre os subterrâneos do castelo que se vê da minha janela. Não sei se é verdade ou falso, mas diz-se que existem coisas horríveis nas suas galerias e assim tornou-se o cenário perfeito para a conspiração à volta de Mussolini.

Dan Brown é uma figura que inventei no livro O Pêndulo de Foucault
Porque faz de Mussolini uma das grandes provocações do livro?
É a forma de meter em cena a psicologia do conspirador a coberto da influência eterna do fascismo.
Enquanto escrevia o livro passou a acreditar em alguma teoria a que antes não dava importância?
A única teoria falsa no romance é a defendida por Braggadocio, quanto ao resto é tudo verdade. Talvez em alguns dos casos que refiro os responsáveis não tenham sido punidos e escaparam à justiça. Como é o caso do golpe de Estado tentado pelo príncipe Borghese e que falhou. Porque falhou? Não sei. A história disso tudo foi revelada na imprensa, houve uma comissão para investigar, mas nada se apurou.
Mas enquanto escrevia nunca se pôs a pensar "e se fosse verdade"?
Sempre fui fascinado pelo falso.
Em 1967 escreve uma Guerrilha Semiológica contra a uniformização da cultura mediática...
...Que foi uma coisa muito mal compreendida! A Guerrilha Semiológica é isto: na discussão sobre a comunicação dos anos 60 pensava-se sempre em como passar a mensagem. A solução era mudar a mentalidade face à influência da televisão e era preciso que em frente a cada aparelho estivesse alguém que explicasse. Isso era a Guerrilha Semiológica, que provocou até conflitos com os militares.
Está satisfeito com o estado da linguagem atual?
Estar interessado na linguagem também quer dizer que se é um crítico constante da linguagem. Acredito que o italiano permite dizer tudo o que se quer, mas há uma maioria de pessoas que emprega mal as palavras e a lista de clichés impressos nos jornais é uma espécie de espelho paralelo ao estado da linguagem.
Confia no que lê nos jornais?
Eu vejo as notícias na televisão mas nos jornais leio principalmente a Opinião. Quanto aos enganos que se encontram na imprensa, percebo que resultam da obrigação de encher muitas páginas. Até porque reparo que mesmo os jornais muito importantes se enganam.
Lê jornais em papel ou digital?
Por norma em papel. Nisso sou fiel a Hegel, que dizia que o jornal é a oração quotidiana do homem moderno. Mas não sou contra o digital, e se estou no estrangeiro utilizo o iPad para ler os jornais italianos.
Acredita que há futuro para a imprensa tradicional?
Não sei, porque também houve um tempo em que se dizia que a bicicleta iria desaparecer e tal não aconteceu, pois agora vejo toda a gente a pedalar. Há uma redescoberta contínua de certas práticas consideradas em perigo, tanto assim que me dizem que o único setor editorial que está em crescimento é o da literatura infantojuvenil. O que vejo é que as crianças ainda gostam de folhear os livros e reparo que cá em casa a primeira coisa que o neto faz é ir ver os livros. Não liga aos jogos ou à televisão, portanto as novas gerações poderão continuar a ler e a querer tocar nas páginas de papel, bem como deixar os restos de bolos colados às páginas e reencontrar essas marcas na velhice, coisa que não se encontra numa pen ou num disco rígido.
Encontra muitas mentiras sobre si na internet?
Sim, principalmente atribuem-me muitas frases célebres de outros. Ou mesmo situações erradas como a que me atribuíram há uns anos de que eu dissera que um escritor famoso tinha morrido e até o jornal The New York Times me ligou para confirmar. Mas nem sempre confirmam se é verdade, o que já não me incomoda porque acredito na fraqueza da memória das pessoas. Sabemos sempre que no dia a seguir já nada é notícia.
Considera ser necessário controlar a internet?
Isso é uma situação impossível de fazer nos tempos em que vivemos, o que se deve é ponderar o que fazer desse universo. Há quem já tenha dito, e acho que tem razão, que se nos anos 40 houvesse internet não teria havido campos de concentração como o de Auschwitz porque toda a gente teria tido conhecimento. No entanto, no momento em que todos têm direito à palavra na internet temo-la dada aos idiotas, que de outro modo nunca seriam lidos noutro sítio.
Alerta para os campos de concentração mas hoje temos situações trágicas com os imigrantes do Mediterrâneo ou os que fogem da Líbia ou do Mali e isso não se evita.
Isso é outra questão, a informação banaliza os acontecimentos. Dou um exemplo: a primeira vez que se viram na televisão imagens de uma criança negra cheia de fome e com moscas a rodeá-la foi um momento marcante, só que agora já ninguém lhes liga devido à vulgarização. Alguém no outro dia proibia a divulgação de imagens dessas crianças negras com moscas à volta porque a sua repetição era perigosa. As pessoas habituam-se.
Critica a demasiada informação?
O problema da internet é que produz muito ruído, pois há muita gente a falar ao mesmo tempo. Faz-me lembrar quando na ópera italiana é necessário imitar o ruído da multidão e o que todos pronunciam é a palavra rabarbaro. Porque imita esse som quando todos repetem rabarbaro rabarbaro rabarbaro, e o ruído crescente da informação faz correr o risco de se fazer rabarbaro sobre os acontecimentos no mundo. Haver muito ruído é o outro grande problema da informação contemporânea e esse é um dos temas do meu romance: cada uma das personagens não era problema, mas todos juntos faziam demasiado barulho. Portanto, deve-se evitar muito ruído informativo.

Sou fiel a Hegel, que dizia que o jornal é a oração quotidiana do homem moderno
Repetiu o que Dante disse um dia sobre as bibliotecas ocuparem o lugar de Deus. Ainda acredita nisso?
Isso está na parte final da Divina Comédia. Via-se Deus como a biblioteca das bibliotecas e a soma de todos os saberes possíveis. O que eu disse foi uma formulação metafísica, até porque é impossível ler tudo o que existe nas bibliotecas.
Já disse que São Tomás de Aquino é responsável por ter perdido a fé em Deus e na Igreja. É verdade?
Não se deve interpretar desse modo o que disse, digamos que a minha crise religiosa começa ao mesmo tempo em que me ocupo de São Tomás. Ou seja, comecei a tese ainda crente e termino-a já não sendo. No entanto, deixei S. Tomás no seu próprio tempo, tratei-o com muito respeito e continua a influenciar-me no pensamento. Ele não é responsável por mais nada.

Quem enche os livros de sexo é porque tem pouco na sua vida
Trinta anos após ter publicado O Nome da Rosa quase ninguém deixa de o relacionar principalmente com esse livro. Porquê?
Não é coisa que me tenha acontecido apenas a mim, o meu amigo Gabriel García Marquéz escreveu livros fabulosos mas só se fala do seu Cem Anos de Solidão. Ou se tem a sorte de escrever o livro de sucesso no fim da vida ou se for no princípio nada há a fazer.
Ao fim de tantos anos o que prefere escrever: ensaios ou romances?
São situações muito diferentes. Os ensaios escrevem-se porque o coração o pede. Está-se na universidade, há debate com os outros, discute-se cada passagem com os colegas diariamente, encontram-se respostas e deseja-se escrever uma teoria. No romance, por outro lado, somos livres e ninguém nos pressiona a não ser o editor que quer um novo romance todos os anos. Eu preciso de seis anos para cada um e vivo apenas nesse universo durante esse tempo - a tragédia é quando se acaba o romance. Neste caso, como a história do Número Zero se passa em 1992, tinha de contrariar tudo o que pudesse estar de fora dessa época. Aliás, quase que podia sentar-me no sofá porque o romance escrevia-se a si próprio.
Escreveu também sobre James Bond...
...É um tema de comunicação de massas...
... Que os seus colegas académicos não apreciaram muito...
...Naquela época, nos anos 60/70, não apreciaram assim tanto, mas depois recebi 42 doutoramentos honoris causa, o que quer dizer que os meus colegas não percebiam a realidade.
Também escreveu três livros para crianças. Porquê?
Porque tenho um amigo pintor que me pressionou para fazermos um livro assim e como não me exigia mais do que uma página de texto!
Não fala muito da sua vida pessoal. Qual a razão?
Porque nasci em Alessandria, ou seja, pertenço a uma cidade onde há muito pudor. Até se representa por lá uma comédia nos natais que é assim: os três reis magos chegam, perguntam a um pastor onde está o patrão dele e qual o seu o nome. Telindo, diz ele. Então, os reis encontram o patrão e perguntam se ele era o Telindo. Quando o patrão reencontra o pastor repreende-o por ter revelado o seu nome: "Não se diz o nome a ninguém, é privado. O nome é o tesouro de uma pessoa." Como eu não faço o mesmo que a maioria das pessoas hoje em dia não conto o que é privado.
Mas pode responder se James Joyce é o seu grande amor?
Certamente que sim, pois a esse nível sou muito adúltero e tenho muitos amores. Há sempre livros que nos influenciaram há uns 20 anos, outros há 40 ou até há 50. Mas também posso dizer que quem me marca mais é Jorge Luis Borges.
A sua mulher não deve ter apreciado muito o "incesto" que coloca neste romance?
Aí é que está a diferença em fazer parecer e ser real a narrativa. Basta ver que escrevo muito pouco sobre sexo nos livros, afinal, e como dizia Alessando Manzoni, já há tanto amor no mundo que não é preciso introduzi-lo nos romances. Creio que quem enche os livros de sexo é porque tem pouco na sua vida.
Publicou um livro intitulado A Vertigem das Listas. Qual o critério das suas escolhas?
Fiz essa antologia porque me apercebi de que as listas existem nos textos quando não se pode definir o que se está a passar. Não é nenhuma novidade, isso já está nos clássicos, como na Ilíada, quando Homero é incapaz de descrever a poderosa esquadra grega e faz uma enorme lista dos navios. É provavelmente a primeira lista da história da literatura, pelo menos a que conhecemos. A questão é que ao fazer-se uma lista porque não se é capaz de definir algo, existe imediatamente uma escolha dos elementos que descreve. Dá-nos a impressão de multiplicação não organizada mas há sempre um autor que a fez. A grande pergunta é o porquê de um autor ter colocado este ou aquele ponto na lista em vez de um outro. A internet é a lista das listas possíveis, a matriz de todas as listas que se possam imaginar.
A propósito de listas, também está há algum tempo na do Prémio Nobel da Literatura. Acredita que irá receber um dia?
Toda a gente está nesta lista, até existem autores que colocam nas suas biografias que foram candidatos ao Nobel. Eu levo-me muito a sério para pensar nesse assunto.

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Releia a última entrevista de Umberto Eco ao DN

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Morreu ontem o escritor italiano Umberto Eco, autor de obras imemoriais como "O Nome da Rosa" ou "O Pêndulo de Foucault". A última entrevista que o DN lhe fez, na sua casa, em Milão, a 19 de dezembro de 2015, aconteceu em a propósito do último livro - "Número Zero".

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Lead Artist : Bang Mi-na, Choi Min-ho
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A tribute to Henri Matisse (b. 1869), whose work full of happy carefreeness is still cheering people up every day. Matisse was inspired by nature. When he fell ill he had to stay inside all day so, well... 

Tom Geraedts, Director and concept
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Rick Franssen @ The Outpost, VFX
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Thanks to Artis and Hortus Botanicus

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Voltarei à Minha Terra, Tereza Salgueiro

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Sunday Bloody Sunday (Live From Red Rocks Amphitheatre, Colorado, USA / 1983 / Remastered 2021)

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