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Lobivar Matos - Modernista Matogrossense

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Lobivar Matos - Modernista Matogrossense

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Lobivar Barros de Matos e Mateus Gatti Rodrigues, ( Corumbá, 11 de Janeiro de 1915 - 27 de Outubro Rio de Janeiro, 1947) foi um escritor brasileiro.

Marcou sua vida artística pela simplificação da assinatura Lobivar Matos, autor de Areôtorare: poemas boróros (1935) e de Sarobá (1936). Alguns escritos sobre a vida do autor revelam que sua infância, pela região pantaneira, fora digna de uma infância comum. No entanto, o mesmo não pode ser dito de sua juventude, repleta de atitudes fortes e marcantes principalmente pelo que pode ser visto em sua composição poética.

Partido das considerações publicadas num artigo escrito por José Octávio Guizzo, a pesquisadora Susylene Araújo afirma em sua Tese de Doutorado (intitulada " A Vida e a Obra de Lobivar Matos: o modernista (des) conhecido)que:

"Lobivar Matos, aos 18 anos, deu um passo importante em sua formação. Naquela ocasião, sua avó, ao vender algumas cabeças de gado, conseguiu custear a ida do neto para a cidade do Rio de Janeiro, onde o jovem foi recebido por Filinto Müller, figura representativa do governo Vargas, padrinho dos mato-grossenses que por lá se aventuravam. Tal informação exige uma atenção especial, já que parece ser bastante contraditório que alguém que seja protegido pelo governo getulista da época pudesse dar vozes aos parias desprovidos, como Lobivar o fez. O relato segue para revelar aqueles que seriam os anos mais significativos da vida de Lobivar Matos. Após ingressar na Faculdade Nacional de Direito do então Distrito Federal, o poeta contrai núpcias com Nair Gomes de Araújo, com quem teve dois filhos: Silvio e Suely. (2009, p. 24-25).

Após a publicação de suas duas obras (Areôtorare: poemas boróros e Sarobá),

Lobivar volta a morar em Corumbá, para ali servir como porta-voz de seu povo. Em seguida, motivado pela sua inquietação, transfere-se para Cuiabá, onde escreve para o Estado de Mato Grosso, de onde parte novamente para o Rio de Janeiro, onde colabora constantemente com a imprensa carioca. Nos anos seguintes, a enfermidade de uma úlcera e as limitações da vida o impediam até mesmo de desfrutar o sol do Rio de Janeiro e no dia 27 de outubro de 1947 seu sofrimento chegou ao fim. O poeta Lobivar Matos, encerrava uma trajetória de muitas lutas nos confins da Casa de Saúde Pedro Ernesto no Rio de Janeiro. Neste dia, morria Lobivar Barros de Matos, o Lolito. (GUIZZO, 1979, apud ARAÚJO, 2009, p. 25)

De fato, tomar Lobivar Matos como assunto de artigos ligados à cultura local de seu Estado de origem tem sido conteúdo de escritos bibliográficos ou seleções para antologias de poetas mato-grossenses.Como no exemplo a seguir, os registros encontrados em publicações existentes nos meios culturais e literários do atual Estado de Mato Grosso do Sul revelam alguns aspectos relativos à vida do autor. Assim nos contam algumas linhas do artigo intitulado Lobivar de Matos: A ilusão e o destino do poeta desconhecido , escrito por José Octávio Guizzo (1979: 57-60).

(...) ele fora um menino de mais ver e ouvir do que falar. Garoto mirrado, ele seguia a turma, sempre meio arredio, pelas barrancas do Paraguai, em cismares sem fim. Pervagava por todos os bairros pobres da zona portuária, soltando papagaio, rodando pião e jogando bolita. Começou os estudos primários no colégio santa Tereza, na sua cidade natal, e em 1928, aos 13 anos de idade, viera com a mãe para Campo Grande.

Neste artigo, podemos conhecer características ligadas à vida do poeta, que aos treze anos de idade mudou-se para Campo Grande - atual capital de Mato grosso do Sul-, deixando sua terra Natal. Esta mudança acontece por volta do ano de 1928 e às portas da década de 30: com a morte da mãe, Lobivar passou a ser criado por parentes próximos e a dedicar-se aos estudos em um conceituado educandário Salesiano da cidade. Admirador do Mestre e conterrâneo, o poeta Pedro de Medeiros, Lobivar dedicou a ele seu primeiro poema, publicado na Folha da Serra em Fevereiro de 1932, n. V, ano I., e referindo-se a sua origem, a cidade de Corumbá:

Corumbá deslumbrante. Dorme na harmonia
'' O teu sono infinito, nas rochas de granito,
Sob a luz sombria,

Aos dezoito anos, o jovem poeta seguiu para o Rio de Janeiro apadrinhado por Filinto Müller, o anfitrião dos matogrossenses que para lá se dirigiam à procura da sorte. Após a preparação para o ingresso na Faculdade Nacional de Direito do então Distrito Federal, o que veio a acontecer de fato, Lobivar contrariou a inspiração da "cidade maravilhosa" e continuou escrevendo poemas que mencionaram sua terra natal. Movido por uma poética regional o poeta buscava sempre a condição de se tornar universal.

'' A enchente é a inimiga implacável dos roceiros,
dos roceiros humildes e trabalhadores
que nascem, crescem e morrem
acorrentados à margem dos rios,
dos rios que são espelhos líquidos
refletindo no céu
a tortura vegetal das raízes afogadas.
(Areôtorare p. 61)''

Já na década de 40,quando retornou à cidade de Corumbá, Lobivar tornou-se um defensor das causa públicas e nas páginas dos jornais locais tornou-se a voz popular, intermediário das mais diversas reivindicações sociais.

Assim, a vida agitada, que marcou suas constantes mudanças de residência, incluiu uma breve passagem por Cuiabá, onde colaborou escrevendo crônicas e poemas para O Estado de Mato Grosso, idas e vindas pelo trecho Corumbá, Campo Grande e Rio de Janeiro, além da ilustração da intensidade de um homem que tinha muitos planos e muitos destes de cunho estritamente literários.

Aos 32 anos de idade, Lobivar Matos, após algum tempo de sofrimento, vitimado por um problema de saúde veio a falecer. Seria interessante ainda mencionar que, nem o abatimento que o levou à morte em 1947, na cidade do Rio de Janeiro serviu como barreira para que deixasse de escrever. Este fato pode ser comprovado pelo poema Sol (Rio de Janeiro,1938), no qual os elementos contemplativos, traçados pela folha em branco, resgatam o caminho da sensibilidade e da percepção de uma vida, que apesar de dura ou dolorida, ainda podia ser bela.

A manhã estava pra lá de bonita
e eu contentíssimo
porque o fígado me deixara dormir sossegado,

Além desta declaração pela beleza envolvente da vida, em um ímpeto expressivo do pensamento voltado para o próximo, o poeta continua:

''(...) Senti vontade de me estirar na areia da praia,
de correr na areia da praia
para que o sol me esticasse os músculos
Mas meu pensamento perdeu o equilíbrio
e eu me lembrei
que milhares e milhares de irmãos
trancafiados no xadrez
não podiam como eu, aquela hora,
gozar a delícia e a quentura
do sol mais barato do mundo
E o meu fígado começou a doer
e eu comecei a gemer.
''

As imagens criadas pelo poema Sol, são reveladas pelo artigo referenciado como um pretexto para revelar a preocupação do autor com a produção artístico-cultural sul-mato-grossense. Neste estudo, Lobivar é lembrado por sua atividade criadora:

Com efeito, há que se sublinhar a maestria com que o poeta corumbaense se utiliza do verso-livre, da notação elíptica o verso e da disposição gráfico-espacial na folha em branco, num procedimento modernista, para criar imagens que como no poema "Aranha tecedeira", brotam da própria tessitura textual para significar a relação analógico-comparativa entre a "aranha tecedeira" e o poeta que tece, sem glória, fios de seda, fios de ouro nas fibras da sensibilidade humana! (LINS, 1994,P.29)

Lobivar morreu aos 32 anos deixando apenas dois livros publicados areôtorare e sarobá. A história do título destes livros merece ser contada, areôtorare, o próprio poeta explica na carta a minha gente no início deste livro, areôtorare é o nome daquele índio que era o profeta, o contador de Historias da tribo, e os boróros eram quem ouvia as historias, ou seja, os próprios índios.

Já Sarobá o poeta deixa claro que ama a cidade de Corumbá onde nasceu, pois este é um bairro da cidade, onde tinha um prostíbulo. Há ainda outros contos e poesias que não foram publicadas, entre elas o livro teia de interrogações.

Segundo José do Couto Vieira Pontes em seu livro " História da Literatura Sul-Mato-Grossense", Lobivar faleceu aos 32 anos, pouco tempo depois do manifesto poético paulista de 1945, cuja fase, foi um marco pelo amadurecimento das propostas modernistas de 1922 e pelo destaque dado a poesia, através de autores como Lêdo Ivo, João Cabral de Melo Neto, entre outros.

Obras Publicadas

Em sua pesquisa para a elaboração da Tese de Doutorado em Letras intitulada " A Vida e a Obra de Lobivar Matos: o modernista (des) conhecido", Susylene Dias de Araújo relata a amizade entre Lobivar e seu conterrâneo, o poeta Manoel de Barros: Lobivar Matos e Manoel de Barros foram amigos na infância vivida pelos espaços da branca cidade de Corumbá. Essa amizade prolongou-se em outros espaços comuns aos poetas, como na passagem de ambos pelo Rio de Janeiro na distante década de 1930. Embora de famílias diferentes, Lobivar e Manoel receberam o sobrenome Barros em seus registros de nascimento: um datado de 1915 e o outro de 1917. Lobivar, o mais velho, teve sua vida abreviada aos 32 anos de idade, Manoel continua entre nós. Portanto, devo esclarecer que minha intenção de representar a infância aqui reinventada pela poesia de ambos não significa ressuscitar o passado, mas evocá-lo em nome de uma narrativa que se constrói a serviço do questionado e questionador tempo futuro. (2009, p. 37)

Curiosidades

Seguindo os passos de um típico homem de seu tempo, Lobivar casou-se, constituiu uma família e profissionalmente formou-se como advogado. Porém, pouco sabido foi o seu romance com uma mulher carioca de nome Rosa, a qual engravidou, deixando no mundo mais um Lobivar, só que filho - Lobivar Barros de Matos Filho. O Pai fez questão de dar o filho nascido poucos meses antes de sua morte o seu próprio nome.

No Estado de Mato Grosso (MT), as pesquisas sobre o autor têm recebido destaque desde o fim dos anos 70 com as obras de Rubens de Mendonça e Lenine Póvoas e contemporaneamente com os textos e obras da Profa Dra. Hilda Gomes Dutra Magalhães entre outros professores e associados da Universidade Federal de Mato Grosso - UFMT. Em Mato Grosso do Sul, destacamos o pioneirismo de José Octávio Guizzo (1979), José do Couto Vieira Pontes (1981) e José Pereira Lins (anos 90). A partir dos anos 2000, artigos são publicados por vários pesquisadores das Universidades Federal de Mato Grosso do Sul - UFMS e Universidade Federal da Grande Dourados - UFGD, principalmente pelos professores Dr. Paulo Sérgio Nolasco Santos e Dra. Maria Adélia Menegazzo. As indagações acerca da vida e obra de Lobivar levam a Profa Susylene Dias de Araújo da Universidade Estadual de Mato Grosso do Sul - UEMS, a dedicar suas pesquisas de Mestrado e Doutorado à investigação sobre o autor, bem como lançar " Obras Reunidas de Lobivar Matos" (Editora da UFMS - 2009), um livro com a publicação em fac-símile das duas únicas obras publicadas e a junção de artigos escritos por pesquisadores engajados com as produções lobivarianas.

Referências

ARAÚJO, Susylene Dias de. A Vida e a Obra de Lobivar Matos: o modernista (des)conhecido. 2009. 206f. Tese (Doutorado em Letras) - Universidade Estadual de Londrina, Londrina, 2009

GUIZZO, José Octávio. Lobivar de Matos: A ilusão e o destino do poeta desconhecido. RAMIRES, Mário. (Editor). In: Revista Griffo. Campo Grande, n. V, Setembro de 1979. p. 57-60.

LINS, José Pereira & OLIVEIRA, Doratildo P. de. A ilusão e o destino do poeta desconhecido. Dourados, 1994.

MATOS, Lobivar. Areôtorare: poemas boróros. Rio de Janeiro: Irmãos Pongetti, 1935.

MATOS, Lobivar. Sarobá. Rio de Janeiro: Minha Livraria Editora, 1936.

MENDONÇA, Rubens de. História da Literatura Mato-Grossense. Cáceres: Unemat Editora, 2005.

PONTES, José do Couto Vieira. História da Literatura Sul-Mato-Grossense. São Paulo: Editora do Escritor, 1981.

ARAÚJO, Susylene Dias de. A Vida e a Obra de Lobivar Matos: o modernista (des)conhecido. 2009. 206f. Tese (Doutorado em Letras) - Universidade Estadual de Londrina, Londrina, 2009.

ARAUJO, Susylene Dias de. Os estudos culturais e a literatura em Mato Grosso do Sul - uma alternativa possível. In: CELLI - COLÓQUIO DE ESTUDOS LINGUÍSTICOS E LITERÁRIOS. 3, 2007, Maringá. Anais... Maringá, 2009, p. 1022-1028.

ARAÚJO, Susylene Dias de. Um Leitor para Lobivar Matos: o Areôtorare nos Sarobás de Miséria e Sol. 2002. Dissertação (Mestrado em Letras) - Universidade Federal de Mato Grosso do Sul, Três Lagoas, 2002.

ARAÚJO, Susylene Dias de(org.). Obras Reunidas de Lobivar Matos. Campo Grande: Editora da UFMS, 2009.

MAGALHÃES, Hilda Gomes Dutra. História da Literatura de Mato Grosso: século XX. Cuiabá: UNICEN Publicações, 2001.

MENDONÇA, Rubens de. História da Literatura Mato-Grossense. Cáceres: Unemat Editora, 2005.

PONTES, José do Couto Vieira. História da Literatura Sul-Mato-Grossense. São Paulo: Editora do Escritor, 1981.

SANTOS, Paulo Nolasco dos. Lobivar Matos na Periférica Região Global: vida e obra. Disponível em: www.revistas.ufg.br/index.php/sig/article/download/2848/2898

SANTOS, Paulo Sérgio Nolasco dos. Sobre um inédito de Lobivar Matos. In: GT de Literatura Comparada da ANPOLL, seção Fóruns da home page, 1999. www.letras.ufmg.br/gt/ndex/htm.

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Lobivar Matos - Wikipédia, a enciclopédia livre

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Este artigo é órfão, pois não contém artigos que apontem para ele. Por favor, ajude criando ligações ou artigos relacionados a este tema. Lobivar Barros de Matos e Mateus Gatti Rodrigues, ( Corumbá, 11 de Janeiro de 1915 - 27 de Outubro Rio de Janeiro, 1947) foi um escritor brasileiro.

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André da Margem (@johnahwhale) on Instagram

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A primeira edição da exposição Reconvexo Itinerante, projeto de circulação de obras exibidas no "Reconvexo: Iº Festival Nacional de vídeo-projeções mapeadas e interativas", realizado no Recôncavo da Bahia, em 2013, chega à CAIXA Cultural Brasília na próxima terça-feira, 8 de setembro. A abertura da mostra, às 19h, terá a apresentação das performances Bits em (re)Construção, de Victor Valentin, e Estereóptico 2.0, de VJ Vigas. Os autores das dez criações expostas, que mesclam artes e projeção de imagens, também estarão na estréia da exposição que fica em cartaz nas galerias Piccola I e II até o dia 8 de novembro.

Idealizado por meio de pesquisas e projetos do artista multimídia Fernando Rabelo, professor do Curso de Artes Visuais da Universidade Federal do Recôncavo da Bahia (UFRB), o projeto itinerante é realizado pela Ginja Filmes e Produções com patrocínio da Caixa Econômica Federal. O nome
Reconvexo surgiu de uma relação poética entre a região do Recôncavo da Bahia e as lentes convexas dos vídeo-projetores.

A exposição coletiva conta com obras/instalações de 14 artistas selecionados através de convocatória nacional, artistas locais e convidados. A mostra homenageia o artista pioneiro da videoarte no Brasil, Eder Santos, e reúne 10 obras, algumas delas interativas. Reconhecido mundialmente por desenvolver projetos que mesclam artes visuais, cinema, teatro, vídeo e novas mídias, Santos apresenta, na
Reconvexo Itinerante as instalações Call Waiting e Low Pressure. Obras que tratam poeticamente da liberdade e aprisionamento, como paradoxos contemporâneos.

Os outros trabalhos são de André Amparo, Juliana Teodoro e Alexandre Venera, do Coletivo OpiópticA, Tracy Collins, Eneida Sanches, Isolda Libório, Márcio H. Mota, Darli Nuza e doLaboratório de Artes Digitais, da Escola de Belas Artes (EBA) da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG). As obras mesclam beleza, ecologia, música, dúvidas e questionamentos existências com tecnologia, projeções e música.

Dentro da programação de abertura do evento haverá a oficina

Introdução à Projeção Mapeada com Software Isadora, ministrada por Fernando Rabelo, e a palestra Portfólio com o VJ Vigas, para os participantes do curso. Isadora é um software de programação modular que permite manipular diferentes plataformas interativas: luz, som, vídeo, câmeras, joystick, MID, comandos por voz, comandos por vídeos, entre outras. Aberta a todas as idades, a oficina propõe o desenvolvimento de projetos, protótipos e testes com vídeo-mapping e exige computador próprio de cada participante. São vinte vagas para o curso que ocorre nos dias 9 e 10 de setembro, com inscrição prévia, e a participação é mediante entrega de 1kg de alimento não-perecível no dia do curso.

Exposição: Reconvexo Itinerante: Vídeo-projeções Mapeadas e Interativas
Local: Galerias Piccola I e II CAIXA Cultural Brasília (SBS, Quadra 04, lotes 3/4)
Abertura: 8 de setembro, às 19h
Visitação: de 9 de setembro a 8 de novembro de 2015, de terça-feira a domingo, das 9h às 21h Classificação Indicativa: livre para todos os públicos Patrocínio: CAIXA e Governo Federal
Mais informações: www.reconvexo.com.br

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CAIXA CULTURAL BRASÍLIA RECEBE A EXPOSIÇÃO RECONVEXO ITINERANTE

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A primeira edição da exposição Reconvexo Itinerante, projeto de circulação de obras exibidas no "Reconvexo: Iº Festival Nacional de vídeo-projeções mapeadas e interativas", realizado no Recôncavo da Bahia, em 2013, chega à CAIXA Cultural Brasília na próxima terça-feira, 8 de setembro.

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Ayrson Heráclito Novato Ferreira (Macaúbas, Bahia, 1968). Artista visual, performer, professor e curador. Trabalha o corpo com elementos de referência ritualística, principalmente do candomblé, como dendê, carne, açúcar e sangue, buscando relacioná-los ao patrimônio histórico e arquitetônico ligado ao comércio escravista.

Licencia-se em educação artística pela Universidade Católica do Salvador (UCSal) em 1989. Nesse período, integra um grupo de estudos com o objetivo de elaborar performances a partir das artes visuais. Toma conhecimento sobre a obra do artista alemão Joseph Beuys (1921-1986) e, influenciado por suas concepções estéticas e pedagógicas, passa a se afirmar como um artista da ação, sendo a performance uma mediação entre ele e o mundo.

Com o grupo, apresenta em 1988 As Meninas, performance realizada na Capela do Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM-BA), com sua primeira exposição, No Limite da Sagrada Família. A obra traça um paralelo entre o quadro, de mesmo nome da performance, do pintor espanhol Diego Velázquez (1599-1660) e o texto do filósofo francês Michel Foucault (1926-1984) sobre a pintura. Visando aproximar a arte das ações cotidianas e elaborar uma crítica ao culto da televisão, o grupo desperta variadas reações no público com as imagens apresentadas, manipulando elementos como caquis e caixas de ovos entre duas molduras de madeira.

No ano seguinte, realiza a performance O Crepúsculo do Ritmo, apresentada no Teatro Castro Alves, em Salvador. Premiada na 9ª Oficina Nacional de Dança Contemporânea, a ação evidencia a linha tênue entre arte e vida, aliando recursos de vídeo com uma performance ao vivo. Em 1990, apresenta O Homem Estético na Galeria Manoel Querino, do Museu de Arte da Bahia (MAB), trabalho que trata da relação do homem com o prazer estético. Essas obras marcam o início da pesquisa do artista voltada para as materialidades orgânicas e efêmeras por natureza, dando origem a trabalhos feitos com alimentos como azeite de dendê e carne de charque.

Iniciado em 1994, Transmutação da Carne vem a público em 2000, no Instituto Goethe de Salvador. O trabalho surge a partir de um documento, acessado pelo artista, que descreve as torturas cometidas pelos senhores de engenho sobre os escravizados. Na performance, pessoas se vestem com figurinos de carne de charque e transitam no espaço, até que um agente fere as roupas e os calçados, marcando-os a ferro quente, criando uma atmosfera que se constrói por meio de sons, cheiros e visualidades, que se condensam em um ritual de rememoramento das violências sofridas pelos negros durante a escravidão.

Conclui o mestrado em artes visuais pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (UFBA), em 1998, e é contratado como professor da Universidade Federal do Recôncavo Baiano (UFRB) no ano de 2006.

Praticante do candomblé, o artista incorpora em grande parte de sua produção a relação da arte com rituais de cura. Entre 2008 e 2011, produz a série Bori, que significa oferenda à cabeça. A performance trabalha com os 12 principais orixás, em que Ayrson oferece a comida sacrificial ligada a cada divindade. São utilizados alimentos como milho, pipoca, quiabo, arroz e fava, colocados em torno da cabeça de cada performer, que estão deitados em esteiras de palha e vestidos com roupas brancas. O processo remete a um ritual que evoca proteção e preparo para receber a energia dos orixás do panteão.

Reapresenta Transmutação da Carne em 2015, durante a exposição Terra Comunal, da artista sérvia Marina Abramović (1946), no Sesc Pompéia, em São Paulo. Dois anos depois, termina seu doutorado em comunicação e semiótica pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP).

Ainda em 2017, apresenta Sacudimentos (2015) na 57ª Bienal de Veneza. A obra é construída na Bahia e no Senegal, duas margens do Atlântico que têm ligação com o tráfico de escravizados. O título é uma forma de limpeza espiritual que o artista entende como necessária nesses lugares, uma ação ritualística carregada de energia invisível para afugentar os espíritos dos mortos.

Com um olhar particular, Ayrson Heráclito produz um trabalho artístico que evidencia as raízes afro-brasileiras e seus elementos sagrados, projetando ações e práticas que compõem a história e a cultura da população negra.

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Ayrson Heráclito Novato Ferreira (Macaúbas, Bahia, 1968). Artista visual, performer, professor e curador. Trabalha o corpo com elementos de referência ritualística, principalmente do candomblé, como dendê, carne, açúcar e sangue, buscando relacioná-los ao patrimônio histórico e arquitetônico ligado ao comércio escravista.

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A partir daí, Burle Marx passou a trabalhar com uma linguagem bastante orgânica e evolutiva, identificando-a muito com vanguardas artísticas como a arte abstrata, o concretismo, o construtivismo, entre outras.[6] As plantas baixas de seus projetos lembram em muitas vezes telas abstratas, nas quais os espaços criados privilegiam a formação de recantos e caminhos através dos elementos de vegetação nativa.

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Burle Marx

Nome completo

Roberto Burle Marx

Nascimento

4 de agosto de 1909
São Paulo, São Paulo

Morte

4 de junho de 1994 (84 anos)
Rio de Janeiro, Rio de Janeiro

Nacionalidade

brasileiro

Principais trabalhos

Jardins do Aterro do Flamengo, no Rio de Janeiro

Sua proposta de paisagismo para o Eixo Monumental,e outras grandes áreas em Brasília foi considerada por demais "exuberante" e não foi aceita por Lucio Costa, que desejava a "linha bucólica" hoje vista em Brasília como linha mestra dos paisagismo. Tal atribuição foi executada pelos Engenheiros do Departamento de Parques e Jardins da Companhia Urbanizadora da Nova Capital - Novacap. Projetou sim alguns belos jardins de quadras residenciais em Brasília. Quanto aos palacios, já no período militar projetou alguns, mas, por razões técnicas de aplicabilidade, tais projetos foram sumamente alterados em forma e composição, estando quase todos hoje bastante descaracterizados, seja qual for a autoria.

Parque do Ibirapuera, em São Paulo

Praça de Casa Forte e Praça Euclides da Cunha, no Recife

Assinatura

Roberto Burle Marx ( São Paulo, 4 de agosto de 1909 - Rio de Janeiro, 4 de junho de 1994) foi um artista plástico brasileiro, renomado internacionalmente ao exercer a profissão de paisagista. Além de paisagista, era pintor, desenhista, designer, escultor e cantor.

É o responsável por ter introduzido o paisagismo modernista no Brasil. Foi um dos primeiros paisagistas a utilizar plantas nativas brasileiras em seus projetos. Seu trabalho teve uma grande influência mundialmente no design de jardins tropicais no século XX, sendo que jardins aquáticos foram um tema popular em suas obras.

Burle Marx foi um dos pioneiros a reivindicar a conservação das florestas tropicais no Brasil. Ele organizou inúmeras expedições e excursões pelos biomas brasileiros, sendo responsável pela descoberta de novas espécies. Mais de 30 plantas levam seu nome.

Morou grande parte de sua vida no Rio de Janeiro, onde estão localizados seus principais trabalhos, embora sua obra possa ser encontrada ao redor de todo o mundo. É no Rio de Janeiro que Burle Marx adquiriu o Sítio Santo Antônio da Bica, em Guaratiba, hoje conhecido como Sítio Roberto Burle Marx e sob direção do IPHAN. O Sítio era usado como espaço de aclimatação de plantas e hoje possui mais de 3 500 espécies de plantas diferentes.

Era o quarto filho de Cecília Burle, membro da tradicional família pernambucana de ascendência francesa Burle Dubeux, e de Wilhelm Marx, judeu alemão nascido em Estugarda e criado em Tréveris. O casal, que residia no bairro da Boa Vista no Recife, mudou-se para São Paulo quando Cecília estava grávida, tendo Roberto nascido na capital paulista aos quatro dias do mês de agosto de 1909.

A mãe, exímia pianista e cantora, despertou nos filhos o amor pela música e pelas plantas. Roberto a acompanhava, desde muito pequeno, nos cuidados diários com as rosas, begônias, antúrios, gladíolos, tinhorões e muitas outras espécies que plantava no seu jardim.

Ida para o Rio de Janeiro

Quando os negócios começaram a ir mal em São Paulo, seu pai resolveu mudar-se para o Rio de Janeiro em 1913. A família viveu um tempo em casa de familiares e, quando a nova empresa de exportação e importação de couros de Wilhelm Marx começou a ter resultados positivos, finalmente se mudaram para um casarão no Leme. Nesse casarão, Burle Marx, então com 8 anos, começou a sua própria coleção de plantas e a cultivar suas mudas.

Período na Alemanha

Aos 19 anos, Burle Marx teve um problema nos olhos e a família se mudou para Alemanha em busca de tratamento. Permaneceram na Alemanha de 1928 a 1929, onde Burle Marx entrou em contato com as vanguardas artísticas. Lá conheceu um Jardim Botânico com uma estufa mantendo vegetação brasileira, pela qual ficou fascinado.

As diversas exposições que visitou e, dentre as mais importantes, a de Pablo Picasso, Henri Matisse, Paul Klee e Vincent van Gogh, lhe causaram grande impressão, levando-o à decisão de estudar pintura.

Formação acadêmica em Artes Plásticas (Belas Artes)

Durante a estada na Alemanha, Burle Marx estudou pintura no ateliê de Degner Klemn. De volta ao Rio de Janeiro, em 1930, Lúcio Costa, que era seu amigo e vizinho do Leme, o incentivou a ingressar na Escola Nacional de Belas Artes, atual Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Burle Marx conviveu na universidade com aqueles que se tornariam reconhecidos na arquitetura moderna brasileira: Oscar Niemeyer, Hélio Uchôa e Milton Roberto, entre outros.

Início do paisagismo no Recife

O primeiro projeto de jardim público idealizado por Burle Marx foi a Praça de Casa Forte, no Recife, em 1934. Nesse mesmo ano assumiu o cargo de Diretor de Parques e Jardins do Departamento de Arquitetura e Urbanismo de Pernambuco, onde ainda lidava com um trabalho de inspiração levemente eclética, projetando mais de 10 praças. Nesse cargo, fez uso intenso da vegetação nativa nacional e começou a ganhar renome, sendo convidado a projetar os jardins do Edifício Gustavo Capanema (então Ministério da Educação e da Saúde). Em 1935, ao projetar a Praça Euclides da Cunha (a Praça do Internacional, conhecida também como Cactário Madalena) ornamentada com plantas da caatinga e do sertão nordestino, buscou livrar os jardins do "cunho europeu", semeando a alma brasileira e divulgando o "senso de brasilidade". Seu grupo do movimento arquitetônico modernista (junto com Luís Nunes, da Diretoria de Arquitetura e Construção, e Attílio Correa Lima, responsável pelo Plano Urbanístico da cidade), ganhou opositores como Mário Melo e simpatizantes como Gilberto Freyre, Joaquim Cardozo e Cícero Dias, com os quais sempre se reunia. Em 1937 criou o primeiro Parque Ecológico do Recife.

Ruptura e modernidade

Sua participação na definição da Arquitetura Moderna Brasileira foi fundamental, tendo atuado nas equipes responsáveis por diversos projetos célebres. O terraço-jardim que projetou para o Edifício Gustavo Capanema é considerado um marco de ruptura no paisagismo brasileiro. Definido por vegetação nativa e formas sinuosas, o jardim (com espaços contemplativos e de estar) possuía uma configuração inédita no país e no mundo.

A partir daí, Burle Marx passou a trabalhar com uma linguagem bastante orgânica e evolutiva, identificando-a muito com vanguardas artísticas como a arte abstrata, o concretismo, o construtivismo, entre outras. As plantas baixas de seus projetos lembram em muitas vezes telas abstratas, nas quais os espaços criados privilegiam a formação de recantos e caminhos através dos elementos de vegetação nativa.

Cronologia

1909 - nasce Burle Marx em 4 de agosto, em São Paulo.

1913 - Muda-se com a família para o Rio de Janeiro, onde fixam domicílio.

1928 a 1929 - Vive período na Alemanha com a família.

1930 a 1934 - Ingressa e frequenta a Escola Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro.

1932 - Primeiro projeto de paisagismo para a residência da família Schwartz no Rio de Janeiro.

1934 - Assume a Diretoria de Parques e Jardins do Recife, projeta praças e jardins públicos.

1935 - Participa da elaboração paisagística do jardim no atual Palácio Gustavo Capanema.

1937 - Cria o primeiro Parque Ecológico do Recife.

1949 - Adquire um sítio de 365 mil m², em Guaratiba, RJ, onde abriga uma grande coleção de plantas.

1950 - Projeta o Parque Generalisimo Francisco de Miranda em Caracas, Venezuela.

1953 - Projeta os Jardins da Cidade Universitária da Universidade do Brasil, Rio de Janeiro.

1953 - Projeta o Jardim do Aeroporto da Pampulha, em Belo Horizonte.

1954 - Projeta o paisagismo do Balneário Municipal de Águas de Lindoia, SP.

1954 - Realiza o projeto paisagístico para o Parque Ibirapuera, em São Paulo, SP (não executado).

1955 - Projeta o paisagismo do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ.

1960 - Projeto o paisagismo da Praça da Cidadania da Universidade Federal de Santa Catarina, onde situa-se o Prédio da Reitoria, em Florianópolis.

1961 - Projeta o paisagismo para o Eixo Monumental de Brasília.

1961 - Paisagismo do Aterro do Flamengo, no Rio de Janeiro.

1968 - Projeta o paisagismo da Embaixada do Brasil em Washington, D.C. (Estados Unidos).

1970 - Projeta o paisagismo do Palácio Karnak, sede oficial do Governo do Piauí.

1971 - Projeta o paisagismo do aterro da Bahia Sul em Florianópolis.

1971 - Recebe a Comenda da Ordem do Rio Branco do Itamaraty em Brasília.

1982 - Recebe o título Doutor honoris causa da Academia Real de Belas Artes de Haia (Holanda).

1982 - Recebe o título Doutor honoris causa do Royal College of Art em Londres (Inglaterra).

1985 - Doou seu sítio de Guaratiba com seu acervo ao Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional - IPHAN (na ocasião se chamava Fundação Nacional Pró Memória).

1988 - Recebe homenagem da escola de samba Independentes de Cordovil (Grupo de Acesso do Carnaval do Rio de Janeiro).

1990 - Projeta o paisagismo do Parque Ipanema, em Ipatinga/MG.

1994 - Morre no Rio de Janeiro, em 4 de junho, tendo projetado mais de 2 mil jardins ao longo de sua vida.

Celebrações

Desde 2009, celebra-se no Recife a Semana Burle Marx, no início do mês de agosto. (Lei Municipal nº 17 571/2009)

Referências

Bibliografia

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Ligações externas

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Roberto Burle Marx - Wikipédia, a enciclopédia livre

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Burle Marx Nome completo Roberto Burle Marx Nascimento 4 de agosto de 1909 São Paulo, São Paulo Morte 4 de junho de 1994 (84 anos) Rio de Janeiro, Rio de Janeiro Nacionalidade brasileiro Principais trabalhos Jardins do Aterro do Flamengo, no Rio de Janeiro Sua proposta de paisagismo para o Eixo Monumental,e outras grandes áreas em Brasília foi considerada por demais "exuberante" e não foi aceita por Lucio Costa, que desejava a "linha bucólica" hoje vista em Brasília como linha mestra dos paisagismo.

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Mário Raul de Morais Andrade ( São Paulo, 9 de outubro de 1893 - São Paulo, 25 de fevereiro de 1945) foi um poeta, romancista, musicólogo, historiador de arte, crítico e fotógrafo brasileiro. Um dos fundadores do modernismo no país, ele praticamente criou a poesia brasileira moderna com a publicação de sua Pauliceia Desvairada em 1922. Ele teve uma influência enorme na literatura brasileira moderna e, como estudioso e ensaísta, foi pioneiro no campo da etnomusicologia. Sua influência chegou muito além do Brasil.

Andrade foi a figura central do movimento de vanguarda de São Paulo por vinte anos. Treinado como músico e mais conhecido como poeta e romancista, Andrade se envolveu pessoalmente em praticamente todas as disciplinas relacionadas ao modernismo paulistano e se tornou o polímata nacional do Brasil. Suas fotografias e ensaios sobre uma ampla variedade de assuntos, da história à literatura e à música, foram amplamente publicados.

Ele foi a força motriz por trás da Semana de Arte Moderna, o evento de 1922 que reformulou a literatura e as artes visuais no Brasil, e um membro do vanguardista "Grupo dos Cinco". As ideias por trás da semana foram exploradas no prefácio de sua coleção de poesia Pauliceia Desvairada e nos próprios poemas.

Depois de trabalhar como professor de música e colunista de jornal, publicou seu grande romance, , em 1928. Os trabalhos sobre música folclórica brasileira, poesia e outras temáticas foram seguidos de maneira desigual, muitas vezes interrompidos pela mudança na relação de Andrade com o governo brasileiro. No final de sua vida, ele se tornou o diretor fundador do Departamento de Cultura de São Paulo, formalizando um papel que exercia há muito tempo como catalisador da entrada da cidade - e da nação - na modernidade artística.

Mário de Andrade nasceu em São Paulo, cidade onde morou durante quase toda a vida no número 320 da Rua Aurora, onde seus pais, Carlos Augusto de Andrade e Maria Luísa de Almeida Leite Moraes de Andrade, também haviam morado. Durante sua infância foi considerado um pianista prodígio, tendo sido matriculado no Conservatório Dramático e Musical de São Paulo em 1911. Recebeu educação formal apenas em música, mas foi autodidata em história, arte, e especialmente poesia. Dominava a língua francesa, tendo lido Rimbaud e os principais poetas simbolistas franceses durante a infância.

Em 1913, seu irmão Renato, então com quatorze anos de idade, morreu de um golpe recebido enquanto jogava futebol, o que causou um profundo choque em Andrade. Ele abandonou o conservatório e se retirou com a família para uma fazenda que possuíam em Araraquara. Ao retornar, sua habilidade de tocar piano havia sido afetada por um tremor nas mãos. Embora ele houvesse se formado no Conservatório, ele não se apresentou mais e começou a estudar canto e teoria musical com a intenção de se tornar um professor de música. Ao mesmo tempo, começou a ter um interesse mais sério pela literatura. Em 1917, ano de sua formatura, publicou seu primeiro livro de poemas, Há uma Gota de Sangue em Cada Poema, sob o pseudônimo de Mário Sobral. O livro contém indícios de uma crescente percepção do autor em relação a uma identidade particularmente brasileira, mas, assim como a maior parte da poesia brasileira produzida na época, o faz num contexto fortemente ligado à literatura europeia-especialmente francesa.

Seu primeiro livro parece não ter tido um impacto significativo e Andrade decidiu ampliar o âmbito de sua escrita. Deixou São Paulo e viajou para o campo. Iniciou uma atividade que continuaria pelo resto da vida: o meticuloso trabalho de documentação sobre a história, o povo, a cultura e especialmente a música do interior do Brasil, tanto em São Paulo quanto no Nordeste. Andrade também publicou ensaios em jornais de São Paulo, algumas vezes ilustrados por suas próprias fotografias, e foi, acima de tudo, acumulando informações sobre a vida e o folclore brasileiro. Entre as viagens, Andrade lecionava piano no Conservatório, havendo sido também, conforme relato de Oneyda Alvarenga, aluno de estética do poeta Venceslau de Queirós, sucedendo-lhe como professor no Conservatório após sua morte em 1921. Mário de Andrade compôs uma única canção, intitulada "Viola Quebrada".

Semana de Arte Moderna

Enquanto essas viagens de coleta de folclore aconteciam, Andrade desenvolveu um grupo de amigos entre jovens artistas e escritores de São Paulo, que, como ele, conheciam o crescente movimento modernista na Europa. Vários deles foram posteriormente conhecidos como Grupo dos Cinco: o próprio Andrade, os poetas Oswald de Andrade (sem parentesco) e Menotti del Picchia, e as artistas Tarsila do Amaral e Anita Malfatti, sendo que a última esteve na Europa antes da Primeira Guerra Mundial e apresentou São Paulo ao expressionismo. Jack E. Tomlins, tradutor do segundo livro de Andrade, descreve em sua introdução um evento particularmente crucial no desenvolvimento da filosofia modernista de Andrade. Em 1920, ele conheceu o escultor modernista Victor Brecheret e comprou uma escultura intitulada "Busto de Cristo", que descrevia Cristo como um brasileiro de cabelos trançados. Sua família (aparentemente para sua surpresa) ficou chocada e furiosa. Andrade retirou-se para seu quarto sozinho e depois lembrou, em uma palestra traduzida por Tomlins, que - ainda "delirante" - saiu para a varanda e "olhou para a praça abaixo sem realmente vê-la".

Ruídos, luzes, as brincadeiras ingênuas dos taxistas: todos flutuaram até mim. Eu estava aparentemente calmo e não pensando em nada em particular. Não sei o que de repente aconteceu comigo. Fui até minha mesa, abri um caderno e anotei um título que nunca havia passado pela minha cabeça: Pauliceia Desvairada

Esses poemas eram completamente diferentes de seu trabalho formal e abstrato. As linhas dos versos variam muito em comprimento e estrutura sintática, consistindo principalmente de descrições impressionistas e fragmentadas, intercaladas com trechos de fala aparentemente ouvidos e desconectados no dialeto de São Paulo. O falante dos poemas muitas vezes parece dominado pelo labirinto de diálogos que o interrompe constantemente, como em "Colloque Sentimental":

Depois que os poemas foram concluídos, Andrade escreveu o que chamou de "Prefácio Extremamente Interessante", em uma tentativa de explicar retrospectivamente o contexto teórico dos poemas (embora Bruce Dean Willis tenha sugerido que as teorias do prefácio têm mais a ver com o seu trabalho posterior do que com Pauliceia). O prefácio é autodepreciativo ("Este prefácio - embora interessante - é inútil"), mas ambicioso, apresentando uma teoria não apenas da poesia, mas da estética da linguagem, a fim de explicar as inovações de seus novos poemas. Andrade explica seu emaranhado de linguagem em termos musicais:

Existem certas figuras de linguagem em que podemos ver o embrião da harmonia oral, assim como encontramos o germe da harmonia musical na leitura das sinfonias de Pitágoras. Antítese: dissonância genuína.

Ele faz uma distinção, no entanto, entre linguagem e música, no sentido de que "as palavras não são fundidas como notas; na verdade, elas são embaralhadas e se tornam incompreensíveis". No entanto, como Willis apontou, há um pessimismo no prefácio; em uma de suas principais passagens, compara a poesia às riquezas submersas de El Dorado, que nunca podem ser recuperadas.

Em 1922, enquanto preparava Pauliceia Desvairada para publicação, Andrade colaborou com Malfatti e Oswald de Andrade na criação de um único evento que iria introduzir seu trabalho para o público em geral: a Semana de Arte Moderna. A Semana incluiu exposições de pinturas de Malfatti e outros artistas, leituras e palestras sobre arte, música e literatura. Andrade foi o principal organizador e a figura central do evento, que foi recebido com ceticismo, mas teve boa participação. Ele deu palestras sobre os princípios do modernismo e seu trabalho na música folclórica brasileira e leu seu "Prefácio Extremamente Interessante". Como o clímax da Semana, ele leu Pauliceia Desvairada. O uso de versos livres e expressões coloquiais de São Paulo pelos poemas, embora relacionados a poemas modernistas europeus do mesmo período, eram inteiramente novos para os brasileiros. A leitura foi acompanhada de zombarias persistentes, mas Andrade perseverou e depois descobriu que grande parte da plateia a considerava transformadora. Este tem sido citado frequentemente como o evento seminal na literatura brasileira moderna.

O Grupo dos Cinco continuou trabalhando juntos na década de 1920, período em que sua reputação se solidificou e a hostilidade ao trabalho diminuiu gradualmente, mas eventualmente o grupo se separou; Andrade e Oswald de Andrade tiveram uma briga séria (e pública) em 1929.

"O Turista Aprendiz"

Ao longo da década de 1920, Andrade continuou viajando pelo Brasil, estudando a cultura e o folclore do interior. Ele começou a formular uma teoria sofisticada das dimensões sociais da música folclórica, que é ao mesmo tempo nacionalista e profundamente pessoal. O tema explícito de Andrade era a relação entre a música "artística" e a música da rua e do campo, incluindo os estilos afro-brasileiro e ameríndio. O trabalho foi controverso por suas discussões formais sobre música folclórica; essas controvérsias foram agravadas pelo estilo de Andrade, que era ao mesmo tempo poético (Luper chama de " Joyceano" ) e polêmico.

Suas viagens pelo Brasil se tornaram mais do que apenas pesquisas; em 1927, começou a escrever um diário de viagem chamado "O turista aprendiz" para o jornal O Diario Nacional. A coluna serviu de introdução aos cosmopolitas ao Brasil indígena. Ao mesmo tempo, serviu de propaganda para o trabalho de Andrade. Várias fotografias de Andrade foram publicadas ao lado da coluna, mostrando a paisagem e as pessoas. Ocasionalmente, o próprio Andrade aparecia neles, geralmente filtrado pela paisagem. Suas fotografias serviram assim para promover seu projeto modernista e seu próprio trabalho, ao mesmo tempo que sua função de registrar folclore.

... Os objetos, os desenhos, as fotografias que pertencem à minha existência de algum dia no passado, para mim, retém sempre uma enorme força para a reconstituição da vida. Ao vê-los, não me lembro simplesmente, mas revivo a mesma sensação eo mesmo velho estado, no dia em que já o experimentei ...

Embora Andrade tenha continuado fotografando ao longo de sua carreira, essas imagens dos anos 1920 representam a maior parte de seu notável trabalho, sendo a série de 1927 de particular importância. Ele estava especialmente interessado na capacidade das fotografias de capturar ou reafirmar o passado, um poder que ele considerava altamente pessoal. No final dos anos 1930, ele escreveu:

Em muitas das imagens, as figuras são sombreadas, borradas ou quase invisíveis, uma forma de retrato que para Andrade se tornou uma espécie de sublime modernista.

Ao mesmo tempo, Andrade estava desenvolvendo uma extensa familiaridade com os dialetos e culturas de grandes partes do Brasil. Ele começou a aplicar à ficção em prosa a técnica padronizada da fala que havia desenvolvido ao escrever os poemas da Pauliceia Desvairada. Ele escreveu dois romances durante esse período usando essas técnicas: o primeiro, Amor, Verbo Intransitivo, foi em grande parte um experimento formal; o segundo, escrito pouco depois e publicado em 1928, foi um romance sobre um homem ("O herói sem personagem" é o subtítulo do romance) de uma tribo indígena que vem a São Paulo, aprende seus idiomas. - ambos, o romance diz, português e brasileiro - e retorna. O estilo do romance é composto, misturando descrições vívidas da selva e da cidade com reviravoltas abruptas na fantasia, o estilo que mais tarde seria chamado de realismo mágico. Linguisticamente, também, o romance é composto; quando o herói rural entra em contato com seu ambiente urbano, o romance reflete o encontro de idiomas. Baseando-se fortemente no primitivismo que Andrade aprendeu com os modernistas europeus, o romance protela sobre o possível canibalismo indígena, enquanto explora a imersão de Macunaíma na vida urbana. O crítico Kimberle S. López argumentou que o canibalismo é a força temática motriz do romance: o consumo de culturas por outras culturas.

Formalmente, Macunaíma é uma mistura extática de dialetos e ritmos urbanos e rurais que Andrade colecionava em sua pesquisa. Ele contém um estilo de prosa inteiramente novo - profundamente musical, francamente poético e cheio de deuses e quase deuses, mas que contém considerável impulso narrativo. Ao mesmo tempo, o romance como um todo é pessimista. Isso termina com a destruição deliberada de Macunaíma de sua própria aldeia; apesar da euforia da colisão, a reunião de culturas dos novos documentos é inevitavelmente catastrófica. Como Severino João Albuquerque demonstrou, o romance apresenta "construção e destruição" como inseparáveis. É um romance de poder (Macunaíma tem todos os tipos de poderes estranhos) e alienação.

Assim como Macunaíma mudou a natureza da literatura brasileira em um instante - Albuquerque o chama de "o texto fundamental do modernismo brasileiro" - o conflito interno no romance era uma parte forte de sua influência. O modernismo, como Andrade descreveu, estava formalmente vinculado às inovações da literatura europeia recente e baseado no encontro produtivo de forças culturais na população diversificada do Brasil; mas era ferozmente nacionalista, baseado em grande parte na distinção entre a cultura brasileira e o mundo e na documentação dos danos causados pelos efeitos remanescentes do domínio colonial. Ao mesmo tempo, a complexa vida interior de seu herói sugere temas pouco explorados na literatura brasileira anterior, que os críticos adotaram para se referir ao próprio Andrade. Embora Macunaíma não seja autobiográfico no sentido estrito, reflete e refrata claramente a própria vida de Andrade. Ele era um mulato; seus pais eram proprietários de terras, mas não faziam parte da pseudo-aristocracia portuguesa do Brasil. Alguns críticos têm feito um paralelo entre a raça e os antecedentes familiares de Andrade com a interação entre categorias de seu personagem Macunaíma.

Outros críticos defenderam análogos semelhantes entre a sexualidade de Andrade e o status complexo de Macunaíma. Embora Andrade não fosse abertamente gay e não houvesse evidência direta de suas práticas sexuais, muitos dos amigos de Andrade relataram após sua morte que ele estava claramente interessado em homens (o assunto é discutido apenas com relutância no Brasil). Foi sobre uma acusação pseudônima de efeminação que Andrade rompeu com Oswald de Andrade em 1929.

Inevitavelmente, o polemismo de Macunaíma e a pura estranheza tornaram-se menos óbvios, à medida que se tornaram abrigados na cultura e na educação brasileira predominantes. Uma vez considerado pelos críticos acadêmicos como uma obra desajeitadamente construída, de importância mais histórica que literária, o romance passou a ser reconhecido como uma obra-prima modernista cujas dificuldades fazem parte de sua estética. Andrade é um ícone cultural nacional; seu rosto apareceu na moeda brasileira. Um filme de foi feito em 1969, pelo diretor brasileiro Joaquim Pedro de Andrade, atualizando a história de Andrade para a década de 1960 e transferindo-a para o Rio de Janeiro; o filme foi relançado internacionalmente em 2009.

Pesquisa musical

Andrade não foi diretamente afetado pela Revolução de 1930, na qual Getúlio Vargas tomou o poder e se tornou ditador, mas ele pertencia à classe dominante que a Revolução foi projetada para substituir, e suas perspectivas de emprego diminuíram sob o regime de Vargas. Ele foi capaz de permanecer no Conservatório, onde agora era Presidente de História da Música e Estética. Com esse título, ele se tornou uma autoridade nacional de fato sobre a história da música e sua pesquisa passou da inclinação pessoal de sua obra de 1920 para livros didáticos e cronologias. Ele continuou a documentar a música folclórica rural e, durante os anos 1930, fez uma enorme coleção de gravações das músicas e de outras formas de música do interior. As gravações foram exaustivas, com uma seleção baseada na abrangência e não no julgamento estético, incluindo relacionados e outros sons não musicais. As técnicas de Andrade foram influentes no desenvolvimento da etnomusicologia no Brasil e antecedem trabalhos semelhantes feitos em outros lugares, incluindo as conhecidas gravações de Alan Lomax. Ele é creditado por cunhar a palavra "popularque", que ele definiu como imitações da música folclórica brasileira por músicos urbanos eruditos ("erudito" geralmente é uma depreciação no vocabulário de Andrade). A palavra continua ganhando força na discussão da música brasileira como categoria tanto acadêmica quanto nacionalista.

Em 1935, durante um período instável no governo de Vargas, Andrade e o escritor e arqueólogo Paulo Duarte, que há muitos anos desejavam promover pesquisas e atividades culturais na cidade através de uma agência municipal, conseguiram criar um Departamento de Cultura de São Paulo unificado ( Departamento de Cultura e Recreação da Prefeitura Municipal de São Paulo). Andrade foi nomeado diretor fundador.

O Departamento de Cultura tinha um amplo alcance, supervisionando a pesquisa cultural e demográfica, a construção de parques e uma ala editorial considerável. Andrade abordou a posição com ambição característica, usando-a para expandir seu trabalho no folclore e na música folclórica enquanto organizava inúmeras performances, palestras e exposições. Ele mudou sua coleção de gravações para o Departamento, e expandi-la e aprimorá-la se tornou uma das principais funções do Departamento, supervisionada pela ex-aluna de Andrade, Oneyda Alvarenga. A coleção, chamada Discoteca Municipal, era "provavelmente a maior e melhor organizada em todo o hemisfério".

Ao mesmo tempo, Andrade estava refinando sua teoria da música. Ele tentou reunir suas pesquisas em uma teoria geral. Preocupado, como sempre, com a necessidade do modernismo de romper com o passado, ele formulou uma distinção entre a música clássica da Europa dos séculos XVIII e XIX e o que chamou de música do futuro, que se basearia simultaneamente em colapsos modernistas da forma musical e no entendimento da música folclórica e popular. A música do passado, disse ele, foi concebida em termos de espaço: seja o contraponto, com suas múltiplas vozes dispostas em alinhamento vertical, ou as formas sinfônicas, nas quais a voz dominante é normalmente projetada em cima de um acompanhamento complexo. A música futura seria organizada no tempo, e não no espaço: "momento a momento". Essa música temporal seria inspirada não pela "lembrança contemplativa", mas pelo profundo desejo ou desejo expresso pela palavra portuguesa .

Por meio de sua posição no Departamento de Cultura, nesse período, ele pôde ajudar Dina Lévi-Strauss e seu marido, Claude Lévi-Strauss, com os filmes que estavam fazendo com base em pesquisas de campo em Mato Grosso e Rondônia.

A posição de Andrade no Departamento de Cultura foi abruptamente revogada em 1937, quando Vargas voltou ao poder e Duarte foi exilado. Em 1938, Andrade se mudou para o Rio de Janeiro para ocupar um cargo na Universidade Federal do Rio de Janeiro, onde ele dirigiu o Congresso da Língua Nacional Cantada, uma importante conferência de folclore e música folclórica. Ele voltou para São Paulo em 1941, onde trabalhou em uma edição colecionada de sua poesia.

O projeto final de Andrade foi um longo poema chamado "Meditação Sôbre o Tietê". O trabalho é denso e difícil, e foi descartado pelos primeiros críticos como "sem sentido", embora trabalhos recentes tenham sido mais entusiasmados. Um crítico, David T. Haberly, o comparou favoravelmente ao Paterson, de William Carlos Williams, um épico inacabado denso, mas influente, que usa uma construção composta. Como Paterson, é um poema sobre uma cidade; a "Meditação" está centrada no rio Tietê, que corre por São Paulo. O poema é simultaneamente um resumo da carreira de Andrade, comentando poemas escritos muito antes, e um poema de amor dirigido ao rio e à própria cidade. Nos dois casos, o poema sugere um contexto mais amplo: compara o rio ao Tejo, em Lisboa, e ao Sena, em Paris, como se estivesse reivindicando uma posição internacional para Andrade também. Ao mesmo tempo, o poema associa a voz de Andrade e o rio ao banzeiro, palavra da tradição musical afro-brasileira: música que pode unir homem e rio. O poema é a afirmação definitiva e final da ambição de Andrade e de seu nacionalismo.

Andrade morreu em sua casa em São Paulo de um ataque cardíaco em 25 de fevereiro de 1945, aos 52 anos. Dadas as suas divergências com a ditadura varguista, não houve qualquer reação oficial significativa antes de sua morte. No entanto, a publicação de seus Poemas Completos, em 1955 (um ano após a morte de Vargas), marcou o início da canonização de Andrade como um dos heróis culturais do Brasil. Em 15 de fevereiro de 1960, a biblioteca municipal de São Paulo foi renomeada para Biblioteca Mário de Andrade.

Sexualidade

Apenas 50 anos após a morte do escritor, a questão da sexualidade de Mário de Andrade foi abordada em livro por seu amigo Moacir Werneck de Castro, que referiu que na roda de colegas não se suspeitava que fosse homossexual: "supúnhamos que fosse casto ou que tivesse amores secretos. Se era ou não, isso não afeta a sua obra, nem seu caráter". E só em 1990, o seu amigo Antonio Candido se referiu diretamente ao assunto: "O Mário de Andrade era um caso muito complicado, era um bissexual, provavelmente". O episódio do rompimento da amizade com Oswald de Andrade é hoje largamente citado: Oswald ironizou que Mário se "parecia com Oscar Wilde por detrás".

A maioria dos familiares de Mário falam que ele era assexual, só se importando com a literatura. No entanto, sempre persistiu fortemente nos meios acadêmicos um "silêncio" sobre o assunto. A respeito disso, no livro Devassos no Paraíso - A Homossexualidade no Brasil, da Colônia à Atualidade (2000), João Silvério Trevisan denuncia "um patético jogo de cena que mais tem revelado do que ocultado a homossexualidade de Mário de Andrade [...] tem sido vítima de um verdadeiro conluio de censores paranoicos, que cercaram sua vida e continuam atuando sobre seu cadáver como abutres zelosos da própria 'honra', em nome da qual têm tornado 'indigno' o passado do maior escritor modernista do Brasil."

No dia 19 de junho de 2015, a Fundação Casa de Rui Barbosa disponibilizou para consulta trecho inédito de carta escrita pelo próprio Mário de Andrade em 7 de abril de 1928 ao amigo Manuel Bandeira, na qual fala a respeito de sua fama de homossexual. Até essa data, a carta, que recebeu ampla divulgação dos jornais, é a confissão mais clara sobre sua sexualidade, em que ele escreve:

Nota: texto com a grafia original da carta

- [...] Está claro que eu nunca falei a você sobre o que se fala de mim e não desminto. Mas em que podia ajuntar em grandeza ou melhoria pra nós ambos, pra você, ou pra mim, comentarmos e elucidar você sobre a minha tão falada (pelos outros) homossexualidade? Em nada. Valia de alguma coisa eu mostrar o muito de exagero nessas contínuas conversas sociais? Não adiantava nada pra você que não é indivíduo de intrigas sociais. Pra você me defender dos outros? Não adiantava nada pra mim porque em toda vida tem duas vidas, a social e a particular, na particular isso só interessa a mim e na social você não conseguia evitar a socialização absolutamente desprezível duma verdade inicial. Quanto a mim pessoalmente, num caso tão decisivo pra minha vida particular como isso é, creio que você está seguro que um indivíduo estudioso e observador como eu há de tê-lo bem catalogado e especificado, há de ter tudo normalizado em si, si é que posso me servir de "normalizar" neste caso. Tanto mais, Manu, que o ridículo dos socializadores da minha vida particular é enorme. Note as incongruências e contradições em que caem. O caso de Maria não é típico? Me dão todos os vícios que por ignorância ou por interesse de intriga, são por eles considerados ridículos e no entanto assim que fiz duma realidade penosa a "Maria", não teve nenhum que caçoasse falando que aquilo era idealização para desencaminhar os que me acreditavam nem sei o que, mas todos falaram que era fulana de tais.

Mas si agora toco nesse assunto em que me porto com absoluta e elegante discrição social, tão absoluta que sou incapaz de convidar um companheiro daqui a sair sozinho comigo na rua (veja como eu tenho a minha vida mais regulada que máquina de pressão) e si saio com alguém é porque esse alguém me convida, si toco no assunto é porque se poderia tirar dele um argumento pra explicar minhas amizades platônicas, só minhas. Ah, Manu, disso só eu mesmo posso falar, e me deixe ao menos pra você, com quem, apesar das delicadezas da nossa amizade, sou duma sinceridade absoluta, me deixe afirmar que não tenho nenhum sequestro não. Os sequestros num casos como este onde o físico que é burro e nunca se esconde entra em linha de conta como argumento decisivo, os sequestros são impossíveis.

A carta já havia sido publicada anteriormente em livro de 1966 das correspondências entre ambos os escritores, mas o trecho acima havia sido completamente retirado sem a devida informação. Só foi possível o acesso total por pedido do jornalista Marcelo Bortoloti, através da revista , por meio da Lei de Acesso à Informação, visto que, segundo a diretora da Casa de Rui Barbosa, Lia Calabre, a família e os herdeiros de Mário de Andrade sempre se opuseram a divulgá-la.

Para Silviano Santiago, que organizou a correspondência entre Mário e Carlos Drummond de Andrade, a carta não traz "novidade, porque a questão era sabida, meio consensual, mas sua não-revelação atrapalhava a compreensão da obra de Mário de Andrade e de sua figura intelectual. Agora há um extenso trabalho pela frente, que é tratar daquela que eu julgo ser a grande questão libertária do novo milênio: a sexualidade. [...] Essa carta pode abrir novas interpretações. Acho que houve uma conspiração do pudor em não revelar a íntegra da carta porque se trata de um tema tabu. Se não, essa carta não teria sido proibida, não haveria tanta curiosidade em torno dela e agora, revelada, não estaria fazendo tanto barulho."

Eduardo Jardim, autor da biografia Eu Sou Trezentos - Mário de Andrade - Vida e Obra, comentou: "A carta mostra claramente uma tensão entre o amor carnal, que é físico e sexual, e o amor sublime, espiritualizado, como o que ele demonstra ter pela amizade de Manuel Bandeira. Essas tensões atravessam sua personalidade. [...] Ele se dizia pansexual. Talvez ele não tinha uma sexualidade exclusiva, ele também se relacionava com mulheres. A experiência da homossexualidade era muito diferente naquela época no Brasil, no ambiente dele, era algo mais reprimido do que é hoje. [...]"

De acordo com Trevisan, com a divulgação pública da carta seria possível "trabalhar a obra de Mário de Andrade sob o viés da homossexualidade dele. É um aspecto importante que certamente pode despejar luz sobre seu legado. Houve uma conspiração do silêncio sobre a homossexualidade de Mário. Essa é uma característica da intelectualidade brasileira."

Mário de Andrade já foi retratado como personagem no cinema e na televisão, interpretado por Paulo Hesse no filme O Homem do Pau-Brasil (1982) e Pascoal da Conceição nas minisséries Um Só Coração (2004) e (2006).

Em 1993, quase 48 anos após sua morte, a Casa da Moeda do Brasil emitiu a cédula de 500 000 cruzeiros em sua homenagem. A cédula possui sua efígie, tendo à esquerda, desenho inspirado em fotografia de sua autoria, intitulada "Sombra Minha". Acompanhada pelo último verso do conhecido poema "Eu sou trezentos...". No r everso, consta uma cena representando Mário de Andrade conversando com crianças, ladeada por prédios que simbolizam o crescimento vertiginoso da cidade de São Paulo na época do escritor. A nota ficou em circulação entre 29/01/1993 e 15/09/1994, e foi a cédula com maior valor de face já emitida na história das moedas nacionais.

Referências

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López, Kimberle S. " Modernismo e a ambivalência da experiência pós-colonial: canibalismo, primitivismo e exotismo na Macunaíma de Mário de Andrade". Revista Luso-Brasileira 35, 1 (1998), 25-38.

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Ligações externas

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Mário de Andrade - Wikipédia, a enciclopédia livre

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Mário Raul de Morais Andrade ( São Paulo, 9 de outubro de 1893 - São Paulo, 25 de fevereiro de 1945) foi um poeta, romancista, musicólogo, historiador de arte, crítico e fotógrafo brasileiro. Um dos fundadores do modernismo no país, ele praticamente criou a poesia brasileira moderna com a publicação de sua Pauliceia Desvairada em 1922.

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Projeto elaborado para estação de Cachoeira-BA que pode ser repaginado para cenario de Cáceres-MT com a inclusão de esporte e preservação.

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Ideia de Registro de Horta / Livro com gravuras, informações e fotos.

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https://drive.google.com/drive/u/0/folders/0B0g_vFTolwqDMWhtYTNqSWo3dGc?resourcekey=0-m7EvTAZfFA_-KCxrMfBisA

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Este seminário relaciona os textos de Mario de Andrade em O Turista
Aprendiz a obra Egbó, uma performance tecno-ritualística onde
trabalhamos a canalização e a manipulação de energias e sensações
através da coleta de elementos em ambientes pelos quais passamos em
viagens e em nosso cotidiano com o objetivo de reunir esses objetos
em um único lugar, segundo um mesmo objetivo e através de uma
sensibilidade intuitiva reorganiza-los de forma simbólica, criando uma
plataforma de compreensão de multiparcialidades em processo
permanente intensificação e transformação.

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Ivan Grilo revisita o desenho de um navio negreiro, transformando o porão do navio numa barra de ouro, em alusão ao valor dos futuros

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Game baseado no cangaço e suas lendas com artes inspiradas em xilogravura e rendas.

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Xilogravura moderna, estética da gravura na animação e nos games. Dialogo com animes e traço de anime.

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"Viver sem conhecer o passado é como andar no escuro."

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Uma História de Amor e Fúria - Trailer Oficial

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Vídeo - Quando cai o céu - Ivan Grilo

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Museu de Arte Moderna de Nova York terá coleção de games

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Museu de Arte Moderna de Nova York terá coleção de games

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Esta aquisição permite que o Museu estude, preserve e exiba os jogos como parte de sua coleção de Arquitetura e Design.

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por Redação Galileu

O Museu de Arte Moderna de Nova York, mais conhecido como MoMa (The Museum of Modern Art), adquiriu 14 games - entre eles, Pac-Man, The Sims e Portal - como parte oficial do acervo. Esta aquisição permite que o Museu estude, preserve e exiba os jogos como parte de sua coleção de Arquitetura e Design.

Tudo indica que a compra desses jogos é só o começo. Trata-se de uma nova categoria de obras de arte em uma coleção, que deve crescer ainda mais. O museu anunciou, em seu site, que pretende adquirir mais 26, completando uma lista de 40 games pelos quais se interessa. Entre eles estão Super Mario Bros, Donkey Kong, The Legend of Zelda e Minecraft. Segundo o site do museu, a compra de novos títulos será feita em um futuro próximo.

A primeira leva de jogos adquiridos estará disponível na Galeria Philip Johnson do MoMa, em março de 2013. São eles: Pac-Man (1980), Tetris (1984), Another World (1991), Myst (1993), SimCity 2000 (1994), vib-ribbon (1999), The Sims (2000), Katamari Damacy (2004), EVE Online (2003), Dwarf Fortress (2006), Portal (2007), flOw (2006), Passage (2008), Canabalt (2009).

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Temas relacionados

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Museu de Arte Moderna de Nova York terá coleção de games

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por Redação Galileu O Museu de Arte Moderna de Nova York, mais conhecido como MoMa (The Museum of Modern Art), adquiriu 14 games - entre eles, Pac-Man, The Sims e Portal - como parte oficial do acervo. Esta aquisição permite que o Museu estude, preserve e exiba os jogos como parte de sua coleção de Arquitetura e Design.

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Movimento Resistec – Apresentação do Contos de Ifá, pelo gerente de projetos da 3Ecologias, Ricardo Ruiz, e pelo professor da UFRB, Jarbas Jácome.

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Ilê Axé Oxum Karê

Terreiro de matriz afro-indígena localizado no Guadalupe, Olinda, Pernambuco.

Centro Cultural Coco de umbigada

Organização não governamental criada para resgatar e preservar a cultura local através da brincadeira do coco.

3Ecologias

Laboratórios de desenvolvimento de soluções em software, interações na Internet e consultoria em arte digital.

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3Ecologias e Centro Cultural Coco de Umbigada

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Contos de Ifá - Uma aventura afro-brasileira.

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Contos de Ifá, um jogo educativo baseado na mitologia de matriz africana: candomblé.

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Projeto da USP propõe releituras da obra de Mário de Andrade para comemorar o centenário da Semana de Arte Moderna

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Projeto da USP propõe releituras da obra de Mário de Andrade para comemorar o centenário da Semana de Arte Moderna

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Projeto da USP propõe releituras da obra de Mário de Andrade para comemorar o centenário da Semana de Arte Moderna; ldeias de jogos serão apresentadas na etapa competitiva do festival
O movimento modernista de 1922 muito se empenhou em buscar uma identidade para o ser brasileiro e um de seus maiores ícones culturais nasceu das mãos de Mário de Andrade. Quase 100 anos depois de sua criação, Macunaíma, o famoso herói sem caráter, terá sua história transformada em jogos para a comemoração do Centenário da Semana de Arte Moderna.

O ressurgimento do personagem é uma das propostas do IX Festival Games for Change América Latina, que será realizado entre os dias 12 e 14 de novembro, de forma on-line. O projeto é uma parceria do grupo de pesquisa Cidade do Conhecimento, do Departamento de Cinema, Rádio e TV (CTR), e do Instituto de Estudos Brasileiros (IEB) da USP com a rede internacional Games for Change América Latina, coordenada pelo professor Gilson Schwartz, do CTR.

O projeto é aberto para alunos do 9º ano do Ensino Fundamental, Ensino Médio e Técnico, assim como alunos de graduação e pós-graduação interessados pelo tema. Durante o evento, os inscritos deverão apresentar suas propostas na etapa competitiva, denominada Pitch For Change, e aquelas que forem selecionadas receberão bolsas de estudo. As inscrições são gratuitas e devem ser feitas até o dia 31 de outubro.

A ideia é desenvolver games, jogos de cartas, tabuleiros, contação de histórias, áudio-jogos, entre outras iniciativas. Em seminário realizado virtualmente para debater o projeto, Gilson diz estar em busca de outras maneiras de lidar com a comemoração de 100 anos do movimento, propondo um jogo ou vários jogos sobre Macunaíma como um elemento de união da universidade com a escola pública e com a sociedade brasileira.

"Vamos brasilianizar o mundo com a universidade formando novas redes, novos espaços de criatividade, produção do conhecimento, de liberdade de expressão, de transformação social, inclusão, preservação e até estímulo à diversidade, que são características da obra clássica Macunaíma e do programa do modernismo brasileiro", afirma o professor.

Para ele, uma abordagem lúdica para o personagem icônico da cultura brasileira chega em um momento de urgência para abrir novas perspectivas. "A atitude que estamos buscando é uma ruptura com criatividade, não com violência. A proposta é resgatar o nosso passado e nossa memória para criar perspectivas de educação, de divertimento e de um lazer que seja sustentável".

O IX Festival Games for Change América Latina será realizado entre 12 e 14 de novembro, virtualmente. O evento é gratuito e para participar é necessário se inscrever pelo site do festival. Além da competição Pitch For Change, a programação conta com sessões temáticas e networking social e profissional.

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Macunaíma vai renascer no Festival Games for Change | ECA - Escola de Comunicações e Artes

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Projeto da USP propõe releituras da obra de Mário de Andrade para comemorar o centenário da Semana de Arte Moderna; ldeias de jogos serão apresentadas na etapa competitiva do festival O movimento modernista de 1922 muito se empenhou em buscar uma identidade para o ser brasileiro e um de seus maiores ícones culturais nasceu das mãos de Mário de Andrade.

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Essencialmente pictórica, a obra de Tomoo Handa consiste principalmente em paisagens e retratos, sendo o óleo e a aquarela os meios preferidos pelo artista. Em suas paisagens, lança um olhar atento à vegetação local e demonstra interesse na elaboração cromática. Handa pinta os arredores de São Paulo e cidades próximas

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No vídeo é tratado de como “Koguma no Korosuke” e outras obras dos anos 1930 foram fortemente influenciadas pela arte modernista de vanguarda e como tal influência foi determinante para o manga como conhecemos hoje.

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"Koguma no Korosuke" de Yoshimoto Sanpei e a influência da arte modernista no manga

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A Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo entrega à cidade, em 20 de novembro, Dia da Consciência Negra, uma estátua na Praça Clóvis Bevilácqua - face leste da Praça da Sé - que celebra a grandiosidade do legado arquitetônico de Joaquim Pinto de Oliveira (1721-1811). O ex-escravizado ficou célebre com a alcunha de Tebas, 'alguém de grande habilidade' na língua quimbundo. A sua aclamação profissional oficial ganhou relevância, nos últimos anos, tendo, inclusive, em 2018, sido chancelado pelo Sindicato dos Arquitetos no Estado de São Paulo (Sasp) - ocasião que datava mais de dois séculos de sua existência. A inauguração oficial do monumento será em 5 de dezembro, como atividade da programação da sexta edição da Jornada do Patrimônio, que, neste ano, terá como tema "Nossa Cidade, Nossas Memórias".

Originário da cidade de Santos, Tebas foi trazido para a capital pelo mestre pedreiro português Bento de Oliveira Lima, seu senhor, em 1740, com exímia habilidade na técnica da cantaria, o talhar de blocos de pedras, logo passou a ser disputado pelos templos católicos, na São Paulo do Brasil-Colônia. A ideia das ordens religiosas era substituir a taipa de pilão - método construtivo tradicional - para adornar com detalhamento mais requintado as fachadas das igrejas do triângulo histórico paulistano. Ele construiu a primeira torre da Matriz da Sé (1750) e, em 1769, reforma a mesma Torre da Sé e, em feito inédito, compra a própria alforria, aos 57 anos de idade, 110 anos antes da abolição da escravidão. Os ornamentos originais dos conventos da Ordem 3ª do Carmo (1775-1778), Ordem 3ª do Seráfico Pai São Francisco (1783) e Mosteiro de São Bento (1766 e 1798) também são de sua autoria. Ele ainda construiu uma fonte pública mais conhecida como o "Chafariz de Tebas", (1791) no Largo da Misericórdia, onde, atualmente, está o cruzamento das ruas Direita, Quintino Bocaiúva e Alvares Penteado, na região central de São Paulo.

O projeto da escultura que será incrustada alicerçando a imagem de Tebas na memória contemporânea e resgatando sua importância ancestral é afro-centrado, conceituado e desenvolvido pelo artista plástico Lumumba Afroindígena e pela arquiteta Francine Moura. A obra tem o objetivo de firmar e reverberar a expertise e modernidade do legado de Tebas, revelar de modo artístico a sua produção tecnológica sofisticada para a época e propor, acima de tudo, uma reflexão que recobra a relevância da ocupação territorial preta em área central da cidade que foi fragmentada ao longo dos séculos.

Com sobrenome herdado da bisavó congolesa, Lumumba, 40 anos, além da ascendência africana direta, também carrega em suas veias a herança indígena. O artista autodidata multifacetado tem repertório extenso que passeia por diversos suportes das artes plásticas. Seu trabalho já ocupou espaços como Funarte, Matilha Cultural, também assinou as esculturas de óperas infantis, no Theatro Municipal de São Paulo - caso das montagens, "O Rouxinol", de Igor Stravinsky e "O menino e os sortilégios", obra de Maurice Ravel contemplada com o Prêmio Carlos Gomes e esculpiu personagens do desenho Madagascar para o Beto Carrero World.

"Estou muito centrado na minha carreira e tenho uma visão muito clara sobre a pujança que o meu trabalho reverbera no universo das artes e na sua representatividade afro-indígena. A cada avanço da escultura e das minhas inquietações entro em um deslocamento temporal. Perpasso toda a minha trajetória e sei exatamente aonde quero chegar e quem estará ao meu lado nessas realizações. Assinar essa obra fomenta conceitos ancestrais da minha existência que são amálgama da minha base como realizador", expressa Lumumba.

Curiosamente, a memória e preservação já faziam parte do início da trajetória da arquiteta Francine Moura, 43 anos, mulher preta formada em Arquitetura e Urbanismo no Mackenzie. Com 20 anos de carreira, seus primeiros passos foram na conservação do painel de azulejos do Largo da Memória, quando estagiou no DPH - Departamento de Patrimônio Histórico. Francine é especialista em Projeto de Arquitetura na Cidade Contemporânea e pesquisa espaços públicos e coletivos. Também possui especialização em Educação, Relações Étnico-Raciais e Sociedade e investiga as percepções construídas sobre o corpo da mulher negra e a busca por ressignificações. "Participar do monumento ao Tebas após convite irrecusável do meu amigo Lumumba tem dimensão simbólica muito forte para mim enquanto arquiteta negra. Contribuir para o reconhecimento do trabalho deste arquiteto nos impulsiona a seguir seu legado. Olhando para a minha produção recente, nos últimos dois anos meu amor, energia e técnica foram dedicados a projetos arquitetônicos e artísticos afro-referenciados em 99% das experiências", reforça Francine, que também atua profissionalmente como carnavalesca, cenógrafa e diretora de arte audiovisual. Seu último projeto entregue é o da Casa Preta Hub, no Vale do Anhangabaú, no Centro de São Paulo.

Coube à paulistana Rita Teles, do Núcleo Coletivo das Artes Produções, alinhavar a produção executiva e artística do aquilombamento e, para demarcar a arte e o protagonismo negro na centralidade da proposta, compôs uma equipe com 90% de profissionais negros para a realização do monumento. A paulistana é formada em Educação Artística - Artes Cênicas e trabalha como atriz, produtora cultural, arte educadora, pesquisadora, além de ser reconhecida como ativista e articuladora de políticas culturais.

"A ideia principal desta empreitada é afastar, de uma vez por todas, a aura de invisibilidade que repousava sobre a história de Tebas. Um monumento que projeta, em grande escala, a contribuição negra para a cidade em que uma criança, ao passar no local, possa se sentir representada com aquela escultura que pode remeter a um super-herói ou, simplesmente, a um homem importante que existiu e lutou dignamente por sua afirmação e espaço", ressalta Rita.

Os autores - Lumumba e Francine - conectaram-se à fluidez das ideias e, juntos, possuem uma força potente que deságua em um rio de criatividade e expertise, seja de tecnologias, seja na arquitetura, justamente em uma cidade coberta de asfalto e concreto que guarda em seu subterrâneo mais de 200 cursos d'água catalogados pela prefeitura. O resultado dessa união entre o artista e a arquiteta é uma equação cujas variáveis convertem o atual momento dos criadores - a dupla, em suas trajetórias individuais celebram neste ano (2020), 20 anos de carreira, e criam a representatividade de um Tebas que passou por este plano há mais de 200 anos.

"Ter Francine Moura na concepção desse monumento público é muito importante para mim. Assim como Tebas esteve à frente de seu tempo, a presença desta mulher preta e arquiteta, neste território central, é de extrema relevância para esse diálogo permanente entre o patrimônio e a sociedade", afirma Lumumba.

Outro tópico relevante para o desfecho da narrativa é o fato de Lumumba estar dedicado à uma nova fase de pesquisas no universo dos super-heróis de HQ's. O flerte com este tipo de linguagem foi um caminho natural para a concepção da escultura afro-futurista - estética cultural que combina ficção científica, fantasia, história e arte africana. Vale ressaltar que o apagamento, o reconhecimento e a alforria, de modo subversivo, também agregam à somatória que fundamenta todo o conjunto da obra.

O processo do desenvolvimento da escultura, em si, foi feito em imersão dentro de prazo desafiador, de dois meses de trabalhos, no Quimera Atelier, no bairro dos Campos Elíseos, em São Paulo.

"A obra suspensa no ar dará uma ideia de ascensão, como se ela emergisse para fora, do período da escravidão, desse universo perverso, ao mesmo tempo em que temos a presença do high tech, que faz um contraponto ao componente perecível, da corrente de ferro comum, que ficará na base da estrutura ao inox que é um material mais contemporâneo", contextualizam os autores.

Essa forte simbologia de opressão para o povo preto, ao longo do tempo, será propositalmente deteriorada uma vez que, o ferro da corrente, não resiste às intempéries da natureza. Os artistas pretendem com este signo dialogar com as próximas gerações, de modo a quebrar paradigmas e não definir interpretações estáticas. O intuito é que a partir deste ponto consigam traçar perspectivas e paralelos entre o passado histórico de resistência e o avanço das pautas étnico-raciais no Brasil e no mundo de forma fluída e contundente.

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Arquiteto negro ganha escultura afro-futurista em São Paulo para o Dia da Consciência Negra | Dasartes

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A Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo entrega à cidade, em 20 de novembro, Dia da Consciência Negra, uma estátua na Praça Clóvis Bevilácqua - face leste da Praça da Sé - que celebra a grandiosidade do legado arquitetônico de Joaquim Pinto de Oliveira (1721-1811).