# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Cet émouvant portrait d'un jeune garçon et d'un praticien florentin âgé, défiguré par une acné rosacée (rhinophyma), a peut-être été réalisé après la disparition de ce dernier : on conserve en effet un admirable dessin de Ghirlandaio représentant son visage, de face, les yeux fermés, peut-être sur un lit de mort (Nationalmuseum, Stockholm). Il n'est pas exclu que l'image ait aussi un sens allégorique, opposant deux âges de la vie, la jeunesse et la vieillesse.

Un portrait double

Un vieillard assis près d'une fenêtre tient dans ses bras un jeune enfant au délicat visage, aux boucles blondes. Le sourire plein de bonté et de douceur du vieil homme et le regard confiant de l'enfant ainsi que son geste plein de tendresse témoignent de l'affection qui les unit. Le contraste entre les deux portraits est pourtant frappant : représenté de trois-quarts, le vieillard, sans doute un patricien florentin reconnaissable au cappuccio plié sur l'épaule, est décrit avec un réalisme sans concession ; la lumière éclairant son visage par la droite permet au peintre de détailler les cheveux gris, la verrue sur le front, les rides autour des yeux et surtout le nez, déformé par une maladie, le rhynophyma. À cette image de la vieillesse, de la laideur de la maladie, s'oppose la pureté du profil de l'enfant au nez fin et à la bouche délicate.

Une atmosphère d'intimité

Le motif de la baie ouverte sur un paysage minutieusement décrit, emprunté à la peinture flamande, est souvent adopté depuis Filippo Lippi, un demi-siècle plus tôt, par les portraitistes florentins. Le rouge lumineux de la robe bordée de fourrure du vieil homme, du pourpoint et de la toque de l'enfant se détache sur le fond gris des murs de pietra serena. Le cadrage serré de la scène, l'intensité touchante des regards qui se croisent, contribuent à cette atmosphère d'intimité qui se dégage de cette double effigie d'un grand-père et de son petit-fils.
Mais sommes-nous réellement face à un portrait pris sur le vif ?

Une effigie commémorative ?

Un admirable dessin conservé au Nationalmuseum de Stockholm décrit le même modèle, avec le nez pareillement déformé, représenté allongé et les yeux clos, vraisemblablement sur son lit de mort. L'artiste s'est peut-être servi de cette étude minutieuse pour exécuter, à la demande d'un des descendants du défunt, un portrait sur panneau de bois qui aurait une fonction commémorative. Le jeune homme n'est donc pas nécessairement le petit-fils du vieil homme mais peut-être un être fictif dont la présence permettrait d'introduire une dimension narrative et affective ainsi que d'exalter la bonté et la grandeur de l'ancêtre.
L'exceptionnel talent de Ghirlandaio, son art de saisir une personnalité qui s'est exprimé tant dans la fresque que dans la peinture sur panneau de bois lui ont valu de nombreuses commandes de l'aristocratie florentine de la fin du XVe siècle.

Bibliographie

- THIEBAUT Dominique, "Un chef-d'oeuvre restauré : le portrait d'un vieillard et d'un jeune garcon de Domenico Ghirlandaio, 1449-1494", in Revue du Louvre, 1996.

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Portrait d'un vieillard et d'un jeune garçon | Musée du Louvre | Paris

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Cet émouvant portrait d'un jeune garçon et d'un praticien florentin âgé, défiguré par une acné rosacée (rhinophyma), a peut-être été réalisé après la disparition de ce dernier : on conserve en effet un admirable dessin de Ghirlandaio représentant son visage, de face, les yeux fermés, peut-être sur un lit de mort (Nationalmuseum, Stockholm).

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Musée d'Orsay: Liste de résultats dans le catalogue des collections

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Musée d'Orsay, 1 rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris, France, +33 (0)1 40 49 48 14

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Musée d'Orsay: Liste de résultats dans le catalogue des collections

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Musée d'Orsay, 1 rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris, France, +33 (0)1 40 49 48 14

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Musée d'Orsay: Liste de résultats dans le catalogue des collections

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Musée d'Orsay, 1 rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris, France, +33 (0)1 40 49 48 14

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Musée d'Orsay: Liste de résultats dans le catalogue des collections

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Musée d'Orsay, 1 rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris, France, +33 (0)1 40 49 48 14

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Musée d'Orsay: Liste de résultats dans le catalogue des collections

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Musée d'Orsay, 1 rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris, France, +33 (0)1 40 49 48 14

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L'œuvre

concept.resource

Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© Succession H. Matisse

À propos de l'œuvre

Henri Matisse (1869 - 1954)

La Tristesse du roi

(Le Roi triste)

1952

Papiers gouachés, découpés, marouflés sur toile

292 x 386 cm

Inscriptions :S.D.B.DR. : Henri Matisse / 1952

Achat de l'Etat, 1954

Attribution, 1954

Numéro d'inventaire : AM 3279 P

En savoir plus

Extrait du catalogue Collection art graphique - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Agnès de la Beaumelle, Paris, Centre Pompidou, 2008

En 1946, Matisse achève la maquette de son " livre-fleur ", Jazz - composé de vingt planches en couleurs, exécutées en gouaches découpées entre fin juin 1943 et 1944, et de pages d'écriture -, qui sera publié par Tériade en 1947. Ce premier ensemble utilisant systématiquement et uniquement la technique de la gouache découpée " à vif " dans la couleur va constituer la matrice de son œuvre ultérieur, jusqu'à sa mort en 1954 : c'est dire l'importance de l'ouvrage. La découverte des gouaches découpées de Matisse par la jeune génération des années 1950, américaine et européenne, sera décisive, ...

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Extrait du catalogue Collection art moderne - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, sous la direction de Brigitte Leal, Paris, Centre Pompidou, 2007

Dès sa présentation au Salon de mai en 1952, Georges Salles, directeur des Musées de France, avait signalé avec enthousiasme le grand panneau du " Roi triste " (tel était le titre que lui donnait alors Matisse), vu dans l'atelier de Cimiez, à Jean Cassou qui avait aussitôt engagé la négociation en vue d'un achat éventuel. Cette grande composition se rattache vraisemblablement à un thème biblique, mais s'agit-il d'une image liée au Cantique des cantiques (que Matisse songeait à illustrer à l'époque), ou bien de Salomé dansant devant Hérode ? Elle propose avant tout une réflexion sur la vieil...

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Extrait du catalogue Œuvres de Matisse, catalogue établi par Isabelle Monod-Fontaine, Anne Baldassari et Claude Laugier, Paris, Éditions du Centre Pompidou, 1989

Dès avant sa présentation au Salon de Mai en 1952, Georges Salles, directeur des Musées de France, avait signalé avec enthousiasme le grand panneau du Roi triste 1, vu dans l'atelier de Nice, à Jean Cassou, qui avait aussitôt engagé la négociation en vue d'un achat éventuel pour le Musée national d'art moderne. Cette négociation durera plus d'un an; le panneau est attribué au MNAM à la fin de l'année 1953 et aussitôt installé dans le hall du musée, au-dessus de l'escalier2.

Cette grande composition se rattache vraisemblablement à un thème biblique, mais s'agit-il d'une image liée au Cantique ...

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Bernini Bastien , Donation Florence et Daniel Guerlain
Cabinet d'art graphique, Collection du Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle

À propos de la collection

Puicouyoul Philippe, Bahier Christian , Paroles d'artistes : Gilgian Gelzer
Dessin, Cabinet d'art graphique

À propos de la collection

Collage, Dessin, Cabinet d'art graphique

À propos de la collection

Achat de l'Etat, 1954 Attribution, 1954

À propos de la collection

Collection du Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle

À propos de la collection

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Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© Succession H. Matisse

À propos de l'œuvre

Henri Matisse (1869 - 1954)

La Tristesse du roi

(Le Roi triste)

1952

Papiers gouachés, découpés, marouflés sur toile

292 x 386 cm

Inscriptions :S.D.B.DR. : Henri Matisse / 1952

Achat de l'Etat, 1954

Attribution, 1954

Numéro d'inventaire : AM 3279 P

En savoir plus

Extrait du catalogue Collection art graphique - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Agnès de la Beaumelle, Paris, Centre Pompidou, 2008

En 1946, Matisse achève la maquette de son " livre-fleur ", Jazz - composé de vingt planches en couleurs, exécutées en gouaches découpées entre fin juin 1943 et 1944, et de pages d'écriture -, qui sera publié par Tériade en 1947. Ce premier ensemble utilisant systématiquement et uniquement la technique de la gouache découpée " à vif " dans la couleur va constituer la matrice de son œuvre ultérieur, jusqu'à sa mort en 1954 : c'est dire l'importance de l'ouvrage. La découverte des gouaches découpées de Matisse par la jeune génération des années 1950, américaine et européenne, sera décisive, ...

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Extrait du catalogue Collection art moderne - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, sous la direction de Brigitte Leal, Paris, Centre Pompidou, 2007

Dès sa présentation au Salon de mai en 1952, Georges Salles, directeur des Musées de France, avait signalé avec enthousiasme le grand panneau du " Roi triste " (tel était le titre que lui donnait alors Matisse), vu dans l'atelier de Cimiez, à Jean Cassou qui avait aussitôt engagé la négociation en vue d'un achat éventuel. Cette grande composition se rattache vraisemblablement à un thème biblique, mais s'agit-il d'une image liée au Cantique des cantiques (que Matisse songeait à illustrer à l'époque), ou bien de Salomé dansant devant Hérode ? Elle propose avant tout une réflexion sur la vieil...

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Extrait du catalogue Œuvres de Matisse, catalogue établi par Isabelle Monod-Fontaine, Anne Baldassari et Claude Laugier, Paris, Éditions du Centre Pompidou, 1989

Dès avant sa présentation au Salon de Mai en 1952, Georges Salles, directeur des Musées de France, avait signalé avec enthousiasme le grand panneau du Roi triste 1, vu dans l'atelier de Nice, à Jean Cassou, qui avait aussitôt engagé la négociation en vue d'un achat éventuel pour le Musée national d'art moderne. Cette négociation durera plus d'un an; le panneau est attribué au MNAM à la fin de l'année 1953 et aussitôt installé dans le hall du musée, au-dessus de l'escalier2.

Cette grande composition se rattache vraisemblablement à un thème biblique, mais s'agit-il d'une image liée au Cantique ...

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Bernini Bastien , Donation Florence et Daniel Guerlain
Cabinet d'art graphique, Collection du Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle

À propos de la collection

Puicouyoul Philippe, Bahier Christian , Paroles d'artistes : Gilgian Gelzer
Dessin, Cabinet d'art graphique

À propos de la collection

Collage, Dessin, Cabinet d'art graphique

À propos de la collection

Achat de l'Etat, 1954 Attribution, 1954

À propos de la collection

Collection du Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle

À propos de la collection

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L'œuvre Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP© Succession H.

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Auteurs

Rodin, Auguste
Paris (France) 1840 - Meudon, Hauts-de-Seine (92) (France) 1917
Exécutant
praticien : Peter, Victor
Paris (France) 1840 - Paris (France) 1918

Titres

Camille Claudel au bonnet
Contemplation
La Pensée émergeant de la Matière
Petite Bretonne
Sphinx moderne

Dates

commentaire sur l'historique : Rodin à Bénédite : "Je vous ai envoyé la sculpture offerte par Mme Durand [...]. En ce qui concerne la place à lui donner j'espère toujours en votre amitié. Néanmoins si vous croyez devoir me consulter au sujet de l'éclairage, je suis à votre disposition. C'est par erreur que les journaux ont dit que j'avais désigné moi même la place en question. Je n'aurais pas eu cette prétention. Je crois que vous ferez un grand plaisir au donateur en lui mettant son nom sur le socle comme c'est souvent l'usage. Au surplus j'espère voir voir bientôt et en attendant ce plaisir, je vous envoie, mon cher Bénédite, mes profondes amitiés" (Arch. MN.)

Description

Désignation

ronde-bosse

Matériaux et techniques

marbre , taille , pierre

H. 0.742 ; L. 0.435 ; P. 0.461 m.
Etude en terre cuite, Petite bretonne, exposée au musée Rodin à Paris. Camille Claudel a servi plusieurs fois de modèle à Rodin : plusieurs bustes, plâtre, bronze et pâte de verre, l'Aurore, marbre de 1885, Convalescente, marbre de 1892, l'Adieu, plâtre de 1892, France, plâtre et bronze de 1904 : figurent au musée Rodin à Paris. Autres exemplaires : un marbre à Philadelphie, dans la collection J.-G. Johnson. Un seul bronze, fondu par A. Rudier, figure au Rodin Museum, à Philadelphie.

Inscriptions

S.g. de la base : A. Rodin

Lieu de conservation

musée d'Orsay, Paris, France

Numéro(s) d'inventaire

RF 4065, LUX 155, S 1003

Historique

1896, achat de M. G. Durand à Rodin, (7000 F) le 2 août 1896 : "Il est entendu que vous vous interdisez toute reproduction sauf deux copies que vous garderez et me remettrez la maquette. De mon côté je m'en interdis également la reproduction".

1896, livré en octobre 1896, 20 rue Voltaire, Saint-Germain-en-Laye

1897, veuve en 1897, Mme Durand envisage un don au musée du Luxembourg

jusqu'en 1902, dans la collection Mme Durand

1902, don de Mme Durand, qui l'acquit de Rodin pour le musée du Luxembourg

faute de réponse Rodin s'occupe du transport

de 1902 à 1918, au musée du Luxembourg (entrée le 18 juillet 1902)

de 1918 à 1986, au musée Rodin (entrée vers 1918)

attribué au musée du Louvre

1986, affecté au musée d'Orsay (le 7 octobre 1986)

Exposition(s)

Salon de la Société nationale des beaux-arts, Paris, France, 1895

Rodin, Paris, France, 1900

Rodin, New York, Etats-Unis, 1963

Rodin, Tokyo, Japon, 1966

Rodin, Kyoto, Japon, 1966

Rodin, Fukuoka, Japon, 1966

L'Age mûr de Camille Claudel, Paris, France, 1988

Rodin en 1900. Le Pavillon de l'Alma, Paris, France, 2001

Claudel & Rodin. La rencontre de deux destins, Martigny, Suisse, 2006

Rodin, la chair, le marbre, Paris, France, 2012

Adolfo Wildt (1868-1931). Le dernier symboliste, Paris, France, 2015

Bibliographie

Bénédite Léonce [préf. de], La sculpture au musée national du Luxembourg, [1906] s.d., Paris, 1906

Bénédite Léonce, Catalogue sommaire des peintures et sculptures de l'Ecole contemporaine exposées dans les galeries du Musée national du Luxembourg, Paris, 1914

Bénédite Léonce, Catalogue sommaire des oeuvres d'Auguste Rodin et autres oeuvres d'art de la donation Rodin, Paris, 1919

Bénédite Léonce, Musée Rodin : catalogue sommaire des oeuvres d'Auguste Rodin et autres oeuvres d'art de la donation Rodin, Paris, 1921

Lami Stanislas, Dictionnaire des sculpteurs de l'Ecole française au XIXe siècle. T. IV. N-Z, Paris, 1921

Bénédite Léonce, Catalogue du musée Rodin, Paris, 1922

Bénédite Léonce, Musée Rodin : catalogue sommaire des oeuvres d'Auguste Rodin et autres oeuvres d'art de la donation Rodin, Paris, 1924

Bénédite Léonce, Catalogue sommaire des œuvres d'Auguste Rodin et des autres œuvres d'art de la donation Rodin, Paris, 1926

Grappe Georges, Catalogue du musée Rodin, Paris, 1927

Grappe Georges, Catalogue du musée Rodin, Paris, 1929

Grappe Georges, Catalogue du musée Rodin, Paris, 1931

Grappe Georges, Catalogue du musée Rodin : I- Hôtel Biron : essai de classement chronologique des oeuvres d'Auguste Rodin, Paris, 1938

Grappe Georges, Catalogue du musée Rodin, Paris, 1944

Pingeot Anne - Le Normand-Romain Antoinette - Margerie Laure de, Musée d'Orsay. Catalogue sommaire illustré des sculptures, Paris, 1986

Barbier Nicole, Marbres de Rodin. Collection du musée, Paris, 1987

Beausire Alain, Quand Rodin exposait, Paris, 1988

Pingeot Anne, 48/14 La revue du Musée d'Orsay, n°11 automne 2000, Paris, 2000

Rivière Anne - Gaudichon Bruno, Camille Claudel (1864-1943). Au miroir de l'art nouveau, 2014

Iconographie

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Auteurs Rodin, Auguste Paris (France) 1840 - Meudon, Hauts-de-Seine (92) (France) 1917 Exécutant praticien : Peter, Victor Paris (France) 1840 - Paris (France) 1918 Titres Camille Claudel au bonnetContemplationLa Pensée émergeant de la MatièrePetite BretonneSphinx moderne Dates commentaire sur l'historique : Rodin à Bénédite : "Je vous ai envoyé la sculpture offerte par Mme Durand [...].

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L'œuvre

Crédit photographique : © Service de la documentation photographique du MNAM - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
Domaine public

Vassily Kandinsky (1866 - 1944)

Huile sur toile

100 x 73 cm

Inscriptions :

MO.D.B.G. : VK/40

MO.D.N.R.H.G. sur la toile : VK/N°673/i940

Donation Mme Nina Kandinsky, 1976

Numéro d'inventaire : AM 1976-862

Collection art moderne - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Brigitte Leal, Paris, Centre Pompidou, 2007

Dans Bleu de ciel (cat. rais. n° 1111), le compartimentage a disparu. Un fond de bleu laiteux, nuancé, faussement neutre : c'est un bleu atmosphérique, celui du ciel au-dessus du mont Valérien qu'aperçoit le peintre à travers la fenêtre de son atelier. Du titre, on peut retenir que le peintre privilégie le fond sur les formes biomorphiques en suspension dans l'espace qu'elles animent, et que c'est une erreur de notre part de nous amuser à détailler ces petits êtres conviés à la fête. Kandinsky s'inspire plusieurs fois de tapisseries anciennes découvertes à Paris ; en 1942-1943, il dessine ...

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Cartel développé du Musée national d'art moderne, rédigé dans le cadre du nouvel accrochage des collections modernes, 2015-2016

Du titre Bleu de ciel, nous retenons que Vassily Kandinsky privilégie ici le fond sur les formes biomorphiques en suspension dans l'espace ; qu'il met en valeur ce bleu atmosphérique, celui du ciel aperçu depuis son atelier. Dans ce monde de formes libres et vivement colorées, seul le monogramme, apposé en bas à gauche par le peintre, garde quelques raideurs géométriques. Les petits êtres représentés, inspirés par des tapisseries anciennes découvertes à Paris, confèrent à cette peinture une atmosphère optimiste. Pourtant, en ces temps d'Occupation, Kandinsky et son épouse Nina vivent reclus...

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Service de l'information des publics et de la médiation

Vassily Kandinsky (1866 - 1944)

Huile sur toile

100 x 73 cm

Inscriptions :

MO.D.B.G. : VK/40

MO.D.N.R.H.G. sur la toile : VK/N°673/i940

Donation Mme Nina Kandinsky, 1976

Numéro d'inventaire : AM 1976-862

Dans Bleu de ciel (cat. rais. n° 1111), le compartimentage a disparu. Un fond de bleu laiteux, nuancé, faussement neutre : c'est un bleu atmosphérique, celui du ciel au-dessus du mont Valérien qu'aperçoit le peintre à travers la fenêtre de son atelier. Du titre, on peut retenir que le peintre privilégie le fond sur les formes biomorphiques en suspension dans l'espace qu'elles animent, et que c'est une erreur de notre part de nous amuser à détailler ces petits êtres conviés à la fête. Kandinsky s'inspire plusieurs fois de tapisseries anciennes découvertes à Paris ; en 1942-1943, il dessine ...

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Du titre Bleu de ciel, nous retenons que Vassily Kandinsky privilégie ici le fond sur les formes biomorphiques en suspension dans l'espace ; qu'il met en valeur ce bleu atmosphérique, celui du ciel aperçu depuis son atelier. Dans ce monde de formes libres et vivement colorées, seul le monogramme, apposé en bas à gauche par le peintre, garde quelques raideurs géométriques. Les petits êtres représentés, inspirés par des tapisseries anciennes découvertes à Paris, confèrent à cette peinture une atmosphère optimiste. Pourtant, en ces temps d'Occupation, Kandinsky et son épouse Nina vivent reclus...

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Service de l'information des publics et de la médiation

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L'œuvre Crédit photographique : © Service de la documentation photographique du MNAM - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GPDomaine public Vassily Kandinsky (1866 - 1944) Huile sur toile 100 x 73 cm Inscriptions : MO.D.B.G. : VK/40 MO.D.N.R.H.G.

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Le Scribe accroupi | Musée du Louvre | Paris

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Le Scribe accroupi. Provenance : Saqqara, au nord de l'allée de sphinx du Sérapéum, Égypte. Ancien Empire, IVe dynastie (?), vers 2620-2500 avant J.-C. - Département des Antiquités égyptiennes

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L'œuvre

Crédit photographique : © Service de la documentation photographique du MNAM - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© Adagp, Paris

Raoul Hausmann (1886 - 1971)

Mechanischer Kopf

(Der Geist unserer Zeit (L'esprit de notre temps),
Tête mécanique)

[1919]

Marotte de coiffeur en bois et divers objets fixés dessus : gobelet télescopique, un étui en cuir, tuyau de pipe, carton blanc portant le chiffre 22, un morceau de mètre de couturière, un double décimètre, rouage de montre, un rouleau de caractère d'imprimerie

32,5 x 21 x 20 cm

Inscriptions :MO. coté droit : RH

Achat, 1974

Numéro d'inventaire : AM 1974-6

Cette tête muette, pièce centrale de la collection dada du Musée, conserve tout son mystère. Nous connaissons cependant son histoire. Après sa séparation, en 1922, d'avec Hannah Höch, Hausmann la lui a laissée mais celle-ci, lasse de s'en occuper, la restitue à l'artiste en 1966. Nous savons aussi qu'à sa demande (lettre du 11 juin 1932), Höch répare la tête en vue d'une prise de vue pour Cahiers d'art. En la comparant à sa première publication dans la revue de Van Doesburg, Mécano II (1922), on note que la vis de réglage dans le bas de la pièce a été déplacée et la timbale redressée. En r...

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Le titre et la date de réalisation de cette œuvre, qui a longtemps appartenue à Hannah Höch, sont incertains. La décrivant dans un texte publié en 1967, L'Esprit du temps, 1919, Raoul Hausmann suscite l'adoption d'une date et d'un titre définitifs. La tête en bois est ornée de divers ustensiles, dont un morceau de mètre de couturière et un petit carton blanc portant le chiffre 22, collés sur le front pour évoquer un esprit du temps réduit à une simple " signification numérique ". Hausmann s'inscrit dans une veine dada corrosive et antibourgeoise, non exempte d'une fascination contradictoire...

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Service de l'information des publics et de la médiation

Raoul Hausmann (1886 - 1971)

Mechanischer Kopf

[1919]

Inscriptions :MO. coté droit : RH

Achat, 1974

Numéro d'inventaire : AM 1974-6

Cette tête muette, pièce centrale de la collection dada du Musée, conserve tout son mystère. Nous connaissons cependant son histoire. Après sa séparation, en 1922, d'avec Hannah Höch, Hausmann la lui a laissée mais celle-ci, lasse de s'en occuper, la restitue à l'artiste en 1966. Nous savons aussi qu'à sa demande (lettre du 11 juin 1932), Höch répare la tête en vue d'une prise de vue pour Cahiers d'art. En la comparant à sa première publication dans la revue de Van Doesburg, Mécano II (1922), on note que la vis de réglage dans le bas de la pièce a été déplacée et la timbale redressée. En r...

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Le titre et la date de réalisation de cette œuvre, qui a longtemps appartenue à Hannah Höch, sont incertains. La décrivant dans un texte publié en 1967, L'Esprit du temps, 1919, Raoul Hausmann suscite l'adoption d'une date et d'un titre définitifs. La tête en bois est ornée de divers ustensiles, dont un morceau de mètre de couturière et un petit carton blanc portant le chiffre 22, collés sur le front pour évoquer un esprit du temps réduit à une simple " signification numérique ". Hausmann s'inscrit dans une veine dada corrosive et antibourgeoise, non exempte d'une fascination contradictoire...

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L'œuvre Crédit photographique : © Service de la documentation photographique du MNAM - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist.

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concept.resource

Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© Adagp, Paris

À propos de l'œuvre

Jean Dubuffet (1901 - 1985)

Acrylique sur papiers collés sur toile

248,5 x 318,5 cm

Inscriptions :MO.D.M.B. : J.D.76

Achat, 1979

Numéro d'inventaire : AM 1978-746

# data[].attributes.attachment_link.description
Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP© Adagp, Paris Jean Dubuffet (1901 - 1985) Acrylique sur papiers collés sur toile 248,5 x 318,5 cm Inscriptions :MO.D.M.B. : J.D.76 Achat, 1979 Numéro d'inventaire : AM 1978-746

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
L'œuvre

concept.resource

Crédit photographique : © Jacqueline Hyde - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© Succession Picasso

À propos de l'œuvre

Pablo Picasso (1881 - 1973)

La Bouteille de vieux marc

(Bouteille de vieux marc, verre et journal)

[printemps 1913]

Fusain, gouache, papiers collés et épinglés sur papier

63 x 49 cm

Inscriptions :Signé au revers : Picasso. Non daté

Ceret, après le 15 mars 1913

Donation M. Henri Laugier, 1963

Numéro d'inventaire : AM 2917 D

En savoir plus

Extrait du catalogue Collection art graphique - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, sous la direction de Agnès de la Beaumelle, Paris, Centre Pompidou, 2008

Au printemps 1912, Picasso réintroduit, dans ses peintures, de la réalité sous forme de collage : dans Nature morte à la chaise cannée (musée Picasso, Paris) un morceau de toile cirée imitant le cannage d'une chaise fait une brutale intrusion dans le tissu arachnéen, aux modulations de gris et de beige, du cubisme analytique. Braque et Picasso multiplient alors les innovations : recours systématique aux lettres tracées au pochoir ; essais d'assemblage en papier, pour Braque, et passage à la sculpture pour Picasso (maquette de Guitare, en carton, corde et ficelle, musée Picasso, Paris) ; enf...

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Autre reproduction de l'œuvre

Donation M. Henri Laugier, 1963

À propos de la collection

Bernini Bastien , Donation Florence et Daniel Guerlain
Cabinet d'art graphique, Collection du Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle

À propos de la collection

Puicouyoul Philippe, Bahier Christian , Paroles d'artistes : Gilgian Gelzer
Dessin, Cabinet d'art graphique

À propos de la collection

Papier collé, Dessin, Cabinet d'art graphique

À propos de la collection

Collection du Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle

À propos de la collection

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Crédit photographique : © Jacqueline Hyde - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© Succession Picasso

À propos de l'œuvre

Pablo Picasso (1881 - 1973)

La Bouteille de vieux marc

(Bouteille de vieux marc, verre et journal)

[printemps 1913]

Fusain, gouache, papiers collés et épinglés sur papier

63 x 49 cm

Inscriptions :Signé au revers : Picasso. Non daté

Ceret, après le 15 mars 1913

Donation M. Henri Laugier, 1963

Numéro d'inventaire : AM 2917 D

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Extrait du catalogue Collection art graphique - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, sous la direction de Agnès de la Beaumelle, Paris, Centre Pompidou, 2008

Au printemps 1912, Picasso réintroduit, dans ses peintures, de la réalité sous forme de collage : dans Nature morte à la chaise cannée (musée Picasso, Paris) un morceau de toile cirée imitant le cannage d'une chaise fait une brutale intrusion dans le tissu arachnéen, aux modulations de gris et de beige, du cubisme analytique. Braque et Picasso multiplient alors les innovations : recours systématique aux lettres tracées au pochoir ; essais d'assemblage en papier, pour Braque, et passage à la sculpture pour Picasso (maquette de Guitare, en carton, corde et ficelle, musée Picasso, Paris) ; enf...

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Autre reproduction de l'œuvre

Donation M. Henri Laugier, 1963

À propos de la collection

Bernini Bastien , Donation Florence et Daniel Guerlain
Cabinet d'art graphique, Collection du Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle

À propos de la collection

Puicouyoul Philippe, Bahier Christian , Paroles d'artistes : Gilgian Gelzer
Dessin, Cabinet d'art graphique

À propos de la collection

Papier collé, Dessin, Cabinet d'art graphique

À propos de la collection

Collection du Musée national d'art moderne / Centre de création industrielle

À propos de la collection

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La Bouteille de vieux marc | Centre Pompidou

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L'œuvre Crédit photographique : © Jacqueline Hyde - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP© Succession Picasso Pablo Picasso (1881 - 1973) La Bouteille de vieux marc (Bouteille de vieux marc, verre et journal) [printemps 1913] Fusain, gouache, papiers collés et épinglés sur papier 63 x 49 cm Inscriptions :Signé au revers : Picasso.

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Un escalier pour la Victoire

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5. Un escalier pour la Victoire

Au sommet de l'escalier Daru s'élance la Victoire de Samothrace, une des plus célèbres statues conservées au musée du Louvre. Cette mise en scène spectaculaire a été longuement réfléchie pour mettre en valeur ce chef-d'œuvre de l'art grec hellénistique. Sculpture antique et architecture moderne font de cet escalier un des lieux emblématiques du musée.

La déesse de la Victoire

Elle semble flotter dans les airs ! La Victoire de Samothrace est une des rares statues grecques dont on connaisse l'emplacement d'origine avec précision. Elle a été conçue comme une offrande aux dieux pour le sanctuaire, sur l'île grecque de Samothrace. Placée en hauteur, on devait pouvoir l'apercevoir de loin. C'est ce que veut évoquer cette mise en scène en haut de l'escalier Daru. Niké, la déesse ailée de la Victoire, est saisie à l'instant où elle atterrit sur le navire.

Un escalier monumental

L'escalier Daru se prête à merveille à cette extraordinaire mise en scène. Il fait partie des six grands escaliers construits sous le Second Empire au 19e siècle par l'architecte Hector Lefuel.

Les décennies 1850-1860 marquent une époque de grands travaux d'agrandissement et de modernisation du Louvre. Le palais est alors déjà en partie un musée. L'empereur Napoléon III fait construire une nouvelle aile pour donner plus d'espace aux salles d'exposition. L'ancien escalier édifié par son oncle Napoléon Ier ne suffit plus pour desservir toutes ces galeries. De cette époque subsistent les plafonds des salles qui mènent aux collections de peintures italiennes, mais aussi le nom de Daru, un ministre de Napoléon Ier.

Hector Lefuel relève le défi de concevoir un ensemble monumental capable de desservir trois niveaux dans quatre directions différentes. Les visiteurs ont le choix !

C'est en 1883 (vingt ans après sa découverte) que la Victoire de Samothrace est installée sur le palier supérieur.

Le saviez-vous ?

Une "vedette de music-hall"

Escalier Daru vue sur la Victoire de Samothrace en 1932

Une découverte exceptionnelle

La célèbre Victoire porte le nom de l'île grecque de Samothrace, en mer Égée, où elle a été découverte en 1863 par Charles Champoiseau. Quelle surprise ! La statue est sublime, mais elle est brisée et incomplète. On découvre 110 fragments, mais pas la tête, ni les bras. Charles Champoiseau retourne en 1879 à Samothrace pour les retrouver, en vain. De cette seconde mission archéologique, il rapporte le socle et la proue de bateau qui servent de base à la statue. Les ailes, incomplètes, ont été restaurées, avec des ajouts en plâtre pour combler les manques, afin de retrouver l'aspect le plus conforme à l'original : la statue, restaurée à plusieurs reprises, a changé plusieurs fois de silhouette depuis sa découverte.

Une offrande aux dieux

La statue en marbre de Paros (l'un des plus beaux marbres de Grèce) représente la déesse de la Victoire qui vient se poser sur un navire vainqueur. Elle date peut-être de 190 avant notre ère et a été commandée à l'occasion d'une victoire navale. Les vainqueurs, peut-être les habitants de l'île de Rhodes, l'ont érigée à Samothrace pour remercier les Grands Dieux de l'île, les Cabires, vénérés dans tout le monde grec.

Le saviez-vous ?

Bras perdus, mais main (en partie) retrouvée

Paume de la main de la Victoire de Samothrace Salle 703 (Escalier Daru), Aile Denon, Niveau 1

Pour aller plus loin

Découvrir aussi

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Un escalier pour la Victoire Retour à l'accueil See all breadcrumbs Découvrir Le palais Un escalier pour la Victoire Au sommet de l'escalier Daru s'élance la Victoire de Samothrace, une des plus célèbres statues conservées au musée du Louvre. Cette mise en scène spectaculaire a été longuement réfléchie pour mettre en valeur ce chef-d'œuvre de l'art grec hellénistique.

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L'œuvre

Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© Adagp, Paris

Soudain l'été dernier

1963

Peinture acrylique sur toile et photographie, chapeau de paille, serviette éponge

106 x 227 x 58 cm

Inscriptions :S.D.R. : Martial Raysse 63

Achat de l'Etat 1968, attribution 1976

Numéro d'inventaire : AM 1976-1010

Après une formation littéraire et la pratique expérimentale de l'assemblage, notamment à la soudure, d'objets prélevés dans le quotidien, Martial Raysse, d'origine niçoise, abandonne, sur les conseils de son ami Arman, ce savoir-faire qui relève encore trop de la tradition et opte pour l'invention d'un nouveau langage. Il est invité par Arman et Klein - deux autres Niçois - à rejoindre le clan des Nouveaux Réalistes, dont les travaux sont théorisés et diffusés par le critique Pierre Restany à partir de 1960. Raysse, qui se dit " ingénieur de la vision ", développe toute une série de tablea...

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Soudain l'été dernier

1963

Inscriptions :S.D.R. : Martial Raysse 63

Numéro d'inventaire : AM 1976-1010

Après une formation littéraire et la pratique expérimentale de l'assemblage, notamment à la soudure, d'objets prélevés dans le quotidien, Martial Raysse, d'origine niçoise, abandonne, sur les conseils de son ami Arman, ce savoir-faire qui relève encore trop de la tradition et opte pour l'invention d'un nouveau langage. Il est invité par Arman et Klein - deux autres Niçois - à rejoindre le clan des Nouveaux Réalistes, dont les travaux sont théorisés et diffusés par le critique Pierre Restany à partir de 1960. Raysse, qui se dit " ingénieur de la vision ", développe toute une série de tablea...

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L'œuvre Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP© Adagp, Paris Soudain l'été dernier 1963 Peinture acrylique sur toile et photographie, chapeau de paille, serviette éponge 106 x 227 x 58 cm Inscriptions :S.D.R.

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Le portrait fut probablement commencé à Florence vers 1503. Il s'agirait du portrait de Lisa Gherardini, épouse de Francesco del Giocondo, marchand d'étoffes florentin, dont le nom féminisé lui valut le " surnom " de Gioconda, francisé en " Joconde ". La Joconde ne fut sans doute pas livrée à son commanditaire car il semble que Léonard ait continué à y travailler longtemps jusqu'à l'emporter avec lui en France. À sa mort, elle serait entrée dans la collection de François Ier.
Lisa Gherardini, épouse del Giocondo

L'histoire de La Joconde demeure obscure : ni l'identité du modèle, ni la commande du portrait, ni le temps pendant lequel Léonard y travailla, voire le conserva, ni encore les circonstances de son entrée dans la collection royale française ne sont des faits clairement établis.
Deux événements de la vie conjugale de Francesco del Giocondo et de Lisa Gherardini pourraient avoir suscité la réalisation de ce portrait : l'acquisition d'une maison personnelle en 1503 et la naissance d'un second fils, Andrea, en décembre 1502, venu réparer le deuil d'une fille décédée en 1499. Le léger voile sombre qui couvre la chevelure, parfois tenu pour un signe de deuil, est en fait d'un usage assez commun et le signe d'une conduite vertueuse. Aucun élément du costume ne semble remarquable ou signifiant, ni les manches jaunes de la robe, ni la chemise froncée, ni l'écharpe finement drapée sur les épaules ; rien ne désigne ici un rang aristocratique.

Une formule nouvelle

Aucun portrait italien antérieur à celui de la Joconde ne montre le modèle aussi largement cadré, dans toute l'ampleur du mi-corps, intégrant bras et mains sans que l'un ou l'autre se heurte au cadre, campé à une échelle réelle de manière aussi naturelle dans cet espace structuré où il acquiert la plasticité d'une ronde-bosse. Vue jusqu'à la taille, la Joconde est assise dans une chaise dont l'accoudoir, soutenu par des balustres, supporte son bras gauche ; elle est disposée devant une loggia, suggérée par le parapet auquel elle est adossée et par deux fragments de colonnettes qui cantonnent son portrait et délimitent une " fenêtre " sur le paysage. La perfection de la formule élaborée explique sa descendance immédiate dans l'art du portrait florentin et lombard du début du 16e siècle : disposition de trois quarts sur un fond de paysage, encadrement architectural, mains réunies au premier plan se trouvaient déjà mis en oeuvre dans le portrait flamand de la seconde moitié du 15e siècle, surtout par Memling, mais sans cette cohérence spatiale, ni cet illusionnisme atmosphérique, sans cette monumentalité, ni cet équilibre. Cela vaut d'ailleurs pour Léonard dont aucun des portraits antérieurs n'a cette majesté contrôlée.

Un sourire emblématique

Le sourire du modèle est son " attribut " : le sourire est à Lisa del Giocondo ce que les branches de genévrier sont à Ginevra Benci (Washington) et l'hermine à Cecilia Gallerani (Cracovie), une transcription de l'idée de bonheur contenue dans le mot " gioconda ". Léonard en a fait le motif essentiel de son portrait et c'est la raison de la dimension idéale de cette oeuvre. Le caractère du paysage y contribue aussi : le niveau médian, qui coïncide avec le buste, de tonalité chaude, habité par l'homme, puisqu'on y reconnaît une route serpentante et un pont, assure la transition entre l'espace du modèle et un arrière-plan où le paysage se transforme en vision d'une nature vierge, strictement minérale et aquatique, se perdant vers un horizon que le peintre a judicieusement fait correspondre à la ligne du regard.

Bibliographie

- ARASSE Daniel, Léonard de Vinci, Éditions Hazan, Paris,1997.

- BEGUIN Sylvie (sous la dir. de), Musée du Louvre. Hommage à Léonard de Vinci, catalogue de l'exposition, Éditions des Musées nationaux, Paris, 1952.

- BEGUIN Sylvie, Léonard de Vinci au Louvre, Éditions de la Réunion des musées nationaux, Paris, 1983.

- CLARK Kenneth, Léonard de Vinci, Éditions Le Livre de poche, Paris, 1967.

- CHASTEL André, L'illustre incomprise. Mona Lisa, collection "Art et Écrivain", Éditions Gallimard, Paris, 1988.

- CHASTEL André, Léonard de Vinci, Traité de la peinture, Éditions Calmann-Lévy, Paris, 2003.

- KEMP Martin, Leonardo Da Vinci : the marvelous Works of Nature and Man, Cambridge Mass. : Harvard University Press, 1981.

- MARANI Pietro C., Léonard de Vinci, Éditions Gallimard-Electa, Paris, 1996.

- SCALLIEREZ Cécile, La Joconde, collection "Solo", Éditions de la Réunion des musées nationaux, Paris, 2003, n°24.

- ZÖLLNER Frank, Leonardo da Vinci, Mona Lisa, Das Portrât der Lisa del Giocondo, Legende und geschichte, Francfort, 1994.

- ZÖLLNER Frank, NATHAN Johannes (sous la dir. de), Léonard de Vinci, 1452-1519 : tout l'oeuvre peint et graphique, Cologne, Londres, Paris, Éditions Taschen, 2003.

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Portrait de Lisa Gherardini, épouse de Francesco del Giocondo | Musée du Louvre | Paris

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Le portrait fut probablement commencé à Florence vers 1503. Il s'agirait du portrait de Lisa Gherardini, épouse de Francesco del Giocondo, marchand d'étoffes florentin, dont le nom féminisé lui valut le " surnom " de Gioconda, francisé en " Joconde " .