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La tradizione attribuisce le prime forme di teatro a Tespi, giunto ad Atene dall'Icaria, verso il VI secolo a.C. La tradizione vuole che sul suo carro trasportasse i primi attrezzi di scena, arredi scenografici, costumi e maschere teatrali.

Le feste durante le quali avvenivano ad Atene le rappresentazioni teatrali erano:

Le Lenee, feste popolari che si tenevano in inverno, caratterizzate dalla rappresentazione di commedie e a volte di tragedie.

Le Dionisie erano feste dedicate a Dioniso, che si dividevano in Grandi Dionisie e Dionisie rurali. Le prime erano le feste più importanti, celebrate all'inizio della primavera, in cui venivano messe in scena sia tragedie sia commedie, e a cui potevano assistere i cittadini di tutte le città della Grecia (ad eccezione, si può supporre, delle città nemiche di Atene). Organizzate dallo Stato, erano finanziate dai cittadini più abbienti, a tre dei quali l'arconte eponimo affidava la "coregia".

Le Dionisie rurali erano invece feste di minore importanza, organizzate durante l'inverno nei paesi attorno ad Atene, aperte solo ai cittadini ateniesi e nelle quali venivano rappresentate solo le commedie.

Secondo il filosofo greco Aristotele, il teatro, in particolare la tragedia, svolgeva una funzione di rasserenamento catartico collettivo degli animi, attraverso la rappresentazione di passioni attuali o di ricordi traumatici dimenticati, che venivano riportati nella piena consapevolezza del singolo per poterli così governare e dominare in futuro. La rappresentazione a tal fine doveva essere fedele al reale e conforme alla dottrina delle tre unità: unità di tempo, di luogo e di azione.

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L'opera è il termine italiano di utilizzo internazionale per un genere teatrale e musicale in cui l'azione scenica è abbinata alla musica, al balletto e al canto. La denominazione "opera" è l'abbreviazione convenzionale della locuzione sostantivale opera in musica. Non è un caso che la parola "opera" sia usata invariabilmente in tutte le lingue del mondo: anche se pure altre nazioni posseggono tradizioni operistiche di innegabile importanza e valore, il melodramma è nato e si è sviluppato in Italia, Paese che per questo possiede il maggior numero di teatri d'opera al mondo e ha tra i suoi maggiori vanti l'essere universalmente considerata la patria dell'opera.

Tra i numerosi sinonimi, più o meno appropriati, basta ricordare melodramma, opera in musica, teatro musicale e l'improprio opera lirica, quest'ultimo espressione impiegata dal linguaggio comune e mediatico, ma non in musicologia.[1][2] Il termine è fortemente contestualizzato nel suo impiego, in quanto il vocabolo opera, in italiano, è un termine di origine latina che indica un lavoro in generale, particolarmente in ambito artistico.[3]

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Medea sente la necessità di compiere la sua vendetta per non essere derisa e per non lasciare che i suoi nemici si vendichino sui suoi figli. Ma non è l'unico motivo per cui decide di compiere questo gesto estremo. Per l'uomo greco se la fine in battaglia garantiva la gloria eterna, avere un figlio voleva dire lasciare una parte di sé in vita dopo la sua morte. Ebbene Medea, uccidendo i suoi figli e la nuova sposa di Giasone, lo priva della sua prole presente e futura. In questo modo l'uomo non ha più motivo di vivere. È una pena ben peggiore che togliergli la sua stessa vita. Ma come trova il coraggio di compiere una simile atrocità? Medea non è una donna comune; è parente di dei, è una maga, è sapiente, non può cedere a sentimenti ordinari come l'amore materno. È un eroe, e, in quanto tale, ha una dignità da far rispettare. Si tratta di una scelta estrema, ma è una necessità, un dovere, e racchiude in sé tutto il senso del tragico.
Ma Medea non è solo questo; non è solo un eroe. È anche una donna, se pure non comune, e in quanto tale vive in una condizione di inferiorità. Nel primo episodio si rivolge al coro formato da donne Corinzie e recita un vero e proprio “manifesto” della condizione femminile dell'epoca: “Fra tutti gli esseri che hanno anima e ragione, noi donne siamo la razza più sventurata; innanzitutto è necessario che compriamo con una grossa dote uno sposo, padrone del nostro corpo; infatti, questo è un male più doloroso di quello. E in questo c'è un gravissimo rischio: prenderlo cattivo o buono. Infatti non sono onorevoli i divorzi per le donne e non è possibile ripudiare il marito. Bisogna che giunta tra nuovi costumi e leggi sia un'indovina, non avendolo saputo nella casa paterna, di quale compagno di letto, soprattutto, le toccherà mai.... ” (vv. 230-240). Il brano prosegue con l'indicazione di quanto poi, il parto, per la donna, non sia meno rischioso del combattere in guerra, per l'uomo. Medea ha scelto di sposare Giasone e quindi di conformarsi all'etica greca di dipendere da un uomo. Ma nel momento in cui viene tradito il suo onore, reagisce, mostrando il suo lato eroico.

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Intorno alla metà del XVsecolo si sviluppò in Italia un nuovo tipo di spettacolo teatrale, la commedia dell’arte, destinata ad ottenere un successo strepitoso e a dilagare nel secolo successivo in tutta Europa, per poi esaurirsi verso la fine del XVII secolo.
Una compagnia di comici era formata da sei o sette elementi: tranne gli innamorati e pochi altri personaggi, tutti gli altri indossavano vistose maschere che li rendevano immediatamente riconoscibili agli occhi del pubblico.

Nella commedia dell'arte esistevano le maschere, perché i personaggi avevano dei caratteri fissi: Pantalone era il vecchio brontolone e avaro; Arlecchino o il servo sciocco o astuto come Brighella.
La commedia dell'arte piaceva molto. Le compagnie italiane, molto brave, venivano chiamate a recitare anche all'estero, alle corti d'Europa; sebbene antiletteraria, la Commedia dell'Arte influenzò drammaturghi come Shakespeare e Molière e poi lo stesso Goldoni, che con la sua riforma del teatro eliminò il cattivo gusto della commedia dell'arte, abolì gradualmente l'uso delle maschere e sostituì il canovaccio con un copione.

Ma la ragione della riforma si posava sull'impianto stesso della commedia dell'arte e sulla visione del reale che proponeva.
Il bisogno di una riforma nasce già nello spirito del razionalismo arcadico che aspirava alla semplicità, all'ordine razionale, al buon gusto. Già in ambito arcadico erano nati tentativi di riforma da parte di alcuni autori toscani (Giovan Battista Fagiuoli, Iacopo Angelo Nelli, Girolamo Gigli) ma i loro tentativi erano solo letterari e confinati nel chiuso delle Accademie. Goldoni però non era un letterato, ma un uomo di teatro che lavorava a diretto contatto con il pubblico, di cui conosceva i gusti e le preferenze.

Goldoni obbligò gli attori a riferirsi a un testo scritto, rinunciò alle facili buffonerie, eliminò gradualmente le maschere, conferendo loro un'individualità sempre più marcata, trasformando la Commedia dell'Arte in "commedia di carattere" e inserì l'azione nel concreto tessuto sociale della classe borghese mercantile, mentre il tradizionalista Carlo Gozzi ricorse ad argomenti fiabeschi ed esotici con note patetiche e satirici riferimenti a personaggi e costumi contemporanei.

La risposta negativa da parte di attori e pubblico fu ovvia: gli attori si vedevano tolte le loro abitudini e il pubblico assisteva non più a commedie dove si rideva di gusto, bensì dove si "sorrideva" per la sottigliezza di alcune battute.
Inoltre la fama degli attori era minore, la bravura stava nello scrittore dell'opera, molto meno nell'esposizione del personaggio.

Altra novità di Goldoni è la sua esigenza moralizzatrice: la commedia deve insegnare il buon senso borghese, senza moralismi, anzi con grande fiducia nella natura umana: non per caso Goldoni appartiene al '700 illuminista, animato da ideali di tolleranza e pacifica convivenza tra gli uomini.

Così Goldoni cambia le ambientazioni, cambia i personaggi rappresentati. Non si tratta più del ricco col servo povero, ma si parla di una simpatica e furba locandiera, come Mirandolina, o di un attento "caffettiere", come Ridolfo; è con tali personaggi che Goldoni dice "stop" allo stereotipo

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La tragedia greca rappresenta una vicenda, quasi sempre presa dalla mitologia, riguardante uno o più uomini o semidei. Scrive Aristotele nella Poetica che scopo della tragedia è suscitare negli spettatori sentimenti di pietà e paura, arrivando in questo modo alla purificazione da queste passioni.[8] Viene raccontato, per esempio, il terribile dilemma di Oreste (cui viene ordinato dal dio Apollo di uccidere la propria madre Clitennestra, colpevole di aver ucciso il proprio marito e padre di Oreste), o vicenda delle Baccanti, o il dramma di Antigone, che decide di seppellire il proprio fratello Polinice nonostante il divieto imposto dal re di Tebe. Il pubblico già conosceva la vicenda nelle sue linee generali (essendo parte del mito), ma ciò che non poteva sapere era come la storia sarebbe stata nuovamente interpretata, raccontata e magari modificata dal drammaturgo.

I più importanti e riconosciuti autori di tragedie vissero tutti nel V secolo a.C.:

Eschilo (di cui ci sono rimaste sette tragedie)

Sofocle (sette tragedie)

Euripide (diciotto tragedie, di cui una molto probabilmente apocrifa, e un dramma satiresco)

La tragedia inizia generalmente (ma non sempre) con un prologo da parte di un personaggio, che ha la funzione di introdurre l'argomento del dramma; segue la parodo, ossia il canto con il quale entra in scena il coro. L'azione scenica vera e propria si dispiega quindi tramite gli attori attraverso tre o più episodi, intervallati dagli stasimi (intermezzi in cui il coro tramite canti commenta, illustra o analizza la situazione che si sta sviluppando sulla scena). L'ultima scena, il finale della vicenda, è chiamata esodo.

Non tutti gli eventi del dramma venivano rappresentati sulla scena; quelli più violenti avvenivano infatti fuori di essa. Gli spettatori prendevano coscienza dell'avvenimento tramite l'annuncio di un messo o un personaggio che aveva assistito all'evento, oppure tramite le urla dei personaggi provenienti da fuori scena.

Dopo il V secolo a.C., la tragedia continuò con Agatone e altri autori, ma di essi non ci sono rimaste opere.
Per quanto riguarda la commedia attica, essa si sviluppò ad Atene circa mezzo secolo dopo la tragedia e sicuramente i due generi si influenzarono a vicenda. Il genere comico (che, a differenza del tragico, utilizzava trame e personaggi non presi dal mito ma inventati dall'autore stesso) si sviluppò e modificò nel corso di alcuni secoli, tanto che i filologi della biblioteca di Alessandria suddivisero la commedia greca in tre fasi:

commedia antica, nel periodo che va dalle origini fino al IV secolo a.C.

commedia di mezzo, fino all'inizio dell'Ellenismo (323 a.C.)

commedia nuova, che coincide con l'età ellenistica

Della commedia greca ci sono giunti i testi di solo due autori:

Aristofane (appartenente alla commedia antica, di cui ci sono rimaste undici opere)

Menandro (appartenente alla commedia nuova, di cui ci sono rimaste due opere sostanzialmente complete e numerosi frammenti)

La commedia antica è fortemente incentrata su Atene e sulle sue problematiche, tanto che le sue trame spesso prendono di mira i personaggi più in vista della città a quei tempi (Cleone, Socrate, Euripide), deridendoli o criticandoli. Sono inoltre presenti numerosi elementi fantastici e immaginifici. Aristofane, considerato il più grande autore della commedia antica, è anche l'unico di cui ci siano rimasti testi, nonostante anche altri autori, per esempio Cratino, fossero molto apprezzati.

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In Antigone (441 circa a.C.) Sofocle mette in scena lo scontro tra due valori assoluti e inconciliabili, rappresentati rispettivamente dalle figure di Antigone e Creonte: l’opposizione fra i due rappresenta infatti quella fra sentimento e ragione, fra legge morale o degli dei e legge dello Stato. Questa la vicenda, che si svolge a Tebe nell’arco di un’unica giornata: Eteocle e Polinice, fratelli di Antigone, hanno combattuto l’uno contro l’altro e si sono uccisi reciprocamente, il primo difendendo la città di Tebe dall’assedio del secondo. Per questo Creonte, nuovo signore di Tebe, impone che Polinice, aggressore e traditore della patria, non riceva sepoltura. Ma la sorella Antigone sente il dovere di onorarlo e seppellirlo secondo il rito degli avi. Creonte per punizione la fa seppellire viva in una caverna, dove all’insaputa di tutti si è nascosto anche Emone, figlio del sovrano e fidanzato della ragazza, disposto per amore a condividerne la sorte. Quando Creonte lo viene a sapere, inorridito fa aprire la tomba, ma ormai è troppo tardi: Antigone si e impiccata, Emone si uccide sotto i suoi occhi, e cosi anche sua moglie, lasciandolo solo e disperato.

Il brano seguente è uno dei passi più celebri del testo: si tratta del primo stasimo, cioè del primo intervento del coro, che nelle tragedie greche aveva lo scopo di commentare le vicende che si svolgevano sulla scena, indirizzando il pubblico a trarne il giusto insegnamento morale. Qui il coro, dopo il primo tentativo fatto da Antigone di seppellire Polinice, riflette sull’essenza stessa del carattere umano e sull’importanza del rispetto della legge. Antigone, infatti, disobbedisce al bando di Creonte. Dapprima riesce non vista a coprire il corpo del fratello con uno strato di sabbia, dandogli cosi una sepoltura sirnbolica; poi, quando le guardie hanno nuovamente esposto la salma per ordine di Creonte, essa ritorna e, mentre rinnova il tentativo, viene catturata e condotta davanti al tiranno. Il secondo episodio vede Antigone e Creonte a confronto.

Primo stasimo

CORO.

Strofe I.

Molte sono le cose misteriose.

Ma nessuna più misteriosa dell'uomo.

Col tempestoso vento sciroccale

Egli valica il mare

Biancheggiante di spume

Sotto montagne di acqua;

che s’aprono in abissi vorticosi

e affatica la terra

la più antica e più santa delle dee,

la terra pazientissima e immortale

travagliandola ogni anno

con aratri e cavalli, che voltano e rivoltano le zolle.

Antistrofe I.

E con reti intrecciate egli cattura

gli uccelli, piccole anime leggere,

e le varie famiglie dei selvatici

e ciò che vive nel profondo mare

sempre lui: l’uomo dal sottile ingegno.

Doma con le sue astuzie

Le selvagge creature

Che vagano sui monti,

ed il cavallo dalla lunga chioma

ed il toro alpestre sempre in faticato,

li piega tutti a sopportare il giogo.

Strofe II.

Ha insegnato a se stesso la parola,

e il pensiero veloce come il vento

ed i sensi del vivere civile,

ha insegnato a fuggire i cieli aperti

e il rigore di climi inospitali

e i colpi trafiggenti delle piogge,

l’uomo armato di tutte le risorse.

Disarmato non va contro il futuro

Solo alla morte scampo

egli non troverà,

eppure contro mali immedicabili

ha trovato rimedio.

Antistrofe II

Ma quest’essere grande che possiede

Genio inventivo, oltre ogni speranza

Ora si volge al male e ora al bene.

Chi rispetta le leggi della patria

e il giurato diritto degli dei

quest’uomo è il cittadino di uno Stato

che egli stesso è servito ad innalzare;

ma l’uomo che si fa compagno il male

per gusto temerario è un senza patria.

L’uomo che vuole agire in questo modo,

mi stia sempre lontano

dalla casa e dal cuore.

Secondo episodio

ANTIGONE, CORO, e poi CREONTE.

CREONTE. O tu, tu che la fronte hai china a terra,

affermi oppure neghi di aver commesso i fatti?

ANTIG. Affermo di averli commessi, non lo nego.

CREONTE (alla Guardia)  Tu vattene dove ti pare libero,

estraneo alle pesanti colpe. (ad Antigone) E tu rispondi,

senza tante parole, brevemente.

Sapevi del divieto?

Sì; come ignorarlo? A tutti era palese.

CREONTE. E osasti trasgredirlo?

ANTIG. Si, perché non fu Zeus a imporre tale

proibizione, né fu la Giustizia pia, che abita sotterra,

a fissar tale legge. Non potevo pensare

che i tuoi proclami potessero violare

quelle leggi del Cielo non scritte

che non da oggi e da ieri,

ma da sempre, sugli uomini si ergono immortali.

Queste leggi non sono di oggi o di ieri: da sempre

Sono; non si sa da quando siano apparse.

Avrei potuto affrontare il furore dei numi

per timore di un uomo arrogante? Sapevo, sapevo

che sarei dovuta morire, anche senza i tuoi bandi.

Se prima del mio tempo ciò dovrà dunque accadere

Per me sarà tutto guadagno. Per chi come me

vive in mezzo a molti mali, non ottiene forse

un guadagno morendo? Perciò per me

incontrare il destino è certamente un dolore da poco.

Ma se avessi tollerato senza sepoltura il morto nato da mia madre,

questo sarebbe stato un dolore. Ma di quanto

qui ora accade non mi dolgo.

E se ora ti sembra che mi comporti come una pura folle,

questa follia, forse, da un vero folle mi viene.

CORIFEO Si rivela il carattere inflessibile, da padre inflessibile,

della ragazza: non sa piegarsi alle sciagure.

CREONTE Sappi che le volontà troppo rigida più facilmente si spezza;

potresti vedere che il più robusto ferro, temprato dal fuoco,

si spezza ed è ridotto in frantumi.

So che da un piccolo morso sono domati gli ombrosi

cavalli. Non può esserci smisurato orgoglio

in chi è nelle mani di altri.

Innanzitutto, costei sapeva bene di fare oltraggio

quando trasgrediva le leggi stabilite;

poi, dopo aver compiuto ciò, questo secondo oltraggio:

vantarsene ed esserne raggiante.

Non sarei più io l’uomo, l’uomo sarebbe lei,

se queste prepotenze restassero senza castigo.

Sia pure figlia di mia sorella e se anche fosse legata a me

da stretti vincoli di sangue più di tutti coloro che invocano lo Zeus

della nostra casa, costei e la sorella, tutte e due, non sfuggiranno

al più triste destino. Infatti quella io accuso

allo stesso modo di aver progettato la sepoltura.

Chiamatela. Poco fa la vidi dentro casa

che smaniava, non padrona della propria mente.

Di quelli che architettano nell’ombra qualcosa,

l’animo, benché nascosto, anzitempo suole tradirsi.

Io nondimeno ho in odio anche chi,

colto in flagrante colpa, vuole abbellirla.

ANTIGONE Mi hai presa, cosa vuoi di piu che uccidermi?

CREONTE Nulla. Ora che ho te, ho tutto.

ANTIGONE Perché dunque indugi? Nulla di quanto dici

mi riesce accettabile, né lo sarà. Allo stesso modo le mie parole

ti debbono dispiacere. Ma come avrei raggiunto

gloria più grande, che quella di comporre

nel suo sepolcro quella povera salma? Tutti

quelli che sono qui mi approverebbero, se il timore

non frenasse le lingue. Ma la tirannide fra molti altri

vantaggi ha anche quello di fare e dire

ciò che vuole.

CREONTE Tra questi tebani, pensi così tu sola.

ANTIGONE Anche costoro; ma a causa tua non aprono la bocca.

CREONTE E tu non ti vergogni a volerti diversa da loro?

ANTIGONE Non è vergogna onorare chi dalle stesse viscere è nato.

CREONTE Non era tuo fratello anche quell’altro che è morto?

ANTIGONE Fratello, della stessa madre e dello stesso padre.

CREONTE Perché un onore a quest’uno che sarebbe empio per l’altro?

ANTIGONE Ora l’altro morto non pensa più così.

CREONTE Si, perché onori e l’uno e l’altro ugualmente.

ANTIGONE Non uno schiavo m’è morto, ma è mio fratello che è morto!

CREONTE Certo, ma assalendo la patria che l’altro difendeva.

ANTIGONE Si, ma Ade pretende comunque questi riti.

CREONTE Non debbono andare ai giusti gli stessi onori che ai rei.

ANTIGONE Chi può affermare santa questa legge tra i morti?

CREONTE IL nemico non è mai caro neppure dopo ch’è morto.

ANTIGONE Io sono un essere nato non per odiare, ma per amare.

CREONTE Vai sotto terra, allora, ama quelli di là;

finché io vivo, a me non darà ordini una donna.

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Mirandolina e le altre donne della letteratura

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Mirandolina e le altre donne della letteratura