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Con este repaso logre recordar lo que se vio en el semestre anterior, aparte de que logre identificar y reconocer mas las características de los diferentes estilos arquitectónicos, también con este trabajo logre aprender la cronológica y las etapas por las que tuvo que pasar el ser humano a lo largo de su historia, los estilos que mas me gustaron fue el Gótico por sus grandes ventanales, junto con el Barroco por su gran detalle al interior de las iglesias o en cualquier otra construcción.

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El antiguo Alcázar de Madrid, residencia de los Austrias, había sido destruido por un incendio en 1734. Felipe V se propuso levantar un nuevo palacio, El Palacio Real, en el mismo emplazamiento, para lo que solicitó la presencia del arquitecto siciliano Filippo Juvara. Tras la muerte de Juvara, será su discípulo Giambattista Sacchetti quien continúe con el proyecto introduciendo algunas mejoras.

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La irrupción del arte neoclásico en España provine del exterior más que por una necesidad interna de renovación. El desarrollo del barroco quedó interrumpido al sustituir en el trono de España a la dinastía de los Habsburrgo por la de los Borbones, con Felipe V. El joven rey, que venía de Francia, se instaló en la corte española con un grupo de artistas franceses e italianos y con ellos entraron las corrientes artísticas extranjeras.

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Características de la arquitectura neoclásica

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Características de la arquitectura neoclásica

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Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana. • Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas. • Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.

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Ventura Rodríguez (1718-1785) Su trayectoria se sitúa a caballo entre las dos grandes corrientes artísticas del momento, el barroco y el neoclasicismo. A su periodo inicial corresponde la concepción barroca de la Capilla del Pilar de Zaragoza, pasando por la severidad herreriana en la Iglesia del Convento de los Agustinos de Valladolid, para terminar en un rígido clasicismo como deja ver en la Catedral de Pamplona. En la Basílica de El Pilar de Zaragoza, construye la capilla de la Virgen.

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Comenzó a mediados del siglo XVIII, por una reacción contra el estilo barroco, se prolongó durante el XIX. Uno de los factores más influyentes para el desarrollo de la arquitectura neoclásica fue la revolución industrial, la cual modifico radicalmente el estilo de vida de esa época, influyo en adelantos técnicos, científicos por lo tanto en el desarrollo de nuevos materiales de construcción y planeación de la organización espacial se extendió por la mayor parte de Europa aunque tardo bastante la transición de barroco a neoclásico.

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Después del barroco y del Rococo, el neoclasicismo representa una simplificación: las líneas rectas dominan sobre las curvas, existen menos contrastes de volúmenes, menos adornos. La simetría se generaliza, dinteles y columnas reemplazan los arcos. Los frontones triangulares substituyen los circulares y las balaustradas reaparecen sobre los edificios.

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Bajo el liderazgo de la revolución francesa primero y de Napoleón Bonaparte después, se construyen edificios romanos en Francia y en las capitales de Europa y América.

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Arquitectura Neoclásica: reproduce las formas generadas por los griegos y los romanos, más no tarda en suprimir toda referencia a las medidas del cuerpo, prefiriendo el nuevo sistema métrico adoptado por los franceses y favoreciendo la monumentalidad. Usa los símbolos y motivos redescubiertos en los muebles y edificios de Pompeya y Herculano.

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Para los seguidores del ancient regime, el rococó es sinónimo de delicadeza, alta cuna, elevada cultura, refinamiento y nociones de diseño que no muchos poseen; un estilo propio de una clase privilegiada.

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El arte rococó fue arrastrado por la revolución francesa (al igual que todas las costumbres reales) y más adelante por el neoclasicismo que anunció un retorno a los valores y estilos clásicos, más acorde con la época de la Ilustración y la razón.

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El estilo rococó era demasiado caprichoso y alegre para los exteriores de los edificios religiosos y civiles. Como resultado de ello, los arquitectos del rococó ,en efecto, diseñadores de interiores, se limitaron a la creación de salas con elaboradas decoraciones, cuyas yeserías, murales, tapices, muebles, espejos, porcelanas, sedas, chinesca y otros adornos presentan al visitante una experiencia estética completa – una obra de arte total (pero difícilmente de la arquitectura).

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Esto fue debido a que surgió y se mantuvo centrado en Francia, donde los clientes ricos estaban dispuestos a reconstruir casas y palacios a la usanza del Palacio de Versalles, prefiriendo en lugar de remodelar sus chateaux, remodelar su interior.

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A diferencia de otros grandes movimientos arquitectónicos, como el románico, el gótico o el barroco, el rococó estaba realmente preocupado por el diseño de interiores.

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El término surge de una amalgama entre ‘rocalla’ que significa roca, y ‘coquillage’ (motivo ornamental de una concha) reflejando la abundancia de formas fluidas curvas, la arquitectura rococó fue defendida por Nicolas Pineau, que se asoció Jules Hardouin Mansart en el diseño de interiores para el Château de Marly.

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Durante la última fase del barroco, el reinado de Luis XV de Francia fue testigo de una revuelta contra el estilo barroco anterior de la corte de Luis XIV, y el surgimiento de un estilo más decorativo, conocido como arte rococó.

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La ciudad del barroco se ve como la imagen de su gobernante, cuya importancia se mide por su tamaño y por el número de sus habitantes.

En las cortes más poderosas de Europa, la estructura urbana intentará ostentosamente asentar los valores y la estructura política creada por los dirigentes.

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En Inglaterra predomina el equilibrio y la austeridad.

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En Alemania y en Austria la inspiración italiana combinada con la francesa creará edificios de gran exuberancia decorativa, sobre todo en los interiores, de luminosidad brusca, que darán paso al estilo Rococó.

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En América, tras la conquista española, el lenguaje del barroco se desarrolló en forma importante enriqueciéndose con la mano de obra y los conceptos propios de la arquitectura y arte precolombinos, como el uso extensivo de colores brillantes, destacándose en forma especial el barroco mexicano.

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En España, la arquitectura barroca va a estar presidida por el gusto por la desornamentación y la sobriedad que había introducido el estilo herreriano, con importantes edificios en los que impera un estilo mesurado y casi clásico.

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En Francia el barroco adquiere caracteres más sobrios que en Italia, con plantas menos complicadas, fachadas más severas, mayor respeto por las proporciones y renuncia a los efectos violentos, es un arte fundamentalmente al servicio de la monarquía absoluta, y su gran realización será el Palacio de Versalles.

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La génesis de la arquitectura barroca se inicia en Italia, con figuras tan determinantes como Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini.

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La creación de nuevas tipologías para edificios concretos. Las obras son: palacios, religiosas, urbanísticas, grandes jardines y galerías (que luego daría lugar a las galerías de arte).

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Se utilizan grandes cartelas.

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El arco descansa sobre la columna por medio de un entablamento (al modo romano), o descansa directamente sobre el capitel (modo bizantino). Ambos modos fueron empleados en el Renacimiento.

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Gran riqueza decorativa y exuberancia formal tanto en los espacios interiores como al exterior, aunque más sobrio. Amor desenfrenado por lo curvilíneo y el triunfo de la columna salomónica. Arcos y frontones mixtilíneos, ventanas ovaladas.

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Se utilizan efectos de luz, juegos de perspectiva. Da importancia a la luz y efectos luminosos, a través del claroscuro. Búsqueda de la sorpresa. Gusto por lo dramático, escenográfico y teatral.

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Éxito del orden gigante, con columnas que abarcan 2 ó 3 pisos. No faltan los campanarios, solos o en pareja, muy decorados.

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Gusta de representar o sugerir el infinito (un camino que se pierde, una bóveda celeste, un juego de espejos que altere y haga irreconocibles las perspectivas).

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Se adopta un nuevo tipo de planta que ofrece planos oblicuos para dar sensación de movimiento (espacios dinámicos), en la más estática de las artes.

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Las paredes son cóncavas y convexas, es decir siempre onduladas. Se llega al abandono de líneas rectas y superficies planas.

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Se adopta la elíptica, la forma oval y otras formas (como la de abeja de Borromini).

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A veces el edificio llega a ser como una gran escultura. Los entablamentos adoptan la curva y los frontones se parten y adoptan curvas, contracurvas y espirales.

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No reniega de las formas clásicas (columnas, arcos, frontones, frisos), pero las transforma de manera fantasiosa.

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Importancia de la simplicidad y la búsqueda de lo complejo.

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La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del Siglo XVII hasta dos tercios del Siglo XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes.

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Difusión de la Arquitectura del Renacimiento en Europa

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Difusión de la Arquitectura del Renacimiento en Europa

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El Renacimiento fue un movimiento prácticamente restringido al universo cultural italiano durante sus dos primeros siglos de evolución (entre los siglos XIV y XVI, aproximadamente), periodo durante el cual, en el resto de Europa, sobrevivían estilos arquitectónicos, en general ligados al gótico o al tardo-románico. Finalmente, en su momento de mayor auge, la estética clásica renacentista comenzó a difundirse por los diversos países europeos desde su Italia natal, debido a diferentes motivos: guerras, anexiones de territorio italiano, viajes de los artistas italianos por Europa para ser contratados por las diversas cortes, etc.

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Manierismo: Los grandes maestros y el fin del Renacimiento

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Manierismo: Los grandes maestros y el fin del Renacimiento

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El Manierismo fue el movimiento artístico producido durante el Cinquecento y cuya formación se da en las primeras décadas del siglo XVI y se extiende hasta comienzos del siglo XVII. Evidencia la intención por parte de los arquitectos, humanistas y artistas del período de un arte, que aunque en esencia siguiera al clasicismo, poseía un contenido bastante anti-clásico. En el Manierismo por lo tanto se desarrolla la innovación constructiva confrontándose con la arquitectura clásica, ya plenamente conocida.

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Patio colegio Fonseca Salamanca Diego Siloe

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El Cinquecento: La superación del clasicismo

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El Cinquecento: La superación del clasicismo

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Típica estructura palladiana.A medida que el dominio del lenguaje clásico evolucionaba, fue creciendo en los arquitectos renacentistas un cierto sentido de liberación formal de las encorsetadas reglas del clasicismo, de forma que el eventual deseo de superación (que siempre existió en mayor o menor medida) cambió de ser un elemento fundamental a ser fruto de la nueva producción de estos autores.

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El Quattrocento: El dominio del lenguaje clásico

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El Quattrocento: El dominio del lenguaje clásico

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Brunelleschi, por lo tanto, quedará en la Historia del Arte como el responsable de haber trazado el camino que prácticamente todos los arquitectos del Renacimiento seguirán para realizar sus obras. Como se ha dicho antes, sin embargo, el arquitecto florentino no tenía pleno conocimiento de los diferentes órdenes sistematizados en el lenguaje clásico, lo cual se pone en evidencia cuando acaba creando un lenguaje arquitectónico propio, en el que los elementos clásicos aparecen pero no responden al estilo antiguo.

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Momento inicial: La cúpula da Santa María del Fiore

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Momento inicial: La cúpula da Santa María del Fiore

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Comienza el Renacimiento en la Arquitectura: cúpula del Duomo de Santa María del Fiore.La Catedral de Santa María del Fiore fue inicialmente ejecutada en estilo tardo-románico, pero su construcción duró varias generaciones (fue iniciada en 1296 y a la muerte de Brunelleschi, en 1446, aún no se había concluido).

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Historia de la Arquitectura renacentista

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Historia de la Arquitectura renacentista

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La Arquitectura renacentista se desarrolla a partir del siglo XV principalmente en Italia. Es común atribuir el lugar de génesis a la ciudad italiana de Florencia, ciudad donde el gótico apenas había penetrado, en el momento de la construcción de la cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore proyectada por Filippo Brunelleschi.

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Leonardo da Vinci fue uno de los artistas que se inspiraron en Vitruvio. Este diseño, el Hombre de Vitruvio es la interpretación de Leonardo para las reglas de proporción definidas por Vitruvio en su Diez libros de arquitectura.La recuperación del ideario de la arquitectura clásica, introducida por la cultura del Renacimiento, debió necesariamente trascender de la mera observación de la realidad. La arquitectura producida por los artistas renacentistas, humanistas en general, procuraban mantener una imagen erudita y literaria, más allá de la mera reproducción de las ruinas greco-romanas.

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Un dato importante en el definición de espacialidad del Renacimiento es la incorporación de la perspectiva como instrumento del proyecto arquitectónico y la noción de diseño como forma de conocimiento.

La principal ruptura con el espacio medieval se produce en el momento en que los arquitectos del Renacimiento pasan a diseñar en sus edificios un desarrollo en el que las reglas del diseño son fácilmente asimilables por los usuarios del mismo. A partir de un análisis objetivo del espacio, presidido por un cierto sentido empírico, llegan a conclusiones que impondrán el propio ritmo del edificio y su entorno.

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También es un momento en que las Artes manifiestan un proyecto de síntesis e interdisciplinariedad bastante compacto, no considerándose como elementos independientes, sino subordinados a la Arquitectura.

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Otra de las notas que caracteriza este movimiento es la nueva actitud de los arquitectos, pasando de ser artesanos a verdaderos profesionales, marcando en cada obra su estilo personal. Las grandes catedrales góticas son en su mayoría anónimas, sin embargo las grandes obras renacentistas están todas firmadas. Inspiraron su labor en su interpretación propia de la Antigüedad clásica, en particular en su vertiente arquitectónica, que consideraban modelo perfecto de las Bellas Artes

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Características generales de la Arquitectura del Renacimiento

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Características generales de la Arquitectura del Renacimiento

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Produce innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios de producción como en el lenguaje arquitectónico, que se plasmó en una adecuada y completa teorización.

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Siglo XVI: Manierismo, donde las individualidades de los arquitectos comienzan a sobreponerse al proyecto teórico clásico. Destacan maestros como Miguel Ángel, Andrea Palladio y Giulio Romano.

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Siglo XV e inicios del Siglo XVI: Cinquecento o fase del Alto Renacimiento, en el que destacan arquitectos como Donnato Bramante.

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Siglo XIV e inicios del Siglo XV: Quattrocento, momento en que se destaca la figura de Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti. Es una arquitectura que aspira al Clasicismo y que pone los puntales teóricos de la canonización del estilo, que caracterizará al período siguiente.

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La Historia de la Arquitectura del Renacimiento, como un todo, suele dividirse en los siguientes tres grandes períodos:

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La Historia de la Arquitectura del Renacimiento, como un todo, suele dividirse en los siguientes tres grandes períodos:

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Arquitectura del Renacimiento. Es aquella producida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XIV, XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: El Gótico.

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En las puertas y la fachada despliega el arte gótico toda su magnificencia y su concepción teológica. La portada gótica admite la misma composición fundamental que la románica pero añade a ésta mayor elevación de líneas con más riqueza y finura escultórica guardando siempre en arcos y adornos la forma propia del nuevo estilo. Encima de la puerta suele colocarse un elevado gablete.

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La reducción de la estructura sustentante al mínimo imprescindible permitió abrir grandes huecos en los muros de las fachadas. Los artistas de la época pudieron dar rienda suelta a su imaginación creando un arte desconocido hasta la fecha.

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Las cúpulas se forman de témpanos sostenidos por nervios radiantes que arrancando del octógono formado por los arcos torales y por una especie de trompas muy artísticas situadas en los ángulos determinados por ellos, se unen concurriendo a una clave superior y céntrica.

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La ornamentación gótica se funda en la construcción y sirve para acentuar más los elementos de ésta. Los motivos más comunes y propios de ella en el terreno escultórico aparte de las molduras y calados geométricos se toman de la flora local la cual se interpeta en forma estilizada durante los siglos XII y primera mitad del XIII. La naturaleza con bastante realismo y en este último siglo se propende a las formas retorcidas.

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El capitel gótico va perdiendo su importancia según adelanta la época del estilo. Después del periodo de transición en el que se sigue el capitel románico se presenta como un tambor algo cónico abrazado con follaje cuyos motivos se toman de la flora del país (aunque, a veces, sobre todo durante el siglo XIV admite figurillas e historias entre el follaje siempre con más pulcritud que en el estilo románico) y se corona por un ábaco circular o poligonal de varias molduras.

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Los soportes o columnas del arte gótico consisten de ordinario en el pilar compuesto el cual durante el periodo de transición es el mismo soporte románico aunque dispuesto para el enjarje de arcos cruceros. Pero en el estilo gótico perfecto se presenta cilíndrico el núcleo del pilar rodeado de semicolumnillas y apoyado sobre un zócalo poligonal o sobre un basamento dividido a diferencia del estilo románico en que tal zócalo era uniforme y cilíndrico.

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La bóveda de crucería, conformada por arcos apuntados, a modo de esqueleto, es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda construida hasta la fecha. La utilización de este tipo de arco formando un esqueleto tridimensional unitario refleja el alto conocimiento técnico que alcanzaron los constructores de catedrales.

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En vez de construir gruesos muros que soportasen el empuje de las bóvedas, los arquitectos góticos idearon un sistema eficiente para contrarrestarlos: los contrafuertes con arbotantes. Por un lado, la disposición de estos machones transversales permitía hacer fachadas no portantes, esbeltas, con enormes huecos. Por otra parte, al conectar los contrafuertes por medio de arcos arbotantes a la estructura principal se ganaba brazo de palanca y se liberaba espacio para situar naves laterales, paralelas a la nave principal.

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El arco apuntado es sin duda la evolución técnica fundamental de la arquitectura gótica. El arco apuntado, a diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, permitiendo adoptar formas más flexibles.

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La planta de las grandes iglesias góticas responde a dos tipos principales:

·         el de tradición románica. En él se observan casi las mismas formas que en *el estilo románico y más comúnmente la de cruz latina, con girola o sin ella pero con los brazos poco salientes y con los ábsides o capillas absidiales frecuentemente poligonales. Las iglesias abaciales, sobre todo, cistercienses, siguen este tipo con brazos muy salientes como en la época románica. Y en las iglesias menores o populares se adopta como planta más común la de cruz latina o la rectangular y con un solo ábside poligonal en la cabecera.

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La arquitectura gótica presenta innovaciones técnicas y constructivas notables, que permitieron levantar estructuras esbeltas y ligeras con medios y materiales sencillos.