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Newsletter da revista Cult | #09 A medicalização da infância como estratégia biopolítica

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Newsletter da revista Cult | #09 A medicalização da infância como estratégia biopolítica

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#09 A medicalização da infância como estratégia biopolítica

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“Atribuir explicações médicas para todos os problemas das crianças e adolescentes deixa os conflitos próprios de uma sociedade neoliberal sem a devida atenção”: confira conversa com Sandra Caponi

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Newsletter da Revista Cult| #04 Du Bois, o Brasil e o pan-africanismo

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Newsletter da Revista Cult| #04 Du Bois, o Brasil e o pan-africanismo

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O sociólogo afro-estadunidense W. E. B. Du Bois foi tema do dossiê de fevereiro da Cult. Na edição, acadêmicos brasileiros discorrem sobre o seu legado na sociologia e nos estudos sobre raça. Aqui, você confere um trecho do texto de Juliana Goés e Jorge Daniel Vásquez sobre os pontos de união e divergência do pensador com os intelectuais e a militância negra brasileira, sua mutante concepção da existência da democracia racial e o pan-africanismo.

O texto pode ser lido na íntegra pelo site ou na edição física da revista.

A América Latina e o Caribe são importantes para compreender o alcance da análise de W. E. B. Du Bois sobre o mundo moderno como constituído pela confluência de capitalismo, racismo e imperialismo. Desde o final do século 19, Du Bois discutia como o racismo nos Estados Unidos é uma estrutura social que desumaniza as pessoas negras e apontava como tal estrutura - nas suas palavras, a linha de cor - tinha caráter global. Nesse contexto, ele passou a estudar, escrever e publicar sobre o Brasil. Como uma das principais figuras do pan-africanismo, ele estava interessado em criar solidariedade internacional e cooperação entre os povos negros. No entanto, Du Bois promoveu a ideia de que o Brasil era um lugar sem racismo - o que, posteriormente, contribuiu para o mito da democracia racial.

Em 1914, por exemplo, Du Bois publicou uma crítica em The Crisis às observações de Theodore Roosevelt sobre o Brasil. De 1910 a 1934, Du Bois foi o fundador e editor de The Crisis, periódico oficial da Associação Nacional para o Avanço das Pessoas de Cor (NAACP em inglês), no qual incluiu traduções do espanhol e do português de autores latino-americanos. Contrastando as políticas segregacionistas dos Estados Unidos com a suposta abertura do Brasil à miscigenação e à mobilidade social, ele argumentava que não havia divisão racial no país sul-americano. Em 1915, repetiu essa análise no livro The Negro [O negro]. No ano seguinte, o autor ainda estendeu tal descrição para toda a América do Sul. Naquele ano, os editores do The Baltimore Afro-American solicitaram a vários intelectuais, incluindo Du Bois, que dessem suas opiniões sobre o Congresso Pan-Americano. Alegando que a linha de cor quase não existia nessa região, Du Bois entendia que os Estados Unidos poderiam se beneficiar do exemplo da América do Sul para mudar sua política racial.

Por que Du Bois se engajou com o mito da democracia racial? Para explorar essa questão, primeiro é necessário entender o contexto no qual ele escrevia. Entre 1910 e 1930, o Brasil era um tema amplamente debatido na imprensa negra dos Estados Unidos. Muitos acadêmicos, ativistas e jornalistas negros publicaram artigos nos quais retratavam o Brasil como um lugar sem divisões raciais. Para eles, era importante mostrar para a sociedade estadunidense que outra solução para o "problema negro" era possível. Em mais detalhes, contrapuseram a ausência de segregação legal no Brasil com o Jim Crow estabelecido nos Estados Unidos, argumentando que o modelo racial sul-americano era uma forma de progresso e que os Estados Unidos deveriam seguir tal modelo se quisessem ser uma verdadeira democracia.

No entanto, o envolvimento de Du Bois com o mito da democracia racial também refletia uma convergência de interesses com intelectuais da elite brasileira. Essa convergência derivava de uma oposição compartilhada à ciência racial. Naquela época, esta argumentava que pessoas de origem racial mista eram inferiores a qualquer outra - aberrações cujas características psiquiátricas eram perturbadas devido à mistura genética antinatural. Logo, a ciência racial condenava a miscigenação como degenerativa e, nos Estados Unidos, fundamentava as leis antimiscigenação. Em contraste, Du Bois compreendia a relação de tais leis com os linchamentos: elas ajudavam a perpetuar o estereótipo de homens negros como predadores sexuais que tentavam violentar mulheres brancas "inocentes". Por isso, ele buscava o fim dessas leis e da ciência que as fundamentava. Além disso, Du Bois acreditava que o estudo sobre a miscigenação era central para acabar com o mito da superioridade racial. Tal mito dependia da existência de raças puras; de acordo com Du Bois, todos os povos modernos eram resultado do encontro com outros, de forma que a diferença entre eles era cultural e histórica, e não biológica. Já no Brasil, governo e intelectuais da época promoviam a miscigenação como uma ferramenta para o branqueamento da população. Porém, foram acusados por elites estrangeiras, principalmente dos Estados Unidos, de contribuir com a degeneração da população branca. Em outras palavras, foram acusados de criar uma população vira-lata, de forma que tal população condenaria a nação aos vícios da incivilização e à ausência de progresso. Logo, governo e intelectuais da elite brasileira também precisavam combater teorias hegemônicas sobre miscigenação e o imperialismo americano.

Obviamente, Du Bois e a elite brasileira tinham interesses bem distintos. O primeiro queria o fim da violência contra as pessoas negras, a segunda buscava justificar sua política antinegros. Porém, o breve alinhamento de interesse entre eles fomentou um diálogo entre Du Bois e intelectuais brancos brasileiros. Em 1936, por exemplo, ele entrou em contato com acadêmicos na América Latina para convidá-los a escrever para a Encyclopedia of the Negro. Essa obra seria composta por quatro volumes reunindo textos sobre o negro na África e sua diáspora, escritos por diferentes estudiosos, representando um importante avanço para o pan-africanismo. No Brasil, Du Bois contatou Arthur Ramos, que aceitou o convite para participar. Infelizmente, Du Bois não conseguiu financiamento suficiente para concluir o projeto. No entanto, em 1940, ele compilou uma lista de temas que poderiam ter sido incluídos na enciclopédia, assim como sugestões de nomes para escrever sobre esses tópicos. A lista começava citando as obras de Gilberto Freyre como referência para os estudos no Brasil. Ele destacou que Freyre teria sido o brasileiro com o maior número de artigos na enciclopédia.

Há de se ressaltar que a orientação elitista que Du Bois mantinha no início de carreira também é importante para entender sua relação com intelectuais brancos brasileiros - relação acompanhada por limitado engajamento de Du Bois com movimentos negros brasileiros. No século 20, a imprensa negra brasileira florescia. Nela, muitos afirmavam que o Brasil era fundado na harmonia entre os grupos raciais - o que, por vezes, contribuía com o mito da democracia racial. No entanto, enquanto pessoas como Gilberto Freyre reproduziam essa ideia para argumentar que o racismo não existia no Brasil, brasileiros negros não só denunciavam abertamente o racismo, como o consideravam uma prática contrária aos príncipios da nação brasileira e, por isso, precisava ser eliminada.

Du Bois recebeu diferentes denúncias da existência do racismo no Brasil, bem como informações sobre o movimento negro brasileiro. Por exemplo, Arthur Ramos havia enviado para Du Bois uma lista dos principais eventos relacionados ao povo negro no Brasil e em Portugal; nessa lista, ele menciona a Frente Negra Brasileira (FNB) e outros movimentos afro-brasileiros. Além disso, a FNB era amplamente conhecida pelo público negro nos Estados Unidos e chegou a ser retratada em alguns jornais negros norte-americanos como "a organização mais poderosa da América do Sul", como aponta Petrônio Domingues no artigo "Como se fosse bumerangue", publicado na Revista Brasileira de Ciências Sociais, em 2013.

Contudo, enquanto outros negros estadunidenses buscavam relações com ativistas negros brasileiros, Du Bois permaneceu restrito ao círculo acadêmico. No seu famoso texto " Talented Tenth "[O décimo talentoso] (1903), ele argumenta que uma elite negra deveria ser formada por meio da educação superior, e essa elite educada deveria liderar as massas rumo ao progresso. Assim, ele diferenciava entre as massas negras, compostas por pessoas incapazes e atrasadas, e o povo negro, uma classe civilizada e educada que deveria liderar as massas. Com isso em mente, podemos supor que Du Bois preferia se engajar com homens formalmente educados e acadêmicos reconhecidos, o que o fez priorizar a esfera acadêmica. Considerando que os negros brasileiros eram excluídos dos espaços educacionais e que os acadêmicos brasileiros eram majoritariamente brancos, ele se aproximou mais de acadêmicos brancos brasileiros do que de intelectuais e ativistas afro-brasileiros. Em outras palavras, é provável que Du Bois tenha priorizado o relacionamento com acadêmicos brancos brasileiros por se identificar como membro de uma "elite acadêmica", um grupo do qual os afro-brasileiros eram excluídos.

"Sociologia e raça negra" aborda a tese de Du Bois sobre "o problema da linha de cor". Para o sociólogo, a noção de raça não poderia ser ignorada como se já não importasse na modernidade. Ao contrário, só a partir da noção de raça poderiam os colonizados refundarem a sua cultura para um projeto de civilização que os recolocasse em igualdade de condições na grande família humana.

"O moderno conceito de branco" cruza a noção de civilização com políticas de dominação racial e a colonização. Relacionando três obras do pensador afro-estadunidense, Sara Antunes ressalta o linchamento brutal de Sam Hose em 1899 como gatilho para Du Bois enxergar sua posição como cientista social de forma mais radicalizada. Isso impactaria o levaria a questionar os valores da civilização ocidental, conceber o "branco" como uma criação moderna e negar veementemente a "conciliação com o Sul" que seu contemporâneo Booker T. Washington sugeriu.

"Du Bois e a Igreja negra" explora como a instituição religiosa transcende sua dimensão puramente espiritual, funcionando como um espaço de resistência, de organização social e de construção de identidade.

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#04 Du Bois, o Brasil e o pan-africanismo

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O envolvimento do autor com a realidade brasileira, marcado por êxitos e limitações, oferece insights sobre os desafios de um movimento de libertação afrodiaspórico global

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Newsletter da Revista Cult | #02 As mulheres de Hilda Hilst: Obscenas, ungidas, ladinas

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Newsletter da Revista Cult | #02 As mulheres de Hilda Hilst: Obscenas, ungidas, ladinas

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#02 As mulheres de Hilda Hilst: Obscenas, ungidas, ladinas

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Entrevista com a pesquisadora Luisa Destri sobre a escritora Hilda Hilst • Cursos de fevereiro e março no Espaço Cult

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Agulha Cega | Maria Eduarda dos Anjos | Substack

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Música que entra pelos ouvidos e sai pelos dedos. Click to read Agulha Cega, by Maria Eduarda dos Anjos, a Substack publication. Launched a month ago.

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PapoNews fev/2022 | Newsletter para quem doa ao projeto

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PapoNews fev/2022 | Newsletter para quem doa ao projeto

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Newsletter para os doadores do Papo Futuro com atualizações mensais sobre o progresso e atividade interna.

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Estamos meio sumidos aqui do seu inbox, eu sei, eu sei. Mas não fique triste! Como presente de desculpas, te trouxe uma Papo News recheada de coisa boa :)

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Vertovina | Tudo que Imaginamos Como Luz (2024)

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Vertovina | Tudo que Imaginamos Como Luz (2024)

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Tudo Que Imaginamos Como Luz - Revista Vertovina

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Tudo Que Imaginamos Como Luz conta de uma Índia fora do retrato orientalista, ultra colorido e focado na miséria, e tenta alcançar a audiência pela veia universalista da vida cosmopolita

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Vertovina | “Se popularizou o audiovisual como meio de vida”: Anna Muylaert sobre uma realidade em vídeo e o machismo na indústria

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Vertovina | “Se popularizou o audiovisual como meio de vida”: Anna Muylaert sobre uma realidade em vídeo e o machismo na indústria

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Em conversa, a diretora reflete sobre os novos tempos do audiovisual e os velhos preconceitos que ainda perseguem sua carreira Gustavo Oliveira e Maria Eduarda dos Anjos
"Dos meus filmes, esse foi o desenhado em tintas mais fortes, com certeza", avalia a diretora Anna Muylaert. Ela fala sobre Clube das Mulheres de Negócios, sua obra mais recente que abriu a 52ª edição do Festival de Gramado e foi agraciado com o Prêmio Especial do Júri. Longe dos jogos de poder sutis e das batalhas travadas no cotidiano tradicional da diretora, "O Clube" é concreto e esbravejante, literalmente: uma das personagens tem três onças de estimação cuja fuga é um ponto de virada decisivo do meio para o fim do longa.

Os animais feitos por CGI roubam a atenção completamente e parecem até um pouco deslocados, tanto na trama quanto na filmografia da diretora. "Esse é meu primeiro filme que não é [principalmente guiado pelo] roteiro", explica Anna, "Causa perplexidade, causa susto... mas acho que isso é reflexo dos anos muitos difíceis depois do golpe da Dilma... com a eleição de Bolsonaro... essa energia conturbada, complexa, até mesmo confusa, reflete esse momento da história que passamos, que de sutil não tinha nada".

O legado dos anos pós-impeachment ultrapassa a crise política e marca, para Muylaert, o começo do monopólio dos streamings e uma verdadeira inundação da vida pelo audiovisual. "Qual lugar resta para nós, criadores de filmes, uma vez que a pessoa vive o audiovisual da manhã até à noite? Primeiro você saía de casa para ir ao cinema, depois passou para o cassete ou no DVD e aí chegou o streaming. Nisso, ainda se parava para ver uma narrativa de uma, duas horas. Com a chegada do iPhone, se popularizou cada vez mais o audiovisual como meio de vida. Hoje não é mais sobre um filme ou mesmo uma série. Isso já é um produto de luxo". Além do tempo, o audiovisual tem cada vez menos o punho de um autor por trás das produções: os streamings têm salas de roteiro de cinco pessoas para cada projeto e que mudam o tempo todo. Isso destrói a ideia de autoria... como se o esquema do audiovisual não tivesse mais confiança em uma liderança".

Além da história, tudo que é lançado trava uma batalha de persuasão feroz com a audiência para conseguir convencê-la a ficar para além dos primeiros minutos de contato. A disputa pela (e contra) a curta atenção do público tanto prejudica os realizadores como sabota a função de letramento audiovisual de um projeto. "Há uma tendência a fazer mais coisa, mais rápido, e isso não proporciona um letramento. A internet começa como um instrumento fabuloso de democratização da informação e termina na banalização de tudo o que consumimos."

Foto: Aline Arruda / Divulgação

"O caso do George Floyd aconteceu por meio do audiovisual e se proliferou pela internet. O #MeToo também, que foi uma avalanche na época", a menção ao movimento de mulheres que denunciaram seus casos de assédio na internet despertou algumas memórias do lançamento do Que Horas Ela Volta? (2015), uma época maiúscula não apenas para Anna ou para o cinema nacional, mas também para milhares de diaristas que, muitas vezes, não compreendiam ou não encontravam espaço para denunciar os abusos que enfrentavam - e que, infelizmente, muitas ainda enfrentam diariamente.

A leva de jovens que ingressou na faculdade graças aos programas sociais do governo Lula ainda tinham fresco na memória a mesma ansiedade da protagonista para prestar o vestibular, a infância longe dos pais por conta do trabalho, e o potencial de poder alcançar mais do que a família já teve, mas saber a distância daqueles que sequer tinham dúvida de que estariam ali. "Essa primeira geração da família que vai para a universidade se viu em tela; a empregada assistia, saía chorando porque entendeu que determinada situação realmente foi um abuso... O filme teve um papel historiográfico, e eu jamais imaginaria essa posição. Isso ainda me é estranho, porque apesar de eu ser reconhecida na rua, eu recebi muita violência e minha vida ficou muito mais difícil. Eu incomodava. Foi algo muito forte e inimaginável", comenta Anna. "Eu fui um boi de piranha. Por isso muita gente gosta de mim, principalmente as mulheres. Sabem que eu fui na frente para abrir caminhos, mas não foi nada intencional e paguei caro por essa visibilidade toda".

Uma mulher que não cumpre com o jogo do patriarcado incomoda em muitos níveis. Anatomia de Uma Queda (2023) se destaca aos olhos da diretora como um dos filmes recentes que melhor sintetiza como a agressão do silenciamento ocorre de diferentes formas, repetidas vezes. "Conforme as pessoas falam sobre o filme, você consegue ver qual a posição delas [sobre o longa]. Costumava ser assim com o Que Horas Ela Volta? também". Enquanto roteirista, ela tem vontade de explorar até onde a inveja pelo poder feminino afeta os homens. "Ao contrário do que diz o Freud, queria falar sobre a dificuldade dos homens de verem uma mulher forte, que tem voz".

Enquanto houver vida a se questionar, os personagens de Anna estarão lá para cutucar a ferida até que a dor traga o novo. "Eles têm essa coisa da rebeldia, de não abraçar as regras do que está posto... No Mundo da Lua, o menino criava a história dele; a Jéssica carregava uma coisa de não entrar nas crenças que são postas".

Se provando a criadora desses inconformados, Muylaert coloca a própria avaliação em cheque. Ela ressalta que nunca foi feito um livro que analise sua obra enquanto conjunto e consiga desenhar esses contornos. "Outros diretores em atividade já tiveram seus roteiros publicados por editoras. Os homens são mais honrados em vida que as mulheres". Anna afirma não ter plena consciência do impacto que gerou no cinema nacional, deixando essa análise final para jornalistas, críticos e estudiosos, mas se as próximas diretoras conseguirem inflamar metade das questões que Muylaert plantou no subconsciente brasileiro e na soleira do novíssimo cinema nacional, não haverá brecha no imaginário coletivo que não ressoe o nome de Anna.

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Anna Muylaert: "Se popularizou o audiovisual como meio de vida"

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Em conversa, Anna Muylaert reflete sobre os novos tempos do audiovisual e os velhos preconceitos que ainda perseguem sua carreira

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O fantástico-documental dos cinemas e das calçadas de Recife em Retratos Fantasmas | Vertovina 

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O fantástico-documental dos cinemas e das calçadas de Recife em Retratos Fantasmas | Vertovina 

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Novo filme de Kleber Mendonça Filho reflete sobre passado, presente e futuro do cinema e de sua memória no Brasil. Confira a reportagem, que nasce de um bate-papo com o diretor logo após a exibição da cópia em 35mm do filme no Cinesesc - SP Maria Eduarda dos Anjos
Em que ponto um fato acaba e a memória começa? Em um documentário, a existência do segundo leva a uma pesquisa mais aprofundada do primeiro, mais atenta a fatos, dados comprováveis, evidências que dêem credibilidade ao filme. Retratos Fantasmas (2023, Vitrine Filmes), contudo, traça sua narrativa no sentido contrário, partindo da memória, do sentimentalismo que envelopa o Tempo e o Espaço, esses entes mudos que habitam todas as recordações. É um filme de histórias contadas, notas de rodapé verbalizadas que mergulham no ofício de fazer filmes, que no caso de Kleber Mendonça Filho, se mistura com sua própria história.

Somos apresentados ao Recife antigo, ao bairro onde Kleber morou por anos, ao apartamento que sua mãe comprou quando tinha acabado de se divorciar - palco de seus primeiros curtas - e ao centro da cidade. O começo do filme funciona quase como um apanhado dos making-ofs de O Som Ao Redor (2012) e de Aquarius(2016) , explicando como aquelas ficções são também documentais: a casa vizinha que decidiu ser usada por ser uma das poucas que não se transformou em um "bunker", cheio de grades, com a chegada dos anos 2000; a infestação de cupins no prédio da frente que virou metáfora para a corrosão do tempo no filme com Sônia Braga; o apartamento que era casa-estúdio-set e abraçava atores e vizinhos, que começou assim porque era o que um estudante tinha com o que fazer filmes e acabou virando costume do diretor.

Nenhuma dessas pessoas e lugares foi mencionada por pura ambientação, tudo ali contava com uma parábola do porquê de ser, tinham seu show solo em tela e faziam ponta na história um do outro. Ali, Recife parecia mágica mesmo, com uma vivacidade apagada pelo tempo - "um ar de quem foi abandonado assim, sem explicação" como o narrador descreve, e estava lá para quem quisesse, mas se não gostasse dele, "foda-se". O que fica é aquela sensação de despedida precoce, de lugares que já foram gigantes e agora não passam de alguns pedaços de tijolo e reboco.

O longa pode ser considerado um filme-ensaio, um documentário fantástico, uma ficção-documental, um relicário; é exatamente o que acontece quando se tenta filmar uma memória.O tempo, no filtro da memória, tem sinais fantásticos.

As histórias que nascem morrem com a gente?

Com certa ironia, o diretor admite em bate-papo no Cinesesc que não fez roteiro na pré-produção: "Esse filme nunca teve roteiro. Ele ia para onde os arquivos, as descobertas apontassem. [...] É o filme que fala para você para onde você vai. Se você diz para o filme 'não, eu discordo, vai por aqui', não funciona. É o filme que diz que ele vai ser do jeito que ele quer ser. Você tem que ouvir e seguir a montagem" .

A vontade de se agarrar aos ganchos entre assuntos permite uma viagem íntima e cine-cêntrica pelo Recife, fruto de quem passou anos batendo perna pelas ruas, mas também soube pesquisar em cima das lembranças. Os três maiores protagonistas - Cinema São Luís, Cinema Moderno e Trianon - eram o coração cultural da cidade, como contam as memórias do diretor e de todos os recifenses que passaram pela ponte do centro velho em outros carnavais. Em tela, vemos Kleber manuseando arquivos enormes, e, no bate-papo, ele explica como fazer um filme com orçamento largo possibilita esse aprofundamento temático para além da contratação de equipamentos e equipe.

"Eu amo o centro antigo de Recife", ecoa a voz do narrador e diretor nos primeiros minutos. Não é algo difícil de reparar, mas, na sessão 35mm no Cinesesc, ele confessa que quis apagar o trecho por medo de deixar o filme muito "melô".

"Pela primeira vez eu consegui formular algo que eu senti quando eu estava filmando a cena. Eu estava no centro do Recife, em um lugar que eu gosto muito, filmando uma cena com boas câmeras de cinema, lentes legais, um ator maravilhoso, um carro cheio de equipamento. E eu me senti bem de estar ali fazendo aquilo. 'Estou fazendo um filme aqui no centro do Recife', pensei. E aí eu lembrei de algo que eu falei rapidamente agora na nossa conversa, que é aquele momento em que você está no São Luís, ou no Trianon, e acaba o filme, está todo mundo saindo, e você tem dois metros entre a saída do cinema e a calçada. Ali, você está entre o limite da fantasia e da realidade. Essa foi a melhor explicação que eu consegui até agora nas entrevistas, que não é uma explicação, na verdade é um sentimento."

O mapa sentimental do centro de Recife, desenhado por Kleber, que nos guia por Retratos Fantasmas (Imagem: Reprodução/Vitrine Filmes)

Pela narrativa de Kleber, o Brasil inteiro ficou sabendo que na Cinelândia havia um prédio que guardava rolos e rolos de filmes de produtoras gringas que o proprietário atual do espaço nega veementemente ter acontecido. Em uma esquina onde poderia haver um vendedor qualquer, havia o homem que revendia os pôsteres e pedaços de filmes jogados fora pelos cinemas de rua, souvenirs aos cinéfilos da cidade. Acontece que ele também foi, por algumas capas de jornal, intitulado como "Herói Brasileiro" em 1985, quando desatracou um navio de petróleo que estava pegando fogo e tinha chance de queimar toda Recife central, se não fosse por este homem. Poucos registros restaram disso, a não ser os jornais que ele mesmo emoldura e aparecem bem no cantinho do filme. Gigantes pessoas na pequeneza do dia-a-dia, que, do contrário, se fundiram com as paredes descascadas do centro velho de Recife.

Um filme sobre a vida, o cinema e a vida do cinema
"É meio triste se apegar a um produto. O problema é que você passa anos indo a esse cinema então a relação fica emotiva e confusa."
A história desses últimos 30 anos - tanto a de Kleber quanto de Recife - é contada pelo que era e o que deixou de ser, mudanças físicas que são escalonadas quando se vive em capitais e o horizonte muda no ritmo da grana. Do trio de cinemas principais, apenas um segue operante, e não sem esforços: no segundo semestre de 2023, o São Luiz estava fechado para reformas devido a infiltrações que aconteceram no inverno.

Na sua juventude, as fachadas com os títulos dos filmes pareciam comentar a vida urbana. Com o decorrer do tempo, os cinemas se mostraram espelhos perfeitos da situação socioeconômica do país, sendo vendidos para virarem igrejas com o boom das vertentes evangélicas nos anos 90, tentando agregar outros comércios, vender mais coisas, ou fechando com chaves de lágrimas por falta de investimento.

Fachada do cinema São Luís durante a pandemia de Covid-19. As salas foram reabertas ao público em fevereiro de 2022. (Imagem: Jailton Jr. / JC IMAGEM)

Os poucos cinemas de rua que sobraram se tornaram centros de formação de público, comprometidos com variedade de narrativas - em oposição ao cinema de shopping - e parecem estar sempre a um triz de ser mais um que não suportou os tempos modernos.

Mas a cultura vai muito além do lucro: "Um cinema que você, que nunca foi ao Recife, conheceu, o São Luís, hoje, aqui. E é um lugar realmente muito especial. Eu só queria falar que, no caso de Salvador e de São Paulo, com o Belas Artes e com o Palmeiras, no final das contas, as prefeituras precisam fazer uma pergunta que é muito simples: é do interesse da cidade ter um Belas Artes na esquina da Consolação? Ou talvez a cidade prefira ter um supermercado, um banco ou uma farmácia? Acho que a resposta é muito simples, do ponto de vista de cidadania, de cidade. Qual é a melhor cidade?".

Essa discussão foi posta em pauta em um dos cinemas da cidade que não giram em torno do valor do ingresso, mas sim da programação, que prezam por tirar o máximo que aquela reunião de pessoas em torno de uma tela pode oferecer.

Fazer, distribuir e transmitir filmes brasileiros e com integridade no Brasil é o maior ato de resistência que se pode ter aqui e agora, e nessa questão Kleber e toda a equipe da Vitrine não desperdiçam chances. A sessão do Cinesesc que contou com a presença do diretor foi seguida por debates, além da exibição prévia do curta Recife de Dentro Para Fora, realizado em 1997 pela cineasta pernambucana Kátia Mesel - uma dentre tantas diretoras fantásticas esquecidas pela história do cinema brasileiro, cuja obra felizmente vem sendo digitalizada nos últimos anos. Programas desse tipo são medida ativa de letramento de público, tanto para entender o que influenciou a obra que estão prestes a ver, como também mostrar, pela primeira vez para muitos na sala, o que o cinema brasileiro tem a oferecer.

A impressão de 35 mm de Retratos Fantasmas exibida na ocasião foi realizada em Londres como um rolo especial, destinado a ser preservado na Cinemateca Brasileira, como o diretor comentou em um post no Instagram. É vital para o audiovisual brasileiro quando nomes que estão crescendo nacional e internacionalmente usam dessa projeção para realimentar e resgatar o cinema brasileiro, tanto seu arquivo como os locais que se dedicam a vivê-lo.

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O fantástico-documental de Recife em Retratos Fantasmas

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Confira a reportagem, que nasce de um bate-papo com o diretor logo após a exibição da cópia em 35mm do filme no Cinesesc - SP

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Há humor no cotidiano musicado em 'Volto Amanhã' , da banda Besouro Mulher| AGEMT

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Há humor no cotidiano musicado em 'Volto Amanhã' , da banda Besouro Mulher| AGEMT

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Alguns desconfortos são postos no mundo melhor pelo humor, outros, pela música. A banda paulistana Besouro Mulher brinca e mistura essas duas formas tão cotidianas de comunicarmos sentimentos no seu álbum de estreia Volto Amanhã (RKMB), sequência do EP Depois do Carnaval. O projeto estava nos rascunhos de Arthur Merlino (baixo), Bento Pestana (guitarra), Sophia Chablau (voz) e Vitor Park (bateria) e ganhou contorno no meio da pandemia, durante intensivões de criação de um lugar para além daquele do isolamento, algo que existisse apesar do que é possível tocar, mas que ainda acena para o mundo real. "O nome [do disco] traz uma coisa um pouco indecifrável do futuro e de um passado que não aconteceu, tem cara de algo que beira o mundo da imaginação e, ao mesmo tempo, chama pelo real e pela dureza do real" conta Bento.

Apesar de ser o debut da banda, a vocalista não é nem um pouco estranha à cena independente:girou pelas casas noturnas com sua outra banda, Sophia Chablau e Uma Incrível Perda de Tempo. O disco homônimo despontou com produção de Ana Frango Elétrico e arrastou a cena indie pela cidade. A sonoridade dos projetos se conversam na dinâmica dois-lados-da-mesma-moeda: se a Besouro Mulher é mais sentimental sobre amor, Incrível Perda de Tempo foca no 'delícia, luxúria' ; a primeira traz uma guitarra mais melódica, enquanto a segunda pesa em sintetizadores e distorções que formem uma parede de som que se arrasta, preenchendo os segundos; ambas carregam um tom descontraído que arranca uma risada do público, às vezes proposital, às vezes não.

'Torresmo', faixa emprestada que virou single, encapsula a essência do disco que viria pela frente: "Essa música fala muito sobre imaginação e até uma certa subversão do normal, daquilo que é a nossa sina", comenta Sophia. A composição de Juliana Perdigão e Arnaldo Antunes íntegra sem ruído a coletânea; "eu sou um Super-Homem submisso" e "Queria estar a sós comigo mesmo/ e ter a eternidade toda em torno" são tão naturais à voz de Sophia que poderiam ser composição própria. "Foi um desafio trazer para uma sonoridade mais nossa, o Bento e eu pensamos pra 'tirar o blues' dela, porque tudo que a gente fazia ficava com cara de blues, por causa da harmonia e talvez alguma outra essência inominável que estava na música, mas acabamos conseguindo e ficamos muito felizes com o resultado. Além disso, acabamos ficando sabendo que a própria Juliana e o Arnaldo gostaram da versão, então a satisfação foi grande", completa Arthur.

Volto Amanhã é um apanhado de como o cotidiano transborda de material para reflexão, uma "crônica que nunca consegue ser completamente captada pelas palavras. O som, assim como a capa e o nome trazem um pouco essa sensação de vertigem, de algo que não tem um começo e que se soma a um real imaginário e que termina voltando para o começo", define Bento. "Carótida" é uma colagem de questionamentos sobre a essência das pessoas e como é possível o universo interior ser muito maior do que qualquer esqueleto pode ser, tudo em cima de uma guitarra que soa como um relógio, os pensamentos correndo mais rápido que o tempo. "Pão Francês" é mais calma, e salta entre o francês e o português para desenhar um relacionamento tão dessincronizado que chega a parecer que não falam a mesma língua. 'Curto/Tempo', um loop ambiente, é sobre "curtir passar o tempo curto com você" - simples assim. A faixa traz um pouco de Mac DeMarco, Homeshake e até Billie Eilish, segundo a banda.

Em "Alguma Coisa", Sophia Chablau explora o desejo de expressar algo único e original para alguém especial, mas ao mesmo tempo reconhece a dificuldade de encontrar palavras verdadeiramente inéditas. Nesse sufoco, faz graça da sua própria situação no meio da canção, falando "ela não diz nada de original, coitada!" , que arranca um risinho de surpresa de quem ouve. Quanto a esse humor casual, Sophia diz que não é intencional, acaba sendo a forma que escreve músicas, mas é principalmente como o público as lê. " É constante as pessoas acharem minhas músicas engraçadas. Outro dia estava tocando numa edição do Tranquilo SP e durante "Hello" o pessoal deu muita risada. Eu acho curioso legal, curioso porque não escrevo música pra "ser engraçada", mas eu acho legal, rir é uma forma das pessoas reagirem. E não é que eu seja uma pessoa séria ou sem senso de humor, eu dou risada o dia todo. Acho rir e chorar duas sensações boas, e fico feliz de despertar alguma emoção. Não me "utilizo do humor" de forma pensada, acho que é uma coisa meio natural, muitas das vezes a minha música soa engraçada porque deve ser diferente ouvir "miojo" numa música séria em português", Chablau fala enquanto tenta tirar sentido disso.

É fato, pouquíssimas músicas falam dos três minutinhos tão curtos mas tão rotineiros, mas a Besouro Mulher decidiu que até a mais banal das banalidades merece suas cinco notas na. E que bom.

A Besouro Mulher fará seu show de estreia na Casa Rockambole no sábado (12) , com abertura de Uiu Lopes. Volto Amanhã pode ser ouvido todos os grandes streamers e os ingressos podem ser adquiridos pela Sympla.

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Há humor no cotidiano musicado em Volto amanhã

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Alguns desconfortos são postos no mundo melhor pelo humor, outros, pela música. A banda paulistana Besouro Mulher brinca e mistura essas duas formas tão cotidianas de comunicarmos sentimentos no seu álbum de estreia Volto Amanhã (RKMB), sequência do EP Depois do Carnaval.

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CONHEÇA A PEQUENO CIDADÃO, BANDA PARA “CRIANÇAS MUITO LEVADAS E SABIDAS” | AGEMT

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CONHEÇA A PEQUENO CIDADÃO, BANDA PARA “CRIANÇAS MUITO LEVADAS E SABIDAS” | AGEMT

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"Bike, bice, magrela... alguém aí chama a bicicleta de camelo? Renato Russo chamava" pergunta Taciana Ramos, vocalista do grupo Pequeno Cidadão, para uma plateia com muita energia e menos de 1,40m de altura. A introdução para a música 'Bice bike magrela' em um show no Sesc Vila Mariana mostra a mistura de idades e assuntos que une a banda, falando sobre todo tipo de coisa para e com as crianças, fazendo da brincadeira coisa séria, em alto e bom tom.

A Pequeno Cidadão explodiu no meio dos baixinhos quando "O Sol e A Lua" e "Pequeno Cidadão" apareceram na trilha sonora da novela Carrossel (SBT), apesar de fazerem música antes disso. Formada em 2010 por Taciana Ramos ( Gang 90 & Absurdettes) , Edgard Scandurra ( Ira!), Antonio Pinto (trilha sonora de 'Amy', 'Cidade de Deus') e seus filhos, cantavam juntos a experiência de estar crescendo e entendendo os lugares e pessoas pela primeira vez. Segundo a banda, o som é "música psicodélica para crianças bagunceiras e muito sabidas". Os adultos trazem a sonoridade do rock que conhecem de carreira, e os baixinhos chegam com as letras. Com a plateia, todos se divertem fazendo música infantil - mas nada infantilizadora - sobre coisas reais da cidade e do cotidiano da perspectiva de quem ainda está descobrindo o mundo.
"Pais, se comportem aí": o show é dos pequenos
No Teatro Antunes Filho, na Vila Mariana, não se passaram nem 20 minutos até que só os pais estivessem nas cadeiras, e o pé do palco estivesse lotado de quem realmente veio ver a Pequeno Cidadão. Quando Taciana perguntava, eles respondiam, pulavam e gritavam quando sua música preferida entrava, eram como qualquer outra plateia vendo sua banda favorita. "Nossos shows, não sei se tem a ver com o rock, mas é contagiante. Por mais que pedimos que não venham [para frente do palco] , não corram, desde o primeiro, eles se soltam assim", a vocalista conta.

Fã é fã em qualquer idade, mas unir essa faixa etária a um ambiente de música pede uma preparação especial. Malabarizando - literalmente - entre elementos lúdicos e sonoros, a banda convida o público a entrar na música para além dos ouvidos. O artista corporal Wallace Kyoskys cruza o palco dando piruetas e jogando claves e bolas para cima entre uma música e outra, infláveis sobem e descem e uma bola gigante é jogada à plateia, um jogo entre o lado de lá e o lado de cá do palco. Esse jeito de show-brincadeira apaga a linha que divide público e artista e cria uma experiência colaborativa de todos ali, não importa o que saibam tocar, não importa a idade que tenham.
Responsabilidade de gente grande
Do lúcido ao prático, as letras versam sobre tudo que pode caber no universo infantil: alegrias, bichos, desafios, tristeza, amor, esportes e muito mais. Muitas são composições que Taciana e Edgard criaram em casa para seus filhos, como a repetitiva " mamãe tamo chegando?", que musicou uma viagem de carro de Taciana com os filhos. " Futezinho na escola" se trata de um dia normal na hora do recreio com os amigos, " Sk8" conta sobre truques no skate e " Tchau chupeta " fala exatamente sobre o que o título sugere. As canções se debruçam sobre o cotidiano da infância como pouquíssimos outros artistas fazem e que, se comparado à produção musical ao público adulto, abrange uma gama muito maior de temas, feito por uma banda só.

O objetivo dessas letras é formar pequenos cidadãos da Terra. Em doses homeopáticas, como quando se descobre o que é desperdício de água na escola e o que acontece com o lixo que produzimos, as crianças começam a entender o que é locomoção urbana e como a cidade molda o espaço que vivem. ' Bice Bike Magrela' fala sobre faixas de ciclismo na avenida, ônibus e engarrafamento, o perfeito gancho para fazerem o que as crianças fazem tão bem: perguntar o porquê as coisas são como são e como funcionam, e assim começarem a entender sobre poluição, trânsito e cidadania. Na faixa ' Pequeno Cidadão ', os direitos e deveres começam em casa com a hora que pode escovar os dentes, jogar videogame, fazer a lição e amarrar o sapato.
Pais & filhos
Enquanto os menores trazem as experiências, os adultos completam com a melodia, cada lado ensinando e aprendendo como pode. No começo, Scandurra relembra durante entrevista para AGEMT que "pensava em fazer um projeto musical que chamasse nossos filhos para participar porque nós ficávamos muito tempo longe de casa, então era um plano para chamá-los para o nosso universo, não só de show mas também de gravação. Fizemos 3 álbuns com eles em estúdio, entendendo os arranjos, cantando e repetindo".

Essa aproximação também era vontade dos fãs que conheceram esses músicos com cerca de vinte anos e agora criam pequenos cidadãos. "No começo foram fãs do Ira!, da Gang 90 [bandas que ocuparam maior parte da carreira de Scandurra e Taciana, respectivamente] que queriam mostrar pros filhos o guitarrista que tocava na banda que eles gostaram, mas depois expandiu", ela comenta. E mesmo os pais que só estavam lá com os filhos acabam virando fãs das melodias misturadas com o dia a dia de estar formando um ser humaninho que ganha espaço no mundo.

Enquanto as crianças que primeiro ocuparam os microfones do Pequeno Cidadão já estão com idade para votar, filhos de amigos entram para substituí-los no espetáculo. Carmen Ferreira, Vic Ferreira e Manu Ferreira foram as que assumiram o palco no Sesc Vila Madalena. Elas contam que uma das partes mais legais do show, além dos infláveis e "o homem da caveira" - mesmo artista que fez os malabarismo e piruetas em outra hora - é se apresentar para pessoas que poderiam ser seus colegas de classe. Ver gente da mesma idade cantando e se divertindo debaixo dos holofotes é uma das razões pela desinibição das crianças durante a apresentação e o que faz aquilo tudo tão único.
Cidadão para ouvir, ler e assistir
A Pequeno Cidadão realmente criou um ecossistema em torno da vida infantil, invadindo programas de TV, novelas, livros e até jornal. A canção " O Sol e a Lua" explodiu depois de aparecer em um episódio da novela Carrossel, e outras composições inspiraram livros como ' Tchau Chupeta' (Leya) e 'Sk8 - Manual do pequeno skatista cidadão' (Companhia das Letrinhas). Fruto de um estalo criativo, Tatiana criou o Jornal Pequeno Cidadão, que teve 17 edições produzidas por ela mesma e com colaboração de amigos que liam e queriam se envolver no projeto. Isso resultou em uma coletânea de curiosidades sobre a natureza, tutorial de acordes para as músicas da banda, letras de composições de outros artistas, receitas da vovó e reflexões sobre o mundo. Em qualquer que seja a mídia, a recepção e envolvimento dos baixinhos de ver e poder produzir algo sobre si é genuína - afinal, não é todo dia que, ao invés de dizer que é hora de ficar sentado e bonzinho, falam que é hora de 'gritar bem alto e correr bem rápido".

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Conheça a Pequeno Cidadão, banda para "crianças muito levadas e sabidas"

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"Bike, bice, magrela... alguém aí chama a bicicleta de camelo? Renato Russo chamava" pergunta Taciana Ramos, vocalista do grupo Pequeno Cidadão, para uma plateia com muita energia e menos de 1,40m de altura.

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' A Ilha de Bergman': a valsa temporal e imaginativa de Mia Hansen-Love | CRÍTICA 

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' A Ilha de Bergman': a valsa temporal e imaginativa de Mia Hansen-Love | CRÍTICA 

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Por Maria Eduarda Moura

A intimidade que cerca o criador e sua criação é o que faz o meio artístico tão profundamente ligado ao ego, e mantém o questionamento de se é possível distinguir o artista da arte atual. Em A I lha de Bergman, Mia Hansen-Love dirige uma discussão metalinguística sobre a relação entre artistas e obras, entre si mesmos e o entrelaçamento dessas facetas antes e depois da morte, em nenhum outro lugar além da Ilha de Faro, local onde Ingmar Bergman viveu, gravou e faleceu.

Apelidada por estrangeiros como Ilha Bergman, suas atividades giram em torno dos amantes de cinema que vão até lá para conhecer os cenários de Persona, Através De Um Espelho e A Paixão De Ana. A própria casa do diretor foi convertida em um retiro, onde artistas e acadêmicos se hospedam na esperança de contraírem um pouco da inspiração que Bergman teve e progredir em seus projetos, o que atrai o casal cineasta Tony e Chris (Tim Roth e Vicky Krieps). A chegada à casa onde foi gravado Cenas de Um Casamento (1974) - "filme que fez vários casais se divorciarem", segundo uma das nativas da ilha - ressalta a falta de sintonia entre os dois e suas jornadas artísticas.

A vida e obra de Bergman representam coisas diferentes para o casal. Chris ama seus filmes mas não consegue entender o porquê, já que os assuntos são mórbidos e os personagens são detestáveis na maioria das vezes. Ela é a única que parece pesar os feitos artísticos e vida pessoal do diretor, e por isso tem dificuldade de colocá-lo em um pedestal como todos os outros ali. Quando Chris pergunta à acadêmica responsável pela curadoria do museu de Bergman se ele era um pai presente, recebe a resposta: " Ele fez mais de 50 filmes em vida. Como acha que ele daria conta disso e de ser um pai presente para nove filhos? ``.Nunca deixariam uma mulher se safar com isso", ela retruca, e recebe alguns sorrisos amarelos, complacentes. Tony está mais para o lado dessa complacência: inspirado pelo diretor, ele participa dos painéis e eventos para falar não só sobre Bergman, como do filme que lançou e está em exibição na ilha. Ele está mais envolvido com os demais intelectuais e tem uma agenda onde Chris está sempre de acompanhante.

Paralelo aos seus sentimentos, a Ilha dá espaço para que a criatividade de Tony flua, enquanto a mesma calmaria sufoca e paralisa a esposa. É irônico que alguém se sinta esmagado pela quantidade de conteúdo sobre cinema em um lugar nomeado após um cineasta, mas essa dualidade é uma das manifestações do cabo de guerra interno e externo que é querer fazer parte de uma dupla enquanto se faz um trabalho que exige respeito à individualidade da criação.

Tony cabe bem no processo a lá Bergman de se isolar e sair apenas quando tiver um filme completo em mãos. Ele perde o interesse da esposa por querer encaixá-la dentro de seu modus operandi. Do outro lado, Chris contrasta com seu impulso por compartilhar, e o filme lhe dá esse espaço, focando mais no seu ponto de vista do que na de seu marido, o que leva à completa imersão na narrativa que criou, durante a última semana, e pede espaço para compartilhá-la com Tony. Sua ficção passa a ocupar a tela quando Amy (Mia Wasikowska) está andando no convés de um barco, rumo a Faro, para o casamento de uma amiga da faculdade. Ela nunca foi apegada aos longas de Ingmar, mas os tem como provedores de conforto, algo que a intriga e conforta, mesmo que não saiba o porquê ou a ordem de nenhum dos dois. Contemplativa, se questiona como os próximos dias se seguirão ao encontrar Jonathan (Anders Danielsen Lie), seu primeiro grande amor que começou na adolescência e durou até a vida adulta os separar. Apesar dos anos passarem, a atração que ambos sentem persiste, e eventualmente, eles cedem à ela durante os dias que passam juntos. Porém, logo depois da primeira noite que dormem juntos, Jonathan se afasta por se sentir culpado por trair a esposa. Amy tenta se reaproximar mas não ganha nenhuma abertura, até que Jonathan parte uma manhã sem se despedir. A história é uma versão mais Bergmaniana da própria realidade de Chris, cuja atenção do parceiro ela fica repescando enquanto pontua a narração por vários "Você ainda está me ouvindo?".

Ao contrário do que o filme propõe de início, não estamos presenciando o rompimento do casal, mas sim um episódio de crise gerado pela natureza artística dos dois. De certa forma, esse filme lembra o casal Marianne e Johan de Cenas de Um Casamento, não por algum confronto homérico mas pela forma como se tratam como duas partes conectadas para além de amantes. O diálogo aberto sobre esses desencontros são leves e pontuados por ironia, como se aquela não fosse a primeira nem a última vez que aquilo acontece. Eles tentam estar juntos apesar de si mesmos e do processo artístico, com a certeza de que, enquanto indivíduos, não vão largar sua arte, e enquanto partes, não vão largar um ao outro.

Mia Hansen-Love cruza muito bem a corda bamba para homenagear outro diretor e não perder a essência própria. É uma legítima carta de amor ao cinema e às pessoas que o fazem, redigida com maestria. Um criador sempre parte da experiência própria, e nesse quesito vemos as discussões que levam um personagem a serem de um jeito e não de outro, os passos da pré-produção até a filmagem e os backstages, mesmo que em imaginação da personagem. O filme nos dá suficientes elementos Bergmanianos, mas pela admiradora querer não estar apenas à sombra de seu ídolo, acaba de forma muito mais calma e pacífica do que qualquer filme de casal do falecido diretor, afinal, Cenas de Um Casamento só aconteceu uma vez- duas, graças a HBO.

A Ilha de Bergman foi apresentada na 45° Mostra De Cinema Internacional De São Paulo e entrará no circuito alternativo a partir do dia 24 de fevereiro.

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'A Ilha de Bergman': a valsa temporal e imaginativa de Mia Hansen-Love

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Por Maria Eduarda Moura A intimidade que cerca o criador e sua criação é o que faz o meio artístico tão profundamente ligado ao ego, e mantém o questionamento de se é possível distinguir o artista da arte atual.

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Por onde anda a Manic Pixie Dream Girl? | Revista Vertovina 

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Por onde anda a Manic Pixie Dream Girl? | Revista Vertovina 

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Por Duda dos Anjos

Um rosto bonito, um corpo padrão magro, alguns gostos que se encaixavam perfeitamente com os do protagonista, espírito aventureiro e pronto, você terá a Manic Pixie Dream Girl perfeita saindo do forno. Subversiva ao papel do interesse amoroso feminino, mas ainda ocupando essa exata posição em cores diferentes, a Manic Pixie Dream Girl representa a mulher ideal para o público masculino e a comparação inoportuna para o feminino, principalmente aquelas que integram o meio cultural alternativo ou geek - é quase um rito de passagem para aderir ao feminismo ouvir que / nove entre dez garotas já ouviram que lembravam muito a Ramona Flowers ou Clementine Winslet por fazerem algo que, no imaginário masculino,é completamente inesperado de uma garota, tornando-a especial. Essas personagens são recorrentemente objeto de debate entre fãs, que julgam se foram egoístas e maldosas ao escolher sua autonomia ao invés do interesse romântico masculino. Como é de se esperar, as mulheres reais que se identificavam minimamente com a personagem - já que não havia grande variedade da qual escolher - estavam na linha de defesa da liberdade, que se assemelhava muito à sua própria. O auge da Manic Pixie já passou, porém ela ainda habita entre nós, agora, como personagens tridimensionais, nascidas nas mãos daquelas mulheres que teriam sido a inspiração para as MPDG de 2003.

Apesar da categoria própria, esse tipo de personagem nunca existiu para além de ser um catalisador de mudança radical e filosófica de vida do protagonista. Termo criado em 2005 pelo crítico Nathan Rabin na resenha de Elizabethtown (2005), essa mulher "existia somente na imaginação febril de escritores-diretores mega sensíveis para ensinar homens a abraçar a vida e seus infinitos mistérios", como escreveu. A MPDG incomoda só o suficiente para tirar o protagonista de sua zona de conforto; gosta de coisas consideradas alternativas, mas não muitas, para nunca ofuscar a personalidade dele; tem traumas, medos e desejos, sim, mas expressos em jeito e quantidade que o seu par romântico consiga compreender e lidar. Ela é muito aventureira dentro de suas condições de branca, classe média, cis e heterossexual, e tem a função de revolucionar o sentido de amor para o protagonista, já que está sempre ligada à trama por um laço romântico.

Entre 2005-2015, a personagem impregnou o estilo, vida e trabalho de algumas artistas que a incorporaram. O estilo tweed de Zooey DesChanel ficou diretamente ligado à Summer de 500 Dias Com Ela (2009) e se arrastou para sua personagem em New Girl, Jess, que a colocou nessa mesma posição de apoio na vida dos homens à sua volta apesar de ser a protagonista. Kirsten Dunst foi o par romântico espontâneo e inocente muitas outras vezes depois de Elizabethtown (2005), e Gwyneth Paltrow até atribui esse isolamento ao lançamento de sua empresa de cosméticos, Goop; "eu não podia ficar beijando o Matt Damon em frente às câmeras para sempre", ela afirma na sua série para Netflix. As matérias que saíam sobre essas atrizes reforçaram esse ângulo, associando-as aos seus parceiros mesmo sem necessidade e as pintando como as peças excêntricas de Hollywood em comparação com todas as outras mulheres da indústria.

No meio da cultura alternativa, na qual esses filmes tinham muito espaço, a Manic foi uma cruz posta nas costas das mulheres que inspiraram esses personagens. O termo em si é machista porque dá nome a uma personagem construída a base de conservadorismo com roupagem de Jovem Anos 2000; o aspecto "excêntrico" que todas as MPDG compartilham não é nada mais do que ter uma personalidade e querer integrar espaços tradicionalmente dominados por homens como o mundo da arte ou música alternativa. As mulheres que inspiraram essas personagens, que tinham esse mesmo objetivo, foram encurraladas a serem a Summer de carne e osso: pela falta de representações holísticas de mulheres no cinema e por estarem envolvidas com o meio que fetichiza suas paixões e interesses, não tinham escapatória se não dançar conforme essa música.

O documentário Shirkers (2018), de Sandi Tan, sem querer retrata como essa cultura reflete nos reais jogos de poder e o porquê de ouvir o lado das mulheres vindo por elas é tão importante. O documentário é um relato de como o filme homônimo, dirigido por Sandi ainda adolescente, só foi achado e revelado mais de 20 anos depois de ser feito. Ela o produziu com seu professor Paul, que a olhava como essa garota fascinante, apaixonada por cinema, cheia de vida, diferente das outras, mas que não a respeitava o suficiente para dar satisfação do que fez ou onde estão os rolos de filme do longa que não era só dele. Nos olhos de Paul, Sandi era a Manic Pixie Dream Girl de sua história, que foi deixada de lado assim que não era mais útil para ele, e teria sido só isso se o documentário não tivesse sido feito por ela mesma, mostrando todo o impacto posterior e os atingidos por ele. Tan foi posta nesse lugar digno de um roteiro, como tantas outras foram e não foi a público.

Felizmente, cada vez menos é possível localizar esse arquétipo nas produções culturais, não pela boa vontade e repentina conscientização da indústria, mas pela tomada de poder daquelas que eram vistas como as Manic Pixie Dream Girls. Essas mulheres sempre existiram recortadas segundo o interesse de produtores e roteiristas. Não era preocupação deles colocá-las em foco, então, foram anos até que diretoras, produtoras, roteiristas ganhassem espaço no mercado cinematográfico para re-contar a vida dessas mulheres, com todos os outros lados riquíssimos que carregam dentro de si. A tomada do comando da narrativa por mulheres entregou filmes complexos sobre suas dúvidas e medos, deixando-as transbordar pelos minutos de filme, sem precisar que sirvam para a construção de plot que não a de si mesmas. A diretora e roteirista Greta Gerwig, nome afluente nesse movimento de redirecionar o foco da narrativa cinematográfica para mulheres com filmes como Lady Bird (2017) e Little Woman(2019), sintetizou a carência por esse tipo de conteúdo quando constatou,em entrevista, que "[não vejo] muitos filmes sobre meninas de 17 anos onde a questão não é 'será que ela vai encontrar o cara certo?'. A pergunta deveria ser "será que ela vai ocupar sua humanidade por inteiro?", porque acho que estamos mal acostumados a ver mulheres,principalmente mulheres jovens, como seres humanos".

Dentro do recorte temporal dos anos 90 até a atualidade, Sofia Coppola foi responsável por centralizar a vida de mulheres em seus filmes antes mesmo de Nathan Rabin se tornar crítico, e pavimentou o caminho para que outras diretoras pudessem fazer o mesmo. Sutil, mas hoje tido como referência quando se fala da superficialidade com a qual mulheres são percebidas pela sociedade patriarcal, As Virgens Suicidas (1999) intencionalmente narra o suicido das irmãs Lisbon pelos olhos do vizinho Trip Fontaine, que fala disso como um dos motivos por elas serem tão misteriosas e magnéticas. Sua carreira seguiu focada em protagonistas femininas e por muito tempo foi a única diretora mulher referência no mundo ocidental. Frances Ha (2012), co-dirigido por Gerwig e marido Noah Baumbach, pega a deixa de Coppola e engata a mudança de perspectiva com outras diretoras como Miranda July (Kadillionaire, 2020)e Julia Ducournau (Raw, 2016). Diferente dos filmes de Sofia que usam muito do silêncio como comunicador, Greta e Noah rechearam uma hora e meia de diálogos e a trajetória de uma amizade entre duas amigas de faculdade por seus altos e baixos. O elemento romântico é presente, sim, mas o arco da Frances se desenvolve no dia a dia em meio aos auto questionamentos e tentar priorizar suas paixões e relacionamentos apesar do cotidiano e falta de dinheiro.

As meninas entusiasmadas, que fazem os outros descobrirem que gostam de ir ao Karaokê e são apaixonadas por dança ainda existem, mas agora as câmeras estão as filmando por inteiro, finalmente.

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Por Duda dos Anjos Um rosto bonito, um corpo padrão magro, alguns gostos que se encaixavam perfeitamente com os do protagonista, espírito aventureiro e pronto, você terá a Manic Pixie Dream Girl perfeita saindo do forno.

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Filmes nacionais e a falta de incentivo à nossa cultura | Reportagem para AGEMT

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Filmes nacionais e a falta de incentivo à nossa cultura | Reportagem para AGEMT

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O setor da cultura sofreu uma real caça-às-bruxas desde a posse de Jair Bolsonaro na presidência. Bolsas foram cortadas e editais pausados, congelando o cenário cultural brasileiro por 4 anos. Mesmo assim, a efetivação desses fundos continuou fácil para alguns artistas como o "Sertanejogate" deflagrou: artistas como Gusttavo Lima e Luan Santana conseguiam com tranquilidade usar dinheiro público para financiar espetáculos em cidades minúsculas. Todos são, convenientemente, apoiadores do governo. Todos com arrecadação suficiente para não precisarem de ajuda estatal. Ao mesmo tempo, filmes nacionais de temáticas necessárias precisam ser criativos para se manter em exibição. Medida Provisória, por exemplo, cobrou meia entrada em todas suas exibições nos cinemas Itaú Cultural de São Paulo para se manterem no circuito por maior tempo possível. Produtoras nacionais rotineiramente têm de dar cambalhotas para que o ciclo de um filme seja completo, mas não pelas razões que frequentemente estão no subconsciente coletivo. Não é a falta de talento, qualidade ou profissionais que faz a produção nacional ser algo aparentemente escasso, mas sim as complicações com distribuição, financiamento, legislação e formação de público. O sucateamento não está com o desaparecimentos dos filmes ou curtas, mas sim com todas as pontes que fazem conexão com a sociedade. De acordo com o João Saldenha, da Boulevard filmes, distribuidora e produtora de longas, "O cinema brasileiro passou por um grande tsunami.A gente vê uma instabilidade da Ancine desde 2018, e logo em sequência veio a pandemia, que afetou todos os espaços de produção e distribuição no audiovisual; realizadores, distribuidores, até mesmo órgãos de fomento". Dados da ANCINE, no ano de 2021 os filmes brasileiros foram responsáveis só por 1,3% de toda a bilheteria nacional. A falta de publicidade e a pequena cota de tela são os principais culpados disso; em média, o gasto mínimo para que uma campanha de marketing vá bem é de 1,5 milhões de reais, quantia inacessível para a maioria das distribuidoras nacionais sem incentivo do governo ou de setores privados."Há um vácuo de financiamento no setor de distribuição, além de profissionais especializados. Sempre vejo cursos pontuais de roteiro, direção, mas quase nunca há um curso sobre distribuição cinematográfica. Tenho percebido que saber falar de distribuição, com propriedade e firmeza, é algo raro que os profissionais carregam; não sabem os caminhos, os processos.", explica Saldenha. Em entrevista concedida à Agemt, a cineasta e sócia da distribuidora Pena Capital, Rafaella Serret, fala das dificuldades do cinema nacional em se manter nas salas dos principais cinemas:"a gente precisa tomar cuidado, pois constantemente surge um projeto para diminuir a cota de tela para filmes brasileiros em sala de cinema. Acho que até seja o caso de aumentar essa cota, sinto falta de iniciativas que visem essa formação de público para que ele próprio possa se desenvolver nessa questão. Uma cota de tela com mais da metade de filmes nacionais faz o público conhecer melhor o cinema". A conscientização de que esse público só existirá se for incentivado levanta a questão: qual seriam os gostos do brasileiro se tudo estivesse ao alcance? Os comédia são a maioria entre os grandes sucessos de bilheteria, porém filmes fora desse gênero vem ganhando espaço, como Marighella e o próprio Medida Provisória que conseguiu atrair 200% mais público do que Homem Aranha nos cinemas da prefeitura de São Paulo.Com acesso, como e quanto a identidade brasileira mudaria de si? O estrangeiro ainda seria visto da mesma forma, também? O aumento da cota de tela já é realidade em outros países, a Coreia do Sul é um modelo disso.Lá, a cota para filmes nacionais é por pelo menos 73 dias, "O mercado da Coreia do Sul tem cota de tela para filmes nacionais de mais de 50%. O filme Parasita, por exemplo,em termos de êxito de mercado, o filme foi super comercial, você só consegue chegar nisso se há incentivo para que aquilo seja produzido e seja visto. Uma cota de tela com mais da metade de filmes nacionais faz o público conhecer melhor o cinema, se relacionar mais profundamente", discorre Raffaella. Fora das salas de cinema, ações de incentivo ao cinema independente e brasileiros são mais importantes que nunca. A soberania dos streamings funciona como uma faca de dois gumes, nesse caso. Enquanto tornam o acesso mais cômodo aos consumidores e são planejados para que a experiência do usuário seja descomplicada, intuitiva e personalizada, é um monopolizador que soma para a precarização da indústria de dentro para fora. É interessante para a visibilidade do país que a Netflix tenha em seu catálogo produções como Coisa Mais Linda ou 3%, mas a indústria nacional não é realmente contemplada nesses processos visto que essas grandes empresas não diversificam suas parcerias. "Algo que não pode faltar para o futuro é uma regulação de streamings. Há um lobby muito pesado que eles fazem no Senado para que essas medidas passem mais flexíveis ou não passem, mas está mais que na hora de ser discutido. Apesar de termos visto uma grande inserção dos Streamings no mercado brasileiro, para produção de conteúdo nacional, quem são as produtoras que estão com eles? Essa regulamentação é essencial para aumentar o leque de produtoras que trabalham com eles. Também é importante para reverter a tributação dos streamings para o fomento de novas obras. E outro ponto: esses streamings estão presentes e atuantes - mesmo que seja com 10 produtoras ao todo pelo Brasil, que é bem pouco- mas não fornecem dados. Não sabemos quanto aquele conteúdo foi visualizado, quantas vezes, em que região, etc., e nem sabemos dos critérios contratuais. Uma vez que não há regulamentação, não é possível planejar muito", analisa João. Falta tempo e um novo mandato para que o setor audiovisual consiga caminhar com mais segurança. A geração atual de realizadores começou a carreira com vários percalços, mas equivale suas chances com o impulso de agir, como observa Raffaella,"tenho visto também vários núcleos de cineastas se juntando e criando selos de filmes independentes, produtoras, revistas novas de cinema, principalmente escrita por pessoas jovens. Acho que isso mostra a vontade das pessoas de discutirem cinema, tomarem para si essa discussão, e acho que com esse próximo governo que vier as coisas podem melhorar."

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Filmes nacionais e a falta de incentivo à nossa cultura

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O setor da cultura sofreu uma real caça-às-bruxas desde a posse de Jair Bolsonaro na presidência. Bolsas foram cortadas e editais pausados, congelando o cenário cultural brasileiro por 4 anos. Mesmo assim, a efetivação desses fundos continuou fácil para alguns artistas como o "Sertanejogate" deflagrou: artistas como Gusttavo Lima e Luan Santana conseguiam com tranquilidade usar dinheiro público para financiar espetáculos em cidades minúsculas.

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'As 7 vidas Hollywoodanas nos 55 anos de Laura Dern' 

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'As 7 vidas Hollywoodanas nos 55 anos de Laura Dern' 

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Em tempos de internet e muito textão no Facebook, os termos "feminismo", "femismo" e "machismo" são facilmente encontrados em qualquer comentário que ultrapasse três linhas. Mas estariam essas expressões sendo usadas corretamente? Por uma sílaba "ni", uma pessoa pode ter passado uma mensagem totalmente errada ou, pior, ter ofendido alguém na internet. A diferença gramatical é singela, mas os significados das duas palavras são discrepantes, então aqui está algo que esperançosamente clareará o caminho entre esse jogo de palavras e argumentos de redes sociais.

A palavra "femismo" é usada, porém o femismo, em si, não existe. Falando "femismo", a pessoa se refere à ideia do misandrismo (ou seu sinônimo misandria). Ele, sim, é algo classificado e reconhecido. Com origem da palavra grega "misosandrosia", significa ódio (misos) aos homens (andros). Dessa forma, é o repúdio patológico e marginalização do gênero masculino, com a crença da inferioridade dos homens e que as mulheres deveriam ser superiores aos mesmos. A misandria, sim, é o contrário do machismo, não o feminismo.

Entretanto, o misandrismo é socialmente associado ao feminismo radical hoje em dia. Na segunda onda do feminismo, nos anos 60, o feminismo radical surgiu como uma forma de extinguir a superioridade masculina de todas as formas, não somente em meios "formais", como na política. Ele pedia a reestruturação da posição dos gêneros em quesitos econômicos e sociais, desafiando o que era estabelecido como algo "feminino" ou costumes "de mulher". Como as discussões atuais de feminismo não repartem o que é de origem radical ou não, essa miscigenação acabou levando a essa ligação com o feminismo "genérico". Contribuíram também para essa associação as pessoas que não apoiam o movimento e tentam fazer com que o feminismo pareça discurso de ódio.

O feminismo é o termo usado para descrever a luta econômica, política e social em prol da equidade entre homens e mulheres. "Equidade" e não "igualdade", pois, quando se tem equidade, há o julgamento justo, considerando todos os lados e curvas, permitindo que cada um, do seu jeito, consiga chegar à mesma posição. Em outras palavras, o feminismo não quer que as mulheres sejam iguais aos homens, mas sim respeitadas e vistas com a mesma importância deles.

Assim, numa espécie de termômetro, o machismo e o femismo (ou seja, misandrismo) estariam em dois extremos, e o feminismo no meio, de uma forma mais apaziguadora. E, apesar de todos serem vertentes de pensamento, nenhum deles, além do feminismo, se concretizou num movimento. Os dois primeiros são tidos mais como comportamentos ou posicionamentos secundários, e não como uma onda ou ato revolucionário igual ao feminismo.

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Feminismo x femismo: Qual a diferença? | Turma do Fundão

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Em tempos de internet e muito textão no Facebook, os termos "feminismo", "femismo" e "machismo" são facilmente encontrados em qualquer comentário que ultrapasse três linhas. Mas estariam essas expressões sendo usadas corretamente? Por uma sílaba "ni", uma pessoa pode ter passado uma mensagem totalmente errada ou, pior, ter ofendido alguém na internet.

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Post de recordação do Dia de Orgulho LGBTQIA+| Post para IG da ONG Papo Futuro 

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Post de recordação do Dia de Orgulho LGBTQIA+| Post para IG da ONG Papo Futuro 

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Post #PapoNaMidia para o IG do Papo Futuro

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Post #PapoNaMidia para o IG do Papo Futuro

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DO MUNDO À HORTA DA PERIFERIA, POLÍTICAS EQUIVOCADAS GERAM FOME NO BRASIL |AGEMT

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DO MUNDO À HORTA DA PERIFERIA, POLÍTICAS EQUIVOCADAS GERAM FOME NO BRASIL |AGEMT

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Reportagem sobre economia alimentar para AGEMT, laboratório de redação da PUC

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Na mesa de toda família, antes mesmo da comida, está a discussão sobre seu preço. Além das comparações costumeiras entre qual mercado cobra mais barato em um produto, momentos de crise econômica e política forçam a deliberação do que entrará ou não na lista daquele mês. As restrições impostas pelo surto de Covid-19 nos últimos dois anos limitaram a exportação de alimentos e dos fatores que tornam possível a produção, como grãos e fertilizantes. Durante a pandemia, a Agência das Nações Unidas para Alimentação e Agricultura, responsável por acompanhar o aumento do valor nominal (preço de venda entre países, sem considerar o impacto da inflação) dos produtos, registrou aumento de 24% entre fevereiro de 2021 e fevereiro de 2022. Isso sem contar a inflação interna do país, que molda o que os economistas chamam de preço real e estão nas prateleiras do mercado. Nem tudo é política externa e preço do dólar- inclusive, muito tem a ver com os impostos internos que vão em cima do preço de produção e a orientação do mercado brasileiro quanto à preferência à exportação. Dentro de casa, o Agro só é Pop na TV.
O esqueleto da maçã
Da semente ao caixa do mercado, há fazendeiros, fatores climáticos, disponibilidade de energia e inflação. O preço nominal conta com o impacto dos fatores pré-inflação. No Brasil, a crise hídrica pesou tanto na conta de luz quanto na de mercado, como relata o professor Tiago Sayão, da Ibmec, para o Jornal Extra. "Em prol de manter a integridade do sistema, todo o custo está sendo repassado ao Além disso, a inflação supera o aumento do salário. Em capitais como São Paulo o salário mínimo de 2022 de R $1.212,00 não cobre o valor de duas cestas básicas, cuja estimativa é durar, em uma família de quatro pessoas, por 10 dias. De mãos dadas, os impostos sobre produtos recheiam as etiquetas. Aqueles com a mudança mais alarmante, que tem ligação direta com o comércio do produto, é o ICMS (Imposto sobre Consumo de Mercadorias e Serviços) e o IPI (Imposto sobre produtos Industrializados). Em 2021, no estado de São Paulo, o nutricionista Alexander Marcellus Carregosa apurou que orgânicos carregam entre 10% e 25% de ICMS. Isso quer dizer que, com o quilo do tomate por volta de R$10 e o ICMS de 22%, R $2,20 são do governo pelo simples ato da compra. Conforme o passar dos anos, essas alíquotas foram desaparecendo das Notas Fis Qual galinha enche o papo? Do macro pro micro, a posição do Brasil como um mercado de commodities global também interfere no valor dos alimentos. O modo de produção do Agronegócio e a Agricultura Familiar têm tamanhos desproporcionais à sua importância na segurança alimentar nacional. O Agro, jóia preciosa do PIB - ano passado, participou em 27,4 % do Produto total- é focado no mercado externo, que têm demanda o suficiente para sustentarem uma monocultura para vender em altíssimas quantias. O que há na fruteira dos brasileiros vem da agricultura familiar,que abastece 70% do consumo interno segundo o MAPA (Ministério da Agricultura, Pecuária e Abastecimento). Mesmo com tal importância não possui metade do investimento em infraestrutura. As commodities, frutos da monocultura, tiveram um boom durante a pandemia e se tornaram predatórias à existência das famílias do campo. Elias, pequeno produtor de tomates na região de Itapecerica da Serra, relata que teve sua produção reduzida pela metade por falta de público nas feiras livres. " Eu estava lá, com máscara, com luva, tudo certo, só que as pessoas não queriam sair de casa, então a feira não rendia. Aí dependendo da distância eu nem ia; à feira de quinta e segunda eu larguei " O período pós pandêmico não promete recuperação instantânea; Veruza, produtora de hortaliças de Biritiba Mirim, conta que "no pós-pandemia, tudo foi aumentando: insumo, combustível, tudo. A entrega mais próxima que faço é 100 KM de onde eu moro, então aumentou muito, e não é um valor que eu possa repassar no meu produto, então está sendo mais difícil administrar o pós-pandemia do que durante [a pandemia]" . A valorização alta do dólar em relação ao real fez ainda mais preferível a venda externa do que interna, que causa escassez e encarecimento da dieta brasileira, consequentemente contribuindo para o aumento de insegurança alimentar, como apresenta o estudo o Agro não é pop e muito menos tudo, da Associação Brasileira de Reforma Agrária (Abra) em parceria com a FES Brasil. cais para não assustar o cliente com a disparidade do valor de compra do fornecedor e a quantia cobrado no mercado. A Agricultura Familiar resiste e vive nas brechas e organizações que as permitem. A produção carrega a principal diferença do Agro em sua filosofia, que vê a comida como base da vida, não moeda de troca. As famílias do campo dependem integralmente da renda gerada por seu cultivo e comercializam em menor escala, sem a adição de alguns dos impostos pagos por supermercados e aquela margem de lucro das grandes lojas, que pode chegar a quintuplicar o valor agregado. Cooperativas, institutos e assentamentos de terra como o MST, que tratam a dieta com respeito, são alternativas mais econômicas e saudáveis para os preços galopantes dos mercados. Em São Paulo, o Instituto Feira Livre, na República, põe nas gôndolas o preço exato cobrado pelo produtor e pede por uma doação voluntária de 35% do valor da compra no caixa, para manter bancar a manutenção do local." O Feira Livre surgiu da ideia de fazer uma economia solidária, de colocarmos nossos produtos à mostra e não barganha-los [com os fornecedores]". E o mais importante é vender sem veneno. Então tudo que temos aqui é de pequenos produtores, tudo vem da agricultura familiar", explica Michele, uma das associadas do Instituto. "A gente quer ter uma economia limpa, em que as pessoas consigam entender como funcionamos. Aqui temos uma lousa que fica exposta ao público, para saberem para onde vai os 35% da contribuição]. Ainda na capital, o CEAGESP abre sua feira livre nos finais de semana para o público, e o Raizs, que expande sua cobertura para produtos orgânicos de limpeza e utensílios domésticos, entrega a domicílio. Instituto Feira Livre. Foto autoral. Entender as políticas de terra dos quatro cantos no Brasil é importante para saber o porquê a fome cresce e os preços aumentam em um país cuja exportação aumentou durante a Pandemia. As crises nos mais diversos setores durante 2020 e 2021 prometem reverberar pelos próximos anos a vir. Enquanto não se atinge a normalidade, cabe à população garantir o prato na mesa da forma que for possível e para o futuro, entender a alimentação pelo que é: um ato político. *imagem 1: Plantação de soja.Reprodução. Fonte. consumidor".
Outras opções na mesa

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Do mundo à horta da periferia, políticas equivocadas geram fome no Brasil

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Na mesa de toda família, antes mesmo da comida, está a discussão sobre seu preço. Além das comparações costumeiras entre qual mercado cobra mais barato em um produto, momentos de crise econômica e política forçam a deliberação do que entrará ou não na lista daquele mês.

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'O Mínimo Para Viver' fala de anorexia com abordagem netflixiana

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'O Mínimo Para Viver' fala de anorexia com abordagem netflixiana

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PDF

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Em março de 2017, a Netflix nos apresentou 13 Reasons Why, uma série que representava, finalmente, o que é e no que pode resultar a depressão. Em seguida, seus assinantes foram apresentados a O Mínimo Para Viver, um filme estrelado por Lilly Collins ( Simplesmente Acontece) e Keanu Reeves (Matrix) e dirigido por Marti Noxon, que trata de um assunto próximo, mas recebeu menos atenção.

O longa mostra as dificuldades e consequências que a bulimia e anorexia podem trazer à vida de alguém pelos olhos de Ellen (Collins), apresentando o espectador aos diversos conflitos mentais e às inúmeras idas e vindas de clinicas de reabilitação.

Logo nos primeiros minutos, descobrimos a origem tensa de Ellen, uma adolescente problemática estereotipada, bem introvertida, que desabafa de uma forma silenciosa por pinturas e que tem pouca intimidade com a família. Com o começo de seu distúrbio, ela se muda para viver com o pai ausente, a madrasta e a irmã postiça.

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Ao longo dos anos, muitas vezes, ela tentou se tratar. Essas tentativas (e os fracassos) desgastaram a relação com sua família. No fundo, os familiares buscavam uma solução que só interessava realmente a quem queria ajudar Ellen, e não a ela própria. Quando o filme começa, ela está voltando de uma dessas tentativas para a casa do pai.

Ellen então conhece William Beckham (Reeves), um médico não-ortodoxo que tenta tratar os pacientes como pessoas independentes, e não como vítimas indefesas de seus distúrbios. Seu método, porém, acaba parecendo apático e chegando quase a níveis de descuido. Ellen se muda para a casa onde ela e outros pacientes recebem o tratamento, mas faz pouco progresso. No entanto, ao conhecer essas pessoas novas, ela começa a ganhar perspectiva sobre a própria vida.

Não há cenas especialmente chocantes e são menores as chances de que o filme seja gatilho para pessoas com anorexia ou bulimia (assim como 13 Reasons Why foi para pessoas com depressão). De qualquer jeito, é um filme impactante. O assunto é delicado e emocionante e não garanto que você saia com todos os seus canais lacrimais intactos.

Mas uma coisa que pode, sim, revoltar os telespectadores é que o final é aberto, talvez até demais. Falta alguma resolução ali. É possível tirar conclusões objetivas ou filosóficas sobre o futuro da protagonista, mas a inércia em relação a um progresso é o que marca esse desfecho.

No geral, O Mínimo Para Viver é um retrato tocante de um assunto que pode (e deve) ser muito mais explorado. O filme abre um canal não violento de discussão sobre um problema que só tende a abranger cada vez mais pessoas - complexadas graças aos padrões de beleza inalcançáveis e ao pouco incentivo à autoaceitação. É um alerta que pede licença para ser ouvido e que devemos aprender a notar mais.

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O Mínimo Para Viver fala de anorexia com abordagem Netflixiana | Turma do Fundão

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Em março de 2017, a Netflix nos apresentou 13 Reasons Why, uma série que representava, finalmente, o que é e no que pode resultar a depressão. Em seguida, seus assinantes foram apresentados a O Mínimo Para Viver, um filme estrelado por Lilly Collins ( Simplesmente Acontece) e Keanu Reeves (Matrix) e dirigido por Marti Noxon, que trata de um assunto próximo, mas recebeu menos atenção.

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Crítica 'A Casa Lobo' | Newsletter Vertovina #05

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Crítica 'A Casa Lobo' | Newsletter Vertovina #05

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Post para campanha de angariar mais doadores recorrentes| Papo Futuro

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Post para campanha de angariar mais doadores recorrentes| Papo Futuro

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Crítica de 'Summer of Soul' | Newsletter Vertovina #04

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Crítica de 'Summer of Soul' | Newsletter Vertovina #04

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Carol Speed, estrela do filme Blaxploitation The Mack (1973) e do terror clássico Abby (1974) morreu com 76 anos no dia 14 de janeiro em Muskogee, Oklahoma. Sua família anunciou sua morte em um comunicado online e as causas ainda não foram reveladas. A atriz nasceu em 14 de março de 1945, em Bakersfield, Califórnia.

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Pandora Papers: a contribuição do jornalismo investigativo e o compromisso com o resgate histórico 

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Pandora Papers: a contribuição do jornalismo investigativo e o compromisso com o resgate histórico 

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Por Ana Karolina Reis, Daniela Oliveira, Duda Moura, Giovanna Crescitelli e Nathalia Teixeira

OPandora Papers é um projeto do Consórcio Internacional de Jornalismo Investigativo (ICIJ) que investiga paraísos fi scais ao redor do mundo. Centenas de jornalistas de diferentes países participaram da ação em que empresários, artistas e políticos tiveram seus nomes ligados a empresas fantasmas internacionais em países onde a tributação fi scal é pequena ou inexistente. Grandes nomes da política internacional, como o ex-primeiro-ministro britânico Tony Blair e outros 33 nomes de líderes da atualidade estão no mega vazamento. Mais de 300 funcionários públicos são citados nos arquivos. No Brasil, Paulo Guedes, Ministro da Economia, e Roberto Campos Neto, presidente do Banco Central, aparecem como donos de empresas off shore.

A estratégia, que esconde bilhões de dólares, é quase simples. O dinheiro é enviado para as contas das empresas, sediadas em paraísos fi scais, evitando o pagamento de impostos sobre renda. No Brasil, desde que a empresa seja declarada à Receita Federal e ao Banco Central, ser dono de uma off shore não é ilegal. Entretanto, quando fi guras relacionadas ao governo estão em um modelo de negócio extremamente sigiloso, a questão se torna de interesse público.

Há mais de 5 anos, o ICIJ publicou o Panama Papers, uma série de reportagens sobre o esquema de sonegação de impostos usando paraísos fi scais. Até hoje, as descobertas impulsionam batalhas e mudanças legislativas. Na época, o centro global dessas operações era o Panamá. Logo após a exposição desses dados, novos locais começaram a ser investigados, como as Ilhas Virgens Britânicas, que é o foco do Pandora Papers.

Para o Pandora Papers acontecer, o Panamá Papers precisou existir e, sem o Paradise Papers, a investigação não seria possível. Cada vazamento, por conta da investigação realizada, abrange mais elementos para fornecer uma leitura mais profunda do funcionamento das off shores. A base vem da interpretação da correlação de bilhares de dados, que, apurados pelas mãos dos jornalistas, contam uma história. O manuseio e o volume deste tipo de informações se aperfeiçoam cada vez mais.

O cuidado com a privacidade de fontes e o uso responsável do material cria um legado positivo com fontes e leitores. "O grande trunfo da ICIJ é justamente a independência - dá respeito e respaldo ao trabalho, transmitindo confi ança para aqueles que decidem vazar esses dados, crendo que essa informação será usada e a identidade da fonte será protegida. Isso é uma construção de muito tempo - a coalizão foi fundada na década de 90, quando o Panama Papers fi cou bem famoso, é uma construção de muito tempo", relata Lucas Marchesini, jornalista que participou da apuração.

Na América Latina, o Pandora Papers denunciou 14 autoridades políticas por envolvimento em paraísos fi scais. Juntamente com o Caribe, as regiões se destacaram e foram consideradas o epicentro. O vazamento levou ao pedido de impeachment do atual presidente do Chile, Sebastián Piñera. O político, durante seu primeiro mandato em 2010, vendeu a mina Dominga e recebeu 3 parcelas milionárias desviadas para companhias off shore. No ato de recebimento da última parcela, o presidente aprovou uma obra que consistia na construção de uma mina para extração de ferro e cobre e de um porto para escoar a produção em área de preservação ambiental, o arquipélago Humboldt, um dos ecossistemas mais ricos do mundo. Piñera agiu de forma imoral e os deputados da oposição apresentaram ao congresso um pedido de impeachment.

No Brasil, Paulo Guedes e Roberto Campos Neto tiveram dados vazados que comprovam que ambos possuem off shores no exterior. Segundo o artigo 5º do Código de Conduta da Alta Administração Federal, é proibido funcionários públicos do alto escalão manterem aplicações fi nanceiras (tanto nacionais, quanto internacionais) livres de políticas governamentais, a partir do momento que não sejam declaradas à Receita Federal a existência dessas aplicações. Ao infringir o Código de Conduta da Alta Administração Federal, a punição pode variar entre ser demitido ou receber uma advertência. A Comissão de Ética Pública que analisou o caso do ministro Paulo Guedes arquivou o caso por não ter encontrado irregularidades.

A prática do jornalismo investigativo jogou luz sobre esses fatos e os trouxe para o centro do debate, tornando o tema uma agenda global. Aqueles com maior infl uência e recursos conseguem se camufl ar por trás de legislações e burocracias, de modo que o jornalismo investigativo é a melhor ferramenta para trazer ao debate público os fatos que os poderosos querem esconder. No mundo hiper conectado, vazamentos jornalísticos causam abalo na esfera pública. Marchesini coloca que trabalhar nesse tipo de ação é como "realizar um trabalho de formiguinha, cada um faz um pouquinho para construir algo muito grande". É um trabalho colaborativo feito com base em um grande banco de dados investigado por múltiplos jornalistas com diversas fontes de fi nanciamento.

© Montagem por Giovanna Crescitelli; Imagens: Consórcio Internacional de Jornalistas Investigativos

Os jornalistas investigativos não estão restritos aos vazamentos de dados, e a transparência e a comprovação de dados relevantes são aliadas. A Lei de Acesso à Informação, sancionada em 2011 e regulamentada em 2012, é uma das maiores ferramentas de divulgação de informações de interesse público, e assegura a transparência na administração pública. Esses dados podem ser utilizados, não só por veículos de imprensa na elaboração e transmissão de conhecimento de interesse amplo da sociedade, mas como por qualquer pessoa física e jurídica. As informações coletadas precisam ser de qualidade, autênticas e com o máximo de detalhamento possível, sem modificações por parte das fontes. Com o passar do tempo, mais jornalistas se apoderaram da LAI em suas apurações, aproximando informações importantes e exclusivas da sociedade.

A constante vigilância é relevante na manutenção da democracia - assim como a quebra do monopólio da comunicação, a fiscalização e tornar conhecidos os dados de domínio público. Lucas Marchesini afirma que a presença de diferentes veículos e mídias independentes ajuda a trazer para o debate temas que a grande mídia poderia deixar de abordar. Em 2016, o jornalista Fernando Rodrigues apontou que 14 empresários da mídia e jornalistas tiveram seus nomes relacionados pelo Panama Papers.

Durante a pandemia, se intensificou a dificuldade na obtenção de dados. A crise sanitária foi usada como pretexto para a não divulgação de informações e, consequentemente, censurá-las. Em 23 de março de 2020, o presidente Jair Bolsonaro (sem partido) editou a Medida Provisória (MP) 928, em que suspende os prazos de resposta a pedidos de acesso à informação nos órgãos ou nas entidades da administração pública cujos servidores estejam sujeitos a regime de quarentena, teletrabalho ou equivalentes. O ministro Alexandre de Moraes revogou as alterações feitas na MP por Bolsonaro, e a suspensão foi mantida pelo STF. O ministro diz que a alteração trouxe restrições ao acesso à informação, garantida constitucionalmente, e vai contra os princípios da transparência.

Os ataques sofridos pela imprensa e a restrição a essas informações explicitaram um grande enfraquecimento no funcionamento da lei diante da necessidade de dados no jornalismo investigativo. Ao mesmo tempo, grandes revelações jornalísticas, como o Pandora Papers, colocam em xeque governos e figuras públicas. O tema traz os limites e a potência da atuação da imprensa em um regime democrático.

A discussão sobre a participação política dos cidadãos se intensificou diante da falta de clareza de dados, que é considerada uma ameaça à democracia. Diante de governos autoritários, a repressão e o confronto contra a liberdade de mídia se tornaram ferramentas de silenciamento. O acompanhamento do jornalismo investigativo em questões de interesse público tornou-se um grande fiscalizador na prestação de contas com a sociedade.

Em um mundo ameaçado pela desinformação, a fiscalização dos poderes é fundamental quando se trata de tornar público ações que atingem negativamente a sociedade. Ter acesso aos dados é o primeiro passo de uma apuração cautelosa e criteriosa, garantindo não só o acesso à informação, como a manutenção do Estado Democrático de Direito.

Ataques à imprensa e ao exercício do jornalismo tornam-se ainda mais evidentes quando as manchetes do dia expõem casos para além do cotidiano do noticiário. Discussões sobre os limites do jornalismo, da legalidade de fontes e métodos de apuração e investigação são colocadas na sociedade como ataque às liberdades individuais - ainda que as informações sejam de interesse público e afetem diretamente a vida de milhares de pessoas.

No entanto, o jornalismo respira fundo e tem seu papel cada vez mais reconhecido na sociedade. Em 2021, a tradicional entrega do Prêmio Nobel da Paz foi direcionada a dois jornalistas, sob o lema de que "sem liberdade de expressão e de imprensa, será difícil promover com sucesso a fraternidade entre as nações", segundo o Comitê Noruegues, responsável pela entrega da solenidade.

Os jornalistas premiados, a filipina Maria Ressa e o russo Dmitry Muratov, têm realizado trabalhos de destaque no jornalismo investigativo em mega-apurações, assim como no Pandora Papers. Ressa denuncia violações de direitos humanos na guerra às drogas instaurada no governo filipino, de Rodrigo Duterte, e Muratov revela os abusos de poder e corrupção do presidente russo Vladimir Putin.

A premiação joga luz ao fato de que a luta corajosa de jornalistas pelo direito às informações relevantes à sociedade não é só válida como valiosa. A Academia Sueca do Prêmio da Paz afirmou que o jornalismo "serve para proteger contra o abuso de poder, mentiras e propaganda de guerra", sendo estes "pré-requisitos essenciais para a democracia e protegem contra guerras e conflitos".

Investigações jornalísticas possuem um peso importante. O vazamento de milhares de documentos como os Pandora Papers pode causar impactos significativos na sociedade como destituir regimes, mudar sistemas e impedir injustiças. O Nobel da Paz 2021 é uma reafirmação deste papel social do jornalismo e do compromisso da profissão com reportar fatos de interesse e direito público.

A jornalista Maria Ressa e, ao lado, o jornalista Dimitry Muratov, os ganhadores da medalha Nobel

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Contraponto 130 - EDIÇÃO OUTUBRO/NOVEMBRO

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Por Ana Karolina Reis, Daniela Oliveira, Duda Moura, Giovanna Crescitelli e Nathalia Teixeira OPandora Papers é um projeto do Consórcio Internacional de Jornalismo Investigativo (ICIJ) que investiga paraísos fi scais ao redor do mundo.

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O futuro especulaivo do Brasil | Reportagem para AGEMT

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O futuro especulaivo do Brasil | Reportagem para AGEMT

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Reportagem sobre economia para AGEMT, laboratório de redação da PUC

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Após cinco anos de negociação e trabalho pesado de lobby, a Eletrobrás abriu seu patrimônio para ser dividido e vendido na Bolsa de Valores, no dia 13 de junho. Os acionários foram rápidos em garantir seus papéis e agora são maioria na composição do Conselho da empresa, que pela primeira vez tem suas decisões concentradas na mão do mercado ao invés do Estado. A medida foi uma das poucas realizações do que o ministro Paulo Guedes prometeu em sua campanha neoliberal. A União ainda tem a "Golden Share", que lhe permite veto de decisões estratégicas, mas mesmo com essa espécie de proteção, nove representantes públicos que compunham o comitê renunciaram no sábado, 18 de julho. As motivações políticas e todos esses trâmites transacionais embarcam na problemática real do déficit de produção de energia, que causou ameaças de Apagões gerais em neste ano e em 2012 além do consumado Apagão em 2011. Mas a privatização não é a resposta de ouro que resolverá a falta de suprimento, visto que a falta de regularização efetiva e restritiva faz com que os impactos da privatização para a população sejam imprevisíveis, fazendo a venda da maior distribuidora de energia do Brasil - ela carrega em suas costas 1/3 da produção total- especulativa, que nem o mercado onde se encontra. Ao colocar seus ativos no mercado, a Eletrobrás contava com a mão invisível do mercado para forrar seu caixa. " O setor público tem dificuldades de fazer investimentos. Vindo de anos de déficit fiscal do governo federal, essa falta de caixa dificulta para uma empresa pública fazer investimentos. Então, teoricamente, a possibilidade de captação no mercado, seja via negociação de ações, ou investimentos de bancos privados e parceiros, seria muito mais fácil, o que permitiria a expansão rápida na produção", analisa o professor Renan Pieri da Fundação Getúlio Vargas em entrevista concedida para AGEMT. Essa insuficiência da parte elétrica fez com que distribuidoras recorrem a recursos mais caros, como as termelétricas, o que explica em parte a conta de luz ter ficado cada vez mais cara. Analistas apoiadores dessa privatização também comparam a futura rota da Eletrobrás com a de outras empresas estatais que foram privatizadas na Europa, uma equiparação atrasada em vista do processo de reestatização de empresas que foram abertas para o mercado em meados de 1980 e 1990. Desde a abertura, os serviços caíram de qualidade e pouco custo benefício. Para além disso, se viu lá um problema endêmico do organismo mercadológico, que é a monopolização da produção naqueles que mais lucram. Por ter começado e terminado seu primeiro ciclo de industrialização, a Europa já conta com regulação própria para evitar tal concentração, coisa que não aconteceu nacionalmente antes da privatização de uma das maiores empresas do Brasil. Pieri explica que "lá, já há um histórico de regulação de oligopólios. Nossa experiência vem desde os anos 90, muito recente. É difícil comparar as empresas elétricas daqui com as de lá, mas elas servem de lição: o grande problema das privatizações é aumentar a concentração de mercado e gerar comportamento monopolista não regulamentado. Do jeito que é hoje, é preciso reforçar mais o papel das agências reguladoras, dando liberdade e condições para regular mercado para não cair nessa baixa de competitividade". Mesmo que administrada pela camada econômica e política mais alta, os efeitos dessa privatização também se estendem para o cidadão comum. Ainda é incerto se essa medida encarecerá ou barateará a conta de luz doméstica. Em perspectiva histórica, a desestatização da Telefonias barateou o serviço e expandiu o acesso, mas isso não é regra. Quando questionado sobre, o professor da FGV reitera o peso da regularização: "o setor energético é muito concentrado, com poucas empresas [...] Se o preço vai subir ou cair depende muito da regulação da Aneel, limitando as ações monopolistas, cobrando preços muito altos". Devido a venda, a Eletrobrás previu a "descotização" do parque gerador de energia da companhia, o que significa que as hidrelétricas da empresa deixarão de seguir o regime de cotas (com preços regulados, mais baixos) e passarão a seguir as regras do Regime de Produção Independente de Energia, em contratos de concessão de 30 anos. O analista do setor de energia elétrica da Lafis Consultoria, Marcel Carneiro, ressalta em entrevista que "Cabe destacar que a empresa deverá pagar ao longo dos próximos anos uma quantia de mais de R$ 30 bilhões de reais para amortizar os custos nas tarifas do sistema elétrico nacional. Caso não houvesse essa obrigação, seria indiscutível que a privatização levaria a um aumento dos preços, mas com essa compensação, os impactos nas tarifas seriam reduzidos. O objetivo dessas compensações é trazer um impacto nulo para as tarifas". Essas são as medidas acordadas em primeira instância da venda dos ativos e é provável que o Estado consiga impedir qualquer alteração que faça o povo pagar por essa transição, mas, com a mudança de cadeiras do Conselho, isso pode voltar a ser uma dança de interesses e benefícios. As implicações políticas são indissociáveis do movimento de mercado causado pela Eletrobrás, por mais que a passagem para o mercado especulativo queira diminuir justamente isso. A possível mudança da presidência para as mãos de Lula, cuja campanha é veementemente contra a desestatização, coloca em dúvida o quanto será desfeito, ou pelo contrário, negociado com empresários e retentores de papéis da Eletrobrás. Apesar da integração no mercado internacional, a privatização de estatais é sempre uma aposta de altos lucros ou altas perdas às custas da soberania nacional. "A opinião pública sobre privatização é cíclica", conclui Pieri, e influenciada pelo quanto pesa no bolso e à qual nome de chapa pode se colocar o nome.

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Após cinco anos de negociação e trabalho pesado de lobby, a Eletrobrás abriu seu patrimônio para ser dividido e vendido na Bolsa de Valores, no dia 13 de junho. Os acionários foram rápidos em garantir seus papéis e agora são maioria na composição do Conselho da empresa, que pela primeira vez tem suas decisões concentradas na mão do mercado ao invés do Estado.

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Recosturando o passado com o presente (pgs.14-16)

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Recosturando o passado com o presente (pgs.14-16)

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Contraponto 129 - EDIÇÃO AGOSTO/SETEMBRO

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It's not on your mind,it's on the rack: how capitalism messed with standard sizing 

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It's not on your mind,it's on the rack: how capitalism messed with standard sizing 

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In such thriving times for social media, everything online is designed to stimulate self-expression. Aesthetics have never had more of a key role when it comes to the way we understand one another, having style as the chief form of building one's identification.

The discourse around it has evolved so much that even our language was shaped into it; we created new words like Cotagecore, Avant Basic and Dark Academia, showing how serious we take self-image as an extension of our lifestyle. In spite of that, it gets pushed out of the conversation what is always underneath all the fabrics and textures: sizes.

Regardless of what fashion trope you find yourself in, how the clothing fits the body can make or break the outfit, going as far as to decide who's "allowed" to wear it and who isn't.

With the revival of Y2K for example, where bodies are used as another accessory to flash around, many people are, again, excluded from fashion mostly for this one aspect. As fashion changes with time, it is important to explore more deeply and outside of the consumer spectrum what it means to occupy space.

How did we get here?

First of all: how did we come to know a body as a size 6, 8 or 10? The standardization of apparel' sizes is attributed to the need for cheaper uniforms for the marine and the army in the eighteenth century.

They had to be made quickly and within a small range of sizes while fitting the largest number of bodies, so it wouldn't take a sewer to measure a person every time they needed a new uniform and it's convenient to consult.

Due to how cheap this pattern of production was, its simplicity, and new technologies such as the sewing machine, these ready-to-wear pieces made it into the market and established shopping as it is known today.

Even though the function of sizing has not changed, the word "standard" has gained a broader meaning over time. It has been observed that, over the decades, pieces with the same measurements are being labelled progressively with smaller numbers, creating the praxis of "Vanity Sizing".

Some studies explain this as a marketing strategy that appeals to the public's (very fatphobic) vanity since it was reported that people tend to shop in places where they fit smaller cuts.

Others justify it as a needed action to be up-to-date with the general population's new dimensions. Nonetheless, it has been shown that the targeted demographic is still the main lead, and this allows for all kinds of tendencies: ethnicity, age, job status, race, economic level - a particular study in 2003 says that more expensive stores tend to have smaller patterns when compared to cheaper ones, and so on.

It's fairly easy to witness all of it just by looking at a single person's wardrobe. The difference of some inches can make you a number 8 in one store and a 12 on the other. Dressing up is a game of compromise: to have the perfect length, you may have to give up on the right waist size, have it tighter around the tights, looser around the knees, and so on.

Besides being a major inconvenience when trying to buy anything, these differences can easily distort one's self-image. How does a person "grow" or "shrink" between two pairs of pants of different sizes, yet, they all fit? What does being a "medium" body really means? Did someone really put on weight or have they just changed stores?
For such an ordinary activity, having the concept of who we are and what we look like changing routinely is a big trigger for body dysmorphia and eating disorders.
All these misleading numbers only have such an impact on the collective subconscious due to our relationship to consumerism. Since it's culturally acceptable that a person is defined by what they consume, it is nothing but natural for someone to keep track of their features by what they purchase. In spite of being directed to the public, these clothes are made with the companies' maximum profit in mind instead of consumer's satisfaction.

We are tricked into accepting to have some of ourselves erased in order to have options around what to wear. When our most recurrent way of interacting with our bodies is by dressing it, therefore consuming apparel, it's not such a stretch to say that we see ourselves not as how we really are, but how these companies see us: approximations.

Now, imagine how much power those misconceptions have on mental health and body image when catapulted via the internet. We all have seen this: impossible sizes, that weren't made for people but for companies, are adopted by the handful of people that fit them perfectly and shared between millions.

It becomes a vicious cycle: every time a new trend pops up, the ones that have a better silhouette for the season - generally, the same tall, skinny, white conventionally attractive people - will appear in every possible outlet, and telling ourselves it's okay to not be like that becomes a meaningless echo in our minds.
Much like collections, bodies are being perceived as cool or not, they go in and out of season, normalizing perhaps the most hostile environment in decades to maintain a healthy relationship with your image.
Clothing sizes don't mirror body sizes.

Clearly, the weight of it all is unbearable. This consumer culture is so aggressive and detrimental nowadays that in order to shield our minds we must be active deniers. We've come a long way already, popularizing buying second-hand and adopting minimalism, but this is still a purchase-focused approach to us.

While Victoria Secret's decision to terminate their iconic Angels fashion show and choose people such as Michele Obama as their ambassador is considered a progressive move, it was overdue and certainly made for marketing purposes.

To really break that, time must be taken to recognize ourselves as organisms. It all comes down to the philosophy that slow fashion brings when talking about bodies: they last longer, don't change as fast, and naturally, that should be respected. Buy a measuring tape, take notes and accept your size prior to trying to put them in a box.

Notice what part makes you uncomfortable when showing, what are you most confident in, what would you have to look for in order to find what fits your pros and cons. It's cliche, but holds true: wear your clothes, don't let them wear you. Wardrobe items might change with the seasons, but you are more valuable and complex to believe that the same applies to you.

And when it comes to the flexibility of fashion, holding on to beauty standards only restrains its power to be an identity outlet. Much like speech, you can't know a lot about someone if they only speak in the right read "conventional and broadly accepted"- way.

It's over accents and slang that we bond, much like it is someone's personal style that makes them stand out. Moulding ourselves usually means to end up not as we imagined, since the standards are unachievable, and mad to our bodies the moment they fail to be what they already are not.

The potential to portray sexuality, politics and genre and the possibility to make part of a group that truly talks to who you are gets thrown away due to the fabricated idea that the pinnacle of beauty is a brand's interpretation of a person and not an actual human.

The lack of curiosity and amicable first contact with our physique creates long term damage to our brains. This industry and its beauty standards were around before us and most probably will maintain its relevance after we are gone, and not even an immense amount of boycotts could redirect their services to the public's interest, so it's up to us to take control of ourselves.
Much like slow living, we should be slow sizing, treating our dimensions as something to be dealt with rather than fixed in our everyday life and making space for more productive thinking than hating the mirror's image.

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It's Not On Your Mind, It's On The Rack: How Capitalism Messed with Standard Sizing

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In such thriving times for social media, everything online is designed to stimulate self-expression. Aesthetics have never had more of a key role when it comes to the way we understand one another, having style as the chief form of building one's identification.

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Why we should let go of the idea of a "classic"

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Why we should let go of the idea of a "classic"

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Generally, the posters of slow-paced, black and white movies can be found on the walls of someone who considers themselves a "cinema connoisseur ". The classics are considered the top-tier of cinema and what every movie should aspire to become. Those who know the category well are seen as intellectuals and, sometimes, more deserving of having the last word on any conversation. But should we grant them - the "intellectuals" and the classics - such high and universal value? When one of these pictures is mentioned, is it the actual piece that is being talked about, or is there a message on the unspoken? What does a "classic" mean to a society that is increasingly aware of which type of discourse is valuable and reflective of their complex lives?

To be a 'classic' is not only to hold a name but to be the symbol. Originating from the Latin word "classicus", meaning to be part of/belong to the higher tier of roman society, the word is also the ancestor to the term "class" in the English language. Following its devise roots in classifying what is noble and what isn't, classic cinema, as we have today, has been weaponized: it isn't directly related to innovation or excellence, but rather used to intimidate those who want to be a part of the film community but aren't seen as "worthy" by other members. The internet is overflowing with comments trying to cast a shadow on someone's personal taste, and when it comes to films, works such as Casablanca or Tokyo Story are referenced as a confirmation of profound knowledge and unquestionable authority on the subject - if the discussion is not about that then it's one not worth having.

When that type of behaviour is validated, one may wonder: Could they be right? Is the epitome of cinema a 60-year-old movie? To which I'd ask back: Does a classic picture actually have anything that can't be found in a production made in the 2000s? Of course, those acclaimed films come with a historical impact on the format - whether being pioneers and iconoclasts or portraying masterfully a universal feeling, they have surprised and moved their audiences in a very singular way. Yet, they are not the only ones since then that have evoked these responses. As the latest form of traditional art created, cinema has the freshness and flexibility of a teenager - it's current, quick to learn, bold, but very thoughtful and curious when dealing with a dear subject. While there's value in knowing when a certain topic was depicted on the screen for the first time or what the first film ever to be shot on a digital camera was, the movies produced today are made by people who gather references from the vanguards and apply it in the best-suited way to communicate with the contemporary audience, so it's more impactful and relatable. Cleo from 9 to 5 had an immense impact on how womanhood was portrayed on-screen, putting the thoughts and struggles of a woman as the central subject for the first time. However, it's hard to say that watching it nowadays will give as much justice to what is the life of a 21st-century woman as a movie directed by Sofia Coppola. As a way to explore and reason about society, relationships, and human behaviour, current productions are the ones that offer a more accurate representation and will most likely enrich the conversation, allowing it to go further, in and out of the big screen.

From a political point of view, classic movies can backfire: prioritizing them in current discussions about cinema may help to perpetuate tropes and stereotypes that are harmful to minority groups. Many people are starting to point out how many of the most beloved and consecrated pieces of art are racist, sexist, homophobic, or xenophobic. Classics, as universal and timeless as they might be, still reflect their time and culture and can age pretty poorly. Breakfast At Tiffany's character Sr. Yunioshi is a rude and whitewashed representation of Asian people, and the feeling of loneliness on Welles' Citizen Kane can only resonate with people such as Elon Musk. No one should be shamed or be left out of the conversation for not watching a film that goes against their beliefs or invalidates who they are. Holding older movies on such a high pedestal deviates the attention and keeps watchers from finding the artists that inspire and represent them - films that would add more meaning to their lives and make them feel seen.

Don't get me wrong - if you want to, because you're curious and want to know more, or even want to turn this passion into a career, do spend hours on end watching classic cinema. Seek what you desire, dive into whatever interests you. Art, in general, should make us more connected to ourselves and serve as a playground to the imagination, and in such a personal experience, censoring what is "the right way" to appreciate something is the only wrong thing to do.

In brief, holding the so-called 'classics' on a pedestal, nowadays, seems to be somewhat a gatekeeper-y move. Something to make one feel invalid for loving Lady Bird just because they have never seen Autumn Sonata. As the youngest generation of IMDB (or Letterboxd) critics, it all comes down to how we want to conduct the conversation amongst ourselves. It's valid to choose to rewatch your comfort movies over a Godard one, to have never seen Clockwork Orange because you're sensitive to graphic content, or to stick with your favorite director to be considered and taken seriously in the discussion. Consuming contemporary cinema can be "intellectual" and "chic". No one should ever feel obligated to conform with a script just to be liked, and shouldn't consume media that doesn't interest them or perpetuates a discourse that they don't agree with. There's room and a movie for everyone.

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Why We Should Let Go of the Idea of a "Classic" - Unpublished

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For so long, being a "cinema lover" is something you have to own , and there's no easy guide to that.

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Cinco diferenças entre o filme e o livro 'Me Chame Pelo Seu Nome'

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Cinco diferenças entre o filme e o livro 'Me Chame Pelo Seu Nome'

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A adaptação cinematográfica do livro homônimo Me Chame Pelo Seu Nome (Call Me By Your Name) tem sido discutida e aclamada tanto pelo público como pela crítica desde o seu lançamento. O filme, indicado a quatro categorias do Oscar 2018 (e vencedor da estatueta de Melhor Roteiro Adaptado), ganhou prêmios importantes, como de Melhor Roteiro Adaptado no BAFTA.

Na história, que se passa no interior da Itália nos anos 80, um professor universitário recebe um estudante americano, Oliver (Armie Hammer) durante o verão para passar seis semanas com ele, seu filho Elio (Timothée Chalamet) e sua mulher. Oliver e Elio acabam desenvolvendo uma história de amor complexa, afetada por desejos e inseguranças.

Quem leu o livro que deu origem ao filme sabe que o diretor Luca Guadagnino se esforçou para preservar muitos dos temas e passagens originais. Mas é claro que muita coisa precisou ficar de fora. Aqui vai uma lista de cinco coisas que se diferem (e fazem falta) entre o livro e o filme.

1) Os relacionamentos hetero de Elio e Oliver

No livro, tanto Elio quanto Oliver se envolvem com mulheres antes de formarem o casal foco da trama. No livro, Oliver conhece Chiara e Elio se aproxima mais de sua amiga Marzia. As escapadas de Oliver com Chiara são bem despretensiosas, enquanto Elio e Marzia desenvolvem até que uma espécie de sentimento (além do envolvimento carnal).

No filme, Chiara tem no máximo duas cenas e Marzia parece gostar muito de Elio, mas de forma não correspondida. Elio parece realmente só estar usando a menina. Oliver tem em Chiara só mais um passatempo também. Dá para creditar essa mudança à falta de espaço para contar o livro todo, mas é inegável que as relações hetero davam mais profundidade aos personagens.

2) A narração de Elio

O livro é a materialização do meme "não consigo falar, só sentir". Narrado por um Elio crescido a partir de suas memórias, ele mistura lembranças do passado com jornadas de autoconhecimento e reflexões sobre as angústias do garoto.

Esse fator traz uma intimidade gigante ao livro, passando a sensação de que se trata de um velho amigo contanto daquele verão em que vocês não se viram, mas que ele gostaria que você soubesse como foi. As ações que levam Elio a sentir o que conta são apenas pontos de partida, colocando total ênfase no sentimento e em como ele absorveu aquilo.

Com tanta subjetividade e descrições extremamente detalhadas e profundas, é difícil imaginar como tudo aquilo seria passado fielmente num filme linear. Sem o constante ponto de vista do personagem principal, essa condução psicológica se perde. Não fica claro no filme, por exemplo, por que Elio ignora o primeiro avanço de Oliver (quando este lhe massageia), sendo que já tem sentimentos por ele naquele momento. No livro, é explicado que Elio tomou um susto com a situação, mas gostou.

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Mesmo que os sentimentos mais importantes tenham sido passados para o filme com a ajuda das expressões de Timothée Chalamet, isso não se compara à história superenvolvente que nos conduz durante o livro.

3) A ambientação dos anos 80

Na leitura, é complicado dizer em que ano aquele verão se passa, o que no filme é extremamente explicito, tanto pelos comentários dos personagens como pela trilha sonora (muito boa, diga-se de passagem). A sensação é de atemporalidade, como se o vilarejo na Itália que serve de plano de fundo estivesse livre da ação do tempo.

No entanto, a década escolhida ajudou no charme do filme, com a ausência de tecnologia reforçando o isolamento da família.

4) Os personagens secundários

Apesar de os diversos figurantes no filme e uma gama de, no máximo, sete personagens secundários importantes, nenhum deles teve a importância que tem no livro. Na obra, há uma personagem chamada Vimini, vizinha da família, que é uma menina de dez anos com leucemia. Ela participa bastante da história e é muito influente na trama, especialmente para Oliver.

As já citadas Marzia e Chiara são, ates de tudo, pessoas que já vinham participando da vida de Elio e têm no livro um significado maior do que simples interesse sexual. No filme, tudo gira tanto em torno do casal principal que apaga um pouco a dinâmica da família, cuja casa era originalmente retratada como sempre cheia de convidados. O filme ficou mais romântico assim? Ficou, mas também menos complexo.

5) Três dias em cinco minutos

Na parte final do livro, os protagonistas saem do vilarejo em que passaram as últimas seis semanas para ficar três dias em Roma a convite do editor do livro de Oliver. Os três dias são narrados com detalhes, dando ênfase para a última noite deles na cidade, quando aparecem numa livraria a convite do editor.

A noite boemia do meio cultural, o calor do verão, a magia do compromisso de todos ali em viverem o momento, o modo inexperiente com que Elio olha para tudo aquilo, tudo isso induz o leitor a uma viagem no tempo. Grande parte de todo o sentimento de efemeridade, de "seja eterno enquanto dure" está nessas 42 páginas do livro.

A mesma passagem ocorre no filme, mas de forma completamente diferente: eles viajam porque querem e não encontram com ninguém no meio do caminho, a não ser por um trio de completos estranhos que estão ouvindo música numa viela. Nada tão impactante quanto foi a noite narrada no livro. Esse foi de longe o maior pecado no roteiro adaptado, que ganhou o Oscar, mas deixou escapar a possibilidade de deixar o filme ainda mais excêntrico.

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Cinco diferenças ente o filme e o livro Me Chame Pelo Seu Nome | Turma do Fundão

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A adaptação cinematográfica do livro homônimo Me Chame Pelo Seu Nome (Call Me By Your Name) tem sido discutida e aclamada tanto pelo público como pela crítica desde o seu lançamento. O filme, indicado a quatro categorias do Oscar 2018 (e vencedor da estatueta de Melhor Roteiro Adaptado), ganhou prêmios importantes, como de Melhor Roteiro Adaptado no BAFTA.

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'Sobrenatural: A última chave' tem pouca tensão e muito jump scare

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'Sobrenatural: A última chave' tem pouca tensão e muito jump scare

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A franquia começou em 2010 contando a história de possessão de Dalton, um menino de dez anos que, nessas condições, é ajudado pela médium Elise (Lin Shaye). No terceiro filme, Insidious: A Origem, que é uma prequel dos dois primeiros, Elise ajuda a adolescente Quinn Brenner. Em A Última Chave, que estreia agora dia 18 de janeiro, a personagem retorna mais uma vez, agora precisando encarar eventos sinistros relacionados à sua própria origem.

O clima muito bem trabalhado de suspense que o primeiro filme oferecia proporcionava um terror de primeira, que realmente deixava o espectador na ponta da cadeira. Você ficava querendo que aquela situação de medo cessasse logo, mas não realmente acabasse. Em A Última Chave , a proposta é diferente, mais comercial, com algumas tiradas cômicas e novos personagens.

Dirigido por Adam Robitel ( Atividade Paranormal: Dimensão Fantasma ), o longa foca o passado de Elise, mostrando seus primeiros contatos com o sobrenatural e o além na sua casa de infância no estado norte-americano de New Mexico, com seus pais e seu irmão. Anos depois, ainda tendo pesadelos com o passado daquele lugar, Elise é chamada para resolver um caso naquela mesma casa, tendo que revisitar os monstros (literalmente) de seu passado.

O roteiro mantém os bons plot twists , mas falha incrivelmente na construção dos diálogos e na exploração dos dois assistentes de Elise (que já foram apresentados de forma sucinta nos outros longas). O roteiro também tenta colocar um pouco de humor na franquia, algo que dá mais errado do que certo - quando as piadas são breves, fazem rir, mas quando a coisa descamba para o pastelão, a graça se esvai e fica a certeza de que não deveriam ter investido nisso. final ter sido muito bom, ele se segura mais pela surpresa do que pelo conteúdo. Em outras palavras, jogam a bomba sem saber como continuar com ela ou explicá-la.
plot twist
A forma com que alguns arcos são criados e executados no meio da narrativa também não convence. A família e a infância de Elise têm algumas voltas legais no decorrer do filme, mas a figura da mãe fica mal explicada e as memórias aparecem mais como evidências - os sentimentos em volta delas poderiam ter sido mais intensificados. E, apesar de o

A ambientação é outro fator que não se segura bem. Em vez de criarem toda uma tensão crescente, o filme joga jump scares que fazem o coração disparar e depois trazem tudo de volta ao normal. Fica aquela sensação meio farsesca de filme de terror hollywoodiano.

Para os fãs da franquia, A Última Chave traz um gostinho de nostalgia dos últimos filmes, que irão pegar facilmente algumas referências. Mas quem não conhece a saga também vai se entreter. Inclusive, é preferível levar o quarto filme como uma peça separada, pois isso fará com que você aprecie mais o que está acontecendo na tela.

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Sobrenatural: A Última Chave tem pouco suspense e muito jump scare | Turma do Fundão

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A franquia começou em 2010 contando a história de possessão de Dalton, um menino de dez anos que, nessas condições, é ajudado pela médium Elise (Lin Shaye). No terceiro filme, Insidious: A Origem, que é uma prequel dos dois primeiros, Elise ajuda a adolescente Quinn Brenner.

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7 mulheres essenciais (e injustiçadas) da história brasileira

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Se nos perguntassem o nome de cinco figuras que tiveram impacto na história, vários nomes nos viriam de bate-pronto - imperadores, ditadores, filósofos, cientistas, antropologistas... todos homens.

É realmente curioso como, num mundo onde a população é composta na maioria por mulheres, figuras desse gênero não recebem seu devido reconhecimento, mesmo que muitos de seus feitos influenciem a sociedade em que vivemos hoje.

Com um pouco de pesquisa, um grupo reduzido (porém existente) de mulheres brasileiras revolucionárias se destaca, e aqui estão algumas dessas que ajudaram a moldar o Brasil como é hoje.

1) D. Leopoldina (1797-1826)

A esposa de D. Pedro I era uma mulher erudita e bem reconhecida por outras nações, bem mais envolvida com as causas brasileiras, inclusive a independência do Brasil, do que seu marido. Quando veio para a América, trouxe diversos artistas e cientistas austríacos para retratar e estudar a fauna e flora brasileira. Quando algumas províncias, como São Paulo, ameaçavam entrar em conflito com o então príncipe e este estava em viagem, foi ela que assumiu o comando do Conselho do Estado e o controlou para que houvesse paz.

2) Maria Quitéria (1792-1853)

Impossibilitada de se alistar nas tropas brasileiras por ser mulher, Maria pegou emprestadas as roupas de soldado do cunhado e se inscreveu para a guerra de independência como "Soldado Medeiros". Suas habilidades com armas a fizeram um soldado necessário, argumento usado quando seu disfarce caiu e seu pai descobriu o que estava acontecendo.

Maria se destacou nas batalhas de Pirajá, Pituba e Itapuã, levando honras de primeiro-cadete e recebendo a insígnia de Cavaleiro Imperial da Ordem do Cruzeiro. Mesmo com tanto desempenho, Quitéria morreu na miséria e sem reconhecimento.

3) Maria Felipa de Oliveira (data incerta-1873)

Nascida escrava, aprendeu a lutar capoeira e sonhava com um Brasil livre de portugueses. Líder de um agrupamento de 40 mulheres que atuavam na ilha de Itaparica, ela e o grupo construíram trincheiras e vigiaram a entrada da Baía de Todos Os Santos.

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Um de seus ataques mais icônicos ocorreu em 1823, quando seduziram soldados lusitanos que tinham a missão de invadir Salvador e os deram surras de cansanção (planta que causa efeito parecido ao da urtiga), além de incendiar todas as suas embarcações. Maria continuou como militante ao longo da sua vida, sendo considerada a "Heroína da independência da Bahia".

4) Bertha Maria Júlia Lutz (1894-1976)

Filha de um bacteriologista brasileiro e uma enfermeira inglesa, Bertha Maria foi estudar na Europa ainda menina e entrou em contato com o cenário feminista e sufragista inglês. Tornou-se reconhecida internacionalmente por seus estudos e descobertas sobre anfíbios e sua atuação a favor do direito de voto feminino.

Foi a segunda mulher a ingressar no serviço público e representou a liga brasileira na assembleia-geral da Liga das Mulheres Eleitoras, nos EUA. Foi eleita a vice-presidente da sociedade Pan-Americana. Junto a outras companheiras, fundou a Federação Brasileira pelo Progresso Feminino, que conseguiu o direito ao voto das mulheres dez anos depois de sua formação no governo Vargas. Bertha alcançou até uma cadeira na Câmara dos Deputados, onde defendeu os mesmos princípios feministas.

5) Dandara dos Palmares (data incerta-1694)

Talvez a mais conhecida dessa lista, Dandara foi casada com Zumbi dos Palmares e ajudou a comandar o Quilombo dos Palmares. Dandara se juntou aos fugitivos ainda muito menina, ajudando a montar estratégias de resistência, e foi a figura principal na defesa do Quilombo. Tinha princípios fortes ligados à liberdade e se matou quando foi capturada.

6) Leolinda Daltro (1859-1935)

Leolinda foi tachada de "mulher do diabo" na sua época por ocupar todos os cargos militantes possíveis: defendia o direito das mulheres, batia de frente com a Igreja Católica, era separada e com filhos, tinha voz política e, o mais importante de tudo, defendia a inclusão social e educacional dos indígenas. Apoiava que, para eles, houvesse educação completamente laica (diferentemente do que estava acontecendo nas missões jesuítas, ainda no fim dos anos 1800) e a tentativa de um resgate de sua cultura pré-colonização.

Ela criou o Partido Republicano Feminino antes mesmo de mulheres poderem votar, como ação para pressionar que esse direito fosse reconhecido logo. Suas ações começaram a ser desconsideradas graças à ridicularização dada por ser mulher - assim, foi deixada no esquecimento por ser considerada louca.

Em 2013, o estado do Rio de Janeiro instituiu o Diploma de Mulher Cidadã Leolinda de Figueiredo Daltro, concebido anualmente a dez mulheres que se destacaram na luta a favor dos direitos das mulheres.

7) Anita Garibaldi (1821-1849)

Seu real legado começou aos 18 anos, quando conheceu o revolucionário Giuseppe Garibaldi, italiano que também lutou na Revolta Farroupilha. Foi chamada de "princesa dos dois mundos" por atuar como guerreira tanto no território brasileiro como na Itália, na batalha de unificação de seu país contra a Áustria.

Na Batalha dos Curitibanos, Anita foi presa e teve oficiais dizendo que seu marido estava morto. Grávida, pediu que a deixassem encontrar o corpo do marido entre os mortos e, com a fé que Giuseppe ainda estivesse vivo e por descuido dos guardas, ela escapou, sobrevivendo na mata por quatro dias sozinha, para então encontrar o esposo (vivo) na cidade de Vacaria. É homenageada com o nome de duas cidades em Santa Catarina, uma praça em Curitiba e em Salvador com o nome de uma avenida.

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7 mulheres essenciais (e injustiçadas) da história brasileira | Turma do Fundão

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Se nos perguntassem o nome de cinco figuras que tiveram impacto na história, vários nomes nos viriam de bate-pronto - imperadores, ditadores, filósofos, cientistas, antropologistas... todos homens. É realmente curioso como, num mundo onde a população é composta na maioria por mulheres, figuras desse gênero não recebem seu devido reconhecimento, mesmo que muitos de seus feitos influenciem a sociedade em que vivemos hoje.