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Prehistoria - Paleolítico - Edad de Piedra

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Las imágenes se encuentran llenas de movimiento y naturalidad. Utilizaban para realizar sus pinturas pigmentos naturales en donde predominaban el color ocre, el negro del carbón y tonos rojizos, estos tintes eran mezclados con grasa animal y utilizaban ramas,  fibras y sus manos para pintar.

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En esta época se ven en las pinturas, temáticas como cacerías, rituales. Las figuras humanas son estilizadas tipo pictogramas y de colores rojo ocre y negro y se dibujan en patrones repetitivos que dan movimiento a las representaciones.

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Escultura Paleolítica -  años 30.000 a.C. y 25.000 a.C.

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Localizada en el distrito de Neunkirchen, es considerada la escultura mas antigua conocida, tiene 11 cm de alto por 5,7 cm de ancho y un espesor de 4,5 cm (con una circunferencia de 15 cm),  es de piedra caliza paleolítica esculpida y pintada con tinta ocre rojo.   Es considerada un símbolo de la fertilidad debido a la esquematización y las formas exageradas

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Puerta de Isthar Babilonia en el Museo del Pérgamo en Berlín

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Ubicada en la región del Asia Occidental entre los rios Tigris y Eufrates. Gracias a esta cultura se inicio la revolución Neolitica, es decir, el desarrollo de la ganaderia y agricultura. Uno de los roles más importantes que se presentaban ante el Estado era la religión. En este sentido las edificaciones se fundamentaban a partir de la religión, así como el desarrollo de esculturas, las cuales tenían una función espiritual.

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Se inicia a finales del siglo VIII a. C. y abarca hasta comienzos del siglo V a. C

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De este, surgieron los conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior. El arte griego se inicia de manera autónoma al final de la civilización micénica, cerca del 1100 a. C
Algunos artistas:
- Policleto
- Efeso
- Zeuxis
Algunos lugares donde se encuentra el arte de Grecia:
- El Partenón
-El templo de Hefesto
- La estatua de Zeus

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Origen: Egipto
El arte era sobre todo religioso, destinado a formar parte y decorar templos y  tumbas.
Este arte se expresa en la escultura y la pintura. En general, la escultura se caracteriza por la rigidez y la falta de expresividad; la pintura por representar cada parte de la figura (sea persona, animal o cosa) desde un punto de vista, y por el uso de colores sin mezclar pero muy vivos.

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El arte gótico surgió en Francia a mediados del siglo XII, producto de la reforma de Abad Suger en los años 1140 y 1144.
El termino gótico lo uso por primera vez el italiano Giorgio Vasari.
Se entendía como una corriente filosófica denominada "estética de la luz", la luz era algo divino. Además desarrollo una sensibilidad religiosa, humanista y espiritualista. Su expresión se encontraba en la arquitectura con especial énfasis en las catedrales. Su estilo esta vinculado al desarrollo humano, al poder de los reyes y los obispos.
Hacia fines del periodo comenzaron a independizarse la escultura y la pintura. La pintura gótica era elegante y refinada; esta surgió para satisfacer necesidades de las cortes reales y burguesía con mas dinero.

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El Renacimiento se divide en dos períodos:

El primer Renacimiento que fue entre los años 1400 y 1480, tuvo como centro a la ciudad de Florencia

El segundo período es el Alto Renacimiento, 1480 y 1520, tuvo como centro en Roma y Europa.

Entre las principales características del Renacimiento podemos destacar las siguientes:

Se desarrolló un espíritu crítico con pretensión de conocer científicamente la realidad. Esto se manifestó en todas las artes y en el modo de concebir la relación de las personas con el mundo.

Se inició en la ciudad italiana de Florencia y desde ahí pasó primero a las demás ciudades italianas, especialmente a Roma y Venecia y luego al resto de Europa.

Adquirió gran importancia el concepto de individuo. Se manifestó mediante la búsqueda de trascendencia personal a través de las propias obras ya sea como creador, en el caso de los artistas; o como protector y brindando apoyo material a los artistas en el caso de los mecenas.

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Impresión, sol naciente (1872) Claude Monet

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El término “impresionista” se empleó por primera vez de manera despectiva. Se le atribuye a un crítico de arte de nombre Louis Leroy, quien lo habría usado a modo de mofa frente a un cuadro de Monet: Impresión, sol naciente (1873). Gracias a Leroy y la utilización de ese término a la obra de  Monet, este último es conocido como el padre del impresionismo.

Esta corriente artística se caracteriza por:

1. Darle importancia a la luz:. Los impresionistas establecieron como punto fundamental el estudio de la luz a través de la técnica pictórica. Ellos comprendieron que los colores no eran una propiedad de los objetos, sino el resultado de la refracción de la luz sobre la materia.

2. Las lineas son sueltas y desdibujadas (borrosas): El objetivo es superponer colores lo más rápido posible para captar el efecto efímero de la luz, por eso suprimen los detalles.

3. Superposición de colores en el lienzo: Influidos por las teorías ópticas, los impresionistas mezclan los colores directamente sobre el lienzo.

Pintores reconocidos: Claude Monet, Édouard Manet, Pierre Auguste Renoir, Vincent van Gogh, entre otros.

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Romanticismo  -  Finales del siglo XVIII e inicios XIX

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 Romanticismo:  La Libertad , Eugene Delacroix

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 Romanticismo:  La Libertad , Eugene Delacroix

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Se exaltaba la subjetividad, los sentimientos y los estados de ánimo sobre la objetividad y el racionalismo del arte neoclásico.  Los temas eran la historia, revoluciones, naturaleza-paisajes.   Artistas representantes de esta época son Eugene Delacroix, William Turner, George Stubbs, James Barry; Thomas Jones.

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Origen: París, Francia

Este movimiento se caracteriza por el uso de pinceladas directas y fuertes, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores.
Las obras pertenecientes a este, son en base a figuras planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno, con temas como retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

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representa cinco máscaras con varias expresiones grotescas, y todas ellas parecen moverse. Son gestos pictóricos urgentes, salvajes y violentos.

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Expresionismo (1905-1933) "Naturaleza muerta de máscaras III"  -Emil Nolde    1911                                   

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Expresionismo (1905-1933) "Naturaleza muerta de máscaras III"  -Emil Nolde    1911                                   

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El expresionismo fue artístico, además de cinematográfico, musical y literario. No fue un estilo unificado, pero sus artistas pretendieron ofrecer una mirada crítica sobre la realidad, percibida como fuente de malestar individual y social.

Emil Nolde: fue un importante pintor del expresionismo alemán, 🤬 destacado de Die Brücke y odiado como ninguno por los nazis, que le dieron un puesto de honor en la lista de artistas degenerados, que como sabemos contaba con la flor y nata del arte moderno. Con la llegada de los nazis se da una paradoja: Nolde simpatizaba bastante con estos muchachos, ya que compartía antisemitismo y demás ideología, pero su arte era demasiado moderno para Hitler y cía… así que acabó siendo retirado de museos y exposiciones.

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Nació el 4 de noviembre de 1875 y fallecio el 13 de julio de 1964

En sus pinturas desarrolló el retrato, el género del paisaje y las naturalezas muertas, destacándose especialmente por su interés en la representación de objetos cotidianos y sencillos como, por ejemplo, un florero, un tarro de conservas o una puerta.
En sus comienzos su obra se enmarca dentro del realismo romántico, progresivamente fue evolucionando hacia una forma de impresionismo de corte intimista, pero siempre se mantuvo al margen de las corrientes pictóricas del momento. Si bien también realizó retratos, es la naturaleza, bajo la forma de bodegones y paisajes, la que ocupa el centro de su creación.

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Las señoritas de Avignon, de Pablo Picasso, España, 1907.

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- Movimiento artístico creado por Pablo Picasso y Georges Braque entre 1907 y 1917.
- Son figuras de la naturaleza pintadas utilizando las figuras geométricas.
- Se utilizan colores pictóricos apagados los grises verdes y marrones.
Algunos artistas:
- Juan Gris
- Louis Marcoussis
- Jean Metzinger

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Este movimiento nace en 1916 y convocó a exponentes del arte, música y literatura.  Valora la duda, la rebeldía, la destrucción, lo católico y lo espontáneo. Los fundamentos del dadaísmo son, esencialmente, los siguientes: Protesta contra las convenciones artísticas de la época a través del humor, la irreverencia y lo ilógico.

Los principales representantes del dadaísmo :Marcel Jank, Jean Arp, Hans Richter, Richard Huelsenbeck, André Bretón, Guillaume Apollinaire, Louis Arangón, Pablo Picasso, Vasili Kandinski, Giuseppe Ungaretti y el célebre Marcel Duchamp

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Movimiento Artístico de los años XX se utilizaban  óleos y ceras, con diferentes objetos ,  aquí es donde se llega al uso de anuncios publicitarios, carteles, botellas, las famosas latas de conserva, etc.
Fue un movimiento que rompió con los principios y criterios tradicionales pero las elevaba al nivel de una obra de arte para que cualquier persona la entendiera.
Se usó el fotomontaje y el collage Adicionalmente, las obras tenían un tono irónico, sarcástico y humorístico.

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El friso cinético, fue diseñada por Matilde Pérez, y montada en el centro comercial Apumanque en el año 1982

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Matilde Pérez Cerda, pintora, escultora y artista visual. Nació en Santiago, Chile, el 7 de diciembre de 1916 y murió en la misma ciudad el 02 de octubre de 2014.

Precursora en América Latina del llamado arte cinético, supo resistir por años un medio reacio a la novedad, donde costaba mucho exhibir algo distinto y donde durante un largo tiempo nadie comprendía o se interesaba por su trabajo, según ella misma recuerda.

Siempre atenta a “lo que no se repite, porque cuando algo se empieza a repetir se agota”, ha combinado los más diversos materiales y técnicas para volcar una mirada que apuesta por que “el ojo se mueva”.

Las obras de Matilde Pérez reclaman ser vistas desde muchas perspectivas personales y simultaneas desde la profundidad, el movimiento o del cambio permanente de la luz, el reflejo y el color. En sus secuencias lumínicas operan otros desafíos: estas responden a una base ordenada desde las matemáticas que establecen formas geométricas. Es allí donde la obra se completa en el ojo del espectador. Otra característica de la artista es que no titula sus obras, prefería que frente a sus creaciones nadie fuera inducido ni sesgado, que cada uno tuviera una percepción libre. Le gustaba que sus obras tuvieran siempre nuevas posibilidades y dimensiones de interpretación.

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El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización.

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León Ferrari la piensa, siente y produce a partir de una radical oposición frente la guerra de EEUU contra el pueblo de Vietnam.

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Arte conceptual (desde 1960 en adelante)                                             “La civilización occidental y cristiana”- 1965, León Ferrari 

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Arte conceptual (desde 1960 en adelante)                                             “La civilización occidental y cristiana”- 1965, León Ferrari 

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el Arte Conceptual es un movimiento artístico, donde la ejecución es algo superficial. Lo realmente importante es la planificación y las decisiones que se toman de antemano. A veces la obra de arte conceptual es el boceto y no la obra final. Y en los años 60, eso causó una conmoción al contemplar las posibilidades de este arte para transmitir una idea política o social.

León Ferrari es uno de los referentes más destacados del arte argentino y su obra La civilización occidental y cristiana, es una reflexión crítica sobre la Guerra de Vietnam (1965) y la civilización occidental y cristiana. Las censuras, las respuestas del público, las opiniones de prensa y las respuestas del artista forman parte de esta paradigmática obra. Merecidamente, su obra, que es conceptualmente bella,  hoy es más valorada que vapuleada… He aquí nuestra valoración de un artista que supo manifestar a través del arte su postura frente a las instituciones religiosas, la guerra, y por supuesto, la dictadura militar que sufrió argentina

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Salvador Dalí, “La persistencia de la memoria”, 1931

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El surrealismo (1924–1966)
En sus comienzos el surrealismo era un proyecto esencialmente literario, pero poco a poco fue infectando a las demás disciplinas artísticas (pintura, escultura, fotografía, cine…).

Se encuentra basado en el subconsciente y como es algo tremendamente personal, no hay un «estilo surrealista». Cada autor lo vivía a su manera, pero podemos distinguir en líneas generales dos formas de arte surrealista:

Una automática, espontánea y fluida, con universos figurativos propios.

Una naturalista, que muestra con figuración a veces hiperrealista el mundo de los sueños y el inconsciente.

El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original, en el sentido que el artista muestra su faceta más individual, aunque es curioso, pues el arte surrealista tiene algo universal, que todos podemos entender. Hasta los niños pueden captar si algo es surrealista o no.

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El expresionismo abstracto (1943–1965) fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.

Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales.

Los expresionistas abstractos fueron unas personas fascinadas por la soledad y el proceso. Individualistas, decidieron mostrar el carácter expresivo del arte investigando en búsquedas personales, más que colectivas. El artista desalentado por su contexto político y social se refugia ahora en su interior y abandona toda referencia externa. Se valora por tanto el gesto, una especie de huella dactilar del artista, porque es algo único de cada uno.

Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo. La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto directo consigo mismo. Este automatismo podría derivar del surrealismo, que aún estaba vivo en esos años.

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Embarcadero en espiral, 1970, Robert Smithson

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Este surgió entre los años '60 y 70', se caracteriza por la utilización de la naturaleza, su propósito es  alterar en sentido estético y artístico el paisaje, sin realizar ningún daño a este, las obras finales siempre poseen una apariencia final que es juzgada como híbrido entre escultura-arquitectura en el paisaje. Los principales materiales utilizados son piedras, hojas y palos. El principal exponente fue Robert Smithson.

Otros artistas destacados son: Andy Goldsworthy, Richard Long, Ha Schult, Nancy Holt y más.

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Arquitecto y artista Chileno 1918 - 1993

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Arquitecto de la Universidad Católica , a los 25 años realizó su primera exposición individual de acuarelas, 1947 estudia en Nueva York y comienza a trabajar en 1947 en el Atelier 17 de grabado con Stanley William Hayter, quien había llevado las técnicas de reproducción al campo de la creación artística . En 1959 crea el Taller 99 revolucionará la percepción del grabado en Chile y propiciará el interés por él de los artistas jóvenes y por muchos años fue el director del museo de Bellas Artes. Fue exiliado y en marzo de 1990, reasumió la dirección del Museo de Bellas Artes de Santiago, cargo en el que permaneció hasta su muerte, y en agosto reanudó el programa Ojo con el Arte

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Invasión, acrílico sobre tela 280 x 150 cm, 2018

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CARLOS MATURANA (Bororo)
Artista perteneciente al neoexpresionismo chileno. Identificado con la generación del 80, nació en Santiago de Chile el 10 de noviembre de 1953.

En 1972 entra a la Escuela de Arte de la Universidad de Chile, donde egresa. En 1981 desempeña como profesor titular en la misma escuela.
El principio de su pintura es la mancha.

Se caracteriza su obra por ser gestual, de brochazos intuitivos, de chorreados expresivos y mancha directa, sin restricciones. La potencia del color y el dibujo elemental, de una gráfica muy simple, casi infantil, conforman un universo que se mueve entre lo abstracto y lo figurativo. Allí la intensidad y la pasión del artista desemboca en una subjetividad que da forma a distintas dimensiones y perspectivas en la tela. El trabajo de Carlos siempre ha estado muy ligado a su forma de vida, al dibujo infantil, al chorreo directo, al furor cromático, evocadores de su apasionada forma de enfrentar la vida y sus telas.

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Nació el 24 de enero de 1956

Resalta un tratamiento en sus obras donde se aprecia una clara carga simbólica; esto remite a la intención de recuperar el lenguaje y oficio propio de la pintura perdido con la tendencia conceptual, movimiento que había penetrado en Chile. En su trabajo busca volver a lo tradicional, plasmando la subjetividad del artista en la obra, privilegiando la expresión versátil y gestual de la pintura a través de imágenes y sucesos simultáneos en un mismo espacio.
Utiliza recursos tradicionales como óleo y acrílico, rescatando la técnica de la acuarela como medio para representar una gráfica infantil, a partir de la cual da un tono lúdico y gestual a sus obras.

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Año: Surgido a finales de los años 60 y principios de los años 70 en Alemania

Artistas: Baselitz, Kiefer, Immendorff, Auerbach, Basquiat, Schnabel.

Las pinturas neoexpresionistas suelen ser “agresivas”. Una característica que se enfatiza con la pincelada violenta y contrastes explosivos de color. Y en esa pincelada cargada, empastada, a veces notamos que la pintura se ha mezclado con arena, yeso, paja u otros materiales para darle más cuerpo.

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Año: 70 y 80

Artistas: Achille Bonito Oliva, Sandro Chia

La transvanguardia es la versión italiana del neoexpresionismo que describe a un movimiento artístico que se trasladó por medio de Italia y otros lugares de Europa Occidental.

La Transvanguardia es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad, que también corresponde al nomadismo o libertad de reciclar lenguajes del pasado, por medio de revitalizar fragmentos específicos. Se distingue, por la posibilidad que tiene el artista de transitar libremente por cualquier época o estilo del arte del pasado, adquiriendo todos aquellos fragmentos o referencia de otros autores que más le interesan para la consecución de su propia obra.

Algunos artistas de este movimiento buscaron su inspiración en las raíces de la pintura italiana, cuna del arte moderno europeo, revitalizando el concepto de genius loci. De este modo, se inspiraron y reinterpretaron composiciones, esquemas y motivos históricos de su pasado artístico.

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Pintor , nació en 1962 y muere de Cancer en el año 2008, muy joven , dejando un legado pictórico importante. Fue alumno de Carlos Maturana, Bororo  y su trayectoria estuvo ligada a las de José Ignacio León, Matías Pinto y Samy Benmayor.   Se identifica con lo que se denomina la corriente neoexpresionista, perteneciendo a la generación de artistas locales que buscó recuperar el lenguaje pictórico, separado de la influencia conceptual de los años ochenta.

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Roberto Sebastián Matta Echaurren nació el 11 de noviembre de 1911 en Santiago, Chile. Falleció el 23 de noviembre de 2002 en Civitavecchia, Italia.
Estudió arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile, titulándose en 1935, y fue alumno del artista Hernán Gazmuri (1900-1979), primero en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y, posteriormente, en su Academia Libre de Artes Plásticas.

Considerado uno de los grandes artistas chilenos del Siglo XX, último representante del movimiento surrealista y pieza clave para entender el expresionismo abstracto norteamericano.

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Pintor Chileno - 1952 -1998 -  Obra: Via Lactea - Metro Baquedano

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Comenzó su carrera artística en los años 1970 como conceptualista en la llamada Escena de Avanzada, nombre que recibe un conjunto de obras, artistas y escritores que tienen lugar en la escena artística chilena posterior al golpe Militar. Estudió Bellas artes en la Universidad de CHile y  fue profesor de la cátedra de pintura desde 1974 a 1981, después de obtener dos becas para perfeccionar sus estudios en Italia, en 1978 se radicó en Florencia.

Durante su estadía en Florencia incursionó en el área de la gestión cultural y las realizaciones fílmicas. Su participación en exhibiciones individuales y colectivas le transformó en incansable viajero.

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Patricia Israel Korenblit, pintora. Nació en Temuco, Chile, el 18 de febrero de 1939. Falleció en Santiago el 21 de Noviembre de 2011.
Realizó sus primeros estudios artísticos en la Academia de Escultura de Tótila Albert desde 1953 a 1957. Entre 1958 y 1962 estudió pintura y grabado en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y egreso en 1962.

Desarrolla un interesante trabajo artístico, tanto con óleo, acuarela, acrílico como con diversas técnicas del grabado. A fines de la década del noventa comenzó a utilizar collage y objetos tridimensionales enmarcados en el formato del cuadro.

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Nació en 1971 en Rancagua, Chile.

Es licenciada en Arte por la Universidad de Chile, con un Magíster en Artes Visuales y Magíster en Artes, este último cursado en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde se desempeña como docente desde el año 2006.

Jarpa ha exhibido su trabajo en numerosos países de América, Europa y Asia. Los temas de sus obras giran en torno al paisaje y especialmente sobre territorios baldíos y sitios eriazos emplazados en medio de la ciudad. Y es a partir de elementos como el color y la composición y de la experimentación con soportes no tradicionales, investigó las posibilidades de la representación y los límites de la propia pintura, para más tarde incursionar en la instalación.

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“Cópula cósmica” (1970) de LILY GARAFULIC. Bronce, 38 x 20 x 20 cm

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Pone énfasis en la autonomía de los medios y el lenguaje de la escultura y se concentra en la exploración de las formas, lo que se refleja en las características especiales del juego con los volúmenes que logra por el contraste entre las superficies curvas y rectas, cuestiones que responden a una búsqueda espiritual y a su naturaleza sensible. Entre 1973-1977 se desempeñó como Directora del Museo Nacional de Bellas Artes y obtuvo el Premio Nacional de Arte en 1995.

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Pintor. Nació en Santiago, Chile, el 8 de marzo de 1935.
Inició sus estudios artísticos en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. fue galardonado con el Premio Nacional de Arte 2001
Iniciado su trayectoria artística se sumerge dentro de un lenguaje abstracto. En una primera etapa, sus pasos se encaminaron hacia la abstracción, para después ir paulatinamente acercándose a un arte figurativo antropomórfico (sin rostro, sexo, edad, etc.) que buscaba reflejar una determinada idea espiritual, cercano a lo místico, del hombre.

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Representa el cuerpo humano de diferentes formas: el desnudo transmutado, desintegrado o diáfano, con el objeto de hablar de sus propias experiencias y emociones. Otro elemento que se reitera a menudo en sus creaciones es la envoltura, la ensoñación y el misterio que de algún modo tiene que ver con la incógnita existencial del artista, la falta de certezas, las incertidumbres, las interrogantes inexplicables de la vida.