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Klara W.

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Louis Bourgeois - Übersicht - Klara Wolska

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Klara W.

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Louis Bourgeois - Personages - Klara Wolska

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Die Radierungsserie À l'infini (2008) besteht aus vierzehn Werken

Großformatigen, von Hand überarbeiteten Blätter -> zeigen Linien, die sich begegnen und verknoten

Sie bilden Ausformungen wie Blasen, Zellen oder ineinander verschlungene, menschliche Körper und erinnern – blutrot gemalt – an Blutbahnen

Zugleich können die Werke in À l'infini („Bis ins Unendliche") als Bilder für die Zeit, für den Lebensweg des Menschen gelesen werden

In den Arbeiten aus Stoff der letzten, bemerkenswert produktiven Schaffensphase der Künstlerin verselbständigt sich der Faden -> zu einem Muster, zu einer abstrakten Formation von großer Schönheit    (Ausstellung: Freunde der Kunsthalle)

Susanne

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ein paar der letzten Ausstellungen:

2015 ->

Moderna Museet, Stockholm, Schweden “I Have Been to Hell and Back” (solo)

2014 ->

Tate Modern, London, UK, “Louise Bourgeois: Works on Paper”(solo)

2014 ->

Cheim & Read, New York, USA “Suspension”(solo)

2013 ->

rare und wichtige Arbeiten, private Kollektion, Galerie Karsten Greve, Paris, Frankreich (solo)
- Johanna

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- Louise Bourgeois wurde 1911 in Paris geboren
- nach ihrem Vater Louis benannt.
- Die meiste Zeit des Jahres lebte ihre Familie im Stadtviertel St. Germain in einer Wohnung über der Galerie, wo ihre Eltern Wandteppiche verkauften.

- Die Familie hatte auch eine Villa und eine Werkstatt auf dem Land, wo sie ihre Wochenenden damit verbrachten, antike Tapisserie zu restaurieren.

- Während ihrer Kindheit wurde Bourgeois in der Werkstatt als Helferin eingestellt, um zu waschen, zu nähen und zu zeichnen.
- Die Werkstatt wurde von Bourgeois' Mutter Josephine geleitet, der sie sehr nahe stand.

- Als Jugendliche besuchte Bourgeois die Mädchenschule Lycée Fénelon in Paris.
- Spannungen im Haushalt, insbesondere die Tatsache, dass die Geliebte ihres Vaters (die auch die Privatlehrerin von Louise war) bei der Familie wohnte, würden später das hochautobiografische Werk von Bourgeois prägen.
- Johanna

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"Meine Erinnerungen sind von den Motten durchgefressen"
--> Bezug auf das Kunstwerk Spider 1997: Teppichfetzen wie eine lückenhafte Erinnerung; der verlassene Bereich unter der Spinne, der eine Geschichte erzählt, die teilweise in Vergessenheit geraten ist

"Ich bin eine einsame Läuferin. Aber eine Langstreckenläuferin"
--> Sie war oft alleine, aber hat nie aufgegeben

"To be an artist, you need to exist in a world of silence"

Zum Zitat "Ich brauche meine Erinnerungen. Sie sind meine Dokumente":
-> dieses Zitat hat Louise Bourgeois in ihre erste Zellen-Installation von 1991 gestrickt
-> Thema Erinnerung als Leitfaden durch ihre Werke
-> Bourgeois Gestaltungen gehen hervor aus den Erinnerungen aus den Tiefen der Vergangenheit, die in den hinteren Ecken des Bewusstseins fortbestehen

~ Natalie

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Die Ausstellung in der Fondation Beyeler

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Die Ausstellung in der Fondation Beyeler

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Die Fondation Beyeler präsentiert zudem zum 100. Geburtstag von Louise Bourgeois eine Ausstellung, die mit rund zwanzig Exponaten, darunter Skulpturen aus allen Jahrzehnten, eine hochkarätige Auswahl aus ihrem Werk zeigen wird und zentrale Themen ihres Schaffens behandelt.
Als Höhepunkt präsentiert sie im Vorfeld der Ausstellung ihre berühmte und grösste Spinnenskulptur Maman (1999) auf dem Bundesplatz in Bern, dem Bürkliplatz in Zürich sowie in Genf.

Hier ist ein kleiner Ausschnitt der Schweizer Tagesschau, welcher von dieser Ausstellung berichtet. Ihr könnt in diesem kleinen, aber interessanten Video einen Einblick in diese Ausstellung bekommen und vor allen Dingen die Skulptur "Maman" aus anderen Blickwinkeln betrachten. :)
https://www.srf.ch/play/tv/tagesschau/video/bourgeois-in-basel?urn=urn:srf:video:4c487aa2-47a2-40a2-af58-251dabae185d&station=69e8ac16-4327-4af4-b873-fd5cd6e895a7

= Sophie

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Zu erkennen ist ein Beutel, welcher netzartige Strukturen aufweist. -> Analogie zur Webkunst der Spinne und Metapher Bourgeois Mutter. In diesem Netz sind weisse eierförmige Elemente zu erkennen, welche die Eier der Spinne darstellen könnten. Hiermit würde die Bedeutung von Schutz (durch die Beine der Spinne als schützende Funktion unmittelbar oberhalb des Beutels) wieder aufkommen, die Louise Bourgeoise diesem Tier zuspricht.
Interessant ist, dass die Skulptur 9 Meter gross ist und somit eine Vielzahl an Menschen unter ihr Platz finden könnten. Sie würden in dem Moment, wo sie unter der Skulptur stehen, auch in die beschützende Rolle treten und somit das Kunstwerk und die Künstlerin womöglich auf eine andere Weise (wahrscheinlich sogar besser) kennen- und verstehen lernen. So würde das Kunstwerk von Außen aus betrachtet für die meisten Menschen abschreckend und Angst einflößend wirken, wo man hingegen "innerhalb" der Skulptur andere Emotionen verspüren könnte, wie zum Beispiel Geborgenheit oder Schutz.

= Sophie

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Allgemein:

"Maman" ist das französische Wort für "Mama"

größte Skulptur (9,27 × 8,92 × 10,24 m, 8165 kg) aus der Spinnen-Serie der Künstlerin

die Skulptur wurde 1999 von Bourgeois im Rahmen ihrer Antrittskommission der Unilever Series (2000) in der Turbinenhalle der Londoner Tate Modern geschaffen

das Original wurde aus Stahl mit einer Auflage von sechs nachfolgenden Gussteilen in Bronze erstellt

enthält einen Sack mit 32 Marmoreiern und  Bauch und Thorax sind aus gerippter Bronze

Schlüsselwerk zum Verständnis von Bourgeois' Kunst: Hommage an ihre Mutter

Thema der Arachnida (Spinnentiere, Kieferklauenträger) auf, die Bourgeois 1947 erstmals in einer kleinen Tinten- und Kohlezeichnung in Betracht gezogen hatte

setzt sich mit ihrer Skulptur Spider aus dem Jahr 1996 fort

"The Spider is an ode to my mother. She was my best friend. Like a spider, my mother was a weaver. My family was in the business of tapestry restoration, and my mother was in charge of the workshop. Like spiders, my mother was very clever. Spiders are friendly presences that eat mosquitoes. We know that mosquitoes spread diseases and are therefore unwanted. So, spiders are helpful and protective, just like my mother."

— Louise Bourgeois

permanente Ausstellungsorte (Bsp.) :
Zusätzlich zur Skulptur aus rostfreien Stahl, die im Besitz des  Tate Modern, London ist, befinden sich weitere Bronzegüssen an folgenden Orten:

Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, Missouri, USA

Samsung Museum of Modern Art, Seoul, Südkorea

Qatar National Convention Centre, Doha, Katar

Pappajohn Sculpture Park, Des Moines Art Center, Des Moines, Iowa, USA

temporäre Ausstellungsorte (Bsp.) :

Roppongi Hills, Tokio, Japan, 2012 – 2013

Qatar National Convention Centre, Ad Dawha, Katar, Februar 2014

Palacio de Bellas Artes, Mexiko-Stadt, Mexiko, 15. November 2013 – 2. März 2014

Moderna Museet, Stockholm, Schweden, Januar 2015

= Sophie

Maman vor der National Gallery of Canada:

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Definition:
Assemblagen sind Collagen mit plastischen Objekten, also dreidimensionalen Elementen, die auf einer Grundplatte montiert sind.
Die Assemblage entsteht durch die Einbeziehung von nicht spezifisch künstlerischen dreidimensionalen Materialien und "Fundstücken", dh. Alltagsgegenständen.
-> additiver Prozess, der sich immer auf ein dreidimensionales Werk bezieht
-> diese künstlerische Technik ist unter anderem in der Werkreihe "Cells" anzufinden
-> Alltagsgegenstände in "Cells": wie u.a. Spiegel, Stühle, Tische, Kleidung, Lampen, Betten
-> Auch Worte wurden zu Bestandteilen von ihren Assemblagen, so in ihrem ersten Werk der Reihe "Cells" 1991, bei welchem auf einer Unterlage auf dem Bett die Worte  "I need my memories , they are my documents" eingestickt stehen

Susanne

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- Entstehung zwischen 1946 und 1947

- hinterfragt die Identität der Frau, was eine Frau ausmacht/ausgemacht hat

- Frustration, Wut, Angst

- sie ersetzt weibliche Körperteile mit Häusern —> “femme maison” = Hausfrau

- Ziel ist es die Frau (oder das allgemeine Frauenbild) als unsinnig darzustellen —> Figuren wollen sich verstecken und wissen nicht, dass sie dargestellt werden

—> fühlen sich in ihrem Haus sicher, obwohl sie sich entblößt in der Öffentlichkeit befinden —> gesellschaftliche Abkapselung der Frau durch Anforderung Hausfrau zu werden —> Verlust der Realität, befinden sich in ihrer eigenen Welt/ Bubble

kritische Darstellung des damaligen Frauenbildes

—> Kontrast zwischen organischer Figur und statischer Architektur veranschaulicht Unterschiede zwischen gesellschaftlichen Anforderungen/ Erwartungen und den eigenen Empfindungen und Wünschen

(das Haus könnte die Vielschichtigkeit einer Frau darstellen,

Obwohl das Haus schwer ist, steht/ präsentieret sich die Frau aufrecht und selbstsicher)

-Anouk

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„Die Feministinnen nahmen mich als Vorbild, als Mutter. Es stört mich. Ich bin nicht daran interessiert, Mutter zu sein. Ich bin immer noch ein Mädchen, das versucht, mich selbst zu verstehen.”

“Kunst ist eine Garantie für den gesunden Menschenverstand.”

„What modern art means is that you have to keep finding new ways to express yourself, to express the problems, that there are no settled ways, no fixed approach. This is a painful situation, and modern art is about this painful situation of having no absolutely definite way of expressing yourself.“

“I need to make things. The physical interaction with the medium has a curative effect. I need the physical acting out. I need to have these objects exist in relation to my body.”

-Anouk

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Gerichtetheit

Spinne: Die Spinne wirkt zum einen so, als ob sie den Raum unter sich erdrücken würde, aber auch so, alles ob diese auf ihm schwebt.

Erdrücken:
- der „schwere“, runde Körper in der Mitte, der durch seine Lage im Bezug auf die Beine den Eindruck verschafft, schwer zu sein
- der Beinbereich zwischen den beiden Gelenken wirkt z.T. so, als würde dieser sogar durchhängen und zieht so das Gewicht nach unten, bzw. zum nächsten Gelenk

Schweben:
- durch die Stellung der oberen Gelenke, wirkt die Spinne auf gewisse Weise langgezogen bzw. verbreitet sich im ganzen Raum
- da die Beine zum Boden hin immer dünner werden, verlagert sich das Gewicht dieser nach oben (bzw. zum nächsten Gelenk) und verleiht so eine Art Leichtigkeit

Die unteren Gelenke dienen so als eine Art Verknüpfungspunkt zwischen der Gerichtetheit der Beine

Käfig: Der Käfig richtet sich mit seiner Abtrennung zum restlichen Raum eher nach Innen. Vor allem der Stuhl zentral in der Mitte verstärkt dies.

- Die Reste von der Undurchsichtigen Verkleidung suggerieren, dass der Raum einmal für sich abgeschlossen war und verdeckt so, je nachdem wo man steht, die Sicht ins Innere

- Der Stuhl, als ein Objekt des Ausruhens und mit der Funktion sich in ihn rein zu setzen Strahlt so auch eine nach Innen gerichtete Gerichtetheit aus (nicht kompositorisch)

-Anna

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Link zum Video: „Louise Bourgeoise peels a Tangerine“

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Link zum Video: „Louise Bourgeoise peels a Tangerine“

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Ich finde es sehr interessant im Bezug auf ihre Beziehung zu ihrem Vater

- Anna

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Werk - The destruction of the father (1974) 

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Werk - The destruction of the father (1974) 

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Eckdaten:

Titel: „The destruction of the father“ (dt. „Die Vernichtung des Vaters“)

Jahr: 1974 (über 20 Jahre nach dem Tod ihres Vaters)

Erstes Werk mit weichen Materialien in großem Maßstab, erste „in sich geschlossene Installation" (Environment)

Eine der zahlreichen Arbeiten zum Thema „The destruction of the father“ --> Auseinandersetzung und Verarbeitung des schwierigen Verhältnisses der Künstlerin zu ihrem Vater (v.a. in der Kindheit)

Beschreibung:

Materialien: Latex, Gips, Holz, Stoff, rotes Licht

Szene in einem geschlossenen Raum, einer Art Kasten, beinhaltet biomorphe Gebilde

-> Große beulenartige. Halbkugeln ragen aus der mit Stoff bedeckten Decke und dem Boden, sind um eine Art Tisch gruppiert, auf dem sich kleinere Eingeweide ähnelnde Formen befinden

Szene erinnert an Esszimmer (wg. Tisch) bzw. auch an ein Schlafzimmer --> Stoff an der Wand

Analyse:

in sich geschlossener Raum (formal und thematisch) --> Environmment

-> Intim, Gefängnis/Schutzraum, klaustrophobischer Effekt

Einansichtig -> en face

-> Ähnlich wie im Theater, Betrachter ist Beobachter der Szene, Außenstehender, passiv -> kann nicht eingreifen,
Effekt verstärkt durch „Barriere“ zum Tisch, gebildet durch Halbkugeln vorne

Rote Farbe des Lichts -> Assoziation: Blut, Gewalt, Aggression              -> Untermalung des Gewaltcharakters Szene, Dramatisierung

Stoff an der Wand -> dunkelt den Raum ab -> intime, klaustrophobische Atmosphäre

Konvexe Halbkugeln -> raumabweisend, nahe beieinander -> gewisse Massivität, Unverrückbarkeit, gedrängt

- ragen/dringen in Raum ein, verkleinern ihn -> klaustrophobisch

- im Vergleich zu Gebilden auf dem Tisch --> größeres Raumvolumen -> „mächtiger“, bedrohlich

Runde Form, hautähnliche Farbe und weiche Beschaffenheit des Materials wirken organisch, erinnern entfernt an menschliche Haut, abstrakt

Anordnung/Ausrichtung: Decke und Boden einander „zugewandt“, dringen in Raum ein, „umzingeln Tisch“, kein „Ausweg“

-> lenkt Fokus auf Mitte der Installation, eine Art Rhythmus (ungeichwertig) -> gewisse Dynamik, trotz eig. Statik wegen konvexer, simpler Kugelform

Blickführung: „hin und her“, von oben nach unten, wieder zurück -> endlos, „Teufelskreis“ -> gefangen, Blick verlässt Installation nicht

Interpretation:

Beulenartige Figuren -> Kinder des Vaters, den sie "zerstört/vernichtet" haben

Gebilde auf dem Tisch -> Überreste des Vaters nach Tötung und Verspeisung (wird impliziert, da er auf dem Tisch liegt)

Brutalität des Gewaltaktes durch Licht verdeutlicht

Darstellung einer Fantasievorstellung aus Bourgeois' Kindheit -> Umbringen des Vaters am Esstisch --> autobiographischer Bezug (typisch für ihre Kunst), besonders wichtig, da das Formen (und Zerstören) von Brotstücken (in Form ihres Vaters) am Esstisch  Bourgeois erste Schaffung von Skulpturen war

Größenverhältnis, evtl. als Ausdruck der Macht der Kinder (in Bourgeois‘ Wunschvorstellung von damals)

Esstisch als Ort des Gewaltaktes -> ironisch, da ihr Vater sie am Esstisch häufig mit Worten terrorisierte

Schlafzimmer -> Anspielung auf den Betrug des Vaters gegenüber der Mutter, da er mit der Mätresse schlief

Position des Betrachters -> Machtlose Position Bourgeois‘ damals, als sie selbst am Esstisch saß & Zurschaustellung/Vorführung des Vaters (Vertauschung der Rollen)

Klaustrophobische Wirkung, und Blickführung -> Aufgreifung des Themas „Gefangensein“ -> Verweis auf psychischen Zustand am Esstisch/ in der Gegenwart ihres Vaters

Halbkugeln könnten evtl. gleichzeitig auch Zähne in einem Mund (ganzer Kasten) darstellen --> kannibalischer Charakter des Werks

die Halbkugeln kamen bereits in früheren Werken vor z.B. Werkreihe „Avenza“ Ende der 1960er, wurden wiederverwendet -> „I redo“

- Valerie

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louise bourgeois the destruction of the father form

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https://www.youtube.com/watch?v=qy7xJhImnLw
(Video,, ähnlicher Stil wie die Doku)

https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/louise-bourgeois/room-guide
--> Link zu einem „Room Guide“ zu einer ehemaligen Ausstellung von Werken Bourgeois im Jahr 2007/2008, Fotos & Erläuterungen zu manchen Werken

- Valerie

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„I transform hate into love“

„I do, I undo, I redo“

"Ich bin was ich tue"

„Ich nehme das Geschehene in die Hand und manipuliere es tatkräftig, um zu überleben“

„Kunst ist Manipulation ohne jedwede Intervention“

- Valerie

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1) Bourgeois studierte anfangs Mathematik und erst nach dem Tod ihrer Mutter im Jahre 1932 fing sie ernsthaft an sich der Kunst zu widmen.

2) Bourgeois betrieb erstaunliche Salons. Ab den 1970er Jahren veranstaltete die Künstlerin zu Hause Sonntag-Salons, die sie selber als "blutiger Sonntag" trocken bezeichnete, zu denen junge Künstler und Studenten kamen, um über ihre Arbeit zu sprechen. Der "Eintritt" war für alle offen. Diese Salons veranstaltete sie wöchentlich bis zu ihrem Tod im Jahr 2010 im Alter von 98 Jahren.

3) Sie gilt als Ikone der feministischen Kunst.

4) Die Künstlerin hatte eine starke Zugehörigkeit zu Tieren und Insekten. Die Kreaturen der natürlichen Welt faszinierte sie, seit ihrer Kindheit. Sie wuchs schon früh im Kontakt mit Tieren auf, wie Schweinen, Enten, einem Esel, usw. Sie versuchte ihr eigenes Verhalten und ihre eigenen Beziehungen zu entschlüsseln und inspizierte die Tiere auf Eigenschaften, die sie mit Menschen teilen könnten. (-> siehe Spinne als Symbol für ihre Mutter: Spider 1997)

5) Louise Bourgeois betonte selber in mehreren Interviews, dass sie nie über ihre traumatische Kindheit hinweggekommen ist. Ihre Arbeit war vielmehr eine Art therapeutischer Prozess. So sagte sie einmal selber, dass Kunst eine Garantie für geistige Gesundheit ist, aber nicht eine für Befreiung.

= Sophie

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Perzept:

Was sehe ich?
- riesige schwarz-braune Spinne über einer kreisförmigen Zelle aus Maschendrahtzaun
- Körper der Spinne liegt in der Mitte vom Dach der Zelle und die langen dünnen Beine werden in alle Richtungen gestreckt
- Tür der Zelle ist leicht geöffnet und mit einem bunt gemusterten Teppich behangen
- der Teppich ist auch an anderen Stellen des Zauns befestigt -> ist hauptsächlich beige-blau
- in der Zelle steht ein Stuhl, über den der gleiche Teppich gelegt wurde

Was denke ich?
- Wie kommt man auf die Idee ein so ekelhaftes Wesen in so riesig zu Konstruieren?
- der untere Teil der Beine der Spinne erinnert an Degen/Schwerter
- Beine sehen leicht aus wie Wurzeln
- Spinne wirkt sehr lebendig und bewegt im Gegenteil zur Zelle und dem verlassenen Stuhl darin
- Gehört eine Person hierein?

Was fühle ich?
- Angst; Ekel
- das Bedürfnis wegzulaufen, weil die Spinne sehr lebhaft wirkt
- die Zelle wirkt wie eine verstaubte Erinnerung, etwas Vergessenes
- erinnert an Tod/Verlust durch die Leere

Analyse:
Form:

- Zelle/Käfig hat die Form eines hohlen Kegels, in dessen Mitte der Stuhl genau unter dem Körper der Spinne steht

--> der Stuhl ist im Kontrast zur Zelle sehr klein, wodurch Leere erzeugt wird, die von dem Gitter als Wand unterstützt wird -> hinzu kommen die Teppichfetzen -> wirkt wie eine lückenhafte Erinnerung, die fast vergessen wurde

-> die Spinne hingegen wirkt stark und standhaft, lebendig und angsteinflößend durch die im Vergleich zum Stuhl und der Zelle viel größeren Beine und das Material -> stellt wohlmöglich ihre Mutter dar, die ihr Schutz geboten hat

--> diese Stärke wird unterstützt durch die schwertähnlichen, spitzen Unterbeine der Spinne, die im Kontrast zu den Rundungen der sonstigen Form der Beine stehen --> kleine Messer, die viel Unheil anrichten können

- der im Vergleich zu den Beinen eher kleine Körper der Spinne lässt die Beine durch seine Größe noch unangenehmer und angsteinflößender wirken

- Körper ruht sich auf der Zelle aus (-> Standhaftigkeit) und die Beine sind annähernd kreisförmig um den Käfig angeordnet, als würde die Spinne etwas bewachen oder andere davon abhalten, sich der Zelle zu nähern, obwohl die offene Tür Neugierde weckt --> gleichzeitig Schutz und Gefängnis

~ Natalie

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Körper- Raum- Beziehung

- positive Form (orange) ist quantitativ grösser als die negative Form (blau)

- positive Form:  vielseitig
-> Spinne als positive Form ist offen, aktiv, aggressiv, dynamisch
-> Zelle als positive Form ist kantig, sperrig: "Abwehr des Raumes"

- negative Form:
-> Spinne: durchbrechend, durchdringend, körperliche Substanz öffnet sich dem Raum, bzw. lässt sich in diesen Eindringen
-> Zelle: umfließend, untergreifend, Energie wird im Innern gesammelt

Kernplastik = Zelle: stereometrisch, blockhafte, leichte konvexe Form, keine konkaven Wölbungen -> "Abwehr des Raumes"

Raumplastik = Spinne: Wechselspiel aus konvexen und konkaven Wölbungen, viele offene und freie Partien (siehe Video)

=> Insgesamt auffällig ist der Kontrast innerhalb der gesamten positiven Form: der Spinne als Raumplastik und der Zelle als Kernplastik

Hier ein Link, damit ihr euch das Werk dreidimensional besser vorstellen könnt, das mir während meiner Erarbeitung sehr geholfen hat:
https://www.youtube.com/watch?v=HuyCw7Wwqs0

Interpretation
metallischer Käfig/Zelle:
-> symbolisiert das Gefangensein ihres psychischen Zustandes, denn ihr Vater wollte keine Tochter und ließ sie das auch spüren
-> symbolisiert ihre Kindheit
-> kann aber auch als ihre Rolle als Ehefrau gesehen werden (Bourgeois ist schließlich auch eine feministische Künstlerin)

Spinne aus Bronze:
-> als Symbol oder auch Ode an ihre Mutter (war ihre beste Freundin und großes Vorbild)
-> Spinne wie die Mutter eine Weberin
-> Verknüpfung zur Klugheit der Tiere, ihren Fleiß, die Fähigkeit zur Selbstverteidigung, aber auch Zerbrechlichkeit
-> Ausbruch aus der Zelle und der Wunsch nach Freiheit

Stuhl:
-> Frau im Inneren des Hauses gefangen: Aufgaben als hausfrau und unmündig
-> kann auch eine Art Thron des Vaters symbolisieren, der dem "König des Hauses" dient

Tappiseriestücke:
-> versinnbildlichen einen Mantel, der der "König des Hauses" trägt

?! Vielleicht hat sich  Louise Bourgeois mit diesem Werk retrospektiv einen unbewussten Kindheitswunsch erfüllt. Dass die Mutter ihren Vater wie eine Beute in ihrem Gewahrsam hält. Schließlich gibt es in der Natur einige Exemplare, die nach dem Geschlechtsakt die Männchen fressen.

?! Die Mutter als Spinne ist trotz der damaligen Umstände über dem Vater als Stuhl/Thron positioniert. Weil sie in den Augen der Künstlerin sehr viel stärker und menschlicher war. Aus diesem Grund wird der Vater auch nicht als lebendige Gestalt, sondern in Form von verarbeiteten Erinnerungen portraitiert.

= Sophie

# data[].attributes.body
- Schöpferische Kraft sucht sie in ihrer Kindheit.
- „zwingendes Bedürfnis zu arbeiten“ -> drückt sich in ihren Werken aus
- erste Skulpturen aus Brotstücken: „my first little Skulpturen“
- Elter wollten einen Jungen
- hat viele qualitative Spätwerke (bis in ins Alter von 94 Jahren)
- leidet unter Schlafstörungen -> nimmt keine Schmerztabletten
- viele Zeichnungen bestehen aus 5 Elementen (5-köpfige-Familie)
- „Formen sind einfacher geworden, Beziehungen untereinander dagegen Komplexer“
- Die Skulptur hat nicht‘s mit dem Künstler zu tun und soll für sich stehen.
=> Sie findet es deshalb belanglos, sie danach zu fragen, was sie in ihrer Arbeit sieht.
- Sie geht einem Thema so lange nach, bis sie es erfüllt hat. / Zerstören und Zerlegen von den Skulpturen so lange bis sie ihr gefallen.
- Sie hatte einen ruhelosen inneren Drang/ ruheloser Wunsch noch mehr zu erschaffen.
- Arbeiten haben starke emotionale Motive, sind aber formaler Kontrolle untergeordnet.

- Amelie

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-Zeitgenössische Kunst

-Surrealismus

-Feministische Kunst

-Moderne

-Moderne Kunst

{Milena}

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„Success could not kill me because it came so late “- Louise Bourgeois

“ In Paris you are a prisoner of a certain taste and certain chic” - Bourgeois

“Die Skulpturen stehen für sich” jeder muss für sich selbst sehen was er in ihnen sieht. - Bourgeois

Djamila

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– Louise Josefine Bourgeois wurde am 25.12.1911 in Paris geboren

- fühlte sich immer unwohl in Paris -> ist nach New York ausgewandert, wo sie auch eine fünfköpfige Familie hat (Louise, Robert ihr Mann, Alain, Jean-Louis und Michel)

- ihre Mutter ist Feministin, sie wusste von den zahlreichen Mätressen ihres Mannes und ließ sie ins Haus (bei sich wohnen). Die Frauen waren dann offiziell Lehrerinnen für Louise etc.

- sie half schon mit 8 Jahren im Familienbetrieb, ein Tapetenladen, beim Ausbessern mit

- Durch ihre Schlafstörungen hat sie Nachts viel Zeit, die sie mit  skizzieren verbringt

Djamila

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- Ihr Vater ließ sie spüren, dass sie als Mädchen unerwünscht gewesen ist
- Das Kneten von Brot kann man als ihre erste skulpturale Arbeit sehen -> eine Art der Flucht vor ihrem Vater)
- Die Mitresse des Vaters lebte zehn Jahre lang im familiären Haushalt -> Die Wut/Hass auf ihren Vater staute sich umso mehr
- Ihre Mutter war für sie wie eine "beste Freundin"
- Der Tod ihrer Mutter führte zu einem Suizidversuch -> ihr Vater rettete sie vor dem Ertrinken in der Bièvre
- Daraufhin studierte sie Kunst, zum Trotz ihres Vaters
- Durch die ständige Hervorrufung der traumatisierenden Erlebnisse und dessen Konfrontation in ihren Werken, versuchte sie sich ihren Ängsten zu stellen, um diese zu überwinden

Susanne

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- Serie von architektonischen Räumen und Situationen
- In diesen Räumen platzierte sie Gegenstände und Objekte mit autobiographischer Bedeutung
- Bis kurz vor ihrem Tod schuf Bourgeois 60 Cells
- Wiederkehrende Motive: Spinne (Mutter-> Weberin), unterschiedliche Selbstdarstellungen, Spiegel, Käfige (Schutzfunktion und Gefängnis zugleich), etc.
-  Für sie symbolisierten die Zellen physischen, emotionalen und psychologischen, aber auch mentalen und intellektuellen Schmerz
- Für Louise war die Arbeit eine Form von Psychoanalyse, auch eine Art Verarbeitungsprozess ihrer Psyche

Susanne

Austellungsfilm "Louise Bourgeois. Strukturen des Daseins: Die Zellen" : https://www.youtube.com/watch?v=LMXQz2AsKQk

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Dieser Verheißung wird im Werk von Bourgeois, der Amerikanerin mit französischen Wurzeln, allerdings das Dunkle zur Seite gestellt. Keine Erlösung ohne Hölle, keines ihrer Werke ohne Erinnerungen und Schmerz. Bezeichnend für die Künstlerin, dass der Titel die mögliche Selbstermächtigung gleich wieder zurücknimmt: „No escape" - kein Entrinnen. Das Thema Schmerz - so ein Zitat aus einer Zelle - wäre ihr „Geschäft", dessen war sich die Künstlerin sicher.

Prolog. Zurück in die Vergangenheit

„No escape" ist ein Vorläufer zu den ab 1986 entstehenden „Zellen". 1980 hatte sich die Künstlerin ihr Atelier in einer stillgelegten Näherei in Brooklyn eingerichtet. Dass sie sich gerade in einer Näherei niederließ, ist wohl kein Zufall, begann Bourgeois doch Kreativität und Fingerfertigkeiten als Restauratorin von Tapisserien in der Werkstatt ihres patriarchalen Vaters zu entwickeln. Die Mutter sah Louise Bourgeois zeitlebens als „die Spinnerin", verkörpert durch die antike Figur der Arachne, gefangen in ihrem kranken Körper und verdammt zu ihrer Profession.

Die künstlerische Karriere von Louise Bourgeois setzte nach einem Mathematikstudium in den 1940er Jahren ein, als sie vornehmlich in Zeichnung, Malerei und Druckgrafik arbeitete. In frühen druckgrafischen Arbeiten tauchen bereits Räume und architektonische Versetzstück auf, wie in „He Disappeared into Complete Silence" (1947). Auch wenn sie häufig in die Nähe des Surrealismus gerückt wurde, sprach sich Bourgeois immer gegen eine Reduktion ihrer Kunst darauf aus. Im Jahr 1949 stellte sie erstmals Skulpturen aus der Serie „Personages" (1947-1950) aus. Die stelenartigen, schlanken und vor allem stark abstrahierten Skulpturen haben formal eine entfernte Verwandtschaft mit Constantin Brancusis Werken, vor allem dessen wiederkehrenden Vogel-Motiv. Ohne Sockel und unterlebensgroß stehen Bourgeois' Skulpturen am Boden. Rhythmus, der Gegensatz zwischen Innen und Außen, die Reduktion auf ein Minimum an Andeutung, das Prinzip des Wachsens, aufgeladene, scheinbar erklärende Titel - all das verbindet Bourgeois' Frühwerk mit dem des aus Rumänien stammenden Franzosen. Einzig seine Begeisterung für perfekt glatte Oberflächen scheint sie nicht zu teilen, weisen die „Personages" eine deutlich vielfältigere Behandlung auf als Brancusis Arbeiten.

The Destruction of the Father

Erst im Jahr 1974 gelang Louise Bourgeoise mit „The Destruction of the Father" der „Vatermord" im Freud'schen Sinn. Die rot beleuchtete Installation besteht aus blasenförmigen Elementen, Follikel, die rund um einen Tisch und/oder eine Bahre angeordnet sind. Die bühnenartige Inszenierung wirkt wie ein Bild von der Zerstörung des tyrannischen Patriarchen und der zeremoniellen Auslöschung seines zermalmten Körpers. Die Tochter Louise war über die jahrelange Untreue ihres Vaters so empört, dass sie ihre Gefühle nur über einen symbolisch kannibalischen Akt, der gleichzeitig die Einverleibung des Vaters bedeutete, Herr werden konnte.

„Articuated Lair" (1986) stellte für Louise Bourgeois ihre erste Zelle dar, auch wenn sie den Begriff der Zelle erst ab 1991 als Titel ihrer skulpturalen Arbeiten und Installationen einsetzte. Eine schmale Tür führt ins Innere dieser runden Raumschöpfung, deren Wand in engem Zick-zack wie von einem endlosen Paravent gebildet wird. Weiß, Schwarz und Himmelsblau wechseln einander innen als Wandfarben ab, während der erste Eindruck von einem abweisenden Schwarz an der Außenseite geprägt wird. Von Schnüren sind in den dreiecksförmigen Ausbuchtungen skulpturale Körper abgehängt. Wie Blasen, Tränen, an Organisches gemahnende Formen und Spindeln wirken die tiefschwarzen Objekte. Die Symmetrie ihrer Hängung wird nur selten durchbrochen. Ein niedriger Stuhl im Zentrum der Installation gibt den Betrachter_innen-Standpunkt vor. Man fühlt sich klein, umgeben von mächtigen, rätselhaften Strukturen. Ob sich hier das Gefühl von Schutz oder Bedrängnis einstellt, hängt wohl stark von eigenen frühkindlichen Erfahrungen ab. Louise Bourgeois stellte Räume wie auch das Paar „Red Room (Child)" und „Red Room (Parents)" (1994) als Werkzeuge für Rückführungen zur Verfügung. Zurück in die Vergangenheit, zurück in die Kindheit!

Cell I: 1991 - Geburtsjahr der „Zellen"

Louise Bourgeois präsentierte „Cell I" bis „Cell VI" zum ersten Mal auf der Carnegie International in Pittsburgh. Für sie symbolisierten die Zellen physischen, emotionalen und psychologischen, aber auch mentalen und intellektuellen Schmerz. Die Wechselwirkungen zwischen Körper und Geist waren für die Künstlerin mit Wurzeln im Surrealismus von höchster Bedeutung und die Produktion von Kunst eine „Garantie geistiger Gesundheit", so auf der Zelle „Precious Liquids" (1992) zu lesen. Das Haus der Kunst in München versammelt alle sechs „Cells" aus dem Jahr 1991 und ergänzt sie durch „Cell VII" (1998). Im Vergleich zu „Articuated Lair" sind sie kleiner und wirken dadurch intimer. Bourgeois verwendete alte Türen, Armaturen, Betten, Fenster, um ihre häuslichen Strukturen zu definieren. In ihnen finden sich u. a. enigmatische Bälle (Man denke an Odilon Redon, René Magritte oder Joseph Cornell!), Betten mit bestickter Bettwäsche, von Bourgeois ungeliebte Spiegel, usw. Bälle und Kugeln tauchen in Bourgeois' Werk häufig und meist zu zweien auf. Ob sich dahinter die antike Idee des Kugelmenschen verbirgt, ob sie als abstrakte Stellvertreter für Menschen zu lesen sind, oder ob sie auf Hoden verweisen könnten, wie ein Blick auf „Filette (Sweeter Version)" (1968-1999) vermuten lässt, darf offen gelassen werden. Weiße, marmorne Gliedmaßen stehen als Partialobjekte für den gesamten Menschen. Die Schönheit des edlen Materials, sein Glitzern steht im intensiven Gegensatz zur Ärmlichkeit der Behausungen. Ähnlich widersprüchlich verhält es sich auch mit der Perfektion der Bearbeitung dieser Skulpturen, die ihre Wurzeln in Rodins weich fließender Ästhetik haben, und der ruinösen Erhaltung der weiterverwendeten Architekturteile.

Privates wird öffentlich

Manche der Zellen sind hermetisch geschlossen, einige jedoch wie Schneckenhäuser aufgebaut und dadurch bis zu einem gewissen Moment betretbar. Bourgeois macht die Grenze zwischen Innen und Außen zwar teilweise durchgängig, trennt dadurch aber die Welten umso mehr. Die Zellen geben ihre Schutzfunktion für das Private auf und verwandeln sich in Präsentationsflächen für Geheimnisse. Dass man sie nur bis zu einem gewissen Punkt betreten darf und dadurch immer Ecken uneinsehbar, verstärkt die Neugier. Betrachter_innen werden automatisch zu Voyeur_innen, die Schaulust wird nie ganz befriedigt.

Egal ob sie aus alten Türen, engmaschigem Gitterdraht oder massivem Metall gemacht sind, die Zellen wecken auch die Assoziation von Gefängnissen. Objekte verwandeln die höhlenartigen Räume in emotionsgeladene Ansammlungen von Geschichten, meist Reflexionen über die Gesellschaft auf Basis der Biografie der Künstlerin. Spiegel gehören zu den häufig verwendeten Symbolen in Bourgeois' Werk, denn seit der Antike ist mit dem Spiegelbild die Idee von Reinheit und Weisheit verbunden. Dem Angeklagten in „Culprit Number Two" (1998) hält sie genauso Spiegel entgegen wie dem zur Arch-of-Hysteria-Position verkrümmten Männerkörper in „In and Out" (1995). Über Spiegelungen werden manche uneinsehbare Räume dennoch für verborgene Blicke zugänglich, und im Spätwerk „Cell XV (For Turner)" (2000) ermöglicht ein gekippter Spiegel an der Decke den ewig sprudelnden Brunnen völlig verzerrt, wie über der Arbeit schwebend, zu entdecken. Die Unbetretbarkeit und das Wissen um die biografische Verortung der Zellen lösen - zumindest bei mir - ein Gefühl aus, das ich „heiligen Schauer" bezeichnen möchte. Die Zellen bleiben, auch wenn sie auch der Öffentlichkeit vorgestellt werden, in ihrem Kern tabu, heilig, unberührbar, obwohl und weil in ihnen wird das Unsagbare ans Licht der Öffentlichkeit gezerrt wird.

Cell (Choisy): Angst

„Aux Vieilles Tapisseries" steht auf einem Schild zu lesen, dass in „Cell (Choisy)" (1990-1993) eingebaut ist. In dieser an einen Käfig und ein Glashaus gleichermaßen erinnernde Zelle befinden sich ein marmornes Modell von Louise Bourgeois' Elternhauses in Choisy-le-Roi im Großraum Paris und eine Guillotine mit hochgezogenem Blatt. Für fünf Jahre ihrer Kindheit hatte Bourgeois an diesem Ort verbracht, die Eltern betrieben dort ihre Reparaturwerkstatt für Tapisserien. Wie ein drohender Schatten schwebt das Mordwerkzeug über dieser Erinnerung an das schon lange abgerissene Gebäude. Die Bildhauerin hatte seine Existenz damit erklärt, dass die Vergangenheit durch die Gegenwart abgeschnitten worden wäre. Auch wenn diese Textstelle nach Trauerarbeit klingt, so lassen andere Berichte vermuten, dass Bourgeois in diesem Haus zwar glückliche aber auch bedrohliche Erlebnisse hatte. So erinnert der „Sockel" des Gebäudes an Tischbeine einer Nähmaschine, die Basis des Familieneinkommens. Messer und Scheren dienten als Werkzeuge bei der Ausbesserung der Gewebe. Glück, Schmerz und Bedrohung werden als drei Seiten eines Erinnerungsortes aufgefasst.

Spinne

Arachnophobiker sollten keine Bourgeois-Ausstellungen besuchen, so auch diese nicht! „Spider" (1997) - eine riesige Spinne hat die Zelle gleichsam unter ihren Körper geschoben. Das Insekt mit den langen, dolchartigen Füßen ruht darauf und scheint es zu beschützen. Ein leerer Stuhl, Platz ihrer verstorbenen Mutter, und Tapisserie-Fragmente bestimmen den ersten Eindruck der durch die Verwendung von Gitter wie ein Gefängnis aussehenden Kobel. Am Eingang positionierte Louise Bourgeois ein Eulen-Fragment, das wohl auf die Eigenschaften verweist, die Bourgeois ihrer Mutter zugeschrieben hat. „Die Spinne ist eine Ode an meine Mutter. Ihre Beschäftigung waren Tapisserien. Meine Mutter war meine beste Freundin. Sie war reflektiert, klug, geduldig, besänftigend, vernünftig, anmutig, feinsinnig, unentbehrlich, ordentlich und nützlich wie eine Spinne." Dass sie ihre eigene Mutter zwischen Spinne und Eule ansiedelte, zeigt Hochachtung und analytische Fähigkeit. Ein genauerer Blick offenbart aber noch viel mehr: einen Schlüssel, der äußerst hoch hängt, mehrere Fragmente von Knochen (v. a. Wirbeln), weitere Tapisserie-Fragmente und eine schwarze Garnspule, Porträtminiaturen, einen Parfumflakon, drei Schröpfkugeln und hoch oben im Bauch der Spinne gläserne Eier, die besonders beschützt werden. Das Bild der Mutter, das Bourgeoise in ihrer Beschreibung so schön zeichnet, wird in dieser Assemblage mit den Aspekten von Weiblichkeit und Krankheit ambivalent ergänzt.

Ein Jahr später, 1998, verband Louise Bourgeois die Referenzen dieser beiden Zellen zu „Cell VII". Das Modell des Hauses kombiniert sie mit Kleidungsstücken ihrer Mutter und Knochen, eine kleinen Spinne am Boden, auf einem Kinderstuhl das Modell einer Wendeltreppe, auf deren obersten Absatz ein Bett steht. Darin liegt ein wächserner Klumpen, der wiederum von Nadeln durchbohrt wird. Die Fäden verbinden das ungeformte und noch formbare Stück Wachs mit einigen Kleidern. Die Spinne sieht aus der Entfernung zu, was im Bett geschieht... So wie es Bourgeois in ihrer autobiografischen Schrift festhielt: Ihre Mutter tolerierte nicht nur die erotischen Eskapaden ihres Mannes, sondern nutzte wohl ihre Tochter, um ihm nachzuspionieren.

Sexualität als Tod - Schwangerschaft als Leben

Der sprichwörtliche „kleine Tod" des Mannes während der Ejakulation, vor allem aber mögliche eigene Erfahrungen mit emotionalem, vielleicht aber auch körperlichem Missbrauch als Jugendliche, verband Louise Bourgeois in „Passage Dangereux" (1997) mit ihrer Kindheitsgeschichte. Das Leben erscheint hier als Abfolge von metaphorischen Räumen, gefüllt mit gefundenen und mit Bedeutung aufgeladenen Objekten sowie selbst produzierten Werken. Wenn auch die Kammern einsehbar sind, so verwendete Bourgeois als Symbol für ihren Körper, ihr Selbst ein engmaschiges Gitternetz. Immer wieder begegnet man in Bourgeois' Werken dem Kreislauf von Leben und Tod. Hier wird er noch durch die Gleichsetzung von Sexualität und Tod ergänzt. Das Bett als Ort von Schlaf, Krankheit, Sexualität und Tod ist an sich schon ambivalent besetzt (→ Schlaflos. Das Bett). Bourgeois reduzierte die Darstellung von Sexualität auf die Angabe der Beinpaare in Missionarsstellung. Die über der Liegestatt schwebenden Stühle - eine Erinnerung an die Sammelleidenschaft ihres Vaters (!) - nehmen den Platz von Zuschauer_innen ein. So auch der leere Armlehnstuhl zu Füßen des Betts, über dem eine Beinprothese hängt. Er erinnert an die Mutter. Gleichzeitig ließe sich die Sessel-Couch-Kombination als untypische Anordnung für eine psychotherapeutische Sitzung interpretieren.

Frau-Sein wurde von Louise Bourgeois mit Häuslichkeit und Natur in Verbindung gebracht. Sie sah auf ihr eigenes Geschlecht wie es die männliche Sichtweise seit dem 19. Jahrhundert bevorzugte: Frauen, ans Haus gebunden, verschmelzen körperlich mit diesem und sind dadurch in ihren Bewegungen gehemmt. Frauen als vegetative Wesen, sind gleichsam Verkörperungen der Natur. So wachsen der einbeinigen Figur von „Topiary IV" (1999) anstelle von Kopf und Armen Äste mit wunderbar blauen Früchten. Die Metamorphose von Natur und Mensch ist ein häufig gebrauchter Topos der surrealistischen Kunst. Man denke beispielsweise an Dora Maars bekannte Fotocollage einer Hand, die aus einer Muschel wächst, oder Meret Oppenheims „Steinfrau", einer halbversteinerten Meerjungfrau. Dass eine Künstlerin, die das Frau-Sein als Belastung empfand, Mutterschaft nicht nur thematisierte sondern problematisierte („Fragile Godess"), kann als logische Konsequenz interpretiert werden. Die immer wieder auftauchenden, sich berührenden Hände hingegen haben jenen sehnsuchtsvollen Impetus, den Bourgeois in der Beziehung ihrer Eltern miteinander wie auch der Eltern-Kind-Beziehung wohl stark vermisste („Cell IX", 1999, „Cell (You Better Grow Up)", 1993).

Cell (The Last Climb): Selbstfindung

Der dritte Raum bringt „Cell (The Last Climb)"[/note]Privatsammlung. Courtesy Hauser & Wirth.[/note] (2008) mit dem letzten Zeichnungszyklus, „I give everything away" (2010), von Louise Bourgeois zusammen. Beide Werke sind - wie auch schon die Zellen davor - mehr oder weniger versteckte Selbstbildnisse der nun fast einhundertjährigen Künstlerin. Die Zelle hat nun eine einladend geöffnete Tür, eine Wendeltreppe führt über die räumliche Begrenzung ins Nichts weiter. Blaue Plastikkugeln werden von unten nach oben immer größer, Garnspulen an den Wänden sind mit einem großen Pfropfen in der Mitte verbunden. Die Künstlerin scheint nach Jahrzehnten der Arbeit an ihrer Geschichte, Frieden mit sich selbst und ihrer Umwelt geschlossen zu haben - obwohl sie in Interviews sich immer widerspenstig gab (→ Donald Kuspit: Ein Gespräch mit Louise Bourgeois). Auf den großformatigen Zeichnungen berichtete sie neben abstrahierenden Selbstbildnissen, dass sie alles weggab, sich von allem distanzierte, dass sie das wäre, was sie am meisten liebte. Das erste Blatt zeigt eine ganzfigurige Darstellung eines jungen Frauenkörpers, dessen langes Haar und dessen Arme sich wie Spinnenfinger entwickeln. Die geschlossenen Augen und das leichte Lächeln lassen die junge Frau friedlich aussehen. Eine Identifikation ihrer selbst mit ihrer Mutter erscheint wahrscheinlich. Die Farbe Rot gemahnt an Blut, ist Symbol für Leben und Tod gleichermaßen. Louise Bourgeois blieb ihrer Metaphorik bis zu ihrem Lebensende treu!

Biografie von Louise Bourgeois (1911-2010)

Am 25. Dezember 1911 wurde Louise Bourgeois als Tochter des Landschaftsarchitekten Louis Bourgeois und dessen Frau Joséphine Fauriaux. Ihre Schwester Henriette Marie Louise war schon 1904 geboren worden.
1912-1917 Die Familie mietete ein Haus in Choisy-le-Roi, in der Umgebung von Paris.
1913 Geburt des Bruders Pierre Joseph Alexandre (24.1.)
1915 Bourgeois' Vater Louis wurde im Ersten Weltkrieg verwundet und im Hospital von Chartres gepflegt.
1919 Bourgeois' Mutter erkrankte an der Spanischen Grippe. Louise kümmerte sich um sie und verbrachte die Winter mit ihr in Südfrankreich.
1922 Sadie Gordon Richmond wurde angestellt, um den Kindern Englisch beizubringen. Sie wurde die Geliebte des Vaters und lebte mit der Familie bis 1932.
1923 Louise Bourgeois wurde aufgrund ihres Zeichentalents gebeten, in der Teppichweberei auszuhelfen. Sie wurde Expertin für Beine und Füße. Erstes Tagebuch.
1925 Besuch der Ausstellung „Le Salon des Arts Décoratifs et Industriels Modernes", wo sie erstmals den Art Deco Stil sowie Arbeiten von Friedrich Kiesler und Vladimir Tatlin kennenlernte.
1929 Aufnahme in die Zeichnungsabteilung der École Nationale d'Art Décoratif.
1932 Kurzes Studium an der Sorbonne: Integralrechnung und Geometrie. Bakkalaureat in Philosophie von der Universität von Paris mit einer Dissertation über Blaise Pascal und Emmanuel Kant. Reise nach Skandinavien und Russland. Tod der Mutter (September).
1933-1938 Kunststudium an der École des Beaux-Arts in Paris sowie Künstlerateliers am Montmartre und am Montparnasse bei Paul Colin, Roger Bissière, Othon Friez, Marcel Gromaire, André Lhote und Fernand Léger.
1936 Erste eigene Wohnung in dem Haus, in dem André Breton seine Galerie Gradiva führte und Werke der Surrealist_innen ausstellte. Das Théatre de l'Académie Raymond Duncan und ein Prothesenmacher sind ebenfalls in diesem Haus eingemietet. Erste Ausstellungsbeteiligung in der Galerie de Paris.
1937 Kunstgeschichtestudium an der L'École du Louvre und Arbeit als Dozentin (Kunstvermittlerin) im Musée du Louvre.
1938 Ausstellungsbeteiligung in der Galerie Jean Dufresse. Eröffnung ihrer eigenen Kunstgalerie, wo Louise Bourgeois mit Drucken und Gemälden von Eugène Delacroix (→ Delacroix und die Malerei der Moderne), Odion Redon, Suzanne Valadon, Henri Matisse (→ Henri Matisse. Figur & Ornament) und Pierre Bonnard handelte. Hier traf sie auch den amerikanischen Kunsthistoriker Robert Goldwater. Im September Heirat mit Goldwater und Umzug nach New York.
1939 Adoption des dreijährigen Waisen Michel Olivier. Bourgeois schrieb sich an der Art Students League in New York ein. Sie begann Drucke anzufertigen und mit einer Beteiligung im Brooklyn Museum auszustellen. Erste Gemälde und Zeichnungen in den USA. Da Goldwater ein bedeutender Kunsthistoriker und Herausgeber war, traf Bourgeois viele wichtige Künstler, Galeristen, Sammler_innen ihrer Zeit.
1940 Geburt ihres Sohnes Jean-Louis Bourgeois.
1941 Geburt des Sohnes Alain Matthew Clement Bourgeois. Experimente mit lebensgroßen, hölzernen Skulpturen auf dem Dach ihres Wohnhauses in Manhattan, New York.
1943 Teilnahme an einer Ausstellung im Metropolitan Museum of Art (MET), um den Krieg zu unterstützen. Gemeinsam mit André Masson und Alexander Calder erhielt sie für ihre Teilnahme an „The Arts in Therapy: A Competition and Exhibition" im MET eine ehrenvolle Erwähnung.
1945 Erste Einzelausstellung in der Bertha Schaefer Gallery in New York, wo sie zwölf Gemälde präsentierte. Teilnahme an Gruppenausstellungen der Abstrakten Expressionisten (Motherwell, Pollock, Rothko, de Kooning). Gemeinsam mit Marcel Duchamp kuratierte sie die Ausstellung „Documents, France 1940-1944: Art-Literature-Press oft he French Underground" in der Norlyst Gallery. Teilnahme an der Gruppenausstellung „The Women" in Peggy Guggenheims Art of This Century Gallery. Erste Ausstellungsbeteiligung im Whitney Museum of American Art (bis 1952 jährlich).
1946 Im Atelier 17 von Stanley William Hayter machte sie Drucke und traf Yves Tanguy, Le Corbusier und Joan Miró (→ Miró. Von der Erde zum Himmel).
1947 Zweite Einzelausstellung in der Norlyst Gallery.
1949 Erste Einzelausstellung als Bildhauerin in der Peridot Gallery in New York.
1950 Unterschrieb eine Petition zugunsten von 18 Malern, die als „the Irascibles" bekannt geworden waren - darunter Newman, Reinhardt, Pollock, Rothko, de Kooning.
1951 Tod des Vaters Louis. Erster Ankauf eines Museums durch Alfred H. Barr für das Museum of Modern Art, New York.
1952 Bourgeois entwarf die Bühnenbilder für „The Bridegroom of the Moon" von Erick Hawkins (Mann von Martha Graham).
1955 Erhielt die amerikanische Staatsbürgerschaft.
1960 Tod ihres Bruders Pierre.
1964 Erste Einzelausstellung seit elf Jahren mit neuen Werken in Gips und Latex. Im Art International erscheint ein Artikel von Daniel Robbins über die Entwicklung von Louise Bourgeois' Kunst, ihren Kontext, ihre Materialverwendung.
1967-1968 Erste Reise nach Pietrasanta (Italien), um in Marmor und Bronze zu arbeiten. Bis 1972 kehrte sie regelmäßig wieder. Bourgeois begann sich aktiv für politische und feministische Veranstaltungen zu interessieren. Ihre Arbeiten wurden expliziter sexuell konnotiert. Während der 1970er-Jahre nahm Bourgeois an Demonstrationen, Wohltätigkeitsveranstaltungen, Podiumsdiskussionen und Ausstellungen, die mit Feminismus zu tun hatten, teil.
1973 Künstlerstipendium vom National Endowment fort he Arts. Tod ihres Mannes.
1974 Neben Einzelausstellungen lehrte sie an verschiedenen Institutionen, darunter die School of Visual Arts in New York City (bis 1977), die Columbia University, Cooper Union, New York Studio School und die Yale University.
1977 Ehrendoktorat von der Yale University.
1978 Erste Skulptur für den öffentlichen Raum. Beginn der institutionellen Anerkennung ihrer Leistungen in den USA:
1980 Kauf eines Ateliers in Brooklyn, das ihr erlaubte, in noch nie dagewesenen Größen zu arbeiten. Tod ihrer älteren Schwester Henriette.
1981 Kauf eines verlassenen Hauses in Staten Island für ihren Sohn Michael, das dieser aber nie bewohnte. Es wurde in die Skulptur „Maison Vide" verwandelt. In Carrara (Italien) entstanden zwölf neue Arbeiten aus Marmor.
1982 Erste Retrospektive einer weiblichen Künstlerin im MoMA ist Louise Bourgeois gewidmet! Im Dezember-Heft von Artforum veröffentlichte sie einen autobiografischen Text über ihre Familie.
1983 Zum Mitglied der American Academy und dem Institute of Arts and Letters in NYC gewählt. Ehrendoktorat vom Massachusetts College of Art in Boston, Offizier der Ehrenlegion.
1985 Ausstellungen bei Maeght-Lelong in Paris und der Serpentine Gallery in London.
1988 In Carrara arbeitete sie mit rosa Marmor.
1989 Bourgeois begann mit großen Installationen zu arbeiten, die Vorläufer zu ihren „Zellen" wurden. Erste europäische Retrospektive im Frankfurter Kunstverein, die weiter nach München, Lyon, Barcelona, Bern und Otterloo reiste.
1990 Erhielt den Sculpture Center Award for Distinction in Sculpture vom Sculpture Center in NYC. Tod ihres Sohnes Michael.
1991 Erhielt den Preis fürs Lebenswerk vom International Sculpture Center in Washington DC und den Grand Prix für Skulptur des französischen Kulturministeriums. „Cell I" bis „Cell VI" wurden in der Carnegie International in Pittsburgh ausgestellt.
1992 Bourgeois begann Kleidung und Skulpturen aus Stoff einzubauen. „Homely Girl", eine Zusammenarbeit zwischen Arthur Miller und Bourgeois, erschien bei Peter Blum Editions.
1993 Teilnahme an der Biennale von Venedig. Erste große „Spinne" im Brooklyn Museum.
1997 National Medal of Arts durch Präsident Clinton verliehen.
1998 Aufnahme in die Nationale Akademie in New York.
1999 Erhielt den Wexner Preis, den Praemium Imperiale Award. Teilnahme an der 48. Biennale von Venedig. Erhielt den Goldenen Löwen.
2000 Eröffnungsinstallation in der Turbinenhalle der Tate Modern.
2001 Die Eremitage in St. Petersburg widmete ihre erste Ausstellung eines lebenden, amerikanischen Künstlers Louise Bourgeois. Vor dem New Yorker City's Rockefeller Center wurde u. a. die Bronze-Spinne „Maman" aufgestellt.
2002 Teilnahme an der Documenta 11 in Kassel.
2003 Erhielt den israelischen Wolf Prize, das Ehrendoktorat der Universität von Illinois.
2004 Auftrag vom Seattle Art Museum für einen Brunnen für dem Olympic Sculpture Paris, der 2007 enthüllt wurde. Skulptur für die Phoenix Public Art.
2005 Ehrenmedaille von der Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia. Teilnahme an der 51. Biennale von Venedig.
Am 31. Mai 2010 starb Louise Bourgeois im Alter von 98 Jahren.

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Louise Bourgeois. Cells (Zellen): Cell I (1986) als Ursprung Bourgois' Cells

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Dieser Verheißung wird im Werk von Bourgeois, der Amerikanerin mit französischen Wurzeln, allerdings das Dunkle zur Seite gestellt. Keine Erlösung ohne Hölle, keines ihrer Werke ohne Erinnerungen und Schmerz. Bezeichnend für die Künstlerin, dass der Titel die mögliche Selbstermächtigung gleich wieder zurücknimmt: „No escape" - kein Entrinnen.

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- "Ich brauche meine Erinnerungen. Das sind meine Dokumente."
- "Kunst ist eine Garantie für den gesunden Menschenverstand."
- "Der schöpferische Impuls für alle meine Arbeiten ist in meiner Kindheit zu suchen."
- "I have been to hell and back. And let me tell you, it was wonderful."
- "Ich nehme das Geschehen in die Hand und manipuliere es tatkräftig, um zu überleben."
- "Ich vergebe und vergesse nicht." -> Motto, welches ihre Arbeit nährte
- "Ich wende das Passive ins Aktive. Die freud´sche Identifikation mit dem Aggressor."
- "Mein Ziel besteht darin, eine vergangene Emotion wieder zu durchleben (...) Angst erneut zu erfahren (...) Angst ist ein passiver Zustand, und das Ziel besteht darin, aktiv zu sein und die Kontrolle zu übernehmen."
- “I'm not a Surrealist, and I'm not particularly interested in their literary ways. I'm not interested in the dream world. I'm not interested in the idea of chance. I'm not interested in women as an object. I've always stated that I am a lonely long-distance runner, and that's the way I like it.“

Susanne

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Louise Joséphine Bourgeois (* 25. Dezember 1911 in Paris; † 31. Mai 2010 in New York City) war eine französisch-US-amerikanische Künstlerin. Bekannt ist sie vor allem als Bildhauerin, die sich sehr früh mit Installationenauseinandersetzte. Zudem schuf sie Gemälde und Grafiken. Themen, die sie mehrfach behandelte, sind die weibliche und männliche Geschlechtlichkeit, das Verhältnis von Geborgenheit und Abhängigkeit, das Unbewusste und der Tod. Spinnen, Zellen und Phalli treten als wiederkehrende Motive in ihrem Werk auf. Bourgeois lebte und arbeitete seit 1938 in New York City.

-Milena