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En el año 2010 la artista Gabriela Munguia realizó una intervención en el Espacio Público. La obra consistió en proponer a los vecinos del barrio de La Paternal en la Ciudad de Buenos Aires la siembra de frutas y verduras en los pequeños espacios de tierra que hay entre los árboles y la vereda. Varios vecinos participaron de la obra plantando y cuidando de estos vegetales. Entre todas las personas que participaron confeccionaron un mapa que mostraba los lugares exactos de siembra y que era lo sembrado. De esta manera, cualquier vecino podía ir a estas mini huertas y cosechar la fruta o la verdura que necesitasen.

https://gabrielamunguia.com/2012/05/15/parcelas-publicas/

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Pabellón Frazada es una obra iniciada por Marcos Perenau en el CUSAM, un Centro Universitario en la Unidad Penal 48 de Máxima Seguridad en José León Suarez. La obra es la construcción de un espacio de relación a partir de un objeto que es la Frazada. En la cárcel, la Frazada es un elemento que se usa para delimitar un territorio y como contenedor de las pertenencias de los internos en caso de traslado. En esta obra con la frazada se arma temporalmente una “Ranchada” para ser habitada y desarrollar en ese espacio múltiples actividades. Para más información, ver: http://marcosperearnau.com/index.php/pabellon-frazada/

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ARTE PROCESUAL, TAUTOLOGIAS, CRITICA INSTITUCIONAL, ARTE CONCEPTUAL Y ACTIVISMO.

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ARTE PROCESUAL, TAUTOLOGIAS, CRITICA INSTITUCIONAL, ARTE CONCEPTUAL Y ACTIVISMO.

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George Brecht, artista Fluxus, “compuso” a principios de los 60s un Concierto para Autos que fue dirigido por Larry Miller.  Motor Vehicle Sundown fue un concierto en el que los autos son los instrumentos: las personas en los autos aceleraban, tocaban la bocina y cerraban y abrían las puertas. Esta es una manera de pensar la música más allá de la notación tradicional. En muchos conciertos de Fluxus había una partitura que era una serie de instrucciones precisas sobre cuando y como había que tocar. Se tocaba con instrumentos tradicionales y, también, con cualquier elemento que pudiera provocar un sonido. Más información acá: https://www.youtube.com/watch?v=zj0pxipGNr8

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En 1974, en la Galeria Copley de Los Ángeles, Michel Asher realizo su obra Sin título. La obra consistió en quitar la pared que divide en la galería de arte la sala de exhibición de las oficinas de la galería. Asher pretendía con esta acción evidenciar la actividad administrativa y económica como parte del arte. Según el artista, una obra no solo es el objeto que se designa como arte sino todo un sistema de relaciones de distinto tipo que se desarrollan a su alrededor y que la hacen posible. Al mismo tiempo que desarma la arquitectura de la galería, Asher desarma la idea del artista creador de objetos valiosos por sí mismos que funcionan con autonomía de las relaciones sociales y de su contexto.

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Durante la exhibición la galería estará cerrada

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Durante la exhibición la galería estará cerrada

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Durante la década del 60 y 70, muchos artistas buscaron revisar los conceptos de Artista, Obra, Espectador y Espacio de exhibición con el fin de entender y aprender sobre su funcionamiento. En 1969, Robert Barry produjo la obra Galería Cerrada. La realizo en tres ciudades: Turín, Ámsterdam y Los Ángeles. La obra consistió en el envió de tarjetas con la frase “Durante la exhibición la galería estará cerrada”.

Barry junto a Joseph Kosuth, Douglas Huebler y Lawrence Weiner son considerados (por haber participado de una muestra canónica curada por Seth Siegelaub) los artistas conceptuales más “puros” ya que sus obras son dispositivos que piensan la obra de una manera tautológica: son obras que tratan sobre la idea de obra.

Al entender al arte como un sistema que pertenece a un contexto social y que, por lo tanto, responde a un tipo de ideología los y las artistas buscaron maneras de explicitar esta situación haciendo parte de esta crítica al espectador.

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En 1968 Graciela Carnevale invitó a su muestra que consistía en una sala vacía. Cuando una determinada cantidad de espectadores llegaron al lugar, ella salió del espacio y cerró la puerta con llave encerrando a las personas.

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Como Carnevale, Hans Haacke entiende el arte como un sistema de poder. En 1970 produjo la obra Poll (encuesta) para la cual instaló una urna en el MOMA de Nueva York en la que se podía votar por “si” o por “no” a la pregunta: “¿El hecho de que el Gobernador Rockefeller no haya denunciado la política en Indochina del Presidente Nixon es una razón para que no lo votes en noviembre?”.

El “Si” gano por amplia mayoría y el Museo se transformó en un espacio de cuestionamiento al poder, sobre todo si se tiene en cuenta que el Gobernador Rokefeller era unos de los principales Donantes del mismo Museo donde una obra lo cuestionaba.

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El colectivo chileno Las Yeguas del Apocalipsis integrado por Pedro Lemebel y Francisco Casas realizaron en 1989 la performance La conquista de América que consistió en bailar una Cueca (un baile tradicional de seducción heteronormativo) descalzos sobre un mapa de América Latina recubierto con pedazos de vidrios de botellas de Coca Cola. Mientras bailaban, el mapa de Latinoamérica comenzó a llenarse de sangre. La crisis del SIDA, la visibilización homosexual y la idea de Imperialismo pueden verse claramente en esta acción.

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El músico uruguayo Jorge Drexler compuso un proyecto musical que es una aplicación para celulares en donde a partir de pistas grabadas por él, el usuario-oyente puede seleccionar distintas estrofas para formar canciones diferentes cada vez. Acá la explicación del artista sobre cómo funciona su obra:

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Bill Viola, artista pionero de lo que se llamó videoarte, desarrollo en 2007 un videojuego llamado The Nigth Journey. En la obra el espectador debe realizar una acción para que las cosas sucedan. Se pueden recorrer diferentes paisajes según las acciones elegidas. Este tipo de obras pone en juego la idea clásica de espectador como una persona que está frente a la obra contemplándola. En este caso el espectador se convierte en un usuario y produce la obra. Para más información ver: https://www.thenightjourney.com/

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El dinero es una cosa que tiene valor solo cuando se la usa (el ahorro o la especulación también son posibles usos), así que podemos pensarlo como un objeto interactivo. El artista mexicano Hugo Gallegos y el Colombiano Luis Saray desarrollaron la obra Valor Paternal. Consistió en sellar billetes (pesos de curso legal) con imágenes que representaban a los comerciantes del barrio de La paternal: la almacenera, el vendedor de choripanes, etc de un lado y, del otro lado del billete, la fachada de los respectivos comercios. Durante el año 2014 estos billetes circularon por el barrio de La paternal y fueron usados para comprar todo tipo de productos. El billete ya no era solo un billete que representaba el valor que le daba el Banco Central sino que también lo avalaban los comerciantes que los vecinos veían todos los días cuando hacían las compras. Para más información ver: http://hugoperezgallegos.blogspot.com.ar/2015/01/valor-paternal-proyecto-en-colaboracion.html