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Rechaza el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica centrandose más bien en el contraste entre norma y transgresión , naturaleza y artificio, signo y subsigno. De esta manera la carga pierde su peso mientras que el sostén ya no sostiene nada.
El punto de fuga no se concluye en un punto focal como en la arquitectura barroca sino que termina en nada.

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Características:
- monumentalidad
-idealismo dramático
-formas ornamentales y sinuosas
-las formas buscan el desequilibrio y la tensión
liberación del culto de la belleza clásica
Angustia del espacio, se descompone el espacio racional clásico y se desequilibra, zonas muy vacías junto a zonas muy llenas, composición irregular y sin ejes de simetría.  Una reacción anticlásica; la belleza, armonía e unidad se sustituyen por tensión, desequilibrio y ruptura.

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Aunque ya en el siglo XV la pintura veneciana había alcanzado grandes cotas con artistas como Antonello da Mesina, será en el XVI cuando Venecia desarrolle una pintura con características propias que la independizan de las escuelas romana y florentina. El “padre” de la escuela es el pintor Giorgione en cuya obra están presentes todas las características que definen a la escuela

1)-Interés por los fenómenos atmosféricos y lumínicos, preferencia por las escenas de tormenta, amaneceres y anocheceres. (se ha dicho que es la luz de Venecia la que marca las preferencias de los pintores)

2)-Gusto por los temas mitológicos dotados frecuentemente de un sentido oculto de corte neoplatónico.

3)-Importancia del paisaje, cada vez más real.

4)-Uso de la llamada “paleta veneciana” caracterizada por el contraste violento de colores fríos y cálidos (platas, grises y azules que se contraponen con tierras, naranjas y carmines).

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Venecia es un claro exponente del esplendor del renacimiento italiano, la ciudad ofrece un rostro exótico y oriental que se muestra en los escenarios y vestuarios llenos de lujo.

-Exaltación de la sensualidad y placeres de la vida
-Perfeccionan la técnica del óleo se utilizaría en tela o lienzo y ya no en madera
-Profundización en el uso de la perspectiva áerea
-Revolución en el uso del color, los colores son luminosos de guresa pasta que hacen que la luz surga de si mismos, la atmósfera que envuelve las figuras es éterea y brillante, expresión de la riqueza y vitalidad de Venecia
-Tendrá gran influencia en la pintura Barroca

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Giorgione:  Introduce la novedad de pintar al óleo sin bocetos ni dibujos previos, concibio la pintura en color y no como un dibujo coloreado, los paisajes ya no son simples fondos accesorios sino que pasan a adquirir protagonismo esencial como soporte del relato de la misma pintura, gran influencia sobre su discipulo Tiziano
Obras: La tempestad, El atardecer, La pastoral, Venus dormida

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Tiziano: Belleza clásica, armoniosidad, cromatismo brillante, sensual,  deshace las formas sobre las manchas de color. Fue el pintor veneciano que mayor fama y admiración gozó en vida; se dice que casi igualaba la de Miguel Ángel. Sus primeros trabajos muestran una clara influencia de sus maestros, pero ya hacia la segunda década del siglo XVI su pintura comienza a independizarse y evidenciar el desarrollo de un estilo personal, más dinámico, con audaces esquemas de composición que rompían con las reglas tradicionales, siempre confiando al color la tarea de restablecer la unidad de la obra. El encargo con el que estableció la enorme reputación que gozaría en el futuro, fueron dos enormes piezas de altar para la iglesia de Santa María dei Frari, en Venecia. Gran retratista.
Obras: Amor sagrado y amor profano, Las tres edades del hombre, La bacanal, Baco y Ariadna, Venus y Adonis, Venus de Urbino, La pieta, Dánae, etc.

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Giovani Bellini: Fue un famoso maestro, de cuyo taller saldrían los más renombrados pintores del Cinquecento veneciano, como Giorgione y Tiziano. Él es quien enseñará a la siguiente generación de artistas a utilizar los esquemas de color para armonizar el cuadro.
Obras: Madonna con santos, El festín de los dioses, Madona del Prato, Sacra conersación, etc.

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Paolo Veronese: El pintor de lujo y la opulencia, los palacios venecianos, la suntuosidad del mármol, jardínes, lujuriosas fuentes, las alhajas elevadas al rango del tema principal aunque la temática sea religiosa
Obras: La cena en casa de Leví, Las bodas de Caná, La boda de Santa Catalina, Jesus con los doctores en el templo, El martirio de Santa Justina, etc.

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Tintoretto: Su obra es ya la expresión de la crisis del ideal renacentista, uno de los mejores exponentes del manierismo.
Pintor de carácrter atormentado y de prolífica producción, su estilo dramático y agitado se corresponde a su temperamento.
Obras: Bautismo de Cristo, Cristo lavando los pies a los apóstoles (El lavatorio), Descendimiento de Cristo de la curz, Traslado del cuerpo de San Marcos, Judith y Holofernes, Adán y Eva, etc.

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Después del alto renacimiento, una gran cantidad de pintores europeos llevó a hacer figuras en sus pinturas más alargadas y estos trabajos de arte no tenían un punto focal particular. Estas que adoptan el estilo manierista (1520-1600) son obras ya no eran tan naturalistas como las pinturas de la época del Renacimiento. Los pintores manieristas dibujaron figuras en una mezcla de posturas absurdas y graciosas y los espacios en las pinturas eran ambiguos. En la pintura manierista, los colores eran más brillantes y se diferenciaban si uno tuviera que compararlo con la tranquilidad de los matices aún dramáticas de las pinturas Alto Renacimiento.

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El fallecimiento de Rafael en 1520 ha sido tradicionalmente utilizado como hito para señalar el inicio del Manierismo italiano. En él, el equilibrio que existía en el modelo albertiano entre la representación del espacio visible y la transmisión de una historia se rompía hacia una prevalencia del concepto. Se descubrió que la deformación de la realidad visual puede ser un recurso muy efectivo para la expresión de ideas y emociones. Por lo tanto, se trata de un arte heterogéneo en el que triunfa la extravagancia, lejos de la imitación perfecta de la naturaleza. Son nuevas formulaciones cada vez más orientadas a un perfeccionamiento extremo de la "maniera" o estilo, con una contaminación de elementos clásicos y modernos, inspiración fantástica e invenciones personales extravagantes.
En cuanto a la representación, se produce un alargamiento del canon, el uso de la figura "serpentinata" y cierto monumentalismo, así como un abigarramiento de las figuras y un "horror vacui". Se utilizan además distintos puntos de fuga fuera del campo de visión y un desplazamiento de la línea del horizonte, que rompe el equilibrio.

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- Giulio Romano: Sala de los Gigantes del palacio de té de Mantua y Sala de Psique del palacio de té de Mantua
- Sebastiano del Piombo: Retratos, Piedad, Flagelación
- Andrea del Sarto
- Jacopo Pontormo: Descendimiento de Cristo
- Rosso Fiorentino: Descendimiento de Cristo, Las hijas de Jetró
- Agnolo Bronzino: Venus abrazada por Cupido
- Giorgio Vasari
- Benvenuto Cellini: Perseo, Ninfa
- Juan de Bolonia: Fuente de Neptuno, Rapto de las Sabinas
- Correggio: Natividad
- Parmigianino: autoretrato en espejo convexo