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e sua história

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Anna Mary Robertson Moses (September 7, 1860 - December 13, 1961), known by her nickname Grandma Moses, was an American folk artist. She began painting in earnest at the age of 78 and is often cited as an example of an individual who successfully began a career in the arts at an advanced age.

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About This Artwork

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Abaporu de Tarsila do Amaral

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e sua história

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Henri Rousseau

Rousseau in 1907;
photo by Dornac

Born

Henri Julien Félix Rousseau

21 May 1844

Laval, France

Died

2 September 1910 (aged 66)

Paris, France

Nationality | French
Education | Self-taught
Known for | Painting

Notable work

The Sleeping Gypsy, Tiger in a Tropical Storm, The Hungry Lion Throws Itself on the Antelope, Boy on the Rocks

Movement | Post-Impressionism, Naïve art, Primitivism

Henri Julien Félix Rousseau (French: [ɑ̃ʁi ʒyljɛ̃ feliks ʁuso]; 21 May 1844 – 2 September 1910)[1] was a French post-impressionist painter in the Naïve or Primitive manner.[2][3] He was also known as Le Douanier (the customs officer), a humorous description of his occupation as a toll and tax collector.[1] He started painting seriously in his early forties; by age 49, he retired from his job to work on his art full-time.[4]

Ridiculed during his lifetime by critics, he came to be recognized as a self-taught genius whose works are of high artistic quality.[5][6] Rousseau's work exerted an extensive influence on several generations of avant-garde artists.[4]

Biography[edit]

Early life[edit]

Rousseau was born in Laval, Mayenne, France, in 1844 into the family of a tinsmith; he was forced to work there as a small boy.[7] He attended Laval High School as a day student, and then as a boarder after his father became a debtor and his parents had to leave the town upon the seizure of their house. Though mediocre in some of his high school subjects, Rousseau won prizes for drawing and music.[8]

After high school, he worked for a lawyer and studied law, but "attempted a small perjury and sought refuge in the army."[9] He served four years, starting in 1863. With his father's death, Rousseau moved to Paris in 1868 to support his widowed mother as a government employee.[citation needed]

In 1868, he married Clémence Boitard, his landlord's 15-year-old daughter, with whom he had six children (only one survived). In 1871, he was appointed as a collector of the octroi of Paris, collecting taxes on goods entering Paris. His wife died in 1888 and he married Josephine Noury in 1898.[citation needed]

Career[edit]

From 1886, he exhibited regularly in the Salon des Indépendants, and, although his work was not placed prominently, it drew an increasing following over the years. Tiger in a Tropical Storm (Surprised!) was exhibited in 1891, and Rousseau received his first serious review when the young artist Félix Vallotton wrote: "His tiger surprising its prey ought not to be missed; it's the alpha and omega of painting." Yet it was more than a decade before Rousseau returned to depicting his vision of jungles.[4]

In 1893, Rousseau moved to a studio in Montparnasse where he lived and worked until his death in 1910.[10] In 1897, he produced one of his most famous paintings, La Bohémienne endormie (The Sleeping Gypsy).

In 1905, Rousseau's large jungle scene The Hungry Lion Throws Itself on the Antelope was exhibited at the Salon des Indépendants near works by younger leading avant-garde artists such as Henri Matisse, in what is now seen as the first showing of The Fauves. Rousseau's painting may even have influenced the naming of the Fauves.[4]

In 1907, he was commissioned by artist Robert Delaunay's mother, Berthe, Comtesse de Delaunay, to paint The Snake Charmer.[citation needed]

Le Banquet Rousseau[edit]

When Pablo Picasso happened upon a painting by Rousseau being sold on the street as a canvas to be painted over, the younger artist instantly recognised Rousseau's genius and went to meet him. In 1908, Picasso held a half serious, half burlesque banquet in his studio at Le Bateau-Lavoir in Rousseau's honour.[1] Le Banquet Rousseau, "one of the most notable social events of the twentieth century," wrote American poet and literary critic John Malcolm Brinnin, "was neither an orgiastic occasion nor even an opulent one. Its subsequent fame grew from the fact that it was a colorful happening within a revolutionary art movement at a point of that movement's earliest success, and from the fact that it was attended by individuals whose separate influences radiated like spokes of creative light across the art world for generations."[11]

Guests at the banquet Rousseau included: Guillaume Apollinaire, Jean Metzinger, Juan Gris, Max Jacob, Marie Laurencin, André Salmon, Maurice Raynal, Daniel-Henri Kahnweiler, Leo Stein, and Gertrude Stein.[12]

Maurice Raynal, in Les Soirées de Paris, 15 January 1914, p. 69, wrote about "Le Banquet Rousseau".[13] Years later the French writer André Salmon recalled the setting of the illustrious banquet:

Here the nights of the Blue Period passed... here the days of the Rose Period flowered... here the Demoiselles d'Avignon halted in their dance to re-group themselves in accordance with the golden number and the secret of the fourth dimension... here fraternized the poets elevated by serious criticism into the School of the Rue Ravignan... here in these shadowy corridors lived the true worshippers of fire ... here one evening in the year 1908 unrolled the pageantry of the first and last banquet offered by his admirers to the painter Henri Rousseau called the Douanier.[11][12][14]

Retirement and death[edit]

After Rousseau's retirement in 1893, he supplemented his small pension with part-time jobs and work such as playing a violin in the streets. He also worked briefly at Le petit Journal, where he produced a number of its covers.[4] Rousseau exhibited his final painting, The Dream, in March 1910, at the Salon des Independants.

In the same month Rousseau suffered a phlegmon in his leg, one which he ignored.[15] In August, when he was admitted to the Necker Hospital[16] in Paris where his son had died, he was found to have gangrene in his leg. After an operation, he died from a blood clot on 2 September 1910.

At his funeral, seven friends stood at his grave: the painters Paul Signac and Manuel Ortiz de Zárate; the artist couple Robert Delaunay and Sonia Terk; the sculptor Brâncuși; Rousseau's landlord Armand Queval; and Guillaume Apollinaire, who wrote the epitaph Brâncuși put on the tombstone:

We salute you Gentle Rousseau you can hear us.
Delaunay, his wife, Monsieur Queval and myself.
Let our luggage pass duty free through the gates of heaven.
We will bring you brushes paints and canvas.
That you may spend your sacred leisure in the
light and Truth of Painting.
As you once did my portrait facing the stars, lion and the gypsy.

Artistry[edit]

Paintings[edit]

Rousseau claimed he had "no teacher other than nature",[3] although he admitted he had received "some advice" from two established Academic painters, Félix Auguste Clément and Jean-Léon Gérôme.[17] Essentially, he was self-taught and is considered to be a naïve or primitive painter.

His best-known paintings depict jungle scenes, even though he never left France or saw a jungle. Stories spread by admirers that his army service included the French expeditionary force to Mexico are unfounded. His inspiration came from illustrations in children's books[18] and the botanical gardens in Paris, as well as tableaux of taxidermy wild animals. During his term of service, he had also met soldiers who had survived the French expedition to Mexico, and he listened to their stories of the subtropical country they had encountered. To the critic Arsène Alexandre, he described his frequent visits to the Jardin des Plantes: "When I go into the glass houses and I see the strange plants of exotic lands, it seems to me that I enter into a dream."

Along with his exotic scenes there was a concurrent output of smaller topographical images of the city and its suburbs.

He claimed to have invented a new genre of portrait landscape, which he achieved by starting a painting with a specific view, such as a favourite part of the city, and then depicting a person in the foreground.

Criticism and recognition[edit]

Rousseau's flat, seemingly childish style was disparaged by many critics; people often were shocked by his work or ridiculed it.[6][19] His ingenuousness was extreme, and he always aspired, in vain, to conventional acceptance. Many observers commented that he painted like a child, but the work shows sophistication with his particular technique.[3][6]

Legacy[edit]

Rousseau's work exerted an extensive influence on several generations of avant-garde artists, including Pablo Picasso, Jean Hugo, Fernand Léger Jean Metzinger, Max Beckmann, and the Surrealists. According to Roberta Smith, an art critic writing in The New York Times, "Beckmann’s amazing self-portraits, for example, descend from the brusque, concentrated forms of Rousseau’s portrait of the writer Pierre Loti."[4][20]

In 1911, a retrospective exhibition of Rousseau's works was shown at the Salon des Indépendants. His paintings were also shown at the first Blaue Reiter exhibition.[citation needed]

Critics have noted the influence of Rousseau on Wallace Stevens's poetry. See, for instance, Stevens's "Floral Decorations for Bananas" in the collection Harmonium.[citation needed]

The American poet Sylvia Plath was a great admirer of Rousseau, referencing his art, as well as drawing inspiration from his works in her poetry. The poem, "Yadwigha, on a Red Couch, Among Lilies" (1958), is based upon his painting, The Dream, whilst the poem "Snakecharmer" (1957) is based upon his painting The Snake Charmer.[21]

The song "The Jungle Line", by Joni Mitchell, is based upon a Rousseau painting.[22]

Underground comic artist Bill Griffith drew a four-page biographical sketch of Rousseau, A Couch in the Sun, which was included in issue #2 of the Arcade anthology.[citation needed]

The visual style of Michel Ocelot's 1998 animation film, Kirikou and the Sorceress, is partly inspired by Rousseau, particularly the depiction of the jungle vegetation.[23]

A Rousseau painting was used as an inspiration for the 2005 animated film Madagascar.[24]

Exhibitions[edit]

Two major museum exhibitions of his work were held in 1984–85 (in Paris, at the Grand Palais; and in New York, at the Museum of Modern Art) and in 2001 (Tübingen, Germany). "These efforts countered the persona of the humble, oblivious naïf by detailing his assured single-mindedness and tracked the extensive influence his work exerted on several generations of vanguard artists," critic Roberta Smith wrote in a review of a later exhibition.[4]

A major exhibition of his work, "Henri Rousseau: Jungles in Paris", was shown at the Tate Modern from November 2005 for four months, organised by the Tate and the Musée d'Orsay, where the show also appeared. The exhibition, encompassing 49 of his paintings, was on display at the National Gallery of Art in Washington from 16 July to 15 October 2006.[citation needed]

A major collection of Rousseau's work was shown at the Grand Palais from 15 March to 19 June 2006.[citation needed]

Paintings[edit]

Self Portrait, 1890, National Gallery, Prague, Czech Republic

Self-portrait of the Artist with a Lamp, 1903

The Merry Jesters, 1906, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA

The Flamingoes, 1907, Private collection

Exotic Landscape, 1908, Private collection

View of the Bridge in Sevres and the Hills of Clamart, Saint-Cloud and Bellevue with biplane, balloon and dirigible, 1908, Pushkin Museum of Fine Arts

In a Tropical Forest Combat of a Tiger and a Buffalo, 1908–1909, Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia

Bouquet of Flowers, 1910, Tate Gallery, London, United Kingdom

References[edit]

1. ^ a b c Henri Rousseau biography Archived 24 October 2008 at the Wayback Machine at the Guggenheim

2. ^ Artillerymen by Rousseau at the Guggenheim

3. ^ a b c "Welcome to HenriRousseau.org – "Le Douanier" : The Life and Works of Henri Rousseau". Henrirousseau.org. Retrieved 7 August 2012.

4. ^ a b c d e f g Roberta Smith (14 July 2006) "Henri Rousseau: In imaginary jungles, a terrible beauty lurks" The New York Times. Accessed 14 July 2006

5. ^ Rousseau at the National Gallery of Art

6. ^ a b c Cornelia Stabenow (2001). Rousseau. Taschen. pp. 7–8. ISBN 978-3-8228-1364-5.

7. ^ Henri Rousseau biography, Princeton Archived 16 October 2010 at the Wayback Machine

8. ^ Henri Rousseau, (1979), Dora Vallier

9. ^ Karen Lee Spaulding (ed.) Masterworks at the Albright-Knox Art Gallery, (1999), first published as 125 Masterpieces from the Collection of the Albright-Knox Art Gallery (1987). Hudson Hills Press / Albright-Knox Art Gallery. p. 72. ISBN 978-1555951696

10. ^ Tate Modern | Past Exhibitions | Henri Rousseau | Artistic Circle Archived 5 June 2008 at the Wayback Machine at www.tate.org.uk

11. ^ a b John Malcolm Brinnin, The Third Rose, Gertrude Stein and Her World, An Atlantic Monthly Press Book, Little, Brown and Company, Boston, Toronto, 1959

12. ^ a b Richard R. Brettell; Chicago. Sara Lee Collection; Natalie Henderson Lee (1999). Monet to Moore: The Millennium Gift of Sara Lee Corporation. Yale University Press. ISBN 978-0-300-08134-3.

13. ^ Ann Temkin (2012). Rousseau: The Dream. The Museum of Modern Art. pp. 44–. ISBN 978-0-87070-830-5.

14. ^ Mark Antliff, Patricia Dee Leighten (2008) A Cubism Reader: Documents and Criticism, 1906–1914, University of Chicago Press

15. ^ Yann Le Pichon (1982) The World of Henri Rousseau. Phaidon Press Ltd. Oxford. ISBN 0-7148-2256-6

16. ^ Werner Schmalenbach (2000). Henri Rousseau: Dreams of the Jungle. Prestel Publishing. p. 58. ISBN 3-7913-2409-8.

17. ^ Cornelia Stabenow (2001). Rousseau. Taschen. pp. 16–. ISBN 978-3-8228-1364-5.

18. ^ Shannon Porter (2015) Art History. (Symbolism, frame 57)

19. ^ Henri Rousseau, 1844–1910 By Cornelia Stabenow page 10

20. ^ Joann Moser (1985) "Pre-Cubist Works, 1904–1909" in Jean Metzinger in Retrospect. The University of Iowa Museum of Art, J. Paul Getty Trust, University of Washington Press. pp. 34, 35. ISBN 978-0874140385

21. ^ Sylvia Plath's artistic influences

22. ^ The Jungle Line. jonimitchell.com

23. ^ Michel Ocelot (25 August 2008). "Director's notes". Kirikou.net. Archived from the original on 9 January 2011. Retrieved 25 August 2008.

24. ^ Lisa Rosen (8 May 2005). "A jungle's classic roots: Capturing The Style For 'Madagascar' Meant Going Past The '50S To Artist Henri Rousseau". Los Angeles Times. Retrieved 17 April 2013.

Further reading[edit]

Much of the information in this article was taken from Henri Rousseau Jungles in Paris, The Tate Gallery, pamphlet accompanying the 2005 exhibition.*The Banquet Years, by Roger Shattuck (includes an extensive Rousseau essay)

Henri Rousseau, 1979, Dora Vallier (general illustrated essay)

Henri Rousseau, 1984, The Museum of Modern Art New York (essays by Roger Shattuck, Henri Béhar, Michel Hoog, Carolyn Lanchner, and William Rubin; includes excellent color plates and analysis)

External links[edit]

Henrirousseau.org, 118 works by Henri Rousseau

Henri Rousseau: Jungles in Paris, at the National Gallery of Art

Rousseau text written for young readers Brief introduction to the artist's life and art. Entry contains links to two large reproductions of Rousseau paintings in the National Gallery of Art, a 4th grade lesson relating Rousseau's paintings to ecology, and hands-on activities suitable for classroom or home study.

Ten Dreams Galleries

The Sleeping Gypsy in the MoMA Online Collection

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Alguns

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Naïve art is any form of visual art that is created by a person who lacks the formal education and training that a professional artist undergoes (in anatomy, art history, technique, perspective, ways of seeing). When this aesthetic is emulated by a trained artist, the result is sometimes called primitivism , pseudo-naïve art, or faux naïve art.

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Historias das artes

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É a arte da espontaneidade, da criatividade autêntica, do fazer artístico sem escola nem orientação, portanto é instintiva, e onde o artista expande seu universo particular. Claro que, como numa arte mais intelectualizada, existem os realmente marcantes e outros nem tanto.

Arte naïf (do francês, arte ingênua) é o estilo a que pertence à pintura de artistas sem formação acadêmica sistemática. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos, nem nas tendências modernistas, nem tampouco no conceito de arte popular.

Assim, o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras, muito embora, mesmo nesses casos, seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros, das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos. Não se trata, portanto, de uma criação totalmente subjetiva, sem nenhuma referência cultural.

O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa.

Características gerais:

Autodidata, resultado da inexistência de formação acadêmica no campo artístico;

Recusa ou mesmo desconhece o uso dos cânones da arte acadêmica;

Composição plana, bidimensional, tende à simetria e a linha é sempre figurativa;

Não existe perspectiva geométrica linear. O artista não utiliza as regras da perspectiva, definida pelos renascentistas, como a redução do tamanho dos objetos proporcionalmente à distância, a redução da intensidade das cores e da precisão dos detalhes de acordo com a distância;

Detalhamento das figuras e dos cenários;

Desprezo pela representação fiel da realidade;

Colorido exuberante;

Pinceladas contidas com muitas cores.

"Arte primitiva" é outro termo muitas vezes aplicado à arte por aqueles sem treinamento formal, mas é historicamente mais frequentemente aplicada a trabalhar a partir de certas culturas que foram julgados socialmente ou tecnologicamente "primitivo" por meio acadêmico ocidental, como Native American, Subsaharan Africano ou arte Pacific Island ( ver arte tribal ) .

Este se distingue do "primitivo" primitivismo movimento inspirado auto-consciente. Outro termo relacionado com (mas não completamente sinônimo de) arte naïf é arte popular.

Existem também os termos "naïvism" e "primitivismo" que normalmente são aplicados a pintores profissionais que trabalham no estilo de arte naïf (como Paul Gauguin, Mikhail Larionov, Paul Klee ) .

Artistas ingênuos são muitas vezes referidos como primitivos modernos. A categoria também se sobrepõe com o que é chamado de arte marginal ou, na França, art brüt. Isso inclui a arte das crianças e também arte feita por pessoas à margem da sociedade, tais como prisioneiros e doentes mentais.

Destacamos os artistas:

Henri Rousseau (1844-1910), francês, nascido sob o nome de Henri-Julien-Félix Rousseau, era um homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. Tornou-se um artista em tempo integral aos 49 anos, depois de se aposentar de seu cargo na estância aduaneira Paris. Um trabalho que levou seu famoso apelido de Le Douanier Rousseau, o coletor de impostos.

Embora um admirador de artistas como William -Adolphe Bouguereau e Jean- Leon Gerome, Rousseau era autodidata e tornou-se um artista naïf. Sua técnica amadora e composições inusitadas provocaram o escárnio dos críticos contemporâneos, ao ganhar o respeito e a admiração de artistas modernos como Pablo Picasso e Wassily Kandinsky por revelar "as novas possibilidades de simplicidade".

Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica por ignorar regras elementares de desenho, composição e perspectiva, e de empregar as cores de modo arbitrário. Estreou com uma original obra-prima, "Um dia de carnaval", no Salão dos Independentes. Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. As obras mais conhecidas de Rousseau são cenas da selva exuberante, inspirado por todas as suas experiências pessoais (o artista supostamente nunca saiu França), mas por viagens frequentes para os jardins e jardim zoológico de Paris.

Rousseau expressava em suas pinturas uma visão particular do mundo. Não se reocupava em representar fielmente a realidade. Dentre seus temas, estavam animais selvagens, florestas, flores e seres humanos, algumas vezes combinados de maneira fantasiosa. Sua pintura é detalhada e as figuras que compõem a obra são minuciosamente contronadas.

Nos primeiros anos do século XX, após despertar a admiração de Alfred Jarry, Guillaume Apollinaire, Pablo Picasso, Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas, seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o Surrealismo.

Finalmente aquela inocente franqueza de sentimentos que Gauguin julgava necessária aos tempos modernos e que foi procurar tão longe. Picasso e seus amigos foram os primeiros a reconhecer esta qualidade na obra de Rousseau. Muito justificadamente, viram nele o padrinho da pintura do século XX.

Camille Bombois (1883-1970) pintor francês, notável para pinturas de cenas de circo. De origem humilde, trabalhou na agricultura. Em 1907, mudou-se para Paris, lá se casou e trabalhou como operário. Apesar das duras horas de trabalho, pintava durante a madrugada. Realizou exposições na rua, mas atraiu poucos compradores. Foi militar na Primeira Guerra Mundial. Após o seu regresso a casa, retomou a pintura. Em 1922, exibiu seus trabalhos nas calçadas em Montmartre e começou a atrair a atenção dos colecionadores. A partir de então, participa de exposições. As pinturas de sua maturidade estão com fortes contrastes de preto, vermelhos brilhantes, azuis e rosas elétricos. Suas obras estão em exibição em várias coleções públicas, como o Musée Maillol, em Paris.

André Bauchant (1873-1958) pintor francês, cujas composições foram frequentemente inspiradas pela natureza e figuras inspiradas na mitologia e história clássica. Ele trabalhou como jardineiro do mercado até 1914, antes de servir na Primeira Guerra Mundial. Durante o serviço militar, suas habilidades de desenho foram notadas e ele foi treinado como um cartógrafo. Após a desmobilização, em 1919, ele começou sua carreira como pintor. Sua primeira exposição foi em 1920 no Salon d'Automne. Em 1927, ele foi contratado por Diaghilev para projetar conjuntos de Stravinsky para Apollon Musagète.

Séraphine Louis (1864-1942) foi pintora francesa, conhecida também como Séraphine de Senlis. De família humilde, perdeu sua mãe no seu primeiro aniversário, e seu pai morreu quando ela ainda não tinha completado sete anos; ela é, então, levada por sua irmã mais velha. Trabalhou como pastora, e, em 1881, foi trabalhar como empregada no Convento das Irmãs da Providência em Clermont, ofício que desempenhou até 1901. A partir de 1901, ela começou a trabalhar como empregada doméstica nas famílias de classe média de Senlis.

Seraphine começou a pintar cumprindo uma ordem de seu Anjo da Guarda e da Virgem Maria... Assim contava a artista a todos que lhe perguntavam de onde vinha sua inspiração e seu talento. Sua obra traz principalmente motivos vegetais: flores, folhas e frutos. A princípio pequenas naturezas mortas como buques de flores em vasos se transformam até atingirem telas de grandes formatos, onde uma multiplicidade de flores parece ganhar vida.

Teve ajuda do colecionador de arte alemão Wilhelm Uhde, que além de comprar suas obras organiza, em 1929, a exposição "Pintores do Sagrado Coração", que permite a Séraphine prosperidade financeira, mas esta ostenta fama e gasta muito dinheiro.

Séraphine mergulha numa loucura e é internada com "psicose crônica" em janeiro de 1932 no hospital psiquiátrico de Clermont e, portanto, já não pratica a sua arte. Morre aos 78 anos no hospital em Villers-sous-Erquery, na miséria e nas duras condições de asilos durante a ocupação alemã.

Louis Vivin (1861-1936) artista francês, autodidata, mostrou grande entusiasmo para a pintura como uma criança, mas sua carreira o levou em uma direção completamente diferente: ele trabalhou como funcionário dos correios até 1922, prosseguindo a sua arte única em seu tempo livre. Nos temas das suas pinturas estava a natureza-morta, a caça e da cidade de Paris. Vivin foi contemporâneo de Henri Rousseau, Camille Bombois, André Bauchant e Séraphine Louis, conhecidos coletivamente como o "Sagrado Coração dos Pintores" e como mestres da pintura ingênua francês.

No Brasil, há vários pintores primitivistas com trabalhos reconhecidos nacional e internacionalmente, como Antônio Poteiro, Wilma Ramos, Mestre Vitalino e Heitor dos Prazeres.

"Nada me põe tão feliz, como contempla a natureza e pintá-la. Imagine que, quando vou para o campo e vejo o Sol por todo o lado e verde e flores, digo para mim: tudo isto é realmente meu!" Henri Rousseau

Henry Rousseau escreveu uma carta, reproduzida abaixo, ao crítico de arte André Dupont explicando seu quadro intitulado O Sonho.

Respondo imediatamente à sua bondosa carta para explicar-lhe a razão pela qual o sofá em questão pela qual o sofá em questão foi incluído [em seu quadro O Sonho]. A mulher adormecida no sofá sonha que é levada para a floresta, ouvindo a música do instrumento do encantador de serpentes. Isto explica o porquê do sofá no quadro... Agradeço-lhe pela bondosa apreciação; se mantive minha ingenuidade, é porque M. Gérome, que era professor na Escola de Belas Artes e M. Clément, diretor da Escola de Belas Artes em Lyon, sempre me disseram para conservá-la. Assim, no futuro, o senhor já não a achará. Disseram-me também que eu não pertencia a este século. O senhor deve compreender que não posso, agora, mudar a maneira que adquiri com um trabalho tão árduo e persistente. Termino esta nota agradecendo-lhe antecipadamente pelo artigo que escreverá a meu respeito. Aceite os meus melhores votos e um sincero e cordial aperto de mãos.

Inscrição de O Sonho, 1910, escrita por Rousseau:

Yadwigha, serenamente adormecida,

Desfruta um sonho lindo:

Escuta um encantador de serpentes

Tocando flauta

No rio e nas folhas brilham

Os raios prateados da lua

E as serpentes selvagens

Escutam a leda e arrebatadora melodia.

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É a arte da espontaneidade, da criatividade autêntica, do fazer artístico sem escola nem orientação, portanto é instintiva, e onde o artista expande seu universo particular. Claro que, como numa arte mais intelectualizada, existem os realmente marcantes e outros nem tanto.