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Com "Aparição" Vergílio Ferreira pretendeu tornar o homem visível a si mesmo. Para o autor, o que se vê melhor é aquilo que não se vê, porque « o que está mais perto dos olhos, são os olhos e aos olhos ninguém os vê».

A “Aparição”, o romance de Vergílio Ferreira, publicado em 1959, começa com um prenúncio de tragédia: Alberto Soares, o personagem do romance, chega a Évora como novo professor do liceu.  Um homem de luto, sombrio e descrente ainda a refazer-se da morte do pai, acaba de entrar numa cidade católica, branca e luminosa, deixando adivinhar que a sua relação com a cidade não será fácil.

Pelo caminho, vai retratar a sociedade fechada e com várias classes sociais de uma pequena cidade provinciana em plena ditadura fascista. Mas, fundamentalmente, vai colocar em causa a relação do homem consigo mesmo.

O espectro desumano da II.ª Guerra Mundial ainda estava presente em 1959, Einstein destronara algumas certezas sobre o cosmos e Nietzsche, no início do século XX, anunciara a morte de Deus.

O homem estava completamente só, sem céu, nem inferno, nem eternidade após a morte, mas em busca de sentido para a vida assim mesmo.

Vergílio Ferreira torna-se intérprete dessa interrogação existencial, subjectiva sobre a realidade a transporta-a para a “Aparição”.

O autor nasceu na aldeia de Melo, junto à Serra da Estrela em 1916. Os pais emigraram para os Estados Unidos quando tinha apenas quatro anos. A sua educação foi dividida entre umas tias maternas e o seminário do Fundão que abandonou aos 16 anos. Formou-se em Coimbra em filologia clássica.

O personagem da “Aparição”, Alberto Soares,  é um alter-ego de Vergílio Ferreira, que aparentemente escreveu um romance autobiográfico e onde faz uma “radiografia” da relação do Homem com a sociedade, com Deus e consigo mesmo.

https://ensina.rtp.pt/artigo/aparicao-de-vergilio-ferreira/

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Vergílio António Ferreira  nasceu em Melo, aldeia do concelho de Gouveia, na Beira Alta, a meio da tarde do dia 28 de janeiro de 1916,  filho de António Augusto Ferreira, fogueteiro, e de Josefa Ferreira, doméstica, que, em 1927, emigraram para o Canadá (ou Estados Unidos), em busca de uma vida melhor, ficando Vergílio com os irmãos mais novos, César e Judite. Esta dolorosa separação é descrita em Nítido Nulo. A neve - que virá a ser um dos elementos fundamentais do seu imaginário romanesco - é o pano de fundo da infância e adolescência passadas na zona da Serra da Estrela. Aos 12 anos, após uma peregrinação a Lourdes, entra no seminário do Fundão, que frequentará durante seis anos. Esta vivência será o tema central de Manhã Submersa.

Em 1936, deixa o seminário e acaba o Curso Liceal no Liceu da Guarda. Entra para a Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra, continuando a dedicar-se à poesia,  nunca publicada, salvo alguns versos lembrados em Conta-Corrente e, em 1939, escreve o seu primeiro romance, O Caminho Fica Longe. Licenciou-se em Filologia Clássica em 1940. Concluiu o Estágio no Liceu D.João III (1942), em Coimbra. Começa a leccionar em Faro. Publica o ensaio "Teria Camões lido Platão?" e, durante as férias, em Melo, escreve "Onde Tudo Foi Morrendo". Em 1944, passa a leccionar no Liceu de Bragança, publica "Onde Tudo Foi Morrendo" e escreve "Vagão "J" que, publicou em 1946, no mesmo ano em que se casou, com Regina Kasprzykowsky, professora polaca refugiada em Portugal, com quem Vergílio ficará até à sua morte. Após uma passagem pelo liceu de Évora (onde escreveu o mundialmente conhecido romance Manhã Submersa, corria o ano de 1953), fixa-se como docente em Lisboa, leccionando o resto da sua carreira no Liceu Camões.

A 3 de Setembro de 1979 foi feito Grande-Oficial da Ordem Militar de Sant'Iago da Espada.

Em 1980, o realizador Lauro António adapta para o cinema, o romance Manhã Submersa e, Vergílio Ferreira interpreta um dos principais papéis, o de Reitor do Seminário, contracenando assim com outros grandes vultos da cena portuguesa, tais como: Eunice Muñoz, Canto e Castro, Jacinto Ramos e Carlos Wallenstein. Em 1992 foi eleito para a Academia das Ciências de Lisboa; no mesmo ano recebeu, pelo conjunto da obra, o "Prémio Camões", o mais importante prémio literário dos países da língua portuguesa. Vergílio morreu no dia 1 de março de 1996  em sua casa, em Lisboa, na freguesia de Alvalade. O funeral foi realizado no cemitério de Melo, sua terra-natal e, a seu pedido, o caixão fora enterrado virado para a Serra da Estrela.

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O Paraiso perdido de Paul Gauguin.
A natureza tem poderes infinitos, misteriosos e imaginativos. Ela está sempre variando as produções que nos oferece. O próprio artista é um meio da natureza.” A frase é de Eugène Henri Paul Gauguin, artista pós-impressionista francês que ganha retrospectiva até dia 28 de junho na Fondation Beyeler, em Basel, na Suíça.
A mostra demorou seis anos para ser concretizada - não existe um museu específico e exclusivo para o trabalho do artista, por isso, as obras vêm de 13 diferentes países. Serão cerca de 50 peças reunidas de museus e coleções particulares, além de ser um dos mais elaborados projetos da história da fundação. Com isso, o museu espera número recorde de visitantes.

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Simbolismo Artístico: O Simbolismo surge como resposta ao desencanto face ao positivismo que se instalou em alguns setores intelectuais naquela época, causado pela ciência e lógica, porque a ciência lida com factos, com raciocínio o que por vezes se torna um pouco árido e sem emoção.
Foi por esta razão que pintores como Gauguin, entre outros, procuraram uma via mais profunda e interior. Segundo este grupo de pintores, a pintura deveria traduzir a realidade para o nível das ideias, dando-lhe profundidade. “Os simbolistas consideram que a arte deve libertar-se da submissão aos preceitos da lógica e mergulhar nos mistérios insondáveis do mundo e da alma.
Experimentando, tal como os românticos, um forte desejo de evasão, os seus quadros espelham a nostalgia dos mundos perdidos – os tempos bíblicos, os mitos clássicos, a Idade Média …- ou primitivos- como o Taiti, refúgio de Gauguin, onde a espiritualidade se mantém forte, intocada pela degeneração industrial".
No fundo, o simbolismo surge como uma resposta à objetividade da ciência e do positivismo que torna o mundo demasiado racional. Ainda melhor do que a pintura, é a literatura que expressa esta corrente.

Simbolismo Literário: No Simbolismo Literário a escrita é profunda, difícil, fechada, quase destinada apenas a um pequeno grupo de eleitos. A poesia é a forma preferida do simbolismo literário onde a musicalidade das palavras é privilegiada em detrimento da rima.
Na pintura o simbolismo não se constituiu como escola formal. Mas disseminou-se por toda a Europa e contou com nomes de referência como Gauguin.

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Na literatura realista o foco foi o retrato objetivo da realidade social em vez dos

sentimentos individuais do romantismo. “Vivendo sentimentos contraditórios e

desviando-se muitas vezes da conduta socialmente aceite, os personagens do realismo

são pessoas comuns que vivem, lutam, amam e sofrem, num cenário minuciosamente

descrito, contemporâneo e identificável para o leitor. Foi esta realidade palpável, clara

e cruamente exposta, que chocou a sociedade burguesa da época tão ligada às aparências”

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"Uma flor de verde pinho" foi a canção portuguesa no Festival Eurovisão da Canção 1976, interpretada em português pelo fadista Carlos do Carmo. A melodia tinha letra do poeta e político português Manuel Alegre, música de José Niza e orquestração do maestro Thilo Krasman.
Na canção (uma balada), com letra de Manuel Alegre, o sujeito poético compara o amor que sente por Portugal com o amor que sentiria por uma mulher atraente. Ele vai ao ponto de se comparar com Pedro I, que ficou famoso na História de Portugal pelo amor que sentiu por Inês de Castro.

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Eu podia chamar-te pátria minha
dar-te o mais lindo nome português
podia dar-te um nome de rainha
que este amor é de Pedro por Inês.

Mas não há forma não há verso não há leito
para este fogo amor para este rio.
Como dizer um coração fora do peito?
Meu amor transbordou. E eu sem navio.

Gostar de ti é um poema que não digo
que não há taça amor para este vinho
não há guitarra nem cantar de amigo
não há flor não há flor de verde pinho.

Não há barco nem trigo não há trevo
não há palavras para dizer esta canção.
Gostar de ti é um poema que não escrevo.
Que há um rio sem leito. E eu sem coração.

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Pergunto ao vento que passa
notícias do meu país
e o vento cala a desgraça
o vento nada me diz.

Pergunto aos rios que levam
tanto sonho à flor das águas
e os rios não me sossegam
levam sonhos deixam mágoas.

Levam sonhos deixam mágoas
ai rios do meu país
minha pátria à flor das águas
para onde vais? Ninguém diz.

Se o verde trevo desfolhas
pede notícias e diz
ao trevo de quatro folhas
que morro por meu país.

Pergunto à gente que passa
por que vai de olhos no chão.
Silêncio - é tudo o que tem
quem vive na servidão.

Vi florir os verdes ramos
direitos e ao céu voltados.
E a quem gosta de ter amos
vi sempre os ombros curvados.

E o vento não me diz nada
ninguém diz nada de novo.
Vi minha pátria pregada
nos braços em cruz do povo.

Vi minha pátria na margem
dos rios que vão pró mar
como quem ama a viagem
mas tem sempre de ficar.

Vi navios a partir
(minha pátria à flor das águas)
vi minha pátria florir
(verdes folhas verdes mágoas).

Há quem te queira ignorada
e fale pátria em teu nome.
Eu vi-te crucificada
nos braços negros da fome.

E o vento não me diz nada
só o silêncio persiste.
Vi minha pátria parada
à beira de um rio triste.

Ninguém diz nada de novo
se notícias vou pedindo
nas mãos vazias do povo
vi minha pátria florindo.

E a noite cresce por dentro
dos homens do meu país.
Peço notícias ao vento
e o vento nada me diz.

Quatro folhas tem o trevo
liberdade quatro sílabas.
Não sabem ler é verdade
aqueles pra quem eu escrevo.

Mas há sempre uma candeia
dentro da própria desgraça
há sempre alguém que semeia
canções no vento que passa.

Mesmo na noite mais triste
em tempo de servidão
há sempre alguém que resiste
há sempre alguém que diz não.

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Manuel Alegre é uma figura incontornável da política portuguesa e da história democrática nacional. Resistente anti-fascista, teve um papel fundamental entre a imensa comunidade de portugueses que viveu no exílio. É um poeta-escritor de mérito reconhecido, o que não significa consensual, e é um tribuno talentoso com uma voz que mete respeito. Homem de afectos, Alegre é conhecido por ser amigo do seu amigo, inteligente e perspicaz. Será sensível mas nem sempre é cortês. Raramente não é educado. Quase nunca afável com quem mal conhece. Sempre foi conhecido por ser corajoso. Até à última terça-feira. O dia em que trocou a coerência pelo receio.
Alegre desilidiu uma imensa maioria de sonhadores. Os que sendo da esquerda ou da direita - porque aqui a ideologia política pouco interessa - olharam para o deputado poeta com um misto de inveja e saudade. Inveja por não poderem avançar para a aventura a que se propunha de forma apaixonada, saudade dos velhos tempos em que não havia calculismos e taticismos e tudo se fazia em nome do sonho e da convicção, sem medo de derrotas. Os tempos do "Tudo vale a pena quando a alma não é pequena" de Fernando Pessoa. Depois de criar uma expectativa quase tão tensa e emocionante como o final de um bom filme de aventuras, acabou por provocar um anti-clímax que desiludiu. Os sonhadores acordaram tristes e revoltados, tinha-se perdido mais uma oportunidade e uma esperança em dias diferentes.
Alegre disse no seu conto cheio de metáforas: O quadrado, Jornal Expresso, e bem, que não há donos de nada nem de ninguém, muito menos da República. Era o que faltava! E alertou para o perigo de se perderem os afectos. É muito perigoso sim senhor, mas é coisa que não falta por aí. Prometeu que continuaria a resistir contra todas as intimações e intimidações, e lembrou, com propriedade, que "um homem não se rende, seria aliás uma grande falta de educação" . Ficámos agora a perceber que o aforismo só se aplica se não estiver em causa a divisão da esquerda. Ora essa! Um homem não se rende e ponto final. A esquerda é uma coisa muito vasta onde cabem muitas coisas, e defendê-la de forma genérica é cair na demagogia e no populismo. E a esquerda não ficaria melhor respresentada se um dos seus ícones maiores aceitasse o desafio de partir em busca dos apoios que faltavam, mesmo que isso representasse uma derrota?
Há duas estrofes de um poema de Manuel Alegre, Trovas do Vento que Passa, que ilustram bem o comportamento dos últimos dias.

A coisa começou com um corajoso:
Mesmo na noite mais triste

em tempo de servidão

há sempre alguém que resiste

há sempre alguém que diz não.

e acabou num pouco honroso:

Vi minha pátria na margem

dos rios que vão pró mar

como quem ama a viagem

mas tem sempre de ficar.

É pena que antes de desistir sem honra nem glória e com uma enorme falta de educação - quando resistiu tanto, só, no seu quadrado, sem saber em que guerra estava e consciente da falta de apoios alargados- não se tenha inspirado num dos maiores pensadores que a pátria pariu.

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Figura destacada da cultura científica e do ensino, descobre mais tarde a arte das palavras. É o poeta da "Pedra Filosofal". Até aos 50 anos um “sonho comanda a vida” de Rómulo de Carvalho. Chama-se Ciência. Por isso faz-se cientista, professor, autor de manuais escolares, uma intensa atividade praticada durante quase meio século de vida.

Tanto o seu trabalho é reconhecido que o dia do seu nascimento, 24 de novembro, passa a ser o dia Nacional da Cultura Científica.

Mas há um outro sonho latente, uma vocação que se manifestara quando era apenas um menino e já versejava. Aos 11 anos, Rómulo decide abraçar a epopeia de terminar aquela que é considerada a obra máxima da literatura portuguesa, “Os Lusíadas“. Escreve as setes estrofres do canto XI que acabam publicadas. Porém, pensa sempre que os seus poemas não têm qualidade, e tudo o que vai escrevendo, vai destruindo.

Só aos 50 anos de idade, Rómulo de Cavalho “pula e avança” para a poesia. Depois de participar num concurso, arrisca o primeiro livro de poemas: “Movimento Perpétuo”. E como se de uma outra vida se tratasse, o pedagogo escolhe para si um novo nome: António Gedeão.

Gedeão  é o poeta da “Pedra Filosofal”, um hino ao sonho que se fez canção de muitas gerações.

https://ensina.rtp.pt/artigo/antonio-gedeao-1906-1997/

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De Argel, a voz de Manuel Alegre apela à revolta dos portugueses, no verão de 1968. Pede que aproveitem a doença súbita que tirou o ditador Salazar do poder. Apesar da mensagem emitida pela Rádio Voz da Liberdade, Marcelo Caetano sucedeu-lhe no Conselho.
A linha estrutural do programa ‘Sons de Abril’ é usar os sons como suporte da memória, numa viagem temporal à História recente de Portugal. O som não nos dá uma imagem diferente da que temos desse passado mas certamente mais próxima, mais de quotidiano, mais coloquial e de maior detalhe.

Esta rubrica da Antena 1 leva-nos desde 1973 a Julho de 1976, num percurso que vai dos discursos-aula de Marcello Caetano às intervenções sincopadas dos presidentes militares; do Festival da Canção à canção de intervenção; dos pregões típicos para turista ouvir à algazarra dos vendedores ambulantes. A maior mobilidade das equipas de rádio, o maior à vontade das pessoas diante dos microfones e o grande envolvimento político das rádios no período pós-25 de Abril levam a que os sons nos levem até àquele momento, àquela pessoa, àquele facto.
Muitos dos poemas de Manuel Alegre são hinos à liberdade, versos de protesto contra o regime salazarista, que desde sempre combateu. Da sua vasta obra poética começada em 1960 e distinguida em 2017 com o Prémio Camões.

https://ensina.rtp.pt/artigo/o-armario-ou-o-quarto-poema-do-portugues-errante-de-manuel-alegre/

https://ensina.rtp.pt/artigo/sons-de-abril-a-radio-combate-o-regime/

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É uma personagem polifacetada da vida cultural portuguesa, Manuel Alegre nasceu a 12 de maio de 1936, em Águeda. O seu trisavô organizou a primeira revolta contra D.Miguel e o seu avô materno foi um dos fundadores da República. Nesta tradição, Alegre lutou contra a ditadura de Salazar e opôs-se à Guerra Colonial (na qual, em todo o caso, optou por participar).
Estudante de Direito na Universidade de Coimbra, participou em rebeliões contra a ditadura; mobilizado, em 1962, para a guerra ultramarina, dirigiu em Angola uma tentativa de revolta contra a guerra colonial. De volta a Portugal, colaborou, na clandestinidade, em ações de luta contra o regime, sendo obrigado a exilar-se, a partir de 1964, em Paris, e posteriormente, na Argélia, empenhando-se em iniciativas de resistência a partir do exterior e sendo eleito dirigente da Frente Patriótica de Libertação Nacional.
Regressado a Portugal, após o 25 de abril de 1974, aderiu ao Partido Socialista, vindo a tornar-se deputado à Assembleia da República em várias legislaturas e tendo sido secretário de Estado no primeiro governo constitucional.
Em julho de 2004, como consequência da demissão de Ferro Rodrigues do cargo de secretário-geral do PS (por insatisfação relacionada com a decisão do presidente Jorge Sampaio de nomear um novo Governo Constitucional, o XVI, em substituição do XV de Durão Barroso - entretanto convidado a apresentar a sua candidatura a presidente da Comissão Europeia), e por discordar da opinião política de alguns membros do seu partido, decidiu apresentar a sua candidatura à liderança do partido, posicionando-se como um candidato da fação mais à esquerda do Partido Socialista. As eleições, que decorreram a 24 e 25 de setembro de 2004, deram, no entanto, a vitória a José Sócrates, tendo Manuel Alegre obtido cerca de 17% dos votos.
Em 2005 anunciou a sua candidatura à presidência da República Portuguesa, tendo competido com Aníbal Cavaco Silva, Mário Soares, Jerónimo de Sousa, Francisco Louçã e Garcia Pereira. Perdeu as eleições, realizadas a 22 de janeiro de 2006, para Aníbal Cavaco Silva, que obteve maioria absoluta com 50,59% dos votos. Manuel Alegre ficou em segundo lugar com 20,72%.
As suas experiências de resistência, prisão política, guerra colonial e exílio marcaram indelevelmente uma escrita poética de denúncia, a que soube, pelo constante diálogo intertextual com autores que viveram experiências similares, conferir uma dimensão trans-histórica e quase mítica. É esta sensibilidade ao mito e à história, essa revisitação, sob a forma de paráfrases, refundições, citações, símbolos ou nomeação, às mitologias nacionais e literárias (Camões, Alcácer Quibir) que, segundo Eduardo Lourenço (cf. prefácio a 30 Anos de Poesia, 1995), distingue a poesia de Manuel Alegre da poesia neorrealista, conferindo-lhe uma dimensão épica e de indagação permanente sobre a noção e o destino da pátria. Nesta aceção, a expressão do eu quase nunca resulta de uma escrita da intimidade, mas equivale à voz de um poeta com novecentos anos, sentado aos quatro ventos do tempo, fundindo na sua voz as línguas e ritmos passados. Merecem particular atenção os seus livros de poesia Praça da Canção, O Canto e as Armas e Atlântico, e os seus romances, de forte sugestividade autobiográfica, Jornada de África e Alma.
A obra literária de Manuel Alegre foi já traduzida para várias línguas, como é o caso de Lusiade Exile, edição bilingue francês-português, Paris, 1970; Portugal a Paris, edição em francês, 1995; Che, edição em espanhol, 1997; Manuel Alegre, Gedichte Und Prosa, edição bilingue alemão-português, Frankfurt am Main, 1998; e Corazón Polar y Otros Poemas, edição bilingue espanhol-português, 2003.
Os poemas e contos do autor encontram-se também representados em numerosas antologias, como, por exemplo: La Nuova Poesia Portoghese, edição em italiano, Roma, 1975; Cent Poèmes Sur L'Exil, edição em francês, Paris, 1993; Antologia da Poesia Portuguesa Contemporânea, Rio de Janeiro, 1999; Antologia do Conto Português, Lisboa, 2002; Cem Sonetos Portugueses, Lisboa, 2002; e Anthologie de la Poésie Portugaise Contemporaine, 1935-2000, 2003.
O seu trabalho como escritor foi já, por diversas vezes, galardoado: o Prémio de Literatura Infantil António Botto, em 1998, por As Naus de Verde Pinho; o Prémio da Crítica Literária e o Grande Prémio de Poesia da Associação Portuguesa de Escritores, em 1998, por Senhora das Tempestades; o Prémio Pessoa, patrocinado pelo Expresso, pela Obra Poética, editada em 1999; e o Prémio Fernando Namora, em 1999, por A Terceira Rosa.

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Manuel Alegre é poeta e político, nasceu a 12 de maio de 1936 em Águeda.
Publicou em 1965 o seu primeiro volume poético, Praça da Canção. Esta coletânea evidencia uma imagem do poeta como cidadão corresponsabilizado nos destinos da comunidade e um entendimento da poesi como canto apelativo, grito de protesto lançado na ágora.
Foi o maior poeta da Literatura de intervenção dos anos 60, carregando na sua poesia: angústias e anseios de uma geração profundamente marcada pela ditadura e pela guerra colonial. Os seus versos são a crónica de um tempo histórico comum e a expressão da saudade de um espaço, que é lembrado pelo "lusíada exilado" e a utopia de um Portugal que há de ser. O apelo a um percurso coletivo de regresso, de reencontro com a verdadeira pátria, depois da passada aventura histórica de partida. Esse chamamento passa pela convocação dos arquétipos, dos valores míticos e literários que constituem o nosso património cultural: a poesia trovadoresca, Camões, Bernardim Ribeiro..Fernando Pessoa, Sophia de Mello Breyner e Alexandre O'Neill constituem as citações preferidas.
Manuel Alegre assimilou uma tradição histórica e estética, tornando-se ele próprio num trovador, dirigindo poemas de amor à pátria, mulher amada.
Na poesia de Manuel Alegre conjugam-se, assim, as tonalidades épica e lírica: ora se impõe a força da declamação, simbolicamente oposta ao silêncio, ora vem à tona um tom mais intimista, a que não é alheia, no entanto a preocupação sónica.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa

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"Senhor" é o receptor da mensagem veiculada pelo sujeito poético (emissor), que, neste poema, se encaixa no colectivo humano.

Este carácter generalizante inclui o sujeito poético no conjunto de homens que se defrontam com uma realidade incoerente, caótica, onde a justiça, a verdade e a liberdade estão ausentes. Quase como que num pedido, o emissor dirige-se ao receptor (divino), numa atitude de prece.

Em suma, este pedido (de base humanista cristã) deve-se à necessidade de harmonia universal, sem a qual nem o Homem nem o Poeta se podem realizar plenamente.

A nível morfossintáctico, ressaltam formas verbais no imperativo ("Dai-nos" - sete vezes; "Erguei" e "Fazer" nos primeiros e últimos versos de cada estrofe) e o vocativo "Senhor", que estão ao serviço da função apelativa da linguagem.
Os nomes abstractos ligados ao pedido do sujeito poético são "paz", "esperança", "justiça", "verdade" e "liberdade".

Semanticamente, são vocábulos eufóricos, isto é, repletos de carga positiva, o que indica que, estando ao serviço do pedido, a situação vivida pelo homem apresentava-se caótica, disfórica. A paz, associada à liberdade, só é conseguida quando se adquirirem os valores de justiça e liberdade.
Do ponto de vista simbólico, o título aponta para um ideia de equilíbrio, harmonia, igualdade, traduzida pela simbologia do número sete, número de palavras que compõem o título. Esta ideia é reiterada quando, por exemplo, o título se repete três vezes ao longo do poema, destacando-se novamente a ideia de harmonia ditada pela simbologia do número três. Verifica-se, também, que este ocupa um lugar de destaque, posicionando-se no final de cada uma das três estrofes.
Assim, do ponto de vista semântico, só se atinge a paz quando todos forem iguais, quando houver discrepâncias sociais, quando não houver "vencedor" nem "vencidos". E aqui está presente uma das linhas temáticas de Sophia de Mello Breyner - a procura da justiça -, que se alcança só quando se conseguir combater as forças destrutivas instaladas no interior do Homem, na sociedade e no poder.
Em todo o poema existe somente um ponto final a marcar o fim da primeira frase declarativa que inicia o poema. O restante não é marcado ritmicamente ao nível da pontuação, visto ser uma característica da poesia modernista. Por um lado, a imaginação e o sonho do leitor poderão funcionar muito mais livremente, por outro, permitem deixar o texto aberto, como quem sugere que a situação negativa, disfórica da sociedade continua.

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Poema: A paz sem vencedores e sem vencidos

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Poema: A paz sem vencedores e sem vencidos

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Dai-nos Senhor a paz que vos pedimos
A paz sem vencedor e sem vencidos
Que o tempo que nos deste seja um novo
Recomeço de esperança e de justiça.
Dai-nos Senhor a paz que vos pedimos

A paz sem vencedor e sem vencidos

Erguei o nosso ser à transparência
Para podermos ter melhor a vida
Para entendermos vosso mandamento
Para que venha a nós o vosso reino
Dai-nos Senhor a paz que vos pedimos

A paz sem vencedor e sem vencidos

Fazei Senhor que a paz seja de todos
Dai-nos a paz que nasce da verdade
Dai-nos a paz que nasce da justiça
Dai-nos a paz chamada liberdade
Dai-nos Senhor a paz que vos pedimos

A paz sem vencedor e sem vencidos

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Este poema está inserido numa das linhas temáticas da poesia de Sophia de Mello Breyner Andersen a qual denuncia as injustiças e desigualdades sociais.

O próprio título “Porque” reforça, através da anáfora, a ideia desenvolvida ao longo do poema. Deste modo, parece haver um diálogo entre o sujeito poético e um “tu”, que aparece no primeiro e último versos da primeira estrofe, assim como no último verso das estrofes seguintes.

O sujeito poético põe em evidência as virtudes e qualidades do outro, mostrando um verdadeiro sentimento de admiração, o que nos leva a pensar poder tratar-se de um amigo íntimo. Deste modo, verifica-se uma atitude muito contrastante em relação aos outros e à pessoa amada, nomeadamente através da conjunção adversativa “mas”.

O sujeito poético denuncia a falsidade, “Porque os outros se mascaram”, a astúcia “Porque os outros usam a virtude/Para comprar o que não tem perdão” (o sujeito poético poderá referir-se à honra, honestidade, etc.), logo é referido o receio que os outros têm em demonstrar o verdadeiro eu, ao contrário do tu. Os outros são hipócritas ao oferecerem apenas a aparência.

Na segunda estrofe é reforçada a ideia da corrupção, nomeadamente no primeiro e segundo versos, uma vez que os túmulos caiados significam o disfarce, assim sendo simbolizam os segredos, dando uma imagem de hipocrisia, onde está mais explicita esta critica é no segundo verso da segunda estrofe.

Deste modo verifica-se que todo o poema é de intervenção social. Enquanto os outros se disfarçam para esconder os seus defeitos e pecados, o tu confronta as pessoas com a verdade sem medo de represálias. Assim sendo o tu pode representar aquele que denuncia as injustiças sociais.

Na terceira estrofe verifica-se novamente uma enumeração e oposição de atitudes, logo existe uma crítica ao oportunismo, “Porque os outros se compram e se vendem” e ao calculismo“.

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Porque os outros se mascaram mas tu não
Porque os outros usam a virtude
Para comprar o que não tem perdão.
Porque os outros têm medo mas tu não.

Porque os outros são os túmulos caiados
Onde germina calada a podridão.
Porque os outros se calam mas tu não.

Porque os outros se compram e se vendem
E os seus gestos dão sempre dividendo.
Porque os outros são hábeis mas tu não.

Porque os outros vão à sombra dos abrigos
E tu vais de mãos dadas com os perigos.
Porque os outros calculam mas tu não.

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"O Nome das Coisas" é uma das obras mais emblemáticas de Sophia de Mello Breyner Andresen: na poesia, refere as coisas pelos nomes, fala da realidade, que a inspira também na prosa. Este documentário visita a vida e a obra da autora de "A Menina do Mar".
O mar, a luz, as ilhas gregas... o seu universo é de uma simplicidade desconcertante, de uma beleza clássica e intemporal. O nome de Sophia (1914-2004) confunde-se com a própria poesia e com os livros infantis que escreveu.

Tem sangue dinamarquês do lado paterno, esta Sophia com apelidos estrangeiros que nasceu no Porto, numa familia da velha aristocracia. Aos três anos recitava de cor a “Nau Catrineta”, aos doze escrevia poemas. A paixão pelo mar começou quando olhava o atlântico, nos verões passados no norte, na Granja. Em Lisboa, fez Filologia Clássica na Faculdade de Letras e deixou-se fascinar pelo rio Tejo.

A Grécia antiga, o Mediterrâneo, o Algarve de outros tempos, estão presentes na simplicidade dos seus poemas construídos com emoção e clareza na procura de um ideal.
O seu primeiro livro de poesia foi publicado em 1944. A partir daí Sophia nunca mais parou. Além da poesia, escreveu contos, ensaios, peças de teatro e fez traduções de Shakespeare, Dante e Eurípedes. Envolvida na luta contra o fascismo, chegou a ter uma curta carreira politica como deputada do Partido Socialista.

Os contos infantis chegaram mais tarde, quando começou a contar histórias aos filhos, para os sossegar e adormecer. “A Fada Oriana”, “A Menina do Mar”, “O Cavaleiro da Dinamarca”, “O Rapaz de Bronze” são apenas alguns títulos que lhe valeram prémios nacionais e internacionais. Um dos seus manuscritos inacabados, “Os Ciganos”, foi terminado pelo neto.

https://ensina.rtp.pt/artigo/sophia-de-mello-breyner-andersen-o-nome-das-coisas/

https://ensina.rtp.pt/artigo/sophia-de-mello-breyner-andersen/

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João da Ega estava de volta a Lisboa (depois de Cohen ter descoberto a relação adúltera que Raquel tinha com Ega, no dia do aniversário de Raquel Cohen, dia em que tinha sido organizado um baile de máscaras para a sua celebração, Ega após tal acontecimneto resolveu voltar para Celorico) na sua viagem de regresso Ega esteve na companhia da Condessa de Gouvarinho que lhe falou constantemente em Carlos, durante a viagem a Condessa convidou Ega e Carlos para irem jantar a sua casa, na segunda-feira seguinte;

Carlos relatou a Ega que os Cohens também estavam de regresso da sua viagem ao estrangeiro, tal informação estava presente na “Gazeta Ilustrada”;

Ega ficou instalado no Ramalhete neste seu regresso, o que alegrou imenso Afonso que o questionava sobre as suas obras-primas incompletas, desta vez a mais recente que seria uma comédia, intitulada de “Loudaçal”, uma crítica à sociedade lisboeta;

A caminho do Jantar dos Gouvarinhos, Ega questiona Carlos acerca da identidade da “brasileira” com quem este passa todas as suas manhãs, tendo sido Dâmaso Salcede quem lhe contou tal facto, tal como a sua versão dos factos, resumidamente, que lhe tinha apresentado a Madame Castro Gomes que ele “supunha ter inspirado uma paixão”, e que Carlos se aproveitara da sua ausência para se aproximar da Madame Castro Gomes, quando na realidade o que passara foi que a governanta da Madame Castro Gomes tinha adoecido com uma bronquite e Carlos visitara a todos os dias para ver a sua evolução.

Já em casa dos Gouvarinhos, encontravam-se mais convidados como D.Maria da Cunha, a baronesa de Alvim, Sousa Neto apresentado a Carlos naquela noite pelo conde de Gouvarinho, uma senhora “gorda e vestida de escarlate”, a mulher de Sousa Neto e a Comenda da Conceição.

A condessa aproveitou a chamada para jantar afim de se esclarecer com Carlos, relativamente ao seu afastamento e à aproximação de Carlos “à brasileira”, o que deixou Carlos pensativo, até a sua amizade com a Madame Castro Gomes já tinha chegado aos ouvidos da Condessa, tudo isto por culpa da tagarelice de Dâmaso.

À mesa, falou-se do “fecundo antagonismo que existe entre Lisboa e Porto”; de um livro do major Bratt, que “dizia coisas perfidamente desagradáveis para Portugal” e que falava de uma viagem pela África, ao que Ega mostrava o seu ar de superioridade relativamente aos povos africanos, dando-se um conflito de ideais entre Sousa Neto e Ega, em relação à questão da escravatura, num momento mais tarde em relação à poesia de Proudhon; falou-se também de paradoxos, entre outros assuntos, neste jantar.

Seguiu-se uma conversa intelectual entre Carlos e Sousa Neto sobre as cidades de Paris e Londres, e sobre os clássicos literários;

A condessa inventou que o seu filho, Charlie, estava “tão quente, irrequieto...tinha quase medo que fosse sarampo”, acabando por pedir a Carlos se o poderia examinar, ao que ela o levou para um gabinete, onde “atirou os braços ao pescoço de Carlos, os seus lábios prenderam-se aos deles num beijo sôfrego”, combinando um encontro com Carlos no dia seguinte na “casa da titi, às onze”;

Já no dia seguinte, Carlos atrasara-se retido em cada da titi com a condessa e “os seus beijos intermináveis, fez voar o coupé até à Rua de S.Francisco”, pelo que a Madame Castro Gomes o recebeu “com uma doce cor no rosto” tinha acabado de chegar, referindo que já não eram somente visitas de médico que esperava, mas visitas de amigo, e essa tinha-lhe faltado naquela tarde.

Acabaram por se sentar e falar de temas como o clima, e o longo e demoroso bordado que Maria Eduarda fazia, fazendo referência ao curto fim das coisas, porque não querê-las mais longas e como uma companhia, ao que Carlos se revia na sua conversa sobre o bordado, dizendo a Maria que nem tudo era assim. Após esta conversa apareceu Dâmaso e Maria recusou-se a recebê-lo e referia que a casa em que vivia era “demasiadamente acessível aos importunos”, questionando Carlos se este conhecia um casa para passar os meses de Verão, ao que Carlos se lembrou de imediato da Toca, a casa de Craft, “campestre e artística” que iria agradar imenso a Maria Eduarda, ao que Carlos se propôs a ir na manhã seguinte falar com Craft aos Olivais.

No seguimento desta conversa deu-se uma troca de olhares entre ambos que fez com que Carlos contasse todo o amor que sentia e que tinha guardado para si, ao longo de todo este tempo que tem passado com Maria, já Maria só tem a pretensão de lhe dizer algo, que ele deduz que seja o amor que tem por si e que é por demais evidente, (embora uns capítulos à frente nos seja dito que, Maria Eduarda tinha a pretensão de revelar a Carlos, toda a sua vida, e que na realidade não era casada com Castro Gomes, tudo o que viveu com a sua mãe em Paris e, posteriormente em Londres, quando se deu a guerra onde o seu marido Mac Gren, o pai de Rosa, acabou por falecer) entre hesitações por parte de Maria Eduarda e a passagem de Domingos pela sala, onde se encontravam, ambos beijaram-se, apaixonadamente, perante a proposta de Carlos de fugirem e viverem um lindo e maravilhoso amor.

No dia seguinte, como combinado Carlos foi ao encontro de Craft e acabou por lhe alugar a quinta com “todos os seus móveis antigos e modernos por duas mil e quinhentas libras”. Seguido das negociações e do almoço que tiveram Carlos apressara-se para ir contar a boa nova a Maria Eduarda, que estava num misto de surpresa e desconfiança, perguntando quanto lhe custaria essa casa, ao que Carlos se decidiu a contar-lhe tudo, relativamente à compra da casa de Craft e que a tinha alugado para ela. Ela perante essa oferta referiu que todos acabariam por descobrir que Carlos alugara uma casa para uma mulher, ao que Carlos indignado com a sociedade e com a falta de secretismo, indicou que tudo seria mais fácil, sem que se soubessem de todas as coisas ao que ela concordou, perfeitamente.

Ega era o melhor amigo de Carlos e sabia de todas as suas aventuras, e estava curioso relativamente a Maria Eduarda, questionando-o a quem iria alugar a casa de Craft, ao que Carlos deliberadamente decidiu contar-lhe isso e toda história que estava a viver com Maria Eduarda, tudo desde a primeira vez que a vira no Hotel Central. Carlos contou a Ega as suas pretensões, relativamente a Maria Eduarda, nomeadamente fugirem os dois, pois o amor que ambos sentiam não podia ser vivido perto do “marido” de Maria. Ega confrontou Carlos com os seus planos de remorsos por afastar o pai de uma filha, e o facto de abandonar o seu avô. Carlos pensara que o avô tinha que aceitar a sua decisão e deixá-lo ser feliz, “como teria eu de ser desgraçado toda a minha vida se quisesse poupar ao avô essa contrariedade” e que não sentia remorsos por afastar Castro Gomes da sua família, pois o amor o justifica.

E desta forma, termina o capítulo XII desde o regresso do Ega a Lisboa, ao Jantar na casa dos Gouvarinhos, aos planos românticos de Carlos e Maria Eduarda.

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A simbologia da cor como suporte do pensamento simbólico na

criação dos conceitos e na associação dos elementos é muito antiga e universal, embora as diferentes cores tenham simbologias diversas consoante  as  culturas.  As  principais  cores  simbolizam  o  todo e o universo. A cor é, antes de tudo, uma manifestação de luz ou da maior ou menor ausência dela. As sete cores do arco-íris estão associadas às sete notas musicais, aos sete dias da semana e aos sete planetas conhecidos na Antiguidade. Os signos do Zodíaco estão sempre associados a uma determinada cor consoante a sua natureza. O mesmo acontece  com  os  elementos:  o  fogo  com  o  vermelho  e  laranja,  o  ar com o branco e o amarelo, a água com o verde e a terra com o preto e o castanho.
Para simbolizar o espaço vertical são utilizados tons de azul e para o espaço horizontal, o vermelho. As cores também sim-

bolizam oposição e dualidade, como é o caso do preto e do branco.

A separação das cores a partir da luz branca é um fenómeno que foi

reconhecido entre os índios da  América  desde  tempos  remotos.

A partir do sol, o branco era a aurora, o azul, a manhã, o amarelo, o pôr do Sol e o preto, a noite. Certas tribos de índios atribuem ainda

cores à alma e ao espírito e também aos quatro pontos cardeais. Os Astecas utilizavam a mesma palavra para designar o verde e o azul e as pedras destas cores tinham também o seu significado simbólico.

As turquesas eram associadas ao sol e ao fogo e as cores azul-esver-

deadas de certas pedras e da serpente emplumada eram associadas à Lua e à fertilidade.

Fonte: Infopédia

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O jardim do Ramalhete em 1858:
Longos anos o Ramalhete permanecera desabitado, com teias de aranha pelas grades dos postigos térreos, e cobrindo-se de tons de ruína. Em 1858, Monsenhor Buccarini, Núncio de Sua Santidade, visitara-o com ideia de instalar lá a Nunciatura, seduzido pela gravidade clerical do edifício e pela paz dormente do bairro: e o interior do casarão agradara-lhe também, com a sua disposição apalaçada, os tetos apainelados, as paredes cobertas de frescos onde já desmaiavam as rosas das grinaldas e as faces dos Cupidinhos. Mas Monsenhor, com os seus hábitos de rico prelado romano, necessitava na sua vivenda os arvoredos e as águas de um jardim de luxo e o Ramalhete possuía apenas, ao fundo de um terraço de tijolo, um pobre quintal inculto, abandonado às ervas bravas, com um cipreste, um cedro, uma cascatazinha seca, um tanque entulhado, e uma estátua de mármore (onde Monsenhor reconheceu logo Vénus Citereia) enegrecendo a um canto na lenta humidade das ramagens silvestres.

O jardim do Ramalhete no outono de 1875:

De resto, não desgostava do Ramalhete, apesar de Carlos, com o seu fervor pelo luxo dos climas frios, ter prodigalizado de mais as tapeçarias, os pesados reposteiros e os veludos.

Agradava-lhe também muito a vizinhança, aquela doce quietação de subúrbio adormecido ao sol. E gostava até do seu quintalejo. Não era decerto o jardim de Santa Olávia: mas tinha o ar simpático, com os seus girassóis perfilados ao pé dos degraus do terraço, o cipreste e o cedro envelhecendo juntos como dois amigos tristes, e a Vénus Citereia parecendo agora, no seu tom claro de estátua de parque, ter chegado de Versalhes, do fundo do Grande Século...

E desde que a água abundava, a cascatazinha era deliciosa, dentro do nicho de conchas, com os seus três pedregulhos arranjados em despenhadeiro bucólico, melancolizando aquele fundo de quintal soalheiro com um pranto de náiade doméstica, esfiado gota a gota na bacia de mármore.

Fonte: Escola Virtual

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Poetisa e ficcionista, nascida a 6 de novembro de 1919, natural do Porto, frequentou o curso de Filologia Clássica na Universidade de Lisboa.

O seu nome encontra-se ligado ao projeto Cadernos de Poesia, tendo colaborado ao lado de nomes como o de Jorge de Sena, David Mourão-Ferreira, Ruy Cinatti, António Ramos Rosa, entre outros, durante as décadas de 40 e 50, em várias publicações, como Távola Redonda e Árvore, que marcaram, na história da literatura contemporânea, a busca de uma terceira via, a do objeto literário em si enquanto projeto intrinsecamente humanista, num panorama literário dividido, até meados do século, entre o princípio social e o princípio estético do objeto artístico.

Autora também de traduções, a sua obra recebeu os mais reconhecidos prémios literários, dos quais se destacam, por exemplo, o Prémio Vida Literária da Associação Portuguesa de Escritores, em 1994, o Prémio Camões e o Prémio Pessoa, ambos em 1999, e o Prémio Rainha Sofia da Poesia Ibero-Americana, em junho de 2003.

Fernão Álvares do Oriente

Álvaro Guerra

Álvaro de Brito Pestana

Álvaro do Carvalhal

Desde a publicação de Poesia, em 1944, Sophia afirma-se no panorama da literatura nacional com uma conceção de poesia que, sem deixar de dar continuidade a uma tradição lírica que passa por autores como Camões ou Teixeira de Pascoaes, recupera valores da cultura clássica, funde-os com um humanismo cristão, para contrapor um tempo absoluto a um "tempo dividido", numa aspiração à comunhão do homem com uma natureza de efeito lustral, produzindo uma impressão global de atemporalidade e de inexauribilidade da escrita.
O privilégio da essencialidade, da unidade, implica ainda a consciência de que a literatura só cumpre a sua função social e de desalienação do homem quando repudia uma cultura de separação e persegue a "inteireza", "o verdadeiro estar do homem na terra", quando "estabelece a relação inteira do homem consigo próprio, com os outros, e com a vida, com o mundo e com as coisas" (cf. comunicação lida no 1.º Congresso de Escritores Portugueses, in O Nome das Coisas, 1977, p. 76).
Deste modo, a poesia de Sophia de Mello Breyner Andresen não deixa de relevar de um sentido ético, radicado num sentido cristão da existência, que impõe à escrita o assumir de uma função social, na denúncia da injustiça, da desigualdade, de qualquer tipo de alienação ou atropelo à dignidade humana, quer em volumes poéticos de maior empenhamento como Livro Sexto, quer em algumas das belíssimas narrativas de Contos Exemplares, como o conto "O Jantar do Bispo" ou "O Homem".
Por outro lado, a poesia de Sophia vem resolver o impasse que as cisões do modernismo tinham imposto à palavra poética e apresentar-se como a evolução possível para a escrita poética pós-Pessoa, na medida em que "Enquanto em Pessoa a aspiração à unidade como totalização subjetiva coincide com um movimento de multiplicação e divisão [...], em Sophia a dispersão corresponde a um movimento, não subjetivo, que encontra plenitude em cada coisa, pois a plenitude está na relação e não na totalização por uma subjetividade". (LOPES, Silvina Rodrigues - Poesia de Sophia de Mello Breyner Andresen, Lisboa, ed. Comunicação, 1989, p. 22).
Política, católica, helénica, a poesia de Sophia remete o homem para um espaço utópico que, comparável ao lugar buscado pelo casal que protagoniza o conto alegórico 'A Viagem' (Contos Exemplares), não deixa de corresponder à imagem mais perfeita de uma felicidade humana terrena e possível desde que o homem contemporâneo readmita a sua fidelidade ao tempo, às palavras, à natureza, às coisas: "Ali parariam. Ali haveria tempo para poisar os olhos nas coisas. Ali poderiam respirar devagar o perfume das roseiras. Ali tudo seria demora e presença. Ali haveria silêncio para escutar o murmúrio claro do rio. Silêncio para dizer as graves e puras palavras pesadas de paz e de alegria. Ali nada faltaria: o desejo seria estar ali."

Aprendizagem da simplicidade, a arte poética perfilhada por Sophia "É uma poética da experiência, da necessidade de mergulhar de olhos abertos e retirar da diversidade, profusão, estranheza, a forma simples e perfeita que é o poema. Sem que simplicidade e perfeição anulem em absoluto o caos, matriz de todas as formas" (LOPES, Silvina Rodrigues, op. cit., p. 44) ou, segundo as suas próprias palavras, numa das várias "artes poéticas" que formulou:

"A poesia não me pede propriamente uma especialização pois a sua arte é a arte de ser. Também não é tempo ou trabalho o que a poesia me pede. Nem me pede uma ciência, nem uma estética, nem uma teoria. Pede-me antes a inteireza do meu ser, uma consciência mais funda do que a minha inteligência, uma fidelidade mais pura do que aquela que eu posso controlar. Pede-me uma intransigência sem lacuna. Pede-me que arranque da minha vida que se quebra, gasta, corrompe e dilui uma túnica sem costura. Pede-me que viva atenta como uma antena, pede-me que viva sempre, que nunca durma, que nunca me esqueça. Pede-me uma obstinação sem tréguas, densa e compacta, pois a poesia é a minha explicação com o universo, a minha convivência com as coisas, a minha participação no real, o meu encontro com as vozes, as imagens." ("Arte Poética II" in Antologia, Lisboa, 1968, p. 231.).

Foi casada com o advogado e jornalista Francisco Sousa Tavares, de quem teve cinco filhos.

Esteve desde cedo ligada a movimentos de luta anti-fascista, tendo sido uma notória ativista contra o regime salazarista: apoiou, com o marido, a candidatura do General Humberto Delgado; subscreveu o "Manifesto dos 101", um documento da autoria de um grupo de ativistas católicos contra a guerra colonial e o apoio da Igreja Católica à política do Governo de Salazar; fundou e integrou a Comissão Nacional de Apoio aos Presos Políticos; e, depois do 25 de abril, foi Deputada à Assembleia Constituinte. Desde sempre, foi público o seu apoio à causa timorense.
Na sua obra, que inclui, para além da poesia, a literatura infantil - sobretudo contos - e o ensaio, coexistem referências marcantes e recorrentes como o mar e a praia, a infância e a família, e ainda a civilização grega, reflexo da sua cultura clássica e da sua paixão por aquele país.
Sophia de Mello Breyner Andresen faleceu a 2 de julho de 2004, em Lisboa, e o seu corpo foi trasladado para o Panteão Nacional precisamente 10 anos mais tarde, a 2 de julho de 2014

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A poesia de Sophia de Mello Breyner Anderson 

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A poesia de Sophia de Mello Breyner Anderson 

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A poesia é em Sophia uma arte do ser. O poeta é aquele através do qual as coisas se manifestam, em sacerdote do Absoluto, um oficiante do entusiasmo poético.
A obra poética de Sophia alberga diversos poemas e textos de carácter metapoético que explicitam esta conceção de Poesia como culto do Absoluto e do poeta como mediador.
A conceção de poeta requer uma tal inteireza porque o seu destino, a sua vida, é celebrar a "aliança" sagrada com as coisas. Exilado num "tempo dividido", o poeta demanda a unidade de um tempo arquetípico, povoado de deuses. O tempo presente é um tempo destroçado habitado pelas fúrias que desceram do Olimpo para reinar sobre a trivialidade do quotidiano. Contra ele, a poetisa obstina-se na busva de um tempo perfeito e inteiro. Encontra-o no paradigma natural "a verdade antiga da Natureza", que inspira alguns dos mais belos momentos poéticos em Sophia e também no paradigma civilizacional grego, profundamente admirado e identificado com valores de Justiça, Harmonia e Beleza. Todavia, não é apenas através do percurso regressivo que a poetisa reencontra esse tempo indiviso e perfeito. A criação poética é uma busca da revelação e ao mesmo tempo um ato através do qual se resgata qualquer coisa que está oculta, prisioneira, do lado de lá de uma barreira. Há na poesia de Sophia uma componente órfica, a que também não será alheia a influência de Rilke. Esse orfismo torna-se explícito em alguns poemas que evocam Orfeu, o qur desceu aos Infernos para tentar seduzir os deuses do abismo com a magia do seu canto e trazer de novo Eurídice para junto de si. Em Sophia o mito clássico é reinterpretado, sendo o encontro de amantes alegoria da desejada e nunca definitiva união com a inteireza da Poesia e do Ser.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa

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Estrutura Interna:
No poema " Outono", há um grande peso de erotismo e uma busca da fuga do sonho. Há uma motivação do erotismo que flui de uma temática em que o amor e a posse estão sempre presentes, como forças similares.

Estrutura Externa:

O poema é composto por quatro estrofes;

As três primeiras estrofes são quadras;

Última estrofe é uma quintilha;

O poema é composto por 11 rimas;

Quanto à métrica é irregular;

A rima é cruzada (ABAB)/(CDCD)/(EFEF)/(GHAGH);

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Mas quem diria ser Outono

se tu e eu estávamos lá?

(Tínhamos sono... Tanto sono!

É bom dormir ao deus-dará...)

E sobre o banco do jardim,

ante a cidade, o cais e o Tejo,

seria bom dormir assim,

ao deus-dará, como eu desejo...

Mas o teu seio é que não quis:

tremeu de mais sob o meu rosto...

Agora, nu, será feliz,

sob o afago do sol-posto...

Seria Outono aquele dia,

nesse jardim, doce e tranquilo...?

Seria Outono...

Mas havia
Todo o teu corpo a desmenti-lo.

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Tema do poema: O amor.
Assunto: Um pescador foi para o mar no seu barco negro e não voltou, mas a amada recusa-se a acreditar que ele morreu.

Análise do poema estrofe a estrofe:
O poema inicia-se com uma retrospetiva do dia da partida do amado para o mar

1ª Estrofe:  O poema inicia-se com uma analepse: na praia, um casal de namorados, depois deter feito amor, adormeceu. E ao acordar, pela manhã, na areia, a mulher ficou com medo que o seu amado a achasse feia.

2ª Estrofe: "Vi depois numa rocha uma cruz..."- a cruz é um presságio de morte. O pescador não voltou, mas a amada pensa vê-lo no reflexo cegante do sol, no mar, a acenar-lhe e recusa-se a acreditar na evidência que  apontam as viúvas da praia...

3ª Estrofe:  "Eu sei que nem chegaste a partir..."-  a mulher sabe, agora, que o seu amado não voltará, mas diz a si mesma que tudo está igual, porque ele está com ela, como sempre esteve.

4ª Estrofe:  O vento, a areia, a água, o fogo...  todos os elementos da natureza lhe lembram o amante perdido, porque ele vive dentro dela

Estrutura externa:

Este poema é constituído por uma estrofe com nove versos e duas quadras;

E é composto por 17 versos;

Classificação métrica:

É composto por 11 rimas;

1ª estrofe rima emparelhada (AABBCCDDD);

1ª quadra rima solta (EFEG);

2ª quadra rima solta (HIHG);

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De manhã temendo que me achasses feia,
acordei tremendo deitada na areia,
mas logo os teus olhos disseram que não
e o sol penetrou no meu coração

Vi depois, numa rocha, uma cruz,
e o teu barco negro dançava na luz;
vi teu braço acenando, entre as velas já soltas.
Dizem as velhas da praia que não voltas...
São loucas! São loucas!

Eu sei, meu amor,
que nem chegaste a partir,
pois tudo em meu redor
me diz que estás sempre comigo.

No vento que lança
areia nos vidros,
na água que canta,
no fogo mortiço,
no calor do leito,
nos bancos vazios,
dentro do meu peito
estás sempre comigo

Poema interpretado por Amália Rodrigues: https://youtu.be/yJkQnXWts_U

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David Mourão-Ferreira, poeta do amor, romancista tardio, sedutor subjugado ao fascínio que teve pelas mulheres. Conseguiu construir uma ponte extraordinária e quase impensável entre a literatura e o sentimento na voz de Amália Rodrigues.
Intelectual de relevo, a quem a academia não perdoava não ter acabado o doutoramento, apesar de fascinado pela envolvência e profundeza do pensamento que emanava, quer em Portugal quer em Itália, um país que adorava,  quer noutras academias estrangeiras.

Autor dos mais belos poemas de amor e eróticos que a literatura portuguesa comporta, foi um rapaz que queria deixar de estudar e que aprendeu a lição que o pai lhe deu na prática, sendo um jovem rapaz que fez tropa em Portalegre regozijando-se com a companhia de José Régio, foi o constante apaixonado por uma inconstância de mulheres que lhe passaram a vida, ao longo de dois casamentos. Pela voz de Pilar, a segunda mulher, ecoa-nos ainda essa confissão natural e sempre presente da necessidade da paixão.
Foi também o rapazinho que registou quem era em diário e que nunca abandonou os papéis manuscritos, avesso a tecnologia, como afirmam a sua mulher e o seu filho, ainda que fosse a do gira-discos.

Foi autor de “Música de Cama”, mas era um homem de pudor, mostra-nos este documentário. Tal como nos mostra que, na incapacidade de conduzir, chegou a invadir uma esplanada numa tentativa de aprendizagem, media o pulso às gentes da cidade através das conversas mantidas com os taxistas que o apanhavam.

Lançou o seu único romance aos 59 anos. Passou, contudo, toda uma vida a produzir letras, das mais relevantes e arrebatadoras que podem ler-se em Português. Traduzido, aclamado, recebido com admiração e ânsia por todo o mundo da cultura. Dirigiu um jornal, teve nomeações oficiais e cargos de governação, mas dizer que era de direita ou de esquerda é, podemos ouvir neste documentário, ser “um mendigo da cultura”.

Chegou a uma altura da vida em que entregou a dúvida ao Criador e se rendeu à fé católica. “Em caso de dúvida, o melhor é acreditar sempre”, terá dito o autor que também regista muitos momentos de perturbação existencial, que fixa a angústia de existir.

https://ensina.rtp.pt/artigo/david-mourao-ferreira-documentario-duvidavida/

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Tema: Condenação do racismo.

Assunto: O sujeito poético analisa uma lágrima de uma mulher negra, testando-a de cientificamente e chega à conclusão que essa lágrima é igual a todas as outras.

O teste da lágrima: Este poema é como que um relatório científico, elaborado através de uma experiência feita com uma lágrima de uma mulher de raça negra.

A figura principal é uma mulher preta que o sujeito poético encontrou a chorar nalgum lado “Encontrei uma preta/ que estava a chorar, (…)”.
Este ao observar esta cena, pede-lhe uma lágrima para a analisar de uma forma científica, daí a presença, no texto, de diversos termos científicos: “(…)num tubo de ensaio bem esterilizado(…)”; “Mandei vir os ácidos, as bases e os sais, (…)”

Trata-se, assim, de uma análise química que o sujeito poético vai fazer à lágrima, seguindo um certo método experimental:

Começa por recolher a lágrima e coloca-a num tubo de ensaio esterilizado “Recolhi a lágrima/ com todo o cuidado/num tubo de ensaio/bem esterilizado.” , para que esta não ficasse contaminada e os resultados modificados.

Seguidamente a lágrima é observada cuidadosamente: “Olhei-a de um lado,/ do outro e de frente: (…)”, igualando-a com uma gota transparente  "tinha um ar de gota/ muito transparente”.

De seguida começa a análise experimental, recorrendo a vários reagentes “Mandei vir os ácidos,/ as bases e os sais,/ as drogas usadas/ em casos que tais.”, e a tais processos experimentais “Ensaiei a frio,/ experimentei ao lume…”, e repetiu-os várias vezes, como se deve fazer em todas as experiências químicas “…de todas as vezes”.

Após as repetições da mesma experiência o resultado foi sempre o mesmo “…deu-me o que é costume", ou seja, a lágrima desta mulher negra tem uma constituição igual à de uma pessoa branca ou de outra cor: é constituída por água e cloreto de sódio “Água (quase tudo)/ e cloreto de sódio” e não apresenta sinais de negro ou de ódio “Nem sinais de negro, nem vestígios de ódio.”

Conclusões desta experiência: Este poema serve para nos mostrar que somos todos iguais independentemente da nossa cor de pele, facto demonstrado pela inexistência de diferenças entre a composição química entre aquela lágrima e a de outras pessoas de outras cores (que se supõe que o sujeito poético já tenha analisado para poder comparar e retirar as suas conclusões).

É desta forma que o autor evidencia a sua condenação ao racismo, mostrando que até cientificamente está provado que somos todos iguais.

Este poema também demonstra a formação académica e profissional de António Gedeão, tanto a nível de ciências (pois este era professor de Física e/ou Química) como na sua oposição ao racismo.

Estrutura Formal:

É um poema constituído por  6 quadras.
Cada verso tem 5 sílabas métricas (Redondilha menor).

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Encontrei uma preta que estava a chorar, pedi-lhe uma lágrima para a analisar. Recolhi a lágrima com todo o cuidado num tubo de ensaio bem esterilizado. Olhei-a de um lado, do outro e de frente: tinha um ar de gota muito transparente. Mandei vir os ácidos, as bases e os sais, as drogas usadas em casos que tais. Ensaiei a frio, experimentei ao lume, de todas as vezes deu-me o que é costume: nem sinais de negro, nem vestígios de ódio. Água (quase tudo) e cloreto de sódio.

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David de Jesus Mourão-Ferreira foi um escritor português. Nasceu em Lisboa a 24 de fevereiro de 1927 e morreu, nesta cidade, a 16 de junho de 1996.
Licenciou-se em Filologia Românica em Lisboa, onde chegou a ser professor catedrático, organizando e regendo, entre outras, a cadeira de Teoria da Literatura.
Foi:

Secretário de Estado da Cultura, entre 1976 e 1979;

Diretor do diário A Capital;

Diretor do Boletim Cultural do Serviço de Bibliotecas Itinerantes e Fixas da Fundação Calouste Gulbenkian, entre 1984 e 1996;

Diretor da revista Colóquio/Letras;

Presidente da Associação Portuguesa de Escritores (1984-86) e vice-Presidente da Association Internationale des Critiques Littéraires.

A sua obra reparte-se pela poesia:

Pela crítica literária, como Os Ócios do Ofício, Vinte Poetas Contemporâneos, Hospital das Letras ou Lâmpadas no Escuro (de Herculano a Torga;

Pelo ensaio;

Pela tradução;

Pelo teatro;

Pelo romance e também pelo jornalismo.

Embora os seus primeiros poemas datem de meados dos anos 40, a sua atividade poética começou a ganhar relevo quando foi codiretor, a par com António Manuel Couto Viana e Luís de Macedo, da revista Távola Redonda (1950-1954), que, sem apresentar programa ou manifesto, se orientava para uma alternativa poética à poesia social, baseada na "revalorização do lirismo", exigindo ao poeta "autenticidade e um mínimo de consciência técnica, a criação em liberdade e, também, a diligência e capacidade de admirar, criticamente, os grandes poetas portugueses de gerações anteriores a 1950.
Sem reservas ideológicas ou preconceitos de ordem estética", atributos a que acresciam como exigências a reação contra a "imediatez da inspiração e contra o impuro aproveitamento da poesia para fins sociais", através do equilíbrio "entre os motivos e a técnica, entre os temas e as formas".

Foi no primeiro volume da Coleção de Poesia das Edições "Távola Redonda" que publicou a sua primeira obra poética, A Secreta Viagem, onde se encontram reunidos alguns dos traços que distinguiriam a sua poética posterior, nomeadamente a preferência pela temática amorosa, o rigor formal, a continuidade e renovação da lírica tradicional como, por exemplo, a de inspiração camoniana, ou a abertura a experiências poéticas estrangeiras. No poema "Dos Anos Quarenta", relembra leituras nessa etapa de iniciação poética: Proust, Thomas Mann, Rilke, Apollinaire, a "constelação pessoana", Álvaro de Campos, "E Régio Miguéis Nemésio", bem como as circunstâncias que rodearam essa descoberta, como o "despertar do deus Eros", a guerra, a queda dos fascismos e a perseverança da ditadura salazarista.
Da sua obra poética, cuja poesia se distingue pelo lirismo culto, depurado e subtil, destacam-se os seguintes livros: A Secreta Viagem, Do Tempo ao Coração, Cancioneiro do Natal, Matura Idade e Ode à Música.
A obra de David Mourão Ferreira foi várias vezes reconhecida com prémios literários, como, por exemplo:

Prémio de Poesia Delfim Guimarães, 1954, para Tempestade de verão;

Prémio Ricardo Malheiros, 1960, para Gaivotas em Terra;

Prémio Nacional de Poesia, 1971, para Cancioneiro de Natal;

Prémio da Crítica da Associação Internacional dos Críticos Literários para As Quatro Estações;

Para Um Amor Feliz , os prémios de Narrativa do Pen Clube Português, D. Dinis, de Ficção do Município de Lisboa e o Grande Prémio de Romance e Novela da Associação Portuguesa de Escritores.

A David Mourão Ferreira foi ainda atribuído, em 1996, o Prémio de Consagração de Carreira da Sociedade Portuguesa de Autores.

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No século XX há dois períodos em que se concentram os acontecimentos que fazem deste século, um século maior da poesia portuguesa.
Encontramos outros factos poéticos de grande importância, quanto mais não fosse porque os principais agentes estendem a sua ação concreta para lá de tais limites, artificiais como todos os estabelecidos em história literária, porém não somente isso, a evolução da poesia portuguesa é um processo vasto e plano, em que só cabem as intervenções mais influentes nessa evolução.
Entre as duas fases, a primeira pode ser situada entre a publicação de Orpheu (1915) e de Athena (1924-25). Pelo que ao longo destes anos, dominados poeticamente por Camilo Pessanha, Fernando Pessoa e Mário de Sá-Carneiro, cujos "Últimos poemas" aparecem em Athena e consolida-se o lugar da poesia moderna, que tivera lugar no último quarto do século XIX.
Dois anos após o fim de Athena e um ano depois do último número de Contemporânea, que se inicia com a publicação da revista Presença, situada numa consciência literária moderna em Portugal, que conta com a publicação de muitos textos de Fernando Pessoa, superando a grande distância, toda a restante colaboração poética, predominantemente mais conservadora e menos inspirada, o que é patente ao longo dos cinquenta e seis números da revista.
A Presença termina a sua publicação em 1940, a edição da obra de Pessoa, pela Ática, inicia-se em 1942, e em meados da década de 40 a poesia portuguesa retoma um elevado grau de intensidade, traduzido, acima de tudo, na revalorização da imagem e na capacidade de restituir à palavra o lugar central na construção do poema, como seu elemento estrutural, que a religa ao atrás assinalado período áureo da afirmação do Modernismo em Portugal.
Delimitaria esta segunda fase com as datas de publicação dos livros Poesia (1944) de Sophia de Mello Breyner, como primeiro marco e Rosto (1970) de Fiama Hasse Pais Brandão, como segundo.
O domínio completo da imaginação, a instauração da total liberdade de associação de palavras, imagens, sons (sem conteúdo, geralmente, se abdicar de uma fidelidade profunda ao real), a libertação do discurso poético, talvez o que melhor caracterize a poesia do século XX.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa

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Este poema de António Gedeão dedica-se a Galileu Galilei um grande físico e uma personalidade fundamental para a revolução científica, especificamente porque Galileu defendeu a teoria, anteriormente, defendida por Copérnico, a teoria heliocêntrica.
O sujeito poético invoca, ao longo do poema, Galileu agradecendo-lhe por toda a sua genialidade, “meu velho pisano” e também pelos contributos que deu à ciência e a quem o fez cair, agradecendo-lhe “a inteligência das coisas que me deste..”.
O eu poético faz algumas referências à cidade de Florença, cidade onde nasceu Galileu, nomeadamente “A ponte de Vecchio, a Loggia, a Piazza della Signoria..”.
O sujeito poético como físico que foi, descreveu relatos físicos: “os corpos caem tanto mais depressa/quanto mais pesados são” que Galileu determinou e que naquela altura foram rejeitados.
Nas últimas estrofes deste poema, está mencionado o momento em que Galileu estava prestes a morrer, relatando a sua calma enquanto “estavam todos a ralhar”, por declarem que o mesmo se tinha tornado um perigo para a Humanidade, mercê dos conhecimentos que detinha e expunha nos seus livros, que acabaram por terminar proibidos na lista do Índex , quando o maior perigo eram mesmo os que o estavam a crucificar inconscientes, ignorantes, do erro que estariam a cometer, “Mal sabiam os teus doutos juízes, grandes senhores /deste pequeno mundo,/ que assim mesmo, empertigados nos seus cadeirões de braços,/ andava a correr e a rolar pelos espaços/ à razão de trinta quilômetros por segundo”.
Termina referindo que apesar de tudo Galileu resistiu “a todas as angústias, a todos os contratempos”, enquanto todos aqueles que rejeitavam o seu conhecimento e o julgavam perigoso foram ironicamente e significativamente “caindo, caindo sempre, ininterruptamente na razão direta dos quadrados dos tempos”.

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Estou olhando o teu retrato, meu velho pisano,
aquele teu retrato que toda a gente conhece,
em que a tua bela cabeça desabrocha e floresce
sobre um modesto cabeção de pano.
Aquele retrato da Galeria dos Ofícios da tua velha Florença.
(Não, não, Galileo! Eu não disse Santo Ofício.
Disse Galeria dos Ofícios.)
Aquele retrato da Galeria dos Ofícios da requintada Florença.
Lembras-te? A Ponte Vecchio, a Loggia, a Piazza della Signoria…
Eu sei… eu sei…
As margens doces do Arno às horas pardas da melancolia.
Ai que saudade, Galileo Galilei!

Olha. Sabes? Lá em Florença
está guardado um dedo da tua mão direita num relicário.
Palavra de honra que está!
As voltas que o mundo dá!
Se calhar até há gente que pensa
que entraste no calendário.

Eu queria agradecer-te, Galileo,
a inteligência das coisas que me deste.
Eu,
e quantos milhões de homens como eu
a quem tu esclareceste,
ia jurar - que disparate, Galileo!
- e jurava a pés juntos e apostava a cabeça
sem a menor hesitação-
que os corpos caem tanto mais depressa
quanto mais pesados são.

Pois não é evidente, Galileo?
Quem acredita que um penedo caia
com a mesma rapidez que um botão de camisa ou que um seixo da praia?

Esta era a inteligência que Deus nos deu.

https://www.youtube.com/watch?v=nFUNeV8acN8

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O tema deste extenso poema é o cântico ao sonho, entendido como a mola do progresso e da evolução do ser humano ao longo dos séculos. Ou seja, o sonho é o elemento que leva o Homem a fazer avançar o Mundo, a superar-se continuamente. Por outro lado, o sonho “é uma constante da vida”, sem a qual, citando Fernando Pessoa, o Homem é somente um “cadáver adiado que procria”.

O título do poema – Pedra Filosofal – remete para a Alquimia, isto é, para a substância que se adicionava aos metais pobres para serem transformados em ouro. Assim, com este título, António Gedeão associa o sonho humano à magia dos alquimistas, sugerindo que aquele, qual pedra filosofal, transforma em ouro as fraquezas e as pequenas ambições humanas.

O sonho é tão frequente, concreto e definido na vida como diversas outras coisas: uma pedra, um ribeiro, os pinheiros, as aves, etc. Estas diversas comparações que surgem no início do texto sugerem que o sonho é uma coisa simples e, ao mesmo tempo, complexa, porque é muito difícil de definir; sugerem ainda que algo abstrato e subjetivo pode ser transformado em algo "tão concreto e definido como outra coisa qualquer".

Os sonhos podem ser “mansos” ou “sobressaltados”; estão relacionados com algo grandioso e envolvidos pela ideia da esperança constante (por exemplo, a metáfora dos “pinheiros altos”: a cor verde poderá remeter para a eterna “juventude” ou para o renovar constante e para a esperança em torno do sonho, enquanto a altura poderá sugerir a liberdade desse ideal, a ausência de horizontes ou limites para o sonho, como o céu por onde voam as aves); são igualmente o “bichinho (…) sedento” cujo focinho pontiagudo permite penetrar nos “locais” mais recônditos.

É o sonho que leva ao progresso humano em diversas áreas: a Arte (a pintura, a arquitetura, a música, o teatro, a dança); a Técnica e a Tecnologia (a cisão do átomo, o radar, o foguetão…); a Geografia e a História, a Indústria… No caso português, António Gedeão destaca o momento dos Descobrimentos, que permitiu que um pequeno povo, sem grande poder ou equipamento minimamente adequado, apenas com a sua coragem e o seu sonho, revelasse novas terras, novos povos, novas civilizações ao Mundo. O Homem sonhou que existiam outros mundos além dos conhecidos e sonhou que os poderia descobrir e, através da força imparável do sonho, esses universos foram mesmo desvendados!

Antes de concluir que, sempre que o Homem sonha, consegue alcançar algo melhor do que aquilo que conhece, António Gedeão não deixa de criticar todos aqueles que não sonham, pois não sabem que o sonho comanda as suas vidas.

Em suma, sem sonho não há vida, sem sonho a vida não faz sentido.

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Eles não sabem que o sonho é uma constante da vida tão concreta e definida como outra coisa qualquer, como esta pedra cinzenta em que me sento e descanso, como este ribeiro manso em serenos sobressaltos, como estes pinheiros altos que em verde e oiro se agitam, como estas aves que gritam em bebedeiras de azul. Eles não sabem que o sonho é vinho, é espuma, é fermento, bichinho álacre e sedento, de focinho pontiagudo, que fossa através de tudo num perpétuo movimento. Eles não sabem que o sonho é tela, é cor, é pincel, base, fuste, capitel, arco em ogiva, vitral, pináculo de catedral, contraponto, sinfonia, máscara grega, magia, que é retorta de alquimista, mapa do mundo distante, rosa-dos-ventos, Infante, caravela quinhentista, que é Cabo da Boa Esperança, ouro, canela, marfim, florete de espadachim, bastidor, passo de dança, Colombina e Arlequim, passarola voadora, pára-raios, locomotiva, barco de proa festiva, alto-forno, geradora, cisão do átomo, radar, ultra-som, televisão, desembarque em foguetão na superfície lunar. Eles não sabem, nem sonham, que o sonho comanda a vida. Que sempre que um homem sonha o mundo pula e avança como bola colorida entre as mãos de uma criança.

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António Gedeão é o pseudónimo poético do cientista, historiador e humanista português Rómulo de Carvalho.
Rómulo Vasco da Gama de Carvalho foi um poeta, autor dramático, cientista e historiador. Nasceu a 24 de novembro de 1906 em Lisboa, e aí morreu a 19 de fevereiro de 1997, na sequência de uma operação cirúrgica delicada.
Dotado de uma personalidade multifacetada e homem de apurada cultura, licenciou-se em Ciências Físico-Químicas, na Universidade do Porto, e foi professor liceal para além de cientista, divulgador científico e investigador da História das ciências.
Com o seu nome próprio, Rómulo de Carvalho, é autor de numerosos volumes de divulgação da cultura científica, publicados, nos anos 50 e 60, na coleção "Ciência para gente nova", da Atlântida nos anos 70, nos "Cadernos de iniciação científica", da Sá da Costa, a que seguiriam nas décadas posteriores vários manuais escolares. No domínio da História da ciência em Portugal, são marcantes estudos como História dos Balões e A Astronomia em Portugal no Século XVIII. Elaborou também a obra História da Educação em Portugal.
Com cinquenta anos começou a publicar literatura, sob o pseudónimo de António Gedeão. É contemporâneo da geração de "Presença", mas só se revelou na segunda metade do século, sendo saudado, no momento da sua revelação, por David Mourão-Ferreira como uma voz "inteiramente nova" no panorama poético dos anos 50. Para essa originalidade concorriam, entre outros traços, a incorporação das tradições do primeiro e segundo modernismos, a opção por um estilo rigorosamente cadenciado e ritmado, a expressão da inquietação e angústia coletivas do Homem do pós-guerra ou o recurso frequente a uma terminologia ou imagística provenientes do domínio científico.
Os poemas alcançaram grande popularidade, pela linguagem simples mas emotiva e carregada de uma inteligente sensibilidade, sempre atenta aos valores humanistas. É uma poesia que funde meios de expressão tradicionais com uma visão moderna do mundo, abordando a temática do sentimento da solidariedade, da denúncia do sofrimento e da própria solidão humana. Todo o ser do poeta se ergue num protesto denso de substância vital, e, sob este aspeto, a sua poesia deixa transparecer um compromisso direto, imediato e espontâneo com o drama social do homem e o segredo do mundo.
Vários dos seus poemas foram também divulgados através da música como, por exemplo, Calçada de Carriche, Fala do Homem Nascido, Lágrima de Preta e a canção Pedra Filosofal, composta e cantada por Manuel Freire, que teve um sucesso invulgar.
Por ocasião do seu nonagésimo aniversário, em 1996, Rómulo de Carvalho foi alvo de homenagens em vários pontos do país. Por decisão ministerial, a data do seu aniversário, 24 de novembro, passou a ser assinalada como o Dia da Cultura Científica.

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A Persistência da Memória é um quadro do pintor surrealista Salvador Dalí. A tela foi produzida em 1931 em menos de cinco horas e tem dimensões pequenas (24cm x 33cm).

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José Maria dos Reis Pereira, nasceu em 1901, em Vila do Conde, onde faleceu em 1969. Formou-se em Filologia Românica na Faculdade de Letras de Coimbra, com uma tese de licenciatura subordinada ao título As Correntes e as Individualidades na Moderna Poesia Portuguesa, na qual apresentou como nome cimeiro da poesia contemporânea Fernando Pessoa, autor que não possuía ainda nenhuma edição em livro.
Foi em Coimbra que colaborou com as publicações Bysancio e Tríptico, convivendo com o grupo de escritores que se reunia em torno da revista Presença. No primeiro número da revista, fundada com João Gaspar Simões e Branquinho da Fonseca, foi publicado o texto "Literatura Viva", que pode ser entendido como manifesto programático do grupo, defendendo que "Em arte, é vivo tudo o que é original.
É original tudo o que provém da parte mais virgem, mais verdadeira e mais íntima duma personalidade artística", pelo que, "A primeira condição duma obra viva é pois ter uma personalidade e obedecer-lhe".
Definindo "literatura viva" como "aquela em que o artista insuflou a sua própria vida, e que por isso mesmo passa a viver de vida própria.", aí reclama, para a obra artística, o carácter de "documento humano" e os critérios de originalidade e sinceridade.
As linhas mestras da sua poética surgem claramente logo no seu primeiro livro de poesia (Poemas de Deus e do Diabo, 1925), no qual o culto da originalidade, entendida como autenticidade expressiva, se processa tematicamente entre os polos do Bem e do Mal, do espírito e da carne, e, enfim, do divino e do humano. Neste contexto, os neorrealistas criticaram o psicologismo da sua poesia, que consideravam excessivamente voltada "para o umbigo".
Como autor dramático, José Régio coligiu, em 1940, no Primeiro Volume de Teatro, textos dramáticos (Três Máscaras, Jacob e o Anjo) publicados dispersamente desde os anos trinta, a que se seguiriam o drama realista Benilde ou a Virgem-Mãe (1947), uma peça que veio a ser adaptada ao cinema por Manoel de Oliveira, El-Rei Sebastião (1949), A Salvação do Mundo (1954), O Meu Caso ou Mário ou Eu-Próprio - O Outro (1957), peças que, em larga medida, estabelecem uma continuidade entre temas, problemáticas religiosas, humanas e metafísicas já abordadas na obra poética, transferindo o que esta possuía de forma latente em tensão dramática, patético e exibição emotiva para o registo teatral.
É de destacar também O Jogo da Cabra Cega (1934), um romance José Maria dos Reis Pereira, nasceu em 1901, em Vila do Conde, onde faleceu em 1969. Formou-se em Filologia Românica pela Faculdade de Letras de Coimbra, com uma tese de licenciatura subordinada ao título As Correntes e as Individualidades na Moderna Poesia Portuguesa, na qual ousa apresentar como nome cimeiro da poesia contemporânea Fernando Pessoa, autor que não possuía ainda nenhuma edição em livro. É em Coimbra que colabora com as publicações Bysancio e Tríptico, convivendo com o grupo de escritores que virão a reunir-se em torno da criação da revista Presença. No primeiro número da revista, fundada com João Gaspar Simões e Branquinho da Fonseca, publicará o texto "Literatura Viva", que pode ser entendido como manifesto programático do grupo, defendendo que "Em arte, é vivo tudo o que é original. É original tudo o que provém da parte mais virgem, mais verdadeira e mais íntima duma personalidade artística", pelo que, "A primeira condição duma obra viva é pois ter uma personalidade e obedecer-lhe". Definindo "literatura viva" como "aquela em que o artista insuflou a sua própria vida, e que por isso mesmo passa a viver de vida própria.", aí reclama, para a obra artística, o carácter de "documento humano" e os critérios de originalidade e sinceridade.
As linhas mestras da sua poética surgem claramente logo no seu primeiro livro de poesia (Poemas de Deus e do Diabo, 1925), no qual o culto da originalidade, entendida como autenticidade expressiva, se processa tematicamente entre os polos do Bem e do Mal, do espírito e da carne, e, enfim, do divino e do humano. Neste contexto, os neorrealistas criticaram o psicologismo da sua poesia, que consideravam excessivamente voltada "para o umbigo".
Como autor dramático, José Régio coligiu, em 1940, no Primeiro Volume de Teatro, textos dramáticos (Três Máscaras, Jacob e o Anjo) publicados dispersamente desde os anos trinta, a que se seguiriam o drama realista Benilde ou a Virgem-Mãe (1947), uma peça que veio a ser adaptada ao cinema por Manoel de Oliveira, El-Rei Sebastião (1949), A Salvação do Mundo (1954), O Meu Caso ou Mário ou Eu-Próprio - O Outro (1957), peças que, em larga medida, estabelecem uma continuidade entre temas, problemáticas religiosas, humanas e metafísicas já abordadas na obra poética, transferindo o que esta possuía de forma latente em tensão dramática, patético e exibição emotiva para o registo teatral. É de destacar também O Jogo da Cabra Cega (1934), um romance marcado pelo recurso à técnica do monólogo interior. Postumamente foram editadas as memórias Confissão de um Homem Religioso. Comparecendo ainda em publicações como Portucale, Cadernos de Poesia ou Távola Redonda, José Régio organizou vários florilégios de poetas diversos, redigiu estudos prefaciais para poetas da geração da Presença e preparou a primeira série das Líricas Portuguesas pelo recurso à técnica do monólogo interior. Postumamente foram editadas as memórias Confissão de um Homem Religioso. Comparecendo ainda em publicações como Portucale, Cadernos de Poesia ou Távola Redonda, José Régio organizou vários florilégios de poetas diversos, redigiu estudos prefaciais para poetas da geração da Presença e preparou a primeira série das Líricas Portuguesas.

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Poeta português, Alexandre Manuel Vahia de Castro O'Neill de Bulhões nasceu a 19 de dezembro de 1924, em Lisboa.
Para além de se ter dedicado à poesia, Alexandre O'Neill exerceu a atividade profissional de técnico publicitário. Fundador do Grupo Surrealista de Lisboa, com Mário Cesariny, António Pedro, José-Augusto França, diretamente influenciado pelo surrealismo bretoniano, desvinculou-se do grupo a partir de Tempo de Fantasmas (1951), embora a passagem pelo surrealismo marque indelevelmente a sua postura estética. A sua distanciação em relação a este movimento não obstou a que um estilo sarcástico e irónico muito pessoal se impregnasse de algumas características do Surrealismo, abordando noutros passos o Concretismo, preocupando-se não em fazer "bonito", mas sim "bom e expressivo". A poesia de Alexandre O'Neill coincide com o programa surrealista a dois níveis: "a libertação total do homem e a libertação total da arte. O que implica: primeiro, uma poesia de 'intervenção', exortando os homens a libertarem-se dos constrangimentos de toda a ordem que os tolhem e oprimem (familiares, sociais, morais, quotidianos, psicológico, políticos, etc.); segundo, a libertação da palavra de todas as formas de censura (estética, moral, lógica, do bom senso).
Precursor do surrealismo em Portugal, poeta do realismo e do concretismo, provocador e irónico. O´Neill tocava o absurdo e o lugar comum com trocadilhos geniais. Num jogo lúdico e lúcido de palavras, falava de coisas sérias: do medo, do amor, de Portugal.

O´Neill era um poeta de Lisboa. Boémio assíduo, conversador de tertúlias, vagueava pelas ruas, de caderninho na mão, a tomar nota dos “pequenos absurdos do quotidiano”. Queria ver de perto a “patriazinha iletrada”, apanhar-lhe os ridículos e parodiar os brandos costumes.

Tratava o material recolhido com a mais fina das ironias, em trocadilhos certeiros e mordazes, num discurso povoado de neologismos, calão, gíria e tudo o mais que pudesse tirar os portugueses do sério. Ele que se dizia “um grande poeta menor”, que gostava de sublinhar a inutilidade da poesia, foi neste ofício que se manteve até à morte, em 1986.

Antes de chegar a poeta, O´Neill, que reprovara nos exames e abandonara os estudos, aprendeu a viver de biscates e do que escrevia. Foi escriturário, empregado de seguros, tradutor de romances, de poesia e de manuais científicos, colaborador de jornais e revistas, autor de textos para cinema e teatro, televisão e rádio, letrista de fados e um dos mais importantes criativos publicitários. É dele o genial “Há mar e mar, há ir e voltar”, slogan com direito a figurar no dicionário de provérbios portugueses.

Este irresistível jogo de palavras, exercício lúdico e de lucidez, faz parte da sua poesia. Como o lugar-comum, o cliché, o gosto pelo absurdo que lhe ficou do surrealismo, movimento de que foi precursor em Portugal. Ao lado de Mário Cesariny, José-Augusto França, Fernando Vespeira e António Pedro fundou em 1947 o Grupo Surrealista de Lisboa, do qual saiu pouco tempo depois.

Autodidata, individualista e provocador, via-se essencialmente como um realista, que “apenas registava o aqui e o agora”. Sem misticismos, porque “detestava o que chamava de mistério da poesia”, percorria temas como o amor, o medo e a solidão. Mas Portugal, “país pobrete e nada alegrete”, era recorrente nos versos que fazia. “Um Adeus Português” é o mais famoso, como aqui recorda Maria Antónia Oliveira, especialista da obra de Alexandre O´Neill, o poeta “caixa de óculos”.

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Este poema exprime a visão desencantada que o sujeito poético tem de Portugal.
O sujeito mostra-se irónico, ridicularizando tipicidades, mas até se parece quase condescendente com os seus defeitos.

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Relativamente à estrutura externa o poema é constituído por 5 estrofes de 4 versos cada.
Tem o seguinte esquema rimático: abcb/aded/fghg/ijlj/mnon, predominando a rima cruzada e o verso solto.
Quanto ao número de sílabas métricas os vinte verso são constituídos por redondilhas maiores.

Relativamente à estrutura interna:
Tema: As palavras abrangem muito mais do que se pensa, têm a capacidade de despertar em cada um de nós diversos sentimentos, simplesmente pelo facto de as mencionarmos, ouvirmos ou pensarmos nelas.
Assunto: O sujeito poético transmite os seus sentimentos e pensamentos neste poema, fazendo uma apologia das palavras. Faz referências às palavras que de forma personificada "têm boca que nos podem tocar" trazendo-nos felicidade. Antiteticamente a estas palavras, faz referência às palavras vulgares.
Análise de estrofe a estrofe:
Na primeira estrofe é possível deduzir que existem palavras que são como "verdadeiros beijos" porque nos chegam de pessoas sinceras. Aqui, sim, "as palavras de amor, de esperança louca" é transmitida uma ideia de que estas palavras de amor e esperança nos apoiam e nos dão uma determinada força para seguir em frente, em momentos que nos sentimos mais em baixo, mais desmotivados, pelo que o adjetivo "louca" reforça essa mesma ideia, mostrando desde logo a força das palavras que podem ser encorajadoras.
Desta forma, o poeta acaba por comparar palavras a beijos e esperança, demonstrando a verdadeira força que estas possuem, ou seja, por um lado como o beijo elas tem o poder de acalmar, sossegar e confortar, por outro lado elas transmitem esperança a quem pretende seguir me frente e enfrentar novos desafios.
Na segunda estrofe, o poeta orienta mais os versos para as pessoas mais infelizes, referindo que as palavras detêm um poder se apenas conseguirem ajudar a superar a tristeza dos maus momentos presentes nas vidas dessas pessoas.
Estas ajudam mais que uma única vez, uma vez que, em momentos de mágoa e tristeza transportam-nos para uma outra realidade em que a única perceção que se tem é que tudo se torna inatingível, "palavras que se recusam/Aos muros do teu desgosto".
Na terceira estrofe é feita uma comparação entre as palavras com a poesia e o amor, "Como a poesia ou o amor" uma vez que tanto a poesia como o amor se erguem a qualquer momento, e geralmente são bastante imprevisíveis trazendo sempre algum alento, "De repente coloridas/Entre palavras sem cor".
Na quarta estrofe o sujeito poético dá a entender, essencialmente, que quando estamos apaixonados, temos uma vontade de escrever o nome d@ amad@, "letra a letra", não importa, portanto, onde se escreve o importante é transmitir, através da palavra, o nome da pessoa que amamos.
Esta estrofe surge entre parêntesis pode ser representativo de um único momento em todo o poema que significa que apesar da ação realizada ser pequena o seu significado é enorme para quem o escreve.
Na quinta e última estrofe: O sujeito poético mostra que as palavras também podem ser partilhadas pelo silêncio, no sentido de serem ditas, mas não serem ouvidas, uma vez que os apaixonados não necessitam de falar para saber o que o seu parceiro pensa/sente, "Ao silêncio dos amantes".

Recursos expressivos:

Personificação: "Há palavras que nos beijam"; "Palavras nuas que beijas/Quando a noite perde o rosto; "No mármore distraído".

Comparação: "Como se tivessem boca"; "Como a poesia ou o amor".

Antítese: "Esperadas inesperadas".

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Alexandre O’Neill, fundador do movimento Surrealista português em finais de 1940, é também considerado um dos primeiros autores a explorar a visualidade da mancha gráfica do texto revelando uma aproximação à Poesia Concreta que será amplamente desenvolvida pela Poesia Experimental Portuguesa dos anos 60. Na poesia de O´Neill é importante observar a materialidade do trabalho poético que se funda em conceitos de experimentalismo e que também retomam técnicas usadas pelo Surrealismo e pelas vanguardas históricas, como a colagem e a montagem.
O experimentalismo apresenta características comuns às Neovanguardas, onde diferentes media do domínio artístico e da comunicação (como a publicidade, a banda desenhada e a pintura) interagem e trocam de papéis, procurando fundir-se com a vida.

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Há palavras que nos beijam
Como se tivessem boca.
Palavras de amor, de esperança,
De imenso amor, de esperança louca.

Palavras nuas que beijas
Quando a noite perde o rosto;
Palavras que se recusam
Aos muros do teu desgosto.

De repente coloridas
Entre palavras sem cor,
Esperadas inesperadas
Como a poesia ou o amor.

(O nome de quem se ama
Letra a letra revelado
No mármore distraído
No papel abandonado)

Palavras que nos transportam
Aonde a noite é mais forte,
Ao silêncio dos amantes
Abraçados contra a morte.

https://www.youtube.com/watch?v=J0nt_3W9xAc&feature=youtu.be

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Ó Portugal, se fosses só três sílabas,
linda vista para o mar,
Minho verde, Algarve de cal,
jerico rapando o espinhaço da terra,
surdo e miudinho,
moinho a braços com um vento
testarudo, mas embolado e, afinal, amigo,
se fosses só o sal, o sol, o sul,
o ladino pardal,
o manso boi coloquial,
a rechinante sardinha,
a desancada varina,
o plumitivo ladrilhado de lindos adjectivos,
a muda queixa amendoada
duns olhos pestanítidos,
se fosses só a cegarrega do estio, dos estilos,
o ferrugento cão asmático das praias,
o grilo engaiolado, a grila no lábio,
o calendário na parede, o emblema na lapela,
ó Portugal, se fosses só três sílabas
de plástico, que era mais barato!
*
Doceiras de Amarante, barristas de Barcelos,
rendeiras de Viana, toureiros da Golegã,
não há «papo-de-anjo» que seja o meu derriço,
galo que cante a cores na minha prateleira,
alvura arrendada para o meu devaneio,
bandarilha que possa enfeitar-me o cachaço.

Portugal: questão que eu tenho comigo mesmo,
golpe até ao osso, fome sem entretém,
perdigueiro marrado e sem narizes, sem perdizes,
rocim engraxado,
feira cabisbaixa,
meu remorso,
meu remorso de todos nós...

https://www.youtube.com/watch?v=dZvS7Po3v6g

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Foi um dos fundadores do Grupo Surrealista de Lisboa (1947), juntamente com Mário Cesariny de Vasconcelos. Em 1951 foi editado o primeiro livro de poemas do autor, intitulava-se Tempo de Fantasmas e ocupava integralmente o fascículo 11 da revista Cadernos de Poesia.
Com ele se demarcava O´Neill do Surrealismo, explicitando num "Pequeno aviso do autor ao leitor" as razões do seu abandono: o impasse em que caíra a "aventura surrealista", reduzida "às alegres atividades de dois ou três incorrigíveis pequenos aventureiros", o seu alheamento "dos verdadeiros "dos verdadeiros problemas do seu meio" e o seu excessivo formalismo..
A poesia de O´Neill assume o seu empenhamento político, procurando formas diversas de recusa da ordem estabelecida: a provocação, a sátira, o escárnio, a blasfémia, o divertimento poético, o jogo como expressão do princípio de prazer, a imaginação como hipótese de criação de um mundo outro que se sobrepõe ao mundo real. O poder revolucionário do irracional torna-se, assim, um aliado do poeta, que não enjeita, nesse ponto, a lição surrealista.
Quer se trate de uma poesia da abjeção ou prometeica, ela é sempre um meio de intervenção, o contraponto do conformismo pátrio.
O humor é o seu principal triunfo. A faceta humorística de O´Neill é a sua forma de "soltar as feras" do inconsciente e de emancipar o espírito em relação a todas as sentinelas da razão, da moral e do gosto. Porém a poesia de O´Neill é também rica em jogos verbais, a forma mais imediata por que se manifesta, ao nível textual, a sua imaginação criadora. O aproveitamento da materialidade fónica e visual do significante, os neologismos, as aglutinações, os inventários, os exercícios parodísticos, os diálogos...povoam a sua obra de achados surpreendentes e reforçam a sua dimensão simultaneamente lúdica e subversiva.

Estilo e linguagem:

Linguagem coloquial e prosaica;

Humor (desenvolvido a partir de processos diversos: sátira, escárnio, paródia, blasfémia, ironia, nonsense, metáforas insólitas);

Jogos verbais;

Aproveitamento da materialidade fónica e visual do significante;

Neologismos;

Justaposições e aglutinações;

Inventários e enumerações caóticas;

Grande liberdade metafórica e sintática.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa

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Oficina de escrita: Crónica de costumes: capítulo VI

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Oficina de escrita: Crónica de costumes: capítulo VI

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Na obra Os Maias é narrada a história da família Maia, por sua vez o seu subtítulo Episódios da Vida Romântica remete-nos para os capítulos que se designam como a crónica de costumes, como é o caso do episódio do Jantar no Hotel Central, que é nomeadamente o capítulo VI.
Este episódio tem uma função simultaneamente social e funcional e corresponde a uma sequência narrativa decisiva para o desenvolvimento da intriga (principal), pois é à entrada do Hotel que Carlos vê pela primeira vez Maria Eduarda e é a partir desse momento que vai fazer de tudo para a conhecer.
Neste mesmo episódio reúnem-se também as principais figuras da sociedade lisboeta permitindo a Carlos o primeiro contacto com a elite lisboeta.
Durante o Jantar no Hotel Central foram discutidos vários assuntos tais como: a Literatura e os diferentes movimentos literários, respetivamente, o Ultrarromantismo e o Romantismo defendidos por Tomás de Alencar e o Naturalismo e o Realismo defendidos, exageradamente, por Ega.
Perante o desinteresse de alguns por este tema mudou-se de assunto, iniciando-se uma discussão acerca das finanças públicas e do endividamento do país. Também neste assunto, podemos verificar que as opiniões divergiram. Na intervenção de Cohen sobressaí o seu cinismo, bem como a sua falta de responsabilidade, julgando inevitável a bancarrota e essenciais os empréstimos, já Carlos considera que pedir empréstimos é uma atitude inconsciente.
Em todo este episódio o uso da adjetivação, os advérbios, os diminutivos e a pontuação expressiva contribuem para uma maior expressividade à escrita, transmitindo a sensação de visualização ao leitor, com o objetivo de reforçar a crítica social.
Deste modo e em jeito de conclusão, neste capítulo temos um breve relato da sociedade lisboeta do século XIX, através de personagens-tipo que representam e demonstram o estado de corrupção, providencialismo e parasitismo de Portugal.

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Jantar no Hotel Central: Episódio que aborda: a literatura, a crítica literária, as finanças e a História de Portugal; Tem uma função social e funcional; Corresponde a uma sequência narrativa decisiva para o desenvolvimento da intriga. À entrada do Hotel Central, Carlos vê pela primeira vez Maria Eduarda, e a partir deste momento vai fazer de tudo para a conhecer. Maria Eduarda destaca-se como uma figura admirável e perfeita, contribuindo por isso para a insistente referência à sua magnífica aparência.

Corridas de cavalos: Episódio que satiriza: o falso cosmopolitismo, a falta de civismo e o provincianismo;

Jantar nos Gouvarinhos: Neste espaço social a mediocridade mental de algumas figuras da alta burguesia e da aristocracia está patente nos temas abordados como dicotomia Porto, Lisboa, perspetiva do estrangeiro sobre Portugal (coloquialismo) e a escravatura. (mediocridade mental da aristocracia)

Episódio dos jornais: Ao escrever o episódio do jornal “Corneta do Diabo” Eça crítica o sensacionalismo jornalístico, a sua parcialidade e corrupução e descreve ao mesmo tempo uma sociedade com problemas culturais, sociais e morais. (jornalismo corrupto e parcial)

Sarau da Trindade: Episódio que serve para criticar a superficialidade dos temas de conversa, a insensibilidade artística, a ignorância dos dirigentes, a oratória oca dos políticos e os excessos do ultrarromantismo. (atraso cultural e provincianismo).

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No último capítulo, a imagem deixada pelo Ramalhete, abandonado e tristonho, cheio de recordações de um passado de tragédia e frustrações, está muito relacionado com o modo como Eça via o país, em plena crise do regime.
As paredes do Ramalhete foram sempre sinal de desgraça para a família Maia.
O quintal do Ramalhete, também sofre uma evolução. No primeiro capítulo a cascata está seca porque o tempo da ação de Os Maias ainda não começou.
No último capítulo, o fio de água da cascata é símbolo da eterna melancolia do tempo que passa, dos sentimentos que leva e traz, mostra-nos também que o tempo está mesmo a esgotar-se e o final da história de Os Maias está próximo. Este choro simboliza também a dor pela morte de Afonso da Maia.
A estátua de Vénus que, enegrece com a fuga de Maria Monforte, no segundo capítulo. No último capítulo a mesma está coberta de ferrugem simbolizando o desaparecimento de Maria Eduarda, ao que os seus membros agora transformados lhe dão uma forma monstruosa lembrando Maria Eduarda e a monstruosidade do incesto.  Esta estátua marca então, o início e o fim da ação principal. Ela é também símbolo das mulheres fatais de Os Maias: Maria Eduarda e Maria Monforte.
O cedro e o cipreste, são árvores que pela sua longevidade, significam a vida e a morte, foram testemunhas das várias gerações da família Maia, simbolizando também a amizade inseparável de Carlos e Ega.
Já no final, a estátua de Camões é o símbolo da nostalgia do passado mais recuado.

Resumindo, não é difícil lermos o percurso da família Maia, nas alterações sofridas pelo Ramalhete.
Inicialmente, o Ramalhete não tem vida, em seguida quando é habitado, tornou-se símbolo da esperança e da vida, é como que um renascimento. Finalmente, a tragédia abateu-se sobre a família e eis a cascata chorando, deitando as últimas gotas de água, estando a estátua coberta de ferrugem e portanto tudo tem um carácter sombrio.

O Ramalhete: Era a residência da família Maia, em Lisboa, situada na rua de S.Francisco. Ao longo da obra, o Ramalhete, descrito como “sombrio e severo” constituí um marco de referência fundamental e a sua degradação acompanham a história da família.

A Toca: Era o recanto idílico nos Olivais, onde Maria Eduarda e Carlos partilharam as curtas juras de amor. Propriedade de Craft, arrendada por Carlos para preservar a sua privacidade amorosa, representa simbolicamente o ninho de amor de Carlos e Maria Eduarda. A sua decoração exótica, com móveis e porcelanas árabes e japonesas deixa adivinhar o confronto de culturas e respetivos valores. Já a luxuria dos amarelos e dourados remete para o gosto das sensações fortes, moralmente proibidas, pressagiando o incesto.

A estátua de Camões, no Loreto, Hotel Aliança: A estátua de Camões simboliza a nostalgia da época do Portugal Expansionista, antes de 1580, em contraste com a frustração do presente, em que nada mudou.

A morte instalou-se nesta família. No Ramalhete todo o mobiliário degradado e disposto em confusão, todos os aposentos melancólicos e frios, tudo deixa transparecer a realidade de destruição e morte, se os Maias representavam Portugal, a morte instalou-se no país:

O Ramalhete, solitário e amortalhado, reiterando o fim e a ruína dos Maias;

A cascata com um fio de água no quintal dos Maias;

A estátua de Vénus coberta de ferrugem;

O cedro e o cipreste;

A estátua de Camões, cuja tristeza espelha a grandeza perdida;

A Avenida, cujas obras de renovação se processam morosamente, espelhado o esforço inglório de progresso;

Os bairros antigos, cujo abandono e degradação oferecem a imagem da decadência actual, que representam a crítica à cidade de Lisboa.0

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Saiu na Gazeta ilustrada a notícia da partida de Carlos e Ega numa longa viagem pelo mundo.
Um ano e meio depois Ega regressou trazendo consigo a ideia de escrever um livro, Jornadas da Ásia e conta que Carlos ficara a viver em Paris, onde alugara um apartamento, pois não desejava regressar a Portugal.
Dez anos depois, Carlos regressou a Lisboa, mas não sem antes passar por Santa Olávia. Carlos almoçou no Hotel Bragança com Ega, que lhe contava todas as novidades.

Entretanto, aparecem Alencar e Cruges, que falaram dos anos que se passaram: Já Alencar cuidava agora da sobrinha, pois a sua irmã morrera, e Cruges e Carlos convidam-os para um “jantarinho à portuguesa”.
Após o almoço, Ega e Carlos foram visitar o Ramalhete, quando chegaram ao Chiado e verificaram que nada mudou, pois continuava tudo do mesmo modo aquando da sua partida.
Pelo caminho encontraram Dâmaso, que tinha casado com a filha mais nova de um comerciante falido e para além de ter de sustentar toda a família, sofria a traição da mulher.
Aos poucos, Carlos tomava consciência do novo Portugal, ainda mais decadente que há dez anos atrás se encontrava. Encontram Charlie, já um homem, e Eusebiozinho, que fora obrigado a casar com uma mulher forte, pois o pai dela apanhara-os a namorar.
Já no Ramalhete, a maior parte das decorações estavam a ser despachadas para Paris, onde Carlos planeava ficar para sempre. Carlos relembrava Maria Eduarda e conta a Ega que recebera uma carta dela, onde lhe contava que ia casar com um tal Mr. de Trelain, uma decisão tomada ao fim de muitos anos, e que tinha comprado uma quinta em Orleães, “Les Rosières”.
Carlos encarava este casamento de Maria Eduarda como o enterro definitivo daquela fase atribulada da sua vida.
Carlos da Maia vê que o país continua num estado de estagnação, decadência, envelhecimento e ociosidade. Sendo por estes motivos que tanto a cidade de Lisboa como o país, são alvo de críticas pela parte de Carlos.
Passam pelo escritório de Afonso, o que lhes trouxe tristes recordações, e constatavam que não valia a pena viver, por mais que tentássemos lutar por mudar a vida, não valia a pena o esforço, porque tudo é desilusão e poeira: “Nada desejar e nada recea… Não se abandonar a uma esperança – nem a um desapontamento”. Ambos concordam que falharam na vida e quando saem do Ramalhete constatavam que estavam atrasados para o Jantar e, ao verem o “americano”, correram atrás dele, que entretanto começam a ver ao longe.

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Linguagem, Estilo e Estrutura de "Os Maias"

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Linguagem, Estilo e Estrutura de "Os Maias"

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Na obra Os Maias, temos o modo literário (modo narrativo) e o género literário (romance), vejamos em que consiste:
Modo Narrativo: É o modo em que a ação é apresentada pelo narrador. Tal como esta apresenta elementos constitutivos como:

a ação tanto principal como secundária;

as personagens (princiapis, secundárias e os figurantes);

o narrador (heterodiegético);

espaço tanto físico, psicológico e social;

tempo narrativo e histórico.

Relativamente ao género literário (romance): Trata-se de um género literário moderno, com uma larga projeção cultural, cultivado a partir do século XVIII. Apresenta essencialmente como marcas:

a pluralidade de ações;

a complexidade do tempo, espaço e dos protagonistas;

a sua longa extensão.

Relativamente ao Romance: pluralidade de ações:

Ação principal: Os amores de Carlos e Maria Eduarda , na intriga principal;

Ação secundária: Temos os amores de Pedro e Maria Monforte, na intriga secundária.                                 O Romance de Ega com Raquel Cohen.                            O Romance de Carlos com a Condessa de Gouvarinho.        A vingança de Dâmaso e os serões em Santa Olávia que representam simultaneamente a educação de Carlos e de Eusebiozinho.

Complexidade do tempo: Antecedentes da ação principal (1820-1875):

Juventude, exílio e casamento de Afonso;

Amores e suicídio de Pedro;

Educação e formação de Carlos.

Na ação principal (1875-1877):

Amor de Carlos e Maria Eduarda (preparação do incesto, consumação do incesto, final trágico);

Crónica de costumes.

No Epílogo (1887):

Passeio de Carlos e João da Ega, em Lisboa.

A ação de Os Maias não é contada linearmente, sendo alguns acontecimentos apresentados recorrendo a analepses.

Complexidade do espaço:

Espaço físico: Pluralidade de espaços: Santa Olávia, Coimbra, Lisboa (Baixa, o Aterro, Campo Grande), Sintra, Ramalhete, Vila Balzac, Toca, consultório de Carlos..

Espaço social: Ao serviço da  crítica social (sociedade lisboeta da segunda metade do século XIX): Jantar no Hotel Central, corridas no hipódromo, jantar dos Gouvarinhos, episódio dos jornais, sarau da Trindade, epílogo.

Espaço psicológico: Ilustra a complexidade das personagens: Carlos quando evoca Maria Eduarda em Sintra, visão do Ramalhete e do avô, após o incesto; contemplação de Afonso da Maia morto, no jardim do Ramalhete... As reflexões de Ega após a descoberta da identidade de Maria Eduarda.

Presença e focalização do narrador:
Quanto à presença na ação o narrador é heterodiegético, ou seja, não interfere na ação como personagem.

Focalização: Na obra Os Maias encontramos dois tipos de focalização:

Focalização omniscente: Coincide, muitas vezes, com as analepses, permitindo a coesão entre os diferentes momentos narrados e aceleração da ação.

Focalização interna: Está patente, sobretudo, nas posições assumidas pelas personagens: Carlos da Maia e João da Ega. A focalização interna de Ega proporciona uma visão crítica da sociedade da época. Esta personagem personifica o próprio Eça, quer pelo seu retrato físico, quer pelos ideais.

A obra Os Maias, de Eça é enriquecida com vários recursos expressivos, tais como:

Hipálage: Que é uma figura de estilo que consiste em atribuir uma qualidade de um nome a outro que lhe está relacionado, revelando assim a impressão do escritor face ao que descreve, como demonstra o seguinte exemplo: "vestidos sérios de missa" não são os vestidos que são sérios, mas sim as pessoas que os usam.

Sinestesia: É uma figura de estilo relacionada com o apelo aos sentidos que nos transporta para um conjunto de sensações por nos descrever determinados ambientes (cenário envolvente) com realismo, tornando-nos de certa forma testemunhas desse cenário. Como demonstra o seguinte excerto: "...e aí, num recanto, ladeada de muros, aparecia enfim uma casota de paredes enxovalhadas, com dois degraus de pedra à porta e transparentes novos de um escarlate estridente".

Adjetivação: "uma luz macia, escorregando docemente do azul-ferrete, vinha dourar as fachadas enxovalhadas, as copas mesquinhas das árvores do município!.."          Os adjetivos "enxovalhadas" e "mesquinhas" são utilizados expressivamente conferindo à descrição uma dimensão crítica, crítica à sociedade lisboeta.

Ironia: Recurso expressivo que, por expressar o contrário da realidade, satiriza e expõe contrastes e paradoxos, como demonstra o seguinte excerto: "o morgadinho, o Eusebiozinho, uma maravilha muito falada naqueles sítios", neste caso a ironia dá conta da perspetiva crítica do narrador face à forma como Eusebiozinho era apreciado pela população local.

Metáfora: "Apesar deste fresco nome de vivenda campestre, o Ramalhete (...) tinha o aspeto tristonho de residência eclesiástica que competia a uma edificação do reinado da senhora D.Maria I: com uma sineta e com uma cruz no topo, assemelhar-se-ia a um colégio de Jesuítas." Com esta metáfora realça-se o aspeto severo do Ramalhete, para  além de sugerir a influência clerical na família dos Maias.

Comparação: "Nesse momento Carlos, cuja voz gritava no corredor pelo vovô, precipitou-se no quarto, esguedelhado, escarlate como uma romã." A comparação é utilizada para realçar a cor da face de Carlos e, consequentemente, a sua vitalidade e energia enquanto criança.

Personificação: "O palacete deitava sobre aquele bocado de terraço a sombra dos seus muros tristes; do vale subia uma frescura e um grande ar, e algures em baixo, sentia-se o prantear de um repuxo." Através da personificação sugere-se a harmonia e a melancolia associadas ao espaço descrito.

Discurso direto: Modalidade de reprodução do discurso em que se reproduz o discurso original tal como ele terá sido dito pelo emissor. Na escrita, introduz-se por travessão ou delimita-se por travessões ou aspas. Como demonstra o seguinte exemplo: "-Que diabo, não me hão de esquecer as queijadas! - murmurou Cruges, para si mesmo, afastando-se do parapeito." O discurso direto é bastante expressivo, evidenciando a coloquialidade da linguagem e  neste exemplo a preocupação de Cruges com as "queijadas" de Sintra, através da expressividade do verbo murmurar, que introduz o discurso direto.

Discurso indireto: Modalidade de reprodução do discurso em que se reproduz o discurso num novo discurso, com alguma transformações. Faz-se por meio da subordinação. Como mostra o seguinte excerto: "Ega murmurou que a História se encarregaria um dia de retificar esse facto... E então o Gouvarinho, que acendera o charuto, espreitara outra vez o relógio, perguntou se os amigos tinham ouvido alguma coisa do Ministério e da crise." (Através do discurso indireto, o narrador reproduz o murmúrio de Ega e a pergunta do Gouvarinho.)

Discurso indireto livre: Modalidade de reprodução do discurso que surge sobretudo em textos literários e que é marcada pela sobreposição do discurso do narrador e da personagem. Faz-se sem recurso à subordinação, mas recorrendo à 3.ª pessoa verbal e mantendo palavras, expressões e sintaxe de cariz oralizante. Como mostra o seguinte excerto: "Depois, reclinando-se para as costas da cadeira e abrindo o leque, declarou, o transbordar da ironia, que talvez por ter a inteligência curta, nunca compreendera a vantagem dos "métodos"...Era à inglesa, segundo diziam: talvez provassem bem em Inglaterra, mas ou ela estava enganada ou Santa Olávia era no Reino de Portugal." Através do discurso indireto livre, reproduz-se expressivamente o discurso produzido por D.Ana Silveira, evidenciando-se o carácter retrogrado e provinciano da mesma.

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A prosa de Eça de Queirós reflete a sua forma de pensar e exprime facilmente o seu modo de ver o mundo e a vida.
Eça soube explorar, a partir de um vocabulário simples, a força evocativa das palavras com o uso de sentidos conotativos e relações combinatórias.
Através de processos como: o ritmo da narração, a descrição, o diálogo, monólogos interiores e comentários, Eça conseguiu imprimir nas suas palavras um verdadeiro encanto.

Relativamente às personagens nas suas obras, Eça pretende criticar a sociedade portuguesa da época. Para o fazer, utilizou personagens-tipo, que não são individuais mas que dizem respeito a uma personagem que retrata, por exemplo, uma classe social ou uma certa instituição.
Com este tipo de personagens, o escritor conseguiu retratar nas suas obras a sociedade em que vivia, visto que Eça julgava a sociedade portuguesa uma sociedade em decadência.

As críticas que Eça de Queirós faz à sociedade são bastante subjetivas, pois é sempre a visão pessoal do escritor presente nas obras.
O Adjetivo e o Advérbio tornam a sua escrita mais expressiva, uma vez que Eça se apoia nos adjetivos e advérbios do modo que transmitem ao leitor uma sensação de visualização.
O adjetivo é usado com sabedoria e criatividade o que faz dele a categoria gramatical por excelência na obra de Eça. Desta forma, consegue demonstrar a sua visão crítica sobre a sociedade do século XIX de uma forma subtil, mas que tem uma grande ênfase, o que faz com que a sua sátira pareça objetiva.
No estilo de Eça, o adjetivo é usado de forma subjetiva e não pretende estabelecer qualquer relação com o substantivo que qualifica, mas sim dar a entender a relação entre esse e os outros nomes, despertando a imaginação.
Deste modo, o adjetivo surge com um carácter impressionista na prosa de Eça de Queiroz, porque é utilizado para mostrar ao leitor os sentimentos produzidos no escritor.

Outra característica literária presente nas obras de Eça é o uso de adjetivação dupla e tripla, que visa mostrar a descrição e complementa-a com as impressões que surgem da mesma.
Quanto aos advérbios de modo, estes incidem sobre o sujeito, mantendo as funções do adjetivo e para que a criatividade e a imaginação do leitor surjam de uma forma espontânea.
O uso expressivo do advérbio pode contribuir para a construção da ironia. Podemos verificá-lo no seguinte excerto:"o Eusebiozinho foi então preciosamente colocado ao lado da Titi", neste caso o advérbio é usado ironicamente, sugerindo o tom depreciativo do narrador relativamente à superproteção e ao mimo de que Eusebiozinho é alvo por parte da família.

Já os verbos na sua escrita tal como acontece com o uso dos adjetivos e advérbios, também são utilizados com um carácter impressionista por parte do autor. Suscitando da mesma maneira, a imaginação do leitor, para escapar à monotonia imposta pelo uso de verbos semelhantes, Eça optou por substituir os verbos comuns por verbos menos vulgares, mas que expressam mais amplamente a ação descritiva pretendida.

Os verbos declarativos como: disse, afirmou, observou, explicou, respondeu, prosseguiu, entre outros, são comuns para introduzir falas de personagens e acabam por tornar o discurso monótono, ao que, o escritor opta por suprimi-los. Assim sendo, a não utilização deste tipo de verbos, confere ao texto uma quebra da monotonia, dando-lhe ritmo e vivacidade.

É usual o uso do pretérito imperfeito em obras realistas, uma vez que este tempo torna as ações presentes em ações realizadas no passado. Quando é utilizado o pretérito perfeito é narrada uma ação passada que está concluída e encerrada no passado. O uso do pretérito imperfeito, pela transposição dos eventos narrados até ao tempo presente, faz com que o leitor testemunhe o acontecimento narrado.
Já a frase e a linguagem foi uma das preocupações de Eça para evitar as frases demasiado expositivas, fastidiosas e pouco esclarecedoras dos românticos. Para tal, fez uso da ordem direta da frase, para que a realidade possa ser apresentada sem alterações, e empregou frases curtas para que os factos e as emoções apresentadas fossem transmitidas objetivamente.

Eça põe a pontuação ao serviço do ritmo da frase para marcar pausas respiratórias, para revelar hesitações ou para destacar elevações de vozes.

Para evitar a utilização constante dos verbos declarativos, Eça criou o estilo indireto livre. Ao que o processo consiste em utilizar no discurso indireto a linguagem que a personagem usaria no discurso direto, ou seja no diálogo.
Deste forma, o texto ganha vivacidade e evita a repetitiva utilização de: disse que, perguntou se, afirmou que...criando a impressão de se ouvir falar a personagem.

Eça utiliza uma linguagem representativa não só da personalidade da personagem, mas também de acordo com a sua condição social.

Como observador da sua sociedade, Eça recriou nas suas obras com diferentes linguagens de diferentes classes sociais da sua época.

A prosa de Eça é enriquecida com vários recursos expressivos, tais como:

Hipálage: Que é uma figura de estilo que consiste em atribuir uma qualidade de um nome a outro que lhe está relacionado, revelando assim a impressão do escritor face ao que descreve, como demonstra o seguinte exemplo: "vestidos sérios de missa" não são os vestidos que são sérios, mas sim as pessoas que os usam.

Sinestesia: É uma figura de estilo relacionada com o apelo aos sentidos que nos transporta para um conjunto de sensações por nos descrever determinados ambientes (cenário envolvente) com realismo, tornando-nos de certa forma testemunhas desse cenário. Como demonstra o seguinte excerto: "...e aí, num recanto, ladeada de muros, aparecia enfim uma casota de paredes enxovalhadas, com dois degraus de pedra à porta e transparentes novos de um escarlate estridente."

Adjetivação: Uso de adjetivos, muitas vezes recorre à dupla e tripla adjetivação.

Ironia: Recurso expressivo que, por expressar o contrário da realidade, satiriza e expõe contrastes e paradoxos, como demonstra o seguinte excerto: "o morgadinho, o Eusebiozinho, uma maravilha muito falada naqueles sítios", neste caso a ironia dá conta da perspetiva crítica do narrador face à forma como Eusebiozinho era apreciado pela população local.

Aliteração: Recurso expressivo que utiliza a repetição de sons para exprimir sensações ou sons da realidade envolvente.

Discurso direto: Modalidade de reprodução do discurso em que se reproduz o discurso original tal como ele terá sido dito pelo emissor. Na escrita, introduz-se por travessão ou delimita-se por travessões ou aspas. Como demonstra o seguinte exemplo: "-Que diabo, não me hão de esquecer as queijadas! - murmurou Cruges, para si mesmo, afastando-se do parapeito." O discurso direto é bastante expressivo, evidenciando a coloquialidade da linguagem e  neste exemplo a preocupação de Cruges com as "queijadas" de Sintra, através da expressividade do verbo murmurar, que introduz o discurso direto.

Discurso indireto: Modalidade de reprodução do discurso em que se reproduz o discurso num novo discurso, com alguma transformações. Faz-se por meio da subordinação. Como mostra o seguinte excerto: "Ega murmurou que a História se encarregaria um dia de retificar esse facto... E então o Gouvarinho, que acendera o charuto, espreitara outra vez o relógio, perguntou se os amigos tinham ouvido alguma coisa do Ministério e da crise." (Através do discurso indireto, o narrador reproduz o murmúrio de Ega e a pergunta do Gouvarinho.)

Discurso indireto livre: Modalidade de reprodução do discurso que surge sobretudo em textos literários e que é marcada pela sobreposição do discurso do narrador e da personagem. Faz-se sem recurso à subordinação, mas recorrendo à 3.ª pessoa verbal e mantendo palavras, expressões e sintaxe de cariz oralizante. Como mostra o seguinte excerto: "Depois, reclinando-se para as costas da cadeira e abrindo o leque, declarou, o transbordar da ironia, que talvez por ter a inteligência curta, nunca compreendera a vantagem dos "métodos"...Era à inglesa, segundo diziam: talvez provassem bem em Inglaterra, mas ou ela estava enganada ou Santa Olávia era no Reino de Portugal." Através do discurso indireto livre, reproduz-se expressivamente o discurso produzido por D.Ana Silveira, evidenciando-se o carácter retrogrado e provinciano da mesma.

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O impressionismo foi um movimento que surgiu na pintura francesa do século XIX, vivia-se nesse momento a chamada Belle Époque ou Bela Época em português. O nome do movimento é derivado da obra "Impressão: nascer do sol" (1872), de Claude Monet.

Começou com um grupo de jovens pintores que rompeu com as regras da pintura vigentes até então. Os autores impressionistas não mais se preocupavam com os preceitos do realismo e/ou da academia. A busca pelos elementos fundamentais de cada arte levou os pintores impressionistas a pesquisar a produção pictórica não mais interessados em temáticas nobres ou no retrato fiel da realidade, mas em ver o quadro como obra em si mesma. A luz e o movimento utilizando pinceladas soltas tornam-se o principal elemento da pintura, sendo que geralmente as telas eram pintadas ao ar livre para que o pintor pudesse capturar melhor as variações de cores da natureza.

Claude Monet, Impression, Soleil levant, 1872 (Impressão, nascer do sol)

Foi o primeiro quadro a ser considerado uma marca do surgimento da impressionismo da época, esta tela foi apresentada na primeira exposição do Salão Impressionista, em 1874.
Claude Monet, Les Coquelicots à Argenteuil, 1873 (As Papoulas em Argenteuil)
Esta tela foi exposta no primeiro Salão Impressionista, em 1874. A pintura apresenta um campo de papoilas, tendo, no primeiro plano, uma mulher segurando uma sombrinha e usando um chapéu de palha e a seu lado, uma criança. Uma fileira de árvores constitui o segundo plano da pintura onde também há uma mulher e uma criança, semelhantes às do primeiro plano.

O impressionismo foi fundado por Monet. De certa forma acaba por ser uma continuação do realismo. O impressionismo retrata paisagens, temas ligados ao mundo do espetáculo, às cidades e a figura humana.
Os impressionistas são apaixonados pelas mudanças da realidade. Pela velocidade da mudança. Daí a sua técnica de pintura baseada em pinceladas fortes e sobrepostas, mas não aleatórias (não de qualquer maneira. Convém esclarecer para não pensarem que qualquer um de vocês pode da noite para o dia tornar-se impressionista.). Os impressionistas são inovadores na técnica de pintura: as pinceladas que já falamos e, também, o uso das cores puras, sem as misturar ou diluir. Diretamente da paleta para a tela. Por esta razão devemos ver os quadros impressionistas de longe para conseguir perceber o que lá está. Se os virmos muito de perto nada mais são do que bocados de tinta empastelados e grossas. E ainda, por terem inaugurado a pintura ao ar livre. Os impressionistas revolucionaram a pintura também pela pintura ao ar livre. Até aí a pintura era feita em estúdios ou ateliers. Em 1870 os impressionistas eram um grupo constituído por Monet, Renoir, Degas, entre outros, e liderado por Manet. No inicio do século XX o grupo desfez-se e cada pintor optou por uma carreira individual.

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Características da Tragédia clássica em "Os Maias"

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Características da Tragédia clássica em "Os Maias"

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Carlos e Maria Eduarda ultrapassam a dimensão reduzida e pragmática do tipo "queirosiano", embora (encarados nessa mesma perspetiva) nos possam dar elementos concretos, a nível essencialmente sociológico e já não literário, destacam-se como figuras eleitas, pertencentes a uma elite, dotados de qualidades superiores, requintados, seres de excepção, não integrados numa sociedade grosseira, limitada e suja.

Assim, Carlos, regressado da Europa, é apresentado como «um formoso e magnífico moço, alto, bem feito, de ombros largos, com uma testa de mármore sob os anéis dos cabelos pretos, e os olhos dos Maias...».
O autor compara-o então a um «belo cavaleiro da Renascença». Para os conhecidos, ele é o «primeiro elegante...da pátria» ou o romântico «Príncipe Tenebroso».

Paralelamente, Maria Eduarda «aparece», no peristilo do Hotel Central, como «uma senhora alta, loira, com um meio véu muito apertado e muito escuro que realçava o esplendor da sua carnação ebúrnea.
Craft e Carlos afastaram-se, ela passou diante deles, com um passo soberano de deusa, maravilhosamente bem feita, deixando atrás de si como uma claridade, um reflexo de cabelos de oiro, e um aroma no ar.»
Para as personagens que com ela contactam ela surge como algo de «harmonioso, são, perfeito.»

Carlos e Maria Eduarda elevam-se ao nível da tragédia amorosa, embora não rompendo totalmente com as regras do romance de costumes ao qual também pertencem e no qual acabam por se reintegrar. Como detentores da máscara que Eça lhes impõe, definem-se, já não como tipos sociais, mas como símbolos duma fatalidade superior.
As duas personagens (como convém ao espírito clássico da tragédia), são irresistivelmente levadas a um encontro e a uma união que afirmam a supremacia do Sentimento, concebido segundo um padrão elevado a ideal.

Perante os obstáculos oferecidos por Afonso e respeitados pelos próprios amantes, assiste-se à intensificação das relações amorosas que atinge o seu auge na felicidade perfeita.

«Carlos era positivamente o homem mais feliz destes reinos! Em torno dele só havia felicidades, doçuras. Era rico, inteligente, de uma saúde de pinheiro novo; passava a vida adorando e adorado; só tinha o número de inimigos que é necessário para confirmar uma superioridade; nunca sofrera de dispepsia; jogava as armas bastante para ser temido; e na sua complacência de forte nem a tolice pública o irritava. Ser verdadeiramente ditoso!»

Quando a união se torna perfeita, quando o sentimento se eleva ao ponto superior da sua realização, desaba a catástrofe - depara-se-nos a tragédia.

Na mesma noite em que Ega, extasiado, faz as considerações acima transcritas, nessa mesma noite, por intermédio de Guimarães, a tragédia desaba.

Carlos, ao tentar a recusa de uma verdade imposta pelo «implacável destino» concorre para a sua completa realização, a efetivação de um incesto consciente.

Classicamente, o aparecimento da tragédia, não só corta o desenrolar harmonioso dos acontecimentos, como também impede a reestruturação dos mesmos. Pelo que a Fatalidade aniquila, digamos, a possibilidade de recuperação.

Características trágicas das personagens principais: (Resumo)

Afonso da Maia: Tinha um carácter nobre, em termos sociais, é feita inclusive uma associação a Afonso de Albuquerque, e morais, Afonso é dotado de uma grandeza de alma. Morre na sequência do incesto dos netos, ou seja marcado pelo destino.

Carlos da Maia: É dotado de um carácter excecional e superior, em termos de educação e beleza, "fisionomia de belo cavaleiro da Renascença". É tal como o seu avô, marcado pelo destino, pelo nome que a mãe lhe concedeu. Tem uma aproximação predestinada a Maria Eduarda. E tem uma atitude de herói trágico, cometendo uma transgressão, ao praticar incesto conscientemente.

Maria Eduarda: Tem tal como Carlos e o seu avô um carácter excecional, e superior em termos de beleza, tal como o irmão, "tinha naquele cais triste de cidade antiquada, um destaque estrangeiro, como o requinto claro de civilizações superiores", dotada de uma delicadeza de sentimentos, recetiva de presságios. Tem uma aproximação predestinada de Carlos.

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A representação fiel da realidade com recurso ao Impressionismo Literário

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A representação fiel da realidade com recurso ao Impressionismo Literário

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O Impressionismo é uma escola de pintura que valoriza a cor, a luminosidade, os contornos esfumados, os efeitos provocados pela realidade observada. Ao que, as sensações assumem um papel fulcral nessa descrição. Na prosa impressionista de Eça é privilegiado, entre outros recursos, a sinestesia- um recurso expressivo que consiste na associação de duas ou mais sensações pertencentes a registos sensoriais diferentes ("...uma luz macia, escorregando docemente do azul-ferrete, vinha dourar as fachadas enxovalhadas").

Eça revela um estilo literário dualista, por um lado descreve de forma fiel a realidade observável e por outro, a fantasia e a imaginação do escritor realçam essa mesma descrição. Deste modo, deixa transparecer as impressões que lhe ficam da realidade que descreve já que considera que não bastava descrever pormenorizadamente aquilo que se observava, mas que também era necessário manifestar o sentimento que resulta dessa mesma observação. Assim, Eça além de descrever pormenorizadamente, soube revelar a sua visão crítica sobre a sociedade dos finais do século XIX.

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Comparação dos diferentes tipos de educação

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Comparação dos diferentes tipos de educação

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As personagens da intriga principal e da intriga secundária são provenientes de contextos histórico-culturais distintos. Vejamos, nomeadamente e comparando a educação de Pedro da Maia e do seu filho Carlos da Maia.
Pedro da Maia: Na sua educação dominam os comportamentos e as reações. Pedro estava preparado para uma educação mal orientada, com estigmas hereditários para uma paixão amorosa fatal que o levou ao suicídio.

Apesar de viver em Inglaterra e contra a vontade do pai teve uma educação tipicamente portuguesa: conservadora, católica e superprotegida por causa da mãe. A educação e hereditariedade dos Runa tornou-o melancólico, passivo, nervoso, fraco e adoentado.
Alguns excertos que acentuam a sua fragilidade e debilidade física e mental, tal como a sua abulia:

"mudo, murcho, amarelo (...)";

"todo o seu ser resolvia-se a espaços em crises de melancolia negra (...)";

"sem curiosidades";

Aprendeu :

e estudou o latim, considerada uma língua morta, e os clássicos;

e foi primado da cartilha.

Desvalorizava o contacto com a Natureza: "tinha medo do vento e das árvores"
A sua educação valorizava a moral do catecismo e a devoção religiosa com a conceção punitiva do pecado.
O uso de diminutivos ironizam e remetem para a sua falta de firmeza, como: "latinzinho", "basezinha", "instruçãozinha".
O seu percetor era o português Padre Vasques.

Já Carlos Da Maia teve uma dura educação à inglesa proporcionada pelo seu avô, Afonso Da Maia, após o abandono da mãe, Maria Monforte e o suicídio do pai, Pedro Da Maia.
O seu percetor era o Sr.Brown. Esta educação tinha o seguinte lema: "Mente sã em corpo são", de modo que dava muita importância ao exercício físico, com algumas repetições textuais que demonstram firmeza e determinação, tais como: "músculo, músculo"; "força, força".
Alguns excertos dos hábitos de Carlos da Maia ao princípio subjacente da sua educação:

"e todas as manhãs, zás, para dentro de uma tina de água fria (...)" , representa a resistência física e uma dureza dos métodos;

"Deixava-o correr, cair, trepar às árvores, molhar-se, apanhar soalheiras, como um filho de caseiro", demonstra a liberdade que detinha e a sua agilidade física.

Estas são as grandes dominantes da educação de Carlos Da Maia que comparativamente ao seu pai, Pedro Da Maia e ao seu vizinho Eusebiozinho Silveira, demonstram rigidez, espírito crítico, liberdade e força.

Euzebiozinho é tal como Pedro Da Maia uma personagem que tipifica o modelo oposto de Carlos, como disse anteriomente. Alguns excertos que o comprovam são os seguintes:

"não se descolava das saias da titi"; "...aparece o Eusebiozinho aos berros pela titi", o decorar dos versos dos clássicos ("abriu a boca e, como de uma torneira lassa veio de lá escorrendo, num fio de voz, um recitativo") que eram recompensados, por a mãe dormir com ele, o que demonstra uma enorme superproteção feminina;

"teve ela de o pôr de pé, ampará-lo..", "as perninhas flácidas...", que demonstram a sua fragilidade física;

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O subtítulo da obra remete-nos  para os episódios que se designam como a crónica de costumes da vida de Lisboa, como: o Jantar no Hotel Central, a Corrida de cavalos, Jantar em casa do Conde de Gouvarinho, os episódios dos Jornais: "Corneta do Diabo"e "A Tarde" e o Sarau da Trindade.
Estes alternam-se com a história desta família e retratam a segunda metade do século XIX, bastante marcado pelos efeitos do Romantismo.
Os episódios acima mencionados representam, respetivamente a crítica à imitação forçada do estrangeiro, a superficialidade da cultura da sociedade portuguesa e a estagnação de Lisboa e Portugal.
Ou seja, apesar de existir uma relação entre a intriga e a crónica de costumes, como acontece no episódio do Jantar do Hotel Central, a crónica de costumes tem autonomia em relação à intriga, trata-se, portanto, de uma ação aberta, enquanto a intriga constituí uma ação fechada.
A crítica à imitação estrangeira é um dos aspetos que se podem observar, por exemplo, no capítulo das corridas de cavalos, um evento, sobretudo associado à cultura inglesa. Aqui podemos observar a imitação feita de uma forma indefinida uma vez que é feita uma descrição do hipódromo como um espaço degradado, sujo, pelo que contrasta com a desadequação dos trajes das pessoas que foram assistir a essa corrida, que num dia quente de verão havia senhores vestidas com vestidos sérios de missa, completamente desadequadas ao espaço e ao evento em si.
Assim, vemos que nesta época Portugal se apropriava de costumes que não são nacionais e posteriormente, o povo português, revela-se incapaz de fazer essa apropriação, demonstrando uma desadequação face aos eventos.

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1. A querela literária denominada de "Questão Coimbrã" discutiu essencialmente concessões ligadas às funções da Literatura e à posição do escritor na sociedade. A discussão de questões ideológicas, históricas e estéticas, só ocorreu nas Conferências Democráticas do Casino.

2. O Realismo foi o movimento literário que surgiu em oposição ao Romantismo e preconizava uma nova moral social. Para os seus defensores, uma obra de arte deveria ser bela, justa e verdadeira, como representação do real.
3. O Naturalismo, estreitamente ligado ao Realismo, defendia a arte que deveria ser bela, justa e real, como representação objetiva da realidade. O Ser Humano era entendido como resultado de um conjunto de fatores: hereditários, ambientais e eduacativos.
4. O Romance aproxima-se do conto e da novela, pela sua extensão, profundidade e enredamento estrutural. A pluralidade das ações e a complexidade do tempo, dos espaços e dos protagonistas são outras características deste género literário.
5. A descrição de espaços urbanos confere a autenticidade à ficção. Apoiando a caracterização das personagens e refletindo a visão decandentista que essa tem de Portugal.
6. É criticada nesta obra a burguesia e a aristocracia lisboeta do século XIX, através do retrato caricatural dos espaços sociais, e do desfilar das personagens-tipo, que caracterizam a sociedade portuguesa da época.
7. Os protagonistas da obra apresentam características que sustentam a sugestão de um destino trágico, vejamos:

Afonso da Maia é um obstáculo à relação incestuosa de Carlos e Maria Eduarda, tendo a sua morte, ultimada pelo destino, declarado a separação dos netos.

A relação incestuosa de Carlos e Maria Eduarda é um tema recorrente das tragédias clássicas.

A escolha do nome "Carlos Eduardo" prenuncia também um destino fonesto para a personagem uma vez que este nome surgiu de um romance que Maria Monforte lia, cujo protagonista da família Stuart tinha o nome do protagonista desta obra, indicia a tragédia visto que o protagonista do romance era o último descendente da família, tal como Carlos da Maia viria a ser.

8. Nesta obra, temos o sentimento e a paixão nas diversas intrigas amorosas: Pedro da Maia e Maria Monforte; Carlos da Maia e Maria Eduarda (Madame Castro Gomes) e João da Ega com Raquel Cohen.

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No início do século XVII (1608) temos o Padre António Vieira que nasceu em Lisboa. Foi um notável prosador e orador religioso com uma forte presença na política de D.João IV. Escreveu diversos sermões, um deles já estudámos na disciplina de Português, O Sermão de Santo António Aos Peixes, e acabou por terminar a sua vida num Colégio na Bahia, uma vez que foi perseguido pela Inquisição. Morreu em 1697.
No final do século XVIII (1799), nasceu no Porto, Almeida Garrett, que ainda na infância partira com a família para a ilha Terceira para escaparem à invasão francesa.  Frequentou a Universidade de Direito em Coimbra e foi no ambiente universitário que nasceram e se formaram os seus ideais liberais. Foi escritor, dramaturgo, poeta, político e o fundador do Romantismo em Portugal.
Já no século XIX (1810), nasceu Alexandre Herculano um poeta, romancista, historiador e ensaísta português. Pertenceu à primeira geração romântica portuguesa. Devido aos seus ideais liberais, esteve exilado em França, Inglaterra. Aprendeu a admirar o romance histórico de Walter Scott. Foi autor de uma vasta obra.
Em meados do século XIX (1825), nasceu Camilo Castelo Branco, um jornalista e repórter que se tornou num grande novelista, devido às complicações, que os seus relacionamentos deram conta, inspirou-se de tal forma que compôs uma obra notável de novelas.
Praticamente a meio do século XIX (1842) nascido em Ponta Delgada, Antero de Quental que com apenas 16 anos foi para a Universidade de Direito, em Coimbra. Contribuiu para fomentar a ideias renovadoras da Geração de 70. Participação com Eça de Queirós nas "Conferências Democráticas do Casino Lisboeta" ajudando a cimentar o realismo em Portugal. Em 1891 regressou a S.Miguel, onde acabou por cometer o suicídio.
Em meados do século XIX (1845), nasceu Eça de Queirós, na Póvoa de Varzim. Entrou na Universidade de Direito de Coimbra, onde acabou por conhecer muitos dos representantes da Geração de 70. Considerado o primeiro e o principal escritor realista português, um dos maiores romancistas de toda a Literatura Portuguesa, com uma vasta obra.
Também em meados do século XIX (1855), nasceu Cesário Verde no seio de uma família de origem italiana. Matriculou-se no curso de letras na Universidade De Lisboa, porém acabou por desistir para auxiliar o seu pai. Publicou os seus poemas em várias revistas e jornais. Sofria de tuberculose e acabou por falecer com apenas 31 anos. Pelo que a sua poesia foi postumamente publicada com o título O Livro de Cesário Verde.
O Romantismo da segunda metade do século XIX, começou a revelar um desgaste de temas e formas. Era uma literatura baseada numa sensibilidade piegas, o que tinha o nome de ultrarromantismo, que não tinha em conta as correntes científicas e filosóficas.
Esta sensibilidade de António Feliciano de Castilho que atraía e irradiava a sua influência literária e atraía a simpatia de escritores que o consideravam como um mestre.
Contra esta escola insurgiu a de Coimbra, liderada por Antero de Quental, por volta de 1865, que se estava a formar na Universidade, desta confrontação surgiu a célebre "Questão Coimbrã" que marcou o 1ºmomento na substituição do Romantismo pelo Realismo. Esta questão tinha como objetivo atacar António Feliciano Castilho, que era considerado o mestre da Literatura, sem originalidade, sem ideias, apontando um novo caminho que defendia a inovação e um maior comprometimento da Literatura com as realidades sociais.
O segundo momento da substituição do Romantismo pelo Realismo esteve relacionado com a Geração de 70, que dava continuidade ao movimento iniciado pela "Questão Coimbrã" .

Cronologia das principais obras do século XVII ao séc.XX:

Sermão de Santo de António aos Peixes, do Padre António Vieira (1654);

Frei Luís de Sousa, de Almeida Garrett (1844);

Viagens na Minha Terra, de Almeida Garrett (1845);

A Abóbada, Alexandre Herculano (1851);

Amor de Perdição, de Camilo Castelo Branco (1861);

Sonetos Completos, Antero de Quental (1886);

O Livro de Cesário Verde, Cesário Verde (1887);

Os Maias, de Eça de Queirós (1888);

A Ilustre Casa de Ramires, Eça de Queirós (1900).

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Afonso da Maia: A vida de Afonso da Maia é marcada pela tragédia: o suicídio do filho, que superou mercê da sua força interior e na dedicação da educação do neto, contudo o namoro incestuoso dos netos provoca a sua morte (morre vítima de uma apoplexia);

O avô de Carlos e Mª. Eduarda tem as características físicas seguintes: é baixo, forte, possui uma pele corada, cabelo branco muito curto, barba longa e branca;

As suas atitudes são de bondade e generosidade, tal como a neta Maria Eduarda defende os pobres e os fracos, é um homem culto, digno e íntegro.

Enquanto jovem participou em manifestações liberais, ou seja aderiu ao Liberalismo, o que provocou a ira do seu pai, Caetano da Maia, tendo sido expulso da casa paterna, mais tarde partiu para Inglaterra e só voltou a Lisboa após o falecimento do pai. Casou com Maria Eduarda Runa e teve 2 filhos.

Pedro da Maia: Na sua educação dominam os comportamentos e as reações. Pedro estava preparado para uma educação mal orientada, com estigmas hereditários para uma paixão amorosa fatal que o levou ao suicídio.

Apesar de viver em Inglaterra e contra a vontade do pai teve uma educação tipicamente portuguesa: conservadora, católica e superprotegida por causa da mãe. A educação e hereditariedade dos Runas tornou-o melancólico, passivo, nervoso, fraco e adoentado.

Fisicamente é um homem baixo, bonito, moreno de olhos escuros.

Apaixonou-se por Maria Monforte e casou com ela contra a vontade do pai e teve 2 filhos.

Maria fugiu com um italiano e levou a filha.

Covardemente, Pedro suicida-se.
As suas atitudes são resultado do meio em que se encontra, da sua educação tipicamente tradicional e tendo em conta a hereditariedade.

Maria Monforte: Era extremamente bela e sensual. Tinha os cabelos loiros.
Foi vítima da literatura romântica e daqui deriva o seu carácter pobre, excêntrico e excessivo. Era difamada pelo passado que o seu pai Manuel Monforte vivera e por tal chamavam-lhe "negreira" porque o seu pai levara, noutros tempos, cargas de negros para o Brasil, Havana e Nova Orleães.
Apaixonou-se por Pedro da Maia e casaram. Da união de ambos resultaram Carlos e Maria Eduarda.
Maria algum tempo depois decide fugir com o napolitano, Tancredo, levando consigo a filha, Maria Eduarda, e abandonando o seu marido, Pedro da Maia, tal como o seu filho, Carlos Eduardo. É, em parte, a culpada de tudo o que de mal ocorre na família Maia. Fê-lo por amor ao napolitano Tancredo não por maldade. Após a morte deste num duelo, levou uma vida dissipada e morreu, após um exílio miserável que fez com a filha em Inglaterra, quase na miséria.
Deixou um cofre a um conhecido português, o Sr. Guimarães, tio de Dâmaso, com documentos que provariam que o romance vivido entre Maria Eduarda e Carlos da Maia era incesto, ou seja eram irmãos, revelando a Maria Eduarda a verdadeira identidade da sua família paterna.

Carlos da Maia: Fatalmente apaixonou-se pela irmã e viveu um amor-paixão incestuoso.

É apresentado como um homem muito atraente: alto, bem constituído, possuía cabelo e olhos negros e uma barba castanha escura, pequena e aguçada no queixo.

Teve uma dura educação à inglesa proporcionada pelo seu avô após o abandono da mãe e o suicídio do pai.

É um homem viajado, de bom gosto e que gosta de luxo, formou-se me Medicina na Universidade de Coimbra, há uma influência negativa no seu envolvimento na sociedade lisboeta, que era fútil e ociosa, o que o fez tornar num dândi.
Eça quis transportar para esta jovem personagem, a idade da sua juventude, a que fez a Questão Coimbrã e as Conferências do Casino, pelo que Eça acabou no grupo dos Vencidos da Vida, ao que Carlos é um bom exemplo.

Maria Eduarda: Era uma bela e uma elegante mulher, de pele branca, cabelo loiro e olhos pretos, "é flor de uma civilização superior, faz relevo nesta multidão de mulheres miudinhas e morenas".
Foi educada num Convento em França, mas teve um passado atribulado na companhia da mãe.

Viveu em França, é culta e moderna, generosa na sua inclinação para o socialismo, e possuí um carácter sensato e digno;

Viveu com Mac Gren que morreu na guerra francesa e com ele teve uma filha, Rosa.

Uns tempos depois de ter perdido Mac Gren, estava com Castro Gomes um brasileiro rico, quando conheceu Carlos estava a viver com Castro Gomes.

Após descobrir a verdade no fim, de saber que era irmã de Carlos rumou a Paris, acabando mesmo por marcar casamento com Mr. De Trelain, cerca de 10 anos depois.

João da Ega: Era um grande amigo e confidente de Carlos. Era cínico, audacioso, inteligente e sentimental. Era muito magro, usava bigode, tinha cabelo comprido e usava um monóculo. Vestia-se de uma forma excessivamente excêntrica.

Enquanto estudante em Coimbra de Direito teve uma vida boémia e irresponsável.

Mais tarde viveu um amor-paixão adúltero com Raquel Cohen.

Esta personagem tem uma grande importância na intriga, no conhecimento do incesto e é a ele que Sr.Guimarães revela a verdadeira identidade de Maria Eduarda, recordando que os vira aos irmãos e a Ega a caminho dos Olivais. É Ega que conta a Carlos que este tem uma relação com a própria irmã.

As restantes personagens são personagens-tipo, ou seja representam grupos sociais, desta forma:

Eusebiozinho:  Teve uma educação tradicional portuguesa que o condicionou a uma vida triste e dissoluta.
Eusebiozinho representa a educação retrógrada portuguesa.
Também conhecido por Silveirinha, era o primogénito de uma das Silveiras, umas senhoras ricas e beatas. Era amigo de infância de Carlos com quem brincava em Santa Olávia, com quem contrastava na educação.
Cresceu molengão, tristonho e corrupto.
Casou-se, mas enviuvou cedo.
Procurava, para se distrair, aventureiras de ocasião.

Tomás Alencar: O idealista e sincero poeta, representa o ultrarromantismo em oposição ao naturalismo.
Era "muito alto, com uma face encaveirada, olhos encovados, e sob o nariz aquilino, longos, espessos, românticos bigodes
grisalhos".
Simboliza o romantismo piegas.
Era o companheiro e amigo de Pedro da Maia. Eça serve-se desta personagem para construir discussões de escola, entre naturalistas e
românticos, numa versão caricatural da Questão Coimbrã. Não apresenta defeitos e é possuidor de um coração grande e generoso.
É o poeta do ultrarromantismo.

Conde de Gouvarinho: Era um ministro, símbolo da política incompetente; Tinha um bigode encerado e uma pêra curta.
Tem lapsos de memória e revela uma
enorme falta de cultura. Não compreende a ironia sarcástica de Ega.

Condessa de Gouvarinho: Possuí cabelos crespos e ruivos, nariz petulante, olhos escuros e brilhantes, elegante, pele clara, fina e doce. É casada com o conde de Gouvarinho e é filha de um comerciante inglês do Porto.
Não tem escrúpulos, pois traí o marido, com Carlos da Maia, sem remorsos. São guesilias de dinheiro e a mediocridade do conde que fazem com que o casal se desentenda.
Simboliza a mulher que não encontra a felicidade no casamento e que procura a emoção e a motivação de viver fora dele.
Envolve-se com Carlos e revela-se apaixonada e impetuosa. Carlos acaba por deixá-la, uma vez que se apercebe que ela é uma mulher sem interesse e porque está apaixonado por Maria Eduarda.

Jacob Cohen: “o respeitado director do banco nacional”, é um financeiro sem escrúpulos, símbolo da lata finança nacional oportunista, que representa a alta finança nacional, e simboliza a burguesia que se encontra em lugares de poder;

Sousa Neto: Por sua vez, é o exemplo de um funcionário da administração pública;

Palma Cavalão: Era o diretor do jornal a “Corneta do Diabo” pratica um jornalismo corrupto;

Dâmaso Salcede: Adepto do “Chique a valer”, Dâmaso representa o novo-riquismo. Andava sempre de volta das mulheres e teve inclusive interesse em Maria Eduarda a amante e irmã de Carlos da Maia que o passara a odiar devido ao seu comportamento e especificamente devido à sua quadrilhice envolta de invenções;
Era baixo, gordo, "frisado como um noivo de província".
Era sobrinho de Guimarães. A ele e ao tio se devem, respetivamente, o início e o fim dos
amores de Carlos e Maria Eduarda.
É dele a carta anónima enviada a Castro Gomes,
que revela o envolvimento de Maria Eduarda com Carlos, e que faz com que Castro Gomes vá ter com Carlos e lhe explique toda a história da Madame Castro Gomes, que afinal era a Madame Mac Gren.
Mesquinho, convencido, provinciano e tacanho.
O seu carácter é tão reles, que se retrata, a si próprio, como um bêbado, numa carta elaborada por Ega na qual afirma que ninguém deve ligar aos seus atos pois está sempre sob o efeito de álcool, só para evitar bater-se em duelo com Carlos.

Steinbroken: Era o ministro da Filândia e também a figura da diplomacia;

Vitorino Cruges: É o representante do talento artístico, foi o maestro que alugou o primeiro andar na rua de S.Francisco a Maria Eduarda.

-Craft: Era o dono da “Toca”, casa que alugou a Carlos durante 1 ano, onde Maria Eduarda e Carlos viveram grande parte do seu romance nessa tranquila casa de campo, faz juz à formação britânica.
Maestro e pianista era amigo de Carlos e íntimo do Ramalhete.
Era demasiado chegado à sua velha mãe. , "um diabo adoidado, maestro, pianista com uma pontinha de génio".
Revela-se desmotivado devido ao meio lisboeta, "Se eu fizesse uma boa ópera, quem é que ma representava".

Sr.Guimarães: Usava largas barbas e um grande chapéu de abas à moda de 1830.
Era amigo de Maria Monforte que lhe confiou um cofre que continha documentos que identificavam a filha, como fazendo parte da família Maia, filha de Pedro da Maia, por sua vez irmã de Carlos. É devido ao Sr.Guimarães transmitir esta informação a Ega, que este descobre que Carlos e Maria Eduarda são irmãos, o que lhes destruirá toda a felicidade que tinham alcançado.

Craft: É uma personagem que representa a formação britânica, o protótipo do que deve ser um homem. Defende a arte pela arte, a arte como idealização do que há de melhor
na natureza.É culto e forte, de hábitos rígidos. Inglês rico e boémio, colecionador "bric-a-brac".

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Nesta obra é narrada a história da família Maia, nunca muito numerosa, são narradas especificamente as últimas três/quatro gerações: Caetano da Maia, Afonso da Maia, Pedro da Maia e Carlos da Maia, cada uma delas proveniente de um contexto histórico-cultural diferente.
Há duas intrigas: a intriga principal, constituída pelo amor incestuoso de Carlos da Maia e
de Maria Eduarda e a intriga secundária que é composta pelo casamento fracassado de Pedro da Maia e de Maria Monforte.
Verifica-se uma articulação entre a intriga principal e a intriga secundária. Ao que a primeira se desenvolve sobre os acontecimentos da segunda: a infelicidade amorosa e a separação dos irmãos.
Sendo que a intriga principal é narrada em alternância com uma série de episódios centrados na vida da sociedade lisboeta da segunda metade do século XIX ainda bastante marcada pelos efeitos do Romantismo.
Especificamente, encontramos a intriga principal nos seguintes acontecimentos: capítulo VI quando Carlos vê pela primeira vez Maria Eduarda, no Hotel Central; no capítulo VIII, quando Carlos faz um passeio, na companhia de Cruges, a Sinta com a intenção de encontrar Maria Eduarda.
É justamente no capítulo XI, que Carlos finalmente conhece Maria Eduarda, que lhe escreve uma carta para que ele na qualidade de médico visite a sua casa, na Rua de S.Francisco, devido à doença de Miss Sara. É no capítulo XII que Carlos declara o seu amor por Maria Eduarda, e a relação incestuosa acaba por acontecer.
Nos capítulos seguintes, nomeadamente XIV a XVII temos: a mudança de Maria Eduarda para a casa de Craft, intitulada pelos irmãos de a ´A Toca`.
E temos neste capítulo a descoberta feita por Carlos, devido à carta feita por Dâmaso a Castro Gomes, o suposto "marido" de Maria Eduarda, que lhe revelou a verdadeira história de Maria Eduarda.
Até que Ega, no capítulo XVII descobre, através do tio de Dâmaso, Sr.Guimarães, que Maria Eduarda e Carlos são irmãos e que o romance que ambos vivem é incestuoso.
Já a intriga secundária concentra-se nos capítulos I e II, nomeadamente o Romance de Pedro e Maria Eduarda, e ao destino trágico de Pedro após ser abandonado pela mulher que fugiu com o italiano, Tancredo.
A intriga apresenta uma dimensão trágica, encontrando-se ao longo da obra indícios claros, como a alusão de Vilaça, ao fatalismo associado ao Ramalhete, no primeiro capítulo.

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A estrutura de Os Maias é desde logo enunciada no título e no subtítulo da obra.
O título remete-nos para a história da família Maia durante três gerações: a de Afonso da Maia, Pedro da Maia e Carlos da Maia, cada uma delas proveniente de um contexto histórico-cultural diferente, focando-se em duas intrigas:

A Intriga principal composta pelos amores incestuosos de Carlos da Maia e Maria Eduarda.

A Intriga Secundária constituída pelo casamento fracassado de Pedro da Maia e Maria Monforte.

Por sua vez o subtítulo, Episódios Da Vida Romântica, remete e aponta para uma ação que põe em evidência os valores desgastados do Romantismo, que segundo o ponto de vista de Eça e de algumas personagens como (Carlos e Ega), que atrofiando a educação, a política, a literatura, as finanças e outros setores, paralisavam o progresso do país.
O subtítulo também nos remete para os episódios que se designam como a crónica de costumes da vida de Lisboa, como: o Jantar no Hotel Central, a Corrida de cavalos, Jantar em casa do conde de Gouvarinho, os episódios dos Jornais: "Corneta do Diabo"e "A Tarde" e o Sarau da Trindade.
Estes alternam-se com a história desta família e retratam a segunda metade do século XIX, bastante marcado pelos efeitos do Romantismo.
Ou seja, apesar de existir uma relação entre a intriga e a crónica de costumes, como acontece no episódio do Jantar do Hotel Central, a crónica de costumes tem autonomia em relação à intriga, trata-se, portanto, de uma ação aberta, enquanto a intriga constituí uma ação fechada.

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Os Maias habitaram em 1875, em Lisboa, o Ramalhete na Rua de S.Francisco de Paula.

A família dos Maias vivia anteriormente numa Quinta em Santa Olávia, nas margens do Douro.

Os Maias eram uma antiga família da Beira, pouco numerosa, agora reduzida a apenas 2 membros: Afonso da Maia e Carlos da Maia, seu neto, que estudava Medicina em Coimbra.

Carlos gostava de luxo, era um rapaz de gosto que passava as suas férias em Paris e Londres, queria abrir um consultório em Lisboa, e como Afonso não se queria afastar do neto, decidiu habitar o Ramalhete, uma casa da família que esteve desabitada durante alguns anos guardava apenas algumas mobílias da casa de Benfica, ao que Vilaça, o procurador da família, se empenhou de resolver toda a papelada.

Para decorar o Ramalhete, Carlos contratou um arquiteto-decorador de Londres.

Quando se formou em Medicina, Carlos fez uma viagem pela Europa.

Afonso via parte do seu rendimento ir para a caridade enternecida, pois cada vez amava mais o que era pobre e fraco.

No Ramalhete, Afonso tinha especial preferência por uma sala com uma chaminé, onde passava muito do seu tempo, acompanhado de livros e do seu gato, “O Reverendo Bonifácio” que se colocava aos seus pés.

Caetano da Maia era o pai de Afonso, um português antigo e fiel.

Caetano expulsou o filho de casa sem mesada e sem bênção, visto que Afonso atirava foguetes à Constituição e andava de chapéu pelas lojas maçónicas, o que bastava para indignar seu pai, que se benzia com Robespierre e que tinha apatia, horror/ódio ao Jacobino, pelo que ter um filho Jacobino era inaceitável. No princípio ainda tentou que o filho mudasse, porém com o apedrejar das vidraças de um legado da Áustria decidiu-se a expulsá-lo.

Caetano limitou-se a expulsar o filho para uma quinta em Santa Olávia, apesar do desconsolo da sua mulher e da sua cunhada a tia Fanny , que ensinava inglês a Afonso.

Uns tempos depois regressou a casa, pediu desculpas ao pai pelo sucedido e pediu-lhe também dinheiro para uma viagem à Inglaterra. O pai perdoou e deu-lhe tudo o que este pediu.

Regressou a Portugal porque o pai tinha morrido subitamente. Foi nessa altura que conheceu Maria Eduarda Runa, casou com ela e teve um filho, Pedro da Maia.

Após a sua casa, em Benfica ser invadida, devido a uma decisão das Cortes Gerais, decidiu exilar-se na Inglaterra com a mulher e o filho.

Meses depois a sua mãe morrera de apoplexia e a tia Fanny foi ter com Afonso.

Maria não era feliz em Inglaterra, era uma verdadeira lisboeta. Só estava alegre de noite quando rezava o terço com as suas criadas portuguesas, no sótão da casa. Não gostava de nada em Inglaterra, por tal não consentia que o seu filho estudasse num colégio em Richmond. Embora Afonso lhe mostrasse que era um colégio católico, Maria não aceitava essa educação para o seu filho, por isso mandou vir de Portugal, para educar o seu filho o Padre Vasques que lhe ensinava latim. Afonso não aceitava esta educação para Pedro e, de vez em quando, levava o filho a correr, a passear pelos campos. Mas a sua mãe, muito protetora, não deixava o filho assim na rua, acostumando-o a uma grande superproteção.

A Tia Fanny morreu e Maria Eduarda frágil com a sua perda e com o lugar onde se encontrava, sentia-se triste. Afonso perante tal situação levou a mulher numa viagem a Itália, porém ela continuava triste, ao que Afonso se viu forçado a regressarem a Portugal, a Benfica.

Pedro crescera e tornara-se nervoso e frágil como a mãe, pouco tinha da força dos Maias, sem curiosidades, espírito crítico, passeios, árvores, natureza..porém esperto e valente.

Maria Eduarda acabou por morrer e Pedro teve momentos de loucura e visitava o túmulo da mãe todos os dias. Porém muito tempo depois, essa lentidão e tristeza de alguns dos seus dias, passaram e Pedro teve um amor como Romeu, apaixonou-se numa troca de olhares feita em frente da porta de Madamme Levaillant, onde dentro de uma caleche estava uma senhora loira, Maria Monforte e o seu pai, Manuel Monforte.

Maria Monforte foi difamada porque o seu pai tinha morto um açoreano à facada, e tinha enriquecido no comando de um brigue, o «Nova Linda», que levava cargas de escravos para o Brasil, Havana e para Nova Orleans. Maria pelo crime que o pai cometera fora apelidada de a «negreira».

A Afonso não lhe agradava Maria Monforte devido ao passado do seu pai, histórias que os seus amigos de whist não hesitaram em contar-lhe.

Pedro pedira autorização ao pai para casar com Maria Monforte, porém o pai não lha concedeu o que fez com que Pedro lhe ficasse com ódio e, no mesmo dia, fez as malas e foi para o Hotel Europa. Afonso soube por Vilaça que o filho tinha casado com Maria Monforte, nessa mesma madrugada, e que planeava uma viagem com a mesma para Itália. Não se falou mais de Pedro, apenas conversas entre dois amigos, Afonso e Vilaça.

Capítulo II

Pedro e Maria casaram às escondidas, sem o consentimento de Afonso da Maia e partem para Itália. Porém, a mulher suspirava por Paris, para onde se mudaram pouco tempo depois, até Maria aparecer grávida. Nessa altura resolveram voltar para Lisboa, mas não sem antes escreverem a Afonso, pai de Pedro, anunciando a sua partida e o nascimento do seu primeiro neto, na esperança de que ele os perdoasse e os recebesse como família. Contudo, quando chegaram a Lisboa, ficaram a saber que Afonso tinha voltado para Santa Olávia, a sua quinta no norte do país, no dia anterior.

Assim, o tempo passou e Maria Eduarda, filha do casal, nasceu. Pedro não informou o seu pai do nascimento da filha, por estar ainda magoado com a atitude dele, mas, quando o seu segundo filho nasce, põe a hipótese de se conciliar com o pai e resolve ir a Santa Olávia apresentar-lhe os netos. Contudo, esta visita foi adiada porque Pedro, numa caçada com os amigos, feriu acidentalmente italiano, Tancredo, que tinha sido condenado à morte e andava fugido. Por isso, Tancredo ficou a restabelecer-se durante muito tempo em casa de Pedro e Maria – tempo suficiente para Maria o conhecer, e se apaixonarem sem ninguém ter conhecimento, até ao dia em que Pedro descobre que ambos fugiram, levando com eles a sua filha, Maria Eduarda.

Pedro decide então procurar consolo junto do pai, que o acolheu, assim como ao seu filho, Carlos, na casa de Benfica, para onde se tinha mudado entretanto. Porém, nesse mesmo dia, Pedro suicida-se ao saber que a mulher o tinha deixado para ir viver com o napolitano e Afonso decide fechar a casa de Benfica, vende-la e muda-se com o seu neto, Carlos, para a quinta de Santa Olávia. Os Maias habitaram em 1875, em Lisboa, o Ramalhete na Rua de S.Francisco de Paula.

A família dos Maias vivia anteriormente numa Quinta em Santa Olávia, nas margens do Douro.

Os Maias eram uma antiga família da Beira, pouco numerosa, agora reduzida a apenas 2 membros: Afonso da Maia e Carlos da Maia, seu neto, que estudava Medicina em Coimbra.

Carlos gostava de luxo, era um rapaz de gosto que passava as suas férias em Paris e Londres, queria abrir um consultório em Lisboa, e como Afonso não se queria afastar do neto, decidiu habitar o Ramalhete, uma casa da família que esteve desabitada durante alguns anos guardava apenas algumas mobílias da casa de Benfica, ao que Vilaça, o procurador da família, se empenhou de resolver toda a papelada.

Para decorar o Ramalhete, Carlos contratou um arquiteto-decorador de Londres.

Quando se formou em Medicina, Carlos fez uma viagem pela Europa.

Afonso via parte do seu rendimento ir para a caridade enternecida, pois cada vez amava mais o que era pobre e fraco.

No Ramalhete, Afonso tinha especial preferência por uma sala com uma chaminé, onde passava muito do seu tempo, acompanhado de livros e do seu gato, “O Reverendo Bonifácio” que se colocava aos seus pés.

Caetano da Maia era o pai de Afonso, um português antigo e fiel.

Caetano expulsou o filho de casa sem mesada e sem bênção, visto que Afonso atirava foguetes à Constituição e andava de chapéu pelas lojas maçónicas, o que bastava para indignar seu pai, que se benzia com Robespierre e que tinha apatia, horror/ódio ao Jacobino, pelo que ter um filho Jacobino era inaceitável. No princípio ainda tentou que o filho mudasse, porém com o apedrejar das vidraças de um legado da Áustria decidiu-se a expulsá-lo.

Caetano limitou-se a expulsar o filho para uma quinta em Santa Olávia, apesar do desconsolo da sua mulher e da sua cunhada a tia Fanny , que ensinava inglês a Afonso.

Uns tempos depois regressou a casa, pediu desculpas ao pai pelo sucedido e pediu-lhe também dinheiro para uma viagem à Inglaterra. O pai perdoou e deu-lhe tudo o que este pediu.

Regressou a Portugal porque o pai tinha morrido subitamente. Foi nessa altura que conheceu Maria Eduarda Runa, casou com ela e teve um filho, Pedro da Maia.

Após a sua casa, em Benfica ser invadida, devido a uma decisão das Cortes Gerais, decidiu exilar-se na Inglaterra com a mulher e o filho.

Meses depois a sua mãe morrera de apoplexia e a tia Fanny foi ter com Afonso.

Maria não era feliz em Inglaterra, era uma verdadeira lisboeta. Só estava alegre de noite quando rezava o terço com as suas criadas portuguesas, no sótão da casa. Não gostava de nada em Inglaterra, por tal não consentia que o seu filho estudasse num colégio em Richmond. Embora Afonso lhe mostrasse que era um colégio católico, Maria não aceitava essa educação para o seu filho, por isso mandou vir de Portugal, para educar o seu filho o Padre Vasques que lhe ensinava latim. Afonso não aceitava esta educação para Pedro e, de vez em quando, levava o filho a correr, a passear pelos campos. Mas a sua mãe, muito protetora, não deixava o filho assim na rua, acostumando-o a uma grande superproteção.

A Tia Fanny morreu e Maria Eduarda frágil com a sua perda e com o lugar onde se encontrava, sentia-se triste. Afonso perante tal situação levou a mulher numa viagem a Itália, porém ela continuava triste, ao que Afonso se viu forçado a regressarem a Portugal, a Benfica.

Pedro crescera e tornara-se nervoso e frágil como a mãe, pouco tinha da força dos Maias, sem curiosidades, espírito crítico, passeios, árvores, natureza..porém esperto e valente.

Maria Eduarda acabou por morrer e Pedro teve momentos de loucura e visitava o túmulo da mãe todos os dias. Porém muito tempo depois, essa lentidão e tristeza de alguns dos seus dias, passaram e Pedro teve um amor como Romeu, apaixonou-se numa troca de olhares feita em frente da porta de Madamme Levaillant, onde dentro de uma caleche estava uma senhora loira, Maria Eduarda e o seu pai, Manuel Monforte.

Maria Eduarda foi difamada porque o seu pai tinha morto um açoreano à facada, e tinha enriquecido no comando de um brigue, o «Nova Linda», que levava cargas de escravos para o Brasil, Havana e para Nova Orleans. Maria pelo crime que o pai cometera fora apelidada de a «negreira».

A Afonso não lhe agradava Maria Eduarda devido ao passado do seu pai, histórias que os seus amigos de whist não hesitaram em contar-lhe.

Pedro pedira autorização ao pai para casar com Maria Eduarda, porém o pai não lha concedeu o que fez com que Pedro lhe ficasse com ódio e, no mesmo dia, fez as malas e foi para o Hotel Europa. Afonso soube por Vilaça que o filho tinha casado com Maria Eduarda, nessa mesma madrugada, e que planeava uma viagem com a mesma para Itália. Não se falou mais de Pedro, apenas conversas entre dois amigos, Afonso e Vilaça.

Capítulo II

Pedro e Maria casaram às escondidas, sem o consentimento de Afonso da Maia e partem para Itália. Porém, a mulher suspirava por Paris, para onde se mudaram pouco tempo depois, até Maria aparecer grávida. Nessa altura resolveram voltar para Lisboa, mas não sem antes escreverem a Afonso, pai de Pedro, anunciando a sua partida e o nascimento do seu primeiro neto, na esperança de que ele os perdoasse e os recebesse como família. Contudo, quando chegaram a Lisboa, ficaram a saber que Afonso tinha voltado para Santa Olávia, a sua quinta no norte do país, no dia anterior.

Assim, o tempo passou e Maria Eduarda, filha do casal, nasceu. Pedro não informou o seu pai do nascimento da filha, por estar ainda magoado com a atitude dele, mas, quando o seu segundo filho nasce, põe a hipótese de se conciliar com o pai e resolve ir a Santa Olávia apresentar-lhe os netos. Contudo, esta visita foi adiada porque Pedro, numa caçada com os amigos, feriu acidentalmente italiano, Tancredo, que tinha sido condenado à morte e andava fugido. Por isso, Tancredo ficou a restabelecer-se durante muito tempo em casa de Pedro e Maria – tempo suficiente para Maria o conhecer, e se apaixonarem sem ninguém ter conhecimento, até ao dia em que Pedro descobre que ambos fugiram, levando com eles a sua filha, Maria Eduarda.

Pedro decide então procurar consolo junto do pai, que o acolheu, assim como ao seu filho, Carlos, na casa de Benfica, para onde se tinha mudado entretanto. Porém, nesse mesmo dia, Pedro suicida-se ao saber que a mulher o tinha deixado para ir viver com o napolitano e Afonso decide fechar a casa de Benfica, vende-la e muda-se com o seu neto, Carlos, para a quinta de Santa Olávia.

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O Naturalismo afirma-se sobre bases ideológicas mais precisas do
que o Realismo, de matriz positivista, a estética naturalista é positivista e antimetafísica, cultivando a crença em leis naturais que regem a sociedade e os comportamentos humanos.
O determinismo constitui uma outra referência importante para o Naturalismo, na medida em que conduz à valorização de condicionamentos como a hereditariedade ou a influência dos ambientes e da educação, por força da ação conjugada dos três fatores fundamentais que são: a raça, o meio e o momento histórico.
Movimento estético-literário da segunda metade do século XIX, estreitamente relacionado com o Realismo, de que retoma a necessidade da observação objetiva da realidade e as preocupações socioculturais, acentuando, contudo, os seus pressupostos ideológicos e científicos.
O Naturalismo relaciona-se intimamente com as transformações sociais e as novas correntes filosóficas e científicas do século XIX: o positivismo de Augusto Comte (1798-1857), teoria sociológica que defendia a necessidade da tomada de consciência das relações entre o indivíduo e a sociedade como condição para o progresso civilizacional; o determinismo de Hippolyte Taine (1828-1893), segundo o qual a obra era produto das influências da raça, do meio e do momento histórico; o experimentalismo de Claude Bernard (1813-1878).
Estas doutrinas foram aplicadas à literatura pelo romancista francês Émile Zola (1840-1902), que expôs, na coletânea de artigos Le Roman expérimental (1880), a teoria do romance naturalista, concretizando-a nos vinte volumes da série Les Rougon-Macquart. Segundo Zola, o romance deveria explicar a decadência social mediante a demonstração de teses científicas.
A receção crítica da teoria naturalista de Zola fez-se em Portugal por intermédio de autores como Júlio Lourenço Pinto (1842-1907), José António dos Reis Dâmaso (1850-1895), António José da Silva Pinto (1848-1911) e Alexandre da Conceição (1842-1889).
Esses, e outros como Teixeira de Queirós (1848-1919), autor das séries Comédia do Campo e Comédia Burguesa, Abel Botelho (1854-1917), criador do políptico Patologia Social, ou Carlos Malheiro Dias (1875-1941) tentariam a aplicação do Naturalismo ao conto e ao romance.
Mais complexo é o caso de Eça de Queirós (1845-1900), que em 1871 profere a conferência "O Realismo como nova expressão da Arte", com claras influências da doutrina de Zola e sobretudo do determinismo de Taine, e a dado momento se aproxima do autor de Le Roman expérimental ao orientar o romance para uma atitude científica e objetiva, mas acaba por se demarcar do Realismo-Naturalismo, constituindo um caso único na nossa literatura.

Adaptado do Manual de Literatura e Infopédia

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Foi um movimento artístico que emergiu em meados do século XIX que privilegiava a observação e a análise de tipos humanos e de costumes sociais.
O Realismo é um período literário que adota uma atitude genericamente descritiva e crítica em relação à sociedade do seu tempo, estabelece-se pela vigência de dominantes ideológicas de propensão materialista, fazendo-se cumprir pelo privilégio de temas de alcance coletivo, inseridos no contemporâneo do escritor e selecionados em obediência a critérios de verosimilhança.
O Realismo centra-se em temas da vida familiar, económica, cultural e social, trata de sentidos temáticos que atestam mudanças de uma sociedade de concentração urbana, mas mais intensa, industrializada, proletarizada e também atingida por desequilíbrios económicos e sociais.
O Realismo adota estratégias literárias específicas como é a narrativa que se ajusta a esses propósitos, nela a articulação de movimentos de narração com movimentos descritivos que alteram a representação da ação, com implicações sociais, com descrições do espaço em que essa decorre.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa

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A "geração de 70" foi um encontro de jovens nascidos em cerca de 1845 que se encontram unidos em volta de aspirações comuns produzindo obras significativas e importantes da cultura e Literatura Portuguesa.
Antero era um homem de educação católica e de família conservadora, de carácter profundamente religioso que sofreu ao encontrar-se num meio onde punham em causa a sua crença tradicional.
A perda da crença desencadeou nele um movimento intelectual e moral que encontrou adesão entre os estudantes mais curiosos ou mais lidos.
Crente na razão e na justiça, como o tinha sido na fé, pôs em questão a sociedade, a literatura, a academia, ou seja foi um incentivo por onde a teoria da história se popularizou entre os estudantes. Promoveu manifestações e associações contra o foro académico e publicou em 1865 uma obra intitulada Odes Modernas, em cujo prefácio declara que "a Poesia é a voz da Revolução", é portanto um mensageiro do futuro. Um dos seus acompanhantes foi Teófilo Braga que publicara em 1864 um livro antilírico inspirado na obra Légende des sciècles de Vítor Higo.
Tendo estes dois livros sido intitulados com o nome da "escola coimbrã" por António Feliciano de Castilho que foi considerado "o último sobrevivente da primeira geração romântica" e atuava como public relations de jovens escritores ambiciosos, como Tomás Ribeiro e Pinheiro Chagas.
Castilho escreveu um posfácio para o Poema da Mocidade, deste último, em que procura ironizar sobre o que ele alcunhava de "escola coimbrã", jovens escritores que escreviam com intencional obscuridade sobre temas que nada tinham de poético. Antero de Quental respondeu-lhe num folheto intitulado Bom Senso e Bom Gosto. Um texto de eloquência tribunícia que apesar de clássico e de uma gravidade quase religiosa.
"Antero vê no poeta um missionário do ideal e faz o contraste fácil entre os grandes temas políticos, sociais, científicos, religiosos que se debatem na Europa e as infantilidades de que se ocupam os poetas portugueses contemporâneos."
A polémica deu que falar porque feria suscetibilidades e nela intervieram vários escritores influentes como: Ramalho Ortigão, Camilo, Pinheiro Chagas, tendo Antero sido consagrado como o líder da sua geração literária, confirmado com a iniciativa das Conferências Democráticas do Casino, em Lisboa. Na base havia uma o Cenáculo que reunia há volta de Antero alguns antigos participantes do grupo coimbrão, como Eça de Queirós, Ramalho Ortigão, Oliveira Martins, entre outros..
Sendo estes três escritores quase todos da mesma idade e tiveram no Cenáculo um grupo de aprendizagem mútua, reagindo a leituras comuns, acontecimentos marcantes, dos quais o principal foi a revolução e derrota da Comuna de Paris em 1871.
A partir do ano seguinte cada um deles seguiu o seu caminho e conservou sempre uma ligação afetiva e intelectual, ajudando-se mutuamente nos seus projetos.

Adaptado do Manual de Literatura, "Viagens"

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As Conferências Democráticas do Casino Lisbonense foram uma série de conferências levadas a público em Lisboa, por iniciativa do grupo do Cenáculo (pertencentes à Geração de 70).
Ao que nestas Conferências os autores apresentavam propostas nas áreas política, económica, literária e religiosa, com o objetivo de transformar Portugal num país mais desenvolvido.
Eça participou com o texto "Realismo como nova expressão da arte", na 4ªConferência.

A conferência inaugural, intitulada "O espírito das conferências", foi proferida por Antero de Quental, que afirmou a necessidade de regenerar Portugal "pela educação da inteligência e pelo fortalecimento da consciência dos indivíduos";

Na segunda conferência, o mesmo Antero analisou as "Causas da decadência dos povos peninsulares", que, na sua opinião, correspondiam ao catolicismo pós-tridentino, que impôs o obscurantismo à centralização política das monarquias absolutas, que determinou o aniquilamento das liberdades locais e individuais, e à política expansionista ultramarina, que impediu o desenvolvimento da pequena burguesia;

A terceira conferência, intitulada "A literatura portuguesa", foi pronunciada por Augusto Soromenho, que denunciou a decadência da literatura portuguesa e defendeu a necessidade de "dar por base à educação a moral, o dever, do que aproveitará a literatura";

A quarta conferência, "A Nova Literatura (O Realismo como nova expressão da Arte)", foi proferida por Eça de Queirós, que aí lançou os fundamentos da sua conceção de Realismo, influenciada por Flaubert, Proudhon e Taine;

A quinta conferência coube a Adolfo Coelho, que avançou algumas propostas revolucionárias para a reorganização do ensino em Portugal, a mais importante das quais consistia na "separação completa do estado e da igreja".

As conferências foram interrompidas antes da sexta, que seria dita por Salomão Sáragga e que versaria sobre os críticos históricos de Jesus, por portaria ministerial do Marquês de Ávila e Bolama, onde se alegava que nas conferências se tinham sustentado "doutrinas e proposições que atacam a religião e as instituições políticas do estado".
Os conferencistas reagiram contra a proibição com um protesto público, com o qual se solidarizaram vários intelectuais, como Alexandre Herculano, que acudiram em defesa da liberdade de expressão.

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O Romantismo da segunda metade do século XIX  começou a revelar um desgaste de temas e formas. Era uma literatura baseada numa sensibilidade piegas, o que tinha o nome de ultrarromantismo, que não tinha em conta as correntes científicas e filosóficas.
Esta sensibilidade de António Feliciano de Castilho que atraía e irradiava a sua influência literária e atraía a simpatia de escritores que o consideravam como um mestre.
Contra esta escola insurgiu a de Coimbra, liderada por Antero de Quental, por volta de 1865, que se estava a formar na Universidade, desta confrontação surgiu a célebre "Questão Coimbrã" que marcou o 1ºmomento na substituição do Romantismo pelo Realismo. Esta questão tinha como objetivo atacar António Feliciano Castilho, que era considerado o mestre da Literatura, sem originalidade, sem ideias, apontando um novo caminho que defendia a inovação e um maior comprometimento da Literatura com as realidades sociais.
O segundo momento da substituição do Romantismo pelo Realismo esteve relacionado com a Geração de 70, que dava continuidade ao movimento iniciado pela "Questão Coimbrã" à frente do qual se mantinha o líder, Antero de Quental, acompanhado por Ramalho Ortigão, Oliveira Martins, Guerra Junqueiro, Teófilo Braga e Eça de Queirós.

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José Maria Eça de Queirós nasceu no dia 25 de novembro de 1845, na Póvoa de Varzim. Foi registado a pedido da mãe Carolina Augusta Pereira apenas com o nome do pai o juiz José Maria De Almeida Teixeira de Queiroz, e como filho de mãe incógnita, visto que esta não se queria casar.
Foi criado por uma ama em Vila do Conde e, posteriormente, foi viver com os avós paternos para Aveiro, local onde viveu até aos seus 10 anos de idade.
Aos 10 anos foi para o Porto, cidade onde os seus pais viviam. Estudou no Colégio da Lapa, onde conheceu Ramalho Ortigão, seu futuro amigo e confidente.
Licenciou-se em Direito, na Universidade de Coimbra, onde se tornou amigo de Antero de Quental e onde publicou os seus primeiros trabalhos.
Viveu em Lisboa com a família, os pais e os seus 6 irmãos, e começou a escrever folhetins.
Foi diretor do jornal O Distrito de Évora e principal redator do mesmo, este foi um jornal onde eram publicados textos de cariz político.
Realizou uma viagem ao Oriente, como correspondente do Diário Nacional, em companhia de D.Luís de Castro.
Foi nomeado administrador do Concelho de Leiria em 1870, onde conheceu a realidade da vida de um funcionário público.
Foi diplomata em Havana, posteriormente em Newcastle e Bristol, finalmente, em Paris, Eça exerceu durante vários anos funções diplomáticas.
Casou com 40 anos com Maria Emília de Castro Pamplona, irmã dos Condes de Resende, amigos de Ega desde o Colégio da Lapa, no Porto. Tiveram 3 filhos.
Eça integrou o grupo literário: "Vencidos da Vida", um grupo de intelectuais que esteve ligado à Geração de 70 e que renunciou às aspirações da juventude. O grupo reunia-se semanalmente para conviver.
Foi autor de diversos livros como: Os Maias, A Relíquia, O Crime do Padre Amaro.
Morreu a 16 de agosto em sua casa em Neuilly-sur-Seine, perto de Paris, com 56 anos.

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Acerca do Padlet tenho a dizer que se trata de uma plataforma online que facilita imenso a consolidação das matérias lecionadas, mercê da organização que nos proporciona, o que facilita e torna mais simples o estudo das matérias e o seu aprofundamento. É uma excelente alternativa para aqueles que gostam de estudar via Internet.
Para mim é bastante benéfico porque me ajuda a organizar e a ter uma noção de todos os conteúdos que aprendi.

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É uma obra escrita no século XIX em que estamos perante uma ascensão da burguesia superior a uma mudança de valores.
Já na obra Amor de Perdição está representada a mudança de valores sociais, através da atuação das personagens.

Província: espaço rural atrasado; valores tradicionais.

Lisboa: a capital moderna, marcada pelas hierarquias sociais.

Patriarcalismo português.

Sociedade regida por códigos fúteis.

Conflitos entre famílias.

Clausura dos jovens para resolução dos conflitos.

Crítica à devassidão presente nos conventos.

Influência negativa da classe clerical.

Justiça condicionada pela influência dos poderosos.

Visão do povo: atuação parcial da justiça.

Influência dos ideais da Revolução Francesa.

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Em geral: o diálogo é marcado pela retórica sentimental e pela nobreza trágica, em algumas situações.

Escassas descrições.

Predomínio da narração e do diálogo.

Progressão rápida e lógica das cenas dramáticas para a catástrofe.

Diálogo: vivo e espontâneo, nas intervenções das
personagens do povo;

Diálogo convencional e esmerado, quando falam os nobres.

Rapidez de peripécias, lances de movimento, em jeito de reportagem direta.

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O herói romântico e as heroínas românticas

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O herói romântico e as heroínas românticas

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O herói romântico (Simão Botelho) destaca-se a nível social, moral e físico, porque a sua atuação se pauta pela afirmação de direitos fundamentais do ser humano (os ideais revolucionários: liberdade, igualdade e fraternidade).

Luta pela liberdade do ser humano: ideais jacobinos.

Rebeldia na busca desses ideais.

Busca do absoluto no âmbito amoroso.

Defesa incondicional da honra.

Força anímica na superação de barreiras e interdições.

Egocentrismo; destruição física e moral que conduz à destruição dos outros.

Características principais do herói romântico:

Busca do absoluto;

Vivência de comportamentos de rebeldia;

Força anímica na superação (ou tentativa de superação) de barreiras e interdições de
vária ordem;

Idealismo: individualismo e
egocentrismo;

Persistência na busca ideais: desilusão ou destruição por não alcançar os seus
ideais.

Tem um estatuto nobre;

É dotado de sentimentos fortes:

Antes de amar: era rebelde, marginal e violento;

Ao amar (amor-paixão): Torna-se apaixonado, sincero, fiel, obstinado na defesa da sua honra de amante perseguido, excessivo no amor e no ódio;

Demonstra ter uma veia poética (cartas escritas na prisão);

Morre por amor e dá-se uma transformação pela paixão.

As heroínas românticas (Teresa de Albuquerque e Mariana da Cruz):

Teresa Albuquerque:

Detém o estatuto nobre;

É uma jovem, pura e frágil (mulher-anjo);

Detém tal como Simão sentimentos fortes: amor-paixão (vive o amor intensamente e morre de amor);

Obstinada na recusa de aceitar a autoridade paterna.

Mariana da Cruz:

Revela ter uma grande nobreza de sentimentos, visto que sofre em silêncio por amor, que não é correspondido;

Revela abnegação, generosidade e dedicação.

Revela indiferença em relação à sociedade;

Morre por amor, ao cometer suicídio.

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Nesta obra, há uma coincidência com a vida do autor: é certo que a obra de Camilo e a sua vida foram lidas uma em função da outra, como reforço mútuo.

A novela passional é originada pelo clima emocional da época que foi absorvido pelo mundo novelístico de Camilo e nessa atmosfera satura de paixão e lágrimas, de grandezas e misérias, as personagens movem-se, tal como acontece com o seu criador, não só por impulsos próprios, mas também pela estimulação do meio em que vivem.

O personagem principal desta obra é Simão Botelho que acabou por ser degredado para a Índia, após ser acusado por delitos amorosos.
É uma obra-prima da ficção de língua portuguesa parece ter encontrado na tragédia Romeu e Julieta, de Shakespeare, uma referência marcante da novela passional de Camilo.
O romance reúne, em elementos típicos que têm raízes na cultura portuguesa, particularmente na sua expressão literária, desde épocas remotas.

Dois quartos da novela constam de uma lenta narração sobre o romance entre Simão Botelho e Teresa de Albuquerque, a separação do casal por rixas familiares, a obstinação de Teresa mantendo-se fiel a Simão, não cedendo à insistência do pai, Tadeu de Albuquerque, em casá-la com o seu primo Baltasar Coutinho.

Por outro lado, Simão é estudante em Coimbra e regressa a Viseu com a intenção de visitar e resgatar Teresa, que está presa num  convento por, aparentemente, sua teimosia, na medida em que rejeitou sempre às imposições de seu pai relativamente ao casamento com Baltasar Coutinho, devido ao conflito existente entre as duas famílias. Simão inclusive também não conta com o apoio de sua própria família, mantém-se escondido na casa de João da Cruz, um ferrador. Contando com a cumplicidade do ferrador e da filha Mariana, o jovem está a salvo. Mariana apaixona-se pelo hóspede e auxilia-o de todas as formas, no sentido de que comunique com a amada Teresa.

O capítulo X é considerado o clímax da narrativa: é especialmente quando se dá a morte de Baltasar Coutinho, primo de Teresa. Simão Botelho tenta encontrar-se com Teresa, aquando da mudança do convento de Viseu para Monchique. Baltasar provocou Simão e Simão já tinha a intenção de o matar e realizou a sua ideia.

Do capítulo XI em diante, prepara-se o desenlace trágico.
Simão é preso na cadeia da Relação, no Porto, foi determinado e corajoso até ao fim, nunca deixou de afirmar o crime que cometera, independentemente, do seu pai ser corregedor e de o poder ajudar a atenuar a pena, Simão nunca o aceitou e sempre afirmou o que cometera.
Teresa é mantida enclausurada no convento de Monchique, enquanto que Simão é julgado e condenado à morte na forca, passando os dias que lhe restam em desespero, tendo a seu lado a fiel companhia de Mariana, uma mulher do povo, muito nobre de sentimentos pois ama Simão e não desiste nunca dele, e nunca revela a sua paixão, acaba por sofrer em silêncio e por ser a intermediária do amor entre Simão e Teresa.
Domingos Botelho, pai de Simão, é corregedor e no início nega-se a auxiliar o filho e só o faz tardiamente, quando então consegue comutação da pena e um degredo para a Índia, durante 10 anos.

O final trágico dá-se na partida de Simão para o exílio, onde Teresa assiste do mirante do convento à passagem do navio que leva Simão para a Índia e vem a falecer, aquando da sua passagem, pois não resistiu à perda do seu grande amor, tal como se sucedeu a Simão que acabou por não resistir à dor de perder a amada e também morre, a bordo do navio, uns dias depois. Mariana perante a morte de Simão acaba por pôr termo à sua vida, suicidando-se, abraçada ao cadáver de Simão, que já tinha sido lançado ao mar.

Ação:
A ação é considerada fechada, pois o público é informado sobre o destino final das personagens centrais (Simão, Teresa e Mariana). Sendo a ação formada, a partir de uma sucessão de sequências narrativas, ligadas por casualidade. Contudo os acontecimentos posteriores são sempre uma consequência dos anteriores, encadeamento.

Características das Personagens:
Esta obra apresenta características hereditárias psíquicas e fisionómicas (anúncio do realismo): “génio sanguinário”;

após a visão de Teresa, Simão transforma-se: distancia-se da ralé de Viseu, torna-se caseiro, cumpre os seus deveres de estudante, passeia pelo campo, procura o espaço natural, em detrimento do espaço social, características românticas.

quando Teresa é obrigada a sair da janela de seu quarto, local onde observava Simão e, posteriormente, quando lhe comunicava o desejo de seu pai, relativamente ao casamento dela e do seu primo Baltasar,  Simão revela-se de novo rebelde. A par desta faceta, irá porém surgir uma outra: a sua nobreza de alma manifesta-se no momento em que deseja poupar um dos criados de Baltasar, que tentara matar Simão, pelo facto de o homem se encontrar ferido.

surge, entretanto, mais outra faceta de Simão: a de poeta, que se manifesta nas cartas que escreve a Teresa

o seu sentimento exacerbado de honra é notável e manifesta-se pelo facto de Simão enfrentar sempre aqueles que se lhes opõem, por se ter negado a fugir, após ter assassinado Baltasar, em sua legítima defesa, e ainda por recusar a ajuda da sua família, aceitando a sua condenação à forca e, depois, o degredo para a Índia. O seu código de honra conduzi-lo-á, em última análise, à sua tragédia. Este sentimento valer-lhe-á a admiração de personagens como João da Cruz e ainda daquelas que se situam numa esfera social marcada por valores conservadores, como é o caso do desembargador Mourão Mosqueira;

o sentimento de dignidade é, por outro lado, inseparável da possibilidade de realização do seu amor, sendo assim que Simão não acede ao pedido de Teresa, para que cumpra os dez anos de pena, em Portugal, na cadeia, afirmando: “Quero ver o céu no meu último olhar, não me peças que aceite dez anos de prisão. Tu não sabes o que é a liberdade cativa dez anos! Não compreendes a tortura dos meus vinte meses.” Com efeito, para Simão o amor associa-se à liberdade e à sua integridade pessoal.

Tempo: A ação decorre entre os finais do século XVIII e inícios do século XIX;

O discurso é linear, ou seja, o narrador segue a ordem cronológica dos acontecimentos, contudo há uma analepse quando João da Cruz conta como matou o almocreve.

Conotação simbólica do tempo:
• Simão morre ao amanhecer depois de um formoso dia de primavera que se seguiu de vários dias de tempestade.
• A primavera e a manhã estão conotados com a luz, com a pureza de um tempo, ainda libertos da corrupção. Trata-se de um momento de promessa e felicidade;
• O caos é relacionado com a escuridão e a morte.

Narrador: Surge como uma personagem viva, o narrador intervém na história através de comentários, interrompendo o relato para tecer considerações pessoais e também para apresentar ao leitor os vários períodos temporais de uma forma organizada e alternada, surgindo o seu discurso num discurso paralelo ao contado. Sendo o leitor instituído como instância através do diálogo interpessoal.
Domina completamente os acontecimentos.
Afirma-se como voz da verdade e condiciona o leitor a aceitar os acontecimentos que lhe dirige.

Focalização omnisciente: o narrador domina por completo acontecimentos, conhecimento que lhe foi proporcionado por diversas fontes.

Focalização interna: como se de outra personagem se tratasse, comprovado pelo diálogo com o leitor e pela recorrência a notas de rodapé.

O entrecruzar dos discursos: o leitor é instituído como instância do discurso através do diálogo interpessoal que o narrador estabelece no presente da enunciação.

O papel do leitor: o leitor é instituído como instância do discurso através do diálogo
interpessoal que o narrador estabelece no presente da enunciação.

O narrador-personagem: o narrador surge como personagem viva no texto, intervém na história e a presenta os vários períodos
temporais de forma organizada e
alternada, surgindo num discurso paralelo ao contado, presentificando-se como sujeito concreto.

As funções da relação entre o narrador e o leitor:

afirmando-se como voz da verdade, o narrador condiciona o leitor a aceitar os acontecimentos e as teses que lhe dirige;

mostra-lhe a sua aproximação do objeto narrado e cria um efeito de real ao assumir
que o objeto da sua narrativa é a história da sua própria família.

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Amor de Perdição é uma das obras mais conhecidas de Camilo Castelo Branco.
A sua elaboração surgiu aquando da sua permanência na cadeia da relação do Porto, no ano de 1862, num momento em que Camilo conferiu os registos de entrada da Cadeia da Relação, quando Camilo encontrou o nome de seu tio, Simão Botelho que tinha sido degredado para a Índia.
A obra foi realizada em apenas 15 dias e retrata a história vivida entre Simão Botelho e a sua amada, Teresa Albuquerque.
A história de Simão resume-se na seguinte frase: "Amou, perdeu-se e morreu amando". Trata-se de uma história trágica de amor e ódio que termina na perdição e na morte tanto de Simão, como Teresa e Mariana vítimas de ódio e repressão.

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Camilo Ferreira Botelho Castelo Branco nasceu a 16 de março de 1825, em Lisboa, e suicidou-se a 1 de junho de 1890 em S. Miguel de Seide, Famalicão.
Órfão de mãe aos dois anos e de pai aos nove, passou, a partir desta idade, a viver em Vila Real com uma tia paterna. Aos 16 anos, casou-se com Joaquina Pereira, em Friúme, Ribeira de Pena.
Em 1845, estreou-se na poesia e no ano seguinte no teatro e também no jornalismo - atividade, aliás, que nunca abandonaria.
De 1849 a 1851 consolidou a sua atividade jornalística, retomou o teatro, estreou-se no romance com Anátema (1851), conheceu a alta-roda portuense bem como os meios boémios e foi protagonista de aventuras romanescas.
em 1855 tornou-se o redator principal de O Porto e de Carta. Nessa altura, o seu nome começava a soar nos meios jornalísticos e literários do Porto e de Lisboa: já alimentara várias polémicas e publicara alguns romances. Mas foi a partir de 1856 que atingiu a maturidade literária (no domínio dos processos de escrita) com o romance (por alguns autores considerado novela) Onde Está a Felicidade?
Foi ainda neste ano que iniciou o relacionamento amoroso com Ana Plácido, casada desde 1850 com Manuel Pinheiro Alves.
A partir de 1881, agravaram-se os padecimentos, incluindo a doença dos olhos que o afetava. Em 1889, por ocasião do seu aniversário, foi objeto de calorosa homenagem de escritores, artistas e estudantes, promovida por João de Deus. No ano seguinte, já cego, impossibilitado de escrever (a escrita foi, no fim de contas, a sua grande paixão), suicidou-se com um tiro de revólver.

Bibliografia:

As suas obras principais são: A Filha do Arcediago, 1855; Onde está a Felicidade?, 1856; Vingança, 1858; O Romance dum Homem Rico, 1861; Amor de Perdição, 1862; Memórias do Cárcere, 1862; O Bem e o Mal, 1863; Vinte Horas de Liteira, 1864; A Queda dum Anjo, 1865; O Retrato de Ricardina, 1868; A Mulher Fatal, 1870; O Regicida, 1874; Novelas do Minho, 1875-1877; Eusébio Macário, 1879; A Brasileira de Prazins, 1882.

Além destas obras em prosa narrativa, assinale-se ainda os outros géneros (ou domínios) pelos quais se repartiu o labor de Camilo: poesia, teatro (de que se devem destacar O Morgado de Fafe em Lisboa, 1861, e O Morgado de Fafe Amoroso, 1865), dezenas de traduções (do francês e do inglês), polémica, prefácios, biografia, história, crítica literária, jornalismo e epistolografia (compreendendo mais de duas mil cartas).

https://www.infopedia.pt/$camilo-castelo-branco

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Os exageros do Romantismo, ideologicamente, levaram a um movimento que ficou conhecido com a designação de Ultrarromantismo, que se prolonga até à Questão Coimbrã. Teófilo Braga empregou esta expressão para designar uma poesia inspirada na Idade Média romântica, mas restringe o seu sentido. Castilho avança mais significativamente nesta escola, mas nem Garrett nem Herculano fogem ao sortilégio do exagero, embora considerados românticos.
O Ultrarromantismo assinala um forte desequilíbrio no domínio do pensamento. Manifesta um predomínio da emoção, da exaltação do espírito, da melancolia que leva ao tédio da vida e, consequentemente, ao desejo da morte, ao fatalismo. A natureza é triste e vai até ao tétrico, ao macabro, com fantasmas, sepulturas, ajustando-se ao estado de alma do poeta. Afirma-se o gosto pelo melodrama tão longe do equilíbrio do drama romântico.
Assiste-se a um excesso de sentimentalismo e as poesias são enfadonhas, de horizontes limitados. Aqui e ali há uma certa religiosidade ligada, muitas vezes, à magia, à crença num regresso das almas a este mundo. O medievalismo leva ao predomínio de uma poesia de carácter popular mais espontânea e de gosto arcaizante: as xácaras, os solaus, as trovas, as cantilenas. O vocabulário é rebuscado, com termos eruditos (cerúleo, purpúreo, hircano, gemebundo, carme...), mas pobre, com um acentuado preciosismo de linguagem encostada aos clássicos e, por isso, sublime, embora o Parnasianismo desponte em poemas de inspiração exótica (Agar de Soares de Passos, O Festim de Baltasar de João de Lemos). A sintaxe é pobre, afetiva, de tipo feminino, com anacolutos, exclamações, reticências. Abundam as metáforas. A versificação é monótona. Poeta significativamente ultrarromântico é Soares de Passos, com influência de vários autores nacionais e estrangeiros, estes evidentes na majestade do poema O Firmamento, rico de inspiração científica e metafísica.

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Personagens e caracterização, através de excertos, espaço, tempo e nacionalismo de "A Abóbada"

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Personagens e caracterização, através de excertos, espaço, tempo e nacionalismo de "A Abóbada"

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Mestre Afonso Domingues: Personagem histórica, responsável pelas obras do Mosteiro da Batalha entre 1388 e 1402.
Características do Mestre Afonso Domingues: " Assentado sobre um troço de fuste (...) via-se um velho, venerável de aspeto (...) uma comprida barba branca (...). A luz dos olhos tinha-lha de todo apagado a velhice; (...) e porque ceguei (...)."

Era, portanto, um velho, com barba branca comprida e cego.

" – Estais mui perturbado pela paixão, mestre Afonso (...) por isso menoscabais mestre Ouguet, que era, talvez, o único homem que aí havia capaz de vos substituir. Quanto a vós, pensaram os do conselho de el rei que deviam propor lhe vos desse repouso e honrado sustentamento para os cansados dias."

Tem uma relação próxima com D.João I;

Tem uma relação antagónica com Mestre Ouguet.

" Ninguém teve em mente ofender o mais sabedor e experto arquitecto de Portugal, cuja memória será eterna e nunca ofuscada (...) Mestre Ouguet (...) se Afonso Domingues for capaz de tornar a erguer e deixá-la firme, concluirei daí que vale mais o cego que o limpo de vista (...) Mestre Afonso, assentado sobre a pedra fria, nem sequer cedera às rogativas (...) Tudo recusou o cego: a sua resolução era inabalável (...) As últimas palavras do mestre foram estas: «A abóbada não caiu... a abóbada não cairá»"

Revela sabedoria e eloquência;

Revela qualidades morais e patrióticas;

Demonstra coragem, honestidade e determinação;

Mostra-se indignado e sente ressentimento perante a sua substituição;

É reconhecido após a conclusão do projeto.

Mestre Ouguet: Uma personagem histórica, um arquiteto irlandês protegido da rainha.
Características do Mestre Ouguet: "David Ouguet era um irlandês, homem mediano em quase tudo; em idade, em estatura, em capacidade e em gordura, salvo na barriga (...)."

Era um homem mediano;

Com um comportamento duvidoso;

Era arrogante, calculista e presumido;

"– Tomei a ousadia – prosseguiu mestre Ouguet – de seguir outro desenho no fechar da imensa abóbada que cobre o Capítulo (...) – Por escusado o tive – replicou David Ouguet. – Cego, e por isso inabilitado para levar a cabo a edificação, teimaria que o seu desenho se pode executar, visto que hoje ninguém o obriga a prová-lo por obras. Sobra-lhe orgulho: orgulho de imaginador engenhoso (...). "

Relação antagónica com o Mestre Afonso Domingues;

"Só uma suposição (...): David Ouguet podia estar possesso, em consequência de algum grave pecado (...) A abóbada do Capítulo, acabada havia vinte e quatro horas, tinha desabado em terra!".

Ouguet fica possesso quando a abóbada desaba.

Rei D.João I:  É uma personagem histórica, Mestre de Avis foi Rei de Portugal, entre 1385-1433.
Características do Rei D.João I:"Todos queriam vê-lo descavalgar, porque D. João I, plebeu por herança materna, nobre por ser filho de D. Pedro, rei eleito por uma revolução e confirmado por cinquenta vitórias, era o mais popular, o mais amado e o mais acatado de todos os reis da Europa."

De origem plebeia;

Era popular, amado e aclamado pelo povo;

“Álvaro Vaz de Almada, ide depressa à morada de Afonso Domingues, dizei-lhe que eu quero falar-lhe e guiai-o para aqui. Fazei isso com tento e lembrai-vos de que ele é um antigo cavaleiro, que militou com vosso mui esforçado pai (…) - Agora nenhum rei está aqui, mas sim o Mestre de Avis, o vosso antigo capitão, nobre cavaleiro de Aljubarrota (…).”

Demonstra ter uma relação próxima com o Mestre Afonso Domingues;

Tem-no numa elevada estima e consideração;

Partilha com ele o orgulho e o amor à pátria;

“A palavra do Mestre de Avis não voltara atrás, não por ser palavra de rei, mas por ser palavra de cavaleiro português daqueles tempos (…) – Bofé – disse D.João I, rindo – que não ando ao meu talante, senão com o arnês às costas! (…) parece-me que torno à mocidade (…). El-rei derramou algumas lágrimas sobre os restos do bom cavaleiro (…)".

Era um homem de palavra;

Era espirituoso e divertido;

Era afável e benevolente;

Chorou a morte do Mestre Afonso.

Fidalgos João das Regras, Martim de Océm e Nuno Álvares: São personagens históricas, intervenientes na crise de 1383-1385.
Características dos Fidalgos: “ (…) outros indivíduos aí estavam, que as pessoas lidas nas crónicas deste reino também conhecerão: tais eram os doutores João das Regras e Martim de Océm, do conselho de el-rei, cavaleiros mui graves e autorizados, e afora eles, mais alguns fidalgos que D.João I particularmente estimava (…)".

João das Regras e Martim de Océm eram conselheiros do Rei;

Nun'Álvares Pereira foi um estratega da Batalha de Aljubarrota;

“ João das Regras, émulo de Nun'Álvares, não perdeu este ensejo de lhe pôr pecha; mas D.João I, que conhecia serem esses dois homens as pedras angulares de seu trono, escutava-os sempre com respeito (…)".

Eram pilares fundamentais do trono de D.João I.

Frei Lourenço Lampreia: É uma personagem histórica, foi o 1°prior do Convento da Dominicano da Batalha.
Características de Frei Lourenço Lampreia: “  - Mas esse religioso – interrompeu o cego – é o mais abalizado teólogo de Portugal, o amigo de mui excelente doutor João das Regras e do grande Nun'Álvares, e privado e confessor de el-rei (…).”

Era o mais notável teólogo de Portugal;

Era amigo do doutor João das Regras e do condestável Nun'Álvares;

Era confessor de el-rei;

“ O indigno prior do Mosteiro da Vitória não consentirá que o mui sabedor arquiteto e imaginador Afonso Domingues, o criador da oitava maravilha do Mundo, o que traçou este edifício, doado pelo virtuoso de grandes virtudes rei D.João (…) Tanto el-rei (…) veio assentar-se na cadeira de espaldas, conduzido por Frei Lourenço, que, com todos os modos de homem cortesão, ofereceu os assentos rasos aos demais cavaleiros e fidalgos (…).”

Apresenta uma relação de cortesia e confidencialidade com o rei D.João I;

Demostra ter uma relação de reverência e estima com o mestre Afonso;

“ A terribilidade da cerimónia que Frei Lourenço executava, o ruído inesperado que rompera o exorcismo, o grito blasfemo do arquiteto, no momento de cair por terra (…)."

Exorcisa o Mestre Ouguet.

Frei Joane: É uma personagem histórica, foi procurador do Mosteiro da Batalha.
Características de Frei Joane: “ (…) seguido do seu confrade Frei Joane, procurador do mosteiro (…) O caso não é esse, padre-procurador, o caso é se está tudo aviado para agasalharmos el-rei e os de sua companhia. – Oh lá, quanto a isso, nada falta. Desde ontem que tenho tido tanto descanso (…)."

Ajudava e acompanhava o prior do Convento, Frei Lourenço Lampreia;

“ Começou a bufar e a bater o pé, Frei Joane tinha desaparecido dali manso e manso."

Era rigoroso e impulsivo.

Ana Margarida: Era a ama do Mestre Afonso Domingues.
Características de Ana Margarida: “ Vamos lá, vamos lá, Ana Margarida, vinde guiar-me. E Ana Margarida, ama de mestre Afonso Domingues, saiu da porta com a roca ainda na cinta, e o fuso espetado entre o linho e o ourelo que o apertava (…). – Boas tardes, padre-prior – disse a ama, fazendo sua mesura seguida de um lamber de dedos e de dois puxões nas barbas de estriga quase fiada (…)."

Era uma mulher do povo;

Detinha uma boa educação;

“(…) nem sequer cedera às rogativas de Ana Margarida, que obrigada pela boa amizade que tinha a seu amo, se atrevera a cruzar os perigosos umbrais do Capítulo, para ver se o movia a tomar alguma refeição (…).”

Manifesta uma boa amizade pelo Mestre Afonso Domingues;

“À pobre Ana Margarida, que ficava sem arrimo, doou D.João I, também, as casas em que o mestre morava, fazendo-lhe, além disso, assinaladas mercês.”

Ana Margarida foi recompensada por el-rei pela fidelidade e amizade que tinha para com o mestre Afonso.

Povo: Personagem coletiva e figurante.
Características do povo: “ No adro do Mosteiro de Santa Maria da Vitória, vulgarmente chamado da Batalha, fervia o povo, entrando para a nova igreja, que de mui pouco tempo servia para as solenidades religiosas (…).”

Fervor religioso;

“Aprazível cousa era o ver, descendo dos outeiros para o vale por sendas torcidas, aquelas multidões, vestidas de cores alegres e semelhantes, no seu complexo, a serpentes imensas (…).”

Adesão por parte do povo às manifestações culturais;

Demonstra ser alegre e dinâmico;

“Chegando à porta do mosteiro (…) agradeceu sua cortesia e amor aos populares, que gritavam, apinhados à roda dele: «Viva D.João I de Portugal, morram os Castelhanos!”», grito absurdo, mas semelhante aos vivas de todos os tempos (…)."

O povo ama e aclama o rei D.João I;

Tem espírito nacionalista.

Espaço:
Espaço Físico: "(...) Os campos, aqui cubertos de relva, acolá de searas, que cresciam a olhos vistos com o calor benefico do sol, verdejavam ao longe..."; "Atravessando a planície, em que avultava o mosteiro, passava o rio Lena..."

Espaço Social: Através das descrições dos arredores do mosteiro, a população vai de Frades que o habitam, a trabalhadores e pequenos comerciantes que acabam por se instalar aos arredores do mosteiro a fim de dar cabo às necessidades da vila que ali começa sua fundação.

Tempo:
Tempo cronológico: "O dia 6 de Janeiro do ano da Redenção 1401 tinha amanhecido..."
"Eram sete de Maio da era de Cesar de 1439, ou, como os letrados diziam, do ano da redenção 1401. Quatro meses certos contavam nesse dia.."

Tempo Histórico:
"Durante estes quatro meses ou sucessos políticos tinham trazido D.João I a Santarém...para juntos irem dar sobre Alcantara.."

Tempo do discurso:
Narração ulterior: Esta narração é dada como terminada quanto às ações que a integram. Ocorre na maioria em narrativas regidas por um narrador heterodiegético, muitas vezes em focalização onisciente.

Nacionalismo:
"A Abóbada" remete-nos
a acontecimentos históricos em Portugal. O conto traz uma narração da história de criação do Mosteiro de Santa Maria da Vitória, ou da Batalha, iniciado por D. João I na Quinta do Pinhal, e relata também de que maneira o rei obteve poder, o que caracteriza o conto como uma epopéia.
Evidências nacionalistas são marcantes nesse conto, sobrelevando até mesmo o amor a si próprio e o poder soberano do rei. A história conta que Afonso Domingues, um arquiteto português está construindo um mosteiro e fez um projeto de abóbada. No ano de 1401, ele fica cego e impedido de continuar sua obra. Então o rei chama um arquiteto irlandês, o mestre Ouguet, para dar continuidade ao trabalho. Porém o mestre altera o projeto de Afonso e não tem um bom resultado. Afonso Domingues retoma à sua obra, mesmo com todas as dificuldades da velhice e da cegueira, com intuito de concluir seu projeto e ter o reconhecimento. Ele termina e surpreende a todos.
Como prova clara de nacionalismo é possível observar alguns aspectos. Alexandre Herculano descreve o clima de Portugal com muita admiração, que mostra ao leitor que é um excelente lugar, porventura o melhor:
"Era um destes formosíssimos dias de Inverno mais gratos que os do Estio, porque são de esperança, e a esperança vale mais do que a realidade; destes dias, que Deus só concedeu aos países do Ocidente, em que os raios do Sol, que começa a subir na eclíptica, estirando-se vívidos e trémulos por cima da terra enegrecida pela humidade, e errando por entre os troncos pardos dos arvoredos despidos pelas geadas, se assemelham a um bando de crianças, no primeiro viço da vida, a folgar e a rolar-se por cima da campa, sobre a qual há muito sussurrou o último ai da saudade, e que invadiram os musgos e abrolhos do esquecimento. Era um destes dias antipáticos aos poetas ossiânico-regelo-nevoentos, que querem fazer-nos aceitar como cousa mui poética."

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Esta lenda teve lugar na época de construção do Mosteiro da Batalha é constituída por cinco capítulos:

I. O cego;

II. Mestre Ouguet;

III. O auto;

IV. Um rei cavaleiro;

V. O voto fatal.

No primeiro capítulo denominado de O cego ocorreu no ano de 1401 no dia 6 de janeiro, no Mosteiro de Santa Maria Da Vitória ou Mosteiro da Batalha. Em que o povo se vai reunir e assisitir ao Auto da Adoração dos Reis (Magos, por se estar no dia 6 de janeiro).
D.João escreve a um frade dizendo que estará presente no auto e também para ver a nova abóbada da igreja, que foi finalizada pelo Mestre Ouguet, da qual recentemente foram retirados os cimbres.
É feita uma descrição do arquiteto, Afonso Domingues, que se encontra "assentado sobre um troço de fuste" dá-se uma conversa entre dois frades e Afonso Domingues, em que o arquiteto e antigo cavaleiro revela a sua mágoa, pois a seu mando perdeu o seu trabalho e ganhou somente uma pensão.
No fim do primeiro capítulo dá-se a chegada del-rei D.João I.

No segundo capítulo denominado de Mestre Ouguet, o povo agita-se com a chegada do rei D.João I.
Dá-se um diálogo entre D.João I e Frei Lourenço. D.João I dirige-se à Casa do Capítulo.
É feita uma apresentação do Mestre Ouguet, que dá nome a este capítulo, em que se faz uma explicação de que tomou a liberdade de fechar com outro desenho a abóbada que cobre o Capítulo, sendo feita uma descoberta por parte do Mestre Ouguet quando este contempla a maciça abóbada, ou seja o Mestre Ouguet mudou os planos de construção da abóbada e não consulta o arquiteto Afonso Domingues por não o julgar de serventia, pois afinal estava cego.

No terceiro capítulo denominado de O Auto dá-se o Auto de Adoração dos Reis.
Durante a sua atuação o Auto foi interrompido devido ao aparecimento do Mestre Ouguet: "cheio de horror".
Há por parte de todos uma atitude de surpresa, sendo que alguns consideraram que o irlandês estaria "endemoninhado".
Frei Lourenço recorreu a um "terrível exorcismo", mas o Mestre Ouguet adoeceu e esta situação foi inclusive interrompida por um ruído: "semelhante ao de cem bombardas", foi o desmoronamento da abóbada.
Há uma deslocação do rei e de outros personagens para o local de onde veio o ruído, A Casa do Capítulo, pelo que há acabam por constatar que a abóbada tinha desabado.

No quarto capítulo denominado de Um Rei Cavaleiro, o rei D.João I reúne-se com outras figuras e toma conhecimento do ressentimento de Afonso Domingues, pois segundo ele ninguém conseguiria concluir a edificação por não entenderem o pensamento subjacente ao seu "livro de pedra". D.João I restitui Afonso Domingues ao cargo de chefe da obra.
Afonso Domingues aceita e voltou a exercer o papel de mestre das obras e verifica-se uma troca de argumentos entre ele e o monarca e Afonso Domingues volta a aceitar a concluir a obra, que promete entregar, em quatro meses, a abóbada firme e pronta.

No último capítulo denominado de O Voto Fatal ocorreu a 7 de maio de 1401, quatro meses após a promessa.
D.João I parte de Lisboa, levando consigo muitos criminosos e cativos castelhanos, por serem vidas condenadas, ficariam por baixo da abóbada quando fossem retirados os apoios.
Frei Lourenço avisa Afonso Domingues da chegada do rei.
Ao que Afonso Domingues revela que tinha feito dois votos, um jejum de 3 dias, caso concluísse a obra antes de tempo ao que Afonso Domingues exige a presença do rei para a retirada dos cimbres.
Alguns obreiros deixam, há ordem de Afonso Domingues, uma pedra debaixo do fecho da abóbada, na qual ficaria o arquiteto por três dias.
A tia Brites de Almeida intervêm contra os castelhanos.
No final são retirados os apoios da abóbada, ao que os prisioneiros são libertos e onde Afonso Domingues permanece por três dias. Dá-se com a morte de Afonso Domingues no completação do último dia de jejum.
D.João I ordena que seja erguida uma estátua em homenagem a Domingues.

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As Lendas e Narrativas de Alexandre Herculano foram publicadas em dois volumes, em 1851. Trata-se de uma coletânea de textos de carácter diversificado, publicados entre 1839 e 1844 nas revistas O Panorama e A Ilustração. No prefácio, Herculano considera as pequenas narrativas "monumentos dos esforços do autor para introduzir na literatura nacional um género amplamente cultivado, nestes nossos tempos, em todos os países da Europa", esperando que venham a constituir "a sementinha donde proveio a floresta", "um marco humilde e rude" na história literária portuguesa.

No primeiro volume aparecem O Alcaide de Santarém (passada na época de dominação muçulmana), Arras por foro de Espanha, O castelo de Faria (ambas episódios da guerra luso-castelhana no reinado de D. Fernando) e A Abóbada (passada na época de D. João I, cujo tema é a construção da abóbada do mosteiro da Batalha, símbolo da liberdade da nação portuguesa); no segundo estão compilados A Dama de pé de cabra, O bispo negro (ambas lendas populares de tradição oral), A morte do Lidador (história do heroico resistente contra os mouros Gonçalo Mendes da Maia), O pároco da aldeia (história singela de um bondoso pároco rural) e de Jersey a Granville (narrativa de viagem).
Na sua diversidade de estilos e temas, estas narrativas são representativas de alguns dos principais rumos do Romantismo português. Encontram-se textos de inspiração popular, que podemos associar ao nacionalismo literário da época, e de temática fantástica, como é o caso de "A Dama Pé de Cabra"; textos de temática contemporânea, como "O Pároco da Aldeia", que encerra um retrato do ambiente rural que muito influenciará Júlio Dinis; e narrativas de fundo histórico, escritas sob a influência de Walter Scott, como "A Abóbada" e "O Bispo Negro", que tiveram um papel fundamental na introdução da ficção histórica no nosso país e refletem o apreço de Herculano (e dos românticos em geral) pela Idade Média.

https://www.infopedia.pt/$lendas-e-narrativas

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Alexandre Herculano de Carvalho e Araújo nasceu em Lisboa, numa casa da Rua de São Bento, a 28 de março de 1810.
Era originário de uma família da classe média. O pai era funcionário na Junta do Crédito Público e a mãe descendia de uma família de pedreiros da Casa Real.
Estudou num colégio religioso durante a juventude, mas foi impedido de prosseguir os estudos universitários quando tinha 17 anos, devido a dificuldades económicas causadas pela cegueira do pai. Frequentou, em vez disso, um curso de Comércio, aprendeu línguas e estudou na Torre do Tombo, o que lhe viria a dar a formação de base para os seus futuros trabalhos como historiador. Esperava-o, possivelmente, uma carreira como funcionário público, mas os tempos agitados que então Portugal vivia, com a crise política desencadeada pela subida ao trono de D. Miguel, acabaram por alterar profundamente o rumo da sua vida.

Envolveu-se na guerra civil?

Alexandre Herculano aderiu às ideias em voga na Europa do seu tempo, não apenas ao movimento literário conhecido como Romantismo, mas naturalmente à sua vertente política, que privilegiava a liberdade dos povos e as monarquias constitucionais. Era, portanto, um liberal, numa altura em que o regime vigente repudiava esta ideologia. O seu envolvimento numa revolta militar, em 1831, obrigou-o a fugir de Portugal e a procurar refúgio em Inglaterra e, posteriormente, em França.

Regressou a Portugal integrado no exército liberal e participou no desembarque do Mindelo, em 1832, ao lado de Almeida Garrett, e foi soldado durante o tempo que durou a guerra civil. Posteriormente, foi deputado e chegou a desempenhar cargos políticos, mas rapidamente manifestou a sua desilusão com a política e a vida pública.

A sua ação foi essencialmente cívica, nomeadamente na recusa das ideias iberistas e na luta contra os setores mais conservadores do clero e da sociedade portuguesa.

Casou apenas com 57 anos e viveu os últimos anos da sua vida na sua quinta nos arredores de Santarém, onde veio a falecer, em 1877, vitimado por uma pneumonia.

Relativamente à sua obra:

Alexandre Herculano não tinha perfil de político. Foi, essencialmente, um intelectual, um homem de letras que refletiu sobre os problemas do seu tempo.

Deixou uma importante obra literária, sobretudo romances históricos, mas também peças de teatro, poesia e ensaios, opúsculos e reflexões sobre o Estado, a sociedade e a Igreja de Portugal. Foi o introdutor do Romantismo, a par de Almeida Garrett.
Contudo, o seu maior contributo foi no campo da História. Pode afirmar-se que Alexandre Herculano foi o primeiro historiador moderno português, tendo-se dedicado, sobretudo, ao estudo das origens de Portugal e dos problemas políticos e sociais da Idade Média, assim como à publicação de documentos, de forma crítica e rigorosa.

Assume particular relevância a sua História de Portugal, em vários volumes, que continua a ser um trabalho de grande valor e de importância fundamental para os medievalistas dos nossos dias.

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O Doido e a Morte é um texto dramático possuidor de um título muito subjetivo e abstrato que tem muito que se lhe diga, cujo autor é Raul Brandão.
Por ser um texto dramático faz parte da sua estrutura ter um texto principal, onde se encontram as falas das personagens, e um texto secundário onde estão as indicações cénicas que dão descrições de como as personagens agem e pelos espaços que ocupam. Temos nesta peça alguns espaços frequentados pelos personagens, nomeadamente, o gabinete do Governador Civil onde se desenvolve a maior parte da ação, num tempo de cerca de 30 a 40 minutos algures no século XX.
Em toda uma ação existem personagens que sejam protagonistas como foi o Governador Civil ou antagonistas como o Sr.Milhões e até personagens secundárias como a mulher do Governador, D.Ana Moscoso, e o empregado do Governador, o Nunes.
Nesta peça, temos essencialmente os três processos de cómico, todos eles muito explícitos nas falas das personagens. Temos o cómico de situação presente no conto geral da ação, ou seja, quando o Sr.Milhões engana o Governador fazendo-o acreditar que iriam morrer, pois possuía uma caixa com peróxido de azoto, que afinal se descobriu ser apenas algodão em rama, e nesta fase da peça encontramos também o cómico de linguagem na fala final do Governador e o cómico de carácter centrado na personagem do Sr.Milhões que todos julgam doido, inclusive o Governador, aquando foi ameaçado de morte, pelo suposto peróxido de azoto. Porém os doidos não são assim tão loucos como parecem aliás têm uma perspetiva de vida e de sociedade muito diferente e realista daqueles que são considerados lúcidos e conhecedores da vida.
No fundo esta obra tem um carácter subjetivo pois cada um tem uma perspetiva de vida diferente e podemos encarar tudo de uma forma distinta, sendo que nesta peça está refletida a forma como Raul o encara crítica e realisticamente.

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Raul Germano Brandão nasceu a 12 de março de 1867 na Foz do Douro.
Frequentou o curso superior de Letras, mas ingressou na carreira militar. Colocado em Guimarães, retirou-se para a Casa do Alto, quinta próxima de Guimarães, local onde produziu a maior parte da sua obra literária, alternando o isolamento nortenho com estadias em Lisboa, onde desenvolveu paralelamente uma atividade jornalística, tendo colaborado em publicações como o Imparcial, Correio da Noite, Correio da Manhã e O Dia.
Nestes últimos, é constante o seu debruçar sobre o terrível drama da condição humana, perpassado por sofrimento, angústia, mistério e morte. São também constantes as referências aos ofendidos e humilhados, face visível da expressão humana que é um dos motivos mais regulares na sua obra.
Ao longo de uma obra multifacetada, Raul Brandão viria a ser um dos escritores que, a par de Fernando Pessoa, mais influíram na evolução da literatura portuguesa do século XX, sendo eleito figura tutelar não apenas de gerações suas contemporâneas, como o grupo reunido em torno de Seara Nova, ou o chamado grupo da Biblioteca Nacional (Jaime Cortesão, Raul Proença, Aquilino Ribeiro, Câmara Reis), como de gerações posteriores para as quais a redescoberta da obra de Raul Brandão serviu de esteiro para reformular de estruturas novelísticas tradicionais.
Raul Brandão é ainda autor de várias peças de teatro, onde temática ou formalmente subverte as expetativas da receção dramática do início do século XIX, em peças como O Gebo e a Sombra, O Rei Imaginário, O Doido e a Morte, Eu Sou um Homem de Bem ou O Avejão.
Viveu parte da sua vida em Lisboa, onde veio a falecer a 5 de dezembro de 1930.

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Problemática existencial em O Doido e a Morte

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Problemática existencial em O Doido e a Morte

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O Doido e a Morte é uma obra-prima do nosso teatro pela agudeza da problemática existencial, pela conceção e pelo clima tenso do lirismo.
Como farsa que é apresenta-se em tons contrastantes de grande intensidade e distorção, ligando-se ao expressionismo e ainda pela expectativa inquietante e emocional com o teatro simbólico. Apesar de alguns traços de realismo verosimilhante são símbolos da inconsciência alienada e vulgar de viver. Toda a peça se processa em contrastes. Centralmente entre a vida inútil, sem consciência cívica nem humana do governador civil e a consciência do Doido sobre a condição humana. A consciência trágica do Doido é de resto vista ainda sob uma forma contrastante: entre a nossa condição física de bichos e a nossa capacidade de pensamento e sonho. Contraste entre a mentira das máscaras sociais no cumprimento do dever, no amor e no dia a dia e a verdade lúcida do Doido. Contraste entre o discurso titubeante, realista, racional do governador civil e o caudal lírico do Doido na primeira parte até ao clímax e depois na segunda entre a desagregação caótica da máscara do governador civil e a inexorabilidade do destino, cortante, assumida pelo Doido.

A peça é concebida como uma onda alterosa do Cabedelo, uma onda de tensão e de expectativa que atinge um máximo de altura e depois se despenha num espraiar de alívio e paz, que se prolonga para além do final e para fora de cena.

A peça é influenciada pela carnificina absurda e sem sentido da Primeira Guerra Mundial (1914-1918) que se revelou premonitória relativamente à segunda que terminou em 1945 com uma deflagração atómica. Não se perdendo na atualidade com a quantidade de governadores que assumem sem consciência o papel executador do Doido. Num mundo gritante de injustiças, terrorismos, chacinas de guerras e guerrilhas, crimes, sufocações e censuras proliferam os loucos capazes de sacrilegamente “fazer saltar o globo”.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa, “Viagens”

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Era muito distante em relação a Fernando Pessoa longe da sua distância em relação às coisas, pelo que Raul contrariamente "mergulha" com a paixão do apóstolo e do revolucionário.
O epicentro da sua obra literária é a dor, sendo essa dor abstrata e metafísica.
Raul é considerado o poeta dos hospitais, dos cárceres e dos casebres.
A sua piedade missionária não pára em face do delito, da loucura e o seu universo em que o grotesco dá o braço ao sublime e é povoado de miseráveis e de alucinados.
Raul tal como Eugénio Castro também proclamava o próprio nefelibatismo de anarquista das letras, de ateu do Preconceito e da Opinião Pública, ao passo que em Eugénio Castro assumia um caráter anarquista.
Relativamente aos anos do Ultimato Inglês reagiu mais como homem do que como cidadão, mais como consciência individual do que como parte de uma determinada comunidade nacional.
A sua obra literária nasce sob o signo do Simbolismo, mas recebe influências ao longo de uma honesta existência.
Raul aproximou-se do teatro pela crítica que conferia no Correio da Manhã desde 1895 em que a sua conceção de teatro se propunha a debater em "dramas sintéticos" e "populares e humanos" graves problemas sociais e psicológicos (Teatro e atores).
Foi de uma colaboração com Júlio Brandão que nasceram a Noite de Natal (1899) e o Maior Castigo (1902) escritos à maneira impressionista.
Em 1923 publicou o seu teatro sendo o primeiro volume constituído por três dramas: O Gebe e a Sombra, O Rei Imaginário e O Doido e a Morte. Nestes textos encontramos características dos anos 20, como a conceção de vida como farsa trágica e o filosofismo de Itália que conduzia ao expressionismo da Alemanha, são todos textos grotescos.
Na descoberta dos diversos planos de consciência há uma certa ingenuidade da separação entre o eu social e o eu individual (inesperado).
Contudo este teatro merece, apesar de tudo de ser chamado de "existencial" qualificativo que lhe resume mais as intenções do que os resultados.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa, "Viagens"

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Camilo Pessanha nasceu em Coimbra a 7 de setembro de 1867. É filho de Francisco Pessanha um estudante de direito e de Maria Pereira uma mulher do campo.
Camilo, seguindo os passos do pai, formou-se em Direito, foi professor e redator se jornais em Macau.
No ano de 1894 viajou pela primeira vez para o Oriente onde relatou diversos episódios de marinheiros, porém estava mais preocupado com as sensações que poderia vir a sentir. Camilo entrou em Macau e "passou lá o resto da sua vida" tendo feito durante 30 anos diversas viagens a Portugal.
Diz-se que um dos motivos para ter ficado tantos anos em Macau se deveu a um desgosto de amor com Ana de Castro Osório que terá recusado o seu pedido de casamento, tendo sido ela a causadora desse desgosto optou por se afastar dele de uma forma amigável e cordial, de maneira a manterem a amizade que os unia. Assim, na qualidade de sua amiga foi ela que editou "Clepsidra", o livro de poema que o imortalizou.
De entre as diversas ocupações profissionais que desenvolveu foi como poeta que ficou conhecido, compondo uma pequena mas significativa obra poética, sendo inclusive o representante mais genuíno do simbolismo em Portugal.
Na poesia de Camilo é percetível um encontro de estados de alma e musicalidade, sendo percetível um ritmo de sons na leitura, a partir de elementos significantes provenientes de um simbolismo com alicerces numa poesia elaborada ao ponto de ocultar o seu rigor construtivo e encarada de uma forma intelectual da compreensão da relação do eu e da realidade.
Em jeito de conclusão, Camilo Pessanha foi um homem bem realizado profissionalmente, faleceu com apenas 32 anos Este poeta deve a sua redescoberta até certo ponto à iluminação recíproca que estabelece com a obra de Fernando Pessoa.

https://ensina.rtp.pt/artigo/camilo-pessanha-1867-1926/

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Na poesia de Cesário Verde aparece-nos uma oposição distinta entre figuras femininas, nomeadamente na antinomia que se traduz no estatuto social. Para o comprovar temos 2 poemas da sua autoria em que está bem expresso esse contraste, respetivamente: "A débil" e "Deslumbramentos".
Primeiramente, abordarei a mulher associada à cidade, presente no poema "Deslumbramentos". Esta figura feminina surge associada à cidade e às formas de poder que nela se exercem, pelo que a mulher desejada é altiva, arrogante, um produto inacessível da artificialidade citadina, que exerce no poeta um poder de atração embora seja humilhado e desprezado pela sua figura "é perigoso contemplá-la...com seus gestos de neve e de metal" explicitando o distanciamento, a superioridade e essencialmente a indiferença para com ele, pelo que ele continua a admirá-la apesar de tudo isso, "sem que nisso a desgoste ou desenfade".
Esta mulher surge como uma representação do poder da cidade, bem como o seu poder ameaçador.
Por sua vez, a mulher associada ao campo surge caracterizada pela fragilidade que lhe desencadea a necessidade de a auxiliar, "quero estimar-te, sempre..", "tive tenções de oferecer-te o braço".
Antiteticamente à mulher da cidade que gera "humilhação do poeta, temos a mulher do campo que lhe personifica valores positivos, sentimentos mais dignos, desejando inclusive constituir família com ela.Tece-lhe os maiores elogios pelo que temos descrições físicas e psicológicas  da sua figura, "...és bela, frágil..imaculada..adorável..impunha-me respeito/A limpidez do teu semblente grego..esbelta e fina..tímida e quieta..ténue, dócil e recolhida...", opondo-a à sociedade onde está inserida.
Esta figura feminina que circula na cidade, mas que não lhe pertence surge como a possibilidade de libertação do poeta da influência corruptora da Babel citadina.
Em jeito de conclusão, temos a antinomia cidade-campo estabelecida em dois poemas , onde conseguimos distinguir duas figuras femininas observadas e descritas de maneiras muito distintas, exaltando a mulher do campo e a sua atitude perante a vida e perante o poeta que a pretende proteger e acompanhar ao longo da sua vida.

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Cesário Verde é um poeta do século XIX e é considerado o poeta deste século que marcou a poesia desta altura e do futuro, restaurando-a impondo um novo género lírico, o realismo, sendo o primeiro poeta a não seguir a lírica romântica, sendo um dos motivos para que a sociedade não compreendesse a sua escrita.
Os seus poemas e publicações foram sempre incompreendidos pela sociedade, pelo que a sua conceção de mulher foi recebida com choque e espanto, visto que ele não escrevia para agradar limitava-se a escrever apenas o que os seus olhos observavam.
O Português não aceitava as descrições de realidade tanto por incompreensão e inveja que sentiam relativamente à sua escrita, por se revelar com uma mentalidade mais avançada do que a sociedade em que estava inserido, tanto pelas descrições realistas de todos os estratos sociais que fazia sem retrições, o que não agradava muito aos Portugueses: "as musas, calceteiros, varinas" que eram dotados de uma simplicidade total que ele descrevia como se a sua escrita se tratasse de um quadro realista que tudo o que observava registava, dando particular atenção nos detalhes.
Na sua poesia, a cidade tornou-se o elemento central da sua obra influenciada pela: época dos Descobrimentos, o progresso a que Portugal e consequentemente Lisboa sofria.
Dá-nos Lisboa com subjetividade, filtrada no seu olhar atento, descrita por metáforas e adjetivações.
Foi publicado, postumamente, apenas 1 livro, que foi editado por Silva Pinto, O Livro De Cesário Verde em que Silva Pinto tal como a sua sociedade não percebeu o seu valor, pois ele até podia "passar pelos pingos da chuva", no sentido em que era ignorado o seu talento.
Embora não tenha sido valorizado em vida, como é comum entre os artistas inclusive atualmente, ele continua vivo após a sua morte pelos 37 poemas que nos deixou e o seu único livro.
Pouco reportório em termos quantitativos, mas em matéria de qualidade não se exige mais a alguém que faleceu com apenas 31 anos, vítima de tuberculose.

http://ensina.rtp.pt/artigo/o-livro-de-cesario-verde/

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Na poesia de Cesário Verde há uma dicotomia e simultaneamente uma antinomia relativamente a dois espaços: campo/cidade que surge associada à oposição entre figuras femininas;
Na sua poesia encontramos mulheres claramente associadas à cidade e às formas de poder que nela se exercem;
A figura do tempo e espaço da cidade não permite o amor e corporiza a hostilidade da cidade.
A mulher desejada é altiva, arrogante, desdenhosa, é portanto um produto inacessível da artificialidade citadina.
Exerce um poder de atração magnético sobre o sujeito poético que a deseja e persegue, desencadeando um erotismo que gera a "humilhação do sujeito poético".
Estas mulheres personificam a cidade e o seu poder ameaçador.

Já a figura feminina do campo representa e personifica valores positivos gerando no "eu" sentimentos bem mais dignos;
Longe do desejo de se degradar face à figura feminina dominadora e soberba, o sujeito poético projeta anseios de constituir família.
Apesar de esta circular na cidade, ela não lhe pertence e surge como possibilidade de libertação do sujeito da influência da Babel citadina.

Adaptado do Manual De Literatura Portuguesa, "Viagens"

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A poesia de Cesário Verde assenta na estética realista.
O Binómio Campo/Cidade torna-se uma característica da sua poesia, derivada da sua deambulação pela cidade e as suas experiências no campo.
Ao longo dos seus poemas, Cesário Verde oscila entre a exaltação e/ou crítica da cidade e o elogio do campo.
O campo representa energia, a vida, a saúde, o espaço onde se retemperam as forças consumidas no turbilhão da cidade.
O "eu" propõe-se a captar as impressões que a realidade lhe provoca, na sequência de uma perceção minuciosa através dos sentidos, com destaque para a visão e para os dados por ela registados, como a luz, o movimento, a cor...
O carácter circunstancial desta poesia assinala a rutura com o espírito poético nacional, em que dominava o subjetivismo da retórica romântica e pela expansividade dos voos líricos, característicos da excessivo sentimentalismo.
O real exterior captado é posteriormente recriado com grande nitidez e precisão, a partir da memória, como se tratasse de uma pintura, a memória está presente em poemas como "O sentimento dum Ocidental", "Nós".
Nesse real exterior posteriormente estruturado nos poemas, destaca-se o tratamento dos tópicos cidade e campo, sendo um dos temas centrais da sua obra, a antinomia cidade-campo, entendidos como polos semânticos de sentidos opostos.
Inicialmente, o espaço da cidade opõe-se ao espaço amplo do campo. A cidade caracterizada por ser um espaço de clausura, com falta de vitalidade, pela presença sub-reptícia da perversão, em termos amorosos.
Opõe-se ao campo que se caracteriza pela vitalidade, amplitude de horizontes, possibilidade de amor idílico, exercício da liberdade.
A antinomia cidade-campo está associada a oposição entre figuras femininas.
Na poesia de Cesário encontramos mulheres associadas à cidade e às formas de poder que nela se exercem, como nos poemas "Deslumbramentos" e Humilhações", a figura feminina do tempo e espaço da cidade não permite o amor e corporiza a hostilidade da cidade face a este sentimento.
Na sua obra Cesário trilhou um caminho de afastamento da escrita romântica e antecipo a escrita da atualidade, a expressão poética é perspetivada na sua obra como um trabalho rigoroso e exigente, que ambicionava a originalidade.
Em termos linguísticos tal opção reflete-se na seleção vocabular, da base prosaica e concreta, com um elevado teor descritivo, que visa integrar no poema esse mundo concreto que chega através dos sentidos, nomeando-o através dos discursos próprios de cada área de atividade. Cesário privilegiou o uso do decassílabo e do alexandrino, com exceção das composições "Sardenta" e "Provincianas" em que foi usada a redondilha.
Estas opções métricas servem propósitos expressivos, nomeadamente um maior fôlego no que ao sentido semântico e musical do verso diz respeito.
O carácter inovador da poesia de Cesário congrega várias estéticas, que serão trilhadas posteriormente pela poesia portuguesa nos finais do século XIX e na primeira metade do século XX.

Adaptado do Manual de Literatura Portuguesa, "Viagens"

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Em meu entender, o padlet que realizei ao longo do 1ºPeríodo foi uma grande aprendizagem e é muito vantajoso relativamente à organização de cada matéria, está à distância de um simples clique.
Não encontrei muitas dificuldades na sua completação, apenas alguns temas mais complexos que outros e a quantidade de informação que temos, pelo que se torna difícil por vezes selecionar qual a matéria mais apta para aqui estar, visto que temos informação desde o nosso manual de Literatura Portuguesa até toda uma Internet com artigos e documentários.

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O tema deste poema é a saudade da infância.O poema apresenta um eu lírico muito nostálgico relativamente à sua infância, lamentando o seu presente.
A palavra "Lar" remete-nos para o espaço familiar, para o convívio e amor da família.
Por isso, essa palavra traz-lhe  a memória de pessoas como a irmã e a sua aia.
O Lar era o espaço que rodeava a lareira, remetendo-nos para a ideia de calor, conforto.
Assim à uma oposição entre o "aqui" que simboliza a vida adulta e solitária, desconfortável (o presente) e o "Lar" simboliza a infância que lembra o amor e o carinho da família.
As palavras iniciadas pro maiúsculas pretendem mostrar-nos o seu valor simbólico.
O advérbio "sem" repetido (anáfora) mostra que o que marca a idade adulta são as coisas que já não tem: "os beijos", "as rezas", "a flor", "o enfeite", ou seja o interesse e o carinho dos outros.
Ao referir-se a dados concretos, o leite de manhã, o nome da aia, a irmã a bordar, torna o poema mais íntimo.
Relativamente ao nível formal, este soneto é constituído por catorze versos, distribuídos por duas quadras e dois tercetos. Os versos são decassilábicos, e a rima é interpolada e cruzada.

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Aqui, sobre estas águas cor de azeite,
cismo em meu Lar, na paz que lá havia:
Carlota, à noite, ia ver se eu dormia
e vinha. de manhã, trazer-me o leite.

Aqui, não tenho um únito deleite!
Talvez-... baixando. em breve, à Água fria,
sem um beijo, sem uma Avé-Maria,
Sem uma flor, sem o menor enfeite!

Ah pudesse eu voltar à minha infância!
Lar adorado, em fumos, a distância,
ao pé de minha Irmã, vendo-a bordar;

Minha velha Aia! Conta-me essa história
que principiava, tenho-a na memória,
"Era uma vez..."
Ah deixem-me chorar!

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Este poema fala-nos de um castelo majestoso que o sujeito poético construiu, melhor do que qualquer outro das redondezas.
No entanto, um dia chegou um vento sinistro que lhe destruiu o seu castelo, escondendo-o seu prórpio pó.
Podemos pensar neste poema de duas formas: uma vida difícil e uma infância melhor, traz-nos a ideia do feudalismo.
Relativamente ao nível formal, este soneto é constituído por catorze versos, distribuídos por duas quadras e dois tercetos. Os versos são decassilábicos, e a rima é interpolada e cruzada.

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Na praia lá da Boa Nova, um dia,
Edifiquei (foi esse o grande mal)
Alto Castelo, o que é a fantasia,
Todo de lápis-lazúli e coral!

Naquelas redondezas não havia
Quem se gabasse dum domínio igual:
Oh Castelo tão alto! parecia
O território dum Senhor feudal!

Um dia (não sei quando, nem sei donde)
Um vento seco de deserto e spleen
Deitou por terra, ao pó que tudo esconde,

O meu condado, o meu condado, sim!
Porque eu já fui um poderoso Conde,
Naquela idade em que se é conde assim…

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Este poema aborda um dos elementos mais comuns nas obras de Cesário: a figura feminina.
Porém, neste poema afigura feminina é retratada em contraste com a típica mulher deslumbrante e provocante.
Assim, o poema "A Débil" representa uma mulher que sobressai no meio citadino, não pela sua excentricidade, mas pela sua pureza e simplicidade
Caracteriza-a como: "frágil, assustada, recatada, honesta, fraca, natural, dócil, recolhida", remetendo para a sua caracterização psicológica.
Este poema põe em evidência uma mulher que escapa à típica mulher citadina, a mulher que surge no espaço rural.
O seu retrato está associado à mulher do campo que se movimenta num espaço que lhe é estranho. Assim, sente-se perdida necessitando de proteção masculina pois sente-se desnorteada num espaço que não está adequado à sua fragilidade.
Relativamente à estrutura externa este poema é composto por 13 quadras, os versos são decassilábicos, a rima é interpolada e emparelhada.

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Eu, que sou feio, sólido, leal,
A ti, que és bela, frágil, assustada,
Quero estimar-te sempre, recatada
Numa existência honesta, de cristal.

Sentado à mesa dum café devasso,
Ao avistar-te, há pouco, fraca e loura,
Nesta Babel tão velha e corruptora,
Tive tenções de oferecer-te o braço.

E, quando socorreste um miserável,
Eu, que bebia cálices de absinto,
Mandei ir a garrafa, porque sinto
Que me tornas prestante, bom, saudável.

"Ela aí vem!" disse eu para os demais;
E pus-me a olhar, vexado e suspirando,
O teu corpo que pulsa, alegre e brando,
Na frescura dos linhos matinais.

Via-te pela porta envidraçada;
E invejava, — talvez que não o suspeites! -
Esse vestido simples, sem enfeites,
Nessa cintura tenra, imaculada.

Ia passando, a quatro, o patriarca.
Triste eu saí. Doía-me a cabeça.
Uma turba ruidosa, negra, espessa,
Voltava das exéquias dum monarca.

Adorável! Tu, muito natural,
Seguias a pensar no teu bordado;
Avultava, num largo arborizado,
Uma estátua de rei num pedestal.

Sorriam, nos seus trens, os titulares;
E ao claro sol, guardava-te, no entanto,
A tua boa mãe, que te ama tanto,
Que não te morrerá sem te casares!

Soberbo dia! Impunha-me respeito
A limpidez do teu semblante grego;
E uma família, um ninho de sossego,
Desejava beijar sobre o teu peito.

Com elegância e sem ostentação,
Atravessavas branca, esbelta e fina,
Uma chusma de padres de batina,
E de altos funcionários da nação.

"Mas se a atropela o povo turbulento!
Se fosse, por acaso, ali pisada!"
De repente, paraste embaraçada
Ao pé dum numeroso ajuntamento.

E eu, que urdia estes fáceis esbocetos,
Julguei ver, com a vista de poeta,
Uma pombinha tímida e quieta
Num bando ameaçador de corvos pretos.

E foi, então, que eu, homem varonil,
Quis dedicar-te a minha pobre vida,
A ti, que és tênue, dócil, recolhida,
Eu, que sou hábil, prático, viril.

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Na primeira estrofe temos uma introdução ao tema em que é atribuída a importância a uma "cousa simplesmente bela", criando  a expectativa de que esse será um assunto com destaque ao longo do poema.
Na segunda estrofe há uma valorização da vida no Campo, há uma capacidade descritiva num "granzoal azul de grão-de-bico"; verifica-se o gosto do sujeito poético pela mulher simples que não se dá luxos e que, tal como ele, aprecia a natureza e do campo.
Na terceira estrofe há uma utilização de substantivos e de enumerações tais como "talhadas de melão, damascos/ pão-de-ló molhado em malvasia".
Já na quarta estrofe temos uma oposição "mas, todo púrpuro a sair da renda/ Dos teus seios como duas rolas", pois o sujeito poético centra-se na mulher que lhe provoca vários sentimentos e que é portadora de uma grande sensualidade.
Relativamente ao nível formal, este soneto é constituído por catorze versos, distribuídos por duas quadras e dois tercetos.
Os versos são decassilábicos, e a rima é interpolada e cruzada.

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Naquele «pic-nic» de burguesas,
Houve uma coisa simplesmente bela,
E que, sem ter história nem grandezas,
Em todo o caso dava uma aguarela.

Foi quando tu, descendo do burrico,
Foste colher, sem imposturas tolas,
A um granzoal azul de grão-de-bico
Um ramalhete rubro de papoulas.

Pouco depois, em cima duns penhascos,
Nós acampámos, inda o sol se via;
E houve talhadas de melão, damascos,
E pão de ló molhado em malvasia.

Mas, todo púrpuro, a sair da renda
Dos teus dois seios como duas rolas,
Era o supremo encanto da merenda
O ramalhete rubro das papoulas.

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Este poema de Antero de Quental reflete o sonho que procura neste caso, "O palácio encantado da Ventura", aqui está explicita uma alegoria do ideal desejado.
Na primeira estrofe temos a apresentação desse sonho e aqui o estado de espírito do sujeito poético: ansioso e forte, ultrapassando "desertos", "sois", e a "noite escura"(momento do dia preferido dos românticos) .
Nos versos 5 e 6 temos representada a expressão do cansaço e do desalento do sujeito poético na busca do seu sonho, aqui o sujeito poético apresenta-se "exausto e vacilante", também vulnerável.
Já dos versos 7-12 há uma manifestação da recuperação da energia do "eu" e da sua aproximação do palácio.
Nos versos 13 e 14 há uma revelação da frustração do sujeito poético ao conhecer o interior do palácio, sente-se contaminado pela dor do espaço frustrado.
Basicamente, neste poema conseguimos determinar que a felicidade é inatingível, e há uma busca do absoluto que o conduz ao vazio e à morte.
Na vida há miragens, o palácio que se desenha na sua pompa aérea, onde há lutas e entusiasmos, desânimos e deceções, silêncio e escuridão.
Relativamente ao nível formal, este soneto é constituído por catorze versos, distribuídos por duas quadras e dois tercetos. Os versos são decassilábicos, e a rima é interpolada e cruzada.