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Definición y tipos de ilustración.

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El otro día hablábamos en este mismo blog sobre las diferencias entre libro ilustrado y álbum ilustrado, así que vale la pena detenerse un poco más en el concepto de ilustración. ¿Qué es una ilustración? ¿Cuántos tipos hay? A continuación te damos la respuesta.

Definición de ilustración

La ilustración en el mundo del arte es la "estampa, grabado o dibujo que adorna o documenta un libro". Esa es la definición de la RAE, pero una más completa podría ser esta:

La ilustración es un dibujo, pintura u obra impresa de arte que explica, aclara, ilumina, visualmente representa, o simplemente decora un texto escrito, que puede ser de carácter literario o comercial.

Los orígenes de la ilustración - antes de la invención de la "escritura" - se remontan a la pintura rupestre en Chauvet, Lascaux y Altamira, cuando los artistas paleolíticos utilizaban carbón y ocre en sus cuevas para ilustrar lo que veían a su alrededor. Históricamente, la ilustración de libros, revistas y periódicos han sido las formas predominantes de este tipo de arte visual, aunque los ilustradores también han utilizado sus habilidades gráficas en las áreas de creación de carteles, anuncios, libros de historietas, animación, tarjetas de felicitación, tiras etc.

Tipos de ilustraciones

Existen muchos tipos de ilustraciones, pero para empezar podemos describir dos grandes clases:

Ilustraciones conceptuales: son representaciones metafóricas (no realistas) de escenas, objetos, ideas o teorías. Las imágenes pueden contener elementos de la realidad, pero en su conjunto tienen una forma o significado diferente.Ejemplos de ilustración conceptual incluirían historietas, gráficos, dibujos abstractos...

Ilustraciones literales: estas ilustraciones tienden a representar verdades pictóricas. Aquí hay generalmente una descripción exacta de la realidad, e incluso si la imagen representa la ficción narrativa de carácter fantástico o dramática, se hace hincapié en la creación de una escena que sea creíble. Ejemplos de ilustración literal incluirían los siguientes: foto realismo, hiperrealismo...

En cuanto cómo se realizan las ilustraciones, volvemos a encontrar dos grandes tipos:

Ilustración tradicional: es el tipo "clásico" de ilustración, en el que se dibuja y pinta a mano.

Ilustración digital: la ilustración digital, en cambio, usa las nuevas tecnologías (a través de diferentes tipos de software) para la producción de imágenes.

Por último, los campos en los que se emplea la ilustración son muchos y muy variados. Por poner algunos ejemplos tendríamos:

Ilustración infantil

Ilustración editorial

Ilustración fantástica

Ilustración para cine

Ilustración para Videojuegos

Comic

Humor gráfico

Ilustración de portada

Ilustración para Concep Art

Ilustración publicitaria

Ilustración técnica

Ilustración de moda

Descubre nuestros cursos de ilustración, los tenemos tanto presenciales como a distancia. Además podrás elegir otras opciones como cursos 3D o el curso zbrush de escultura digital.

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Definición de ilustración y tipos de ilustraciones

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El otro día hablábamos en este mismo blog sobre las diferencias entre libro ilustrado y álbum ilustrado, así que vale la pena detenerse un poco más en el concepto de ilustración. ¿Qué es una ilustración? ¿Cuántos tipos hay? A continuación te damos la respuesta.

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Definición y características de la Ilustración Infantil

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Ya hemos visto en otros artículos como este, que existen muchos tipos diferentes de ilustración. Cada uno de ellos tiene una finalidad distinta y hay especialistas que enfocan su carrera en uno o varios de estos campos.

La ilustración infantil es uno de mis campos favoritos dentro de la ilustración, y en este post voy a exponer las características que la hacen especial y la diferencian del resto de disciplinas.

Para empezar, la ilustración infantil se puede definir como aquella rama de la ilustración especializada en la creación de imágenes dirigidas a un público infantil.

Uno de los principales productos en los que se utiliza esta disciplina es la ilustración de libros infantiles, y en ocasiones se denomina como la actividad específica de ilustrar libros para niños.

Pero no se limita a esto. La ilustración infantil puede ser usada en contenidos audiovisuales y productos comerciales.

El artículo está organizado en los siguientes apartados:

Un poco de historia de la ilustración infantil
Los primeros grandes ilustradores infantiles

Características de la ilustración infantil

El contenido apropiado para la ilustración infantil

Métodos y técnicas de la ilustración infantil

Objetivos de la ilustración infantil

Cómo ser ilustrador infantil

UN POCO DE HISTORIA DE LA ILUSTRACIÓN INFANTIL

Los orígenes del libro ilustrado son inciertos. Aunque existen fragmentos ilustrados de obras griegas y romanas, consideramos que los manuscritos medievales son el origen de este arte.

Aunque Salisbury dice en su libro "Ilustración de libros infantiles" que el primer intento de libro ilustrado es "Kunst und Lehrbüchlein" (publicado en el año 1580) .

En esta época, se utilizaba la madera como medio de impresión y las ilustraciones a color únicamente se podían conseguir pintándolas a mano. Por lo tanto, podemos imaginarnos el coste de ilustrar un libro entero.

La aparición de la litografía en el s. XIX, permite la posibilidad de imprimir ilustraciones a color con buena calidad y como resultado, la ilustración de libros empieza a cobrar fuerza.

La época que comprende el último cuarto del s. XIX y el principio del s.XX es conocida como la época dorada de la ilustración, por estas 3 razones:

El desarrollo de nuevas tecnologías en la imprenta

Una nueva forma de ver a la infancia y cambio de actitud frente a los niños y sus capacidades intelectuales

La aparición de grandes ilustradores como Walter Crane, Kate Greenaway y Randolph Caldecott

Los primeros grandes ilustradores infantiles

Las ilustraciones en los libros infantiles se limitaban a realzar o explicar el texto, pero a finales del siglo XIX, autores como Walter Crane, Kate Greenaway y Randolph Caldecott, aportaron una nueva dimensión a la ilustración.

Crearon libros ilustrados en los que el texto y la imagen tenían el mismo valor y se complementaban.

Randolph Caldecott es considerado como el padre del libro ilustrado actual y fue el primero en explorar y experimentar con la relación entre texto e imagen. Sus ilustraciones complementaban el texto y no se limitaban a únicamente copiar lo que se decía en él.

Edward Lear, que con su libro "Book of Nonsense" estableció las bases de este tipo de ilustración, que todavía sigue siendo imitado a día de hoy.

John Tenniel, el ilustrador del clásico "Alicia en el País de las maravillas" de Lewis Carroll.

En 1931, se publica la primera historia de Babar el elefante, creado por
Jean de Brunhoff. Por entonces, los libros ilustrados empiezan a cambiar. Aumentan de tamaño, con ilustraciones a página completa y un texto simple adaptado para los niños.

En 1941 Hans Reyersbach y Margret Waldstein crean a "Curious George" y tras su publicación, se convierte en uno de los personajes más famosos de América.

Finalmente, en 1963 se publica uno de los libros ilustrados más reconocidos hoy en día y posiblemente el más importante. "Donde viven los monstruos" de Maurice Sendak.

En el tiempo de su publicación, supuso una revolución, tanto por la forma como por su temática. Por primera vez se trataban sentimientos como la ira, el odio, la tristeza, etc... y además aparecían monstruos claramente representados, lo que posiblemente, nunca se había visto antes en un libro infantil. Los críticos opinaban que el libro asustaría a los niños.

Y lo voy a dejar aquí porque a partir de este punto, ya entraríamos en la época actual de la ilustración infantil, y éste es un tema demasiado extenso para resumirlo en este post y necesitaría un artículo (o varios) para él sólo.

Caracteristicas de la ilustración infantil

Podemos dividir las características en tres apartados

El contenido apropiado para la ilustración infantil

Métodos y técnicas de la ilustración infantil

Objetivos de la ilustración infantil

El contenido apropiado para la ilustración infantil

El contenido de la ilustración infantil cambia con el paso del tiempo. Lo que hace unos años era considerado como inapropiado para el público infantil, hoy en día puede ser visto como algo normal. Además, también depende de la cultura y el país en el que nos encontremos.

En general, casi todo el mundo está de acuerdo en que los niños deben ser protegidos de temas violentos y desagradables, pero hay muchos libros infantiles que tratan temas relacionados con la muerte y otras situaciones serias, que son difíciles de explicar a un niño de forma directa.

A través de los libros ilustrados, los niños son capaces de acercarse a estos temas y asimilarlos de forma natural sin que se cree en ellos ningún tipo de traumas. Es más, los expertos consideran, que los libros que tratan estos temas complicados, pueden ayudar a los niños a lidiar con emociones y situaciones difíciles y evitar futuros traumas.

Por ejemplo, hay libros que tratan la muerte como "Soy la muerte" de Elisabeth Hellando o libros que tratan la violencia doméstica como "Angry Man" de Gro Dahle.

Métodos y técnicas de la ilustración infantil

La ilustración infantil no está limitada a una serie de técnicas, y cualquiera una de ellas es igual de apropiada para hacer un buen trabajo.La única limitación es la preferencia del ilustrador.

Aunque es verdad, que ciertas técnicas son más comunes o se ven habitualmente en libros infantiles. Por ejemplo la acuarela y el gouache gozan de mucha popularidad. Pero también podemos encontrar acrílico, pastel, collage y técnicas digitales.

Quizá, el punto más relevante en este apartado, es el dibujo. Normalmente asociamos la ilustración infantil con un dibujo simple y no realista. La representación de los elementos en este tipo de ilustración pocas veces trata de imitar la realidad de una forma objetiva, y la ejecución de los mismos recuerda a las obras de pintores surrealistas como Marc Chagall.

De hecho, parece que la ilustración infantil guarda cierto parecido con la forma en la que dibujan los niños. Y tiene cierto sentido.

El objetivo del ilustrador infantil es representar la realidad de una forma que atraiga la atención del niño y lo involucre por completo en la historia que cuenta.

No tiene sentido limitarse a representar la realidad tal como la vemos, ya que puede resultar aburrido. Es más interesante deformar y desfigurar las formas para reforzar ideas y evocar emociones.

El color tiene una importancia vital y acompaña siempre la intención de la historia. Si estamos tratando temas alegres, los colores serán vivos, al contrario de si tratamos temas tristes para los que utilizaremos colores apagados. Hay muchas formas de utilizar el color y cada artista tiene sus preferencias, pero siempre debemos tenerlo en cuenta como uno de los elementos principales.

Objetivos de la ilustración infantil

A pesar de que en el pasado no era considerada una rama muy respetada dentro del mundo de la ilustración, en años recientes, esta disciplina está ganando el reconocimiento que se merece.

Los libros ilustrados cumplen una función muy importante en el proceso de desarrollo de los niños ya que, entre sus funciones y objetivos podemos encontrar los siguientes:

Explican de forma sencilla, conceptos que de otra forma, serían difíciles de entender

Ayudan al niño a entender el mundo y la sociedad que lo rodea

Enseñan a lidiar con las emociones y los problemas comunes que pueden surgir a edades tempranas

Presentan valores y lecciones morales que influyen en el comportamiento del niño

Desarrollan la imaginación y promueven el gusto por la lectura

Como le dijo el tío Ben a Peter Parker, un gran poder conlleva una gran responsabilidad. El ilustrador infantil tiene en sus manos las herramientas para influenciar generaciones, por eso, no es de extrañar que esta disciplina cada vez tenga más éxito y reconocimiento y el nivel de los ilustradores infantiles, cada vez sea mayor.

Cómo ser ilustrador infantil

Del mismo modo que no hay un camino concreto a la hora de convertirse en artista, tampoco hay una respuesta que responda a esta pregunta de forma totalmente satisfactoria.

Hay ilustradores infantiles que estudiaron arte desde su juventud y eran grandes dibujantes tradicionales. Otros, en cambio, se habían formado en disciplinas que poco o nada tienen que ver con la ilustración o el arte y sin embargo, se convirtieron en grandes ilustradores infantiles.

La ilustración infantil, como cualquier otra disciplina artística, requiere de un buen gusto para la composición, el color y un cierto sentido artístico en general, pero no es excesivamente exigente con otras habilidades técnicas.

No necesitamos saber dibujar de forma académica, ni necesitamos pintar como los grandes maestros de la pintura. Aunque estas habilidades pueden ayudarnos en la tarea, también pueden limitarnos.

Si estamos acostumbrados a representar la realidad de una forma realista a través de nuestra pintura, puede ser difícil para nosotros adaptarnos a un estilo más apropiado para el público infantil.

Me recuerda al camino seguido por Pablo Picasso, que siendo un pintor figurativo, capaz de pintar con una técnica muy buena, tuvo que desaprender todo lo aprendido hasta llegar al cubismo. En cierto sentido, el trabajo del ilustrador infantil puede ser recorrer el mismo camino que Picasso.

Es muy útil para el ilustrador que pretende dibujar para niños, tener ciertos conocimientos sobre psicología infantil. Existen numerosos cursos de ilustración infantil en el que se tratan este tipo de materias al mismo tiempo que se enseñan algunas técnicas y procedimientos usadas por otros ilustradores. Además, hay libros dedicados a este asunto que pueden ser de gran ayuda para comprender la forma en la que los niños piensan y relacionan conceptos.

Al final, se trata de conectarse con la parte más sincera e inocente de nosotros mismos. De esta forma, podremos crear ilustraciones que tengan fuerza y conecten con los niños. Hay algunas técnicas que pueden ayudarte en esta tarea.

La consistencia es clave en cualquier disciplina, y para ser un ilustrador infantil, tienes que trabajar constantemente, tratando de representar la realidad de una forma que cautive al público infantil.

La experimentación es muy importante. Trabaja en tu sketchbook y realizar ejercicios de dibujo al mismo tiempo que experimentas con nuevas técnicas. Incluso existen libros que están ilustrados con objetos reales de madera y otros materiales.

Cada historia tiene que tener su propio estilo. Aunque hay autores que utilizan el mismo estilo para todo tipo de historias, yo considero muy interesante que cada historia tenga su propio lenguaje visual.

A la hora de buscar trabajo, es probable que quieras tener un estilo reconocible. Esto permitirá que un editor te escoja para un proyecto que se parezca a lo que tu haces. No obstante, es recomendable que no te encasilles y realices proyectos personales con diferentes estilos que te saquen fuera de tu zona de confort.

Descubrirás que forzándote a diseñar e ilustrar historias de una forma diferente, mejorarás como ilustrador en todos los aspectos.

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Qué Es La Ilustración Infantil. Definición Y Características

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Ya hemos visto en otros artículos como este, que existen muchos tipos diferentes de ilustración. Cada uno de ellos tiene una finalidad distinta y hay especialistas que enfocan su carrera en uno o varios de estos campos.

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Artistas reconocidos de la ilustración infantil:
Rébecca Dautremer
Benjamin Lacombe
Quentin Blake
Axel Scheffler

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Historia y características de la ilustración Digital

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Es una forma artística que implementa elementos, técnicas y valores tanto del dibujo, así como de la pintura y son innatamente tanto expresivos, como abstractos. La ilustración, a diferencia del dibujo o la pintura, tienen aplicaciones comerciales mucho mayores, debido a la practicidad, su complejidad y calidad con la que se realiza tradicionalmente. La expresividad y calidad de las ilustraciones se logra a través del color y tonalidades que estas adquieren.

La ilustración digital surge como tal a finales de los años ochenta, cuando Adobe Systems implemento el uso del formato Postscript, el cual traduce los píxeles y vectores en puntos de impresión. El desarrollo de los programas de Adobe Ilustrador, Photoshop y Pagemaker y la adopción de los mismos por parte de Apple fue otro de los factores de la propagación de la ilustración digital.

El desarrollo de la ilustración a través de los medios digitales se convirtió en una constante que fortaleció el uso de las computadoras como herramientas de trabaja y, para los artistas, se convirtió en un elemento indispensable en el desempeño de los profesionales gráficos modernos.

Para diferenciar los 2 conceptos, se puede decir que la ilustración tradicional, es la que mantiene sus cualidades originales, es decir, que se realiza manualmente mediante materiales de dibujo, pintura o collage sobre un papel o lienzo y parten de una imagen trazada o definida por el mismo artista.

Por otra parte, la ilustración digital es definida por su dependencia de herramientas como la computadora y diferentes programas que le ayudan al artista a generar, retocar o complementar imágenes, así como archivos digitales a través de sus propias formas de trabajo que simulan a las técnicas de la ilustración tradicional.

Pero la diferencia definitiva entre ambas, es que la ilustración tradicional es única y original, ya que produce un objeto físico y palpable, mientras que la ilustración digital es completamente virtual y se puede duplicar de manera infinita.

La mayor cualidad de la ilustración digital es su fácil traslado y manejo del archivo digital, lo cual es una necesidad importante en el entorno de la autoedición que de maneja en los niveles editorial e industrial. Adicionalmente, los artistas pueden continuamente editar los trazos para definir de una mejor manera la ilustración, sin que este proceso eche a perder el trabajo como puede llegar a suceder en una obra tradicional. La ilustración digital ofrece una mayor precisión, mayor número de opciones y herramientas automáticas para realizar el trabajo de una manera más eficiente.

En Productor PRO sabemos que la comunicación visual es vital en el mundo actual, por ello contamos con personal creativo cuya función es crear valor a través de las imágenes, nuestro objetivo es darle a tu proyecto una identidad de fácil distinción y retención en la audiencia ayudándote a construir el Branding de tu proyecto.
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Es una forma artística que implementa elementos, técnicas y valores tanto del dibujo, así como de la pintura y son innatamente tanto expresivos, como abstractos. La ilustración, a diferencia del dibujo o la pintura, tienen aplicaciones comerciales mucho mayores, debido a la practicidad, su complejidad y calidad con la que se realiza tradicionalmente.

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Artistas Reconocidos en la Ilustración Digital 

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Artistas Reconocidos en la Ilustración Digital 

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- Picolo:
https://www.instagram.com/_picolo/?utm_source=ig_embed
- Stanley " ArtGerm"
https://www.instagram.com/artgerm/
- Jason Levesque " StuntKid":
https://www.instagram.com/stuntkid/
- Ilya Kuvshinov:
https://www.instagram.com/kuvshinov_ilya/

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https://totenart.com/noticias/historia-y-caracteristicas-del-comic-y-la-ilustracion/

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otro panorama de la ilustración científica

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otro panorama de la ilustración científica

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Cuando hablamos de ilustración científica, nos referimos a un tipo de dibujo muy detallado, con el propósito de reafirmar visualmente los textos de investigadores de disciplinas como: astronomía, arqueología, medicina, botánica, zoología, etc.

Es decir, la ilustración científica es aquella ilustración cuya función es la de comunicar y expresar una información concreta a través de registro (mecánico o manual) de imágenes al servicio de la ciencia.

La ilustración científica, desde los bestiarios hasta las enciclopedias, expediciones y relatos de viaje, así como las guías nos han dado a conocer nuestro entorno. Han sido una fuente de conocimiento y acercamiento a la naturaleza.

Al mismo tiempo, la ilustración cientifica se ha convertido en una fuente de inspiración para artistas, y de alguna manera darnos otra visión de nuestro entorno, pasando de descripciones puramente anatómicas y para expertos, hasta la posibilidad de estudiar y reflejar las características de aquello que representa y describe para un público más amplio y no necesariamente experto, más divulgativa.

El ilustrador científico tiene la responsabilidad de realizar una aproximación a la realidad, de manera que el producto final sea lo más parecido a la especie representada; una fotografía sólo nos acercará a la realidad de un momento en la vida de un individuo de esa especie, aunque las fotografías pueden servir de referencia y apoyo al dibujo.

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Importancia de las ilustraciones de biología en la ciencia
Las ilustraciones de biología cobran tanta importancia para la ciencia. Los textos pueden ayudarnos a comprender con una mayor claridad aquello que las imágenes quieren mostrarnos, sin embargo el texto jamás podrá remplazar al impacto mental que las imágenes tienen sobre el hombre, en muchas ocasiones incluso, la imagen puede llegar a prescindir del texto, convirtiéndose gracias a este hecho en un medio de comunicación universal que libera al conocimiento de las barreras lingüísticas.

Por otra parte existe otra herramienta de ilustración, la fotografía, introducida en el siglo XIX, cuando la técnica hizo posible su popularización: colodión húmedo, planchas secas, película celuloide y cámara leica. Sin embargo la calidad ilustrativa de la fotografía no se compara con la fuerza del dibujo; la fotografía por su parte brinda datos planos, sin interpretación, mostrando con gran fidelidad el elemento expuesto, pero otorgando un valor limitado al conocimiento, en la mayoría de los casos.

La ciencia debe reconocer que el uso de la ilustración ha sido trascendente en los diferentes campos de investigación y la educación sin importar las dificultades de producción, distribución o exhibición de las mismas.

CARACTERISTICAS DE LA ILUSTRACIÓN CIENTÍFICA
El dibujo se convierte en un medio estudio y conocimiento de los elementos que representa. El ilustrador debe facilitar mediante la representación descriptiva y analítica los aspectos morfológicos, mecánicos y funcionales... de lo representado. Pudiendo hacerlo, desde una representación más naturalista o esquemática, dependiendo de la información que se quiera transmitir.

La ilustración cientifica cumple una función DIVULGATIVA (enfermería, campañas de información), DIDÁCTICA, manuales, guías, educación, montaje, INVESTIGACIÓN, (medicina, biología), DOCUMENTALISTA, (arqueológia, botanica, geología, restauración, historia).

TIPO DE IMAGEN

Contiene un alto nivel de iconicidad. Se aproxima a lo que percibimos de la imagen real. Aunque fluctua entre lo realista figurativo y la esquematización y abstracción

La medida de lo representado es fundamental por lo que es necesario utilizar una escala o proporción de lo representado.

Utiliza todo tipo de técnica s tanto en el proceso como en las artes finales, tradicionales y digitales, aunque en al actualidad las técnicas infográficas agilizan el trabajo y obtiene resultados más detallados.

ILUSTRACIÓN y FOTOGRAFÍA

-El dibujo permite la esquematización, conceptualización, utilización de símbolos y convencionalismos, así como texto y referencias.

- No hay necesidad de modelo, con la descripción del modelo se podría realizar una ilustración, por ejemplo lo tenemos en el caso de los retratos robots.

-Es posible un cambio de escala utilizando la ampliación y/o reducción del modelo. Se utilizan diferentes escalas sobre el mismo soporte haciendo un zoom o acercamiento sobre detalles que queramos resaltar.

- El dibujo deja que el autor añada claridad e imaginación a la hora de representar el modelo, teniendo como valor añadido su propio estilo y visión de lo representado.

- También permite realizar cortes, secciones y capas para permitir ver el montaje de un elemento, su interior, composición, etc.

- Por último el dibujo añade un elemento psicológico de proximidad con el espectador.

DOS PRECEDENTES DEL RENACIMIENTO: LEORNARDO Y ALBERTO

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo no fue un pintor prolífico pero, en cambio, fue un dibujante muy productivo; llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. El joven Leonardo era un amante de la naturaleza, la cual observaba con gran curiosidad y le interesaba.Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio, un estudio de las proporciones del cuerpo humano

Alberto Durero (Albert Dürer, 1471-1528)
Algunas palabras de Durero referentes a los cuatro libros de las proporciones humanas:

Una buena figura no puede hacerse sin diligencia y cuidado; antes de ponernos a trabajar en ella, debemos haberla considerado bien; pues no nos saldrá bien del azar. Porque, como las lineas de su forma no pueden trazarse con compás o regla, sino que deben ser dibujadas a mano de punto a punto, es fácil errar en ellas. Y al proyectarlas tales figuras debe aplicarse gran atención a las proporciones humanas, y todos sus tipos deben ser investigados. Yo entiendo que cuanta más exactitud y cuidado se ponga en hacer que la figura se parezca a un hombre, tanto mejor resultará la obra. Digna será si las partes mejores, seleccionadas entre muchos hombres bien formados, están adecuadamente unidas en una sola figura. Pero algunos son de otro parecer y discuten cómo deberían ser los hombres. No quiero discutir con ellos sobre ese punto; pero yo tengo a la naturaleza por maestra en estas materias y a la fantasía humana por ilusión engañosa. El creador conformó a los hombres de una vez para siempre como debían ser, y yo entiendo que la perfección de forma y belleza está contenida en la suma de todos los hombres. Antes seguiré al hombre que sea capaz de extraerla rectamente que al que pretenda establecer alguna proporción inventada, de las que no participen los seres humanos. Porque la figura humana debe, una vez para todas, permanecer diferente de las de otras criaturas, y que los pintores representen a ésta de otra manera, como les plazca. Sin embargo, si alguien quisiera atacarme en este punto -es decir, que yo mismo he establecido proporciones extrañas para las figuras- sobre esto no quiero discutir con nadie. A pesar de todo, no son inhumanas; las puse tan aparentadas una de otra con objeto de que cualquiera pudiera darse cuenta de ello por si mismo, e ir con cuidado cada vez que piense que yo hago demasiado o demasiado poco a despecho de la forma natural- para que evite esto y siga la naturaleza.

En el dibujo científico, como sinónimo de exactitud y memoria, Durero es el más grande dibujante de todos los tiempos, maestro de origen alemán, pues nadie como el supo como resolver el difícil punto de la proporción y es uno los pocos que realmente dibujó de memoria.

En el Renacimiento había tres clases de maestros:

- los que dibujaban imitando a las esculturas de los antiguos griegos y de los maestros notables de su época, -los que dibujaban del natural,
-y por último, los que de tanto dibujar y estudiar la naturaleza dibujaban de memoria.

Durero era del tercer grupo, eso es fácil de corroborar si se estudian sus manejos de movimiento y la dinámica de su dibujo para contener los volúmenes, para ser más claro, no se puede dibujar un ropaje en movimiento si es que no se sabe cual es la lógica del movimiento de la tela, tampoco se puede dibujar a un hombre corriendo porque este modelo variará a cada instante la perspectiva del pintor, y eso del movimiento es constate en la obra de Durero, su trabajo es real por las acciones que les confirió a sus personajes.

Hay un maestro dibujante muy posterior a Durero que tuvo un similar desborde creativo y precisión de trazo, su nombre era Gustavo Doré, pero su arte carece de ese lirismo matemático y desdoblamiento de imágenes del maestro alemán Alberto Durero que era más inteligente en ese vértigo desarrollado sobre un plano geométrico de reglas de la proporción y relaciones de espacios armónicos, en cambio, Doré era más romántico, es decir, más liberado de la geometría del plano.

Vía: El dibujo de Alberto Durero

Siglo XVIII: Nacimiento de la ciencia

-CARL LINNÉ. (1769- 1859)
-ALEXANDER VON HUMBOLT. (1769- 1859)
-HIPOLITO RUIZ Y JOSÉ Aº PAVÓN. (1777-1788)
-CHARLES DARWIN. (1831-1836)

En las expediciones de Carl Linné se tiene por primera vez la necesidad de registrar los elementos de la naturaleza mediante su imagen para su estudio y clasificación.

"El Naturalista" (1707-1770)

IMPORTANTE PARA BOTANICOS, ZOOLOGOS, JARDINEROS....

Pensamiento científico de Linneo

Carlos Linneo, también conocido como Carl von Linné o Carolus Linnaeus, es llamado con frecuencia el Padre de la Taxonomía, nombró y clasificó por primera vez en la historia animales, vegetales y minerales. Todavía se usa (aunque con muchos cambios) su sistema para nombrar, ordenar y clasificar los organismos vivos. Sus ideas sobre la clasificación han influenciado a generaciones de biólogos, zoologos, jardineros, etc.

La naturaleza como herramienta de Dios. Linneo amaba profundamente la naturaleza, y las maravillas del mundo de los seres vivos. Sus creencias religiosas lo condujeron hacia la teología natural; puesto que Dios ha creado el mundo, es posible comprender su sabiduría estudiando su creacción. Y así lo expresó en el prefacio a una edición posterior de Systema Naturae: La creacción de la Tierra es la gloria de Dios, tal como sólo el Hombre lo ve por las obras de la Naturaleza. El estudio de la naturaleza revelaría el Órden Divino de la creacción de Dios, y el trabajo del naturalista era construir una "clasificación natural' que revelaría este Órden en el universo.

GEORG DIERY EHRET

Pierre-Joseph Redouté (1759-1840) fue un pintor belga que dedicó gran parte de su carrera a pintar en acuarela distintos tipos de flores. Incluso llegó a ser parte de los artistas oficiales de la Corte de Maria Antonieta. Su trabajo no solo destacó por su belleza sino que también como aporte a la botánica.

Vía: El blog de Moyra

OLOF RUDBECK EL JOVEN

El joven Rudbeck fue un gran ornitólogo y botánico que llevó a cabo su doctorado en Utrecht en 1690.
Viajó a Laponia en 1695, uniéndose a una expedición encargada por el rey, donde su misión fue estudiar la naturaleza en general y las montañas en particular. Regresó con muchísimo material y habiendo confeccionado bellos álbumes de dibujos coloreados donde se podían apreciar diversas aves, flores y paisajes de Laponia, trabajo por el que es mejor recordado.

EXPEDICIÓN A LAPONIA, 1732 Ilustraciones de Johannes Scheffer. Su fama póstuma se asocia principalmente con su trabajo en el manuscrito Lapponia -la cual es considerada como la primera monografía en la que describe al pueblo de Sami-. Los capítulos abarcan temas diversos como la extracción de los sami, la lengua, los lugares de vivienda, el vestido, la artesanía, los roles de género, la caza, la crianza de los hijos, la religión pagana y otros capítulos sobre los metales, la flora y la fauna en el norte de Suecia.

Scheffer (1621-79) fue profesor de elocuencia y filosofía en Upsala

ALEXANDER VON HUMBOLDT

Alejandro de Humboldt nació en Berlín en 1769. "Padre de la Geografía Moderna Universal". Los viajes de exploración le llevaron de Europa a América del Sur, EE.UU. y a Asia Central.

Se especializó en diversas áreas de la ciencia como la etnografía, antropología, física, zoología, ornitología, climatología, oceanografía, astronomía, geografía, geología,mineralogía, botánica, vulcanología y el humanismo.

En París, conoce a los notables científicos Cuvier, Laplace, Berthollet y Delambre. También hace amistad con un joven y talentoso botánico francés: Aimé Bonpland, con quien se asocia en sus planes de viaje.

Humboldt y Bonpland, después de ver frustrados varios proyectos, deciden viajar a España en marzo de 1799, con el objeto de pedir permiso al Rey Carlos IV para viajar a las colonias españolas en América. La Corte de Aranjuez le concede a Humboldt un amplio pasaporte y, el 5 de junio de 1799, zarpa del puerto La Coruña (España) la corbeta "Pizarro", llevando a los posteriormente famosos naturalistas.

Realiza las ilustraciones junto al naturalista Amié Bondpland.

El descubridor científico del Nuevo Mundo, cuyo estudio ha dado a América algo mejor que todos los conquistadores juntos.
Simón Bolivar

"Humboldt y el cosmos". (1769- 1859) PRUSIA

En el s. XVIII, la ciencia era una ocupación indigna entre la clase alta.

La fitogeografía estudia la relación que hay entre las condiciones del medio (humedad, radiación, altitud, etc) con la distribución de las formaciones vegetales (bosques, matorrales, praderas, etc). Durante milenios el ser humano se ha aprovechado de esta zonación altitudinal para gestionar el medio (viviendo en los valles donde hay madera, llevando los rebaños a las montañas en verano donde hay pastos, etc).

Pero el primero que formalizó este concepto de modo más o menos científico fue Alexander von Humboldt, que describió los diferentes pisos a lo largo de inmensos gradientes de altitud en los Andes, desde bosques tropicales de tierras bajas hasta vegetación alpina al borde de glaciares permanentes. Él hizo estas y otras observaciones, y por ello se le considera el padre de la fitogeografía.

FRANCIS CASTELNAU, 1810-1880
François Louis Castelnau fué un naturalista francés. Nacido en Londres, estudió historia natural en París. De 1837 a 1841 hizo una expedición científica a Canadá donde estudió la fauna de los lagos canadienses y los sistemas políticos de Canadá y de los Estados Unidos.

NICOLAS ROBERT

Nicolas Robert (Langres, 1610-1684) fue un pintor miniaturista y grabador francés.

Fue nombrado pintor del rey para miniaturas, y también desarrolló un importante papel en el terreno de la ilustración botánica.

HIPOLITO RUIZ Y JOSÉ Aº PAVÓN.

Discípulo del entonces director del Real Jardín Botánico de Madrid, antes de terminar sus estudios, en 1777, se le nombró director de la Expedición Botánica al Virreinato del Perú, con la que recorrió Chile y Perú junto a los botánicos José Pavón y Joseph Dombey

Tras partir de Cádiz en 1777, llegaron a Lima en abril de 1878. Recorrieron Perú y Chile durante un periodo de diez años recogiendo materiales. Destacan, ante todo, cerca de 3000 ejemplares de especies vegetales, unos 2500 dibujos botánicos a tamaño natural, y plantas vivas.

Esta expedición se la considera como una de las más importantes del siglo XVIII desde el punto de vista científico. Las colecciones llegaron ordenadas a Cádiz en 1788 y fueron depositadas en el Jardín Botánico de Madrid y en el Gabinete de Historia Natural. Esto significó la incorporación de un centenar y medio de nuevos géneros y de unas quinientas nuevas especies. Fué el primer estudio exhaustivo de la vida vegetal en sudamerica.

José A. Pavón Jiménez, nació en Casa Tejada, Cáceres, en 1754. Estudió farmacia, e igual que Ruíz, siguió los cursos del Jardín botánico. Fue nombrado también botánico de la expedición a Perú y Chile. Como hemos visto, trabajó estrechamente con Hipólito Ruíz

"Flores para el rey" (1777-1788)

"Darwin. La expedición en el Beagle"

Inicia la expedición el Beagle

El viaje del Beagle duró casi cinco años, entre 1831 y 1836. Tal como Fitzroy le había propuesto, el joven Darwin dedicó la mayor parte de su tiempo a investigaciones geológicas en tierra firme y a recopilar ejemplares, mientras el Beagle realizaba su misión científica para medir corrientes oceánicas y cartografiando la costa. Darwin tomó notas escrupulosamente durante todo el viaje, y enviaba regularmente sus hallazgos a Cambridge, junto con una larga correspondencia para su familia que se convertiría en el diario de su viaje.

Contempló con asombro la diversidad de la fauna y la flora en función de los distintos lugares

Brasil, Uruguay, Argentina, Chile, Perú

Islas Galapagos, Tahití, Nueva Zelanda,

Australia y otros países de paso

Bergantín de diez cañones

ROBERT FITZROY, ALMIRANTE DE LA NAVEGACIÓN Y CONTRARIO A LAS TEORIAS EVOLUCIONISTAS DE DARWIN.

EPOCA DORADA DE LA ILUSTRACIÓN

Dentro de estos viajeros, científicos e ilustradores, el inglés John Gould, se destaca como uno de los grandes naturalistas de todos los tiempos.

Trabajadora incansable, siempre en un discreto segundo plano, Elisabeth dibujó para su esposo aproximadamente unas 600 ilustraciones hasta el día de su muerte en Agosto de 1841. Su firma aparece en los dibujos de obras como A Century of Birds from the Himalaya Mountains ( 1830-1832), Birds of Europe ( 1837), y Birds of Australia ( 1840-1848). A partir de entonces John Gould tuvo que contratar a distintos artistas para que ilustrasen sus publicaciones, como Joseph Wolf, Henry Constantine Richter y William Hart.

Wolf, fue uno de los mejores artistas de su época; aficionado a las aves desde su juventud fue un gran amante de la naturaleza y gustaba de ilustrar aves vivas, para lo cual salía al campo a observarlas para luego plasmarlas en el papel; sus obras también acompañaron manuscritos de celebres ornitólogos de la época publicados en The Ibis, Proceedings y Transactions of the Zoological Society.

En las obras de Gould aparecen también litografías de Edward Lear, quien además fue el creador de la maravillosa obra A family of Parrots; sus litografías transmitían una gran viveza y realismo, pues Lear prefería utilizar modelos vivos en lugar de pieles, logrando plasmar en sus obras algunas características muy sutiles del plumaje de los loros y demás aves que ilustró.

De la misma época tenemos el trabajo del naturalista inglés Prideaux John Selby.

Artistas como Paul Louis Oudart o John Gerrard Keulemans ilustraron muchos de los trabajos ornitológicos de diferentes investigadores como Philip Lutley Sclater de Inglaterra, así como revistas y libros de la época.

Otro gran ilustrador, naturalista y coleccionista de aves inglés fue George Edward Lodge, quien gustaba plasmar con gran exactitud los especimenes que ilustraba, siendo a la vez un gran taxidermista; tal vez su principal obra fue la que realizó junto con David Armitage Bannerman The Birds of the British Isles entre 1953-63.

Regresando al continente americano, luego del increíble éxito e impacto de las ilustraciones de AUDUBON al acercar la naturaleza a la sociedad, y quien falleció en 1851, aparece Louis Agassiz Fuertes (1874- 1927). Fuertes ha sido considerado uno de los más grandes naturalistas y artistas en el mundo de la ornitología, sus primeras ilustraciones publicadas son de 1886 y además fue un gran colector de aves.

Durante su vida conoció y trabajó con grandes científicos y ornitólogos, realizó innumerables expediciones (incluyendo Colombia), colectando e ilustrando aves para el American Museum of Natural History entre otras .

En el campo realizaba bosquejos de las aves colectadas por él o los otros expedicionarios, así como de las plantas de la zona, las cuales servirían después para completar el paisaje de fondo de sus ilustraciones. Captó en ellas la imagen de las aves lo más fiel a la realidad, con su apariencia, posturas, comportamiento y gran realismo, transportando al observador a los lugares donde se encontraban las aves y su magnificencia, aunque sus ilustraciones muchas veces no representaran las aves en escala 1:1, al contrario de J. J. Audubon, a quien Fuertes admiraba.

Un ejemplo de "ILUSTRACIÓN BOTÁNICA" por Santi Martín

Árbol de hierro (Parrotia persica)
Álmez (Celtis australis)

Tilo (Tilia platyphyllos)

Pino del Himalaya (Pinus wallichiana)

Abeto (Abies alba)

Encina (Quercus ilex)

Alcornoque (Quercus suber)

Vía: Ilustración botánica

EDUARDO SAIZ ALONSO
Nacido en Burgos, en 1.950.
Alumno de la Escuela Provincial de Dibujo, Dip. de Burgos.
Licenciado en Ciencias Biológicas por la Univ. de Barcelona.
Ilustrador científico profesional desde 1.975.
Miembro fundador del Colectivo de Ilustradores Científicos de Cataluña "Imago".

Su obra reúne trabajos de tema naturalista por un lado y de tema arqueológico y etnográfico por otro, siempre caracterizados por el máximo rigor científico y la búsqueda de una expresividad realista y ágil.

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Cuando hablamos de ilustración científica, nos referimos a un tipo de dibujo muy detallado, con el propósito de reafirmar visualmente los textos de investigadores de disciplinas como: astronomía, arqueología, medicina, botánica, zoología, etc. Es decir, la ilustración científica es aquella ilustración cuya función es la de comunicar y expresar una información concreta a través de registro (mecánico o manual) de imágenes al servicio de la ciencia.

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Ilustración científica y naturalista: ¿cuál es la diferencia?

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El límite entre ilustración científica y naturalista es tan sutil como problemático y ha suscitado gran debate entre los profesionales de la ilustración.

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Introducción

La prestigiosa revista La Ilustración Artística inició su andadura el 1 de enero de 1882, a cargo de la casa editorial barcelonesa Montaner y Simón, como regalo a los suscriptores de la Biblioteca Universal Ilustrada, colección de novelas, ensayos y libros de viaje de autores clásicos.

Su andadura, sujeta a la periodicidad semanal, concluyó el 25 de diciembre de 1916, dejando un total de 1.826 números publicados.

Proponemos aquí un pequeño acercamiento a esta experiencia editorial, agradeciendo las pocas referencias encontradas hasta la fecha, destacando entre ellas -como viene siendo habitual- Revistas ilustradas en España: del Romanticismo a la Guerra Civil, de Juan Miguel Sánchez Vigil.

Principales características

La Ilustración Artística se caracterizó desde el primer momento por su cuidada edición, tanto en continente como en contenido. Podría incluso afirmarse que se trataba de una edición de lujo si nos fijamos en su encuadernación en tela.

Formalmente, se trata de una publicación con formato gran folio {37,5 × 26,5 cm} que sumaba en cada número 16 nuevas páginas.

En relación a las materias tratadas, basta con dar cuenta del subtítulo descriptivo de la publicación: "Periódico Semanal de Literatura, Artes y Ciencias". A él añadimos el lema autoatribuido por la redacción en el cierre de su primer artículo publicado, dedicado al pintor Fortuny, y que reza como sigue:

Nuestro lema es: ¡HONOR AL GENIO!

Revista ilustrada

Merece un punto y aparte la característica en que realmente se fundamentaba esta publicación: su carácter ilustrado.

La Ilustración Artística fue la segunda publicación de este tipo con mayor vida editorial en España, quedando superada únicamente por La Ilustración Española y Americana. Al igual que ésta, sigue el modelo iniciado en Europa por The Illustrated London News {Londres, 1842}, Illustrierte Zeitung {Leipzig, 1843} y L'Illustration {París, 1843}.

En cada uno de sus números se contabiliza una media de 30 ilustraciones - grosso modo, el 50% del espacio disponible-. Entre ellas se encuentran numerosos grabados, tanto de autores nacionales como extranjeros, aunque se priorizaron los materiales fotográficos, siempre acompañados por pies explicativos donde figuraba el nombre del fotógrafo.

A partir de la época de 1890, colaboraron en esta publicación los mejores fotoperiodistas del momento. Entre ellos destaca el nombre de Alejandro Merletti, a quien se deben los reportajes publicados sobre los viajes del rey Alfonso XIII a Barcelona y Mallorca en abril y mayo de 1904.

En el campo de la ilustración, sobresale la firma de Apeles Mestres.

Evolución técnica

Como es habitual en este tipo de publicaciones periódicas, se pretendía combinar la calidad artística de las imágenes con el perfeccionamiento técnico de la xilografía.

En este sentido, La Ilustración Artística evolucionó progresivamente y, en la década de los años noventa, incorporó definitivamente los sistemas de fotograbado directo.

No obstante, el cambio más notable se produjo entre 1897 y 1898, cuando se pasó del predominio de los dibujos, que ocupaban la mitad de las páginas, a una mayoría de portadas fotográficas.

Principales etapas

En Ganso y Pulpo todavía no hemos encontrado, entre la literatura académica cotejada, una diferenciación fundamental que distinga varias etapas durante la existencia de esta cabecera.

Producción literaria

Ya hemos apuntado que entre las principales materias tratadas en esta publicación se encuentra la literatura. El gusto romántico por las colaboraciones literarias se hace patente en este caso con la publicación de numerosos relatos cortos, firmados por diversos escritores que gozaban de gran prestigio en aquella época. Asimismo, también abundan los relatos por entregas.

No es nuestra intención -de momento- publicar aquí un listado completo y exhaustivo de todos los escritores que colaboraron en La Ilustración Artística. Ello no implica que no vayamos a destacar a continuación algunas de las firmas más recurrentes y reconocidas. Entre ellas se cuentan las de Alarcón, Manuel Fernández y González, Enrique Pérez Escrich, Eduardo de Lustonó, Moreno Godino, Mas y Prat, José Zahonero, Antonio Trueba, Pedro María Barrera, Ortega Munilla, Eduardo Palacio, Vital Aza, Palacio Valdés, Carolina Colorado, Sánchez Pérez, Larra, Campoamor...

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Descripción:

Bocetado, diseño, técnicas de ilustración y presentación profesional de un personaje

Este curso te proporciona los conocimientos esenciales para afrontar el reto de diseñar y crear personajes a través del dibujo y diferentes técnicas de arte conceptual. Partiendo de descripciones ya dadas o de tus propios bocetos serás capaz de desarrollar un personaje con características propias y originales y presentarlo de una manera profesional.

Este curso es la oportunidad perfecta para todos aquellos que tienen cierta experiencia artística y desean avanzar en el arte digital y en el característico mundo del diseño de personajes.

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Ilustración y Diseño de Personajes | cvtcenter

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Bocetado, diseño, técnicas de ilustración y presentación profesional de un personaje Este curso te proporciona los conocimientos esenciales para afrontar el reto de diseñar y crear personajes a través del dibujo y diferentes técnicas de arte conceptual.

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La ilustración vectorial es una técnica de dibujo digital que nos permite crear figuras y formas geométricas a partir de vectores previamente programados por coordenadas.

A primera vista, puede parecer un proceso complejo. Sin embargo, merece la pena adentrarse en su aprendizaje, ya que gracias a su sistema de trazado de líneas y la consiguiente creación de figuras geométricas nos permite crear dibujos e ilustraciones de gran calidad y valor artístico.

La ilustración vectorial permite crear diseños e ilustraciones con una precisión prácticamente exacta. Además, cuenta con la ventaja de que podemos aumentar, disminuir y modificar el tamaño de nuestras ilustraciones sin perder nitidez y conservando la calidad del diseño original.

La Ilustración vectorial, ¿cómo se realiza el trazo con vectores?

El trazado de una línea recta se realiza mediante los nodos, son dos puntos que nos indican el inicio y fin de la línea. Su función es mantener unido al objeto.

El trazado de una línea curva se realiza por el método de las Curvas de Bézier, donde además de los nodos, que indican el principio y fin de la línea, se usan unos puntos a su alrededor llamados puntos de control o manecillas cuya función es permitirnos dar forma a la curva.

¿Cuáles son las áreas de trabajo principales?

Pintura digital. El uso de vectores en pintura digital nos permite editar figuras geométricas, aplicar color a la línea de los vectores y en el interior de la figura creada.

Ilustración tradicional. Es muy común escanear ilustraciones dibujadas a mano y convertirlas en un dibujo vectorial, creando así ilustraciones y gráficos precisos, dotados de una mayor calidad.

3D. La vectorización nos permite dotar de tridimensionalidad a nuestros diseños e ilustraciones, pudiendo realizar el diseño de personajes y entornos en 3D para cine, videojuegos y animación.

Diseño gráfico. Para la creación de logotipos, banners, carteles promocionales e incluso trabajos de impresión. Resulta especialmente útil en la creación de logotipos y tipografía debido a la posibilidad de cambiar el tamaño sin afectar al diseño principal. Puedes ajustarlo al tamaño que desees en el caso de que necesites crear un mismo logo en diferentes tamaños.

¿Con qué softwares trabajamos la ilustración vectorial?

Sin duda, el software de referencia para la edición de imágenes vectoriales es Adobe Illustrator.

Sin embargo, existe una gran variedad de programas y aplicaciones que podemos usar para trabajar con vectores. ¡Vamos a verlos!

Corel Draw Graphic Suite Cuenta con una aplicación denominada CorelDraw, para el dibujo basado en vectores y el seguimiento de mapa de bits a vector.

Inkscape Es un programa gratuito, presenta características similares a Adobe Illustrator. Posee, entre otras, características como la herramienta de forma, caligrafía y editor de degradado.

Affinity Designer. Software de diseño gráfico vectorial considerado uno de los más rápidos y precisos para el trabajo con vectores.

Programa, exclusivamente para Mac OS X, que permite exportar archivos vectoriales y convertir imágenes de mapas de bits en rutas vectoriales.

Indesign. Programa de autoedición y maquetación profesional. Posee un conjunto de herramientas para el dibujo vectorial que permite realizar gráficos sencillos. Permite importar textos y gráficos vectoriales de Adobe Illustrator.

Una de las tendencias que se anticipa para el próximo año en Diseño Gráfico, es la utilización de ilustraciones, gráficos e iconos, creados manualmente con técnicas tradicionales para llevarlos después a vectores que exaltan su personalidad original y ayudan a dar limpieza a la imagen.

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La Ilustración Vectorial, ¿qué es, cómo funciona, qué softwares podemos utilizar? | Arteneo

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diseño de personajes con técnicas digitales

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Tutorial Ilustración de un personaje 1 de 4