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Tramas
Daniela Herrera

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Red de módulos
Daniela Herrera

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Conocí de la existencia de en el segundo taller de "Leer libros álbum" impartido por Micaela Chirif, al que asistí el pasado mes de enero. Ya os conté sobre mi experiencia en el primer taller Katsumi Komagata aquí

El caso es que me ha parecido oportuno escribir un post sobre este autor de libros. Y es que nadie debería perderse su derroche de creatividad e imaginación. No sólo porque es un deleite para la mirada sino que además resulta un recurso fantástico para enseñar a mirar a los niños.

Katsumi Komagata es un diseñador gráfico japonés que ha adquirido fama mundial gracias a sus libro-objeto. Comenzó a hacer este tipo de obras poco después que naciese su hija. Según él, fue la forma que encontró de comunicarse con ella. Hacerlo sin palabras, sólo a través de formas y figuras inspiradas en la interpretación del mundo de su bebé

La experiencia con su hija dió como resultado la maravillosa colección "Little Eyes". Se trata de una serie de 10 volúmenes que cubren toda la franja de edad del público prelector (desde los 3 meses hasta los 2 años )

First Look. Libro ideado para bebés de 0 a 5 meses. Las fichas van desplegándose mostrando figuras en blanco y negro de distintas formas y tamaños. Esto permite a los padres poder usar el libro desde distintas perspectivas e incluso con luz, para que sus bebés puedan observar los cambios de brillo, sombras y formas.

2. Meet Colors. Libro para bebés de 3 a 5 meses. Este libro es perfecto para introducir los colores primarios y las formas básicas. Las distintas ventanas que conforman las páginas abren un amplio abanico de combinaciones entre los elementos gráficos.

3. Play with colors. Este volumen está pensado para bebés a partir de los 5 meses de edad. Las formas de las distintas tarjetas son mucho más complejas desde el punto de vista gráfico. Como el propio título del libro, los elementos han sido pensados para esta etapa donde los bebés están sedientos de curiosidad y la actividad sensorial es la principal forma de juego.

4. One for many. Este libro se dirige a niños de 1 a 2 años para ayudarles a comprender la relación que se establece entre las partes divididas de una forma y la forma en su totalidad.

5. 1 to 10. Un volumen compuesto por 12 tarjetas para aprender los números y el concepto abstracto de la cantidad. Las formas circulares se incrementan o disminuyen dependiendo del orden en el cual se desplieguen las tarjetas. Por otro lado, los circulos troquelados permiten un juego con la luz muy interesante para activar la mirada curiosa de los peques.

6. What colors? Como los dos títulos anteriores, también está pensado para niños de 1 a 2 años. La diferencia con éstos es que las figuras representadas en las tarjetas ya no son formas básicas. Komagata ha dispuesto las tarjetas de tal manera que a medida que van pasando, se puede descubrir los puntos en común de los objetos a través de los colores. Me parece una opción muy buena para enseñar los colores 😀

7. The animals. Catalogado para niños de 2 años, este libro permite que descubran el mundo animal de una forma diferente. Cada tarjeta muestra la figura de un animal y al desplegarla se muestra una escena que cuenta una historia. Las historias de cada tarjeta se pueden combinar para formar historias diferentes.

8. Friends in nature. Compuesto por 4 cuadernos en su interior que al desplegarse forman una escena en secuencia. Es un buen ejemplo de libro para compartir entre padres e hijos. Los padres leen la primera secuencia y piden al niño que imagine cómo será la escena siguiente. De esta manera, juntos pueden crear historias genuinas.

9. Walk & Look. Un libro inspirado en el movimiento y energía de los niños de dos años. El diseño en zig-zag permite que las figuras representadas en papel puedan verse desde diferentes perspectivas: vertical, horizontal y de izquierda a derecha. Así, las posibilidades de creación de varias historias se amplían poderosamente.

10. Go Around. Al igual que el anterior, las tarjetas en zig-zag también pueden verse en horizontal y vertical, así como de izquiera a derecha. Las diferencias de este título con respecto al anterior son que éste último también se puede leer si se gira hacia abajo. Por otro lado, las ilustraciones se vuelven algo más complejas y el número de elementos gráficos aumenta.

Komagata construye la historia desde la materialidad del libro. Y así lo convierte en poesía visual. Así lo eleva a la categoría de obra de arte.

Os dejo con unos vídeos en los que podréis ver mejor los maravillosos libros de este genial artista.

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Katsumi Komagata y sus libros para enseñar a mirar - Reino bajito

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Conocí de la existencia de en el segundo taller de "Leer libros álbum" impartido por Micaela Chirif, al que asistí el pasado mes de enero. Ya os conté sobre mi experiencia en el primer taller Katsumi Komagata aquí El caso es que me ha parecido oportuno escribir un post sobre este autor de libros.

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Articulo para leer sobre la historia del grupo

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Cuando aún era estudiante de Bellas Artes visité en Madrid la exposición El arte y su Doble, donde se mostraban las obras de algunos/as artistas americanos/as que en aquellos años marcaban la pauta de la modernidad creativa en la gran manzana y por influencia, también en Europa.

De entre las imágenes de aquella exposición hubo una que se mostró especialmente persistente en mi memoria, se trataba de un gran cuadro de Tim Rollins and KOS, creo recordar que era uno de la serie América, basada en la obra de Franz Kafka. Me llamó la atención el resultado visual, pero sobre todo me intrigó lo poco que pude averiguar sobre la forma de trabajar de estos artistas: un grupo de jóvenes del Bronx coordinados por un adulto, la creación colectiva en aquellos años era todavía una rareza entre tanta individualidad deseosa de destacar.

Desde entonces me he encontrado aisladamente con obras de este colectivo en varias partes del mundo, pero no ha sido hasta el año pasado en Edimburgo cuando he tenido la oportunidad de ver una gran retrosprectiva ("The Black Spot" en la Talbot Rice Gallery) del trabajo de Tim Rollins y su grupo.

Tim Rollins nació en 1955 en Pittsfield, una ciudad de provincias de EEUU. Inquieto, crítico y aventajado estudiante de arte en la Universidad de Maine, Augusta, consiguió una beca para estudiar en la School of Visual Arts de Nueva York. Allí destacó y sobre todo quedó bastante marcado por la relación con uno de sus profesores: Joseph Kosuth, uno de los padres del arte conceptual con el que estuvo colaborando durante años. Formó parte del colectivo Group Material desde 1979, que indagó sobre las relaciones entre arte y política y que cuestionaba nociones como la de objeto artístico o espacio expositivo, Pero el momento crucial de su carrera llegó cuando en 1981, tras acabar sus estidios, comienza su tarea docente en una escuela del Bronx Sur, la Intermediate school 52. El Bronx a principios de los ochenta era un barrio desolado, que había visto destruido su espacio físico y su vida social a causa de las decisiones urbanísticas que en los sesenta transformaron esa parte de Nuev York. Como resultado: ruinas, basura, degradación urbana, delincuencia y ninguna esperanza para sus habitantes. El fantástico libro de Marshall Berman o el de Iria Candela, describen muy bien este proceso y en el segundo caso, el trabajo de artistas como Camilo Vergara para documentarlo.

Rollins llegó a lo que él denominó "el infierno en la tierra" y se propuso utilizar el arte con su grupo de estudiantes como medio de transformación social y de superación personal. Trasladó al Bronx su filosofía del arte como supervivencia, como herramienta de transformación de las situaciones adversas que él mismo había experimentado desde su infancia. De ahí el nombre del grupo: Tim Rollins and K.O.S. (Kids of Survival). Rollins poseía una fuerte vocación docente, influenciada sobre todo por John Dewey, y sobre la que su amiga Julie Ault había afirmado: "Tim nació profesor, y para él el arte implica de forma inherente enseñar y aprender"**. Rollins, admirador de la figura y las ideas de Martin Luther King, pensaba que las personas no están determinadas por su entorno y que el arte y la educación pueden ser herramientas para la mejora social y personal.

El Bronx en aquellos años era la cuna del hip-hop y del graffiti, y la sala de arte de la citada escuela, como él mismo describe: "a hip-hop Sistine Chapel", cubierta de graffiti en cada centímetro cuadrado, inlcuido el techo. Ante aquello Tim Rollins vió la posibilidad de reconducir toda esa energía creativa hacia propuestas creativamente más constructivas y educativas. Descubriendo que pocos de sus estudiantes sabían leer pensó que no tenía sentido desarrollar su creatividad artística "si no podían deletrar la palabra artístico" por lo que puso en marcha un taller de lectura basado en la literatura clásica y a partir de ahí trabajaron la respuesta a esos textos a través de obras de arte. Su filosofía educativa y artística, influenciada como hemos visto por Dewey, M. Luther King y también por personas como Freire, Ivan Illich, Thoreau, Montessori o Munari, integra una serie de principios entre los que sobresalen el fuerte compromiso con la comunidad, la creatividad entendida como colaboración, o el arte como forma de desobediencia civil a la vez que como medio para reconstruir la idea de democracia. Rollins luchó desde el principio por conectar Arte y Vida.

Desde ese momento en adelante fue tomando cuerpo la frase con la que, según sus propias palabras, se presentó Tim Rollins en esos primeros días de profesor ante los chavales del Bronx: "Today we are going to make art and we are also going to make history", ya que, al cabo de unos pocos años, el grupo se hallaba ya inmerso en el circuito del arte más vanguardístico de Nueva York, lo que les llevó a la portada de la revista Artforum en el año 1989.

El proceso seguido para elaborar la mayoría de sus más conocidas obras, todas ellas pinturas o instalaciones basadas en libros, normalmente con una importante relevancia cultural, ha sido descrito de la siguiente manera: "Uno de los estudiantes lee en voz alta el texto seleccionado mientras el resto de los estudiantes realizaban bocetos en respuesta a esta lectura (...). Otras tareas de lectura y escritura solían centrarse en desarrollar un análisis colectivo del significado histórico y la relevancia social del libro. Tras una fase de recopilación de bocetos y de desarrollo de diversos motivos visuales, el grupo identificaba de forma conjunta aquellos dibujos más interesantes. A menudo esta selección iniciaba un nuevo ciclo de respuestas creativas". Finalmente cuando las imágenes que representarían al texto se habían consensuado de forma definitiva, se pegaban las hojas del libro al lienzo, se proyectaban esos dibujos sobre la superficie de las hojas y se procedía al trabajo definitivo. En todos estos años el grupo ha trabajado sobre libros de Kafka, M.Shelley, Hawthorne, Lewis Carrol, Shakespeare, Aristófanes, entre muchos otros.

Dentro de un trabajo creativo comprendido principalmente como colaborativo, la figura de Rollins ha permanecido durante todos estos años jugando un rol de liderazgo y dirección. Esta relación entre la figura de Rollins y el resto del grupo ha sido uno de los aspectos que han generado debate en torno al colectivo en sus años de historia, así como han surgido controversias y críticas sobre el uso de los emblemas literarios de la cultura occidental como referencia, lo que para algunos críticos supone una postura de "sumisión" al ámbito cultural dominante (aspectos rebatidos por Tim Rollins en sus textos y entrevistas). Al igual que han sido producto de polémicas la integración del grupo, con vocación de activismo artístico, en el circuito consolidado del mercado artístico norteamericano. Aspectos todos ellos dignos de reflexión pero que no quitan a mi juicio nada de interés al trabajo de este grupo, toda una referencia educativa y artística desde los ochenta a nuestros días. Tim Rollins and K.O.S. siguen actitvos y sus miembros se han ido renovando con los años, aunque su espíritu permanece.

La historia de Tim Rollins and K.O.S. está contada en un documental: The Art of Survival. The Story of Tim Rollins & K.O.S., que se puede encontrar en You Tube:

Hay una serie de vídeos en vimeo muy interesantes que se grabaron con motivo de la visita de Tim Rollins a Edimburgo para la retrospectiva de 2012.

Overview: Tim Rollins and K.O.S. ArtWorks Scotland and Talbot Rice Gallery Seminar from Creative Scotland on Vimeo.

Añado a continuación algunos enlaces para ampliar la información sobre Tin Rollins and K.O.S.

artículo aparecido en El País en el añño 1987

artículo de Juan Luis Martín Prada en la revista Arte, Individuo y Sociedad del año 1996

interesante web sobre el contexto social y artístico desde finales de los sesenta a finales de los ochenta en NY

** Todas las citas de este post, así como gran parte de la información, están sacadas del Berry, I. (ed.) (2009). libro:
Tim Rollins and K.O.S. A History. Cambridge-London: MIT.
Principalmente de los capítulos de Julie Ault y de James Romaine. La traducción de algunos párrafos es mía.

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Tim Rollins and K.O.S. tres décadas de creación colaborativa

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Cuando aún era estudiante de Bellas Artes visité en Madrid la exposición El arte y su Doble, donde se mostraban las obras de algunos/as artistas americanos/as que en aquellos años marcaban la pauta de la modernidad creativa en la gran manzana y por influencia, también en Europa.

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Elias Zelada. Tramas

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Sofia Ojeda. Forma abierta

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Flor Pillet. Forma abierta

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Flor Pillet  RGB

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John Constable

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Edouard Manet, Desayuno sobre la hierba

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Matisse

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Marc Chagall: Amantes con media luna

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Mano de Juana hija de Belisario - detalle de mosaico

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Mano de Juana hija de Belisario - detalle de mosaico

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Análisis del trabajo del artista

Hay que decir que aunque algunos autores creen en esta secuencia lógica ordenada de las distintas fases de su obra, no se puede definir perfectamente una separación entre los distintos estadios, por ejemplo a veces hace uso de obras relacionadas con el tratamiento del infinito pero al mismo tiempo aplica la transformación geométrica propia de sus trabajos de metamorfosis, otras veces recoge elementos paisajísticos y los interrelaciona con elementos geométricos produciendo también efectos de metamorfosis. La compleja perspectiva de las obras del artista, no está formada por elementos perfectamente individualizados sino que todas las características de su obra aparecen comúnmente en fases distintas, de lo que se puede deducir que gran multiplicidad de detalles en sus obras pertenecen a momentos diferentes de la historia del artista.

Las ondas concéntricas aparecen en la perspectiva como elipses de idéntica excentricidad, las que corresponden a circunferencias concéntricas observadas en una perspectiva.

En el grabado podemos observar tres espacios diferentes, el que corresponde al barro sobre el que hay el charco, los árboles y el paisaje refjejado y el charco que refleja los árboles. Es uno de los temas principales de Escher, interrelacionar distintos espacios haciendo que todos formen una entidad cohesionada.

Hay que resaltar el dominio técnico del grabado, la textura de la piel, la calidad suave, pulimentada y reflectante de la esfera, un virtuosismo técnico de Escher como grabador.

En el grabado de "Gotas de rocío", hecho a mediatinta en el año 1948 aparecen tres mundos distintos, la textura de la hoja de la planta, el reflejo del entorno que aparece sobre la gota de agua y el detalle amplificado del interior de la hoja, aquí no es necesario ningún espejo, la naturaleza nos da todas las herramientas para entender los tres universos distintos que aparecen en la hoja.

En esta obra titulada "Galería de grabados" hace una ampliación de forma anular. Por el borde inferior derecho se puede ver la entrada en una galería en la que están expuestos unos cuadros mientras que en el lado opuesto vemos a un chico contemplando uno de los cuadros de la galería. Hay una contradicción manifiesta en el grabado pues el chico que mira un cuadro está él mismo dentro del cuadro en la galería. Es un espacio sin principio ni fin, éste tipo de transformación exige una construcción de los elementos mediante líneas curvas, es la forma de representar un espacio que se vuelve a su interior. Para generar esta transformación lo que hace es producir un efecto de espiral en el centro del dibujo, un remolino cuyos brazos giran en el sentido contrario a los brazos de una espiral común. Es una perspectiva deformada en la que la casa donde hay una exposición se mete dentro del cuadro de la exposición. Dos matemáticos notables como el profesor Dantzig y su compañero, hablaban de este espacio como el que corresponde a una geometría de curvatura positiva de Riemann. En todo caso lo que se trataba de representar en él no era una superficie que se infla sino un espacio sin principio ni fin, por lo que tiene que penetrarse a sí misma.

"Arriba y abajo" es una litografía del año 1947, es un juego de perspectiva que podría darse en un gran angular que fusionará dos fotos distintas, en el que se juega con la relatividad de los puntos de fuga. Nos situamos delante de la arquitectura que se presenta ante nosotros con una perspectiva curvilínea por efecto de la lejanía de los detalles, el techo de la arquitectura es el suelo de otra arquitectura que está en la parte superior. Con ello tenemos la perspectiva de una casa vista desde abajo y la perspectiva de de la casa superior vista desde arriba. Podemos observar que la casa es la misma y también las personas que están en ella, en la perspectiva de este espacio se tiene en cuenta un parámetro nuevo respecto a cualquier perspectiva sea curvilínea o lineal, y es el punto de fuga de las líneas verticales es coincidente tanto por la parte superior como por la parte inferior, de lo que se desprende que la perspectiva de la casa se podría ver con un ángulo grande de visión de las dos formas de aunque por supuesto desde puntos de vista distintos. En la geometría proyectiva se trabaja con este parámetro, las rectas paralelas tienen un único punto común en el infinito cuyo homólogo es su punto de fuga, denominado también límite o de desvanecimiento.

"En el balcón", el punto medio del dibujo aparece cinco veces mayor que el resto de las arquitectura. Es como si observamos una fotografía mediante una lupa pero con la salvedad de que se enlaza con el resto de la arquitectura de una forma progresiva y uniforme. Un detalle de este incremento en la escala se puede escapar fácilmente y es que el hecho de incrementar el centro del dibujo supone que los elementos laterales adyacentes al balcón aparecen en una escala mucho menor. El incremento del tamaño del punto central de la imagen supone la reducción de los elementos periféricos. Sobre este tema hizo una serie de grabados en las que se aprecia la deformación en distintas arquitecturas.

"Naturaleza muerta con esfera reflectante", es una litografía del año 1934, en este litografía aparece reflejado todo el espacio circundante, el periódico, el libro, el pájaro, la botella, la habitación entera con sus ventanas y el artista. Una curiosidad de este espacio reflejado sobre la botella es la nitidez y claridad con la que se reflejan todos los elementos, no obstante en el fondo del grabado todo aparece en color oscuro.

El artista tuvo mucho interés en numerosas ocasiones en representar cuestiones geométricas complejas como la interrelación entre poliedros regulares, la transformación de elementos geométricos, el dibujo de formas planas como espirales y elipses y las formas de transformación topológicas como es este caso.

"Espirales" es una obra del año 1953. La obra es un grabado en dos colores en madera, una espiral ajustada a un toro cuya sección transversal se va reduciendo. Es como un cinta ajustada a un toro que se va haciendo cada vez más estrecho. En realidad aparecen cuatro cintas que se van transformando en cintas cada vez más delgadas en torno al toro.

En la litografía podemos observar una banda de Moëbius que ha sido seccionada de forma longitudinal, por lo que se obtiene una nueva cinta con dos rizos en vez de lo que la lógica o intuición nos puede hacer creer, a saber, que saldrían dos cintas con un solo rizo en vez de una cinta con dos rizos.

El planetoide tetrédrico es como la figura anterior, con la salvedad de que utiliza sólo un tetraedro regular.

Podemos observar un grabado en el que se aprecian varias circunferencias mayores de esferas centralmente homotéticas (esferas cuyo centro es coincidente y de distinto tamaño). El conjunto de meridianos de la esfera definen triángulos esféricos de espacios de curvatura positiva. Un en el interior de las esferas aparece en el centro una zona iluminada lo cual les da mayor interés a la composición perspectiva.

Es un grabado hecho en madera en el año 1925. En él se representa a su mujer. La contradicción como siempre está presente en esta obra, por un lado la representación tridimensional de la figura que se conjuga y contrasta con las líneas que generan en su sombreado una superficie plana. Formas perfectamente lineales que no siguen la curvatura de los ropajes, tonos planos que contradicen el efecto volumétrico que requeriría la representación espacial.

"Autorretrato sentado" es un grabado en madera en el que Escher se muestra delante de un espejo. Es una perspectiva inusual en la que muestra a la figura con un alto contraste, no hay medias tintas, o es blanco o es negro.

Este grabado en madera de 1935, representa un buque de carga del Mediterráneo, es un dibujo realizado cuando visitó Malta. Las perspectivas aéreas (borrosas en lejanía) son muy equilibradas y tienen un ritmo coherente y ordenado.

"Naturaleza muerta con calle" es un grabado en madera ejecutado en 1937.

En esta representación de una calle cerca de Génova, cohesiona en una perspectiva dos realidades totalmente distintas. Los elementos de la repisa en la imagen se fusionan con la calle donde aparecen libros que se entremezclan con las arquitecturas.

En este grabado tenemos un ejemplo de los motivos cotidianos de las callejuelas de Italia, elementos que inspiraban notablemente al artista.

Aproximaciones al infinito

"Peces y escamas", es un grabado en madera del año 1959. Se puede observar en la izquierda del grabado la cabeza de un pez grande cuyas escamas del torso se van transformando desde arriba hacia abajo en filas de peces pequeños blancos y negros que nadan en direcciones opuestas y que se incrementan en su escala al cambiar la dirección en el lado. El mismo efecto se produce con el pez de la derecha y la mitad superior del grabado, se puede obtener la transformación mediante el giro del esquema anterior 180°. Observamos también la metamorfosis de las escamas en peces, en esta obra podemos vislumbrar la estructura análoga a la obra titulada "galería de grabados". Es una metamorfosis en la que se juega con varias transformaciones geométricas, transformaciones de las figuras, giros de las mismas, elementos que son escamas y peces al mismo tiempo, sin diferenciarse claramente en qué momento se transforman unos en otros.

"Límite cuadrado" es un grabado en madera de 1964, fue hecho después de todas las series de límites circulares. Su estructura responde a una reducción lineal de dentro hacia fuera, generando una composición cerrada de cuadrados que se disponen en una homotecia central.

"El espejo mágico" es una litografía del año 1946, en la figura observamos un conjunto de imágenes reflejadas que adquieren vida. En un extremo inferior izquierdo del espejo, empiezan a surgir unos perros alados que giran hacia la derecha junto con sus imágenes sobre el espejo, éstas coinciden o bien adquieren vida por detrás del espejo haciendo un círculo simétrico del que nacen los perros blancos, ambos antes de volver al espejo se convierten en figuras planas.

En este grabado en madera de 1939, titulado "El día y la noche", hace una partición periódica de la superficie respecto a un eje de simetría central en el que el dibujo de las aves negras y blancas pueden hacerse coincidir mediante una traslación en cada partición. Observamos que las aves se fusionan con el paisaje de las parcelas del terreno y dividen el grabado en dos imágenes correspondientes al día y la noche. Es una de las obras más populares del autor.

"Cóncavo y convexo" es una litografía del año 1955, es una perspectiva llena de elementos contradictorios, si consideramos tres líneas verticales, las que pasan por los extremos y el centro de las escaleras que están en el centro del dibujo, tenemos en la litografía a la izquierda un espacio convexo mientras que la derecha un espacio cóncavo. Podemos observar que en la derecha del dibujo se observa la perspectiva desde abajo mientras que la parte izquierda se observa desde arriba.

"Belvedere" es una litografía de 1958, en ella se puede observar a un individuo sentado en primer plano con una figura imposible sus manos, como la que diseñó Penrose en 1952. (El matemático diseñó una figura triangular tridimensional que no corresponde a una figura imposible).

En la litografía observamos también el mismo efecto para la arquitectura, cosas que están delante se enlazan con cosas que están detrás por lo que resultan imposibles, como pasa con las columnas del primer plano, se enlazan con los arcos que no están sobre su vertical, esto sería posible según esta perspectiva sólo si las columnas tuvieron forma de S y desde nuestro punto de vista fueran perfectamente verticales pero desde un perfil se percibieran con una curvatura en dos direcciones distintas.

Perspectivas:

En la figura podemos observar una litografía del año 1952 titulada "Partición cúbica del espacio". En esta imagen se representa lo que se llama una perspectiva de cuadro inclinado en la que el plano de proyección o del cuadro es oblicuo respecto a los tres ejes principales. Para generar el efecto de espacio, hace que los elementos que aparecen más alejados se representen en un tono más neutro con tonos más grises, como si fueran sus imágenes disipadas por una especie de niebla o atmósfera que hace que se conviertan en evanescentes.

En esta litografía de 1934, titulada "Naturaleza muerta con espejo", muestra un motivo curioso, interrelaciona el espacio de un tocador con el exterior que muestra un espejo. De esta forma elementos que aparecen en el interior como el cepillo y el vaso pasan a estar según esta perspectiva en el exterior de la habitación ya que sobre el espejo se perciben como si estuvieran en la calle, que es el otro espacio que muestra el espejo.

"El dragón", grabado en madera de 1952. En el dibujo del dragón alado apoyado en cristales de cuarzo no se percibe directamente la característica que encierra, por un lado atraviesa con la cabeza una de sus alas y hace lo mismo con su cola atravesando esta vez el dos el abdomen. Si podemos observar con más detenimiento apreciaremos que es una figura plana, como un recortable de un dragón en dos dimensiones. Es lo opuesto a lo que solemos ver, en tres dimensiones representado sobre un plano de dos dimensiones. Lo curioso del dibujo es que encierra una contradicción, que siendo una forma plana y penetrándose asimismo dos veces no obstante la cola es mordida por el dragón, algo que debería suceder sólo en tres dimensiones. Ocurre un caso parecido con la famosa botella de Klein, si construimos dos bandas de Moëbius y las unimos obtendremos la versión tridimensional de esta cinta que tiene una sola superficie, en el caso de la botella el interior y el exterior son coincidentes por lo que hace falta un espacio superior de cuatro dimensiones para pasar del uno al otro.

http://las-figuras-imposibles.blogspot.com/
http://sistema-diedrico.blogspot.com

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Dr. Néstor Martín Gulias, catedrático de dibujo técnico

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Análisis del trabajo del artista Hay que decir que aunque algunos autores creen en esta secuencia lógica ordenada de las distintas fases de su obra, no se puede definir perfectamente una separación entre los distintos estadios, por ejemplo a veces hace uso de obras relacionadas con el tratamiento del infinito pero al mismo tiempo aplica la transformación geométrica propia de sus trabajos de metamorfosis, otras veces recoge elementos paisajísticos y los interrelaciona con elementos geométricos produciendo también efectos de metamorfosis.