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Punto y línea

Franz Kline (1910-1962)
Pintor estadounidense vinculado al expresionismo abstracto. Estudió pintura en la Universidad de Boston entre 1931 y 1935 y en 1937 viajó a París y a Londres.
De vuelta a los Estados Unidos se establece en Nueva York, donde el ambiente urbano inspira sus primeros óleos y acuarelas, pintados en un estilo que recuerda al realismo de la Ashcan School; su obra de estos años refleja su admiración por Goya, Manet y Sargent.
En 1946 inicia su aproximación a la pintura abstracta, en una línea paralela a la de De Kooning y Motherwell, donde la armazón casi académica de líneas y planos da paso a una estructura pictórica facetada como en The Dancer de 1946; con el tiempo introduce marcas caligráficas. Sus trabajos se expusieron por primera vez en la galería Egan en 1950; alcanzó con ellos una inmediata notoriedad, y participó en la importante exposición titulada The New American Painting.
Estas obras de Kline representan una forma de expresión absolutamente individual y es una de las mayores contribuciones al desarrollo del expresionismo abstracto. Hacia 1955 realizó algunas de sus obras maestras monumentales, tanto en escala como en concepto, como Mahoning, de 1956. Su obra tuvo un gran impacto en los escultores constructivistas de los años sesenta, debido al sabio equilibrio logrado entre los blancos y negros, que estudiado en profundidad, deviene en una estructura compuesta por sólidos blancos en huecos negros.

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NiPunto y línea

Vasíli Kandinsky (1866-1944)
Pintor de origen ruso (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.Se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.
La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos y escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano.
En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

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Punto y línea

Jackson Pollock
Pintor estadounidense. Durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente.
Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.
El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio. Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting.
A partir de la década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.

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RAQUEL  FORNER
La Guerra Civil Española fue la contienda más grande, más cruel y más destructiva de la historia de España. Forner había vivido de chica en ese país y no soportaba ver cómo sus amigos se mataban entre sí, por eso decidió denunciar el horror en sus pinturas. En El drama, Forner pinta el infierno: los seres humanos son esqueletos, los árboles están quemados, las tristes mujeres suplican a un cielo tormentoso, hay una paloma de la paz ensangrentada y un globo terráqueo salido de su eje. “El hombre es el lobo del hombre”, nos recuerda este cuadro. Forner fue una de las pocas mujeres que lograron entrar a la historia del arte argentino, que, como todas las historias, fue durante mucho tiempo un asunto exclusivo de los hombres. Cansada de los problemas en la tierra, más tarde la artista levantó la cabeza hacia el espacio y pintó astroseres en forma de manchas.

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BIOGRAFÍA
Raquel Forner (Buenos Aires 1902-1988) fue una pintora, escultora y profesora de dibujo de Argentina. Estudio en la Academia Nacional de Bellas Artes en Bs As. Perteneciente al "grupo florida" gano muchos premios entre ellos la medalla de oro en la Exposición Internacional de Paris. El trayecto de su arte va de un naturalismo a un expresionismo muy personal, resulta difícil ubicar su obra dentro de determinada tendencia. De una primera postura referida a temas sociales, fue creando su propio imaginario, hasta desembocar en un expresionismo simbólico centrado en una original mitología del espacio sus obras figuran en los museos más importantes de Argentina y del exterior (EEUU., Canadá, México, Brasil, Portugal, Uruguay, etc.). En 1982 creó la Fundación Forner-Bigatti.

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-Estilo: figurativo
-Género: expresionismo
-Relación de figura y fondo:  complejo-complejo
-Especialidad: 2D
-Punto: punto de interes
-Lineas: mixtas, continuas, homogéneas
-Forma: orgánicas irregulares, cerradas
-Color:
-Textura:

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El equilibrio es el principio del arte que se preocupa por igualar las fuerzas visuales, o elementos, en una obra de arte. El equilibrio visual te hace sentir que los elementos han sido bien distribuidos, mientras el desequilibrio causa una sensación de inquietud.
Imagen 1: equilibrio oculto.
Imagen 2: equilibrio aproximado.
Imagen 3: equilibrio axial.

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8 new photos · Album by Florencia Mendieta

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En este padlet el marco es una estructura que soporta, protege y complementa las siguientes fotografías formando en ella un cuadro. El formato determina el encuadre de la fotografía y controla la composición a través de las proporciones y de la orientación, en estas imágenes se utilizaron los siguientes formatos: semicircular, ojo de pez, rectangular e irregular. Por ultimo el soporte cumple la misión de portar el fondo en las imágenes.

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4 new photos · Album by Florencia Mendieta