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Difficile de considérer notre dictée de CM1 sur la grotte de Lascaux sans la rattacher au programme d'histoire CM1 sur la préhistoire. Beaucoup de mots sont compliqués comme paléolithique, art pariétal et ne se rencontrent guère dans un contexte autre que celui de l'étude de la préhistoire.

Dictée CM1 La grotte de Lascaux

La grotte de Lascaux se situe en Dordogne et demeure à ce jour l'une des plus impressionnantes grottes ornées de peinture du Paléolithique. L'age de ses peintures et gravures est estimé à environ 18 000 ans.

On raconte que sa découverte serait due à des adolescents dont le chien Robot se serait réfugié dans un trou en poursuivant un lapin. Les jeunes gens revinrent à cet endroit et y découvrirent les premières peintures.
La grotte est assez petite : elle comporte une première salle appelée salle des Taureaux, un diverticule, une nef puis une abside pour se terminer par un puits.
L'art pariétal consiste à dessiner sur les murs des peintures d'animaux : des aurochs, des chevaux, des bouquetins, des cerfs, des félins et même à Lascaux un hippopotame.
La grotte est considérée par les préhistoriens comme un sanctuaire.

Fiche Grotte de Lascaux Télécharger

Lascaux est "une œuvre collective" des hommes de Cro-Magnon https://t.co/ZjjiQHxNU1 via @20minutes

- EcolePrim (@ecole_prim) September 30, 2019

La Dictée CM1 La grotte de Lascaux nous prépare tant sur le plan historique qu'artistique.

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Dictée CM1 La grotte de Lascaux Comment bien s'y préparer

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Difficile de considérer notre dictée de CM1 sur la grotte de Lascaux sans la rattacher au programme d'histoire CM1 sur la préhistoire. Beaucoup de mots sont compliqués comme paléolithique, art pariétal et ne se rencontrent guère dans un contexte autre que celui de l'étude de la préhistoire.

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La grotte de Lascaux est l'une des plus importantes grottes ornées paléolithiques. La grotte est située dans le Périgord noir, sur la commune de Montignac ( Dordogne).

Elle renferme des peinture pariétales et des gravures qu'on estime dater d'environ 18 000 ans. Elles ont longtemps été associées à la culture préhistorique du Magdalénien, mais elles pourraient remonter au Solutréen, qui le précède.

La grotte a été découverte (on dit " inventée ") en 1940. Elle a été rapidement reconnue comme une découverte importante, et classée monument historique. Elle était néanmoins ouverte aux visites du public jusqu'en 1963. À ce moment-là, elle a été fermée car le dioxyde de carbone émis par la respiration des milliers de visiteurs abimait les nombreuses peintures préhistoriques.

Historique

Le 12 septembre 1940, quatre adolescents âgés d'environ 13 ans (Marcel Ravidat, Jacques Marsal, Georges Agnel et Simon Coencas) découvrent l'entrée de la cavité lors d'une promenade et alertent leur instituteur. Le chien de Marcel Ravidat serait tombé dans la grotte par accident, et les jeunes garçons auraient alors découvert la grotte en le libérant.

Le préhistorien Henri Breuil est le premier spécialiste à visiter Lascaux. Il entreprend les premiers relevés dès la fin de l'année 1940. Il revient en 1949 et entreprend des fouilles, espérant trouver une sépulture. Il met au jour des pointes de sagaies décorées, en bois de renne. Une autre importante campagne de recherches a été menée de 1989 à 1999.

Description de la grotte

La grotte de Lascaux mesure 250 mètres de long pour un dénivelé d'environ 30 mètres. La partie décorée correspond à un réseau supérieur, le réseau inférieur étant difficilement pénétrable du fait de la présence de dioxyde de carbone. L'entrée actuelle correspond à l'entrée préhistorique.

La première salle, Salle des Taureaux ou Rotonde, longue de 17 m, large de 6 m et haute de 7 m, se prolonge par le Diverticule axial, une galerie plus étroite de même direction, à peu près de même longueur ;

Depuis la Salle des Taureaux, à droite du Diverticule axial, on accède au Passage, une galerie d'une quinzaine de mètres, dans le prolongement duquel s'ouvre la Nef, un couloir plus élevé, d'une vingtaine de mètres.

La Nef elle-même se poursuit par une partie non décorée, les parois ne s'y prêtant pas, puis par le Diverticule des Félins (ou Cabinet des Félins), un étroit couloir d'une vingtaine de mètres.

Une salle ronde, l'Abside, s'ouvre vers l'ouest à la jonction entre le Passage et la Nef.

Le Puits s'ouvre au fond de l' Abside. Son accès suppose une descente d'environ 4 à 5 mètres jusqu'au début du réseau inférieur.

Les découvertes archéologiques

La plupart des vestiges archéologiques découverts à Lascaux ont été recueillis lors de l'aménagement des sas d'entrée et des salles, ou lors de fouilles plus méthodiques, en particulier dans le Puits. Ces vestiges comprennent de l'industrie lithique, osseuse, de la parure, de la faune, de nombreux charbons et de nombreux fragments de colorants.

Dans la Nef ont été découverts des lampes, des colorants ainsi que des restes alimentaires. Dans l'Abside, un nombre important d'objets ont été abandonnés (pointes de sagaies, grattoirs, burins et lampes). De nombreux vestiges ont également été découverts dans le Puits : pointes de sagaies, restes de colorants, coquillages percés et lampes, dont un exemplaire en grès rose entièrement façonné, dont le manche est orné d'un signe barbelé.

Les figurations pariétales

Les figurations pariétales sont les peintures et gravures effectuées sur une paroi de grotte.

La Salle des Taureaux présente la composition la plus spectaculaire de Lascaux. Ses parois en calcite se prêtant mal à la gravure, elle est uniquement ornée de peintures, souvent de dimensions impressionnantes : certaines mesurent jusqu'à cinq mètres de long.

Deux files d' aurochs se font face, deux d'un côté et trois de l'autre. Les deux aurochs du côté nord sont accompagnés d'une dizaine de chevaux et d'un grand animal énigmatique, portant deux traits rectilignes sur le front qui lui ont valu le surnom de " licorne ".

Côté sud, trois grands aurochs en côtoient trois plus petits, peints en rouge, ainsi que six petits cerfs et le seul ours de la grotte, superposé au ventre d'un aurochs et difficilement lisible.

Le Diverticule axial est également orné de bovidés et de chevaux accompagnés de cerfs et de bouquetins. Un dessin représentant un cheval fuyant a été brossé au crayon de manganèse à 2,50 m du sol. Certains animaux sont peints sur le plafond et semblent s'enrouler d'une paroi à l'autre. À ces représentations, qui ont nécessité l'usage d'échafaudages, s'entremêlent de nombreux signes (bâtonnets, points et signes rectangulaires).

Le Passage présente un décor fortement dégradé anciennement, notamment par des circulations d'air.

La Nef comporte quatre groupes de figures : le panneau de l'Empreinte, celui de la Vache noire, celui des Cerfs nageant, ainsi que celui des Bisons croisés. Ces œuvres sont accompagnées de nombreux signes géométriques énigmatiques, notamment des damiers colorés qu'Henri Breuil qualifia de " blasons ".

Le Diverticule des Félins doit son nom à un groupe de félins, dont l'un semble uriner pour marquer son territoire. On peut y voir des gravures de fauves d'une facture assez naïve. On y trouve également d'autres animaux associés à des signes, dont une représentation de cheval vu de face, exceptionnelle dans l'art paléolithique, où les animaux sont généralement représentés de profils ou selon une " perspective tordue ".

L' Abside comporte plus de mille gravures dont certaines superposées à des peintures, correspondant à des animaux et des signes. On y trouve le seul renne représenté à Lascaux.

Le Puits présente la scène la plus énigmatique de Lascaux : un homme à tête d'oiseau et au sexe érigé semble tomber, renversé peut-être par un bison éventré par une sagaie ; à ses côtés est représenté un objet allongé surmonté d'un oiseau, peut-être un propulseur ; sur la gauche un rhinocéros s'éloigne. Un cheval est également présent sur la paroi opposée.

Deux groupes de signes sont à noter dans cette composition : entre l'homme et les rhinocéros, trois paires de ponctuations digitées ; sous l'homme et le bison, un signe barbelé complexe que l'on retrouve sur d'autres parois de la grotte, mais aussi sur des pointes de sagaies et sur la lampe en grès trouvées à proximité.

Cette scène renvoie probablement à un épisode mythologique dont la signification est difficile à établir.

Parmi les procédés artistiques utilisés par les artistes de Lascaux, on peut citer la polychromie, l' estompe, la perspective, les réserves, l' anamorphose.

La grotte de Lascaux n'a livré qu'un nombre modeste de restes osseux et d'outils de silex : elle n'a jamais été un lieu d'habitation et sa fréquentation semble essentiellement liée à ses œuvres pariétales.

La faune figurée sur les parois de Lascaux est celle que l'on retrouve dans la majorité des grottes ornées de l'aire franco-cantabrique (en France et en Espagne) : cheval, aurochs, bison, cerf et bouquetin dominent, suivis d'animaux plus rares et souvent dangereux, comme l'ours, le rhinocéros et les grands félins.

Les espèces représentées ne correspondent pas aux espèces chassées et consommées : un seul renne gravé, considéré comme douteux, a été identifié, alors que ces animaux représentent la grande majorité des restes osseux mis au jour (plus de 88 %).

Il est indéniable que certains éléments figurés, certaines associations de signes, ont une valeur symbolique. C'est probablement le cas pour les trois paires de ponctuations que l'on retrouve au fond du Diverticule des félins et dans le Puits, aux limites des zones ornées. C'est sans doute le cas également pour les signes barbelés, les " blasons " ou les alignements de points présents sur différentes parois de la grotte.

La grotte de Lascaux est considérée par André Leroi-Gourhan comme un sanctuaire, une sorte de monument à caractère religieux.

Lascaux est l'un des tous premiers sites paléolithiques à avoir bénéficié de datations absolues par la méthode du carbone 14, réalisées par Willard Frank Libby lui-même. Cette méthode a été mise en œuvre sur des charbons de bois provenant de lampes découvertes dans le Puits. Le premier résultat obtenu (environ 15 500 ans avant le présent) plaçait la fréquentation de Lascaux dans le Magdalénien et fut mis en doute par l'abbé Breuil qui considérait les œuvres pariétales comme Gravettiennes.

Toutefois, une date d'environ - 18 600 ans, obtenue en 1998 par la méthode du carbone 14 en spectrométrie de masse sur un fragment de baguette en bois de renne provenant du Puits, montre que la grotte était fréquentée dès le Solutréen. Les solutréens sont-ils simplement passés ponctuellement dans la grotte ou ont-ils réalisé une partie, voire la majorité ou la totalité des œuvres ?

Exploitation touristique, conservation

En 1948, l'accès à la grotte est aménagé afin de permettre des visites touristiques qui vont se multiplier rapidement et mettre en péril la conservation des figurations pariétales.

Acidification des parois, " maladie verte " et " maladie blanche "

Les premiers indices d'altération sont constatés dès 1955. Ils sont dus à un excès de dioxyde de carbone (gaz carbonique) issu de la respiration des visiteurs, qui provoque une acidification de la vapeur d'eau expirée, corrodant peu à peu les parois. En 1957 est mis en place un premier système destiné à régénérer l'atmosphère et à stabiliser la température et l'hygrométrie.

En 1960, la " maladie verte " fait son apparition : les émanations de dioxyde de carbone liées aux visites, une température trop élevée et les éclairages artificiels permettent la dissémination de colonies d' algues sur les parois. L'enrichissement de l'atmosphère en dioxyde de carbone génère la " maladie blanche ", un voile de calcite qui se dépose sur les parois et sur certaines œuvres. En 1963, les micro-organismes continuent à proliférer et la grotte est définitivement fermée au grand public.

Au début des années 1970, un fac-similé d'une partie de la grotte est réalisé et ouvert au public en 1983.

Moisissures blanches

En 2001, on constate l'apparition de moisissures dans le sas d'entrée de la grotte. Le sol se couvre en effet d'un champignon extrêmement résistant. De 2001 à 2003, des traitements d'urgence sont destinés à ralentir le développement rapide des moisissures. En 2006, la contamination est à peu près maîtrisée, mais, toutes les deux semaines, une équipe revêtue de combinaisons spéciales est chargée de débarrasser les parois, à la main, des filaments de mycélium qui réapparaissent malgré tout.

Quinze années de fréquentation touristique intense ont donc perturbé l'équilibre fragile qui avait permis la conservation miraculeuse de Lascaux.

Taches noires

Deux autres champignons ont fait leur apparition en 2007 dans le Passage, la Nef et l'Abside. Un traitement biocide a été effectué en janvier 2008. Cependant, dans deux zones tests, le développement des taches noires continuait en 2008.

D'après la conservatrice du site, les mouvements de l'air se sont profondément modifiés depuis les années 1980 dans la partie tachée de la grotte. L'air circulait auparavant alors qu'il semble immobile aujourd'hui.

Par suite de la fermeture de la grotte au grand public et en raison de la multiplication des problèmes de conservation, un relevé stéréo-photogrammétrique de la totalité des zones ornées a été réalisé à la fin des années 1960 par l'Institut géographique national.

Une double coque en béton dont l'intérieur reproduit fidèlement la grotte originale fut réalisée à partir des relevés de l'IGN. Les œuvres pariétales furent ensuite reproduites.

Situé à 200 mètres de l'original, le fac-similé, nommé " Lascaux II ", a ouvert ses portes en 1983. Quelques autres reproductions de peintures (frise des cerfs, bisons adossés et vache noire de la Nef, scène du Puits) sont exposées dans le parc du Thot, à quelques kilomètres de Montignac.

Lien externe

Source : cette page a été partiellement adaptée de la page Grotte de Lascaux de Wikipédia.

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La grotte de Lascaux est l'une des plus importantes grottes ornées paléolithiques. La grotte est située dans le Périgord noir, sur la commune de Montignac ( Dordogne). Elle renferme des peinture pariétales et des gravures qu'on estime dater d'environ 18 000 ans.

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1) Un voyage merveilleux

L'envoûtant paysage qui l'environne est tout aussi impressionnant et séduisant que le site lui-même : époustouflante beauté naturelle, richesse insondable. L'Argentine peut s'enorgueillir de l'abriter. D'un peu partout, les touristes affluent pour la découvrir. Le mot magnifique trouve mieux ici son sens. Qu'à cela ne tienne, l'originalité et la célébrité du site ne se discutent plus. Alors, êtes-vous prêt pour un fantastique voyage, une découverte sensationnelle au cœur d'un paysage beau et naturel ? Si oui, alors suivez-nous, et... destination la Cueva de las Manos, en Argentine. Entre curiosité et surprise, ce site est à découvrir !

2) D'extraordinaires peintures rupestres

Si ce lieu est prisé des touristes, c'est parce que l'endroit est unique. Des peintures rupestres extraordinaires. La " Cueva de las Manos " c'est-à-dire la grotte des mains est un site archéologique présentant une richesse incroyable de peintures rupestres gravées sur les grottes. Il y a de quoi s'exclamer, de quoi exciter la curiosité. En réalité, ces peintures sont catégorisées en deux niveaux. Le premier datant de treize mille ans montre essentiellement des scènes de chasse au guanaco. Le second remontant à sept mille ans présente une multitude de mains négatives, d'où le nom du site. Ce site est non seulement d'une infinie beauté, mais il est aussi chargé d'histoire. Découvrez-la !

3) Un paysage d'une beauté inégalée

La renommée de la " Cueva de las Manos " n'est pas vain mot. Le site est célèbre à cause de ses fascinantes richesses. Si les peintures rupestres gravées sur les grottes constituent le centre des attractions, il ne reste pas moins que le paysage autour, influencé par le magnifique canyon, est époustouflant. Somptueux, merveilleux, splendide, envoûtant, que de qualificatifs prestigieux pour décrire ce canyon ! Mais en réalité, aucun ne sera assez fort pour vous peindre avec dextérité la beauté que reflète ce paysage, d'où notre invitation à venir les voir de vos propres yeux. Vous vous croirez dans une œuvre d'imagination. Cependant, il est bien réel ce paysage.

4) La population végétale

Le paysage de la Cueva de las Manos est, il est vrai, quelque peu désertique. Cependant, cela ne l'empêche pas d'abriter une flore diversifiée et riche. De nombreuses espèces végétales sont donc identifiables par ici, en particulier dans la zone de la rivière. On enregistre au total deux cents espèces de plantes sauvages dont la plupart sont endémiques à la région. La proportion des arbustes ainsi que celles des graminées varie en fonction de leurs positions dans le paysage. Ainsi vous remarquerez une plus grande proportion de graminées telles que les houppes et les joncs au niveau des vallées. De nombreuses autres espèces sont à découvrir dans la région.

5) Une faune diversifiée

Là où se dresse un paysage magnifique, là s'installe une population animalière. Le site de la Cueva de las Manos ne fait pas exception à cette règle. Mammifères, reptiles et oiseaux peuplent et s'érigent en maîtres de ce merveilleux paysage. Dans le rang des mammifères, vous découvrirez des animaux tels que les renards, les cavaliers, les guanacos, les lynx, etc. Les reptiles pour leur part se composent entre autres de lézards et de matuasto. Quant aux oiseaux que vous croiserez, il s'agit essentiellement des aigles, des vautours, des condors et des autruches américains. Au total, soixante-dix espèces composent la faune de ce site.

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L'envoûtant paysage qui l'environne est tout aussi impressionnant et séduisant que le site lui-même : époustouflante beauté naturelle, richesse insondable. L'Argentine peut s'enorgueillir de l'abriter. D'un peu partout, les touristes affluent pour la découvrir. Le mot magnifique trouve mieux ici son sens. Qu'à cela ne tienne, l'originalité et la célébrité du site ne se discutent plus.

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Valeur universelle exceptionnelle

La Cueva de las Manos, Río Pinturas, renferme un ensemble exceptionnel d'art rupestre constitué de nombreux abris-sous-roche - dont une grotte - décorés de pictogrammes magnifiques. L'ensemble, qui s'inscrit dans un paysage remarquable avec la rivière coulant dans un profond canyon, a été exécuté il y a de cela entre 9 300 et 1 300 ans.

L'endroit doit son nom (" la Grotte aux Mains ") aux impressions de mains humaines réalisées comme au pochoir sur les parois de la grotte, mais il y a aussi de nombreuses représentations d'animaux, notamment de guanacos (Lama guanicoe) qui sont toujours présents dans la région, ainsi que des scènes de chasse montrant des animaux et des silhouettes humaines en pleine interaction, sur un mode dynamique et naturaliste. L'entrée de la Cueva est masquée par un pan de roche couvert de nombreuses images de mains dessinées au pochoir. Dans l'abri-sous-roche lui-même, on distingue cinq concentrations distinctes d'art pariétal, avec des figures et des motifs plus récents recouvrant souvent d'autres plus anciens. Les peintures ont été réalisées à base de pigments minéraux naturels - oxydes de fer (rouge et violet), kaolin (blanc), natrojarosite (jaune), oxyde de manganèse (noir) - mélangés avec une sorte de liant.

La séquence artistique, qui inclut trois grands groupes stylistiques, remonte à 10 000 ans et a duré longtemps ; les recherches archéologiques montrent en effet que le site a été habité jusque vers 700 apr. J.-C. par les ancêtres probables des premiers peuples Tehuelche de Patagonie. La Cueva est considérée par la communauté scientifique internationale comme l'un des plus importants sites d'habitat des premiers groupes de chasseurs-cueilleurs d'Amérique du Sud au début de l'Holocène. Le site reste bien préservé et possède une formation environnementale unique dans toute la province de Santa Cruz.

L'art rupestre, son environnement naturel et les sites archéologiques de cette région sont quelques-unes des raisons essentielles expliquant l'intérêt manifesté par la recherche archéologique pour cet endroit depuis plus de 25 ans. Les observateurs ont été frappés non seulement par les profonds canyons entourés d'un paysage magnifique, mais aussi par les compositions artistiques, la variété des motifs et leur polychromie. Ces scènes constituent un témoignage unique sur le comportement des premiers chasseurs-cueilleurs de Patagonie et sur leurs techniques de chasse. La Cueva de las Manos, Río Pinturas présente un ensemble exceptionnel d'art rupestre, unique au monde par son ancienneté et sa continuité au fil du temps, par sa beauté et par l'état de préservation des peintures, la splendeur de l'ensemble des mains humaines dessinées au pochoir et des scènes de chasse. La grande beauté de l'environnement qui l'entoure ajoute encore à la valeur culturelle du site lui-même.

Critère (iii) : La Cueva de las Manos renferme un ensemble exceptionnel d'art rupestre préhistorique qui témoigne de la culture des premières sociétés humaines en Amérique du Sud.
Intégrité
Le bien inscrit couvre 600 ha et comporte une zone tampon de 2 338 ha. Les attributs du bien, représentés par le site archéologique, son cadre environnant et ses représentations artistiques incarnant la valeur universelle exceptionnelle de la Cueva de las Manos, Río Pinturas, sont tout à fait présents dans la zone centrale et les zones tampons et ne sont pas confrontés à des menaces imminentes dues au développement ou à la négligence.

L'habitat qui entoure le site archéologique est resté intact et conserve les mêmes espèces animales décrites par l'art rupestre il y a environ 10 000 ans. Il en est de même pour les espèces végétales. Comme il a été mentionné plus haut, il s'agit d'un cadre particulier, unique et atypique au niveau provincial et régional, de grande valeur pour la préservation des systèmes naturels de l'Argentine. Les conditions favorables (degré d'humidité très faible, absence d'infiltrations d'eau, stabilité de la roche) dans l'abri-sous-roche ont permis d'assurer un état de conservation excellent de toutes les peintures, à l'exception des plus exposées. Toutefois, l'augmentation du tourisme en Patagonie ces dernières années a entraîné des dégâts dus au vandalisme : graffitis, vols de fragments de roche peinte, contacts avec les surfaces peintes, accumulation de poussière et d'ordures, etc., bien que les mesures prises en aient réduit les conséquences.
Authenticité
L'authenticité de l'art rupestre de la Cueva de los Manos est incontestable. Il est en effet resté intact pendant plusieurs millénaires et aucune restauration n'a été effectuée depuis que le site est devenu largement connu de la communauté scientifique, soit depuis la seconde moitié du XXe siècle. Les fouilles archéologiques ont été très limitées, de façon à obtenir le maximum d'informations culturelles pour permettre de dater les peintures en perturbant le moins possible les différentes couches archéologiques et l'aspect de l'abri-sous-roche.

Les fouilles scientifiques ont permis d'établir un lien entre les représentations de la grotte et les communautés vivant dans la région depuis dix mille ans. Les résultats des fouilles menées dans le secteur de la grotte ont permis d'établir des liens contextuels entre les niveaux culturels et les peintures. L'authenticité de la séquence picturale a également été vérifiée au terme d'une recherche approfondie. La continuité artistique de la Cueva de las Manos est fondée sur une étude détaillée de la superposition, des différentes utilisations des nuances, des divers états de conservation et de la localisation des représentations le long de certains secteurs définis. Son rapport avec les différents niveaux culturels du site est attesté par la datation au carbone et par des indicateurs qui révèlent un lien direct, notamment par des pigments minéraux ou fragments peints détachés de la paroi et découverts lors des fouilles.

Ces éléments, ainsi que des résultats de recherche et des analyses interdisciplinaires, témoignent clairement de l'authenticité du site de la Cueva de las Manos en tant qu'exemple unique des premières communautés de chasseurs-cueilleurs d'Amérique du Sud au début de l'Holocène.
El éments requis en matière de protection et de gestion
En 1975, la province de Santa Cruz a promulgué la loi n° 1024 sur la préservation du patrimoine historique, archéologique et paléontologique. Au niveau provincial, le gouvernement de la province de Santa Cruz a déclaré la ville de Perito Moreno capitale archéologique de Santa Cruz, en raison de l'importance du site archéologique de la Cueva de los Manos, par décret n° 133 du 13 mai 1981. Le Congrès national de la République argentine a classé la Cueva de los Manos monument historique national en vertu de la loi n° 24225 du 20 juillet 1993. En 1997, le gouvernement de la province de Santa Cruz a promulgué la loi n° 2472 sur la protection du patrimoine culturel provincial et en 2003 a été promulguée la loi nationale n° 25743 sur la protection du patrimoine archéologique et paléontologique.

En 1997, un plan de gestion présenté pour l'administration du site a proposé de nombreuses actions précises menées au cours des dix dernières années de gestion : présence permanente d'un gardien sur le site, stratégies de gestion des visiteurs et centre d'interprétation à l'accueil. De plus, des évaluations de l'état de conservation du site et des causes de détériorations naturelles ont été réalisées, ainsi que des études géomorphologiques et géotechniques du secteur et des expertises de conservation de l'art rupestre.

Le Comité du site de la Cueva de las Manos a été créé en mars 2006 et doit être renforcé pour pouvoir réaliser ses activités et continuer à fonctionner. Il serait très important de disposer d'une permanence du Comité à Perito Moreno, village le plus proche, pour faciliter la prise de décisions nécessaires pour résoudre les problèmes concrets.

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Valeur universelle exceptionnelle La Cueva de las Manos, Río Pinturas, renferme un ensemble exceptionnel d'art rupestre constitué de nombreux abris-sous-roche - dont une grotte - décorés de pictogrammes magnifiques. L'ensemble, qui s'inscrit dans un paysage remarquable avec la rivière coulant dans un profond canyon, a été exécuté il y a de cela entre 9 300 et 1 300 ans.

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-1327 ans

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- 510 ans

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Le trésor de Toutânkhamon, découvert en 1922 par l'égyptologue britannique Howard Carter, occupe une grande partie du Musée égyptien du Caire.

La tombe de Toutânkhamon (règne vers 1340-1331 av. J.C.) a été découverte par Howard Carter en novembre 1922.

Découverte de la tombe

Howard Carter (1874-1939) est un archéologue britannique.

Il découvrit la tombe de Toutânkhamon (KV 62), dans la Vallée des rois, à Thèbes (Égypte), le 4 novembre 1922.

Le pharaon est mort à 19 ans.

Sa momie se trouvait dans un cercueil en or massif, placé à l'intérieur de deux autres cercueils en bois.

Ces trois cercueils étaient insérés dans un sarcophage de quartzite à couvercle de granite rouge.

Chapelles, vases canopes

Autour du sarcophage s'emboîtaient quatre chapelles en bois doré qui occupaient entièrement la salle du sarcophage.

Sarcophages, masque funéraire

Le masque funéraire de Toutânkhamon est le masque funéraire le plus connu au monde, datant de 1323 av J-C. C'est un véritable chef-d'œuvre de l' orfèvrerie égyptienne. Il a été posé sur la tête du pharaon à ses funérailles puis jamais retiré et découvert par l'archéologue Howard Carter le 28 octobre 1925.

Il a été fabriqué en or, en lapis-lazuli, avec des pierres semi-précieuses et de l'ivoire. Il mesure 56 cm de hauteur.

Sur le haut du masque, il y a un cobra, un vautour et sous son visage se trouve une barbe postiche.

Des hiéroglyphes sont gravés au dos du masque et des pierres semi-précieuses représentent ses yeux.

Trésor de Toutânkhamon : aperçu des collections du Musée égyptien du Caire

Objet

Description

Origine et datation

JE 60723

Tête de Toutânkhamon enfant

Tête de Toutânkhamon enfant émergeant d'une fleur de lotus, évocation de la régénération permanente du roi.

Bois et stuc. Hauteur : 0,30 m.

Chambre funéraire de Toutânkhamon

Sarcophage intérieur de Toutânkhamon

Le roi est représenté à l'image d'Osiris, les bras croisés, tenant les insignes sacrés du crochet heka et du fouet nekhakha.

Or. Hauteur : 1 87 m. Poids : 110 kg.

Masque funéraire de Toutânkhamon

Masque d'or avec incrustations de pierres semi-précieuses et de verre coloré. Yeux en obsidienne et quartz. Barbe en verre coloré serti dans des cloisons d'or. Gorgerin en lapis-lazuli, quartz, amazonite et verre coloré.

Hauteur : 54 cm. Poids : 11 kg.

Coffre à vases canopes de Toutânkhamon

Vases canopes de Toutânkhamon

Chaque tête porte le némès avec l'uræus et la tête de vautour.

Vases canopes, coffre, couvercle en albâtre blanc des carrières de Hatnoub.

Statue du ka de Toutânkhamon

Le roi est représenté dans une posture de marche. Il tient dans son poing droit une massue à décor d'écailles, et de sa main gauche une longue canne garnie d'une ombelle de papyrus. Le pagne est orné d'un devanteau empesé projeté en avant, qui porte une inscription évoquant le dieu souverain accompli, le ka royal et Osiris.

Les oreilles percées, le ventre bombé et les jambes minces sont l'héritage du style amarnien. Les sourcils et le contour des yeux sont soulignés à la feuille d'or.

Bois bitumé et bronze doré.

Hauteur : 1 92 m

Trône de Toutânkhamon

Scène affectueuse de Toutankhamon assis, avec son épouse Ankhsenamon. Figure aussi le symbole amarnien du disque solaire Aton dispensant la vie.

Le meuble lui-même est orné de lions et de serpents ailés.

Vallée des rois

Tombe de Toutânkhamon

XVIIIe dynastie égyptienne

Vers -1330

Statue d'Anubis

Le dieu chacal repose sur un coffre doré en forme de chapelle. Anubis, dieu funéraire, guide les morts vers l'autre monde. Il introduit les morts auprès des juges pour la pesée des âmes. La statue était portée au cours de la procession funéraire, comme l'atteste le traîneau à quatre bras sur lequel repose l'ensemble.

Bois stuqué vernis et doré. Hauteur : 1,18 m ; longueur : 2,70 m.

Vase à parfum en albâtre

Vase à parfum, dédié à Toutânkhamon et à son épouse Ankhsenamon, symbolisant l'union des Deux Pays. Les deux Nils sont personnifiés par des êtres androgynes barbus, unis par des déesses-serpents, parmi les lis (de la Haute-Égypte) et les papyrus (de la Basse-Égypte).

Albâtre, ivoire et or. Hauteur : 0,70 m.

Autres objets

Dans le seul cercueil d'or de Toutânkhamon, 143 bijoux enfouis dans les bandelettes du linceul recouvraient la momie : gorgerins en or plat, pectoraux, pendentifs, bracelets, bagues, etc.

Beaucoup d'autres bijoux se trouvaient dans le mobilier funéraire, notamment dans la chambre du trésor.

La plupart des bijoux du trésor ont été réalisés en or cloisonné, incrusté de cornaline et de pâte de verre rouge, bleu clair et bleu sombre.

Source principale

Mohamed Saleh, Hourig Sourouzian, Catalogue officiel du Musée égyptien du Caire, édition en français.

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Le trésor de Toutânkhamon, découvert en 1922 par l'égyptologue britannique Howard Carter, occupe une grande partie du Musée égyptien du Caire. La tombe de Toutânkhamon (règne vers 1340-1331 av. J.C.) a été découverte par Howard Carter en novembre 1922. Howard Carter (1874-1939) est un archéologue britannique.

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Ce décor en briques à glaçure colorée évoque une armée, les hommes portent lances, arcs et carquois. Est-ce la garde de Darius Ier (522-486) appelée par Hérodote " les Immortels " ou est-ce une image idéale du peuple perse ? Le décor s'inspire probablement des décors en briques de Babylone bien que la technique soit différente. Peut-être est-ce un héritage de l'époque médio-élamite qui a vu l'apparition de décors en briques siliceuses à glaçure.
Un défilé

La Frise des archers représente un défilé d'archers se dirigeant soit vers la droite, soit vers la gauche. Ils sont figurés en marche lente, les deux mains réunies sur le fût de leur lance, ils portent, suspendu à leurs épaules, un arc dont les extrémités sont en forme de tête de canard, et un carquois. Sur le pied avancé, chaussé d'une bottine lacée, ils maintiennent l'embout de la lance, pointe verticale vers le haut. Ils sont vêtus de la grande robe perse galonnée et plissée sur les jambes, aux larges manches dessinant une courbe vers la ceinture. Barbus, ils sont coiffés d'épaisses boucles qui forment une masse sur la nuque et sont retenues par un diadème de feuillage. Chaque brique a été moulée dans une pâte siliceuse, la face est rectangulaire mais le corps va en s'amenuisant vers l'arrière, légèrement en forme de coin, de manière à laisser la place au mortier tout en serrant la juxtaposition des faces ornées. Le décor combine le bas-relief et la couleur, avec l'emploi de glaçures vertes, brunes, blanches et jaunes, séparées par une fine cloison de pâte siliceuse.

Un héritage élamite ?

Ce décor s'inspire certainement de celui de la voie processionnelle de Babylone, réalisée par Nabuchodonosor II (604-562). La technique en est différente, les artisans babyloniens utilisant des briques de pâte argileuse et non pas siliceuse. L'usage de la brique polychrome dans l'architecture monumentale sera appelé à une grande postérité en Iran aux époques de l'Islam. Les artistes qui l'ont créé pour Darius ont peut-être revivifié un procédé mis au point par les élamites à Suse dès la fin du IIe millénaire et à l'époque néo-élamite.

Les " Immortels " ?

Si le premier fouilleur de Suse, le britannique W.K. Loftus, a repéré les grandes lignes de l'Apadana, il ne put reconnaître que des motifs isolés, palmettes et rosettes, d'un décor de briques à glaçure. Quand Marcel Dieulafoy reprend l'exploration, il découvre assez de briques pour une reconstitution assez convaincante présentée au Louvre : deux panneaux représentant des archers défilant dans un encadrement de motifs décoratifs avec son couronnement de merlons qui s'inspire des façades des tombes rupestres à Persépolis et Naqsh-e Rustam. Au centre, ont été mises en place les rares briques inscrites : on y lit encore certainement le nom de Darius. Par la suite, les archers sont remontés en panneaux isolés. Contrairement à La Frise des lions, retrouvée tombée au pied de son emplacement primitif dans la cour orientale du palais, on ignore où se trouvait exactement La Frise des archers, dont les éléments innombrables ont été récupérés presque partout dans les fouilles de l'Apadana. Le nombre de ces éléments permet de formuler une hypothèse : les archers auraient été disposés sur plusieurs registres sur une grande hauteur de mur en semis réguliers comme à Babylone. Ils auraient occupé une grande partie des façades extérieures du palais, se déroulant sur des centaines de mètres. Une question que soulève cet ensemble colossal est son interprétation : s'agit-il des " Immortels ", cette garde d'élite riche de 10 000 hommes ? S'agit-il de l'image idéale, répétée à l'infini, du " peuple perse ", élément constitutif de l'empire unifié sous la férule du roi, qu'il était peut-être nécessaire de bien mettre en valeur dans la vieille métropole élamite de Suse ?

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Frise des archers | Musée du Louvre | Paris

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Ce décor en briques à glaçure colorée évoque une armée, les hommes portent lances, arcs et carquois. Est-ce la garde de Darius Ier (522-486) appelée par Hérodote " les Immortels " ou est-ce une image idéale du peuple perse ? Le décor s'inspire probablement des décors en briques de Babylone bien que la technique soit différente.

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La frise des archers (Les petites énigmes de l'art)

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Fin 3ème - début 4ème siècle

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11ème siècle

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1533

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1872

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Boats and boating--Equipment and supplies

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-447 / -432 ans

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-220 / -185 ans

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-200 / 600

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11ème siècle

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1440-1486

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1430

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1509-1512

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La frise du Parthénon ou " frise des Panathénées " est un ensemble décoratif du temple du Parthénon situé sur l' Acropole d'Athènes en Grèce. Sculptée, dans des plaques de marbre, par Phidias au , elle représente sur 160 mètres de long et un peu plus d'un mètre de haut, plus de 360 personnages et 200 animaux, qui forment la procession des Panathénées. Les Panathénées étaient la fête annuelle que les Athéniens organisaient en l'honneur d' Athéna, déesse protectrice de la cité. Fortement endommagée par le temps, cette frise est aujourd'hui dispersée entre de nombreux musées, seuls quelques fragments restent en place au Parthénon.

La frise des Panathénées est longue de 160 mètres. Elle est formée par des plaques de marbre de 1,22 m de hauteur et 7 cm d'épaisseur. La longueur des plaques est variable. Il y a au total 115 plaques. Les plaques sont accrochées au mur par des agrafes de métal. À l'origine les plaques étaient colorées. Diverses applications en métal venaient compléter le marbre (comme la lance d' Arès par exemple).

La frise est située sur la face externe du mur qui délimite le naos (salle où se trouvait la statue d'Athéna). Elle est placée à 12 mètres de hauteur; elle est de plus assombrie par le manque de lumière créé par l'espace existant entre le mur et la colonnade extérieure du Parthénon. Elle devait donc être difficile à voir et devait apparaître déformée au spectateur qui la contemplait par en dessous.

Selon la théorie la plus généralement admise, la frise des Panathénées représente la procession annuelle destinée à offrir un nouveau vêtement (le péplos) à la déesse Athéna. Toutes les composantes de la cité d'Athènes figurent sur la frise. Les humains sont représentés debout les dieux et déesses sont représentés assis (comme ils ont la même dimension que les humains sur la frise cela veut dire qu'ils sont plus grands). Notons que dans l'art grec antique, il est très rare que les dieux et les humains soient représentés les uns à côté des autres. On y dénombre plus de 360 personnages et 220 animaux.

La frise commence sur le côté ouest du Parthénon. Puis la procession se divise en deux groupes, l'un sur le côté nord, l'autre sur le côté sud. Ces deux groupes se dirigent vers le côté est. Sur le côté est, celui de la porte d'entrée dans le naos, est représentée la remise du péplos en présence de plusieurs dieux.

Personnages représentés sur le côté ouest: des cavaliers (jeunes gens des familles nobles d'Athènes) ;

personnages représentés sur le côté nord (en allant de l'ouest vers l'est): des cavaliers; des chars conduits par une femme (Victoire ailée ou représentation symbolique d'une des dix tribus de l'Attique); un chœur d'hommes; un groupe de porteurs d'outres en cuir; des porteurs (métèques ) de vases contenant l'eau pour le sacrifice; des bovins destinés au sacrifice conduits par des victimaires sacrificateurs) ;

personnages représentés sur le côté sud (en allant de l'ouest vers l'est):des cavaliers; des chars (quadriges); des vieillards ;

personnages représentés sur le côté est (en partant du coin nord vers le coin sud):Des jeunes filles portant des vases; des héros et des magistrats représentant les tribus formant le peuple athénien; les dieux et déesses représentés assis archonte-roiÉros et sa mère Aphrodite, Artémis et son frère Apollon, Poséidon, le concurrent d'Athéna pour la protection d'Athènes, Héphaïstos, le père de roi Érechtée, Athéna; le roi Érechtée (ou l' ) recevant le péplos plié; de l'autre côté de la porte, des dieux, Zeus et son épouse Héra, accompagnés d'Iris, Arès, Déméter, Dionysos et Hermès, des héros et des magistrats, des jeunes filles.

Le site du Parthénon n'a pas été entretenu depuis la fin de l'Antiquité gréco-romaine et le triomphe du sultan christianisme. Les monuments se sont donc détériorés. La Parthénon servait de poudrière pour les soldats turcs stationnés à Athènes, qui à l'époque faisait partie de l' empire turc ottoman. Au début du XIX e siècle, un diplomate britannique, lord Elgin, amateur d'art grec soucieux d'améliorer la connaissance de ses compatriotes sur la Grèce antique, obtient du turc le droit de démonter tout ce qui ne nuisait pas à la solidité des murs du Parthénon. Il descendit les plaques de la frise et les fit transporter au Royaume-Uni : le British Museum de Londres possède une grande partie de la frise des Panathénées (le gouvernement grec demande leur restitution afin de les exposer dans le musée de l'Acropole à Athènes). D'autres plaques sont au musée du Louvre à Paris ; quelques-unes sont encore en place sur la structure du Parthénon.

diverses sites internet (frise des Panathénées)

Nouveau Larousse illustré, éditions Larousse, 1900.

Panathénées

[1] un site en anglais et en grec, qui montre l'ensemble de la frise.

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La frise du Parthénon ou " frise des Panathénées " est un ensemble décoratif du temple du Parthénon situé sur l' Acropole d'Athènes en Grèce. Sculptée, dans des plaques de marbre, par Phidias au , elle représente sur 160 mètres de long et un peu plus d'un mètre de haut, plus de 360 personnages et 200 animaux, qui forment la procession des Panathénées.

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La Victoire de Samothrace est une statue de l' antiquité grecque, datée de l' époque hellénistique, vers 220-185 avant J.-C., exposée au musée du Louvre.

Elle a été découverte en 1863 dans le sanctuaire des Grands Dieux de l'île de Samothrace, en Grèce.

Elle représente la déesse de la Victoire (Nikè), sous forme d'une femme ailée.

La statue est composée de six blocs de marbre de Paros assemblés par des tenons de bronze, figurant le corps, le buste, les deux bras et les deux ailes. Elle mesure 5,57m de hauteur avec 2,75m d'envergure de ses ailes.

La statue se tient face au vent, comme une figure de proue, sur un monument en forme de navire de guerre. Elle est vêtue d'une tunique (chitôn) que le vent colle contre ses jambes, et d'un manteau (himation). La tête et les bras n'ont pas été retrouvés.

Avant restauration de 2013

Après restauration de 2013

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La Victoire de Samothrace est une statue de l' antiquité grecque, datée de l' époque hellénistique, vers 220-185 avant J.-C., exposée au musée du Louvre. Elle a été découverte en 1863 dans le sanctuaire des Grands Dieux de l'île de Samothrace, en Grèce. Elle représente la déesse de la Victoire (Nikè), sous forme d'une femme ailée.

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Une Minute au Musée - EP06 - La Victoire de Samothrace

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Toutes les dictées Histoire des Arts

La mosaïque Saint Romain en Gal histoire des arts dictée

Une mosaïque est faite de petits morceaux de pierre, d'émail ou de verre appelés tesselles qui forment un motif ou un dessin.A Saint-Romain-en-Gal, petit village situé sur les bords du Rhône, une magnifique mosaïque fut redécouverte en 1891 .

Elle ornait dans l'antiquité romaine le sol d'une riche villa et était à l'origine composée de quarante tableaux dépeignant les activités agricoles au fil des saisons.
Au milieu de l'œuvre quatre tableaux décrivent les saisons : l'hiver chevauche un sanglier, l'automne est monté sur un tigre, le printemps est installé sur un taureau alors que l'été se voit associé au lion.

Chaque panneau saisonnier décrit une activité agricole précise comme le tressage des paniers, le retour des cigognes, le ramassage du bois ou les vendanges.

Le tour de la mosaïque est constituée d'une double bordure : la première est une frise de perles, la seconde forme une arabesque végétale.

En montrant simplement les grandes fêtes religieuses et les activités du quotidien, cette œuvre nous donne des informations précieuses sur la vie de l'époque.

La Mosaique de St-Romain-en-Gal (HD) - partie 1 from Canal Educatif à la Demande on Vimeo.

A propos de l'auteur

mesenfantsautop.fr fête son premier anniversaire en cette rentrée 2019/2020. Comme vous l'avez peut-être deviné, ce blog traite de l'éducation. C'est un blog de parent d'élève, pas de professeur ni de professionnel de la profession. Je ne suis pas tenu à une "exemplarité de fonction", même si je déplore que sur un sujet aussi grave les invectives et les anathèmes soient monnaie courante. Je plaide pour une éducation "augmentée", c'est à dire où le dépassement de soi est recherché plus que la comparaison aux autres.

Comme on me l'a bien appris, le plan de ce blog se découpe en trois parties : la première est consacrée à l'enseignement des principales matières, à l'actualité de l'éducation nationale et de son ministère, avec en finalité l'orientation scolaire et professionnelle. La seconde partie est plus personnelle, elle traite essentiellement du travail à la maison que mon fils et moi effectuons, de notre vie scolaire au quotidien et dispose de sa page page Facebook dédiée, encore très centrée sur l'enseignement élémentaire. Enfin, j'entends consacrer un dernier volet à un annuaire de la formation, des établissements scolaires du primaire au supérieur qui témoignerait au fil du temps de ce qui s'y passe. Le menu principal devrait vous aider à naviguer dans mon grand fatras.

Je pense surtout qu'un parent n'a pas à déléguer son rôle à une institution. Qu'il est pour le meilleur et pour le pire le premier responsable de l'éducation de ses enfants s'il veut bien s'en donner la peine. Je ne vends pas de recette miracle, je n'ai aucune envie de transformer quiconque en singe savant et j'essaye de ne jamais mélanger l'instruction et l'intelligence, sans parler de celle du cœur. Quel parent ne voudrait pas le meilleur pour ses enfants ? Mais personne n'est capable de définir ce meilleur de la même manière. N'hésitez donc pas à vous donner vos retours, vous impressions. Je suis toujours joignable par ce mail olivier@mesenfantsautop.fr en plus des outils classiques. Tant que cet endroit ne sera pas un vrai endroit de partage il sera un échec.

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Dictée La mosaique Saint Romain en Gal histoire des arts

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Toutes les dictées Histoire des Arts Elle ornait dans l'antiquité romaine le sol d'une riche villa et était à l'origine composée de quarante tableaux dépeignant les activités agricoles au fil des saisons. Au milieu de l'œuvre quatre tableaux décrivent les saisons : l'hiver chevauche un sanglier, l'automne est monté sur un tigre, le printemps est installé sur un taureau alors que l'été se voit associé au lion.

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Mosaïque de Saint Romain-en-Gal, musée de St Germain-en-Laye

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Tapisserie de Bayeux - Vikidia, l'encyclopédie des 8-13 ans

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La tapisserie de Bayeux, également connue sous le nom de tapisserie de la reine Mathilde, est un immense ouvrage de broderie médiévale qui raconte la conquête de l' Angleterre par les Normands de Guillaume le Conquérant, en 1066. Par ses 58 scènes et les milliers de sujets représentés, elle apporte une multitude d'informations sur la vie quotidienne de l'époque.

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La tapisserie de Bayeux - Un certain Reg'Art #2

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Angkor est une ancienne capitale de l' Empire khmer, dont l'existence s'est étendue du IXe au XVe siècle.

Aujourd'hui, c'est un immense site archéologique du Cambodge, composé de plusieurs ensembles de temples ruinés et de grands aménagements hydrauliques (bassins, canaux).

Le premier et le plus connu de ces ensembles monumentaux est Angkor Vat;

Le second est Angkor Thom, comprenant le Baphûon, le Bayon et le Palais royal.

L'ancien complexe hindou d'Angkor Vat était dédié à Vishnou. Il fut construit par le roi Suryavarman II, qui régna de 1113 à 1150. Dès 1177, Angkor fut pillé par les Chams, ennemis traditionnels des Khmers.

Au XIVe ou XVe siècle, le temple fut converti au culte bouddhiste, avec de notables remaniements du sanctuaire central. Aujourd'hui encore, le temple est fréquenté par des moines bouddhistes.

Le complexe monumental d'Angkor Vat couvre un espace rectangulaire de 1 500 x 1 300 m.

La décoration sculptée est très abondante, représentant des dieux, des hommes et des animaux, et souvent des combats et des épisodes de légendes. Les décorations florales se trouvent sur les bordures, moulures et chapiteaux.

Les principaux matériaux sont le grès et la latérite. Les blocs sont assemblés sans emploi de ciment et avec grande précision, probablement par rodage de chaque pierre sur sa voisine.

Le Baphûon fut construit vers 1060, à la gloire de Shiva, sous le règne d'Udayādityavarman II. Ce temple d'État était connu comme la " montagne d'or " ( svarnādrī).

Vers 1200, l' Empire khmer fut restauré par Jayavarman VII, qui mit en place une nouvelle capitale, Angkor Thom, avec son temple d'État, le Bayon.

Source : cette page a été partiellement adaptée de la page Angkor de Wikipédia.

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Angkor est une ancienne capitale de l' Empire khmer, dont l'existence s'est étendue du IXe au XVe siècle. Aujourd'hui, c'est un immense site archéologique du Cambodge, composé de plusieurs ensembles de temples ruinés et de grands aménagements hydrauliques (bassins, canaux).

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Les lignes de Nasca sont des gravures monumentales tracées à la main par les hommes d'une ancienne civilisation, entre -200 et +500, sur le sol du désert situé près de la ville de Nasca, au Pérou, à environ 420 km au sud de Lima.

Les géoglyphes de Nasca ont été découverts en 1939, puis étudiés par des archéologues et astronomes pendant des vies entières. Représentant des formes géométriques et des silhouettes animales, ils ont fait l'objet de toutes les interprétations ( calendrier astronomique, système d' irrigation, rituel religieux...) mais restent encore un des plus grands mystères de l'histoire.

Les lignes de Nasca apparaissent dans l'épisode 19 de saison d'origine de la série télévisée franco-japonaise Les Mystérieuses Cités d'or de 1983. Le mini- documentaire de la fin de l'épisode porte sur les lignes.

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Les lignes de Nasca sont des gravures monumentales tracées à la main par les hommes d'une ancienne civilisation, entre -200 et +500, sur le sol du désert situé près de la ville de Nasca, au Pérou, à environ 420 km au sud de Lima.

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Description

Shahnameh Baysonqori est un exemplaire de Shahnameh (Le livre des rois), composé par le poète iranien hautement vénéré Abū al-Qāsim Firdawsī (940-1020). L'importance de Shahnameh dans le monde de langue persane est comparable à celle de l'épopée d'Homère en Occident. Le livre raconte en vers l'histoire mythologique de la Perse antique, et inclut des contes de héros et de personnalités célèbres de l'histoire iranienne, de l'époque légendaire au règne d'Yazdgard III, dernier roi de la dynastie sassanide, au VII e siècle. Ces contes sont inspirés d'anciens ouvrages historiques, et mêlent fiction et mythologie. Shahnameh Baysonqori est l'un des deux anciens manuscrits iraniens inscrits au registre de la Mémoire du monde de l'UNESCO. Conservé à la Bibliothèque du Palais du Golestan à Téhéran, le manuscrit original de 700 pages est d'une valeur inestimable. Le livre présenté ici est un exemplaire fac-similé de l'original, reproduit en nombre limité. Le manuscrit contient 22 miniatures somptueuses dessinées dans le style de l'école timouride par différents artistes. Réalisé en 1430 par le célèbre calligraphe Ja'far Baysonqori, le texte est un exemple remarquable de l'art du livre en Iran durant l'ère timouride.

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Shahnameh Baysonqori est un exemplaire de Shahnameh (Le livre des rois), composé par le poète iranien hautement vénéré Abū al-Qāsim Firdawsī (940-1020). L'importance de Shahnameh dans le monde de langue persane est comparable à celle de l'épopée d'Homère en Occident.

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Le titre s'écrit " Les Très Riches Heures du duc de Berry ", mais ce navigateur n'a pas pu l'afficher correctement.

Les Très Riches Heures du duc de Berry sont un livre manuscrit de la fin du Moyen Âge, connu pour ses enluminures exceptionnelles. C'est un livre d'heures, rappelant les prières et les diverses tâches à accomplir tout au long de l'année. Il est conservé au musée Condé, à Chantilly (France).

Le calendrier

Le duc de Berry est assis en bas à droite, dos à la cheminée : il est habillé de bleu et coiffé d'un bonnet de fourrure. Ceci veut donc représenter sa richesse car ce matériau ne se trouvait pas aux alentours.

Il invite ses proches à une table bien garnie : derrière lui figure l'inscription aproche aproche, c'est-à-dire " Approche, approche ! ". Plusieurs familiers du duc se dirigent donc vers lui. Pendant ce temps, des serviteurs sont au travail : des échansons servent à boire ; au centre, deux écuyers tranchants (serviteurs qui coupent les mets) sont vus de dos ; au bout de la table s'affaire un panetier (qui coupe et sert le pain).

Au-dessus de la cheminée figurent les armes de Jean de Berry, " d'azur (= bleu) semé de fleurs de lys d'or (= jaune), à la bordure engrêlée de gueules (= rouge) ", avec deux petits ours et des cygnes blessés, emblèmes du duc. On voit aussi des animaux de compagnie : deux petits chiens sur la table et un lévrier au sol.

La tapisserie du fond de la salle représente des scènes de batailles, peut-être des épisodes de la guerre de Troie.

Selon les historiens, la scène pourrait se dérouler le 6 janvier 1414, à Paris, lors de l' Épiphanie.

Cette fois, nous avons une scène de vie à la campagne en plein hiver, dans une ferme, à l'intérieur d'un enclos. Dans la salle commune, trois personnages et un chat gris se chauffent devant le feu. La basse-cour montre une bergerie, avec un troupeau de moutons bien serrés les uns contre les autres ; des pies sont venues picorer ; une carriole, des tonneaux, quatre ruches, un pigeonnier et une meule de foin complètent ce monde hivernal, tout recouvert d'une épaisse couche de neige.

Trois autres personnages s'affairent à l'extérieur, au second plan : l'un rentre chez lui en soufflant dans ses mains, un second, dans la forêt, abat un arbre, des fagots à ses pieds ; le troisième conduit un âne chargé de bois vers le village voisin, en arrière-plan.

Des vignerons, dans l'enclos de gauche, taillent la vigne ; ils retournent le sol à l'aide d'une houe.

Un homme, à droite, puise le grain qu'il va semer dans son champ. Plus loin, un berger mène son troupeau, accompagné de son chien.

L'auteur de la miniature est probablement Paul de Limbourg, mais le dessin de la charrue semble avoir été repris par l'atelier de Jean Colombe. La composition est organisée en X, avec une fontaine gothique au carrefour. Le château fort semble redoutable, occupant toute la largeur de l'image avec ses créneaux et ses tours.

Deux suivantes cueillent des fleurs, qui ne sont pas figurées. À droite, un édifice à créneaux est entouré d'un mur enserrant un verger.

Jean de Limbourg pourrait être l'auteur de cette miniature.

Le 1er mai avait lieu traditionnellement une cavalcade : des jeunes gens partent à cheval, en forêt, précédés de trompettes, chercher des rameaux qu'ils porteront sur leur tête ou autour du cou. À cette occasion, les dames arborent une longue robe verte. De fait, plusieurs personnages portent dans leur coiffure des feuillages, auxquels on prête des effets bénéfiques.

Mais cette vue rappellerait aussi le mariage de Jean Ier de Bourbon qui, en 1410, venait d'accéder à la couronne ducale, et de Marie de Berry, fille du duc de Berry. L'identification des personnages serait confirmée par la présence, sur les harnais des chevaux, de cercles d'or à sept petits disques, emblème de la maison de Bourbon.

Les travaux agricoles continuent avec une scène de fenaison. Le palais de la Cité, à Paris, est, cette fois, aisément identifiable, en bord de Seine, avec la Sainte-Chapelle, la tour de l'Horloge et d'autres éléments de fortifications caractéristiques, comme la tour d'Argent et la tour César, qui existent toujours.

Au premier plan, une femme râtelle du foin ; une autre le met en tas à l'aide d'une fourche. Trois faucheurs coupent l'herbe à l'aide de faux, de manière méthodique. D'autres personnages s'affairent sur le fleuve et aux abords du palais, sur une poterne et un escalier couvert.

Il peut s'agir de la suite de la scène de Mai et de la cérémonie du mariage qui s'est déroulée dans ce palais. La composition est en courbe, du coin inférieur gauche vers l' horizon. La miniature pourrait être attribuée à Paul de Limbourg, achevée par Jean Colombe. Le palais de la Cité semble représenté dans son état de 1440.

Juillet est le mois des forces moissons et de la tonte des moutons. Dans une composition en diagonale, deux personnages tondent la laine à l'aide de , tandis que deux autres, au-delà d'un ruisseau bordé de saules, fauchent les blés, parsemés de bleuets et de coquelicots, à l'aide d'un volant (longue faucille avec un manche en angle) et d'une baguette, qui sert à dégager un paquet de tiges avant de le couper.

Au second plan, un paysan fauche un champ, un autre réunit les épis en gerbes, tandis qu'un troisième les charge sur une charrette tirée par deux chevaux. D'autres personnages se baignent dans la rivière.

Le duc de Berry avait acquis le château d' Étampes en 1400. Derrière les remparts, on distingue bien le donjon quadrilobé appelé tour Guinette, qui existe toujours. Le duc de Berry offrit le château à Charles d'Orléans, mari de sa petite-fille Bonne d'Armagnac : le couple est vraisemblablement représenté à gauche, le duc de Berry sur le cheval blanc et le duc et la duchesse d'Alençon à droite.

La miniature est probablement de Jean de Limbourg, mais la scène centrale a peut-être été reprise vers 1440.

Le mois de septembre est illustré par une scène de vendanges devant le château de Saumur, bien connu et parfaitement conservé de nos jours.

Cette miniature appartient à une série plus récente que les précédentes. Elle a certainement été exécutée en deux temps : le château qui constitue ici le sujet principal serait de la main du peintre de 1440, tandis que la scène de vendanges serait un ajout plus tardif de Jean Colombe.

Pas moins de cinq personnes cueillent le raisin, tandis qu'un homme et une femme enceinte se reposent ou goûtent les grappes. Celles-ci sont collectées dans des paniers qui sont vidés dans des hottes portées par des mulets. Les hottes sont déversées dans des cuves, chargées sur des charrettes tirées par des bœufs. On ne procède pas autrement aujourd'hui.

À l'arrière-plan figure la seule représentation précise du Louvre de Charles V dont nous disposions. On voit, au centre, le donjon circulaire construit par Philippe Auguste, avec la façade orientale du château, à droite, et les deux tours qui encadrent le pont-levis. À gauche, la façade méridionale est représentée avec ses deux tours jumelées. Devant le château, l'enceinte est ponctuée de trois tours et deux bretèches. Sur le rivage de la Seine, des promeneurs conversent par petits groupes. On distingue de minuscules petits chiens et des barques amarrées à la berge.

La miniature est probablement attribuable aux frères de Limbourg, mais certains éléments ont pu être repris en 1440.

La glandée est une ancienne coutume : c'est le droit accordé aux paysans de ramasser les glands, fruits du chêne, comme nourriture pour leurs animaux. Un porcher est ici accompagné d'un gros chien : il fait paître un troupeau de porcs dans un bois de chênes. On voit les glands à terre. Deux autres personnages battent les branches à l'aide d'un bâton pour faire tomber les glands ou d'autres fruits de la forêt. Le droit de pratiquer la glandée (ou paisson) était généralement accordé pour la période allant de la Saint-Rémi (1er octobre) à la Saint-André (30 novembre).

On aperçoit à l'arrière-plan un château indéfini, accroché à des rochers qui rappellent les paysages de Savoie, ainsi qu'une rivière ou un lac, au pied des montagnes.

La miniature a été réalisée vers 1485 : elle est attribuée à Jean Colombe.

Le peintre termine l'année par une scène de vénerie à Vincennes. Le bois de Vincennes est alors une vaste forêt, théâtre des chasses à courre des rois de France. C'est l'instant de la curée : un chasseur sonne l' hallali et les chiens dépècent le sanglier.

Au fond se dessinent les hautes tours du château de Vincennes, lieu de naissance du duc Jean de Berry. Le donjon, achevé par Charles V, est la résidence la plus sûre des souverains français. Le dessin de l'immense château fort est aussi exact que possible : les portes monumentales et les tours d'enceinte sont toutes représentées avec précision. De nos jours, leur hauteur est moindre, les tours d'angles ayant été arasées au XVIIIe siècle pour une meilleure efficacité des pièces d' artillerie.

Certains critiques attribuent la miniature du mois de décembre à Paul de Limbourg, alors que d'autres y voient plutôt la main du peintre de 1440.

Source : cette page a été partiellement adaptée de la page Les Très Riches Heures du duc de Berry de Wikipédia.

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Le titre s'écrit " Les Très Riches Heures du duc de Berry ", mais ce navigateur n'a pas pu l'afficher correctement. Les Très Riches Heures du duc de Berry sont un livre manuscrit de la fin du Moyen Âge, connu pour ses enluminures exceptionnelles.

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L'École d'Athènes est une fresque décorant la salle appelée Camera della Segnatura au Vatican à Rome. Cette pièce servait alors de bibliothèque privée au pape. Elle a été peinte de 1509 à 1512, par Raphaël à la demande du pape Jules II.

La fresque de L'École d'Athènes, symbolise la Philosophie et la recherche du vrai par les philosophes, les mathématiciens et les astronomes de l'Antiquité. Elle s'oppose à la fresque appelée La Dispute du Saint-Sacrement qui représente la victoire de la théologie chrétienne, sur la pensée païenne antique, fresque qui est également peinte par Raphaël dans la même salle.

La fresque mesure 770 cm × 440 cm, une partie est en demi-cercle de 770 × 250 cm. Les couleurs dominantes de l'œuvre sont l'ocre, le beige et le pastel.

Dans un vestibule très décoré, Raphaël a représenté une cinquantaine de personnages habillés " à l'antique ". C'est une peinture savante, qui suppose que ses spectateurs aient une connaissance approfondie de la culture et de l'histoire antiques. La plupart sont des hommes célèbres qui au cours de l'histoire ont illustré la philosophie ou la création artistique. Il s'agit d'affirmer que la Renaissance est une redécouverte de la production intellectuelle et artistique de l'Antiquité et que celle-ci est une source d'inspiration voire d'imitation pour les artistes de la Renaissance.

1 : Zénon de Cition ou Zénon d'Élée représenté comme un vieillard symbolisant la sagesse humaine alors que l'enfant à ses côtés symbolise la naissance de la vérité. - 2 : Épicure couronné d'un pampre de vigne- 3 : Frédéric II de Mantoue, l'enfant bouclé qui à l'époque était prisonnier du pape Jules II - 4 : Boèce ou Anaximandre ou Empédocle de Milet - 5 : Averroès, philosophe musulman qui transmit la culture antique à l'Occident- 6 : Pythagore sur l'ardoise noire qui se trouve à ses pieds le diagramme montre les rapports mathématiques qu'il y a entre l'harmonie de la musique et les lois mathématiques 7 : Alcibiade élève de Socrate ou Alexandre le Grand élève d'Aristote- 8 : Antisthène ou Xénophon - 9 : Hypatie une mathématicienne et philosophe grecque de l'Antiquité ou Francesco Maria Ier della Rovere neveu du pape Jules II - 10 : Eschine ou Xénophon - 11 : Parménide - 12 : Socrate le maître de Platon - 13 : Héraclite un philosophe pessimiste (sous les traits de Michel-Ange qui réalisait à la même époque les fresques de la Chapelle Sixtine) - 14 : Platon (sous les traits de Léonard de Vinci (mais cette idée est contestée) 15 : Aristote - 16 : Diogène de Sinope isolé des autres comme il fuyait ses semblables pendant son existence - 17 : Plotin un penseur romain néo-platonicien- 18 : Euclide ou Archimède penché, un compas à la main entouré d'étudiants (sous les traits de Bramante) sur le cou de ce personnage figure la signature de Raphaël- 19 : Strabon ou Zoroastre tenant la voûte céleste symbolisant l'astronomie - 20 : Ptolémée le géographe représenté de dos, tenant un globe terrestre- R : Raphaël s'est représenté comme Apelle le peintre grec le plus célèbre de toute l'Antiquité et regarde fixement le spectateur - 21 : Le Sodoma Quentin Augustine (Le Protogène)| amis de Raphaël ou Le Pérugin, maître de Raphaël

Dans le médaillon est inscrite la formule latine Causarum cognitio ( c'est-à-dire {{"|la connaissance des causes) inspirée des Géorgiques de Virgile " Felix, qui potuit rerum cognoscere causas " c'est-à-dire" Heureux est celui qui peut connaître les causes des phénomènes " .

À l'arrière-plan, se développe une architecture représentée selon les règles de la perspective qui donne une illusion de profondeur. Il s'agit d'une architecture d'église en forme de croix grecque (les deux branches de la croix ayant des dimensions égales, ce qui est alors considérée comme la forme architecturale la plus harmonieuse), le plafond étant une coupole (il y a alors utilisation conjointe du cercle et du carré, deux formes géométriques équilibrées). Elle serait une représentation des plans de Bramante pour la nouvelle basilique Saint-Pierre de Rome.

La statue de grande dimension qui est dans la niche de gauche représente Apollon, le dieu grec des Arts, dans la niche de droite il s'agit d' Athéna, déesse grecque de la sagesse et de l'intelligence.

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L'École d'Athènes est une fresque décorant la salle appelée Camera della Segnatura au Vatican à Rome. Cette pièce servait alors de bibliothèque privée au pape. Elle a été peinte de 1509 à 1512, par Raphaël à la demande du pape Jules II.

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Racont'Art : La chaîne d'Art et d'Histoire

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[ La Petite Histoire de l'Art ] : L'école d'Athènes de Raphaël

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Hans Holbein le Jeune est un peintre et graveur allemand, né à Augsbourg en 1497 et mort à Londres le 29 novembre 1543.

Il est le fils de Hans Holbein l'Ancien.

Portraits de célébrités

Les Ambassadeurs, 1533, National Gallery de Londres.

En 1533, durant la Renaissance, Hans Holbein le Jeune peint un tableau de 207x209cm. C'est une huile sur panneaux de chêne. Cette œuvre est exposée à la National Gallery de Londres en Angleterre.

Ce tableau représente deux ambassadeurs de François 1er. Des ambassadeurs sont des hommes politiques qui représentent le Roi de France à l'étranger. Ces deux hommes sont Jean de Dinteville et Georges de Selve. Ces deux amis posent dans le bureau londonien de Jean.

Jean de Dinteville, à gauche, est un seigneur, un juge de la région de Troyes, il est ambassadeur et chevalier de François 1er comme le prouve sa médaille. Nous connaissons son âge grâce à l'inscription sur son poignard : il a 29 ans. C'est lui qui a commandé le tableau.

Georges de Selve à droite est un évêque du Tarn dans le sud de la France. Il est l'ambassadeur de France en Angleterre, puis à Venise puis au Vatican auprès du Pape. Il termine sa carrière à Vienne puis en Espagne. Selon le livre placé sous son coude, il aurait 25 ans.

D'après le cadran solaire et l'horloge polyédrique, Jean et Georges auraient posé pour ce tableau le 11 avril 1533 à Pâques.

Jean et Georges veulent montrer qu'ils sont des humanistes, des hommes parfaits de la Renaissance. Ils veulent montrer qu'ils sont cultivés et curieux. Ils posent donc devant un tas d'objets symbolisant leur savoir et leur culture.

On voit un globe terrestre où apparaissent Jérusalem, le Brésil et le trajet du tour du monde de Magellan. On voit un livre d'arithmétique, une équerre et un compas symbolisant les connaissances mathématiques des deux hommes. Georges et Jean aimaient la musique, ils posent donc devant un luth, 4 flûtes et un livre de chant.

Sur le tapis turc, on remarque des instruments d'astronomie et de mesure du temps : un globe céleste avec des constellations et des figures mythologiques, 3 horloges solaires, 2 quadrants de navigation, un torquetum (instrument de mesure astronomique permettant de fixer l'heure et la date en visant les étoiles). Ces objets sont des clins d'œil aux travaux des astronomes (comme Copernic et Galilée).

L'élément le plus étrange du tableau est cette forme bizarre que l'on observe au centre du tableau. C'est une anamorphose : une figure déformée qu'il faut observer en se collant au mur où est accroché le tableau. (On peut observer cette figure avec le dos d'une cuillère). Cette figure est une vanité : c'est en fait un crâne humain. Il a été peint pour rappeler à chaque homme la seule vérité existant sur terre : la mort. Ce crâne a été peint pour rappeler aux hommes que malgré leurs richesses et leurs savoirs, la fin est la même pour tous : la mort.

Ce tableau représente donc parfaitement les humanistes de la Renaissance : ce sont des hommes cultivés, qui maîtrisent les mathématiques et les langues anciennes, s'intéressent aux sciences, à l'astronomie et à la navigation. L'Humaniste n'est pas qu'un intellectuel et un scientifique, c'est aussi un amateur d'art qui aime la musique et la poésie.

Les Ambassadeurs : une image cachée ?

Le tableau Les Ambassadeurs, 1533, visible à la National Gallery de Londres, contient une figure déformée, appelée anamorphose. Si tu regardes le tableau de biais, de manière presque rasante par le coin en haut à droite, alors, la forme oblique, en bas, devient un crâne humain !

La mort à la renaissance est omniprésente dans la société. Ce tableau aux premier abord semble être le portrait de deux hommes simples mais si on regarde bien nous pouvons observer divers objets faisant référence à la mort. Un crâne est représenté mais il est énormément déformé, c'est un moyen pour le peintre de représenter la mort de façon discrète ce qui rappelle que la mort est toujours là malgré qu'on ne puisse la voir. Il y a aussi le crucifix du Christ, caché derrière le plis du rideau vert qui symbolise la religion et la mort du Christ. Le livre qui est ouvert représente la réforme de Martin Luther, qui dénonce les indulgences (=sommes d'argent données à l'Église pour effacer leurs erreurs commises). Le jugement dernier est la dernière étape pour l'Homme après la mort pour avoir accès au paradis ou au contraire à l'enfer selon les actions que nous avons menées lors de notre vie. Ce jugement terrifie les Hommes à l'époque de la Renaissance.

Hans Holbein le Jeune et l'Humanisme

L'humanisme est un mouvement européen de la Renaissance qui né en Italie.

C'est un mouvement d'idées qui place l' être humain au centre de la pensée et du monde, et qui honore les valeurs humaines.

Cela provoque donc une modification sur la vision de l'homme et sur le monde, c'est ainsi que la naissance d'un esprit scientifique est créée.

Dans le même temps les rapports de l'homme avec la religion se transforment ce qui crée les Réformes.

Ces bouleversements sont facilités par les mutations importantes des moyens de communication et de diffusion des idées et des savoirs grâce à l'invention de l'imprimerie, multiplication des universités, collèges et académies.

L'utilisation de cartes permet de prendre conscience de l'élargissement du monde (les grandes découvertes) et de localiser plus facilement les pays et les villes.

La plupart des humanistes sont des philosophes, des savants, des intellectuels, des artistes ou encore des politiciens. Ils s'intéressent à plusieurs disciplines telles que l'astronomie, les sciences, l'anatomie, les mathématiques, les langues, l'architecture et la philosophie en se basant entre autres sur les textes antiques, grecs et latins, qu'ils redécouvrent et mettent en valeur. Enfin ils restent attachés à la religion chrétienne et, de ce fait, ils transmettent aussi un message religieux.

Hans Holbein fait parti de ces humanistes car il peint des portraits, des fresques mais aussi il réalise des peintures religieuses dans lesquelles il fait passer des messages comme par exemple sur la mort ou sur la religion.

C'est évidemment à causes des iconoclasmes de la Réforme que Holbein utilisait l'expression " l'art avait froid " car les œuvres pouvaient être censurées.

Les iconoclasmes sont des personnes qui interdisent ou détruisent les images saintes et donc certaines œuvres.

Suite à cela Holbein pensait que ses chances de réussir à Bales étaient minimes et il alla donc tenter sa chance à l'étranger.

De plus il est introduit par l'imprimeur Froben dans les cercles humanistes, il se lie d'amitié avec Erasme un autre humaniste, dont il a réalisé plusieurs portraits. Tous les deux, ils critiquaient les abus de l'Eglise catholique mais avaient une attitude critique vis-à-vis de Luther.

Quand il revint à Bâle en 1528, où pendant ce temps y avait eu des changements. Après l'introduction de la Réforme à Berne, de graves conflits religieux éclatèrent également à Bales et le 1er avril, la ville adopta officiellement la foi réformée.

Enfin le drame de Holbein fut d'être contraint par les hasards de la politique à travailler pour des mécènes qui ne s'intéressaient qu'au portrait et non à sa personne. Cela fit de lui l'un des plus grands portraitistes de tous les temps, mais ce fut néanmoins une lourde restriction à son génie.

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Hans Holbein le Jeune est un peintre et graveur allemand, né à Augsbourg en 1497 et mort à Londres le 29 novembre 1543. Il est le fils de Hans Holbein l'Ancien. En 1533, durant la Renaissance, Hans Holbein le Jeune peint un tableau de 207x209cm. C'est une huile sur panneaux de chêne.

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Les Ambassadeurs, décryptage du tableau célèbre d'Holbein (1533)

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1563

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Préparation à la tour de Babel dictée CM1

un orgueil démesuré - des navires minuscules - un édifice- une langue commune

La Grande Tour de Babel est une huile sur panneau de bois peinte par Brueghel et inspiré d'un passage de la Bible. Autrefois, il est dit que tous les hommes parlaient la même langue et choisirent de s'installer dans la vallée de Shinar et d'y construire une tour gigantesque qui atteint presque les cieux.
Dieu décide alors de les punir pour leur orgueil démesuré et brouille leur langue pour que les hommes ne se comprennent plus du tout. Les hommes sont tous dispersés à la surface de la Terre.
Posée au centre du tableau la tour est en construction et fait apparaître les personnages et les navires bien minuscules.
Cet édifice est censé représenter les dangers de l'orgueil humain.
Toutes les dictées CE2 / CM1 sur l'histoire de l'art
Par Pieter Brueghel l'Ancien - Levels adjusted from File:Pieter_Bruegel_the_Elder_-_The_Tower_of_Babel_(Vienna)_-_Google_Art_Project.jpg, originally from Google Art Project., Domaine public, Lien

A propos de l'auteur

mesenfantsautop.fr fête son premier anniversaire en cette rentrée 2019/2020. Comme vous l'avez peut-être deviné, ce blog traite de l'éducation. C'est un blog de parent d'élève, pas de professeur ni de professionnel de la profession. Je ne suis pas tenu à une "exemplarité de fonction", même si je déplore que sur un sujet aussi grave les invectives et les anathèmes soient monnaie courante. Je plaide pour une éducation "augmentée", c'est à dire où le dépassement de soi est recherché plus que la comparaison aux autres.

Comme on me l'a bien appris, le plan de ce blog se découpe en trois parties : la première est consacrée à l'enseignement des principales matières, à l'actualité de l'éducation nationale et de son ministère, avec en finalité l'orientation scolaire et professionnelle. La seconde partie est plus personnelle, elle traite essentiellement du travail à la maison que mon fils et moi effectuons, de notre vie scolaire au quotidien et dispose de sa page page Facebook dédiée, encore très centrée sur l'enseignement élémentaire. Enfin, j'entends consacrer un dernier volet à un annuaire de la formation, des établissements scolaires du primaire au supérieur qui témoignerait au fil du temps de ce qui s'y passe. Le menu principal devrait vous aider à naviguer dans mon grand fatras.

Je pense surtout qu'un parent n'a pas à déléguer son rôle à une institution. Qu'il est pour le meilleur et pour le pire le premier responsable de l'éducation de ses enfants s'il veut bien s'en donner la peine. Je ne vends pas de recette miracle, je n'ai aucune envie de transformer quiconque en singe savant et j'essaye de ne jamais mélanger l'instruction et l'intelligence, sans parler de celle du cœur. Quel parent ne voudrait pas le meilleur pour ses enfants ? Mais personne n'est capable de définir ce meilleur de la même manière. N'hésitez donc pas à vous donner vos retours, vous impressions. Je suis toujours joignable par ce mail olivier@mesenfantsautop.fr en plus des outils classiques. Tant que cet endroit ne sera pas un vrai endroit de partage il sera un échec.

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La Grande Tour de Babel est une huile sur panneau de bois peinte par Brueghel et inspiré d'un passage de la Bible. Autrefois, il est dit que tous les hommes parlaient la même langue et choisirent de s'installer dans la vallée de Shinar et d'y construire une tour gigantesque qui atteint presque les cieux.

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Pierre Breughel l'Ancien ou en flamand Pieter Brueghel est un peintre brabançon, de la Renaissance, né vers 1525 et mort le 9 septembre 1569 à Bruxelles.

Il est l'un des quatre grands peintres flamands, avec Jan van Eyck (1390-1441), Jérôme Bosch (1453-1516) et Pierre Paul Rubens (1577-1640). On voit que ces artistes se succèdent à peu d'années près, sur une période de deux siècles, mais n'auraient jamais pu se rencontrer.

Beaucoup de tableaux de Pierre Breughel l'Ancien montrent des scènes villageoises ou mythologiques qui fourmillent de personnages.

Au milieu du tableau, on voit un paysan au col rouge, labourant son champ avec une très belle charrue bien détaillée ; des marins, à l'horizon, hissent les voiles ; un pêcheur est tout à son occupation, près du rivage... Le tableau s'appelle La Chute d'Icare, mais où donc est Icare ? Ah, le voici ! Il tombe à la mer et personne ne s'en aperçoit, personne ne s'intéresse à lui ! Le message est probablement que chacun ferait bien mieux de se soucier de ses travaux quotidiens, plutôt que de songer à des exploits somme toute assez inutiles... L'homme n'a pas été créé pour voler dans le ciel : qu'il le laisse donc aux oiseaux !

Genèse 11, 1-9 : Tout le monde se servait d'une même langue et des mêmes mots. Comme les hommes se déplaçaient à l'Orient, ils trouvèrent une vallée au pays de Shinéar et ils s'y établirent. Ils se dirent l'un à l'autre : " Allons ! Faisons des briques et cuisons-les au feu ! " La brique leur servit de pierre et le bitume leur servit de mortier. Ils dirent : " Allons ! Bâtissons-nous une ville et une tour dont le sommet pénètre les cieux ! Faisons-nous un nom et ne soyons pas dispersés sur toute la terre ! "

Dieu descendit pour voir la ville et la tour que les hommes avaient bâties. Et Dieu dit : " Voici que tous font un seul peuple et parlent une seule langue, et tel est le début de leurs entreprises ! Maintenant, aucun dessein ne sera irréalisable pour eux. Allons ! Descendons ! Et là, confondons leur langage pour qu'ils ne s'entendent plus les uns les autres. " Dieu les dispersa de là sur toute la face de la terre et ils cessèrent de bâtir la ville. Aussi la nomma-t-on Babel, car c'est là que Dieu confondit le langage de tous les habitants de la terre et c'est là qu'Il les dispersa sur toute la face de la terre.

Comme beaucoup d'artistes de son temps, Breughel montre une tour en spirale, sorte d'escalier montant vers le ciel, peut-être inspiré du minaret de la mosquée de Samarra, près de Bagdad.

Le tableau de Breughel est très détaillé. Les techniques de construction de son temps sont finement traitées : on y voit notamment une grue en charpente de bois, actionnée par deux roues d'écureuil, et aussi une vraie ville flamande de la Renaissance, au pied de la tour.

Une scène villageoise où chacun attend un bon repas. Les couleurs sont chaudes (rouges), et l'importance de la tablée est donnée par la composition en diagonale et en profondeur. La fête est animée ; seule la mariée reste sage et discrète, semblant se désintéresser de cette abondance de plats qui sont servis sans relâche. Les boissons, à gauche, sont versées dans des pichets. Les musiciens marquent un temps de repos.

Références

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Pierre Breughel l'Ancien ou en flamand Pieter Brueghel est un peintre brabançon, de la Renaissance, né vers 1525 et mort le 9 septembre 1569 à Bruxelles. Il est l'un des quatre grands peintres flamands, avec Jan van Eyck (1390-1441), Jérôme Bosch (1453-1516) et Pierre Paul Rubens (1577-1640).

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1642

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Rembrandt, de son nom complet Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, est un graveur et peintre néerlandais, né le 15 juillet 1606 à Leyde et mort le 4 octobre 1669 à Amsterdam.

Rembrandt est l'un des plus grands peintres de l'École hollandaise du XVIIe siècle et, plus généralement, de l'art baroque européen.

Rembrandt a produit une œuvre très abondante : près de 400 peintures, mais aussi 300 eaux-fortes et 300 dessins. Il est surtout connu pour ses portraits, mais il a aussi produit quelques paysages.

Il est l'inventeur de la technique du clair-obscur, consistant à éclairer vivement certaines zones d'un tableau plongé dans l'ombre.

Quelques tableaux

Le tableau portait initialement le titre de La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch. Il fut commandé pour orner le nouveau hall du bâtiment qui abritait une compagnie de gardes civils.

Il représente un groupe d'arquebusiers en habits d'apparat, quittant l'ombre d'une cour et s'avançant vers la lumière du jour, lors d'une fête. La troupe de gardes civils se met en route vers une parade, sans doute lors d'un grand événement, mais on a oublié lequel... Les historiens ont suggéré des visites royales comme celle de Marie de Médicis à Amsterdam, en 1638, ou celle d'Henriette Marie d'Angleterre, en 1642.

Le titre actuel, La Ronde de nuit, a été donné au tableau au XVIIIe siècle, tant il était devenu sombre. Mais un nettoyage minutieux, en 1947, lui a rendu sa lumière et ses couleurs.

Cet immense tableau a été payé la somme énorme de 1 600 florins, un record en un temps où un ouvrier gagnait de 200 à 250 florins par an.

En 1725, la taille du tableau a été réduite : on a découpé des bandes sur les bords de la toile, qui est passée d'environ 5 mètres de long à 4,38 m afin qu'elle puisse tenir sur le mur d'une salle de l'hôtel de ville d'Amsterdam.

Aujourd'hui, La Ronde de nuit est l'une des œuvres majeures du Rijksmuseum d' Amsterdam.

Le Syndic des drapiers, 1662

Cette toile représente six administrateurs, en chapeaux et habits noirs, penchés sur une table couverte d'un tapis persan, en train de vérifier les comptes de la corporation des drapiers d' Amsterdam. C'est une des explications.

Mais, selon une autre interprétation, il s'agit plutôt d'inspecteurs élus par les membres de la corporation des drapiers, chargés de certifier la qualité des tissus. Il apposent leur sceau sur un registre après avoir examiné un échantillon du lot. Mis à part l'homme portant une calotte, qui est un employé, tous les autres sont des personnages importants, dont on a conservé les noms.

On voit que le personnage de droite tient à la main un échantillon d'une étoffe de luxe.

La Leçon d'anatomie du docteur Tulp, 1632

Rembrandt, alors âgé de 26 ans, montre une leçon d' anatomie donnée par le docteur Nicolaes Tulp, le 16 janvier 1632, sous les yeux d'un groupe de chirurgiens célèbres.

La leçon du professeur Tulp avait lieu une fois par an, en hiver. Le corps devait être celui d'un criminel exécuté. Malgré le souci du détail, les spécialistes constatent des inexactitudes dans l'anatomie de la dissection de l'avant-bras.

Le tableau était une commande de la guilde des chirurgiens. Le but était de conserver les portraits de ces savants, contemporains de grands progrès scientifiques.

Il est conservé au Mauritshuis de La Haye.

Sujets religieux

La famille de Rembrandt

Source : cette page a été partiellement adaptée de la page Rembrandt de Wikipédia.

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Rembrandt, de son nom complet Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, est un graveur et peintre néerlandais, né le 15 juillet 1606 à Leyde et mort le 4 octobre 1669 à Amsterdam. Rembrandt est l'un des plus grands peintres de l'École hollandaise du XVIIe siècle et, plus généralement, de l'art baroque européen.

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Permalien : https://www.panoramadelart.com/SaintJosephcharpentier

Publié le 10/04/2014

glossaire

Palette :

La palette est la petite planche sur laquelle l'artiste dispose et mélange ses couleurs. Le terme désigne aussi l'ensemble des couleurs qu'il choisit pour une œuvre.

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Saint Joseph charpentier Georges de La Tour (1593-1652)

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Permalien : https://www.panoramadelart.com/SaintJosephcharpentier Publié le 10/04/2014 Palette : La palette est la petite planche sur laquelle l'artiste dispose et mélange ses couleurs. Le terme désigne aussi l'ensemble des couleurs qu'il choisit pour une œuvre. ﻿

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Domitille et Liza

Nicolas Coustou(Apollon ), Guillaume Coustou (Daphné )

Biographie :

Nicolas Coustou. Naissance :Lyon en 1658 - Décès :Paris , 1733

Pensionnaire de la villa Médicis : Rome - Italie de 1683 à 1686 _

Ce sculpteur français participera à la décoration du château de versailles , des Invalides et de Marly .

Guillaume Coustou. Naissance :Lyon en 1677_ Décès : Paris en 1746

Agréé à l'académie Royale de Peinture et de Sculpture , France 1733

Ils ont été influencé par le Bernin .

Etude de l'oeuvre

Date de création : 1710

Matériaux :Marbre

Hauteur : 1,32 m

Largeur :1,35 m

Profondeur :0,65 m.

Emplacement : Chaque statue fut placée au centre d'un des bassins des Carpes du parc de Marly, vers 1713 - 1714 ,elles étaient accompagnées d'autres statues de coureurs sur un piédestal .Les quatre sculptures donnaient l'impression de bondir au dessus de l'eau . Saisi à la Révolution, le groupe fut installé dans l'une des exèdres du jardin des Tuileries de 1798 à 1940.

Analyse de l'oeuvre

- La sculpture tient en équilibre grâce à la souche qui la soutient au niveau du bassin .

- Apollon forme une ligne oblique avec le bras en avant et la jambe en arrière.

- Daphné exprime la frayeur : ses membres partent dans tous les sens , elle jette en avant des bras implorants et regarde derrière elle alors qu'Apollon exprime quant à lui la détermination .

- La draperie gonflée , les cheveux au vent montrent la fuite .

Comparaison entre le Bernin et les Coustou : représentation en une seule sculpture , ce n'est pas le même moment du mythe( Bernin ) en revanche Daphné et Apollon sont toujours représentés en adolescent et ont la même expression .

Mythe :

Apollon comparait ses forces , son arc , sa popularité , ses victoires , aux faibles attributs du dieu Cupidon . Ce dernier pour lui prouver qu'il pouvait aussi blesser lui envoya une flèche qui faisait aimer .

C'est de Daphné , fille Pénée qu'Apollon tomba accidentellement amoureux . Celle ci ne voulait pas de fiancé et fuyait l'amour , elle demanda à son père de lui permettre de garder sa virginité à jamais .Mais Apollon voulait plus que tout s'unir à elle , il lui offrait des discours ; et un jour lors d'une course poursuite effrénée , Daphné , sentant ses forces faiblir demanda de l'aide au eaux du Pénée pour échapper à Apollon . Pénée entendit ses prières et transforma la nymphe en laurier au moment où Apollon allait l'attraper .Alors le Dieu , en recouvrant l'arbre de baisers et de caresses , dit au laurier qu'il deviendra l'arbre d' Apollon et que ses rameaux protègeront les palais de César et célébrerons la victoire .

Nos impressions :

-Nous avons trouvé que les statues étaient trop petites .

-On ne distingue pas beaucoup qui est Daphné et qui et Apollon .

- Elles ne sont pas correctement placées , on ne voit pas assez que Daphné est en fuite et qu'Apollon la poursuit car ils sont côte à côte .

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Domitille et Liza Nicolas Coustou(Apollon ), Guillaume Coustou (Daphné ) Biographie : Nicolas Coustou. Naissance :Lyon en 1658 - Décès :Paris , 1733 Pensionnaire de la villa Médicis : Rome - Italie de 1683 à 1686 _ Ce sculpteur français participera à la décoration du château de versailles , des Invalides et de Marly .

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Le groupe de Daphné par Guillaume Ier Coustou et d'Apollon par Nicolas Coustou illustre un passage des Métamorphoses d'Ovide, racontant la poursuite de la nymphe Daphné par le dieu du soleil et sa transformation en laurier pour lui échapper. Chaque statue fut placée au centre d'un des bassins des Carpes du parc de Marly, vers 1713-1714. Le groupe fut installé dans l'une des exèdres du jardin des Tuileries de 1798 à 1940. Il est aujourd'hui conservé dans la cour Marly du musée du Louvre. (D'après www.louvre.fr)

Copyright © Ministère de la Culture et de la Communication - 2012

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histoire des arts ministère de la culture

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Apollon (poursuivant Daphné) et Daphné (poursuivie par Apollon), Guillaume Ier Coustou et Nicolas Coustou (1714)

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Le groupe de Daphné par Guillaume Ier Coustou et d'Apollon par Nicolas Coustou illustre un passage des Métamorphoses d'Ovide, racontant la poursuite de la nymphe Daphné par le dieu du soleil et sa transformation en laurier pour lui échapper. Chaque statue fut placée au centre d'un des bassins des Carpes du parc de Marly, vers 1713-1714.

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Date

Matériau

Dimensions (H × L)

113 × 87 cm

N° d'inventaire

MV 3893, INV 3063, AC 1948

Marie-Antoinette à la rose est un célèbre portrait de Marie-Antoinette, reine de France, peint par la peintre française Élisabeth Vigée Le Brun en 1783. Il est conservé au château de Versailles.

Le portrait montre la reine Marie-Antoinette à mi-corps vu de trois-quarts portant dentelle, perles et chapeau, tenant une rose de la main gauche.

Un précédent portrait la représentait dans une robe gaule ( mousseline de coton) qui est généralement utilisée en linge de corps ou d'intérieur, mais les critiques se scandalisent du fait que la reine s'est fait peindre en chemise, si bien qu'au bout de quelques jours, Vigée Le Brun doit le retirer de l'exposition et le remplacer par celui-ci.

Ce portrait intimiste, qui représente la reine avec simplicité, a donné lieu à cinq variantes (la reine avec chapeau, en robe de mousseline...).

Ressources relatives aux beaux-arts :

Jules FLAMMERMONT, " Les portraits de Marie-Antoinette ", Gazette des Beaux-Arts, 1898, pages 388-390.

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Date Matériau Dimensions (H × L) 113 × 87 cm N° d'inventaire MV 3893, INV 3063, AC 1948 Marie-Antoinette à la rose est un célèbre portrait de Marie-Antoinette, reine de France, peint par la peintre française Élisabeth Vigée Le Brun en 1783. Il est conservé au château de Versailles.

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La dernière reine de France, très mise en valeur par son époux Louis XVI, fut également la plus représentée de toutes les souveraines. Ces tableaux ont beaucoup fait pour la légende posthume de Marie-Antoinette. Ils la représentent non pas comme la femme futile que la légende révolutionnaire s'est plu à donner d'elle, mais comme une femme majestueuse et humaine à la fois, parfaitement à sa place dans son rôle de reine et de mère, même si le portrait à la rose la montre occupée à des activités plus futiles. Cependant, de son vivant, la multiplication des portraits contribua en partie à alimenter sa grande impopularité. Elisabeth Vigée-Lebrun elle-même paya le fait d'avoir représenté la reine et dut s'exiler à travers l'Europe, où elle poursuivit sa brillante carrière de portraitiste.

Née en 1755, Marie-Antoinette de Lorraine-Habsbourg, archiduchesse d'Autriche, devint reine de France en 1774 lorsque Louis XVI accéda au trône. Dès 1778, sans attendre qu'Elisabeth Vigée-Lebrun soit élue à l'Académie royale de peinture et de sculpture, et malgré la cabale menée par madame Labille-Guiard, la reine en fit son peintre attitré. Du portrait officiel de 1778, plusieurs répliques avec variantes sont connues, dont deux conservées à Versailles. La reine se présente avec la tête tournée ou non. Dans le premier portrait qu'exécuta l'artiste, la reine apparaît un peu guindée dans sa robe trop riche. Elle a adopté une posture plus officielle que proprement humaine, avec à ses côtés la couronne de France. Le portrait original était destiné à son frère Joseph II, empereur germanique, et Mme Vigée-Lebrun en réalisa deux autres exemplaires, l'un pour Versailles, l'autre pour la tsarine Catherine de Russie.

Pas moins d'une dizaine de portraits furent exécutés. Avec le temps, le style de Mme Vigée-Lebrun s'est fait moins raide, ses relations avec la reine étant devenues moins officielles et certainement plus amicales. Les portraits suivants montrèrent une souveraine plus humaine, revêtue de vêtements plus simples, bien que très luxueux par leurs qualités ou leurs couleurs parfois vives.

Le célèbre portrait de Marie-Antoinette à la rose qui est en buste long fait figure d'exception parmi tous les portrait en pied. Le style doux et moelleux de Vigée-Lebrun, d'un néoclassicisme atténué, convenait certainement mieux à la souveraine que le solide réalisme d'Adélaïde Labille-Guiard. Elle souhaitait être flattée et la jeune artiste, du même âge que la reine, fut la seule à réussir ce pari.

Si le modèle original, dit " en gaulle ", a disparu, cinq répliques avec variantes (chapeau, robe de mousseline, etc.) en furent tirées par l'artiste. Ce portrait flatteur, très intimiste, montre une souveraine qui bien que très digne, est revêtue très simplement d'une robe de soie grise et confectionne un bouquet. Rien d'officiel dans ce portrait, où la reine est présentée seule, vraisemblablement dans les jardins de Trianon ou du Hameau, où elle aimait à mener une vie champêtre, loin des complots de la cour.

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Marie-Antoinette à la rose de Elisabeth Vigée Lebrun

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La dernière reine de France, très mise en valeur par son époux Louis XVI, fut également la plus représentée de toutes les souveraines. Ces tableaux ont beaucoup fait pour la légende posthume de Marie-Antoinette.

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La Grande Vague de Kanagawa - Vikidia, l’encyclopédie des 8-13 ans

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Nicéphore Niépce ( Chalon-sur-Saône, 7 mars 1765 - Saint-Loup-de-Varennes, 5 juillet 1833) est l'inventeur de la photographie.

Après d'inlassables recherches de chimie pour trouver une substance capable de réagir à la lumière et d'en fixer la trace, Niépce réalisa la première photographie connue en 1827.

Nicéphore Niépce naît à Chalon-sur-Saône le 7 mars 1765. Il est issu d'une famille aisée et bourgeoise. Il fait ses études au collège de l'Oratoire à Chalon-sur-Saône. Il se destine à la prêtrise.

En 1788, il se trouve à Angers pour ses études. La situation politique et sociale est agitée à la veille de la Révolution française. Il hésite entre devenir prêtre ou avocat.

Pendant la Révolution française, il devient soldat et participe comme son frère Claude Niépce aux campagnes des armées révolutionnaires. Malade, il rejoint Nice où il se marie.

Nicéphore Niépce quitte l'armée et rentre avec son frère Claude en Bourgogne en 1801. Passionnés tous deux par les sciences, ils veulent devenir des inventeurs. Ils mènent alors de multiples travaux et expériences : mise au point du Pyréolophore, un moteur à explosion interne breveté en 1807 ; fabrication d'un ancêtre de la bicyclette ; etc.

L'intérêt de Nicéphore Niépce pour les images vient de la lithographie : il s'agit d'un procédé de fabrication d'images à partir de dessins à l'encre grasse sur une pierre. Dès 1835, Nicéphore Niépce effectue de multiples essais de lithographies. Il mélange peu à peu plusieurs techniques (gravure, lumière, lithographie, camera obscura).

Très vite, il s'intéresse à la photogravure : il s'agit de fixer l'image sur un support pour pouvoir la reproduire en de multiples exemplaires.

Il met au point le premier procédé photographique au monde : il le nomme "héliographie", c'est-à-dire "écriture par le soleil". Ce procédé permet de fixer une image obtenue dans une chambre noire ( camera obscura), sur une plaque d'étain sensibilisée au bitume de Judée.

La première image conservée grâce à ce procédé technique, Point de vue du Gras, est réalisée en 1827 par Nicéphore Niépce, d'une fenêtre à l'étage de sa maison du Gras, à Saint-Loup-de-Varennes, non loin de Chalon-sur-Saônes. Le temps de pose nécessaire aurait été de 12 à 18 heures. La représentation n'est donc pas réaliste : le déplacement du soleil entraîne le mouvement des ombres.

Louis Daguerre, peintre et décorateur parisien, a connaissance des travaux de Nicéphore Niépce. Les deux hommes s'associent à partir de 1829 : Niépce livre son invention, l'héliographe, et rédige donc sa Notice sur l'héliographie. Daguerre apporte ses connaissances dans la maîtrise de l'optique pour réduire le temps de pose nécessaire pour enregistrer l'image.

Nicéphore Niépce meurt le 5 juillet 1833. Louis Daguerre poursuit les recherches et quatre ans plus tard, en 1837, met au point un procédé photographique différent auquel il donne son nom : le daguerréotype.

Paul Jay, Nicéphore Niépce, Photo Poche, 1984.

Brigitte Gouvignon, La petite encyclopédie de la photographie, éditions de la Martinière, 2004.

Thierry Gervaus. Gaëlle Morel, La photographie. Histoire. Techniques. Art. Presse, Larousse, 2011

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Nicéphore Niépce ( Chalon-sur-Saône, 7 mars 1765 - Saint-Loup-de-Varennes, 5 juillet 1833) est l'inventeur de la photographie. Après d'inlassables recherches de chimie pour trouver une substance capable de réagir à la lumière et d'en fixer la trace, Niépce réalisa la première photographie connue en 1827. Nicéphore Niépce naît à Chalon-sur-Saône le 7 mars 1765.

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LES INVENTEURS DE LA PHOTOGRAPHIE - NICEPHORE NIEPCE 1/4

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L'histoire de Camille Claudel

Petites histoires de grandes artistes

© AWARE : Archives of Women Artists Research and Exhibitions

Petites histoires de grandes artistes est un projet original de vidéos d'animation ludiques et éducatives, destinées aux enfants à partir de 7 ans ainsi qu'aux plus grands.

L'objectif de chaque épisode ? Faire découvrir en 3 min la vie et l'œuvre d'une artiste femme du XX e siècle. Imaginé par la scénariste Sophie Caron, chaque récit transmet l'originalité d'une démarche, son importance au sein d'un courant artistique, certains épisodes biographiques déterminants ainsi que les difficultés que l'artiste aura pu rencontrer dans l'exercice de sa pratique.

Dans un paysage où les publications sur l'art pour enfants et les animations jeunesse font la part belle aux artistes hommes, ce projet inédit et sans équivalent entend offrir des figures d'identification aux plus jeunes, au‑delà de tous stéréotypes de genre. Et au travers de la découverte de ces femmes artistes, c'est bien à la découverte de l'émotion que peut procurer l'art, que nous espérons convier le plus grand nombre.

Dans ce premier épisode de Petites histoires de grandes artistes, AWARE invite les enfants à un voyage dans le temps à la rencontre de la sculptrice Camille Claudel. L'occasion pour les plus jeunes de se familiariser avec son œuvre et de leur faire connaître les différents matériaux et techniques de la sculpture.

Un projet produit par AWARE et rendu possible grâce au soutien de la Fondation ENGIE.
Réalisation : Sophie Caron. Illustration : Louise Nelson. Montage : Maggali Baraban. Voix : Melha Bossard.

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L'histoire de Camille Claudel - AWARE Women artists / Femmes artistes

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Petites histoires de grandes artistes est un projet original de vidéos d'animation ludiques et éducatives, destinées aux enfants à partir de 7 ans ainsi qu'aux plus grands. L'objectif de chaque épisode ? Faire découvrir en 3 min la vie et l'œuvre d'une artiste femme du...

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La liberté guidant le peuple est un tableau peint en 1830 par Eugène Delacroix, le chef de file du romantisme. C'est une représentation fictive de la révolution parisienne de juillet 1830. Il s'agit d'une peinture à l'huile, sur toile, de 325 cm de large sur 260 cm de hauteur. On peut voir que le peintre a fait son tableau sur une base triangulaire, tout comme Le Radeau de la Méduse de Géricault. Le tableau est conservé au musée du Louvre à Paris.

En 1830, lorsqu'il peint ce tableau Delacroix a 32 ans. C'est un bourgeois (certains pensent qu'il est le fils adultérin  de Talleyrand). Il a des opinions politiques libérales (plutôt favorables à une monarchie constitutionnelle de type anglais). Il est sensible aux différents mouvements de soulèvements des peuples opprimés : ses tableaux Les massacres de Scio (1824) et La Grèce expirant sur les ruines de Missolonghi (1826) témoignent de son soutien moral aux Grecs qui se sont révoltés avec succès contre l'occupation turque de leur pays dans les années 1820. Pour ses amis artistes, il est le chef de file du romantisme en peinture.

allégorie  La liberté guidant le peuple est une de la révolution parisienne de juillet 1830.

Delacroix n'a pas fait le coup de feu pendant les évènements révolutionnaires des Trois Glorieuses. Il décide cependant de "peindre pour la Patrie" en faisant la représentation d'une barricade. Dans ce tableau Delacroix montre qui a fait la révolution : les ouvriers, les étudiants, dans les faits les républicains et les bonapartistes de l'époque. Il montre aussi, en ne les représentant pas comme combattants, que les bourgeois sont absents des combats. Pourtant ce seront eux qui s'installeront au pouvoir après cette révolution.

En fait l'analyse du tableau montre que Delacroix met surtout en garde les révolutionnaires de 1830 contre les dérapages possibles de cette révolution. Dérapages dont la bourgeoisie a très peur.

Le tableau commencé dans la foulée des événements parisiens de l'été 1830 est achevé en décembre 1830. Il est exposé au Salon de 1831. En octobre 1831, le tableau est acheté pour 3 000 francs (une somme considérable) par le roi Louis-Philippe Ier qui s'est installé au pouvoir grâce à cette révolution en juillet 1830.

La scène n'est pas précisément localisée. Seules les tours de la cathédrale Notre-Dame indiquent qu'elle se situe à Paris près de la Seine.

Le caractère libéral du tableau

Le rappel très fréquent des trois couleurs du drapeau républicain indique l'adhésion aux idées libérales de Delacroix. C'est le rappel que la révolution qui vient d'être faite a pour but de faire disparaître les idées d' Ancien Régime de l'aristocratie dirigée par le roi Charles X qui va être détrôné. Ces idées seront remplacées par celles de la bourgeoisie qui s'est appropriée le drapeau tricolore pendant la Révolution de 1789. C'est après la révolution de 1830 que le drapeau tricolore remplace définitivement le drapeau blanc avec fleurs-de-lis d'or des rois redevenu le drapeau français pendant la Restauration.

La femme symbolisant la liberté brandit le drapeau. Derrière elle, à gauche, les insurgés ont aussi le drapeau tricolore au bout d'une pique. Mais des personnages du premier plan arborent aussi les trois couleurs : celui du centre qui relève la tête à des habits bleu-blanc-rouge. Il en est de même pour le soldat mort à droite : il a une épaulette bleue et blanche et porte un liseré rouge sur le col de son uniforme. Le cadavre à gauche est vêtu d'une chemise blanche maculée du rouge de son sang, mais il porte aussi une chaussette bleue (le bleu est la couleur des patriotes républicains depuis 1789).

Les acteurs de la révolution parisienne de 1830

Delacroix met en valeur les différentes couches sociales qui ont participé aux combats pendant les Trois Glorieuses. Au centre, l'étudiant parisien, avec son chapeau haut-de-forme, son habit noir, un fusil à la main. Les étudiants sont alors issus de la petite bourgeoisie, beaucoup viennent de province. Ils sont pour la plupart d'opinions politiques républicaines, voire bonapartistes. Ils sont très actifs à Paris.

De l'autre côté de la liberté, les pistolets à la main le titi parisien, le gamin de Paris. C'est le symbole des classes populaires parisiennes. L'enfant issu d'une famille nombreuse et qui passe une bonne partie de son temps dans la rue, à l'affut d'une bonne affaire ou d'un petit boulot. Il servira de modèle à Victor Hugo pour Gavroche dans son roman Les Misérables.

Allongé, mais relevant la tête, l'ouvrier parisien. Certains commentateurs du tableau ont vu en lui, le typographe, ouvrier très instruit de l' imprimerie, donc de la presse et de la diffusion des idées. Notons que ce typographe est le seul personnage vivant, présenté distinctement en premier plan, qui n'a pas d'armes. À l'époque les typographes formaient l' aristocratie de la classe ouvrière. À l'extrême-gauche du tableau, un autre ouvrier parisien, sabre à la main, pistolet à la ceinture. Il peut être considéré comme le représentant des autres corps de métiers, plus manuels (mais aussi plus déterminés à la lutte violente contre l'ordre existant).

Delacroix n'a représenté aucun bourgeois parmi les combattants, ce qui est conforme à la réalité des événements.

Signification politique du tableau

On peut interpréter la liberté guidant le peuple comme un parti pris politique de Delacroix. C'est un tableau engagé et non pas uniquement documentaire.

En fait ce sont les personnages du premier plan qui sont les plus intéressants et ce sont eux qui renferment le plus de signification. Delacroix y a placé ses idées politiques.

Le cadavre à gauche est certainement le point central du tableau. C'est un ouvrier. Remarquons que curieusement il est dévêtu (détail peu réaliste). Sont mises en valeur les parties de son corps qui sont les plus animales, les moins civilisées celles qui sont les plus liées aux besoins vitaux de l'être humain. Le bas de son corps nu est complémentaire du torse nu de la liberté. Ils sont donc liés. Mais l'une est vivante et l'autre est morte. Le col ouvert du cadavre, semble faire référence aux cols ouverts des condamnés à la guillotine. Certains commentateurs du tableau y ont vu le rappel de la Terreur de 1793-1794, une suite possible de la liberté acquise en 1789. La Terreur de 1793-1794, qui pour sauver la république et la liberté, a provisoirement institué une sorte d'égalité sociale grâce à des moyens très autoritaires. Ce cadavre en tendant son pied chaussé de bleu (le bleu est alors la couleur symbolique de la République) semble vouloir faire un croche-pieds destiné à faire trébucher la liberté. Si elle veut avancer la liberté devra contourner ou enjamber ce cadavre et ce qu'il représente du point de vue politique. C'est une illustration des idées des bourgeois qui veulent bien de la liberté politique et pour cela ils préfèrent la monarchie constitutionnelle à la république. Mais ces bourgeois rejettent vigoureusement l'égalité sociale, qui selon eux ne pourrait être acquise que par la suppression de la liberté.

Ce cadavre s'oppose tête-bêche mais en parallèle à l'ouvrier-typographe, vêtu et surtout vivant. Celui-ci semble tendre son front (sa pensée, sa conscience) vers la liberté, qui le regarde (?). Pour Delacroix est-ce l'attitude à suivre : rechercher la liberté politique (celle de la confrontation des idées) et non pas l'égalité sociale.

Deux autres personnages sont aussi représentés morts. Le soldat, lui aussi un pied nu, dont le cadavre fait obstacle à l'avancée de la liberté. Il porte l'uniforme des armées républicaines de la Révolution. Cet uniforme est glorieux, mais il recouvre un mort. Il est au pied de la barricade. D'ailleurs par qui a-t il été tué ? Par les forces de répression envoyées par le roi Charles X ou bien par l'ouvrier au cadavre découvert ? 1793 qui aurait tué 1789, la terreur populaire contre la révolution bourgeoise ?

Enfin à l'extrême-droite du tableau, mort lui aussi, et de plus la face contre terre, donc totalement anéanti, un autre soldat. C'est un cuirassier, le corps de cavalerie le plus redoutable dans une bataille. Il peut représenter l' empire (les empereurs romains sont très souvent représentés en cuirasse). Pour la bourgeoisie l'empire c'est le régime militaire dévoreur d'hommes qui a mené la France à la défaite en 1815. C'est le régime dont la disparition a permis le retour des aristocrates émigrés dont on vient de se débarrasser par la révolution de 1830. C'est un avertissement aux militants bonapartistes très actifs à l'époque et aux très nombreux nostalgiques du Premier Empire. La liberté pour progresser devra passer aussi sur leurs cadavres. Ils ont pu servir pendant les événements mais on n'a plus besoin d'eux.

La liberté guide le peuple. Mais vers où ? Pour avancer elle doit passer sur les cadavres (et les idées) de 1792, de 1793 et de l'empire. Ces régimes disparus, mais qui en 1830 ont encore beaucoup de partisans, font très peur à la bourgeoisie. Pour elle, l'avenir politique et social de la France tient donc à la capacité des nouveaux maîtres du pouvoir de passer ces obstacles. C'est ce que semble proposer Delacroix.

Delacroix cherche à montrer une certaine confrontation des idées qui doit d'abord se faire passer par les cadavres.

Romantisme, revue, 1980 n° 28-29

Connaissance des arts, revue. septembre 1982

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La liberté guidant le peuple est un tableau peint en 1830 par Eugène Delacroix, le chef de file du romantisme. C'est une représentation fictive de la révolution parisienne de juillet 1830. Il s'agit d'une peinture à l'huile, sur toile, de 325 cm de large sur 260 cm de hauteur.

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Une Minute au Musée - EP21 - La Liberté guidant le peuple

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Jean-François Millet (4 octobre 1814 - 20 janvier 1875) est un peintre, graveur et dessinateur de l' école de Barbizon et du mouvement réaliste.

Influencé par Courbet, il est très connu pour ses scènes montrant des moments de la vie paysanne.

Les Glaneuses montrent trois femmes de la campagne se courbant pour glaner, c'est-à-dire ramasser des épis de blé laissés à terre après la moisson. C'était un droit traditionnel accordé aux pauvres. Le geste du ramassage est ici décomposé entre les trois personnages : l'une des femmes se penche, une autre dirige sa main vers un épi restant, la troisième le ramasse. Il en résulte une courbe, qui se lit de droite à gauche, le regard aboutissant, au fond, à une meule de paille.

Un couple de paysans, après une journée de travail, se recueille et prie pour les morts, tandis que la cloche de l' église de Chailly-en-Bière, près de Barbizon (en Seine-et-Marne), " sonne l'angélus ", un appel à la prière qui a lieu tôt le matin, à midi et le soir. L'église est visible à l'horizon. Les couleurs chaudes sont certainement celles du coucher du soleil.

Un homme en sabots travaille son champ avec une houe large à manche court. L'homme, qui regarde un instant devant lui, est vu en pied en contre-plongée, avec un point de vue et un horizon bas. Le contraste est fort et les couleurs sont froides. Les traits du visage sont rudes et l'homme est fortement charpenté.

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Jean-François Millet (4 octobre 1814 - 20 janvier 1875) est un peintre, graveur et dessinateur de l' école de Barbizon et du mouvement réaliste. Influencé par Courbet, il est très connu pour ses scènes montrant des moments de la vie paysanne.

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Un détail pour vous : Les glaneuses de Millet

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Impression soleil levant est un tableau peint par Claude Monet en 1872.

Le titre de ce tableau a donné son nom au courant impressionniste.

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Cette toile a été peinte dans le port du Havre, vue de sa chambre d'hôtel. Elle montre l'ambiance du port au petit matin, telle que l'artiste l'a ressentie.

Un journaliste de l'époque définit cette nouvelle forme d'art : " [...] ils (les peintres impressionnistes) ne reproduisent pas un paysage mais l'impression qui s'en dégage ".

En 1874, Claude Monet présente Impression soleil levant dans une exposition qui réunit également d'autres jeunes peintres, dont Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro, Alfred Sisley ou encore Edgar Degas. Cette exposition est organisée par tous ces artistes, dont les œuvres sont refusées par le Salon officiel.

L'exposition attire peu de visiteurs, la plupart sont scandalisés ou se moquent de cette nouvelle forme d'art, comme le journaliste et critique Louis Leroy. À propos d'marine Impression soleil levant, Leroy écrit dans le journal Le Charivari (en avril 1874) : " Que représente cette toile ? Impression ! Impression, j'en étais sûr. Je me disais aussi puisque je suis impressionné, il doit y avoir de l'impression là-dedans. [...] Un papier peint est plus travaillé que cette 2 ". L'article est titré : L'exposition des impressionistes.

Depuis 1938, le tableau est exposé au musée Marmottan à Paris.

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Impression soleil levant est un tableau peint par Claude Monet en 1872. Le titre de ce tableau a donné son nom au courant impressionniste. Cette section est vide, pas assez détaillée ou incomplète. Améliore-la ! Cette toile a été peinte dans le port du Havre, vue de sa chambre d'hôtel.

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"Impression, soleil levant" Monet - d'Art d'Art

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Accueil &gt Collections &gt Sculptures &gt La Vague ou les Baigneuses

Camille Claudel (1864 -1943)

1897-1903 (?)

Marbre-onyx, Bronze

H. 62 cm ; L. 56 cm ; P. 50 cm

S.6659

Présentée dans sa version en plâtre au Salon de 1897, La Vague, comme Les Causeuses, est réalisée en grande partie de la main de Camille Claudel. Les trois petites femmes de bronze, identiques, plient les genoux avant de voir s'écrouler sur elles l'énorme vague de marbre-onyx qui les surplombe. On peut y voir une image de la destinée, comme dans d'autres œuvres de l'artiste à cette époque.

Le choix des matériaux semi-précieux, tel le marbre-onyx, place Camille Claudel dans la mouvance du sculpteur Charles Cordier et de l'attirance du temps pour les jeux de couleur et la polychromie naturelle des matériaux, où le bronze et les verts de la pierre se répondent.

Œuvre décorative où la lumière tient une grande place, la Vague d'inspiration japonisante est proche par la couleur et par la forme de l'estampe du peintre japonais Hokusaï (1760-1849), La Grande Vague de Kanagawa (1831) - première des quarante-six estampes composant les Trente-six vues du mont Fuji - et annonce des séries plus tardives de Camille Claudel - les Cheminées ( Profonde pensée, Rêve au coin du feu) - où les alliances de matériaux jouent également un rôle essentiel.

Crédits photo : © ADAGP, Paris, 2012

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Présentée dans sa version en plâtre au Salon de 1897, La Vague, comme Les Causeuses, est réalisée en grande partie de la main de Camille Claudel. Les trois petites femmes de bronze, identiques, plient les genoux avant de voir s'écrouler sur elles l'énorme vague de marbre-onyx qui les surplombe.

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Boccioni devient alors le théoricien du mouvement futuriste. En 1912-13, il approfondit sa connaissance de la philosophie d' Henri Bergson qui aura un rôle très important dans la formation de sa théorie de l'art et du processus créatif. Il réfléchit surtout aux thèmes proposés par le livre Matière et mémoire.

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Fauvisme - Vikidia, l'encyclopédie des 8-13 ans

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En 1905, Le Salon d'automne fut un scandale à cause des couleurs pures et violentes sur les toiles regroupées dans une même salle. Le mot "fauve" provient de Louis Vauxcelles, un journaliste qui compare cette salle à une cage aux fauves. Ce mot, qui était au début péjoratif, est adopté par les peintres de ce courant artistique.

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1913

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La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France (peinture)

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La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France est un tableau réalisé par Sonia Delaunay en 1913. Cette huile sur toile est une composition orphique verticale comprenant une petite tour Eiffel et est conçue pour constituer une œuvre simultanée avec La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France , un poème de Blaise Cendrars.

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Exposition « Blaise Cendrars et Sonia Delaunay ǀ La Prose du Transsibérien »

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1912

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Pablo Picasso ( Pablo Ruiz Picasso, Picasso étant le nom de sa mère), né le 25 octobre 1881 à Málaga ( Espagne) et mort le 8 avril 1973 à Mougins ( France), est un artiste peintre et sculpteur espagnol. Il a vécu en France jusqu'à sa mort.

Pablo Picasso est l'un des peintres les plus importants du . Il a réalisé aux alentours de " 1 885 tableaux, 1 228 sculptures, 2 880 céramiques, 7 089 dessins, 342 tapisseries, 150 carnets de croquis et 30 000 estampes (gravures, lithographies, etc.) ". Il est l'un des plus célèbres artistes du et on dit généralement que son œuvre a changé le cours de l' art moderne. Il est d'ailleurs le premier à avoir exposé de son vivant au musée du Louvre à Paris. Il avait alors 91 ans.

Très doué depuis son plus jeune âge et encouragé par son père (professeur de dessin), il est formé à l'école des arts de Barcelone, puis à l'école des Beaux-Arts de Madrid à partir de 1896, et découvre les grands trésors de la peinture espagnole au Musée du Prado. En 1900, il visite Paris et est influencé par des artistes comme Honoré Daumier ou Toulouse-Lautrec. Il reste définitivement à Paris en 1904, et vit à Montmartre où il travaille à partir de 1905 dans son atelier, le Bateau-Lavoir. Ses créations appartiennent alors à la période bleue (1901-1904) puis à la période rose (1904-1906). Vers 1907, avec Les Demoiselles d'Avignon naît une nouvelle vision de la représentation des personnes : admirant les formes des sculptures africaines, Picasso commence à peindre les gens comme de simples formes, telles que des cubes. Il est d'ailleurs le créateur, avec Georges Braque, d'un mouvement appelé le cubisme.

Picasso rencontre Henri Matisse en 1907, et côtoie à Montmartre des écrivains comme Guillaume Apollinaire, André Salmon et Jean Cocteau, ainsi que d'autres peintres ( Amedeo Modigliani, Marie Laurencin, Maurice Utrillo, etc.). Dans les années 1910, il travaille notamment avec Georges Braque, Julio González, Juan Gris et André Derain. Pendant sa période dite " Période cubiste synthétique " (entre 1912 à 1919), Picasso utilise des collages dans ses peintures. Ses œuvres de cette époque sont appelés papiers collés. En 1917, il participe comme décorateur au spectacle de la troupe des Ballets russes ; il y rencontre la danseuse Olga Khokhlova, qu'il épouse en 1918, à 36 ans. Leur fils Paulo nait en 1921 ; plusieurs de ses tableaux ont sa femme et son fils pour modèle ( Paulo en costume de Pierrot).

Dans les années 1920, il se rapproche du mouvement surréaliste et participe en 1925 à la première exposition surréaliste à Paris. Vers la même époque, il peint des natures mortes abstraites et commence à réaliser des sculptures ; plus tard, pendant un voyage en Espagne, la corrida lui inspire un nouveau sujet pour ses œuvres. Picasso est nommé en 1936 directeur du musée du Prado à Madrid. Pendant la Guerre civile espagnole, le bombardement de la ville de Guernica lui inspire un de ses tableaux les plus célèbres, . Réalisée en deux mois, la toile est présentée pour la première fois à Paris en 1937. Picasso revient à Paris en 1939, où il reste pendant la durée de la Seconde Guerre mondiale. Après la guerre, Picasso (membre du Parti communiste français depuis 1944) adhère au Conseil Mondial de la Paix et, à cette occasion, il peint la Colombe de la paix (1949). Dans ses dernières années, il vit et travaille le plus souvent sur la Côte d'Azur, à Vallauris (il y crée notamment de nombreuses céramiques), à Cannes et à Mougins où il meurt en 1973.

Il a peint le Picador à 8 ans en 1889, le portrait de sa mère à 14 ans et Le Mendiant à la casquette en 1895 à 19 ans. Parmi les œuvres de ses débuts, on peut citer : Picasso et sa sœur Lola, Malaga, vers 1888 ; Le Vieux pêcheur, Malaga, été 1895 ; Maternité au bord de la mer, Barcelone 1902 ; L'Enfant au chien, Paris, 1905 ; La Femme et l'éventail, Paris, 1905, etc.

Ses tableaux les plus connus sont : Les Demoiselles d'Avignon (1906-1907) et (1937).

Avec Jeune fille devant le miroir, on peut dire qu'il a fait partie du mouvement du surréalisme. Le surréalisme est un mouvement artistique dans lequel les artistes expriment ce qu'ils pensent avant tout. Ils ne cherchent pas à utiliser leur raison, ou à produire de belles choses. Des œuvres de Picasso ont ainsi choqué, car elles ressemblaient à des dessins d'enfants. Mais pas seulement, en effet certaines de ses œuvres qui choquaient, portaient un message politique et pacifique ( Guernica, Massacre en Corée), d'autres scindaient les conventions artistiques de l'époque ( Les Demoiselles d'Avignon, qui marqua le début du Cubisme) et pour finir, sa démarche dans l'art est unique (il partit de portraits réalistes pour arriver à des gribouillages d'enfants).

Les œuvres de Pablo Picasso sont encore protégées par la loi sur le droit d'auteur : on ne peut donc pas les reproduire sur Vikidia.

Picasso a dit...

" Dans chaque enfant, il y a un artiste. Le problème est de savoir comment rester un artiste en grandissant. "3

Notes et références

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Pablo Picasso ( Pablo Ruiz Picasso, Picasso étant le nom de sa mère), né le 25 octobre 1881 à Málaga ( Espagne) et mort le 8 avril 1973 à Mougins ( France), est un artiste peintre et sculpteur espagnol. Il a vécu en France jusqu'à sa mort.

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Imagine Pablo : À la une ("Nature mort à la chaise cannée") EP#1

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1933

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1945

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Frida Kahlo (son nom complet est Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón) est une artiste peintre mexicaine, née le 6 juillet 1907 à Coyoacán au Mexique et morte dans cette même ville le 13 juillet 1954.

Elle est connue pour son style personnel qui s'apparente au surréalisme. Elle a été l'épouse de Diego Rivera, un célèbre peintre mexicain.

Biographie

Une vie de handicap dès l'enfance

Elle est née en 1907 à Coyoacán au Mexique. À l'âge de 6 ans, elle est malade de la polio ce qui la laisse handicapée; certains spécialistes pensent qu'elle devait souffrir d'une malformation de naissance, empêchant le bon développement de sa colonne vertébrale.

Elle commence à étudier la médecine pour devenir médecin mais, à l'âge de 18 ans, elle est victime d'un grave accident de la circulation dans lequel son bus percute un métro : son corps est transpercé par une barre en fer. Elle souffrira de cet accident tout le restant de sa vie et subira de nombreuses opérations. Pendant toute sa vie, elle garde de cet accident des périodes de grande douleur physique. Elle abandonne alors ses études de médecine et commence à peindre, s'inspirant des évènements survenus dans sa vie.

Sa famille aménage un lit à baldaquin avec un miroir accroché à l'horizontale car elle est immobilisée dans son lit suite à son accident. Grâce à ceci Frida Kahlo a pu peindre 55 autoportraits sur 143 tableaux.

Ses tableaux montrent sa douleur et la vie difficile des femmes, en particulier ses regrets de ne pas pouvoir être mère.

Vie personnelle

Elle épouse Diego Rivera en 1929, mais ils ont chacun de leur côté des aventures amoureuses. Tous deux sont membres du Parti communiste mexicain. En 1930, le couple s'installe dans la ville de San Francisco aux États-Unis. Diego Rivera y crée des peintures murales alors que Frida Kahlo y rencontre des artistes et des mécènes. Puis ils déménagent dans la ville de Detroit : Frida fait une fausse couche ; elle peint des tableaux qui traduisent sa solitude et sa nostalgie de son pays natal, le Mexique que les deux artistes finissent par rejoindre en 1933. En 1937, ils accueillent pendant quelques semaines dans leur demeure le révolutionnaire russe Léon Trotsky et son épouse Natalia : Trotsky a été expulsé en 1929 de l'Union Soviétique par Staline, et le Mexique vient de lui accorder l'asile politique. Rivera et Frida Kahlo divorcent en 1939 (Rivera aurait eu une liaison avec Cristina Kahlo, la propre sœur de Frida), mais ils se remarient ensemble en 1940 et leur union dure jusqu'à la mort de Frida Kahlo. En 1943, Frida Kahlo enseigne la peinture à l'académie des Beaux-Arts de Mexico. Mais sa mauvaise santé l'oblige à enseigner chez elle et elle doit porter un corset de fer. En 1946, elle subit une opération de la colonne vertébrale. En 1953, elle est amputée de la jambe droite pour arrêter la gangrène. En 1954, Frida Kahlo meurt des suites d'une embolie pulmonaire à l'âge de 47 ans.

Les œuvres de Frida Kahlo sont encore soumises au droit d'auteur : on ne peut donc pas les reproduire sur Vikidia.

Cinquante-cinq de ses 143 toiles la représentent. Elle est influencée par la culture du Mexique, son œuvre est caractérisée par des couleurs vives, dans un mélange de réalisme et de symbolisme :

Autoportrait à la frontière du Mexique et des États-Unis (1932) ;

Mes grands-parents, mes parents et moi (1936) ;

Les deux Fridas (1939).

Ses toiles sont exposées dans sa maison natale, La Maison bleue appelée en espagnol la " Casa azul ".

Day of the Dead, sculpture de Miguel Linares en papier mâché représentant Frida Kahlo et Diego Rivera. Collection du Musée des enfants d'Indianapolis.

Liens externes

Cet article est la traduction d'un autre texte.

Il provient de Wikipedia Simple English.

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Frida Kahlo (son nom complet est Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón) est une artiste peintre mexicaine, née le 6 juillet 1907 à Coyoacán au Mexique et morte dans cette même ville le 13 juillet 1954. Elle est connue pour son style personnel qui s'apparente au surréalisme.

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Les grands maîtres de la peinture : Frida Kahlo 🎨

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1960

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1984

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1967

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Andrew Warhola, plus connu sous le nom de Andy Warhol, né le 6 août 1928 à Pittsburgh en Pennsylvanie et mort le 22 février 1987 à New York, est un artiste peintre américain, à l'origine du mouvement artistique " Pop Art ".

Andy Warhol est né de parents ruthènes, originaires de l'actuelle Slovaquie. C'est le quatrième enfant de la famille. Son père travaille en tant que mineur de charbon. La famille vit à Oakland, près de Pittsburgh. En 1933, il commence sa scolarité à l'école primaire. En 1937, il est atteint de la maladie de la danse de saint Guy . Il était mal aimé dans son école, et passait la majorité de son temps avec sa mère.

Après des études au Carnegie Institute Of Technology de Pittsburgh, il obtient le titre de Bachelor Of Fine Arts. C'est au cours de ses études qu'il adopte la technique du dessin tamponné et il a eu le 1 er prix.

Il s'installe à New York en 1949. En cette même année, il commence à travailler comme dessinateur publicitaire pour le magazine Glamour.

Andy Warhol est connu dans le monde entier pour son travail de peintre, de producteur musical, d'auteur, pour ses films d'avant-garde et ses liens avec les intellectuels, les célébrités de Hollywood ou les riches aristocrates. De grandes stars, comme Michael Jackson ou Marilyn Monroe, ont travaillé avec Andy. En 1964 a lieu la première exposition exclusive de ses œuvres en Europe. Sa carrière est au sommet lorsqu'il arrête sa carrière, en 1965.

The Andy Warhol Museum of Modern Art, à Medzilaborce, en Slovaquie

Statue d'Andy Warhol, à Medzilaborce, en Slovaquie

The Andy Warhol Museum of Modern Art, à Medzilaborce, en Slovaquie

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Andrew Warhola, plus connu sous le nom de Andy Warhol, né le 6 août 1928 à Pittsburgh en Pennsylvanie et mort le 22 février 1987 à New York, est un artiste peintre américain, à l'origine du mouvement artistique " Pop Art ". Andy Warhol est né de parents ruthènes, originaires de l'actuelle Slovaquie.

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C'est qui Andy Warhol ? - 1 jour, 1 question

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Yves Klein, né à Nice le 28 avril 1928 et mort à Paris le 6 juin 1962, est un peintre, sculpteur et artiste plasticien français, figure de proue du Nouveau Réalisme et plus généralement de l' art contemporain.

Né de parents peintres, il baigne dès sa naissance dans un environnement artistique ; pourtant, c'est vers le judo qu'il se tourne d'abord allant jusqu'à fonder, en 1955, une école de ce sport de combat en France.

Néanmoins, contraint de la fermer pour des raisons financières, il revient à l' art dès l'année suivante. Il est notamment connu pour ses monochromes, peintures qui ne comptent ni fond ni forme, mais seulement une couleur uniforme recouvrant l'ensemble du tableau.

Dans sa quête artistique, il invente en 1960 l' International Klein Blue ( IKB), une couleur de bleu profond, dont il revendique la paternité et qu'il dépose à l' INPI (l'Institut national de la propriété industrielle). Pour lui, cette couleur est la perfection même, l'expression la plus pure de la nature.

Pourquoi alors représenter autre chose ? Yves Klein peint des dizaines de monochromes bleus qu'il expose en même temps. Il propose aussi des reliefs éponges qui évoquent des corps, ceux des spectateurs, imprégnés par l'intensité du bleu IKB après l'avoir longuement contemplé.

Vers la fin de sa carrière, Yves Klein tente toutefois de nouvelles expériences, comment celle des " pinceaux vivants " : il veut utiliser le corps, surtout celui de la femme, pour l'inspirer, mais également pour agir directement sur l'œuvre, notamment en imprimant ses formes à l'aide de peinture sur la toile.

Il expérimente aussi le concept des " peintures de feu " : il souhaite imprégner les traces du feu sur des toiles, ce qui donne des résultats très surprenants. Mais Yves Klein n'aura pas le temps de pousser cette réflexion, car il meurt prématurément le 6 juin 1962, à seulement 34 ans, victime d'une crise cardiaque.

L'accord bleu (RE 10), 1960.jpg

Sculpture aérostatique, recréée en 2007.

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Yves Klein, né à Nice le 28 avril 1928 et mort à Paris le 6 juin 1962, est un peintre, sculpteur et artiste plasticien français, figure de proue du Nouveau Réalisme et plus généralement de l' art contemporain.

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110 boulevard Saint Germain 75006 Paris (France) - info[at]aware-art[.]org - +33 (0)1 55 26 90 29

© 2021 Archives of Women Artists, Research and Exhibitions.
Tous droits réservés dans tous pays/All rights reserved for all countries.

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Lee Miller - AWARE Women artists / Femmes artistes

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Issue d'une famille aisée, Elizabeth Miller, connue sous le prénom de Lee, est initiée à la photographie par son père. Après un séjour de quelques mois à Paris en 1925, où elle complète sa formation artistique et culturelle, elle étudie la peinture et le dessin...

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Le surréalisme est un mouvement artistique qui apparaît au . Il est défini par André Breton comme quelque chose d'automatique qui servirait à exprimer le réel fonctionnement de la pensée. Ce mouvement croit à la toute-puissance du rêve et, d'après son nom, à ce qui est " au-dessus du réalisme ". Le surréalisme s'inspire du mouvement Dada et dure environ 40 ans. Il explore les thèmes de l'inconscient et de l'imaginaire. Les œuvres surréalistes mettent en scène des éléments insolites, sans rapport les uns avec les autres, ainsi que des déformations. Le surréalisme a utilisé toutes les formes d'art : cinéma, arts plastiques, musique, etc.

Principaux artistes

Influences

Charles Baudelaire : naissance à Paris le 9 avril 1821, il est mort le 31 août 1867. C'est un poète français qui a fortement influencé les écrivains surréalistes du XXe siècle. Quelques œuvres : Les Fleurs du mal, Les Paradis artificiels.

Arthur Rimbaud : naissance le 20 octobre 1854 à Charleville-Mézières, dans les Ardennes, il est mort le 10 novembre 1891 à l'hôpital de la Conception à Marseille. Lui aussi est un poète français. Quelques œuvres : Illuminations, Le Dormeur du val.

Alfred Jarry : naissance à Laval le 8 septembre 1873 et mort à Paris le 1 er novembre 1907. Il a écrit des poèmes, des romans et des pièces de théâtre. Quelques œuvres : Les Minutes de sable mémorial ; Ubu roi ; Le Moutardier du pape

Guillaume Apollinaire: naissance à Rome le 26 Août 1880, il est mort à Paris le 9 novembre 1918. Il fut poète, journaliste et conférencier. Il est l'un des principaux précurseurs du surréalisme.

Membres du mouvement surréaliste

En littérature

André Breton : fondateur du mouvement. Né dans l'Orne le 19 février 1896 et mort à Paris le 28 septembre 1966. Quelques œuvres : Poisson soluble ; Le Revolver à cheveux blancs, Les Vases communicants ; La Lampe dans l'horloge, Nadja.

Antonin Artaud: Naissance le 4 septembre 1896 à Marseille, mort le 4 mars 1948 à Ivry. Poète, penseur, comédien. "Le théâtre de la cruauté", "Le manuscrit de Rodez", "Le pèse-nerfs", "Les Tarahumaras"

Philippe Soupault : poète français ; né le 2 août 1887 à Chaville et mort le 12 mars 1990 à Paris. Quelques œuvres : Les Champs Magnétiques (son livre le plus célèbre, écrit avec André Breton) ; L'Arme secrète ; Arc-en-ciel.

Louis Aragon : né le 3 octobre 1897 à Neuilly-sur-Seine et mort le 24 décembre 1982 à Paris. Quelques œuvres : Les Cloches de Bâle ; Le Mouvement perpétuel ; Le Fou d'Elsa.

Paul Éluard : né le 14 décembre 1895 à Saint-Denis et mort 18 novembre 1952 à Charenton-le-Pont. Son poème le plus célèbre s'intitule La Terre est bleue comme une orange. Quelques œuvres : Mourir de ne pas mourir ; Les Yeux fertiles, Le Temps déborde.

René Char : né à L'Isle-sur-Sorgue en 1907 et mort en 1988. Il fut un poète et résistant français durant la Seconde Guerre mondiale. Il a participé au mouvement surréaliste jusqu'en 1935.

Ghérasim Luca, né à Bucarest le 23 juillet 1913, mort à Paris le 9 février 1994, est un poète roumain et un théoricien du surréalisme. Quelques œuvres : Un Loup à travers une loupe ; Le Sorcier noir ; La Fin du monde ; Théâtre de la Bouche ; La Proie s'ombre.

Jean Arp : peintre, sculpteur et poète franco-allemand, né à Strasbourg le 16 septembre 1886 et mort à Bâle (Suisse) le 7 juin 1966. Quelques œuvres littéraires : Des taches dans le vide ; Rire de Coquille ; Mondsand (l'un de ses textes publiés en allemand, dont le titre peut se traduire par "Sable de lune").

Robert Desnos, né le 4 juillet 1900 à Paris, mort déporté dans un camp de concentration tcheque.

En arts plastiques

Salvador Dali : né le 11 mai 1904 et mort le 23 janvier 1989 à Figueres (Espagne). Il était artiste-peintre espagnol, sculpteur et scénariste de cinéma. Quelques toiles : Vieillard crépusculaire ; L'Homme invisible ; Persistance de la mémoire (ses fameuses " montres molles ") ; Nature morte vivante...

Max Ernst est né le 2 avril 1891 à Brühl et mort le 1 er avril 1976 à Paris. C'était un peintre et sculpteur allemand. Quelques œuvres : Ubu imperator ; Monument aux oiseaux ; L'Antipape ; L'Europe après la pluie.

René Magritte : né le 21 novembre 1898 à Lessines en Belgique, et mort à Bruxelles le 15 août 1967. Peintre belge. Quelques toiles : L'Empire des lumières ; La Trahison des images (" Ceci n'est pas une pipe ") ; La Saveur des larmes ; L'Homme au large.

Lien externe

Centre Pompidou : Un mouvement, une période : l'art surréaliste (genèse du surréalisme, présentation de Giorgio De Chirico, Max Ernst, Man Ray, René Magritte, Salvador Dali et Victor Brauner et de leurs œuvres exposées au musée national français d'Art moderne, textes de référence, glossaire du surréalisme, chronologie et bibliographie sélective).

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Le surréalisme est un mouvement artistique qui apparaît au . Il est défini par André Breton comme quelque chose d'automatique qui servirait à exprimer le réel fonctionnement de la pensée. Ce mouvement croit à la toute-puissance du rêve et, d'après son nom, à ce qui est " au-dessus du réalisme ".

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Camille Claudel (1864-1943) est une grande sculptrice française du et du , sœur de l'écrivain Paul Claudel. Elle était l'élève et l'amante de Rodin.

En 1882 sa famille s'établit à Paris. Elle s'installe dans un atelier au 19 quai de Bourbon dans l'Île Saint-Louis en 1889. Elle devient apprentie sculptrice.

Rodin, sculpteur français, devient son amant. Cette relation amoureuse apparaît dans ses œuvres.

En 1898, elle est affectée (triste) par la perte de son amant, le départ de son frère Paul aux États-Unis et la mort de son père. Camille Claudel s'enferme dans la solitude et sombre dans la folie.

On garde de Camille Claudel des chefs-d'œuvre. C'est une notoriété tardive. Il faudra attendre l'œuvre La Niobide blessée, femme nue de la mythologie gréco-romaine réalisée en 1907, pour que son talent soit reconnu.

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Camille Claudel (1864-1943) est une grande sculptrice française du et du , sœur de l'écrivain Paul Claudel. Elle était l'élève et l'amante de Rodin. En 1882 sa famille s'établit à Paris. Elle s'installe dans un atelier au 19 quai de Bourbon dans l'Île Saint-Louis en 1889. Elle devient apprentie sculptrice.

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Fin des années 1960

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1991

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2002

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2012