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Uma linha do tempo completa da história da arte pode ser traçada desde quando civilizações antigas usavam técnicas e materiais para retratar um assunto culturalmente significativo, há milhares de anos atrás.

Desde esses primeiros registros, os movimentos artísticos foram nascendo, cada um com seus próprios estilos e características distintas que refletem as influências políticas e sociais do período de onde surgiram.

Quer você seja um aspirante a fotógrafo ou simplesmente aprecie o trabalho de grandes artistas da história, estudar os principais movimentos da linha do tempo da história da arte ocidental é um bom lugar para começar a se aprofundar em arte.

Linha do tempo de Movimentos Artísticos

UM CRONOGRAMA DA HISTÓRIA DA ARTE OCIDENTAL

ARTE PRÉ-HISTÓRICA (~ 40.000-4.000 a.C.)

As origens da história da arte podem ser rastreadas até a era pré-histórica, antes que os registros escritos fossem mantidos.

Os primeiros artefatos vêm do Paleolítico, ou Idade da Pedra Antiga, na forma de entalhes, gravuras, imagens pictóricas, esculturas e arranjos feitos em pedra.

A arte deste período dependia do uso de pigmentos naturais e esculturas em pedra para criar representações de objetos, animais e rituais que governavam a existência de uma civilização.
Pinturas da caverna Lascaux , era paleolítica
Um dos exemplos mais famosos é o das pinturas rupestres paleolíticas encontradas nas cavernas complexas de Lascaux, na França. Embora descobertos em 1940, estima-se que eles tenham até 20.000 anos de idade e retratam animais de grande porte e a vegetação da área.

ARTE ANTIGA (4.000 a.C.- 400 d.C.)

A arte antiga foi produzida por civilizações avançadas, que neste caso se referem àquelas com uma linguagem escrita estabelecida. Essas civilizações incluíam Mesopotâmia, Egito, Grécia e as das Américas.
Código de Hammurabi, entre 1792 e 1750 A.C. Wikimedia Commons.
O objetivo de uma obra de arte desse período varia de acordo com a civilização que a produziu, mas a maior parte da arte servia a propósitos semelhantes: contar histórias, decorar objetos utilitários como tigelas e armas, exibir imagens religiosas e simbólicas e demonstrar status social. Muitas obras retratam histórias de governantes, deuses e deusas.

Uma das obras mais famosas da antiga Mesopotâmia é o Código de Hamurabi. Criada por volta de 1792 a.C., a peça traz um conjunto de leis babilônicas esculpidas em pedra, adornadas por uma imagem do rei Hammurabi - o sexto rei da Babilônia - e o deus mesopotâmico Shabash.

ARTE MEDIEVAL (500-1400)

A Idade Média, muitas vezes referida como a "Idade das Trevas", marcou um período de deterioração econômica e cultural após a queda do Império Romano em 476 DC.
Pintura de Simone Martini
Muitas das obras de arte produzidas nos primeiros anos do período refletem essa escuridão, caracterizada por imagens grotescas e cenários brutais.

A arte produzida nessa época centrava-se na Igreja. Com o passar do primeiromilênio, surgiram igrejas mais sofisticadas e elaboradamente decoradas; janelas e silhuetas eram adornadas com temas bíblicos e cenas da mitologia clássica.

Este período também foi responsável pelo surgimento do manuscrito iluminado e do estilo de arquitetura gótica.Exemplos definitivos de arte influente deste período incluem as catacumbas em Roma, Hagia Sophia em Istambul, os Evangelhos de Lindisfarne, um dos exemplos mais conhecidos do manuscrito iluminado, e Notre Dame, uma catedral parisiense e exemplo proeminente da arquitetura gótica.

ARTE DA RENASCENÇA (1400-1600)

Este estilo de pintura, escultura e arte decorativa foi caracterizado por um foco na natureza e no individualismo, o pensamento do homem como independente e autossuficiente. Embora esses ideais estivessem presentes no final do período medieval, eles floresceram nos séculos 15 e 16, paralelamente a mudanças sociais e econômicas como a secularização.
Rafael Sanzio da Urbin, Escola de Atenas, 1511. Imagem via Wikimedia Commons.
O Renascimento atingiu seu apogeu em Florença, Itália, em grande parte devido aos Medici, uma rica família de mercadores que apoiava inflexivelmente as artes e o humanismo, uma variedade de crenças e filosofias que enfatizavam o reino humano.

O designer italiano Filippo Brunelleschi e o escultor Donatello foram os principais inovadores durante esse período.

O Alto Renascimento, que durou de 1490 a 1527, produziu artistas influentes como Da Vinci, Michelangelo e Rafael, cada um dos quais trouxe poder criativo e ideais de expressão emocional.

A arte em toda a Renascença foi caracterizada pelo realismo, atenção aos detalhes e estudo preciso da anatomia humana. Os artistas usaram perspectiva linear e criaram profundidade por meio de iluminação e sombreamento intensos.
Giorgio Vasari, A Sagrada Família, Século XVII.
A arte começou a mudar estilisticamente logo após o Alto Renascimento, quando os choques entre a fé cristã e o humanismo deram lugar ao maneirismo.

MANEIRISMO (1527-1580)
Caravaggio, O chamado de São Mateus, circa 1599-1600. Imagem via Wikimedia Commons.
Artistas maneiristas surgiram dos ideais de Michelangelo, Rafael e outros artistas da Renascença tardia, mas seu foco no estilo e na técnica superou o significado do assunto.

Frequentemente, as figuras tinham membros graciosos e alongados, cabeças pequenas, feições estilizadas e detalhes exagerados. Isso resultou em composições mais complexas e estilizadas, em vez de depender dos ideais clássicos de composição harmoniosa e perspectiva linear usados ​​por seus predecessores renascentistas.

Alguns dos artistas maneiristas mais famosos incluem Giorgio Vasari, Francesco Salviati, Domenico Beccafumi e Bronzino, que é amplamente considerado o pintor maneirista mais importante de Florença durante sua época.

BARROCO (1600-1750)
Antoine Watteau, Embarque para Cythera 1717. Imagem via Wikimedia Commons.
O período barroco que se seguiu ao maneirismo produziu artes visuais e arquitetura ornamentadas e exageradas. Foi caracterizado pela grandeza e riqueza, pontuado por um interesse em ampliar o intelecto humano e descoberta global.

Os artistas barrocos eram estilisticamente complexos.As pinturas barrocas eram caracterizadas pelo drama, como pode ser visto nas obras icônicas do pintor italiano Caravaggio e do pintor holandês Rembrandt. Os pintores usaram um contraste intenso entre claro e escuro e tinham composições enérgicas combinadas com paletas de cores ricas.
Jacques-Louis David, Napolão cruzando os Alpes, 1801. Imagem via Wikimedia Commons.
ROCOCÓ (1699-1780)

O Rococó se originou em Paris, abrangendo arte decorativa, pintura, arquitetura e escultura. A estética ofereceu um estilo mais suave de arte decorativa em comparação com a exuberância do barroco.

Rococó é caracterizado pela leveza e elegância, com foco no uso de formas naturais, design assimétrico e cores sutis.
William Blake, Declínio do homem pelo vale da morte.
Pintores como Antoine Watteau e François Boucher usaram tratamentos despreocupados, pinceladas ricas e cores frescas.

O estilo rococó também se traduziu facilmente em prata, porcelana e móveis franceses. Muitas cadeiras e armários apresentavam formas curvas, desenhos florais e um uso expressivo de dourado.

NEOCLASSICISMO (1750-1850)
Jean-François Millet, As Respigadoras, 1857. Imagem via Wikimedia Commons
Como o nome sugere, o período neoclássico baseou-se em elementos da antiguidade clássica. Ruínas arqueológicas de antigas civilizações em Atenas e Nápoles que foram descobertas na época reacenderam a paixão por todas as coisas do passado, e os artistas se esforçaram para recriar as grandes obras da arte antiga. Isso se traduziu em um interesse renovado pelos ideais clássicos de harmonia, simplicidade e proporção.

Os artistas neoclássicos foram influenciados por elementos clássicos; em particular, um foco no idealismo. Inevitavelmente, eles também incluíram representações modernas e historicamente relevantes em suas obras. Por exemplo, o escultor italiano Antonio Canova utilizou elementos clássicos em suas esculturas de mármore, mas evitou a artificialidade fria que era representada em muitas dessas primeiras criações.

ROMANTISMO (1780-1850)
Alphonse Mucha, Princesa Hyazinthe, 1911. Imagem via Wikimedia Commons.
O romantismo incorpora uma ampla gama de disciplinas, da pintura à música e literatura.

Os ideais presentes em cada uma dessas formas de arte rejeitam a ordem, a harmonia e a racionalidade, que eram adotadas tanto na arte clássica quanto no neoclassicismo. Em vez disso, os artistas românticos enfatizaram o individual e a imaginação. Outro ideal romântico definidor era a apreciação pela natureza, com muitos se voltando para a pintura ao ar livre, que tirou os artistas de interiores escuros e permitiu que pintassem do lado de fora.

Os artistas também se concentraram na paixão, emoção e sensação acima do intelecto e da razão.

Pintores românticos proeminentes incluem Henry Fuseli, que criou pinturas estranhas e macabras que exploraram os recessos sombrios da psicologia humana, e William Blake, cujos misteriosos poemas e imagens transmitiram visões místicas e seu desapontamento com as restrições sociais.
Claude Monet, Impressão, nascer do sol, 1872. Imagem via Wikimedia Commons.
REALISMO (1848-1900)

Provavelmente o primeiro movimento de arte moderna, o realismo, começou na França na década de 1840. O realismo foi o resultado de vários eventos: o movimento anti-romântico na Alemanha, a ascensão do jornalismo e o advento da fotografia. Cada um inspirou um novo interesse em capturar com precisão a vida cotidiana.Essa atenção à precisão é evidente na arte produzida durante o movimento, que apresentava representações detalhadas e realistas do assunto.
George Seurat, Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte, 1884. Imagem via Wikimedia Commons.
Um dos líderes mais influentes do movimento realista é Gustave Courbet, um artista francês comprometido em pintar apenas o que pudesse ver fisicamente.

ARTE NOUVEAU (1890-1910)

Art Nouveau, que se traduz como "Nova Arte", tentou criar um movimento inteiramente autêntico, livre de qualquer imitação de estilos que o precederam. Este movimento influenciou fortemente as artes aplicadas, gráficos e ilustração. Concentrou-se no mundo natural, caracterizado por linhas e curvas longas e sinuosas.
Henri Matisse, Mulher com chapéu, 1905. Imagem via Wikimedia Commons.
Artistas influentes da Art Nouveau trabalharam em uma variedade de mídias, incluindo arquitetura, design gráfico e de interiores, joalheria e pintura.

O designer gráfico tchecoslovaco Alphonse Mucha é mais conhecido por seus pôsteres teatrais da atriz francesa Sarah Bernhardt.

O arquiteto e escultor espanhol Antoni Gaudi foi além do foco em linhas para criar construções curvas e coloridas como a da Basílica da Sagrada Família em Barcelona.

IMPRESSIONISMO (1865-1885)
Edvard Munch, A Dança da Vida, 1899. Image via Wikimedia Commons.
Os pintores impressionistas procuraram capturar a impressão imediata de um determinado momento. Isso era caracterizado por pinceladas curtas e rápidas e uma sensação de esboço inacabado.

Artistas impressionistas usaram a vida moderna como tema, pintando situações como salões de dança e regatas em veleiros, em vez de eventos históricos e mitológicos.
Violino e Paleta, Georges Braque, 1909. Imagem via Wikimedia Commons.
Claude Monet, um artista francês que liderou a ideia de expressar as percepções de alguém antes da natureza, ésinônimo do movimento impressionista. Seus trabalhos notáveis ​​incluem The Water Lily Pond (1899), Woman with a Parasol (1875) e Impression, Sunrise (1872), de onde deriva o nome do próprio movimento.

PÓS-IMPRESSIONISMO (1885-1910)

Os pintores pós-impressionistas trabalharam de forma independente e não como um grupo, mas cada pintor pós-impressionista influente tinha ideais semelhantes. Eles se concentraram em visões subjetivas e significados pessoais simbólicos, ao invés de observações do mundo exterior. Isso costumava ser alcançado por meio de formas abstratas.

Pintores pós-impressionistas incluem Georges Seurat, conhecido por sua técnica de pontilhismo que usava pequenos pontos distintos para formar uma imagem. Vincent van Gogh também é considerado um pintor pós-impressionista, em busca de expressão pessoal por meio de sua arte, muitas vezes por meio de pinceladas ásperas e tons escuros.
René Magritte, Filho do Homem 1964. Imagem via Wikipedia.
FAUVISMO (1900-1935)

Liderado por Henri Matisse, o fauvismo se baseou em exemplos de Vincent van Gogh e George Seurat. Como o primeiro movimento de vanguarda do século 20, esse estilo foi caracterizado pelo uso expressivo de cores intensas, linhas e pinceladas, um senso ousado de design de superfície e composição plana.

Como visto em muitas das obras do próprio Matisse, a separação da cor de seu propósito descritivo e representacional foi um dos elementos centrais que moldaram esse movimento.

O fauvismo foi um importante precursor do cubismo e do expressionismo.

EXPRESSIONISMO (1905-1920)

O expressionismo surgiu como uma resposta a visões de mundo cada vez mais conflitantes e à perda de espiritualidade.

A arte expressionista procurou desenhar os sentimentos do artista, usando uma distorção da forma e cores fortes para exibir ansiedades e emoções cruas.

Os pintores expressionistas, em busca de autenticidade, buscaram inspiração além da arte ocidental e frequentaram museus etnográficos para revisitar as tradições folclóricas nativas e a arte tribal.

As raízes do expressionismo podem ser encontradas em Vincent van Gogh, Edvard Munch e James Ensor. Grupos proeminentes, incluindo Die Brücke (The Bridge) e Der Blaue Reiter (The Blue Rider) foram formados para que os artistas pudessem publicar obras e expressar seus ideais coletivamente.

CUBISMO (1907-1914)
Lote 16: Andy Warhol.
O cubismo foi estabelecido por Pablo Picasso e Georges Braque, que rejeitaram o conceito de que a arte deveria copiar a natureza. Eles se afastaram das técnicas e perspectivas tradicionais; em vez disso, eles criaram objetos radicalmente fragmentados por meio da abstração.

Os trabalhos de muitos pintores cubistas são marcados por superfícies planas bidimensionais, formas geométricas ou "cubos" de objetos e vários pontos de observação. Muitas vezes, seus assuntos nem eram discerníveis.

SURREALISMO (1916-1950)

O surrealismo emergiu do movimento de arte Dadá em 1916, exibindo obras de arte que desafiavam a razão.

Os surrealistas denunciaram a mentalidade racionalista. Eles atribuíram a culpa por esse processo de pensamento a eventos como a Primeira Guerra Mundial e acreditaram que ele reprimia os pensamentos imaginativos.

Os surrealistas foram influenciados por Karl Marx e teorias desenvolvidas por Sigmund Freud, que explorou a psicanálise e o poder da imaginação.

Artistas surrealistas influentes como Salvador Dalí usaram a mente inconsciente para retratar revelações encontradas na rua e na vida cotidiana. As pinturas de Dalí, em particular, combinam sonhos vívidos e bizarros com precisão histórica.

EXPRESSIONISMO ABSTRATO (1940-1950)

Moldado pelo legado do Surrealismo, o Expressionismo Abstrato surgiu em Nova York após a Segunda Guerra Mundial. Muitas vezes é chamada de Escola de Nova York ou pintura de ação.

Esses pintores e escultores abstratos romperam com o que era considerado convencional e, em vez disso, usaram a espontaneidade e a improvisação para criar obras de arte abstratas. Isso incluía obras em escala colossal, cujo tamanho não podia mais ser acomodado por um cavalete. Em vez disso, as telas seriam colocadas diretamente no chão.

Os célebres pintores expressionistas abstratos incluem Jackson Pollock, conhecido por seu estilo único de pintura por gotejamento, e Mark Rothko, cujas pinturas empregam grandes blocos de cores para transmitir um senso de espiritualidade.

OP ART (1950-1960)

Fomentado por avanços na ciência e tecnologia, bem como um interesse em efeitos ópticos e ilusões, o movimento Op art (abreviação de arte "óptica") foi lançado com Le Mouvement, uma exposição coletiva na Galerie Denise Rene em 1955.

Artistas ativos neste estilo usaram formas, cores e padrões para criar imagens que pareciam estar em movimento ou desfocadas, geralmente produzidas em preto e branco para o contraste máximo. Esses padrões abstratos pretendiam confundir e excitar os olhos.

A artista inglesa Bridget Riley é uma das mais proeminentes praticantes da Op Art. Seu trabalho artístico de 1964, Blaze, apresenta linhas em zigue-zague em preto e branco que criam a ilusão de um decote circular.

POP ART (1950-1960)

A pop art é um dos desenvolvimentos artísticos mais reconhecidos do século XX. O movimento se afastou dos métodos usados ​​no expressionismo abstrato e, em vez disso, usou objetos cotidianos e mundanos para criar obras de arte inovadoras que desafiaram o consumismo e a mídia de massa. Esta introdução a imagens identificáveis ​​foi uma mudança na direção do modernismo.

Artistas pop como Andy Warhol e Roy Lichtenstein buscaram estabelecer a ideia de que a arte pode derivar de qualquer fonte e não há hierarquia de cultura para interromper isso. Talvez a obra de arte mais famosa da cultura pop seja a produção das Latas de Sopa Campbell de Warhol.

ARTE POVERA (anos 1960)

Traduzindo literalmente para "arte pobre", Arte Povera desafiou sistemas modernistas e contemporâneos ao infundir materiais comuns em criações.

Os artistas usaram solo, pedras, papel, corda e outros elementos de terra para evocar um sentimento pré-industrial. Como resultado, muitas das obras notáveis ​​durante esse movimento são esculturais.

O artista italiano Mario Merz, em conjunto com outros artistas italianos como Giovanni Anselmo e Alighiero Boetti, criou obras anti-elitistas com base em materiais da vida cotidiana. Seu Giap's Igloo de 1968, um dos que logo se tornaria sua série de iglus de assinatura, focava em suas ocupações com as necessidades da vida: abrigo, calor e comida.

MINIMALISMO (anos 1960-1970)

O movimento minimalista surgiu em Nova York quando um grupo de jovens artistas começou a questionar as obras excessivamente expressivas de artistas expressionistas abstratos. Em vez disso, a arte minimalista se concentra no anonimato, chamando a atenção para a materialidade das obras.

Os artistas incentivaram os espectadores a se concentrarem precisamente no que estava diante deles, em vez de traçar paralelos com realidades externas e pensamentos emotivos por meio do uso de formas purificadas, ordem, simplicidade e harmonia.

O artista americano Frank Stella foi um dos primeiros a adotar o minimalismo, produzindo pinturas não representativas, como pode ser visto em suas Black Paintings concluídas entre 1958 e 1960. Cada uma apresenta um padrão de listras retilíneas de largura uniforme impressas em tinta preta metálica.

ARTE CONCEITUAL (anos 1960-1970)

A arte conceitual rejeitou completamente os movimentos artísticos anteriores, e os artistas valorizaram as ideias sobre os componentes visuais, criando arte a partir de performances, efêmeras e outras formas.

A Poesia Ativa da artista performática polonesa Ewa Partum consistia na dispersão de letras únicas do alfabeto em várias paisagens.

O artista americano Joseph Kosuth explorou a produção e o papel da linguagem na arte, como pode ser visto em One and Three Chairs, de 1965. Nele, ele representa uma cadeira de três maneiras diferentes para representar diferentes significados do mesmo objeto.

Como esse tipo de arte se concentrava em ideias e conceitos, não havia um estilo ou forma distinta.

ARTE CONTEMPORÂNEA (1970- até os dias atuais)

A década de 1970 marcou o início da arte contemporânea, que se estende até os dias atuais. Este período é dominado por várias escolas e movimentos menores que surgiram.

Pós-modernismo: em reação contra o modernismo, os artistas criaram obras que refletiam ceticismo, ironia e críticas filosóficas.

Arte feminista: este movimento surgiu na tentativa de transformar estereótipos e quebrar o modelo de uma história da arte dominada pelos homens.

Neo Expressionismo: os artistas buscaram reviver aspectos originais do expressionismo e criar grandes obras altamente texturais, expressivas.

Arte de rua: artistas como Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Barry McGee, Banksy e outros criaram arte tipo grafite em superfícies em locais públicos como calçadas, edifícios e viadutos.

A geração de imagens: os artistas Cindy Sherman, Louise Lawler, Gary Simmons e outros que foram influenciados pela arte conceitual e pop fizeram experiências com imagens reconhecíveis para explorar imagens que moldaram nossas percepções do mundo.

Arte de apropriação: movimento focado no uso de imagens na arte com pouca transformação de sua forma original.

Young British Artists (YBA): esse grupo de artistas londrinos era famoso por sua disposição de chocar o público com suas imagens e de ir além dos limites da decência. Eles também são conhecidos por seu espírito empreendedor e entusiasmado.

Arte digital: O advento da câmera emprestou um caminho para essa prática artística que permitiu aos artistas usar a infusão de arte e tecnologia para criar com meios como computadores, software de áudio e visual, som e pixels.

Movimentos artísticos ao longo da história da arte ocidental ofereceram uma gama de estilos, técnicas e mídias diversas e influentes em todo o mundo. Cada movimento lançou luz sobre pinturas distintas, esculturas, fotografias, realizações arquitetônicas e outras obras definidoras. Compreender a linha do tempo da história da arte e como cada período influenciou os movimentos posteriores é fundamental para uma produção artística cuidadosa e coesa.

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Até a próxima dica!

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Linha do Tempo da História da Arte * O Casal da Foto

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Uma linha do tempo completa da história da arte pode ser traçada desde quando civilizações antigas usavam técnicas e materiais para retratar um assunto culturalmente significativo, há milhares de anos atrás. Desde esses primeiros registros, os movimentos artísticos foram nascendo, cada um com seus próprios estilos e características distintas que refletem as influências políticas e sociais do período de onde surgiram.

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ARTE CONTEMPORÂNEA (1970- até os dias atuais)

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