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¿Quién soy? Soy Oscar, me gusta el cine, la fotografía y la música. Mis películas favoritas son In the Mood for Love, Largo Viaje hacia la Noche, Millenium Actress y Una Película de Policías. Mi banda favorita son los Beatles.

¿Qué espero de esta clase?

Espero que la clase sea dinámica para poder entender de mejor manera cómo fue evolucionando el lenguaje cinematográfico.

¿Cuáles son mis objetivos personales?

Mis objetivos personales son encontrar nuevas películas y aprender de la manera en la que están hechas.

¿Qué sé/me gusta del cine?

En cuestión de historia me gusta ver la manera en las que la forma del cine fue evolucionando para aprender cómo los cineastas recurrieron a maneras innovadoras de resolver escenas con las limitaciones de su tiempo. De esta manera, siento que podemos aprender a ver el cine que se hace hoy en día. Lo que más me interesa en el cine es su forma, el montaje y la manera en la que diferentes películas usan este recurso.

Cualquier otra cosa que quieran compartir

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En lo personal me gustó mucho está película. Tiene una sensación de realismo ya que podemos ver la manera en la que se desenvuelven las acciones y las escenas tienen muy poco tiempo entre ellas. Cuando estamos en el hotel, las escenas van del cuarto al hotel y viceversa pero todo se desarrolla en muy pocos días. Esto siento que hace que a pesar de que el protagonista es detestable te hace que entiendas las razones por las cuales hace lo que hace.

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Transformación en industria del cine en EUA.

Finales de la década de los 60s a principios de 80s

Derechos de TV

TV de color

Eastman color como norma de la película

Uso de lentes zoom

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Francis Ford Coppola

Steven Spielberg

Scorsese

George Lucas

Woody Allen

Robert De Niro

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John Casavettes

Improvisación

Dramas psicológicos

Filmación de Guerrilla

Minimalista

Grupo estable de actores y actrices

Intimidad

Énfasis en el desarrollo de personajes y en sus interrelaciones

es considerado un pionero del cine independiente

Escuela de cine de Nueva York

Cine de autor

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Esta clase me gustó mucho y siento que me va a ayudar en mi proyecto final ya que el cine independiente (principalmente la figura de John Casavettes) será un punto clave en mi investigación. La manera en la que Casavettes hacia cine, su financiación, su trato con los colaboradores y su visión en en general las tengo que tomar mucho en cuenta.

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Esta película me recordó mucho a las de la Nueva Ola Francesa como Jules y Jim o Bande a part por las dinámicas entre los tres personajes. También relacionándolo con el tema de la semana pasada en su estilo por la cámara en mano y la manera en la que se desenvuelven las acciones me recordó a algunas películas de Casavettes como Faces. Se me hicieron muy interesantes las largas escenas de diálogo e incluso el estilo cómico que de repente evoca. En relación con Memorias del Subdesarrollo siento que la película cubana tiene una parte más políticamente explícita que esta. Sin embargo, me parece un buen retrato del Chile antes de la dictadura de Pinochet.

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Surge en la década de los 60 y 70 como respuesta al cine de Hollywood (primer cine). Si el cine es un reflejo de la sociedad, entonces es un reflejo de la burguesía.

Cine latinoamericano

Cine africano

En contra del neocolonialismo y el capitalismo

En oposición al cine europeo de autor (segundo cine)

Hacer cine que va en contra de las necesidades del sistema o que atacan al sistema.

Documental como género por elección

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Dictaduras

Violaciones a derechos humanos

Crecimiento de políticas neoliberales

Aumento de desempleo

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Glauber Rocha de Brazil; Felipe Cazals de México; Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío de Cuba; Raúl Ruiz de Chile; Fernando Solanas y Octavio Getino de Argentina

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Película de 1975 dirigida por Souleymane Cissé. Está película aborda cómo se le trata a las mujeres en Mali. La forma en la que está hecha la historia se aborda a través de el uso de primeros planos priorizando la actuación. Sin embargo, también tiene muchos usos de zoom in y zoom out por la época. En general se me hizo una buena película aunque de repente sentí el ritmo un poco lento pero se llega a recuperar en el final con el conflicto entre el padre y la chica muda.

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Independencias africanas van de ~1949 a 1980~

África tiene 10% y 1% de la Producción mundial (PIB)

1927 primera película egipcia "Kiss in the Dessert"

África Negra empieza a partir de los 70s

Aparición de directores que eligen hacer películas de África para África.

Decreto Laval (1934) cineastas africanos no pueden filmar en África

60s - 00s

Falta de financiamiento, equipamiento, infraestructura

Distribución controlada por Estados Unidos

10 películas al año (en promedio)

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Paulin Vieyra, Ousmane Sembene, Souleymanne Cisse, Isabel Noranha, Sofi Faye, Sarach Maldoror, Idrissa Ouédaogo

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60s

Pioneros de la decolonización: reapropiación de la mirada

Recuperación del propio espacio y de la propia imagen

Afrique Sur Seine (1955) Paulin Soumanou Vieyra - primera película hecha por alguien de África

70s

Un espejo social: revolucionarios en un continente que despertaba

Búsqueda de algo más que una identidad fosilizada o una autenticidad restrictiva

Baara (1979) Cissé

80s

Desilusión de los independentistas, nuevas perspectivas para el cambio social y la visión del mundo

Manifiesto en 1982 - aboga por la construcción de un industria cinematográfica que por la lucha antimperialista.

Finye (1982) Souleymane Cissé

90s

Crisis entre individualismo y la ilusión de identidad

Jóvenes cineastas rechazan el término de "cineastas africanos"

Bye Bye Africa (1999)

00s

Viaje a lo humano

Regresar a las raíces culturales como estética de un discurso moderno

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El Día de la Bestia es una película de 1995 dirigido por Alex de la Iglesia. Esta película me gustó mucho y tomando en cuenta las diferentes estéticas y corrientes contemporáneas se puede apreciar mucho más. La película cuenta con una mezcla entre diferentes géneros que se ven muy bien mezclados con la variación de tonos que manejan los personajes. Principalmente la comedia juntado con la temática del diablo hace de un tono muy particular.

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Recesión económica a mediados de los 70

Auge de la televisión y video

Sistemas de coproducción y financiamiento gubernamental. Televisión nacional apoyaba a la industria: cine alemán

Década de los 80 crisis profunda en el cine europeo a causa de las privatizaciones

La época más importante de algunos cineastas había pasado: Bergman, Fellini, Godard, Truffaut, Carné, Resnais, Rossellini.

Nuevas condiciones: Fin de dictaduras (España, Portugal, Grecia), Auge de gobiernos conservadores (Inglaterra), Consolidación de la Unión Europea, Competencia con el cine de EUA (50% - 90% de las salas)

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Francia:

Cine de arte

Películas históricas

Cinema Du Look

Inglaterra

Comedias británicas de horror excentricas

Monty Python

España

Comedia desbordada (Almodóvar)

Revisión histórica postfranquismo (Saura)

Alemania

Cine de reflexión filosófica (V. Shlandorff)

Road movies oníricos (Wenders)

Individuo vs naturaleza y oscuridad (Herzog)

Exploración ideologica (Margaret Von Trotta)

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Tradición modernista de la posguerra

Abordó el tema de migración europea y la disolución de las fronteras nacionales

Fuertemente influenciado por la mitología griega y la épica griega

Fusión de lo personal y lo histórico

Nos empuja a reimaginar las posibilidades de la forma cinematográfica

Contemplación del tiempo. Real y onírico.

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Peter Greenaway

Experimenta películas - sensación > entretenimiento

Combinación entre quietud de la pintura y movimiento en cine

Puesta en escena, montaje, iluminación artificial.

Nuevo pictorialismo

Herzog y Wenders

No suele ser naturalista

Experimentación óptica

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Werner Herzog y Wim Wenders (Alemania). Considerados como directores "sensibilizados". La belleza de la imagen y la sensibilidad del espectador.

Agnes Varda. Sus películas, documentales y videoinstalaciones son realistas y sociales. Todo su trabajo presenta un estilo experimental distintivo.

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The Sweet Hereafter es una película de 1997 dirigido por Atom Egoyan. Lo que más me llamó la atención de esta película fue su manera de estructurar la historia. La manera en la que poco a poco se va revelando el misterio de qué fue lo que pasó con el autobús mantiene la atención. Esto se revela a la mitad de la película haciendo que su enfoque principal no se a el misterio sino las personas. De esta manera se vuelve una película que su impulso principal son los personajes. También se me hizo interesante los saltos temporales que da y esto contribuye a la revelación de la verdad. 

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Se me hizo muy interesante la manera en la que cuenta la vida de un poeta. No es una película que cuente de manera convencional una historia sino que es a partir de planos más poéticos que priorizan el eje x y y del encuadre. Lo que más me gustó es que la forma en sí de los encuadres, el montaje y el diseño de arte van en conjunción con el fondo que es la vida del poeta. A través de metáforas visuales que van en conjunción con las metáforas líricas de los poemas se va formando la película.

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Influencias:

Tradición literaria:

Alexander Pushkin: Dramaturgo, padre de la literatura rusa

Vladimir Propp: Académico

Académicos del teatro y Cine

Jerzy Grotowski, Konstantin Stanislavski, Eisenstein, Kuleshov, Vertov

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Desaparecen barreras de la Guerra Fría, los artistas y creadores de cine se mueven libremente, hay nuevas oportunidades.

El colapso de Yugoslavia crea un ambiente fílmico poderoso pero también político y peligroso.

Nuevas olas:

Checoslovquia

Yugoslavia

Cinematografías menores:

República democrática de Alemania

Bulgaria

Yugoslavia

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Enero 1968 - "Primavera de Praga"

Manifiesto: "Las dos mil palabras"

Luego de la primavera de praga el cine estuvo controlado financieramente y por "asesores literarios"

Migración de directores: Milos Forman, Jan Nenec, Ivan Passer, Jan Kadar.

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70s - 80s: Reformas económicas: Economía descentralizada y mixta.

Vanguardia del cine de Europa del Este. Producción de entre 12 y 20 películas por año.

90s - Bela Tarr

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1968: Una de las cinematografías más importantes del bloque comunista

Los/as cineastas generan un grado de libertad creativa. Dividen el trabajo entre el director artístico (realizador) y director literario (guionista)

Andrej Wajda: El hombre de marmol (1976), El hombre de humo (1980)

Krzysztoff Kieslowski (éxito internacional): Camera Buff, Doble vida de Veronique, Tres colores

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70s: Más poesía

Tarkovsky. Solaris (1972), El espejo (1975) y Stalker (1979).

Parajanov arrestado por homosexualidad, tráfico de arte robado e "incitación al suicidio"

Jóvenes cineastas dieron voz a los problemas de la existencia cotidiana.

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Se declaró en contra de los mensajes políticos en el cine. Argumentó que el cine debería centrarse en impresiones evocadoras.

Estilo:

Poesía - consideraba que el cine era un arte muy parecido a la poesía

El cine es personal - La película expresa sus sentimientos y visión de la vida del director.

Original - Ninguna de sus tomas debe parecerse a algo que ya ha sido.

Presión del tiempo - Esculpir el tiempo

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1897 - Primeras cintas 100% canadienses.

Cinesasta más reconocido fue Ernest Shipman.

Canadian Pacific Railway (CPR)

1970s - Cine directo uno de los que lleva en la industria por la delantera y surge en películas como "Michael Rubbo's Waiting for Fidel".

00s - Canada ha invertido en la producción para hacer crecer a la industria. Surgieron diversos cineastas ganadores de premios como Xavier Dolan, Sarah Polley, etc.

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Cine experimental

Cine político post 1968

Experimental

The Far Shore, de Joyce Waieland

Melodrama

Convenciones narrativas clásicas asimiladas políticamente temas y asuntos secundarios, especialmente en el ámbito político, el thriller y la comedia.

Cine Québécois

70s - 80s surge

Cine en francés

Nueva Ola de Toronto

Cine hablado en inglés

Film departments at the University of Toronto

Atom Egoyan

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Esta película siento que en su idea es muy buena: realizar cuatro plano secuencias que se conectan en distintos puntos de la narrativa, todos los vemos al mismo tiempo y así vemos los distintos puntos de vista de una misma historia. Sin embargo en la ejecución se volvió algo muy pesado. Al saber que era de esta manera la película mi primer pregunta era cómo le iba a hacer el director para dirigir la mirada del espectador. Esto lo hace a través del sonido, en algunos momentos baja el volumen de tres de los cuadros para poder escuchar uno de ellos. Pero en muchos otros momentos el audio de las cuatro se sobreponen sobre los demás y se vuelve algo muy confuso. Algo similar pasa con lo visual ya que en ningún momento realmente sabes a cuál mirar y se vuelve una experiencia un poco mareadora. En general creo que como película sí tiene muchas deficiencias pero como experimento tiene cosas interesantes.

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Es una película de 1998 dirigido por Lars Von Trier. Es una película que sigue las reglas de El Voto de Castidad y utiliza cámara en mano, sonido directo, rodaje en locación, etc.

En mi opinión la cualidad que le dan estas reglas es de algo mucho más verdadero que una producción más "cuidada". El hecho de que mucho de las actuaciones sea improvisación o que en muchas ocasiones se vea el boom le da una cualidad más "realista" haciendo que varios momentos de la cinta se potencien la incomodidad que tratan de transmitir.

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Concepto teórico que escribe cambios fundamentales en la forma de entender y experimentar el cine a raíz de la digitalización de la industria. Esto implica una transforamción en la producción, dsitribución y consumo de contenido audiovisuales.

Conceptos clave:

Intensified Continuity​

Post-Cinematic Affect​

Post-Continuity​

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70s:

Sony comercializa el primer VCR Betamax para la visualización y grabación de vídeo en casa y JVC sigue rápidamente con VHS.​

Philips comercializa el primer reproductor de video laserdisc.​

Star Wars (1977) de Lucas y Close Encounters of the Third Kind (1977) de Spielberg se estrenan y son éxitos irrumpiendo en un nuevo territorio de efectos especiales.​

80s y 90s:

Se introducen sistemas de edición no lineal basados en computadora y en pocos años dominan la postproducción. Del mismo modo, los medios digitales para la grabación y el procesamiento de sonido se convierten rápidamente en la norma.​

00s:

Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones (2002) de Lucasfilm se estrena en más de 94 salas de cine digital de todo el mundo. La primera película filmada completamente en digital, en alta definición progresiva digital de 24 cuadros. ​

O Brother, Where Art Thou? (2000, Coen Brothers), Fotografiada por Roger Deakins fue la primera película en ser coloreada completamente digital por la empresa Cinesite con el fin de lograr esos tonos marrones / ocres.​

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Influencia del video en el cine:​

​

Bajo contraste en colores y luces​

Montaje con cortes más rápidos​

Movimientos de cámara más vertiginosos​

Soundtracks más estridentes​

Composición pensada para el formato del televisor  (4:3)​

Edición con base en código de tiempo, no en cuadros​

El cine digital ha reemplazado en gran medida al celuloide en la producción, distribución y exhibición.​

Los medios digitales permiten la exploración de nuevas texturas, estilos y efectos visuales.​

La digitalización facilita la recuperación y preservación del legado cinematográfico analógico.​

Producción: Más barata, más accesible y más versátil.

Distribución: Copias más baratas y un intercambio de archivos más fácil.​

Exposición: Proyectores más modernos.​

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La distribución digital a través de plataformas de streaming transforma la experiencia cinematográfica.​

Los smartphones y tabletas facilitan el acceso al cine digital en cualquier lugar.

Las salas de cine tradicionales compiten con las experiencias de visualización domésticas.​

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Ozplotation

70s

Al inicio  de los 70s, el gobierno Australiano intenta crear un establecimiento de una identidad nacional, se funda Australian Film Development Corporation. Con la llegada del nuevo cine australiano se funda The Australian Film and Television School.​

80s

Para finales de los 80s el cine australiano se había vuelto internacional, altamente dependiente de estrellas internacionales, como Meryl Streep en Evil Angels (1990). En 1988, la agencia de apoyo, Film Finance Corp. (FFC) conecta los fondos a una mejor viabilidad comercial. Esto revive la época dorada de los 70s.​

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Directores destacados:

Peter Weir

George Miller

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La industria australiana produce filmes internacionalmente populares. El filme independiente Mad Max (1978) producido por la compañía Kennedy-Miller.​

En 1996, un partido político Liberal-Nacional llega al gobierno y corta el presupuesto de la FFC. ​

Se importan más filmes americanos independientes, la competencia incrementa. Y para finales de los 90s ningún filme tuvo éxito como Shine (1996). ​

Se financia Oscar y Lucinda (1997) dirigida por Gillian Amstrong. Sin embargo, se convierte en una falla cara que hace ver los subsidios del gobierno como injustificables. ​

La secuela Babe: Pig in the City (1998) es producida por Kennedy-Miller financiada por Universal. Sin embargo, esta también falla y la producción local cae. ​

1998, 20th Century Fox abre Fox Studios Australia en Sídney. ​

Se filman porciones de Matrix y Star Wars en Fox.​

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Nueva Zelanda no tuvo una industria enteramente estructurada hasta la década de los 70's.​

Para la década de los 80's se logra establecer un nivel de producción más o menos bajo.​

Para finales de los 90’s el país depende económicamente de la producción, cineastas y otro tipo de talentos empleados en proyectos extranjeros.​

En 1978 el gobierno establece la New Zealand Film Commission, la cual comienza a apoyar a los realizadores en el desarrollo de sus proyectos.​

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Directores destacados:

Jane Campion

Peter Jackson

Taika Waititi

Tamahori

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Los grandes éxitos de taquilla de Hollywood​

La aparición del cine digital​

Búsqueda de democratizar el cine

Un colectivo/movimiento de directores de cine que comenzó en Dinamarca pero se extendió a otros países​

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A ellos se unió el rechazo a ciertas tendencias del cine contemporáneo (de las “nuevas olas”):​

Al individualismo ​

A la idea de autor​

Cine aburguesado​

Rechazo de la previsibilidad del cine industrial​

Rechazo de lo ilusorio​

Un cine hueco y estéril​

La tecnología como democratización

"Por primera vez, cualquiera puede hacer cine" (democratización).​

Pero era necesaria la disciplina

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¡Para DOGMA 95 el cine no es individual!​

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Hoy se desata una tormenta tecnológica, cuyo resultado será la democratización definitiva del cine. Por primera vez, cualquiera puede hacer películas. Pero cuanto más accesible se vuelve el medio, más importante es la vanguardia. No es casualidad que la frase "vanguardia" tenga connotaciones militares. La disciplina es la respuesta... debemos poner nuestras películas en uniforme, ¡porque la película individual será decadente por definición!​
La tarea "suprema" de los cineastas decadentes es engañar a la audiencia. ¿Es de eso de lo que estamos tan orgullosos? ¿Es eso lo que nos han traído los "100 años"? Ilusiones a través de las cuales se pueden comunicar emociones?... ¿Por la libre elección de engaño del artista individual?​

​
La previsibilidad (dramaturgia) se ha convertido en el becerro de oro alrededor del cual bailamos. Que la vida interior de los personajes justifique la trama es demasiado complicado, y no es "arte superior". Como nunca antes, la acción superficial y la película superficial están recibiendo todos los elogios.​
​

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1. El rodaje debe hacerse en el lugar. No se deben traer accesorios y decorados

2. El sonido nunca debe producirse aparte de las imágenes o viceversa.

3. La cámara debe ser de mano. Se permite cualquier movimiento o inmovilidad alcanzable en la mano.​
4. La película debe estar en color. La iluminación especial no es aceptable.

5. El trabajo óptico y los filtros están prohibidos​
6. La película no debe contener acciones superficiales.

7. Se prohíbe la enajenación temporal y geográfica.

8. Las películas de género no son aceptable

9. El formato de la película debe ser en 35 mm

10. El director no debe ser acreditado​

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Festen

Los idiotas

Mifune

El rey está vivo

Lovers

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Living in Oblivion es una película de 1995 dirigida por Tom Dicillo que narra la historia de un director tratando de sacar una escena en un rodaje que parece salir mal cada que prenden la cámara. Más allá del tono ligero que maneja me pareció que la manera en la que maneja y compara el cine con los sueños es muy interesante. Los sueños no son solo eventos gratuitos que cuando el personaje despierta todo lo que vimos era falso sino que contribuye a desarrollar a los personajes y avanzar a la trama. De igual manera, en la tercera parte donde la escena que tienen que hacer es un sueño me gustó mucho cómo se burla de lo extraño que se representa a los sueños cuando en realidad, como plantea la misma película, no son tan. abstractos

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El tema también diferencia al cine independiente del cine comercial. El cine independiente suele tratar temas más reales, reflejar el estilo de vida estadounidense y sus historias son a menudo dramáticas. Además de esto, el cine indie suele ser rebelde y crítico con la sociedad.

En 1998, El presupuesto medio de una película era de casi 53 millones de dólares​

Sistema de estrellas: Arnold Schwarzenegger, Tom Cruise, Sylvester Stallone, Mel Gibson, Eddie Murphy, Kevin Costner, Harrison Ford, Robin Williams, Jim Carrey, Demi Moore, Julia Roberts

La renta y compra de películas en vídeo eran un gran negocio, mucho mayor que la venta de boletos de cine

Para1992, la televisión abierta empezaba a perder muchos espectadores en favor de los canales por cable​

A finales de los 80 y en los 90 se producía el mismo número de películas que en la Edad de Oro de Hollywood (450-500), el 40%) iban directamente a vídeo (laserdisc o DVD) o cable.

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Productoras y  distribuidoras de segundo  nivel.​

Financiadas  internacionalmente.​

Sobrevivían más que nada  por ventas de video.​

El Instituto Sundance de Robert Redford (establecido en 1980) se hizo cargo del Festival de Cine de Utah / Estados Unidos. En 1991, pasó a llamarse Festival de Cine de Sundance (el festival de cine se celebró anualmente desde 1981 en enero en Park City, Utah y se amplió en duración) - "dedicado a apoyar directores y guionistas emergentes y a la exhibición nacional e internacional de nuevas pelícuals de ficción y documental".​

Independent Spirit Award se funda en 1984​

Se empieza a honrar a cineastas visionarios, innovadores y actores y actrices anónimos  en películas independientes que "encarnan la independencia y se atreven a desaﬁar el  status quo".​

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New Line Cinema: Establecida en 1967​

Películas europeas​

Terror de bajo presupuesto​

Pesadilla en la calle del inﬁerno (1984​

Las Tortugas Ninja (1990)​

Magnolia (1999)​

Miramax

Fundada en 1979 por Bob y Harvey  Weinstein.​

Cinema Paradiso (1988) - distribución​

Perros de Reserva (1992)​

El piano (1993)​

Pulp Fiction (1994)​: Financiada por Miramax con un presupuesto de 8 millones de dólares, pequeño para cualquier estándar de gran estudio recuperó 213.9 mdd​
Comenzó una especie de fórmula para el éxito indie en esa época de grandes estrellas tomando papeles inusuales y estética de mentalidad independiente.​
Con excelentes críticas, hizo un montón de dinero.​
Llevando todo al siguiente nivel ​

El paciente inglés (1996)​

Good Will Hunting (1997)​

Shakespeare in Love (1998)​

La vida es bella (1998)​

Gangs of New York (2002)​

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La idea de que esta película sea anti-corporativa y de mentalidad independiente era genial a principios de los 90.​

​
Lo mismo sucedió con la música como​
música underground y grunch.​

​
Las películas y la música comenzaron a aprovechar el ingreso disponible de un público más joven. Las películas comenzaron a centrarse en los jóvenes.​

The Cult of Personality: Esto se creó alrededor de los directores, especialmente los directores escritores. Hicieron elecciones temáticas y estilísticas audaces que hicieron que fuera más fácil notar un sello personal en su trabajo.​
​

Arty Indies

Bajo costo​

Avant-garde​

Cine dse autor​

Influencia europea​

Hal Hartley​

Jim Jarmusch​

David Lynch​

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Tenían géneros e incluso estrellas.​

Se diferenciaban de Hollywood por su bajo presupuesto y  temas riesgosos.​

Woody Allen, Robert Altman​

Darren Aronofsky, Paul Thomas Anderson​

Sexo, mentiras y video​

Pulp ﬁction. la película independiente más exitosa de la  década de los 90.​

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Retomaban los géneros clásicos de Hollywood ​

Horror de bajo presupuesto: Scream (1996), I know what  you did last summer (1997), Nightmare on Elm Street (1981)  y the Evil Dead (1984).​

Neo-noir: The last seduction (1994), The usual suspects  (1995), Bound (1996).​

Dramas íntimos: Ruby paradise (1993), God Will Hunting  (1997), Boys don’t cry (1999)​

Dramas de época: the Bostonians (1984), Remains of the  day (1993), Howard’s end (1992).​

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El mariachi (1992) Robert Rodriguez​

Clerks (1994) Kevin Smith​

El proyecto de la Bruja de Blair (1999)​

$60,000​

$248,639,099​

Si películas de tan baja calidad podían llegar a los cines, esto daba el  mensaje de que cualquiera podía hacer cine: “la era de los  independientes”.​

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John Cassavetes: Shadows no fue la primera película hecha fuera del sistema de estudios de Hollywood, pero su enfoque radical de DIY sirvió como un llamado a las armas para los aspirantes a cineastas estadounidenses, tal como lo hizo Les Quatre Cents Coups de François Truffaut en Francia el mismo año.​
Terrence Malik: Badlands, el fascinante debut de Terrence Malick se siente como el trabajo de un maestro cineasta en el apogeo de sus poderes. Contiene toda la belleza lírica de su trabajo posterior, pero lo une a la tensa y apasionante historia de Kit (Martin Sheen) y Holly (Sissy Spacek), una joven pareja que se embarca en una matanza a través de Dakota a fines de la década de 1950.​
David Lynch: Eraserhead el gloriosamente debut en el jardín izquierdo de David Lynch sigue siendo, con la posible excepción de la obra digital de tres horas INLAND EMPIRE (2006), su obra más grande película vanguardista sin concesiones.

Sofía Coppola: Lost in Translation, Sutil exploración de la soledad y la conexión humana a través de la lente de una relación platónica entre dos personas perdidas en una ciudad que no entienden. Coppola crea una atmósfera de ensueño que refleja el estado emocional de los personajes. La narrativa minimalista resalta la alienación que experimentan los protagonistas, mientras que el humor sutil y la ternura en las interacciones entre ellos añaden una capa de calidez y humanidad a la historia. ​

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Está película me gustó mucho por ser una profunda reflexión sobre la vida. Desde la premisa siento que automáticamente como espectador te haces la misma pregunta de cuál sería el recuerdo que te llevarías por la eternidad lo cual siento que genera una gran conexión. Me gustó mucho la manera en la que va avanzando la trama y vas conociendo a los personajes que trabajan ahí y porqué. Algo que me llamó mucho la atención es que también reflexiona sobre el papel del cine ya que la memoria que se llevan los que se van no es su recuerdo tal como lo vivieron sino una recreación en cine lo que me parece muy interesante y se vuelve una reflexión sobre el medio mismo. También me gustó mucho la manera en la que se introduce la historia que es por medio de entrevistas casi como si fueran documentales.

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Estableció un pequeño sistema de estudios integrados verticalmente durante la década de 1930, pero las empresas desaparecieron en la posguerra y la mayor parte de la producción quedó en manos de empresas independientes. ​

Bajo el gobierno de Fernando Marcos y su esposa Imelda (1965-1986) la producción aumentó, estabilizándose en unos 150 largometrajes al año a mediados de la década de 1970.  ​

Star system​

Géneros: musicales (zarzuela), melodrama, erotismo soft (bomba)​

Fuerte censura y control por parte del gobierno​

Filipinas: 150 películas al año​

Declive hacia los años 2000

El “nuevo” cine filipino ​

Lino Brocka​

Mike De Leon​

Ishmal Bernal​

Eddie Romero​

Marilou Diaz-Abaya​

Películas:

Películas​

Speck in the Water (1976), Ishmal Bernal​

We Were Like this Yesterday, How is it Today (1976), Eddie Romero​

Black (1977), Mike De Leon

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La Central Motion Picture Corporation (CMPC) controlaba el mercado​

Gobierno fuertemente restrictivo​

Gran influencia del cine de Hong Kong​

Películas de artes marciales​

200 películas al año: 80s​

30 películas al año: 90s

Gracias al VHS la ndustria se expandió pero Hong Kong se hizo un competidor director ya que se introdujo mucho en Taiwan.

En Taiwan se produce In Our Time (1982) una película que buscaba reforzar el cine Taiwanes, haciendo un filme compuesto por cuatro historias diferetnes, dirigidas por un director distinto. Edward Yang, Tao De - chen, Ke I-jheng y Jhan. Así da inicio a la nueva ola.

Narrativas de la dificultad del individuo para adaptarse a la nueva sociedad y economía.

Influencia estilística en el Neorrealismo italiano.

Rechazo hacia la estética y narrativa de Hollywood.

Películas y autores:

In our Time (1982), Edward Yang, Tao

The Dull Ice Flower (1989), Yang Li-Kuo, De - chen, Ke I-jheng y Jhan.

Dust in the Wind (1985), Hou Hsiao-Hsien

A City of Sadness (1989), Hou Hsiao-Hsien

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Nueva ola del cine Taiwanes

Producciones menos serias, y más enfocadas al entretenimiento, ahora con una mayor aceptación al retrato de una nueva sociedad urbanizada, aun con carácter documental.

Se busca retratar las nuevas perspectivas taiwanesas, como Tsai Ming-Liang, muestra las diversas vidas de jóvenes taiwaneses en sus filmes, como en Vive L'amor (1994), o Rebels of the Neon God (1992).

A nivel internacional, el director Ang Lee ha sido el más reconocido, ya que filmó algunas películas en el extranjero y trajo de nuevo el género Wuxia con Wo hu cang long (2000)

10 nominaciones al Oscar y es la tercera película de habla no inglesa en recibir una nominación simultánea en las categorías de Mejor película y Mejor película extranjera siendo la anterior La vida es bella en 1998

Películas y autores:

Rebels of the Neon God (1992), Tsai Ming-liang

Yiyi (2000), Edward Yang

Wo hu cong long (2000) Ang Lee

Vive L'Amour (1994), Tsai Ming liang

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Directores notables​

Pak Kwang-soo​

Yi Kwangmo​

Kim Sangjin​

Hang Sang-soo​

Temáticas:

Religioso

Tradiciones

Crítico

Consciencia Histórica

Erotismo

Pérdida de la masculinidad

Acción

Suspenso

Directores destacados:

Kim Ki Duk

Park Chang Wook

Bong Joon Ho

Kim Bora

Películas que destacan:

Joint Security Area

Trilogía de la Venganza

Spring, Summer, Fall, Winter and Spring

Memories of a murder

The Host

Ode to my father

House of Hummingbird

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El más relevante de la región (después de Japón e India)​

Refugio de exiliados de China continental ​

La compañía Shaw Brothers y su dominio del mercado: cine de Kung-Fu​

Estrellas: Bruce Lee y Jackie Chan​

Narrativas:

60s: Acción a partir de la intriga, mascaradas, edición rápida

70s: Edición y trucos de cámara a favor del espectáculo del arte marcial

80s: Personalidades heroicas, énfasis en las emociones y el rol de la mujer

90s: Ritmo rápido

La Nueva Ola de Hong Kong​

Ann Hui​

The Secret (1979)​

The Story of Woo Viet (1981)​

Shu Kei​

Tsui Hark​

Directores destacados:

Ann Hui

Mabel Cheung

Johnnie To

Wong Kar Wai

Peter Chan

Películas destacadas:

A Better Tomorrow

An Autumn's Tale

Song of the Exile

Comrades: Almost a Love Story

In the Mood For Love

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Wong Kar Wai

Considerado como el más importante de la era moderna​

​

Antiguo guionista de telenovelas​

​

Exuberancia visual​

John Woo

A Better Tomorrow

The Killer

Bruce Lee / Raymond Chow​

Raymond Chow​

Fist of Fury ( a ka The Chinese Connection, 1 9 72)​

The Way of the D ragon ( aka The Return of the D ragon, 1 972) ​

Bruceploitation: Bruce Le, Leh,  Li

Rebels of the Neon God- Tsai Ming Liang Yang - Taiwán​

Historia de un grupo de jóvenes y sus desencuentros​

Desencanto, crimen, violencia​

Sexo desapasionado​

Conflictos generacionales​

Falta de oportunidades para los jóvenes, presión de la vida moderna​

The Terrorizers Edward Yang - Taiwán

Historias cruzadas, interconectadas: uma fotógrafa, una novelista y su esposo doctor​

La soledad de la vida urbana, personajes a la deriva​

Postmodernismo​

La mirada, lo voyeour y la fotografia​

La paradoja​

Oldboy – Park Chan Wook - Corea​

Un hombre vive secuestrado durante años y logra regressar al mundo​

Trilogía de la venganza​

Las profundidades de la decadência humana​

Tortura psicológica​

Basada en un manga japonés​

Fallen Angels – Wong Kar Wai – Hong Kong

Trama convulsa, no lineal, ambigüedades narrativas​

Estilo etéreo​

Tramas cruzadas​

Cámara en mano, volátil​

​In the Mood for Love– Wong Kar Wai – Hong Kong

Historia de dos personajes cuyas parejas les son infieles​

Trama rompecabezas​

Sutileza narrativa​

Trama contada a través del vestuario, los escenarios, la música

​

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"Waltz with Bashir" aborda la memoria, el trauma y los horrores de la guerra de una manera innovadora. La elección de usar animación sentí que creaba una atmósfera onírica pero servía para contribuir a los recuerdos difusos que siente el protagonista. Lo que más me sorprendió de la película fue su final. El cambio de la animación a material documental siento que pega muy fuerte porque la memoria deja de estar fragmentada sino que en ese momento se siente más real que nunca.

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Fricciones entre los países árabes e Israel, especialmente Egipto, Siria, Jordania, etc​

Guerras: 1967, 1973 Yom Kippur​

Aumento desmedido en los precios del petróleo​

Alineación de bandos con EUA o con la URSS​

Asesinato de Anwar Sadat (Egipto) en 1991​

Invasión israelí de territorios palestinos​

Organización para la Liberación de Palestina (OLP)​

Falta de reconocimiento de mutuas partes

Industrias Nacionales

Egipto, Irán y Turquía: grandes industrias.

Algunos cineastas se adhierieron a principios del Tercer Cine.

Influencia del "cine de arte" de occidente

Nuevo cine sirio y Festival de Damasco (bianual) en los 70

Líbano - industria estable antes de la guerra civil en 1975

Baja producción de mediados a finales de los 90

Autores reconocidos buscaron coproducciones europeas

Irán se mantuvo con alta producción y ganó reconocimiento mundial

Otras industrias

A principios de la década de 1970, Siria contaba con una sólida industria, que enviaba películas a Líbano, Kuwait y Jordania.​

​

Se creó un "nuevo cine sirio" de protesta social y el Festival de Cine de Damasco, que exhibía películas del Tercer Mundo.​

​

Líbano también tenía una importante industria cinematográfica antes del estallido de la guerra civil en 1975, que obligó a cineastas a emigrar.

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Cine menor​

Lenguaje extraño e incomprensible para la región​

Programa de Películas Patrióticas (Saddam Hussein)​

Monopolio de la producción​

Directores árabes de otros países​

Al-Qadissa (1981), Salah Abou Seif (egipcio)​

15 millones de dólares​

Boicot por la guerra contra Kuwait

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70s, el declive del ”Hollywood” del cine árabe​

Migración de talento (Siria, Iraq)​

Dominio del mercado regional​

Víctima del pirataje​

Cine Pan-árabe nacionalista ​

De 53 (1993) a 16 (1997)

Cairo - Hollywood árabe hasta declive en los 70

Exilio e industria inestable durante los 80

Mercado conquistado por EUA.

Youssef Chahine - director más destacado

The Sparrow (1973)

Memory (1982)

The Emigrant (1994)

Premio por su trayectoria en Cannes en 1997.

Caída en los 90: de 53 películas producidas en 1993 a tan solo 16 en 1997

Sho'aa - nuevas propuestas y directores

Said Hamed

An Upper Egyptian at AUC (1998)

Hammam in Amsterdam (1999)

Recuperación en 1999 - nueve de las películas más taquilleras del año fueron películas nacionales.

Youssef Chahine, el más representativo​

The Sparrow (1973)​

Alexandria, Why? (1978)​

The Emigrant (1994)​

Cine político, revisionista

1993: Sho'aa ( Cultural Media Company)​

Nuevos talentos​

Fórmula: “pez fuera del agua” (personajes inadaptados en contextos extraños)​

Said Hamed - Upper Egyptian at AUC (1998),

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Golan & Goblus

Primos​

Productores de cine​

Musicales​

Espías​

Melodramas​

Romances étnicos (bourekas)​

Dueños de cadenas de cines​

Creadores de la industria cinematográfica de Israel​

Distribuidores de películas de EU en Israel

New Sensibility

Búsqueda de otras alternativas:​

Cine psicológico​

Problemas de la clase media​

Cine político​

Apoyo estatal (Ministerio de Educación y Cultura) 1979​

Filmes personales​

Bajo presupuesto​

Producción de 15 películas al año (aprox.)​

El cine más occidentalizado, modernista, búsqueda estética​

Coproducciones con Europa​

Películas habladas en inglés

Hide and Seek (1980), Dan Wolman​

Transit (1980), Daniel Wachsmann​

Lemon Popsicle (1978) Moshe Mizrahi – lanzamiento internacional​

Beyond the Walls (1984), Uri Barbash – Producción de la Warner Bros.​

Devarin (1995), Amos Gitai​

Kadush (1991), Gitai – Festival de Cannes

Cannon Pictures​

Adquirida por Golan y Globus en 1979​

Producciones variopintas en USA​

Desde Oscares a cine B​

Cobra - Sylvester Stallone​

Charles Bronson​

Chuck Norris​

Ninjas​

Cassavetes, Godard, Altman​

Producciones en Israel

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El director más prominente de Israel​

Estudió arquitectura​

Documentales y ficción​

Filmó en Europa​

Primer director israelí en competir en Cannes​

Constantes conflictos con el gobierno, censura​

Sigue en activo​

​

Kadush (1999) ​

Kippur (2000 )​

Disengagement (2007)

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Amplio rango de géneros: históricas, eróticas, comedias, épicas, melodramas, Westerns​

100 millones de espectadores por año​

Golpe de estado: opresión, censura: 1980​

80s: liberalización y nuevo auge​

Producción: 200 películas al año (la mitad directo a video)​

1992: 25 películas (coproducciones)​

Entrada a la Unión Europea​

1993: 10 películas​

The Bandit, de Yavuz Turgul, éxito de taquilla local​

Yilmaz Guney

Umut (Hope), 1970​

Yol (The Way), 1982 – Palma de Oro​

Kurdo​

Convicciones de izquierda​

Persecusión política​

Sentencia de 24 años de prisión​

A su muerte el gobierno intentó quemar todas sus películas y fotos ​

Nuri Bilge Ceylan

Cine contemplativo y poético

Festival de Cannes

- Grand Prix (2003 y 2001)

- FIPRESCI (2006)

Mejor dirección (2008)

Palma de Oro (2014)

Turksploitation

Subgénero de remakes de explotación que se aprovecha de las películas americanas ​

En su mayoría adaptaciones no autorizadas de bajo presupuesto con imitaciones de películas populares, música de diversas fuentes y argumentos descabellados, referencias involuntarias, malas actuaciones y efectos especiales de mala calidad

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Antes de la revolución: el Shah

Nuevo cine iraní​

Gav (1970) Dariush Mehrj ui​

Creación del New Film Group, con financiamiento del gobierno​

Crítica social​

en 1980: 28 películas​

The Cycle (1976) Mehrj ui ​

Tall Shadows of the Wind (1978) Bahman Farmanara​

Después de la revolución: el Ayatollah​

Éxodo de cineastas​

Baja de producción: solo 100 películas producidas entre 1979 y 1985​

Ampliación de la censura a temas sexuales y a influencias occidentales​

Prohibición de cine extranjero, especialmente de EUA​

Fomento a películas que impulsaban el Shi'ismo​

Creación de la Farabi Cinema Foundation (FCF) en 1983

Renacimiento cinematográfico​

Libertad creativa de la unidad de Children and Young Adults de la FCE​

Cine personal, imaginativo e íntimo, a pesar de las restricciones del gobierno Ayatollah​

Cine para niños y jóvenes como opción para aludir a temas políticos y trascendentales.

Abbas Kiarostami​

El cineasta más importante de Irán​

La trilogía Koker​

Where Is the Friend's Home? (1987)​

Life, and Nothing More... (1992)​

Through the Olive Trees (1994)​

Narrativa desdramatizada​

Reflexividad​

Otros autores relevantes

El globo blanco (1995) Jafar Panahi​

El espejo (1997) Jafar Panahi​

​

Para 2001: 87 películas

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En mi experiencia de realidad virtual vi Oh Debu de Naomi Kawase. Al principio de la experiencia salía la directora a platicar sobre el proceso y cómo fue surgiendo la idea de este proyecto. Y ya después a través de elementos 3D te va contando la historia de una chica con sobrepeso que después de experiencias con la tecnología y con otras personas logra encontrar el amor. Lo más interesante para mí fue que cuando el personaje estaba en su cuarto que desde mi perspectiva parecía del tamaño de mi cabeza, yo podía meterme y ver el cuarto desde diferentes perspectivas. Sentí que esta manera de relacionarse con lo que se está viendo generaba una aproximación diferente a la de una pantalla bidimensional. También esta diferencia de escalas en la que el personaje principal era muy pequeño y yo en comparación era muy grande hacía que me fijara en los detalles de lo que estaba pasando y sentía muy diferente a cuando el personaje estaba tamaño normal. Esto me pareció muy interesante porque es una de las maneras que la realidad virtual puede generar otro tipo de experiencias a las del cine convencional.

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Crisis petrolera, devaluaciones​

Guerras internas, dictaduras, rebeliones​

Migración a las ciudades​

Devaluaciones​

Hambrunas, epidemias​

Cine en Asia​

2,000 películas al año (1970-80s)​

Películas para producción local​

Potencias: India y Japón​

En surgimiento: Honk Kong, Pakistán, Filipinas, Taiwan  y Corea del Sur​

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Para los 70s​

​

Baja en el número de asistentes al cine: de 1.2 mil  millones en 1958 a 200 en 1972​

Llegada del video​

Recorte a 350 películas al año​

Grandes estudios: Toei, Toho y Shochiku​

Sagas interminables: Godzilla y Tora-San​

Géneros más rentables​

Artes marciales​

Yakuza (gángsteres)​

Ciencia ﬁcción (inspirados por Star Wars)​

Desastre​

Roman porno (soft-core)​

Tora San​

Cine independiente:

Debilitación de los estudios​

Art Theater Guild (ATG), 1961​

Directores de la Nueva ola​

Compañías fundadas por:​

Tiendas departamentales​

Compañías televisivas​

Editoriales​

Directores autores ﬁnanciados tanto por estudios como por productoras  independientes​

Directores de alto presupuesto pasaron a ser ﬁnanciados​

internacionalmente​

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La nueva generación​

Directores nacidos en la década de los 60​

Incursionamiento a ﬁnales de los 70 e inicios de los 80​

Experiencia con autores como Kurosawa, Imamura y Oshima​

1 película cada 4 o 5 años​

Trabajo rápido y barato​

Críticos de la modernidad política​

Rebeldía y vulgaridad anárquica​

Inspirados por el manga violento y el heavy-metal​

Apoyados por la ATG y algunos estudios grandes​

Ataque a los estereotipos de armonía y prosperidad japonesa​

La tradición punk-cyberpunk​

Tetsuo (1989) de Shinya  Tsukamoto

Crazy Thunder Road (1980)  Sogo It​

El juego de la familia (1983)  Yishimitsu Morita​

Akira (1987) de Katsushiro  Otomo​

ANIME:

Animaciones de ciencia ﬁcción y fantasía​

Derivado del manga​

Robots, astronautas y adolescentes superheroicos​

Bajos presupuestos​

Grandes éxitos en taquilla​

Altamente rentable fuera del país​

Solarpunk

Género y movimiento especulativo y emergente dentro de la ciencia ficción, el diseño y el ecologismo que imagina un futuro más optimista y sostenible. ​

A menudo se considera una respuesta a los temas distópicos y apocalípticos que prevalecen en muchas obras de ciencia ficción. ​

El solarpunk se centra en las soluciones, las energías renovables y las tecnologías ecológicas, al tiempo que subraya la importancia de la comunidad, la naturaleza y la diversidad cultural. ​

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Revitalización de la industria 80s

Ardua competencia contra el cine norteamericano.​

Finales de los 80s: sólo un tercio de los lanzamientos son japoneses.​

Japón reemplaza a G.B. como el mercado más rentable para Hollywood.​

1993: Time Warner inaugura una cadena de salas multiplex.​

Toei, Toho y Shochiku crearían sus propias salas eventualmente.

Los 90s​

Recesión económica​

Los grandes estudios están estancados​

Mantuvieron sus ganancias en taquilla​

Control de los medios de distribución​

Forzar a los empleados a comprar entradas​

Los cineastas independientes comienzan a ganar premios en festivales y  distribución internacional​

Jóvenes directores​

Inician con películas estudiantiles de 8 mm.​

Ganan notoriedad y ovación en la escena internacional.​

Géneros y temas variados:​

Romance​

Acción​

Horror​

Fantasía​

Distopía​

LGBTQ+​

Comedia/sátira​

Takeshi Kitano a.k.a. “Beat” Takeshi​

Director, actor y comediante de TV.​

El “Martin Scorsese” de Japón​

El director más relevante de los 90​

Películas de maﬁa y policía (yakuza)​

Surgió en los 70s actuando en Two Beat.​

Debut con Violent Cop en (1989)​

“El segundo Akira Kurosawa”​

Takeshi Kitano - el auge de los  90​

Boiling Point (1990)​

Sonatine (1993)​

Kids Return (1996)​

Brother (2000)​

Más de los 90s​

Ringu (1998) de Hideo  Nakata​

La princesa Mononoke  (1997) de Hayao Miyazaki​

Mi vecino Totoro (1988) de  Hayao Miyazaki

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Cine de pequeños momentos cotidianos​

El cine como un pedazo en la vida de alguien​

Dramas íntimos, domésticos​

Comparaciones con Ozu​

Comparaciones con autores como Murakami y Banana  Yoshimoto​

Películas:

Maborosi (1995)​

Afterlife (1998)​

I Wish (2001)​

Nobody Knows (2004)​

Still Walking (2008)​

After the Storm (2016)​

Shoplifters (2018) - Palma de Oro en Cannes​

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Tazuko Sakane 1904 - 1975 ​

El primer trabajo que tuvo fue de Script Girl.​

Trabajo para Mizoguchi como:​

Asistente de director​

Editora​

Editora de continuidad​

Editora de libreto​

Directora de arte​

A los 32 años hizo su primera película como directora: New Clothing (1936).​

También fue la primera directora en documentales grabando la invasión de Japón en Manchuria haciendo  propaganda a esa área.​

Fue excluida de su profesión de directora y tuvo que empezar desde cero como asistente a la edad de 42 años.​

Después de ella no hubo más películas hechas por mujeres.​

Kinuyo Tanaka 1909 - 1977

También se le conoce por su trabajo como actriz teniendo más de 250  películas.​

Fue actriz en varias películas de Kenji Mizoguchi and Yasujirō Ozu.​

Desafortunadamente en 1950 muchos movimientos sacaron a las  mujeres de papeles importantes en la industria cinematográﬁca  japonesa.​

Su primera película fue Love Letter (1953).​

Festival Cannes 1954​

Como directora mostró un lado individualista y feminista, como es el caso  de:​

The Moon has risen que toca temas feministas.​

Naomi Kawase 1969 - ​

Se gradua en 1989 de la escuela de fotografía en Osaka​

Comenzó su carrera haciendo documentales y ﬁlmes experimentales.​

Interés en lo autobiográﬁco​

Sus primeras películas se centraron en su infancia e historia familiar.​

Embracing (1992), una autobiografía de su vida turbulenta.​

Sus películas son poéticas y plantean preguntas sobre la naturaleza, la familia y la  existencia humana​

Ganó varios premios en festivales de cine.​

En 2007 termina The mourning forest, aunque la trama ya no es de su vida, toma pedazos de  esta.​

Su estilo, deﬁnido por ella es “darle ﬁcción a la no ﬁcción” en la sociedad japonesa, dejando una  huella de estilo cinematográﬁco audaz y reﬂexivo.​

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Ya había visto las películas de la presentación, entonces decidí volver a ver In the Mood for Love. Esta es una película que cuenta su historia no a través de los diálogos directamente sino a través de los encuadres y de las sutilezas de las acciones de los personajes. Deja que el espectador construya lo que está pasando. Me parece muy interesante cómo los encuadres son todos a través de marcos de puertas, ventanas, espejos, paredes. Los personajes siempre están encerrados por su deseo mutuo y por los chismes de los vecinos. Construyeron una trampa en la que quieren estar juntos pero no pueden porque eso significaría convertirse en el origen de su dolor: sus cónyuges. Todo esto lo expresa a través de la fotografía con colores intensos, los vestuarios con diseños únicos, los ya mencionados encuadres y el score de violines.

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Lo que más me llamó la atención de Maya Darpan es la utilización de los inserts para explorar los sentimientos de los personajes. En vez de que nos enseñen con un close up al rostro de los actores la manera en la que se sienten, el director enseña el movimiento de sus brazos, o de sus pies para enseñar el estado de ánimo de los personajes. También por momentos me recordó a Jeanne Dielman por la manera en la que se movía el personaje principal a través de los espacios y cómo se abordaba a través del montaje. El final también me pareció interesante con el baile resuelto a través de movimientos de cámara verticales.

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Fuertes restricciones a las importaciones (incluyendo el cine)​

Poca presencia de Hollywood​

En total, se producen unas 800 películas al año en distintas ciudades, como Madrás, Bangalore, Calcuta e Hyderabad. ​

Mercado controlado por distribuidores, exhibidores y estrellas​

Cine como lavado de dinero ​

9na industria del país

Bollywood = Hollywood + Bombay (ahora conocido como Mumbai), centro del mundo del cine indio​

​
Películas de Bollywood: Producidas por la industria cinematográfica de Mumbai, principalmente en el idioma hindi, que contienen números de canciones y bailes como parte integral de la trama.  ​

​

Bollywood no abarca todo el cine indio, contribuyendo solo con alrededor del 20% de la producción cinematográfica total de la India. ​

​

No es un género de cine, sino que es una industria cinematográfica en la que hay muchos géneros.

Indywood es otro término que también se utiliza para llamar a toda la industria en su conjunto​

​

​

Indywood pretende unir el fragmentado cine regional indio bajo un mismo término paraguas​
​

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Elementos clave para su éxito: controles gubernamentales sobre las importaciones, el producto local gobernó el mercado; Hollywood tenía poco punto de apoyo.​

​
El cine es su principal forma de cultura popular en la India 3 características sociopolíticas principales:​

​
- El hindi como lengua nacional oficial apelando a una cultura compartida a pesar de las diferencias sociales dentro del condado→ nacionalismo​
- no hablar con un solo grupo religioso, idioma, área geográfica o casta​
Las estrellas, más que las tramas, fueron a menudo la fuerza impulsora detrás de las películas.​
- La música y la danza como estrategia para unificar el país, sin tener en cuenta los problemas sociales dentro del país.​

​
1930-1940: Nacionalismo y colonia británica.​
1947: País alegre independiente​

El mercado internacional de películas indias se expandió durante la década de 1970, atrayendo al público en Rusia, el Golfo Pérsico e Indonesia. Dentro del país, las estrellas de cine se convirtieron en representantes parlamentarios e incluso en jefes de estado.

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PUNDALIK (1912), de N. G. Chitre y R. G. Torney, de Bombay, primer película india. La vida de un hombre santo de Maharashtra​

RAJA HARISCHANDRA (1913), de Dhandiraj Govindraj Phalke, fundadora de la industria (el padre del cine indio)​

Phalke, fundó el primer estudio y formó a varios jóvenes cineastas ​

Durante la Era Silenciosa (1896 - 1930) se rodaron en la India más de mil películas; sin embargo, sólo sobreviven diez de ellas, ahora restauradas y conservadas en los archivos de Pune​

"Indians must see Indian movies on the Indian Silver screen’​

Phalke​

Las películas de la Era silente nunca se veían en silencio. Varias películas  acompañaban de piano, violín, armonio, tablas y otros instrumentos.​

La primera película hablada (1931) fue «Alam Ara» (La luz del mundo), de Ardeshir Irani​

El indostaní fue elegido entre las catorce lenguas oficiales para ser la lingua franca del cine indio .​

Las canciones de esta película se convirtieron inmediatamente en un éxito​

A partir de entonces, las canciones y los bailes se convirtieron en parte integrante del cine popular indio, un género que evolucionó a partir del teatro parsi urdu​

La creación de los grandes estudios de Madrás, Calcuta, Lahore, Bombay y Pune en la década de 1930 fue un paso crucial en el desarrollo de una industria cinematográfica india. ​

La producción cinematográfica y desempeñó un papel esencial en la promoción de la integración nacional.​

Los estudios experimentaron con diferentes historias y temas, desarrollando cada uno su propio estilo cinematográfico.​

Después de la guerra el sistema de estudios de cayó creando una nueva generación de cineastas freelance​

​El cine de oro:

1950s: Los cineastas crearon obras de autor bajo la visión de Mahatma Gandhi de una nación nuevamente independiente​

Muchos poetas y escritores urdu colaboraron con los cineastas con la esperanza de crear un cine que tuviera relevancia social.​

1950 y principios de los 60 fueron líricos y poderosos y trataron temas como la explotación de los pobres por los ricos terratenientes (DO BIGHA ZAMEEN, 1953), la importancia del sacrificio y el honor (MOTHER INDIA), la supervivencia en la gran ciudad (BOOT POLISH, 1954), el papel cambiante de la mujer (Mr. and Mrs.55, 1955), la moralidad urbana frente a la rural (SHREE 420, 1955), la naturaleza frente a la crianza (NUTRITION, 1955), la pobreza (MOTHER INDIA, 1954), la explotación de los pobres por los ricos terratenientes (DO BIGHA ZAMEEN, 1953). ​

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El cine paralelo, también conocido como Nuevo Cine Indio, fue un movimiento cinematográfico en la India que comenzó en los 60s como una alternativa al cine comercial indio.​

​
El cine paralelo, inspirado en el neorrealismo italiano y el cine checo, estuvo a la vanguardia de la tendencia,.​

​
Se destaca por su tono serio, el realismo y el naturalismo, los aspectos simbólicos con una mirada cercana al contexto sociopolítico de la época y el rechazo de las rutinas convencionales de baile y canción que se encuentran en las películas indias convencionales.​
​

En el contexto indio, los términos se utilizan de forma bastante imprecisa para describir el estilo deliberadamente realista y no comercial de hacer cine, que a veces experimenta con la forma y el contenido. ​

​

Tiene sus raíces en el teatro IPTA, la novela realista y el cine europeo (especialmente el ruso, el francés y el italiano). ​

Cine de bajo presupuesto​

​

Cine de arte, búsqueda de calidad​

​

Cone politico, social​

​

Narrativas modernistas (brechtianismo, romper la 4ta pared, reflexividad)​

​

Producido por la Film Finance Corporation (gobierno) sobre todo con base en préstamos​

​

Mrinal Sen, figura central (Bhuvan Shome, 1969)​

​

Falta de distribución y exhibición, censura ​

​

Llegó a su fin hacia 1975: “ejercicios de autoindulgencia”​
​

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80s National Film Development Corporation​

Sucesora de la FFC​

​Monopolio de importación y equipo​

Concursos de guinoismo​

​Promoción internacional del cine ​

​Cofinanciamiento​

​200 pelìculas al año (aprox)​

​Egresados del Pune Film Institute​

​Películas para televisión​

La segunda nueva ola

Un renacimiento del espíritu de la nueva ola , con ayuda de: ​

​NFDC​

​Doordarshan (TV)​

​empresas de televisión extranjeras ​

​como el canal cuatro de Gran Bretaña​

​financiadores privados. ​

90s: Coproducciones y directores  internacionales​

Producciòn masiva sostenida (800 al año)​

​Auge de pelìculas habladas en otros idiomas (regionales)​

​Apertura a nuevos mercados​

​Mira Nair como figura central​

​Kapur “En la India no hay salvaciòn fuera del cine commercial”​

​Mani Rathnam – Tamil cinema – Bombay, 1994​

​Sensacionalismo político​

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En el siglo 21 el cine indio finalmente encontró equilibrio entre los géneros de cine comercial popular y de calidad. ​

​

Se produjeron varias películas nuevas que sacaron a la luz el hecho de que el cine indio podría ser significativo y, sin embargo, tener éxito comercial. ​

​
La década de 2000 vio un crecimiento en la popularidad del cine indio en todo el mundo. Después de mucho tiempo, las películas indias convencionales parecían haber captado la atención de los mercados internacionales. ​

​

Los nuevos canales de distribución han hecho possible la distribución comercial de películas indias en el extranjero, que tiene demanda en más de 90 países fuera del suyo. Plataformas de streaming: Netflix Visita india digital media​
​

3000 películas producidas en 2009​

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Música ecléctica utilizada: Desde el principio, la música creada para las películas incorporó estilos de diversas tradiciones, tanto del norte de la India como de la música clásica carnática, clásica ligera, religiosa y folclórica, y por supuesto Hollywood; a medida que las películas se hicieron más conocidas internacionalmente, se utilizaron aún más influencias musicales internacionales.​

​Las canciones de las películas, llamadas de diversas maneras canción de cine, cinemusic y música de reproducción, se convirtieron en la música popular de la cultura, tanto que incluso hoy en día, el 80% de la música popular en la India sigue siendo una canción de cine.​

​Elaborados números de baile y un montón de canciones normalmente no cantadas por los actores. Una canción es un espacio para el deseo. Cosas que no estaban permitidas en el dominio público, [los cineastas] las ponían en una canción.

Estética colorida- Las películas de Bollywood son conocidas por sus trajes exagerados, maquillaje y colores de neón, especialmente las mujeres. Las mujeres en las películas de Bollywood están impecablemente vestidas con saris tradicionales, joyas pesadas y abundantes cantidades de maquillaje.​

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Se prevé que los ingresos del mercado del cine alcancen los 4.630 millones de dólares en 2024. ​

Se espera que los ingresos muestren una tasa de crecimiento anual (CAGR 2024-2029) del 5,50%, lo que se traducirá en un volumen de mercado previsto de 6.050 millones de dólares en 2029. ​

En el mercado del cine, se espera que el número de espectadores ascienda a 653,2 millones de usuarios en 2029. ​

La penetración de usuarios será del 38,7% en 2024 y se espera que alcance el 43,5% en 2029. ​

Los ingresos medios por espectador ascenderán a 8,31 dólares. ​

En comparación global, la mayor parte de los ingresos se generarán en Estados Unidos (20.980,00 millones de dólares en 2024). ​

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Etapas del desarrollo técnico/tecnológico de un arte​

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Etapas del desarrollo técnico/tecnológico de un arte​

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Invención (lenguaje, postulados, técnicas básicas)​

Apogeo (perfección estilística y temática)​

Deconstrucción (forzar los límites artísticos, técnicos e introducir otras formas de expresión y medios)​

​

# data[].attributes.body
Septiembre 31, 1983 - La invención del control remoto

El/la espectador/a reclama la posibilidad de:​

Reproducir​

Detener​

Pausar​

Adelantar​

Regresar​

La duración​

El ritmo​

La estructura​

Las 4 tiranías del cine:

1. El texto

Como eje central del relato​

Un cine que se crea desde la palabra, no desde la imagen

2. El marco de la pantalla

Como extensión de la pintura​

Un cine que se concibe desde la televisión

3. Los/as actores/actrices​

Como culto a la personalidad y eje de la producción​

Explotar el verdadero potencial de los actores y actrices

4. La cámara

Como instrumento principal de representación cinematográfica​

Dejar de pensar al cine como imitación

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Otras formas de representación AV (animación digital, nuevos dispositivos, video juegos, sensores infrarrojos…)​

Partir de la imagen, no de la palabra​

Romper la dependencia del cine con la literatura​

Formatos verticales, multiplicidad de pantallas, narrativas participativas​

Cine sin actores/actrices​

Crear lo que se piensa, no lo que se ve

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MEDIOS QUE TRANSFORMAN​

el proceso comunicativo tradicional.​

​

ORGANIZACIÓN DE INFORMACIÓN​

textual, gráfica y sonora a través de vínculos que​

asocian la información relacionada, que no  necesariamente proviene del mismo origen.​

​

NO-LINEALIDAD​

en visualización de múltiples secuencias de audio y​

video.​

SE CENTRA EN MODELOS DE INTERACTIVIDAD​

para vincular, fragmentar, combinar y visualizar la  información.

Características​:

FRAGMENTACIÓN​

de cuerpos de información.​

VINCULACIÓN​

entre fragmentos y documentos.​

FINALIZACIÓN​

del documento hasta cierto punto y abierto a  crecimiento.​

LOS MEDIOS SE CONVIERTEN​

en proyectos atemporales y en un conjunto de  procesos con los que se puede interactuar.​​

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Nació a principios del milenio

Comunicación hipermedia por medio de imágenes.​

Realización de secuencias de video hipervínculadas.​

Los videos superan la concepción lineal tradicional,  adoptan el papel de índice de información  organizada a través de un programa.​

Es un medio que crea diferentes experiencias  con la computadora manteniendo la tradición  cinematográfica.​

Imágenes captadas y manipuladas  en computadora.​

1. Se pueden proyectar tanto en pantalla  grande como en computadora.​

2. Las imágenes son trabajadas durante  la filmación y/o edición.​

3. Se presentan en un formato  cinematográfico tradicional.​

Experiencias con imágenes y sonidos  trabajadas en computadora que al  proyectarse extienden la posibilidad de  interactividad.​

1. Red de posibilidades de montaje de  distintas tramas.​

2. Innumerables secuencias  interconectadas.​

Reacomodar fragmentos de una o varias  obras a través del montaje para crear  una nueva narrativa​

​

1. Repensar las películas ya realizadas.​

2. Propone una mirada diferente de una  película.​

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Se formulan distintos caminos dentro de un filme para crear nuevas experiencias  e interpretaciones.

Niveles de  interacción​

Permiten modificar el orden y  estructura de la narración, así como  el contenido o mensaje del texto.​

1. El usuario no es parte de la narración y sus  acciones solo exploran, no afectan a la historia.​

2. El usuario sigue fuera de la narración pero  dirige el orden en el que se presenta el contenido.​

3. El usuario es el protagonista y tiene posibilidad  de explorar diferentes acciones dentro de  situaciones predefinidas.

4. El usuario crea la historia en tiempo real y  existe totalmente dentro de la narración.

Problemáticas posibles

1. La interactividad  crea contenido  sobrante​ -> costos elevados

2. El sistema de  navegación no debe  ser ni muy complejo ni  muy simple.​

3. Entre más compleja sea  la trama, menos control  tiene el director de hacer  una historia bien  construida.

4. Los usuarios deben  estar activos para  poder tomar  decisiones y  progresar.​

​