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Monte Fuji
Gonzalo Ariza
1963
Acuarela sobre papel

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Colombia
Antonio Caro
S.XX - XXI
Acrílico sobre metal

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Azout
1995

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Fetish
Édgar Negret
1959
Aluminio y madera

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Construcción con animal
Francisco Matto
1967
Óleo sobre madera

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2 caracoles
Metal pintado
1980
Colección privada

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Viva la vida
Frida Kahlo
1954
Museo Frida Kahlo, Ciudad de México- México.
w720 x h520 mm

Para comenzar, esta obra fue la última pintura que Kahlo realizó antes de su muerte. Esta obra tiene un mensaje significativo a partir de las formas que se representan allí y los colores que contrastan dentro del circulo cromático. Las sandias como fruta tropical, representación de vitalidad, energía, dulce y nutritiva que aluden a esa noción de gozo y deleite en la vida, no solo por el mensaje que la artista dejó, sino porque el hecho de consumir una fruta tan exquisita es motivo para entender que la vida se debe disfrutar de la mejor manera. Desde la forma, se puede entender la variedad de figuras geométricas que componen las frutas y los cortes de cada una de ellas. Desde el color podemos entender ese rojo saturado de la sandia de la parte inferior izquierda y el verde concentrado en la sandia que está en todo el centro de la obra. Rojo entendido también como representación de la sangre, de vida y el verde como símbolo de esperanza, tranquilidad, armonía, naturaleza. La luz, se da gracias aquel azul y blanco que está en la parte superior de la obra ubicándose al fondo o detrás de la sandias.  Finalmente, la variedad de figuras en la  forma de las sandias, se entiende como aquella pluralidad en la vida, divergencia en las cosas, las personas, etc, simplemente como mensaje de disfrutar lo diferente, lo particular y habitar de la mejor manera como forma singular de existir.

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Nevado del Tolima
Giovanni Ferroni
1895
20.4 x 15.2 cm
Pintura al óleo sobre tela

Este cuadro pequeño ilustra un magnifico lugar de la región andina de Colombia, donde Ferroni captura la sensación atmosférica de las nubes que rondan el nevado. De primer plano podemos observar un pastizal en una montaña que da impresión de estar inclinada, allí observamos una variedad de arboles ubicados en la mitad de la pintura y al lado derecho del árbol central se encuentran un niño y un hombre en un caballo. Pasando a la paleta de colores que utiliza el artista, podemos observar una saturación de azul de diferentes tonos y el verde en la misma situación. El artista juega con diferentes tonos de verdes, más saturados para los arboles y darles una apariencia frondosa, menos saturado para el pasto que está en primer plano; un azul más oscuro para la montaña que se encuentra en la parte izquierda y al fondo combina el blanco con el gris para producir una sensación de movimiento en aquellas nubes que parecen transitar por el frente del nevado tolimense. También, vemos que aplica algunas delineadas inorgánicas en las ramas de los arboles , las rocas del pasto y troncos. Finalmente, la formas de este paisaje están hechas por aquellas pinceladas muy precisas al momento de poner las ramas de los arboles, la delimitación entre montaña y nube, suelo y arboles.

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Violencia
Alejandro Obregón
1962
155 x 188 cm
Museo Miguel Urrutia

Esta obra de gran tamaño fue hecha de manera horizontal y representa lo que parece ser una mujer acostada boca arriba con cicatrices y heridas en su rostros, torso y cadera. Obregón en esta obra se mueve entre el claroscuro para jugar con la luz de la pintura, provocando esa sensación de una escena cruel, tenebrosa y abrumadora. Además de contrastar la parte inferior de la obra y de la mitad para arriba con más claridad. En toda la mitad de la obra se aprecia el contorno que forma el cuerpo de la fémina, dándole volumen a sus pechos y vientre. Ahora, concentrándonos un poco más en lo que está sucediendo allí, podemos observar que esta tenebrosa escena se enfoca en las heridas de la mujer que pareciera estar muerta debido a la expresión facial que posee y por aquellas pintas de rojo y/o café que utiliza para decorar las heridas en su cuerpo. El título es una palabra que engloba todo lo atroz que le pudo haber pasado a ese cuerpo trajinado y desvaneciéndose hacia la oscuridad de forma descendente.

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Título original: Les raboteurs de parquet
Autor:  Gustave Caillebotte
1875

Museo:  Museo d'Orsay, París- Francia.
Tamaño: (102 × 146 cm.)
Técnica: Óleo sobre lienzo

El artista logra transmitir esta noción de realismo a través de esta representación con una labor cotidiana de lo que parece ser tres hombres tallando el suelo de madera den una casa, lo que permite analizar que son carpinteros seguramente gracias a sus herramientas. Aquí, el artista es muy ingenioso por jugar con esa línea explicita en todo el cuadro y al mismo tiempo que los hombres realizan su labor le da profundidad a la pintura. Hablando del espacio, y a juzgar por el lugar donde se encuentran estos hombres, es posible deducir que es una casa, en especial un piso elevado por el fondo de la pintura; debido a los acabados de las paredes y la ventana, se podría indicar que estos hombres representan al proletariado del común trabajando para alguna persona de elevados recursos económicos que les paga por un piso elaborado. Pasando a la luz, evidentemente se observa el juego que hace el artista con el claroscuro dejando el foco de luz que proviene de la ventana y provocando la sombra de los hombres arrodillados, que a su vez, hace alusión a que está de día y que toda la luz entra por la ventana que se encuentra en la parte superior izquierda de la obra.

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Aerolito
Metal oxidado
1992
Colección privada

En este caso podemos apreciar una escultura de metal, de unos 40 a 50 cm aproximadamente. Posee una forma de rombo, en su interior posee otros nueve rombos más pequeños y está puesta sobre una base que también es un rombo. A pesar de que no se sabe mucho de su procedencia ni de su esencia, en la exposición de la vida entre cajas y papeles, Villamizar motivado por la geometría y su obsesión por los caracoles seguramente quiso representar una abstracción con esta figura geométrica de cuatro puntas. A juzgar por la posición y la forma oval como significado del principio de algo y o con dirección ascendente.

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Paul Gabriël
1889
Óleo sobre lienzo
102 x 66 cm
Rijksmuseum, Amsterdam.

Inicialmente, esta obra representa el típico molino de un paisaje holandés y el titulo ya nos da un indicio de lo que está sucediendo en este lugar. De primera instancia, en el primer plano podemos observar el esplendido reflejo del molino y el cielo en el agua del lago. Este artista es tan detallista que se preocupa por plasmar la sensación atmosférica en el reflejo del agua, es decir la forma de las nubes parece que se están desplazando y a la vez desvaneciendo, lo que nos lleva a interesarnos por el juego de colores que hace entre ese azul claro y el blanco, creando una sensación de luz. Siguiendo con esta idea, el artista juega contrastando el azul del cielo con ese verde del pasto un poco saturado y el negro, gris para el molino y la casa. Continuando con las formas, se producen con líneas explícitas y en el contorno de las construcciones y en especial la distribución del espacio, ya que, es allí donde provoca esa sensación de profundidad en el campo y se delimita cuando se encuentra con el cielo específicamente a la mitad del cuadro. Finalmente, detallando a profundidad la textura de la obra, es posible visualizar la técnica similar al estilo gouache para provocar el efecto de las nubes y el reflejo del agua.

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Para iniciar, considero que esta visita me gustó mucho, no solo por la protagonista, ni el lugar, sino, la historia que hay detrás de todas estás obras y el museo en si. Creo que esta artista logró llamar mi atención desde que empecé a encontrar el sentido de sus vestidos, de sus obras y del coraje que tuvo hasta el último día de vida. Ya que todas sus creaciones y ella misma son y seguirán siendo símbolos de identidad, revolución, género y un gran legado feminista; seguirá viviendo en nuestra memoria y será un motivo más para seguir luchando por nuestra vida, nuestros sueños, deseos profundos sin importar que tan turbio sea el camino y lo difíciles que sean los obstáculos para llegar a la meta.

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Palmeras. 1967. Ricardo Gómez Campuzano. Óleo sobre madera.

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Me gustó este espacio por la manera orgánica en la que las obras están distribuidas y las temáticas en las que encuadraron las obras. Creo que fue un recorrido interesante, obras realmente increíbles y más aún que una entidad financiera haya abierto un espacio cultural al público. Este pequeño detalle es de donde parte esa inquietud por el arte, esa atención por la creación y apreciación del ingenio artístico. De todas las obras en el museo y los objetos antiguos que conservan allí; me sentí muy atraído en especial por los paisajes. Creo que artista como Campuzano o Ariza logran plasmar ese efecto atmosférico que le transmite al espectador una sensación de naturaleza pura y viva.

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El MAMU a diferencia de los otros museos, me llamó la atención por el tipo de obras que están expuestas. Además, tiene algunas esculturas en el primer piso con criticas interesantes sobre el consumismo, la identidad, la violencia, la temporalidad, etc. Este espacio como patrimonio cultural que ha venido transformando las vivencias de las personas a través de las representaciones artísticas, también me causó esa misma impresión gracias a estos grandes artistas y sus obras. Creo que más allá de su elaboración, el sentido o la esencia de las pinturas tienen esa huella del autor como; Negret, Wiedemann y hasta el mismo Botero, que transmiten un montón de sentimientos, mensajes y sensaciones que llegan por medio de aquellas pinceladas delicadas, texturas y líneas implícitas capaces de crear una vida temporal nitofílica.

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Este museo me gustó mucho porque la historia que tuvo antes de llegar a su apariencia actual es algo interesante. Creo que aparte de su interesante diseño, la distribución de las obras de arte lo hace aún más llamativo. Cabe resaltar que los diferentes estilos de arte que se ven en el museo dejan percibir el tipo de academia y las diferentes escuelas que predominaban en Francia en el siglo XIX. Sin embargo, la experiencia de visitarlo virtualmente no es la misma que estar allá, hay partes en que el recorrido virtual no permite entrar a ciertos espacios y no es posible visualizar todas las obras y muchas de ellas llamativas. Creo que debería ser un poco más amplia la cobertura para que los usuarios puedan tener acceso a todo el material que tiene este grandioso lugar.

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Lo fascinante de esta exposición fue la abstracción de las representaciones que se encontraron allí. Después de un breve recorrido por sus logros académicos y la historia de este artista, logra capturar la atención de los espectadores con sus creaciones basadas en la geometría y su pasión por los caracoles. En la mayoría de sus obras la forma de espiral que tienen los caracoles y la configuración geométrica estaba presente; desde las pinturas, hasta las instalaciones y/o esculturas. Esto fue lo que más me llamó la atención de la sala, además, la forma en que Villamizar muestra sus creaciones es un incentivo a múltiples interpretaciones de la naturaleza de la materialidad. Es allí donde el ojo del observador y su conocimiento juega un papel importante para poder entender el mensaje que Villamizar quiere dejar.

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Sin duda alguna, es un lugar fascinante. Empezando con la arquitectura y el modelo de su diseño, hasta la corriente distribución de las obras que hay en su interior logrando un recorrido que atraviesa diferentes aspectos históricos, artesanías, y colecciones de otras culturas como; la asiática y/o egipcia.
Aunque, la museografía de este lugar es tradicional en sentido de que la distribución de las obras y la disposición de las mismas son de manera típica, logra captar la atención del usuario por la variedad y lo gigantesco que es. La experiencia de visitarlo virtualmente es diferente a lograr estar en el museo y poder ver las pinceladas de las obras, las texturas de los monumentos o las instalaciones y presenciar ese gran numero de representaciones artísticas.

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Sala de Arte Bancolombia, Bogotá - Septiembre 7

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Sala de Arte Bancolombia, Bogotá - Septiembre 7

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El lugar alberga una colección de 350 piezas de artistas como Fernando Botero, Alejandro Obregón, Eduardo Ramírez Villamizar, Ómar Rayo, Enrique Grau, Édgar Negret, Luis Caballero, Ignacio Gómez Jaramillo, Pedro Nel Gómez y Francisco Antonio Cano, entre otros maestros que se articulan a través de una innovadora puesta en escena que construye relaciones con el arte y la sociedad contemporáneas. En él, podrán encontrar una serie de materiales pertenecientes a la colección histórica de Bancolombia, que dan cuenta de las transformaciones de la organización desde su fundación en el siglo XIX.

Tomado de: https://www.larepublica.co/ocio/sala-de-arte-bancolombia-ubicada-en-el-atrio-estara-abierta-al-publico-desde-manana-3287318

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Museo Frida Kahlo, Ciudad de México - Septiembre 9

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Museo Frida Kahlo, Ciudad de México - Septiembre 9

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La Casa Azul es el universo íntimo de Frida Kahlo. Ella pasó aquí la mayor parte de su vida, primero con su familia y, años después, al lado de Diego Rivera. En este lugar se hospedaron interesantes personajes nacionales y extranjeros, atraídos por el magnetismo de ambos pintores.

Frida y Diego quisieron dejar su casa como museo para el disfrute de todos los mexicanos. A la muerte de la pintora, el amigo de la pareja, el museógrafo y poeta Carlos Pellicer, planeó la museografía. La administración se confió al Fideicomiso de los Museos Diego Rivera y Frida Kahlo, adscrito al Banco de México y constituido por el mismo Rivera en 1957.

Desde su inauguración en julio de 1958, en la Casa Azul y en sus jardines se exponen objetos personales y pinturas de ambos artistas, arte popular, esculturas precolombinas, fotografías, documentos, libros y muebles que formaron el ambiente en el que Frida se inspiró para crear.
Tomado de: https://artsandculture.google.com/partner/museo-frida-kahlohttps://artsandculture.google.com/partner/museo-frida-kahlo.

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Museo de Arte Miguel Urrutia, Bogotá - Septiembre 2

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Museo de Arte Miguel Urrutia, Bogotá - Septiembre 2

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La Colección de arte del Banco de la República, iniciada en el año 1957, es una de las colecciones más grandes del país. Tras más de 6 décadas de coleccionismo riguroso y constante, hoy cuenta con cerca de 6.000 obras de arte entre las que se encuentran obras de arte colombiano, latinoamericano e internacional. Esta colección ha crecido gracias al programa de adquisición anual y a las diferentes donaciones que recibe: La más destacada es la donación realizada por el maestro Fernando Botero.
Tomado de: https://www.banrepcultural.org/coleccion-de-arte/acerca-de.

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La historia del museo, de su edificio, es bastante inusual. En el centro de París, a orillas del Sena, frente a los Jardines de las Tullerías, el museo se instaló en la antigua estación de tren de Orsay, construida para la Exposición Universal de 1900. De modo que el edificio en sí podría verse como la primera "obra de arte " en el Musée d'Orsay, que exhibe colecciones de arte del período 1848 a 1914.
Tomado de: https://artsandculture.google.com/partner/musee-dorsay-paris.

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Sala Exposición Centro Cívico, Universidad de los Andes - Agosto 26

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Sala Exposición Centro Cívico, Universidad de los Andes - Agosto 26

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El archivo Ramírez Villamizar: la vida entre cajas y papeles.
En conmemoración del centenario de nacimiento del artista colombiano Eduardo Ramírez Villamizar (1922-2004), esta muestra reconstruye la trayectoria de uno de los artistas más reconocidos de la historia del arte moderno en Colombia. El archivo 'Eduardo Ramírez Villamizar: la vida entre cajas y papeles' ofrece una oportunidad única de conocer al artista a través de su minuciosa recolección y preservación de documentos.

Se muestra por primera vez una selección de material inédito del archivo personal del artista, conformado por 2098 documentos, en la que están incluidas fotografías de su obra, recortes de prensa, reseñas críticas, catálogos de exposiciones, cartas personales, reconocimientos y premios, contratos y comisiones, entre otros.  Asimismo, se exhibirán 85 obras de arte en diferentes formatos, como dibujos, esculturas y pinturas, provenientes de colecciones privadas y la Corporación Eduardo Ramírez Villamizar.
Tomado de: https://uniandes.edu.co/es/noticias/arte-y-fotografia/exposicion-archivo-ramirez-villamizar-la-vida-entre-cajas-y-papeles

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El Rijksmuseum es el museo de los Países Bajos. Sus obras maestras de fama mundial de la Edad de Oro holandesa incluyen Milkmaid de Vermeer y Night Watch de Rembrandt. El Rijksmuseum en sí también es una obra maestra. La colección se presenta en un impresionante edificio con un diseño interior increíble. En 80 galerías, 8000 objetos cuentan la historia de 800 años de arte e historia holandeses, desde la Edad Media hasta Mondrian. Cada año, más de 2,5 millones de visitantes viajan a través de los tiempos y experimentan una sensación de belleza y sentido del tiempo.
Tomado de: https://artsandculture.google.com/partner/rijksmuseum.