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le xviie siècle littérature - Bing video

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Synthèse d'histoire littéraire sur le XVIIe siècle : dates politiques à connaître, la prose d'idées, le roman, la poésie baroque et le théâtre.

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les mouvements au xviie siècle - Search Videos

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La littérature française du XVIIe siècle est lié aux problèmes politiques, intellectuelles et artistiques sont entre 1598 - la promulgation de l'Edit de Nantes, qui conclut Henri IV les guerres de religion du XVIe siècle - et 1715, lorsque la mort de Louis XIV, le Roi Soleil qui imposées monarchie absolue dans le royaume.
Un des faits qui ont conduit dans le domaine culturel est la forte consolidation du pouvoir royal qui est à la fin du XVIIe siècle, la Cour et le roi à Versailles, le maître du bon goût, même si la "ville" et la bourgeoisie a commencé à jouer un rôle dans les arts et la littérature avec une plus large diffusion des œuvres et le développement de la lecture.
Le XVIIe siècle a été une grande langue et littérature françaises, en particulier les oeuvres de théâtre classique avec les comédies de Molière et les tragédies de Corneille et de Racine.Mais si les classiques nécessaires dans la seconde moitié du siècle sous le règne de Louis XIV, les chefs-d'œuvre qu'il a produit ne doit pas occulter d'autres types de textes tels que les moralistes et les fabuleuses (La Fontaine) et le genre de roman qui a inventé au cours de cette période avec les romans précieux, histoires, bandes dessinées et des premiers romans psychologiques comme La Princesse de Clèves, ou de la poésie baroque de l'époque Louis XIII, restauré à l'honneur le passé Théophile Gautier grotesques.

Pour le XVIIIe siècle

A la fin du siècle, la littérature perd de son lustre. La querelle entre les Anciens et des Modernes engagée. Ces questions sont abordées à la fin du XVIIe siècle et début du XVIIIe siècle traitant de la notion de progrès dans les arts. Les aînés dont La Fontaine, Nicolas Boileau, La Bruyère, prétendent que tout est découvert, tout est inventé, donc il n'ya pas de progrès dans Modernes art.The de leur côté et surtout Charles Perrault (1628-1703), auteur des Contes de la Mère Oie (1697), affirment que beaucoup reste encore à identifier et à améliorer.
Aussi prudemment, mais fermement, une littérature d'idées apparaît avec Bernard de Fontenelle et Bayle qui préfigurent les philosophes des Lumières et de sa propriété intellectuelle en question.(Voir la littérature française du XVIIIe siècle).

Pour la France, l'histoire du XVIIe siècle comme une unité peut être définie par deux dates: 1598 et l'Edit de Nantes, qui conclut Henri IV les guerres de religion du XVIe siècle et 1715, la date de la mort de Louis XIV, qui a imposé au cours de sa longue règne de la monarchie absolue dans le royaume où il a augmenté de nombreuses conquêtes. Entre ces deux dates le pouvoir royal est renforcé par le travail de Louis XIII et Richelieu soutenu par la régence d'Anne d'Autriche par Mazarin.
Le pouvoir royal est impliqué dans les arts à travers son soutien aux artistes et à établir ce qu'on appelle le "classicisme français" et la création de l'Académie française, qui établit une norme pour le vocabulaire, de syntaxe ou poétiques, comme indiqué en 1637 la querelle du Cid . Cette préoccupation pour la codification de la langue accueille également des expositions et des cercles littéraires: par exemple, la Grammaire de Port-Royal, développé par les Solitaires de Port-Royal des Champs DES, qui établit pour la première fois les règles de grammaire et est à la base, jusqu'à aujourd'hui, dans la grammaire française.Si le XVIe siècle avait servi à enrichir la langue française pour en faire rivaliser avec les autres langues anciennes et si les auteurs se féliciterait de toute invention, le XVIIe siècle est responsable de la propreté et à établir des règles comme avec Vaugelas et que à la fin de du XVIIe siècle que le premier dictionnaire de la langue française avec Richelet (en 1680), Furetière (à titre posthume en 1690) et plus tard l'Académie française (1698).
Dans le même temps, les changements idéal social avec le type d'idées honnêtes, instruits, sociable et ouvert, et le monde continue d'évoluer sur le cartésianisme que les changements des processus intellectuels en donnant une place prépondérante à la Raison (Cogito ergo sum) qui aura une incidence sur l'idéal classique par son souci de l'ordre et la discipline. La philosophie de René Descartes (1596-1650), en érigeant le doute comme principe de son système métaphysique, mènera à la fin du siècle, sur le principe des Lumières avec le défi des innovateurs tels que Bayle et Fontenelle ainsi s'affirmer en Europe, les approches scientifiques avec Kepler, Harvey, Newton et Blaise Pascal.Libertinisme intellectuelle, bien que fortement contestée par l'Eglise, ne pèse que peu à peu les esprits dans le sillage de Pierre Gassendi (1592-1655), le matérialisme sensualiste, qui ouvre les lacunes encore timide à l'athéisme.
En effet les considérations et les pratiques religieuses aussi marquer le siècle avec une forte de révocation de l'Edit de Nantes par Louis XIV en 1685, qui s'est terminée la tolérance vis-à-vis des protestants, et le poids des jésuites et jansénistes. En effet, les jésuites, en plus de leur influence politique, critiquée par les tenants du gallicanisme, de contribuer à la formation de la pensée du siècle et le développement du style classique. Écoles jésuites fournir deux éléments essentiels dans la formation du classicisme: le goût pour les anciens combattants humaniste reconnu comme un modèle de beauté et de sagesse, et la psychologie, qui cherche à connaître l'homme, pour parler de lui, la mesure de la force de sa passion et sa volonté . Jansénisme, à son tour exerce une influence indirecte plutôt que par leurs idéaux et de l'austérité morale liée à une théologie de la prédestination.
Tous ces facteurs pèsent dans le domaine de l'esthétique et de l'importance relative des deux courants qui dominent le siècle:Tout d'abord, le mouvement baroque, plus long et le panoramique et le classicisme, spécifiquement française et plus courtes, liées au 'Siècle de Louis XIV". Si l'esthétique baroque de l'incertitude, le flou et surabondance, le classique est faite de modération, l'ordre et ambitions morales: c'est ce courant qui prévalent en France dans la seconde moitié du siècle, avec l'intervention du monarque absolu, centralisateur qui encouragera la fondation de nombreuses académies de garantir les principes et la pratique de la pensée et l'art acceptée (l'Académie française en 1635, l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture en 1665, l'Académie des Sciences en 1666). La Cour et le roi à Versailles, sont à la fin du XVIIe siècle en France, le maître du bon goût, même si la "ville" et la bourgeoisie a commencé à jouer un rôle dans les arts et la littérature avec une plus large diffusion des œuvres et développement de la lecture.
Pour un panorama littéraire du siècle dernier nous nous référons à la littérature française du XVIe siècle.

La codification de la langue

En ce qui concerne les salons et les cercles littéraires, le mouvement commence très tôt pour codifier la langue. Le XVIe siècle a servi à enrichir la langue française pour la rendre rivale d'autres langues anciennes.Les auteurs se féliciterait de toute invention. Le XVIIe siècle est responsable de la rendre plus précieuse pour le purifier. Il est plus exigeant et fait la différence entre l'exercice de la pensée et la pratique littéraire et l'écriture pour les non-esthétique. L'Académie française propose de codifier le vocabulaire, la syntaxe, poétique.
Bien que la culture en subir les conséquences du centralisme politique, à la fin de la période commence à sentir le défi à l'imitation des anciens et en même temps apparaissent un désir de modernité et un désir qui tient davantage compte de l'historique.

La variété de la littérature française du XVIIe siècle

Les deux courants qui dominent le baroque et le classicisme siècle, mais ces concepts seront systématisées que beaucoup plus tard et il ya un débat esthétique et l'opposition, il ya souvent la cohabitation des deux approches dans un ouvrage ou un auteur. Des indications supplémentaires, la plupart mineures, sont également identifiables, qui interdit une approche trop simpliste ou simplifiée créations littéraire s de l'époque.

C'est un mouvement qui a dominé l'Europe au XVIIe siècle.Très agressive en France, elle se développe principalement sous l'influence de l'Italie et est souvent la tendance principale de la 1598 années à 1630. Le baroque est né en réaction contre le protestant austère. Il est attaché à une conception d'un monde instable, un monde en constante transformation. Ce courant est impatient de gratuit et ouvert à la complexité de la vie. En littérature, il a une multitude de tendances contradictoires mais peut se concentrer sur quelques principes communs: l'amour de la sensualité, des extrêmes, l'ornementation, la langue effects.The genres préférés de poésie sont baroque avec Théophile de Viau, Pierre de Saint-Amant et Marbeuf, et le théâtre, influencé par des auteurs espagnols (par exemple l'Illusion comique de Corneille).
Pendant la période de transition allant de 1630 à 1660, baroque, bien que peu à peu supplanté par le classique déjà, continue à jouer son rôle. Il est présent dans le libertin actuelle burlesques précieuses, actuels et à jour. Toutefois, ces trois courants ne sont pas confondre avec le baroque, mais chacun développe d'une manière spéciale, un de ses aspects.

Le précieux actuelle

Le Mouvement Européen est une des lettres précieuses qui atteint son apogée en France dans les années 1650-1660.Il s'agit d'une affirmation commune de l'esthétique aristocratique marqué par un désir de se démarquer de l'ordinaire. Ce désir d'élégance et de raffinement se manifeste dans le domaine du comportement, les manières, le goût aussi bien que dans celle de la tendance language.This est également associée à une demande consciente féministe de reconnaître la femme dans le monde des intellectuels et des artistes, mais aussi une nouvelle fonction sociale.
Les fleurs précieuse compagnie dans les salons, les plus célèbres sont ceux de la marquise de Rambouillet et de Madeleine de Scuderi. D'abord aristocratiques, après l'échec de la Fronde (histoire), ces spectacles sont progressivement aux écrivains bourgeois. Le désir d'élégance dans la conversation, la recherche de la pureté du vocabulaire du jargon interdiction, les archaïsmes, la langue vernaculaire et l'invention de nouveaux termes ou en remplaçant les noms d'objets périphrase jugé trop faible ou juste plomb ordinaire à l'abus que Molière se moque dans le ridicule rares.
La littérature est l'un des sujets de prédilection les salons et les transposer les auteurs dans leur saga qui univers raffiné prétend aussi une place centrale pour l'amour idéalisé.
Soigneusement, on peut identifier un développement du roman liés à cette esthétique particulière avec le premier, au début du siècle, le roman pastoral et sentimental d'Honoré d'Urfé, L'Astrée, en 1607, et dont l'héroïque romans traits communs sont la peinture manières aristocratiques , les aventures de nombreux personnages et l'étude en particulier dans la relation. Les principaux auteurs de Gomberville Marin Le Roy (1600? -1674) Avec Carithée (1621) ou de Polexandre (5 volumes, 1632-1637), et Gautier de Costes de La Calprenède (1614-1663), avec Cassandra (1642-1645) en 10 volumes, Cléopâtre, la belle égyptienne (1646-1658), 12 volumes, ou Faramond ou l'histoire de France consacré à Roy (1661-1670, 7 volumes - incomplet).
Nous mettons de côté, sous le label de près romans précieux en raison de la place des femmes et l'étude de l'amour, les romans de Madeleine et Georges de Scudéry, en particulier des volumes due à Madeleine de Scuderi.We incluent Ibrahim ou l'Illustre Bassa (1641-1642 ) et surtout Artamène ou le Grand Cyrus (1649-1653), 10 volumes, et plus avec sa fameuse Clélie Le Tendre carte (dix volumes entre 1654 et 1660 dont la première ont été signés par Georges de Scuderi).
Les excès du roman "héroïque et précieuse" lui dans des phrases comme Lenoble, qui rejette 'le long roman plein de mots et d'aventures fabuleuses, et les choses qui doivent rester vides dans l'esprit du lecteur et faire de fruit' (). A travaillé en faisant réagir le roman psychologique 'classiques' comme La Princesse de Clèves Mme de Lafayette, mais aussi des formes telles que la parodie et romans comiques et Francion Scarron.

Le Libertinage

Ce courant idéologique de la philosophie matérialiste de Gassendi. Les libertins (libres penseurs) se détachent de la religion officielle, le christianisme, se moquer de pratiques religieuses, de démontrer leur indépendance de pensée et tendent à donner l'existence humaine un sens uniquement les land.This assure la transition entre l'humanisme de la Renaissance et la philosophie du siècle prochain , le siècle des Lumières. Cyrano de Bergerac, disciple de Pierre Gassendi, est le représentant le plus éminent de la pensée libertine. Le personnage de Juan de Molière jouent Dom, est emblématique de cette attitude.

Une bande dessinée et satirique

La satire registre qui caractérise certains œuvres narratives familières du XVIIe siècle a hérité d'un esprit de "gaulois" dans cette nouvelle (ou "histoires") du siècle précédent (comme ceux de la plus jolie de Marguerite de Navarre) qui cherchent à être ancrée en réalité, à créer à la fois rire et remis en question. Influencé par le roman picaresque espagnol, ce courant n'est pas aristocratique, produit par la réaction contre les excès de romans idéalistes et sentimentales heroic-précieuses satiristes se moquer avec les types de parodies comiques.
C'est surtout dans le genre du roman ignore encore que ce courant va être réaliste et productif narratif plutôt burlesque, se concentrant ludique, parfois confus, cependant, avec des personnages communs placés dans des situations qui sont souvent agréables, tous les jours. Ils sont parfois les gens ou de la bourgeoisie mais les histoires sont différentes de comique français romans picaresques par des rôles moins populaires. Les héros de l'histoire et la page dessinée Francion Disgracié sont des gentlemen. Le personnage principal de la comédie romaine est certainement née en théorie, le peuple, mais suggère que ses véritables origines peuvent être nobles. Il a au moins les caractéristiques morales.
Les œuvres les plus notables sont l'histoire comique de Francion de Charles Sorel, publié en 1626, le Romain BD Paul Scarron, publié en 1651-1657, et le roman bourgeois de Antoine Furetière, publié en 1666, les romans de Cyrano de Bergerac occupant une place particulière avec leur mélange d'imagination, la pensée, mais aussi drôle.
Lannel John ouvre la voie avec sa satire romantique (1624), où il tente de présenter l'image du désordre et de corruption qui règne en France au début du règne de Louis XIII.
Le roman de Charles Sorel (1600-1674) Histoire comique de Francion (1623) est l'une des œuvres majeures du genre. L'immortalité de l'âme est moqué dans le roman, la hiérarchie sociale, le culte de l'argent et le pouvoir sont rapportés dans une langue savoureuse, riche en expressions folkloriques, en termes de couleur, dans les proverbes.
Le Roman comique (1651-1657) Paul Scarron (1610-1660) prend les caractéristiques de l'œuvre de Sorel dans le polissage un peu pour le rendre plus acceptable dans un moins de temps libre que l'apparition de Francion. À travers l'histoire d'une troupe de comédiens sous Louis XIII les peintures auteur avec un réalisme saisissant et les manières d'humour provinciaux.
En 1666, l'action Furetière peint les mœurs de la bourgeoisie de l'époque de la bourgeoisie romaine.

Le courant classique

Classicisme, l'une des époques les plus brillantes de l'histoire culturelle de la France, est une expression idéologique et esthétique de la monarchie absolue. Il pousse dans toute la première moitié du siècle et atteint son apogée dans les années soixante. Classicisme est en contact étroit avec les courants philosophiques de l'époque, d'abord le rationalisme de Descartes qu'il a été influencé.

L'esthétique classique

Il a développé au cours des années 1630-1660. L'esthétique classique est fondée sur trois principes: la rationalité, l'imitation de la nature, l'imitation de l'antiquité. Plus tard, en 1674, dans sa Poétique Boileau Nicolas est une synthèse de tout ce qui constitue le style classique.
Classicisme établi la suprématie de la raison est exercé par les règles. Peinture de la beauté et la vérité reste la préoccupation majeure des écrivains. Mais comme les créateurs destiné à un public spécifique, la Cour, l'idéal est de favoriser le respect du régime royal, le beau est ce qui est cohérent avec Christian morality.For eux, la peinture est la peinture la vraie nature humaine, peinture homme.Peinture des passions humaines, leur analyse donne un caractère psychologique de la littérature classique. Classicisme est réticente à introduire le laid, le bizarre, le fantastique et réduit ainsi sa zone d'observation. La belle était d'être imité.
Pour leur imitation des écrivains ont besoin de modèles et d'enseignants. Pour eux, ce sont les anciens. Et là, tous les classiques sont fixés, tous affirment la nécessité d'apprendre de leur exemple, de suivre leurs préceptes et même de tirer des sujets et des images dans leurs œuvres, dans l'histoire ancienne. Mais comme tout chez les anciens n'était pas imitable, écrivains adapter la prise des sujets dans le style de l'époque, les exigences de la théorie classique.

Le théâtre classique

Au XVIIe siècle les savants de l'âge classique comme Boileau dans son Art poétique cherché à renforcer la codification formelle entre tragédie et comédie en référence à Aristotle.The esthétique classique, originalité française contrebat que la prolifération baroque définir des règles qui débattra également que en témoigne la 'querelle du Cid" avec les remontrances de l'Académie française et les préfaces des dramaturges tels que Jean Bajazet racines justifier le remplacement de la distance dans le temps par la distance géographique."La grande règle' est de 's'il vous plaît' l'illuminé, l'art classique va recommander des conventions qui devraient mener à la réussite et la grandeur de l'œuvre de théâtre, il est alors considéré comme un art littéraire majeur.
Pour l'art classique a une fonction morale: le théâtre se doit de respecter la règle de la bienséance à l'exclusion de tout ce qui irait à l'encontre de la morale la violence "obscène" devrait par exemple pas être montré sur scène, et les comportements déviants doivent être punis comme Don Juan à la fin de la pièce de Molière ou Phèdre de Racine work.Art doit "purger les passions (catharsis) avec la tragédie et les manières correctes, rire avec la comédie.' La bienséance et la morale viendra avec convenance linguistique, mais la comédie est plus libre dans ce domaine. La volonté impose également une préoccupation exemplaire pour le naturel et probable, parfois en conflit avec la vérité. Les auteurs doivent ainsi défendre la cohérence des personnages et de trouver l'universel en se plaçant dans la continuité des anciens combattants dont la survie littérature montre qu'ils avaient connu sur l'homme correctement, cela demeure l'objectif d'un drame moraliste et non "pur divertissement".
L'esprit classique a aussi un goût pour l'équilibre, la mesure, l'ordre, la raison et l'intérêt de l'efficacité à partir de laquelle coule le principe d'unité se résume en deux à Boileau art poétique célèbre: 'Quel endroit, qu'un jour, un fait accompli / / Tienne jusqu'à la fin le théâtre rempli 'On définit donc la règle des trois unités.:
'L'unité d'action" évite l'anecdotique et le renforcement de la cohérence de dispersion. 'L'unité de temps' durcissement de l'action et plus proche de l'époque de la performance. 'L'unité de lieu"d'essayer de correspondre à l'emplacement de l'étape de l'action et le lieu: Donc, c'est un endroit accessible à tous les personnages (hall d'entrée, salle du trône ...)
Une quatrième unité est également mis en avant 'l'unité de ton" à cause de la séparation des genres (tragédie et comédie) sur des sujets spécifiques, des types de niveaux de caractères spécifiques du langage et le ton dans un objectif différent: divertir et enseigner une leçon avec la comédie, et purger les passions (catharsis) par l'émotion (peur et la pitié) avec la tragédie.
De nombreux auteurs de tragédies mais deux d'entre eux conduisent à la perfection: Pierre Corneille (1606-1684) et Jean Racine (1639-1699).
Le génie de Molière (1622-1673) est inséparable de l'histoire du théâtre classique français. Ses comédies de mœurs et de caractères sont une véritable galerie de la société du XVIIe siècle. Sa préoccupation première est de 's'il vous plaît'. Destiné à rire s'il vous plaît. Et le rire est son arme. Sa comédie est toujours significatif. Molière cherche les situations réelles et excellait dans la peinture de la nature humaine.

Le roman psychologique

Mme de La Fayette, avec La Princesse de Clèves s'ouvre avec la maîtrise de la forme et le désir de peindre des sentiments dans un contexte réel, une sorte appelé à une postérité considérable.

François Malherbe codifié au début du siècle les règles de la versification et est accueilli par Boileau dans la poésie qui brille avec ses idées ou ses Satires art poétique.

Les "moralistes"

Ce terme, les auteurs de différents genres explorés le comportement humain avec des approches souvent pessimiste comme Blaise Pascal - Bossuet - François de La Rochefoucauld - et mémorialistes comme le cardinal de Retz et de Saint-Simon, la dernière née de la fin du XVIIe siècle, a écrit ses 'Mémoires 'dans la première moitié du XVIIIe siècle et est classé par certains comme un écrivain classique du XVIIe siècle, tandis que son style, vraiment très innovant, inspiré par les écrivains majeurs suivants (François-René de Chateaubriand, Proust). Ces "analyse de l'âme" se retrouvent avec Mme de Sévigné et ses fameuses lettres ou de caractères et de La Bruyère.

Un travail singulier: Les Fables de La Fontaine

Grâce à un genre mineur, non codifié, La Fontaine (1621-1695) inspiré, comme les autres classiques dans ses fables des anciens, mais aussi du folklore français et du folklore à l'étranger. Il imite son maître avec une grande freedom.Like les personnages de Molière, les personnages représentant tous les horizons de la vie. La fontaine représente un moraliste ensemble de la société française dans la seconde moitié du siècle. La poursuite du bonheur, les droits et le pouvoir sont les deux thèmes de prédilection dans La Fontaine "Fables" (1668-1696).La fable était avant La Fontaine, un genre où la petite histoire se pressait vers la morale, devient un home cinéma complet où tout est mis à sa place: les paysages, les personnages, le dialogue.

Bibliographie

La littérature française du Moyen Âge - XVIe siècle - XVIIe siècle - XVIIIe siècle - XIXe siècle - XXe siècle - Vingt-et-unième siècle

Lien externe

Voir "la littérature française du XVIIe siècle" sur Wikisource.

Pour la France, l'histoire du XVIIe siècle comme une unité peut être définie par deux dates: 1598 et l'Edit de Nantes, qui conclut Henri IV les guerres de religion de l'sixteenthcentury et 1715, lorsque la mort de Louis XIV, qui a imposé au cours de son long règne de la monarchie absolue dans le royaume où il a augmenté de nombreuses conquêtes. Entre ces deux dates le pouvoir royal est renforcé par le travail de Louis XIII et Richelieu soutenu par la régence d'Anne d'Autriche par Mazarin.
Le pouvoir royal est impliqué dans les arts à travers son soutien aux artistes et à établir ce qu'on appelle le "classicisme français" et la création de l'Académie française, qui établit une norme pour le vocabulaire, de syntaxe ou poétiques, comme indiqué en 1637 la querelle du Cid . Cette préoccupation pour la codification de la langue accueille également des expositions et des cercles littéraires: par exemple, la Grammaire de Port-Royal, développé par les Solitaires de Port-Royal des Champs DES, qui établit pour la première fois les règles de grammaire et est à la base, jusqu'à aujourd'hui, dans la grammaire française. Si le sixteenthcentury avait servi à enrichir la langue française pour en faire rivaliser avec les autres langues anciennes et si les auteurs se féliciterait de toute invention, le XVIIe siècle est responsable de la propreté et à établir des règles comme avec Vaugelas, et c 'est à la fin du XVIIe siècle que le premier dictionnaire de la langue française avec Richelet (en 1680), Furetière (à titre posthume en 1690) et plus tard l'Académie française (1698).
Dans le même temps, les changements idéal social avec le type d'idées honnêtes, instruits, sociable et ouvert, et le monde continue d'évoluer sur le cartésianisme que les changements des processus intellectuels en donnant une place prépondérante à la Raison (Cogito ergo sum) qui aura une incidence sur l'idéal classique par son souci de l'ordre et la philosophie de René Descartes discipline.The (1596-1650), en érigeant le doute comme principe de son système métaphysique, mènera à la fin du siècle, sur le principe des Lumières avec le défi des innovateurs tels que Bayle et Fontenelle ainsi s'affirmer en Europe, les approches scientifiques avec Kepler, Harvey, Newton et Blaise Pascal. Libertinisme intellectuelle, bien que fortement contestée par l'Eglise, ne pèse que peu à peu les esprits dans le sillage de Pierre Gassendi (1592-1655), le matérialisme sensualiste, qui ouvre les lacunes encore timide à l'athéisme.
En effet les considérations et les pratiques religieuses aussi marquer le siècle avec une forte de révocation de l'Edit de Nantes par Louis XIV en 1685, qui s'est terminée la tolérance vis-à-vis des protestants, et le poids des jésuites et jansénistes.En effet, les jésuites, en plus de leur influence politique, critiquée par les tenants du gallicanisme, de contribuer à la formation de la pensée du siècle et le développement des écoles classiques style.Jesuit fournir deux éléments essentiels dans la formation du classicisme: le goût de l'humanisme Combattants reconnu comme un modèle de beauté et de sagesse, et la psychologie, qui cherche à connaître l'homme, pour parler de lui, la mesure de la force de sa passion et sa volonté. Jansénisme, à son tour exerce une influence indirecte plutôt que par leurs idéaux et de l'austérité morale liée à une théologie de la prédestination.
Tous ces facteurs pèsent dans le domaine de l'esthétique et de l'importance relative des deux courants qui dominent le siècle: d'abord le mouvement baroque, plus long et le panoramique et le classicisme, spécifiquement française et plus courtes, liées au 'siècle de Louis XIV". Si l'esthétique baroque de l'incertitude, le flou et surabondance, le classique est faite de modération, l'ordre et ambitions morales:C'est ce courant qui prévalent en France dans la seconde moitié du siècle avec l'intervention du monarque absolu, centralisateur qui encouragera la fondation de nombreuses académies de garantir les principes et la pratique de la pensée et l'art acceptée (l'Académie française en 1635, le Académie Royale de Peinture et de Sculpture en 1665, l'Académie des Sciences en 1666). La Cour et le roi à Versailles, sont à la fin du XVIIe siècle en France, le maître du bon goût, même si la "ville" et la bourgeoisie a commencé à jouer un rôle dans les arts et la littérature avec une plus large diffusion des œuvres et développement de la lecture.
Pour un panorama littéraire du siècle dernier nous nous référons à la littérature française du XVIe siècle.

La codification de la langue

En ce qui concerne les salons et les cercles littéraires, le mouvement commence très tôt pour codifier la langue. Le XVIe siècle a servi à enrichir la langue française pour en faire rivaliser avec les autres anciens auteurs languages.The accueillerait favorablement toute invention. Le XVIIe siècle est responsable de la rendre plus précieuse pour le purifier. Il est plus exigeant et fait la différence entre l'exercice de la pensée et la pratique littéraire et l'écriture pour les non-esthétique.L'Académie française propose de codifier le vocabulaire, la syntaxe, poétique.
Bien que la culture en subir les conséquences du centralisme politique, à la fin de la période commence à sentir le défi à l'imitation des anciens et en même temps apparaissent un désir de modernité et un désir qui tient davantage compte de l'historique.

Références

Avant de discuter des Maximes, concentrons-nous sur la maxime: le terme 'maxime' vient de la forme latine maxima (sententia), littéralement "la plus grande récompense, la plus générale.' Cette forme brève, comme l'aphorisme ou d'un proverbe, est un discours universel sur les droits. 'Ceci est un portrait du cœur humain que je donne au public comme les maximes morales ou reflections.He fonctionne fortune ne sera pas s'il vous plaît tout le monde, parce que vous trouverez peut-être trop semblables, et il ne flatte pas assez.' Écrit La Rochefoucauld dans son avis au lecteur. La maxime est une évaluation ou une décision très généraux. La brièveté de la déclaration devrait encourager la mémorisation, mais aussi frappé l'esprit. Historiquement, certains poètes tragiques du XVIe siècle a été utilisée pour faire ressortir à, entre guillemets, dans leurs œuvres, des phrases qui semblaient enseignement riche et avait pour frapper l'esprit des lecteurs et des spectateurs.Le goût pour le développement dans les salons des maximes dans le XVIIe siècle, vient de la pratique.
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Mouvement littéraire du 17eme siecle - litterature

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La littérature française du XVIIe siècle est lié aux problèmes politiques, intellectuelles et artistiques sont entre 1598 - la promulgation de l'Edit de Nantes, qui conclut Henri IV les guerres de religion du XVIe siècle - et 1715, lorsque la mort de Louis XIV, le Roi Soleil qui imposées monarchie absolue dans le royaume.

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Le théâtre au XVIIe siècle

La Tragédie

Reprenant les théories de la Poétique d'Aristote, très commentée pendant la Renaissance, et à la formulation de la règle des trois unités, la tragédie classique respecte la règle des trois unités. Cette règle a pour but de ne pas éparpiller l'attention du spectateur pour qu'il se concentre sur l'intrigue pour mieux le toucher et l'édifier :

Unité d'action : la pièce ne met en scène qu'une seule action principale. Il peut y avoir des intrigues secondaires mais ces dernières doivent trouver leur résolution au plus tard en même temps que l'action principale.

Unité de temps : toute l'action représentée est censée avoir lieu dans un seul jour.

Unité de lieu : toute l'action représentée se déroule dans un seul endroit.

La tragédie classique française est inspirée des tragédies antiques grecques. Elle met en scène que de très hauts personnages, appartenant à l' histoire ou aux mythes de l'Antiquité.

Les faits doivent paraître vraisemblables aux spectateurs : il faut qu'ils aient l'illusion d'assister au déroulement d'une histoire réelle. La tragédie doit aussi respecter la vraisemblance et la bienséance.

La tragédie doit également respecter la bienséance. Le comportement des personnages doit être conforme à leur âge et à leur condition sociale. Rien ne doit choquer la sensibilité ou les principes moraux du spectateur : violence et intimité physique sont exclues de la scène.

Le dénouement est souvent tragique. La tragédie classique prétend remplir une fonction morale, conforme ainsi au principe de catharsis définie par Aristote. En s'identifiant à des personnages dont les passions coupables sont punies par le destin, le spectateur de la tragédie se voit délivré, " purgé " des sentiments inavouables qu'il peut éprouver secrètement.

Les principaux auteurs de tragédies au XVIIe siècle :

Jean Racine (1639-1699) - Chroniques de

Pierre Corneille (1606-1684): liste des œuvres sur Libre Théâtre

Jean de Rotrou (1609-1650) - sur Libre Théâtre, Agésilan de Cochos sur Théâtre Classique, L'Innocente Fidélité sur Gallica, Le Véritable Saint Genest sur Wikisource, Venceslas sur Wikisource

Georges de Scudéry (1601-1667) : Eudoxe sur wikisource, L'Amour tyrannique sur Théâtre classique, Le Prince déguisé sur wikisource, Le Vassal généreux sur wikisource

Thomas Corneille (1625-1709) : La Mort d'Achille sur Wikisource, Le Comte d'Essex sur Wikisource, Le Festin de pierre sur Wikisource, Médée sur Wikisource, Persée et Démétrius sur Wikisource, Stilicon sur Wikisource, Ariane sur Wikisource, Timocrate sur Théâtre Classique

François Hédelin Aubignac (abbé d', 1604-1676) : La Pucelle d'Orléans sur Gallica

Balthasar Baro (1600?-1650) : Célinde sur Gallica

Catherine Bernard (1662-1712) - Chronique de Brutus sur Libre Théâtre,

François Le Métel de Boisrobert (1592-1662) : La Vraie Didon ou la Didon chaste sur Gallica

Claude Boyer (1618-1698) : Oropaste ou le Faux Tonaxare sur Théâtre Classique

Jean Galbert de Campistron (1656-1713) : Arminius sur Théâtre classique

Nicolas Chrétien des Croix (15..-16..) : Les Portugais infortunés sur Gallica

Prosper Jolyot de Crébillon (1674-1762) : La Nuit et le moment sur wikisource, Atrée et Thyeste sur wikisource, Catilina sur Théâtre Classique, Rhadamisthe et Zénobie sur Théâtre classique

Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655) : La Mort d'Agrippine sur wikisource, Le Pédant joué sur Gallica

Antoinette Des Houlières (1638-1694) : Genseric sur Gallica, La mort de Cochon sur Gallica

Pierre Du Ryer (1605-1658) : Alcimédon sur wikisource, Saül sur Théâtre classique

François de Fénelon (1651-1715) : Dialogues des Morts sur Gallica

Alexandre Hardy (1570?-1632?) : Elmire ou l'Heureuse Bigamie sur Gallica, Scedase ou l'hospitalité violée sur Gallica

Gautier de Coste La Calprenède (sieur de, 1609?-1663) : Le Comte d'Essex sur Théâtre Classique

Pierre Mainfray (1580-1630) : La Rhodienne ou la Cruauté de Soliman sur Gallica

Nicolas Soret (15..-16..) : La Céciliade ou Martyre sanglant de saincte Cécile, patrone des musiciens sur Gallica

Tristan L'Hermite (1601-1655) : la Mariane sur Théâtre Classique, La Mort de Sénèque sur Théâtre Classique

Théophile de Viau (1590-1626) : Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé sur Théâtre Classique

La Comédie

La comédie cherche à divertir le spectateur, à le faire rire. Contrairement à la tragédie, dans la comédie, les personnages sont de condition moyenne ou modeste et le dénouement est heureux.

Molière (1622-1673) est le plus illustre représentant du genre. Après s'être inspiré de la farce et de la Commedia dell'arte dans ses premières pièces, Molière développe différents genres de comédie : comédies de mœurs, comédie de caractère, comédie-ballet qui inclut des ballets. Jean-François Regnard (1655-1709), l'autre grand auteur de comédies écrit tout d'abord des farces pour le Théâtre-Italien, puis des comédies d'intrigues, jouées au Théâtre-Français. Dancourt (1661-1725) est également un auteur prolifique de comédies, dans des genres différents : intermèdes, parodies d'opéras, divertissements de cour, fantaisies mythologiques, des comédies en cinq actes et surtout de courtes pièces en prose, les " dancourades ", écrites en langage parlé.
Les autres auteurs de comédies du XVIIème siècle :
Baron (1653-1729) : L'Homme à bonne fortune sur Gallica

Isaac de Benserade (1613-1691) : Iphis et Iante sur Gallica

Charles de Beys (1610-1659) : Les Illustres Fous sur Gallica

Edme Boursault (1638-1701) - Chronique Le Mercure galant ou la Comédie sans titre

Brosse ( 15..?-1651) : Les Songes des hommes éveillés sur Gallica

David-Augustin de Brueys (1640-1723) : L'Avocat Patelin sur Théâtre Classique, Le Grondeur sur Gallica

Pierre Corneille (1606-1684) - Chronique sur L'illusion comique, liste des œuvres sur Libre Théâtre

Thomas Corneille (1625-1709) : L'Amour à la mode sur Wikisource, L'Inconnu sur Wikisource, Le Galant doublé sur Wikisource, Les Illustres Ennemis sur Wikisource,

Jean Desmarets de Saint-Sorlin (1595-1676) : Chronique sur Les Visionnaires sur Libre Théâtre

Jean Donneau de Vizé (1638-1710) : La Devineresse ou les Faux Enchantements sur Gallica

Pierre Du Ryer (1605-1658) : Alcimédon sur wikisource, Les Vendanges de Suresnes sur Théâtre classique

Guyon Guérin de Bouscal (16..-1657) : Don Quichotte de La Manche sur Gallica

Jean de La Fontaine (1621-1695) : Astrée sur wikisource, l'Eunuque sur wikisource

Lambert ( 16..-16..) : La Magie sans magie, sur Gallica

Noël Lebreton Hauteroche (sieur de, 1617-1707) - Chronique Le Souper mal apprêté

Jean Mairet (1604-1686) : La Salvanire ou la Morte vive sur Gallica, Les Galanteries du Duc d'Ossone, vice-roi de Naples sur Gallica

Montfleury (1639-1685) : La Femme juge et partie sur Gallica

Charles Perrault (1628-1703): L'Oublieux sur Gallica

Paul Scarron (1610-1660) : Jodelet ou le Maître valet sur Théâtre Classique, La Fausse Apparence sur wikisource

Les lieux de représentation à Paris au XVIIème siècle

Le Théâtre de la foire se développe au début du XVIIème siècle à Paris à l'occasion des foires annuelles de Saint-Germain et de Saint-Laurent et, plus tard, de Saint-Ovide. Tabarin est le plus célèbre des comédiens du théâtre de la foire du début du XVIIème. Habillé d'un manteau s'attachant à la hauteur des manches (un " tabar ") et d'un pantalon de toile blanche, toujours coiffé d'un grand feutre, il improvisait des monologues, interpellait les passants, dialoguait avec la foule ou encore avec un comparse (Mondor, son maître qui était en réalité son frère). Ses harangues lui donnaient également l'occasion de vendre des baumes et remèdes. Les tabarinades étaient souvent de style pamphlétaire et incisif.

En province, les comédiens allaient de ville en ville jouer sur des scènes improvisées ou dans certains Jeux de Paume. Les deux plus célèbres troupes ambulantes furent celle de Floridor (rentrée en 1638 au Théâtre du Marais) et celle de Molière.

Au milieu du XVIIème siècle, quatre troupes de théâtre rivales coexistent à Paris, associées à 3 salles de spectacle : celle du Marais, celle de l'Hôtel de Bourgogne et celle du Palais-Royal, dirigée par Molière .
Hôtel de Bourgogne
En 1548, la société des Confrères de la Passion construit dans l'Hôtel de Bourgogne une salle de spectacle pour présenter des mystères. Après un arrêt du Parlement leur défendant de jouer des pièces religieuses, les Confrères obtiennent le monopole des représentations théâtrales profanes sur Paris, et louent leur théâtre aux troupes itinérantes. L'Hôtel de Bourgogne est alors la seule salle de théâtre permanente. En 1598, les " Comédiens ordinaires du Roy " créés par Valleran Le Conte occupent la salle, qu'ils partagent à partir de 1600 avec les Gelosi, première troupe italienne en résidence.
Hôtel du Marais
Pour concurrencer l'Hôtel de Bourgogne, l'acteur Montdory décide de monter son propre théâtre à Paris et s'installe en 1634 dans le quartier très à la mode du Marais, rue Vieille-du-Temple. Dans les années 1660, elle se spécialise dans les pièces à machines, mais reste moins fréquentée que l'Hôtel de Bourgogne et le Palais-Royal de Molière. De nombreux acteurs l'Hôtel de Bourgogne et du Palais Royal viennent du théâtre du Marais.
Théâtre du Palais-Royal
Afin de casser le monopole de l'Hôtel de Bourgogne, le cardinal de Richelieu fait élever en 1637 un théâtre sur l'aile est du bâtiment du Palais-Royal (à l'emplacement de l'actuelle Comédie-Française). L'inauguration a lieu en 1641. Le Théâtre-Italien et la troupe de Molière se partagent la scène entre 1662 et 1673. À la mort de Molière, Lully récupère les lieux pour y fonder l'Académie royale de musique.
Hôtel de Guénégaud
Après la mort de Molière en 1673, les comédiens du Marais rejoignent sur ordre royal la troupe des comédiens de Molière, et cette nouvelle troupe s'installe à l'Hôtel Guénégaud, rue Mazarine. Le 18 août 1680, Louis XIV signe à Charleville l'acte fondateur de la Comédie Française qui réunit au théâtre Guénégaud, les comédiens de l'Hôtel de Bourgogne à ceux qui s'y produisaient déjà.

Le 21 octobre 1680, une lettre de cachet, signée à Versailles, consacre la fondation d'une troupe unique, composée de vingt-sept comédiens et comédiennes choisis par le roi pour leur excellence, dans le but de " rendre les représentations des comédies plus parfaites ". La troupe unique jouit du monopole des représentations en français à Paris et dans les faubourgs.
Chassés de l'Hôtel Guénégaud quelques années plus tard par les Clercs du Collège des Nations - actuelle Académie Française - les Comédiens Français investissent, dès 1689, leur nouvelle salle, située rue des Fossés Saint-Germain, aujourd'hui, rue de l'Ancienne Comédie, à la hauteur du N° 14, face au Café Procope qui rassemblait alors les célébrités littéraires.

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Le théâtre au XVIIe siècle - Libre Théâtre

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Reprenant les théories de la Poétique d'Aristote, très commentée pendant la Renaissance, et à la formulation de la règle des trois unités, la tragédie classique respecte la règle des trois unités. Cette règle a pour but de ne pas éparpiller l'attention du spectateur pour qu'il se concentre sur l'intrigue pour mieux le toucher et l'édifier : Unité d'action : la pièce ne met en scène qu'une seule action principale.

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Théâtre : les règles du théâtre classique du XVIIe siècle | Copiedouble

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Le contexte historique explique l’apparition des règles. Au XVIIe siècle, le Cardinal de Richelieu est le principal ministre de Louis XIII dès 1624 et jusqu’à sa mort en 1642. Le Cardinal Mazarin lui succède alors, pendant la jeunesse de Louis XIV. En 1661, âgé de vingt-trois ans, Louis XIV règne en…

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Le XVIIe siècle en France est par excellence le siècle du théâtre. Ce genre en plus d’être une représentation comique, un évènement artistique et littéraire est un prolongement de ceux de la cour ou des salons ; c’est un véritable rite social. Aucun genre ne dépend davantage de la réalité sociale co…

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BIOGRAPHIE MOLIÈRE - Le grand Molière a marqué l'histoire du théâtre et de la comédie par ses œuvres, tout en laissant également derrière lui de nombreux mystères, scandales et controverses.

L'auteur français le plus joué à travers le monde, Molière... Des zones d'ombres sur la vie du dramaturge et comédien français, il y en a : on ne sait s'il est l'auteur de l'intégralité de toutes ses œuvres les plus connues ; le flou plane sur ses épousailles avec la sœur ou la fille de son ex-maîtresse, voire sa propre fille à lui ; ses écrits intimes ont quasiment tous disparu... et l'épisode de sa mort sur scène est sans doute romancé. Cette liste est non-exhaustive. Voici quelques exemples de polémiques, mystères et scandales ayant jalonné sa vie, détaillés ci-dessous :

Molière : mystères, scandales et controverses

Qui est Molière ?

Jean-Baptiste Poquelin, dont le nom de scène est Molière, naît le 15 janvier 1622 à Paris, au 96 de la rue Saint-Honoré. Fils d'un tapissier, Jean-Baptiste Poquelin renonce à reprendre l'affaire familiale qui le destinait à une vie bourgeoise et se tourne vers le théâtre. Il fonde en 1643 "l'Illustre Théâtre" et se fixe comme objectif de "faire rire les honnêtes gens". Il rencontre cette année-là Madeleine Béjart dont il tombe amoureux. La troupe connaît des débuts difficiles. Elle parcourt la province de long en large de 1646 à 1658. Durant cette période, Jean-Baptiste apprend le métier d'acteur et commence à écrire ses premières comédies comme L'Étourdi et Le Dépit Amoureux sous le pseudonyme de Molière. Devenu dramaturge, son mouvement littéraire est le classicisme et ses œuvres sont principalement des farces et des comédies.

Qui sont les femmes de Molière ?

En 1643, à 21 ans, alors qu'il quitte à peine les bancs de la Sorbonne, Molière a le coup de foudre pour Madeleine Béjart. Connue du tout-Paris, comédienne aussi belle que talentueuse, elle est un cœur à prendre mais déjà mère de famille. Ce n'est pas un problème pour le jeune homme, qui quittera Paris avec elle et leur troupe. Ils sillonneront la province ensemble pendant 13 ans. De retour à la capitale, Molière est devenu l'auteur et le comédien préféré de Louis XIV. Alors qu'il approche de la quarantaine et que son couple se délite, l'homme de théâtre veut désormais fonder une famille. C'est auprès d'une autre Béjart qu'il se tourne alors... Il s'agit d' Armande, la sœur ou la fille de Madeleine, on ne sait pas trop. Elle a vingt ans de moins que lui, et Molière la connaît depuis l'enfance. La rumeur l'identifie même comme la propre fille du dramaturge (!). Elle deviendra, en 1962, son unique femme, et lui donnera trois enfants. De nombreux auteurs décrivent ensuite Armande Béjart comme une épouse aux mœurs légères qui trompe régulièrement son mari.

Pourquoi sa pièce Tartuffe est-elle interdite ?

La comédie Le Tartuffe, écrite en avril 1664, est jouée pour la première fois devant la Cour de Versailles, le 12 mai 1664. Cette représentation, chaleureusement accueillie, fait cependant rapidement l'objet d'une interdiction. En raison de la critique des dévots que Molière fait dans son Tartuffe, l'Église s'offusque qu'une telle pièce puisse être jouée. Le clergé faisant pression sur Louis XIV, la pièce est finalement interdite sur ordre du roi. Molière est violemment critiqué, le curé Pierre Roullé le décrivant même comme " un démon vêtu de chair et habillé en homme". Molière se défend auprès du roi, estimant qu'il ne fait que remplir son rôle d'auteur de comédie. Le roi restant sur ses positions, Molière entreprend de modifier son Tartuffe pour que la pièce puisse être jouée.

Molière adoucit la pièce, essayant d'amoindrir les éléments ayant fait naître la polémique. Elle est remaniée, baptisée L'Imposteur, est présentée au Palais-Royal. Rien n'y fait, la pièce est également interdite, et l'archevêque de Paris Hardouin de Péréfixe de Beaumont menace d'excommunication quiconque représenterait, lirait, ou entendrait réciter la pièce. Ce n'est qu'au moment de la conclusion définitive de la Paix de l'Église, alors que le roi Louis XIV retrouve les mains libres en matière de politique religieuse, que la pièce est autorisée à être jouée. Le 5 février 1669, la pièce, désormais intitulée Le Tartuffe ou l'Imposteur, est jouée sur la scène du Palais-Royal devant une salle pleine à craquer. La lutte de Molière pour la liberté d'expression a payée, et le succès est total pour le dramaturge : la critique est unanime, la pièce bat des records de recettes et de longévité (72 représentations d'affilées).

Pourquoi sa pièce Dom Juan fait-elle scandale ?

Un an après l'interdiction de sa pièce Le Tartuffe, Molière entreprend l'écriture d'une nouvelle comédie pour sa troupe de théâtre. En 1665, il donne ainsi naissance à Dom Juan ou Le Festin de Pierre, une pièce de théâtre en cinq actes inspirée du mythe de Dom Juan créé par le dramaturge espagnol Tirso de Molina en 1630. La pièce de Molière dont l'intrigue se déroule en Sicile, met en scène les trente-six dernières heures de la vie du personnage de Dom Juan, un jeune noble séducteur, débauché et blasphémateur. Le jeune homme qui souhaite jouir des plaisirs de la vie au détriment des règles sociales et morales enchaîne les conquêtes amoureuses. Au début de la pièce, Dom Juan abandonne ainsi sa femme, Done Elvire, qu'il avait épousée après l'avoir enlevée d'un couvent. Accompagné de son fidèle valet, Sganarelle interprété sur scène par Molière, le jeune séducteur part alors à la conquête de nouvelles entreprises amoureuses. Mais ses projets sont mis à mal par son attitude hypocrite et ses mensonges qui viennent le rattraper rapidement. Châtié par le bras d'une statue de pierre, Dom Juan n'échappe pas à la vengeance divine.

Pièce singulière pour l'époque, l'œuvre de Molière ne respecte pas la règle des trois unités propre au théâtre classique. S'apparentant en ce sens à une pièce aux influences baroques, l'œuvre de Molière rompt en particulier avec l'unité de lieu puisque chaque acte de la pièce propose un lieu différent. Si l'acte I se déroule dans un palais, l'acte II prend place au bord de la mer, l'acte III dans une forêt, l'acte IV dans la chambre d'un appartement et enfin l'acte V à la porte d'une ville. Considéré aujourd'hui comme l'un des chefs-d'œuvre de Molière, Dom Juan rencontre un très grand succès auprès du public lors de sa première représentation le 15 février 1665. Toutefois, considérée par certains dévots comme une apologie du libertinage, la pièce sera finalement censurée avant d'être définitivement interdite jusqu'en 1841.

Molière est-il mort sur scène ?

Après L'Avare (1668), le Bourgeois Gentilhomme (1670), les Femmes savantes (1672), Molière signe sa dernière pièce, Le malade imaginaire. Au cours de sa quatrième représentation, le dramaturge qui est atteint d'une tuberculose pulmonaire, tombe sur scène et meurt quelques heures plus tard, le 17 février 1673, à l'âge de 51 ans. Cet épisode est à l'origine de la légende d'un Molière mort sur scène. N'ayant pas abjuré sa profession de comédien (jugée immorale par l'Église catholique), il échappe de justesse à la fosse commune sur l'intervention de Louis XIV. Jean-Baptiste Poquelin dit Molière est finalement inhumé de nuit dans le cimetière de l'église Saint-Eustache sans cérémonie religieuse. Les comédiens de Molière fondent sept ans après sa mort la Comédie-Française.

Quelles sont les œuvres les plus connues de Molière ?

Les Précieuses ridicules (1659)

L'École des femmes (1662)

Dom Juan ou le Festin de Pierre (1665)

Le Misanthrope (1666)

Le Médecin malgré lui (1666)

Amphitryon (1668)

George Dandin ou le Mari confondu (1668)

L'Avare (1668)

Le Tartuffe ou l'Imposteur (1669)

Les Fourberies de Scapin (1670)

Le Bourgeois gentilhomme (1670)

Les Femmes savantes (1672)

Le Malade imaginaire (1673)

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Molière : biographie, ses pièces, ses oeuvres... tout savoir

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BIOGRAPHIE MOLIÈRE - Le grand Molière a marqué l'histoire du théâtre et de la comédie par ses œuvres, tout en laissant également derrière lui de nombreux mystères, scandales et con...

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connaître et comprendre les principaux genres littéraires.

Le théâtre est une forme littéraire bien précise : il est ce que l'on appelle un genre et se distingue des deux autres grands genres, le roman et la poésie.
Le terme " théâtre " vient du grec theôria qui signifie " action d'examiner ".
Philosophe grec du 4 e siècle av. J.-C., Aristote affirme, dans sa Poétique, que le théâtre est, pour les spectateurs, " l'imitation d'une action [...] faite par des personnages en action et non par le moyen de la narration ".

2. Les genres et l'histoire

a. Un peu d'histoire littéraire

Si le siècle du classicisme préfère la tragédie, le 18e siècle a une prédilection pour la comédie, propre à exprimer, sous couvert du rire, les idées révolutionnaires du siècle des Lumières. Apparaît aussi, vers la fin du 18 e siècle, un nouveau sous-genre - le drame bourgeois - dont l'instigateur est Denis Diderot (1713-1784), qui modifie les frontières, jusqu'alors rigides, entre la comédie et la tragédie.

Le drame romantique du 19 e siècle vient encore briser les règles classiques en mêlant tous les genres et tous les tons. Au 20 e siècle, la différence s'estompe peu à peu entre les genres traditionnels : le théâtre d'idées et le théâtre de l'absurde renouvellent les formes théâtrales.

b. Les trois grands sous-genres

Le théâtre comme forme littéraire est un genre très vaste. On distingue traditionnellement des sous-genres théâtraux, tels que la tragédie, la comédie et le drame qui obéissent chacun à des règles particulières.

La tragédie classique

La comédie classique

Le drame romantique

Les grands auteurs

Corneille, Racine.

Molière, Marivaux, Beaumarchais.

Vigny, Hugo, Musset, Rostand.

L'action dramatique donne à voir au public le déroulement d'une intrigue. Traditionnellement, cette crise qu'est l'intrigue se déroule en trois temps.

- L' exposition : dans le premier acte, les personnages, en même temps qu'ils informent leurs interlocuteurs, éclairent le public sur tout ce qui est nécessaire à la compréhension de l'intrigue.

- Le n œ ud de l'action : c'est le moment où les personnages se trouvent confrontés au conflit exposé dans le premier acte, et où se déroulent péripéties et coups de théâtre.

- Le dénouement : heureux ou malheureux, le dénouement donne les renseignements nécessaires pour résoudre toutes les intrigues présentées dans la scène d'exposition.

4. L'espace et le temps au théâtre

Il faut bien distinguer temps de la représentation et temps de l'histoire, c'est-à-dire la durée des actions qui se déroulent sur la scène et qui correspondent au texte des répliques et le temps de l'histoire vécue par les personnages. De même, il ne faut pas confondre espace dramatique et espace scénique. Le premier renvoie à la scène du théâtre, alors que le second renvoie aux lieux mentionnés par les personnages dans leurs répliques.

Le théâtre classique a tenté de faire coïncider au maximum le temps de la représentation et le temps de l'histoire, l'espace scénique et l'espace dramatique. Il appliquait la règle des trois unités - unité de temps (vingt-quatre heures au maximum), unité de lieu (un seul endroit pour l'action) et unité d'action (une seule intrigue) - afin que l'illusion théâtrale soit la plus grande.

5. Les personnages dramatiques

a. Les types de personnages

Traditionnellement, les personnages de théâtre correspondent à des caractères prédéterminés, stéréotypés : il existe des types psychologiques (l'amoureux, l'ingénue), des types sociaux (le maître, le valet, la servante). Ces différents types de personnages ont soit un rôle tragique (rois ou reines confrontés à leur destin), soit un rôle comique (le bourgeois ridicule, le valet rusé).

Pour définir les personnages dramatiques et leurs relations, on parle de schéma actantiel. On distingue le sujet de l'action (le personnage principal, le héros), l' objet que le héros veut conquérir (une personne, une position sociale), ainsi que les opposants et les adjuvants, qui résistent au héros ou l'assistent dans ses actions. Le destinateur est une force qui pousse le sujet à agir et le destinataire est le bénéficiaire de l'action du sujet (destinataire et sujet sont souvent un seul et même personnage).

Le théâtre est un genre littéraire qui s'oppose au roman et à la poésie. Tragédie, comédie ou drame, il met en scène une action représentée par des personnages qui parlent sur scène et a longtemps été régi par des règles définies au XVII e siècle.

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Qu'est-ce que le théatre ? - myMaxicours

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Objectifs connaître et comprendre les principaux genres littéraires. 1. Définition Le théâtre est une forme littéraire bien précise : il est ce que l'on appelle un genre et se distingue des deux autres grands genres, le roman e

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Voici un résumé et une analyse du Malade imaginaire de Molière pour le bac de français.

Le Malade imaginaire s'inscrit dans une thématique fréquente chez Molière : celle de la satire de la médecine, qui symbolise la prétention scientifique à maîtriser la nature.

Le Malade imaginaire est également un spectacle total car la comédie-ballet intègre la musique, le chant et la danse, offrant un divertissement des plus plaisants.

Enfin, cette pièce a contribué à la légende de Molière car le dramaturge qui souffrait de tuberculose fait un malaise lors de la quatrième représentation le 17 février 1673 dont il meurt quelques heures plus tard.

Le Malade imaginaire : analyse en vidéo

Lectures linéaires sur Le Malade imaginaire :

Le Malade imaginaire, acte I scène 1

Le Malade imaginaire, acte I scène 5

Le Malade imaginaire, acte I scène 6

Le Malade imaginaire, acte I scène 7

Le Malade imaginaire, acte II scène 2

Le Malade imaginaire, acte II scène 5

Le Malade imaginaire, acte II scène 8

Le Malade imaginaire, acte III scène 3

Le malade imaginaire, acte III scène 5

Le Malade imaginaire, acte III scène 10

Le Malade imaginaire, acte III scène 12

Le Malade imaginaire, acte III scène 14

Qui est Molière ?

Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière, est un des plus célèbres dramaturges du XVIIème siècle, qui se rattache au mouvement du classicisme.

Également acteur et directeur de troupe, cet homme de théâtre complet est la figure de proue de la comédie classique qu'il hausse au rang de la tragédie.

S'il excelle dans un premier temps avec la farce, c'est dans la comédie, plus profonde, où la peinture satirique des vices humains se colore d'une visée morale, qu'il se distinguera.

Protégé par Louis XIV, Molière est pourtant de nombreuses fois attaqué, notamment par les religieux pour ses critiques des faux-dévots dans Tartuffe. Il meurt en 1673, lors d'une représentation du Malade Imaginaire.

Comment résumer Le Malade imaginaire ?

Dans le prologue, des personnages antiques chantent le retour victorieux de Louis XIV de sa campagne guerrière contre la Hollande.

Dans l'acte I, Argan, hypocondriaque invétéré, compte ses traitements et s'affronte avec sa servante Toinette qui le met en garde contre l'apothicaire M. Fleurant et le médecin M. Purgon qui ne font que tirer profit de lui, sans le soigner.

Angélique, la fille d'Argan, confie à Toinette son amour pour Cléante. Mais pour réduire ses frais médicaux, Argan veut marier sa fille à un médecin, Thomas Diafoirus.

Toinette s'oppose à ce mariage tandis que Béline, la seconde femme d'Argan et belle-mère d'Angélique, défend le projet de son mari et pousse ce dernier à rédiger son testament en sa faveur.

Lors du premier intermède musical, Polichinelle chante sa douleur face à l'inflexibilité de son amante Toinette et se fait rouer de coups de bâton dans une scène de commedia dell'arte.

À l'acte II, Cléante s'introduit dans la maison familiale en se faisant passer pour le remplaçant du professeur de musique d'Angélique. Le père Diafoirus et son fils arrivent, mais la scène de compliments est cocasse : Thomas Diafoirus confond Angélique avec sa belle-mère.

Sur la demande d'Argan, Cléante donne une leçon de chant à Angélique. Les deux jeunes amants profitent de cet opéra improvisé pour mettre en abyme leur situation et se déclarer leur amour indirectement.

Angélique fait savoir son peu d'empressement pour son mariage avec Thomas Diafoirus et critique le mariage d'intérêt en visant Béline.

Argan apprend par sa cadette, Louison, la présence d'un jeune homme à la porte de la chambre d'Angélique. Furieux, il déclare qu' Angélique ira au couvent si elle ne veut pas épouser Thomas Diafoirus.

Béralde, le frère d'Argan, intervient et propose, pour calmer son frère, un intermède de danses d'Égyptiennes (le deuxième intermède).

Dans l'acte III, Béralde tente en vain de raisonner son frère. Il renvoie M. Fleurant, l'apothicaire venu donner un lavement à Argan, ce qui provoque la colère du médecin M. Purgon qui menace Argan de terribles maladies.

Toinette se déguise en médecin pour tromper Argan et ridiculiser la profession de ces faux sachants.

Puis, Toinette décide d'utiliser un subterfuge pour faire émerger la vérité. Elle propose à Argan de contrefaire le mort pour voir la réaction de sa femme. Cette dernière tombe dans le piège : elle se réjouit de décès de son époux tandis qu'Angélique est accablée par cette annonce. Les masques tombent donc.

Argan s'éveille et accepte qu'Angélique épouse Cléante si ce dernier devient médecin. Béralde propose une meilleure solution : pourquoi Argan ne se ferait-il pas médecin lui-même ? La pièce se clôt sur la cérémonie d'intronisation d'Argan au troisième intermède.

Tu peux lire ici mon résumé en vidéo du Malade imaginaire détaillé scène par scène.

Quels sont les thèmes importants dans Le Malade imaginaire ?

La médecine

Molière dresse dans Le Malade imaginaire une satire féroce de la médecine.

Au XVIIème siècle, l'Europe connaît des avancées majeures en médecine car, sous l'impulsion de René Descartes, elle se dote de méthodes scientifiques.

Mais les médecins que nous voyons dans le Malade imaginaire sont des personnages prétentieux, dissimulant leur ignorance derrière des mots savants et un latin de cuisine.

Ce sont des pédants et des rhétoriqueurs plutôt que des scientifiques. Leurs pratiques qui remontent à l'Antiquité, comme le lavement et la saignée, sont non seulement incapables de guérir, mais précipitent la mort des patients.

Le médecin n'impressionne que par son habit et ses discours savants. Ainsi, à la fin de la pièce, il suffit à Argan de revêtir la tunique pour être intronisé médecin :

- Quoi ! L'on sait discourir sur les maladies quand on a cet habit-là ?
Béralde - Oui. L'on n'a qu'à parler ; avec une robe et un bonnet, tout galimatias devient savant, et toute sottise devient raison.

Le mariage

Le Malade imaginaire confronte quatre types de mariages possibles :

Le mariage avec Dieu : c'est la menace du couvent.

Le mariage d'intérêt : celui que Béline a contracté avec Argan.

Le mariage arrangé (ou mariage de raison) : celui d'Angélique et Thomas Diafoirus

Le mariage fondé sur les sentiments (ou mariage d'amour) : celui d'Angélique et Cléante.

Avec le quiproquo de Thomas Diafoirus qui confond au départ sa future femme Angélique avec sa belle-mère, Molière critique ironiquement le mariage de raison fondé sur des personnes interchangeables.

Le mariage d'intérêt est également blâmé à travers le subterfuge utilisé par Toinette pour révéler les intentions vénales de Béline.

Le mariage d'amour est mis à rude épreuve à travers la figure paternelle qui utilise ses enfants pour servir ses propres intérêts, mais c'est ce mariage qui finira par triompher.

Conscient de l'injustice de la condition des femmes, Molière défend une conception du mariage dans lequel l'avis des femmes devrait être pris en compte.

La vérité

Au début de la pièce, Argan vit dans l'illusion. Il croit en la médecine, en l'amour de Béline, au mariage arrangé entre sa fille et Thomas Diafoirus.

La maladie qui l'affecte est bien plus l'erreur et le manque de lucidité que la pneumonie.

Toinette, par son subterfuge, fait émerger la vérité : Argan comprend que Béline est intéressée et qu'Angélique est raisonnable et aimante.

Néanmoins, Argan persiste dans ses illusions sur la médecine. Ni les discours de Béralde ni la colère de M. Purgon ne parviennent à lui ouvrir les yeux sur les médecins. Prisonnier de sa peur de mourir, il demande à Cléante de se faire médecin avant de le devenir lui-même.

Le divertissement

Le divertissement est une thématique fondamentale du Malade imaginaire.

En effet, cette comédie-ballet est un spectacle total qui intègre la musique, le chant et la danse. Les intermèdes occupent une part importante de la pièce, en termes de temps et d'investissements dramaturgiques (musique réalisée par le compositeur Marc-Antoine Charpentier, costumes, décors, chorégraphie).

Par ces intermèdes qui chantent le triomphe de l'amour ou de la joie, Molière cherche avant tout à plaire aux goûts du public de son temps.

Ces intermèdes font également partie d'un décorum de cour qui montre la puissance du règne de Louis XIV et visent à s'attirer les bonnes grâces du roi.

Quelles sont les caractéristiques de l'écriture de Molière ?

Le Malade Imaginaire est avant tout une comédie qui utilise tous les ressorts comiques traditionnels :

Le comique de mots, notamment avec le latin de cuisine lors du 3ème intermède qui n'a rien à voir avec le latin spécialisé du vocabulaire médical.

Le comique de répétition dans l'affrontement entre Toinette et Argan à propos du mariage d'Angélique et de la menace de la faire entrer dans un couvent : " ". Ou lorsque Toinette se déguise en médecin et répète le diagnostic " " quel que soit le symptôme énoncé par Argan.

Le comique de caractère, avec des personnages types et caricaturaux : Argan le barbon hypocondriaque, Toinette, la servante insolente.

Le comique de situation, notamment dans le troisième intermède lorsque Argan est fait médecin dans " Une cérémonie burlesque " où alternent récits, latin improvisé, chants et danse qui n'ont pas grand-chose à voir avec une soutenance de thèse de médecine.

Le trait est également satirique : les médecins sont caricaturaux et l'ironie de Toinette bouscule la hiérarchie sociale entre maîtres et servants (" Quand un maître ne songe pas à ce qu'il fait, une servante bien sensée est en droit de le redresser. " I,5)

Que signifie le parcours " Spectacle et comédie " ?

Spectacle et comédie sont intimement imbriqués dans Le Malade imaginaire.

Cette comédie-ballet offre en effet un spectacle total qui mêle chants, danses et musique. Mais les intermèdes ne sont pas des ajouts superflus pour divertir le spectateur : ils sont intimement liés à l'intrigue et accentuent son effet comique.

Par ailleurs, cette comédie s'appuie sur le procédé de théâtre dans le théâtre : tout au long de la pièce, les personnages organisent des spectacles dans le spectacle, multipliant là aussi le plaisir comique.

La comédie-ballet : un spectacle total

Le Malade Imaginaire est fondé sur le spectacle et la comédie.

La comédie-ballet est le creuset de trois arts très prisés à la cour de Louis XIV : l'art dramatique, le chant et la danse.

La pièce alterne donc entre une intrigue de théâtre et des pièces chantées ou dansées.

Mais les moments chantés et dansés sont rigoureusement liés à l'intrigue :

Le prologue évoque la gloire de Louis XIV et annonce le thème de la pièce en chantant les amours de bergers et bergères.

Le premier intermède reprend le motif de l'amour malheureux avec Polichinelle qui chante son amour pour Toinette dans une scène de Commedia dell'Arte.

Le deuxième intermède, avec les Égyptiens déguisés en Mores, place la question du mariage au cœur de l'intrigue : " Quel parti faut-il prendre / Pour nos jeunes cœurs ?"

Le troisième intermède revient sur la satire de la médecine. Argan est intronisé médecin dans une atmosphère de danse et de chant avec des docteurs qui parlent un latin de cuisine comique.

Le Malade imaginaire est de ce point de vue un véritable spectacle qui stimule les sens auditif et visuel et convoque plusieurs arts pour la satisfaction de la cour et du spectateur contemporain.

Le théâtre dans le théâtre : des spectacles dans le spectacle

Dans cette pièce, le spectacle est aussi celui qu'organisent les personnages eux-mêmes.

Toinette est, de ce point de vue, le metteur en scène de nombreuses scènes de théâtre dans le théâtre. La plus frappante est la mise en scène de la fausse mort d'Argan qui permet de démasquer la vénalité de Béline et de révéler la loyauté d'Angélique.

Béralde joue le rôle d' organisateur de spectacles car c'est souvent lui qui introduit les intermèdes, comme lorsqu'il annonce les danseurs mores pour calmer la colère d'Argan : " Je vous amène ici un divertissement que j'ai rencontré, qui dissipera votre chagrin ".

Plus généralement, le procédé de théâtre dans le théâtre est abondamment utilisé dans la pièce, par exemple lorsque Louison fait semblant d'être morte, quand Cléante et Angélique se déclarent leur amour à travers un opéra improvisé, quand Toinette se déguise en médecin ou lorsque Molière se met lui-même en abyme dans l'échange polémique entre Argan et Béralde : " ARGAN - C'est un bon impertinent que votre Molière avec ses comédies " (III, 3).

Ces procédés de mise en abyme accentuent l'effet comique car ils donnent une légèreté à la pièce et dédramatisent l'intrigue.

Spectacle et comédie se répondent donc dans le Malade Imaginaire. La comédie-ballet crée un système cohérent qui correspond parfaitement à l'esprit de cour de l'époque et à l'idéal classique de plaire et instruire.

Tu étudies Le Malade imaginaire de Molière ? Regarde aussi :

♦ Le Misanthrope : résumé
♦ Tartuffe [Fiche de lecture]
♦ L'école des femmes [Fiche de lecture]
♦ Dom Juan : résumé
♦ Les Fausses confidences, Marivaux [Fiche de lecture]
♦ Cyrano de Bergerac, Rostand [Fiche de lecture]
♦ Juste la fin du monde, Lagarce [Fiche de lecture]
♦ L'illusion comique, Corneille [Fiche de lecture]
♦ Knock, Jules Romains [Fiche de lecture]

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Le Malade imaginaire, Molière : analyse pour le bac de français

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Cette fiche de lecture propose un résumé-analyse du Malade Imaginaire, une étude des thèmes principaux (la médecine, le mariage) et du parcours spectacle et comédie.

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analyse le malade imaginaire - Bing video

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Le malade imaginaire : Molière
Aristote a associé la notion de purgation à la tragédie. Mais les commentateurs de Molière parlent de comique de catharsis = l'enjeu

Plaire et instruire

Le dramaturge met en scène un pauvre hypocondriaque (maladie et peur de mourir)
Problématiques
Comment Molière s'y prend t'-il pour purger le malade de cette folie ?

Comment s'y prend t'-il pour nettoyer le spectateur de cette peur de l'illusion du corps ?

Molière propose une comédie consciente d'elle-même ou le théâtre s'affiche comme l'espace thérapeutique où soigner la maladie

Molière parle de sa propre mort dans cette pièce

Comédie ballet = fusion de deux arts

Utilisation des ressources de la farce pour intellectualiser la comédie. C'est un sujet grave, la maladie, la mort mais = comique. Comique de situation, monologue + dialogue = deux rôles, mise en abyme du théâtre.

L'hypocondriaque est un médecin imaginaire. Les médecins apparaissent comme une corporation malhonnête.

Satire des médecins

Un autre aspect, qui nous conduit à la satire de notre peur de la mort, est la manière dont les médecins sont dépeints. La thématique des médecins apparaît déjà dans le théâtre français du Moyen âge et se retrouve tout aussi bien dans les pièces de la commedia dell'arte que dans le théâtre français du XVII siècle. Molière reprend ce thème pour la première fois dans , une de ses premières farces à laquelle on n'accorde généralement pas une très grande importance. Dans Le Médecin volant (1665) les thèmes de la maladie, des médecins et de la médecine font à nouveau leur apparition. Il suffit ici que Sganarelle (qui n'est qu'un domestique) mette les habits d'un médecin pour passer pour un grand érudit et pour oser parler comme tel. Deux thématiques de premier plan voient le jour : celle du langage jargonesque attribué aux médecins et le motif que le vêtement suffit à faire le métier de son porteur. Dom Juan ou le Festin de pierre

Argan est un homme parfaitement bien portant, ce qui ne l'empêche pas de se croire très malade. Il entre en fureur quand on lui dit qu'il se porte bien. À la fin du mois, il additionne tous les médicaments qui lui ont été administrés. Il n'en a que vingt, le mois précédent il en avait trente-deux. " Je ne m'étonne pas, dit-il avec douleur, si je ne me porte pas si bien ce mois-ci que l'autre. Je le dirai à M. Purgon, afin qu'il mette ordre à cela. "

Deux médecins se sont emparés de lui. L'an, M. Diafoirus, aime mieux médicamenter le peuple, où l'on n'a qu'à suivre les règles de l'art, sans se mettre en peine de ce qui peut arriver. Les grands ont cela de fâcheux, qu'ils veulent absolument qu'on les guérisse. " Un médecin, dit-il, n'est obligé qu'à traiter les gens dans les formes c'est à eux à guérir s'ils peuvent. " M. Diafoirus veut qu'on mette les grains de sel par nombre pair dans un œuf, et par nombre impair dans les médicaments. Son confrère, M. Purgon, fait croire à Argan qu'il mourra s'il reste trois jours sans être visité par lui. Il entre en fureur et le menace de toutes les maladies, parce qu'il n'a pas pris un des remèdes les plus innocents de la médecine. Cependant, Argan est le plus docile des malades. On lui a ordonné de se promener douze allées et douze venues dans sa chambre ; il se désole parce qu'il a oublié de demander si c'était en long ou en large.

Pour s'assurer des secours contre la maladie, il veut marier sa fille Angélique, malgré elle, à M. Thomas Diafoirus, le fils de son médecin. Heureusement celle-ci trouve un puissant auxiliaire dans sa servante Toinette qui ne craint pas d'affronter le courroux d'Argan et même de Béline, sa seconde femme, pour s'opposer à ce ridicule mariage. Il est vrai que Béline ne demande pas mieux que d'éconduire de la maison les enfants d'un premier lit ; même, par des caresses perfides, elle flatte les faiblesses de son mari, lui donne des témoignages hypocrites de tendresse, jusqu'à ce qu'enfin elle soit parvenue à lui faire faire un testament en sa faveur, au préjudice de ses enfants. Mais Toinette démasque ses perfidies et Argan n'en est bientôt que trop convaincu. Cependant, à défaut de Thomas Diafoirus, il tient encore à avoir un gendre médecin.

Qu'à cela ne tienne, le jeune homme qu'Angélique agrée, Cléante, consent à se faire médecin. " Et pourquoi pas vous faire médecin vous-même ? " lui dit son frère. Cette idée lui sourit mais il se sent malheureusement trop vieux " pour apprendre le latin et pour connaître les maladies et les remèdes ". " Il n'y a pas besoin d'études, lui réplique-t-on en recevant la robe et le bonnet, tout galimatias devient savant, et toute sottise devient raison. " Argan, enchanté, se fait recevoir médecin et cette cérémonie burlesque termine la pièce en couvrant de ridicule tous les Purgons et les Diafoirus.

Dans cette pièce, on voit combien l'amour désordonné de la vie est destructeur de toute vertu morale. Argan, voué à la médecine, esclave de M. Purgon, est aussi un époux sot et dupe, un père injuste, un homme dur, égoïste, colérique. Avec quelle énergie et quelle vérité l'auteur trace le tableau des caresses perfides d'une belle-mère qui abuse de la faiblesse d'un imbécile mari pour dépouiller les enfants du premier lit ! Quelle décence, quelle raison, quelle fermeté dans le caractère d'Angélique !

Cette comédie est l'image fidèle de ce qui se passe dans un grand nombre de familles. Enfin, l'auteur a osé y attaquer un des préjugés les plus universels et les plus anciens de la société, il a osé y combattre les deux passions qui font le plus de dupes, la crainte de la mort et l'amour de la vie ; il a bien pu les persifler, mais, hélas ! il était au-dessus de son art de les détruire. Les usages qui ont leur force dans la faiblesse humaine, bravent tous les traits du ridicule. Molière, il faut bien l'avouer, n'a point corrigé les hommes de la médecine, mais il a corrigé les médecins de leur ignorance et de leur barbarie.

ARGAN, malade imaginaire.

BÉLINE, seconde femme d'Argan.

ANGÉLIQUE, fille d'Argan et amante de Cléante.

LOUISON, petite fille d'Argan, et sœur d'Angélique.

CLÉANTE, amant d'Angélique.

MONSIEUR DIAFOIRUS, médecin.

THOMAS DIAFOIRUS, son fils, et amant d'Angélique.

MONSIEUR PURGON, médecin d'Argan.

MONSIEUR FLEURANT, apothicaire.

MONSIEUR BONNEFOY, notaire.

cinq font dix, et dix font vingt. Trois et deux font cinq. "Plus, du vingt-quatrième, un petit clystère

insinuatif, préparatif, et rémollient, pour amollir, humecter, et rafraîchir les entrailles de

toujours fort civiles. "Les entrailles de Monsieur, trente sols". Oui, mais, Monsieur Fleurant, ce

n'est pas tout que d'être civil, il faut être aussi raisonnable, et ne pas écorcher les malades.

dans les autres parties qu'à vingt sols, et vingt sols en langage d'apothicaire, c'est-à-dire dix

sols; les voilà, dix sols. "Plus dudit jour, un bon clystère détersif, composé avec catholicon

bas-ventre de Monsieur, trente sols;" avec votre permission, dix sols. "Plus dudit jour le soir un

julep hépatique, soporatif, et somnifère, composé pour faire dormir Monsieur, trente-cinq sols;"

je ne me plains pas de celui-là, car il me fit bien dormir. Dix, quinze, seize et dix-sept sols, six

deniers. "Plus du vingt-cinquième, une bonne médecine purgative et corroborative, composée

pour expulser et évacuer la bile de Monsieur, quatre livres." Ah! Monsieur Fleurant, c'est se

moquer, il faut vivre avec les malades. Monsieur Purgon ne vous a pas ordonné de mettre

quatre francs. Mettez, mettez trois livres, s'il vous plaît. Vingt et trente sols. "Plus dudit jour, une

sols." Dix Sols, Monsieur Fleurant. "Plus, le clystère de Monsieur réitéré le soir, comme dessus,

trente sols." Monsieur Fleurant, dix sols. "Plus du vingt-septième, une bonne médecine

composée pour hâter d'aller, et chasser dehors les mauvaises humeurs de Monsieur, trois

livres." Bon vingt, et trente sols; je suis bien aise que vous soyez raisonnable. "Plus du vingt-

huitième, une prise de petit-lait clarifié, et dulcoré, pour adoucir, lénifier, tempérer, et rafraîchir le

sang de Monsieur, vingt sols." Bon, dix sols. "Plus une potion cordiale et préservative,

l'ordonnance, cinq livres." Ah! Monsieur Fleurant, tout doux, s'il vous plaît, si vous en usez

comme cela, on ne voudra plus être malade, contentez-vous de quatre francs; vingt et quarante

sols. Trois et deux font cinq, et cinq font dix, et dix font vingt. Soixante et trois livres quatre sols

six deniers. Si bien donc, que de ce mois j'ai pris une, deux, trois, quatre, cinq, six, sept et huit

médecines; et un, deux, trois, quatre, cinq, six, sept, huit, neuf, dix, onze et douze lavements; et

l'autre mois il y avait douze médecines, et vingt lavements. Je ne m'étonne pas, si je ne me

porte pas si bien ce mois-ci, que l'autre. Je le dirai à Monsieur Purgon, afin qu'il mette ordre à

cela. Allons, qu'on m'ôte tout ceci, il n'y a personne; j'ai beau dire, on me laisse toujours seul; il

n'y a pas moyen de les arrêter ici. (Il sonne une sonnette pour faire venir ses gens.) Ils

n'entendent point, et ma sonnette ne fait pas assez de bruit. Drelin, drelin, drelin, point d'affaire.

Drelin, drelin, Drelin, ils sont sourds. Toinette. Drelin, drelin, drelin. Tout comme si je ne sonnais

point. Chienne, coquine, drelin, drelin, drelin; j'enrage. (Il ne sonne plus, mais il crie.) Drelin,

drelin, drelin. Carogne, à tous les diables. Est-il possible qu'on laisse comme cela un pauvre

malade tout seul! Drelin, drelin, drelin; voilà qui est pitoyable! Drelin, drelin, drelin. Ah! mon Dieu,

ils me laisseront ici mourir. Drelin, drelin, drelin.
Plan possible, I, 1
I - un malade imaginaire : théâtre critique

1 un malade : maladie réelle et angoisse de la maladie

2 Un fou : lucidité et délire

3 Un acteur : mise en abyme et distanciation

II - Un médecin imaginaire

1 la farce : comique de situation

2 la parodie : limite

3 satire : comique de répétition

III - Un corps imaginaire : critique du galiénisme

1 les humeurs, corps liquide

2 la pureté : une théorie hydrolique

3 l'aristocratie : le roi Argan
Rationaliser la maladie : Les arguments d'Argan

les médecins doivent être honnêtes puisqu'ils sont eux mêmes leur patient

on peut combiner nature et sons

Attaque personnelle : accuse d'être orgueilleux. Il prétend en savoir plus que les médecins.

Il appelle à l'aide, il est à cours d'arguments

Attaque Molière

Manifeste sur la valeur du théâtre, sur la société et la valeur de Molière sur la scène sociale

Argan s'énerve, il hausse le ton, il n'a plus d'arguments. Molière meurt 4 jours plus tard, parole performative = dimension critique et performative.

Les arguments de Béralde

Classe les médecins en deux types : ceux qui font semblant et ceux qui tombent dans l'erreur

Les médecins sont des dangers publics

Quand on est malade, il vaut mieux ne rien faire et laisser faire la nature

Il condamne la médecine de son époque mais ne peut pas le concevoir autrement

Roman de la médecine, critique de la médecine, remise en cause de la théorie de Galien

Opposition binaire, médecins, médecine

Met sur le même plan, comédie et tragédie

Les médecins affaiblissent le corps et le rendent malade

Plan possible :
I - un débat argumenté

Débat rationnel

Débat passionné

Débat sans vainqueur

II - Un débat sur la médecine

Critique de l'ignorance

Critique de la corporation

Critique de la naiveté

III - Un débat sur le théâtre

Du réel au théâtre

Du théâtre au réel

Le théâtre autotélique
Théâtralisation comique de la malade Acte III, 5 et 10 Scène 5 :
Le jargon médical

Comique de situation, stichomythies

Argan va jouer à l'être faible

Comique de répétition : cela souligne le jeu de l'acteur : nouvelle intensité de chaque réplique

Comique de geste :

Farce, comique, absurde

Victimisation injuste d'Argan

Comique de mots, absurde
Scène 10 :
Comique de situation, Toinette se déguise en médecin. Théâtre dans le théâtre. Mise en abyme.

Fonction du théâtre dans la société

La mise en abyme permet la remise en forme

Comique de répétition

Satire des médecins et de la médecine. Argan accepte n'importe quelle explication

Documentation de l'époque

Toinette va encourager Argan à vivre

La mise en abyme permet de découvrir la vérité profonde d'Argan

Il y a une référence à la bible, l'Evangile de Mathieu. Toinette lit la bible pour diagnostiquer Argan. Satire des dogmes religieux et médicaux.
Folie et carnaval : II, 14
L'habit fait le médecin

L'habit fonde l'autorité car il suscite l'imagination. La société du 17è est théâtrale. Molière a capté la dimension théâtrale des statuts sociaux. Argan devient médecin en se déguisant pour faire une comédie. Les personnages créent à leur tour du théâtre. Molière montre les ficelles de la théâtralité.

Molière trouve les circonstances pour cacher l'hypocondrie d'Argan.

Le carnaval = rituel social qui inverse les statuts sociaux pour un court moment de l'année. Le malade devient médecin

Le théâtre ne change pas le monde mais il est au cœur du monde.

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Le malade imaginaire, Molière, problématiques et analyse littéraire

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Le malade imaginaire : Molière Aristote a associé la notion de purgation à la tragédie. Mais les commentateurs de Molière parlent de comique de catharsis = l'enjeu Plaire et instruire Le dramaturge met en scène un pauvre hypocondriaque (maladie et peur de mourir) Problématiques Comment Molière s'y prend t'-il pour purger le malade de cette folie ?

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LES 15 CARACTÉRISTIQUES LES PLUS IMPORTANTES DU THÉÂTRE - ART - 2023

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Les caractéristiques les plus importantes du théâtre sont étroitement liées aux éléments communs à toute pièce ou représentation. Le terme théâtre a ses origines dans le mot grec theatron, qui signifie un endroit à regarder

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Molière

Auteur dramatique français (Paris 1622-Paris 1673).

Molière

Molière, Dom Juan ou le Festin de pierre

Molière, Le Misanthrope

Molière, L'Avare

Molière, Le Tartuffe

Molière, Le Bourgeois gentilhomme

Acteur, chef de troupe, auteur et metteur en scène, Molière est l'homme de théâtre complet par excellence. Il joue, en tant qu'auteur, sur toute la gamme des effets comiques, de la farce la plus bouffonne jusqu'à la psychologie la plus élaborée. Ses pièces où, s'attaquant à un vice de l'esprit ou de la société, il campe des personnages qui forment des types, sont de véritables chefs-d'œuvre. En élevant la comédie, considérée avant lui comme un genre mineur, il a donné un élan vital au théâtre.

Famille

Son grand-père et son père sont maîtres tapissiers du roi. Sa mère meurt en 1632.

À 40 ans, Molière se marie avec Armande Béjart. Ils ont deux fils, morts très jeunes, et une fille.

Jeunesse

Jean-Baptiste étudie à Paris dans un collège jésuite. Il exerce quelques mois le métier d'avocat puis hérite de la charge de tapissier du roi.

Débuts

En 1643, il fonde avec la comédienne Madeleine Béjart l'Illustre-Théâtre. Acteur, auteur et bientôt chef de troupe, il devient " Molière ". Mais ses tragédies sont des échecs. En 1645, c'est la faillite.

Il fonde avec Madeleine une nouvelle troupe qui tourne en province pendant treize ans. Leurs farces remportent de grands succès. En 1658, la troupe regagne Paris.

Gloire

Avec le triomphe des Précieuses ridicules (1659), Molière devient un auteur adulé, jalousé, redouté. En 1661, il crée avec le musicien Lully la comédie-ballet. Le roi Louis XIV est enthousiaste. Mais l'École des femmes (1664) est accusée d'être blasphématoire. En 1664, les dévots font interdire Tartuffe, qui dénonce l'hypocrisie religieuse. Molière obtient néanmoins la protection du roi.

Mais la vie privée de Molière est agitée. À 43 ans, il est atteint d'une fluxion au poumon.

Son Dom Juan (1665) provoque un nouveau scandale. Le Misanthrope (1666) reçoit un accueil mitigé. Entre 1668 et 1670, l'Avare, Tartuffe et le Bourgeois gentilhomme sont des triomphes.

Disgrâce

En 1672, Madeleine Béjart meurt. Les Femmes savantes sont un échec.

Lully supplante Molière dans la faveur royale.

Mort

Au cours d'une représentation du Malade imaginaire, sa dernière comédie-ballet (1673), Molière est pris de malaise. Il meurt à son domicile parisien. Il est enterré de nuit, sans inhumation chrétienne.

Citations

" c'est une étrange entreprise que celle de faire rire les honnêtes gens ". (la Critique de l'École des femmes, sc. VI)
" Les gens de qualité savent tout sans avoir jamais rien appris. " (les Précieuses ridicules, sc. IX)

1. La vie de Molière

Molière

Les parents de celui qui devait prendre le nom de Molière sont des artisans-marchands prospères de Paris : le père, Jean Poquelin, achète en 1631 une charge avantageuse de " tapissier ordinaire du roi " (c'est-à-dire de fournisseur de la Cour). Aîné de cinq enfants, Jean-Baptiste est envoyé au collège jésuite de Clermont - l'actuel lycée Louis-le-Grand - que fréquentaient des fils d'aristocrates. Il s'intéresse tôt au théâtre, sous l'influence de son grand-père qui l'emmène voir les spectacles de l'Hôtel de Bourgogne. Sa scolarité achevée, il fait des études de droit et suit les leçons du philosophe et savant Gassendi, dont l'enseignement met en cause les explications religieuses de la création du monde.

1.1. Les débuts dans la carrière théâtrale

En 1643, alors qu'il était destiné à être avocat ou tapissier, il se fait soudain verser sa part d'héritage maternel, passe contrat avec la famille Béjart et six autres comédiens pour fonder une troupe, " l'Illustre-Théâtre ", et il devient " Molière ". Sa vocation est donc originale et impérieuse. Il aurait pu, comme beaucoup, venir au théâtre par l'écriture, mais chez lui le goût du jeu scénique précède l'écriture, donnée fondamentale pour comprendre sa carrière et son esthétique.

Il essaie de fonder une nouvelle salle de théâtre à Paris, ce qui est alors des plus difficiles. En butte à l'hostilité des troupes concurrentes, l'Illustre-Théâtre fait faillite dès 1645, et Molière connaît, très brièvement, la prison pour dettes. Il n'abandonne pas : il rejoint avec les Béjart une troupe itinérante en province. Ce sont des années d'apprentissage, sous la protection du prince de Conti, gouverneur du Languedoc.

Molière commence à écrire pour la compagnie des farces, puis des comédies ( l'Étourdi, 1654 ; le Dépit amoureux, 1656). Mais le prince de Conti, devenu dévot, retire son appui aux comédiens. La troupe quitte le Midi de la France pour Rouen puis Paris, où Molière obtient la protection de Monsieur, frère du roi.

En 1658, la troupe débute devant la Cour. Le bon accueil fait à ses premières comédies lui permet d'obtenir de partager la salle du Palais-Royal avec les comédiens-italiens. Molière, qui s'estime un temps doué pour la tragédie, y interprète des tragédies de Corneille, sans succès. La gloire survient cependant dès 1659 avec le succès triomphal des Précieuses ridicules : pour la première fois, Molière fait éditer son texte (pour couper court à des éditions pirates).

1.2. Un auteur-acteur célèbre et contesté

Dès lors, les créations se succèdent à un rythme soutenu, sous la protection de Louis XIV : Molière deviendra en 1664 le fournisseur des fêtes de la Cour, associant le plus souvent comédie, musique et ballets. Mais ses audaces d'auteur qui entend aussi " corriger les mœurs par le rire " donnent lieu à de violentes querelles.

À propos de l'École des femmes (1662) qui fait scandale, on lui reproche à la fois de jouer de plaisanteries faciles et d'équivoques, et de mettre sur le théâtre comique des sujets trop graves (l'éducation morale et religieuse des femmes). Par la Critique de l'École des femmes et l'Impromptu de Versailles (1663), il ridiculise ses détracteurs et ses rivaux, obtenant le soutien et les compliments du roi.

La bataille du Tartuffe (1664-1669), où il met en scène les méfaits d'une dévotion hypocrite et fanatique, est plus violente : interdite par la justice à la demande de représentants de l'Église, la reprise de la pièce n'est autorisée que cinq ans après sa création.

Dom Juan (1665) est un succès sans lendemain. Mettant en scène un " libertin ", c'est-à-dire un homme libre de mœurs et de pensée, l'œuvre ne sera jamais rejouée du vivant de l'auteur et le texte sera édité seulement après sa mort, dans une version expurgée.

En moyenne, sur commande royale, ou pour faire vivre sa troupe (qui joue également des textes d'autres auteurs, comme Corneille dont il reste l'ami et Racine avec lequel il se brouille), Molière compose et met en scène deux pièces par an : des comédies à grand spectacle telles que le Bourgeois gentilhomme (1670), des comédies où la peinture de l'être humain donne une profondeur nouvelle au genre comique ( Le Misanthrope, 1666 ; l'Avare, 1668), des farces ( les Fourberies de Scapin, 1671) ou des comédies satiriques ( Les Femmes savantes, 1672).

Sa vie privée a souffert d'une telle activité d'auteur, de chef de troupe et de comédien, parfois en conflit avec d'autres artistes comme le compositeur Lully, l'un de ses rivaux auprès du roi. Il avait été l'amant de Madeleine Béjart, dont il épouse la fille en 1662 ; Armande est de 20 ans plus jeune que lui et ses ennemis affirment que, ce faisant, il épouse sa propre fille, ce qui est une calomnie sans fondement. Le ménage ne semble pas avoir été des plus heureux. Il a donné naissance à trois enfants, dont, seule, une fille, Esprit-Madeleine (1665-1723), n'est pas morte dans sa première année.

1.3. Une mort à l'issue d'une représentation

À partir de 1666, la santé de Molière s'altère gravement. Il continue ses spectacles malgré la progression de la maladie. Le bruit de sa mort se répand à Paris à plusieurs reprises. Le 17 février 1673, lors de la quatrième représentation du Malade imaginaire, sa nouvelle et ultime pièce où il se moque des médecins et de l'engouement démesuré de son personnage pour la médecine, un malaise le saisit sur scène. Transporté chez lui, rue de Richelieu, il meurt dans la soirée.

Les comédiens n'ont pas droit à une inhumation religieuse. Mais, sur intervention de Louis XIV, son corps a droit à un enterrement opéré de nuit et sans " service solennel ", au cimetière Saint-Joseph.

Molière laisse une troupe, celle de l'hôtel de Guénégaud, qui est devenue la plus réputée de Paris, et où des comédiens de grand talent ont trouvé l'occasion de se former et de s'affirmer. Sept ans après la mort de Molière, en 1680, le roi ordonne la réunion de cette troupe avec celle de l'Hôtel de Bourgogne pour fonder la Comédie-Française.

2. Une existence vouée au théâtre

2.1. Molière auteur

À la différence de Corneille et de Racine, Molière écrit ses pièces en praticien du théâtre. Il conçoit ses histoires et ses répliques pour lui-même et pour des acteurs qu'il connaît et qu'il va diriger. Tout en étant un véritable écrivain, maître des subtilités du langage et créateur de formules, il pense - plus qu'un poète travaillant dans la solitude de son bureau - à la façon dont les répliques seront dites par les comédiens et au jeu qui accompagnera la diction du texte.

De fait, Molière n'a écrit que du théâtre, à l'exception des préfaces qui précèdent l'édition de certaines de ses pièces, de son Remerciement au roi (1663) et de son hommage au peintre Mignard, la Gloire du Val-de-Grâce (1667). C'est un acteur-auteur comme l'était Shakespeare avant lui.

Il est l'auteur, selon la nomenclature en usage, de 2 farces, 22 comédies, 7 comédies-ballet, 1 tragédie-ballet, 1 " comédie pastorale héroïque " et 1 " comédie héroïque ". Dom Garcie de Navarre, en 1661, l'une de ses très rares tentatives dans le genre sérieux fut un échec.

Il a écrit tantôt en vers, tantôt en prose. Les acteurs d'alors préféraient les vers, plus faciles à retenir. Mais écrire en alexandrins demande un travail de plus longue haleine. Quand il était pressé, Molière écrivait en prose, comme pour ses farces, pour Dom Juan ou l'Avare.

Molière dans le rôle d'Arnolphe

Qu'il soit rimé ou en prose, son style a naturellement évolué d'année en année, et sa conception de la comédie également. Sans perdre le goût des pitreries venu de la contemplation des bateleurs qu'il voyait dans son enfance, Molière a peu à peu intégré des préoccupations personnelles, des plaidoyers pour la liberté de ceux qui s'aiment et des questions philosophiques, tout en revendiquant le souci de la vérité, " Il faut peindre d'après nature ". En même temps, sa satire se focalisait sur le milieu mondain et intellectuel, les ambitieux, les médecins et les faux prêcheurs de vertu.

Molière est-il alors devenu, au fil des années, un auteur plus tragique que comique ? C'était le point de vue d'Alfred de Musset qui, dans son poème Une soirée perdue (1850), admire chez lui " une mâle gaîté, si triste et si profonde que, lorsqu'on vient d'en rire, on devrait en pleurer ". Mais cet avis porte la marque des années du romantisme, où l'on aime à privilégier une vision noire de l'Histoire et de la vie. Jusque dans sa dernière pièce, le Malade imaginaire, Molière défia l'esprit de sérieux par la bouffonnerie et la satire, fidèle à la mission qu'il définissait ainsi dans la Critique de l'École des femmes : " C'est une étrange entreprise que celle de faire rire les honnêtes gens ".

2.2. Molière acteur

Molière en habit de Sganarelle

Comme acteur, il était un interprète exceptionnel. Il a joué les grands rôles qu'il avait conçus pour lui : Harpagon (l'Avare), Alceste (le Misanthrope), Dom Juan... Il a été un incomparable acteur de comédies mais il a aussi joué des tragédies.

De nombreux témoignages et travaux d'historiens rendent compte de son talent de bête de scène. Lorsqu'il joue Mascarille dans les Précieuses ridicules, il " entre en piste, clown au masque rubicond sous la monstrueuse perruque couronnée du minuscule chapeau décrit par Mademoiselle Des Jardins, engoncé dans ses flots de rubans et sa tuyauterie de canons, glapissant dans sa chaise, secoué par ses porteurs, littéralement versé sur la scène, il roule, se redresse, se trémousse, fait le brouhaha sur la scène et dans la salle " ( Molière, une vie, Alfred Simon, 1987).

3. Les formes de théâtre chez Molière

3.1. La farce et la comédie

La farce est une forme qui exagère et simplifie la nature des personnages et l'action, pour provoquer un rire immédiat. Molière connaissait à la fois les farces des bateleurs qu'il voyait sur le Pont-Neuf, à Paris, dans son enfance, celles des comédiens italiens jouant à Paris et celles qu'avaient laissées les auteurs de l'Antiquité, en particulier les farces de l'auteur latin Plaute.

C'est ainsi qu'il commença par des farces : l'Étourdi, le Dépit amoureux. Comme le genre de la farce exige une action courte et rapide, il est passé ensuite au genre de la comédie, plus étoffé, où l'action et la psychologie font l'objet de développements longs et subtils.

Mais Molière a utilisé des gags et des situations de farces à l'intérieur de ses pièces plus ambitieuses, comme l'Avare, pièce truffée d'exagérations comiques. Pour le plaisir de revenir au rire populaire, il est souvent retourné à la belle simplification de la farce, comme lorsqu'il écrivit le Médecin malgré lui et les Fourberies de Scapin, alors même qu'il était pour beaucoup l'auteur comique mais grave du Misanthrope.

On peut distinguer plusieurs types de comédie dans le répertoire moliéresque, parfois mis en œuvre dans une même pièce ; le Misanthrope, par exemple, est à la fois une comédie de mœurs et une comédie de caractère, l'Avare également.

3.2. La comédie satirique

L'une des caractéristiques du comique, c'est de se moquer des contemporains, des gens parmi lesquels on vit. Un peu à la manière d'un journaliste pamphlétaire, Molière a raillé un certain nombre de corps sociaux, religieux et mondains.

Le corps social que Molière a le plus violemment attaqué est celui des médecins : leur mise en cause comique a lieu dans de nombreuses pièces, du le Médecin malgré lui au Malade imaginaire, la dernière pièce de Molière. Même à l'intéreur de Dom Juan, il s'en prend aux disciples d'Esculape.

Il critique aussi toute une frange du milieu religieux, les " faux dévots ", qu'il dénonce violemment à travers le personnage du roué Tartuffe ; cette audace lui coûtera cher, la pièce sera interdite par trois fois.

Enfin, Molière est un satiriste du milieu mondain, qu'il ridiculise dans les Précieuses ridicules et les Femmes savantes et lorsqu'il prend pour cible les aristocrates impudents, notamment dans George Dandin.

3.3.. La comédie mythologique

Lorsqu'il s'inspire d'un sujet traité par un auteur de l'Antiquité, comme c'est le cas pour l'Avare tiré d'une comédie de Plaute, Molière transpose l'action dans son temps.

Mais, exceptionnellement, il garde le contexte antique quand il écrit Amphitryon. C'est donc une comédie mythologique, de la même façon que les tragédies de Racine et de Corneille sont des tragédies antiques. Cette œuvre n'a pas d'équivalent parmi les autres pièces de Molière. Elle fait référence à un épisode des légendes grecques et ne s'adresse pas à un public large, mais à un public cultivé.

3.4. La comédie-ballet

La comédie-ballet, dont la forme annonce l'opéra par ses parties chantées et dansées, a pour principe d'alterner des scènes chorégraphiées et des scènes dialoguées. Elle s'est développée quand les divertissements royaux se sont multipliés à Versailles et dans d'autres châteaux. Le roi Louis XIV et la Cour étaient très friands de ces spectacles qui reposaient sur une idée de théâtre total - utilisant tous les langages du spectacle - et déployaient un grand faste dans l'utilisation des décors et des machineries.

Molière a souvent répondu aux commandes qui lui étaient faites par le roi. Les Fâcheux, les Plaisirs de l'île enchantée, la Princesse d'Élide, les Amants magnifiques sont des comédies-ballets dont les textes ne nous importent plus beaucoup aujourd'hui, à l'inverse de Monsieur de Pourceaugnac, le Bourgeois gentilhomme et Malade imaginaire.

Ces trois dernières pièces sont parfois représentées sans leurs intermèdes musicaux mais elles ont été conçues sous cette forme qui mêle l'action théâtrale et les tableaux faits de chants et de danses. Pour toutes ces œuvres, Molière collaborait avec un musicien, tel que Lully ou Marc-Antoine Charpentier.

Le genre de la comédie-ballet mettait généralement en scène les épisodes et les héros de la mythologie et des pastorales. Molière a su à la fois utiliser des thèmes antiques et imposer des sujets contemporains...

3.5. La comédie du théâtre

Délaissant la fiction, Molière s'est amusé par deux fois à répondre à ses détracteurs sous la forme d'une comédie sur le théâtre. La première fois, ce fut avec la Critique de l'École des femmes, où il représente des spectateurs hostiles à sa pièce l'École des femmes qui discutent avec des spectateurs favorables.

La seconde fois, ce fut avec l'Impromptu de Versailles, où il se met lui-même en scène en train de diriger ses propres acteurs. Il donne à voir ainsi le théâtre et son public, mais, derrière la réaction à un événement d'actualité et la volonté de répondre aux polémiques, s'affirme aussi un discours théorique et esthétique, exprimant les points de vue de l'auteur sur l'art dramatique.

3.6. La comédie de mœurs

La comédie de mœurs vise à dépeindre la façon dont les hommes vivent en société. Molière est l'un des grands maîtres de la comédie de mœurs, avec des angles d'attaque différents, puisqu'il passe du registre satirique au tableau proprement social.

Dans les Précieuses ridicules, c'est à la satire d'un phénomène de mode que l'auteur s'attache avant tout. Dans l'École des femmes, Tartuffe, Le Misanthrope, George Dandin, les Femmes savantes le comique a toujours un caractère de moquerie relatif aux travers de l'époque mais il s'élargit à l'examen du milieu social.

Ce sont surtout la famille et la question du mariage qu'embrasse le regard de Molière : il montre comment les enfants subissent la loi des parents (essentiellement du père), comment les relations avec l'argent, les rapports entre les époux et le désir de s'inscrire dans un courant à la mode ou dans un mouvement religieux modifient la vie du groupe, quels sont les place et rôle des domestiques dans la vie de la maison et comment l'union conjugale est parfois traitée autant comme une affaire financière que comme une question d'harmonie amoureuse.

Molière représente aussi le décalage entre les classes sociales : la tentative de passer dans la classe supérieure, de la bourgeoisie à l'aristocratie se traduit le plus souvent par un comportement ridicule et voué à l'échec.

Chez Molière, la notion de mœurs est liée à la notion de morale : en raillant les défauts de ses contemporains, il en appelle à la raison et à un comportement qui mettrait fin aux folies et aux lubies. Dans cette perspective, les personnages dont le comportement est condamnable sont souvent ridiculisés ou punis dans l'une des dernières scènes de la pièce.

3.7. La comédie de caractères

Au-delà de la représentation du contexte social et de l'époque dans laquelle il s'inscrit, il y a l'individu et sa psychologie. La comédie de caractère cherche à mettre en évidence un type humain qui a une valeur universelle, et même éternelle, puisque les mêmes natures d'homme et de femme traversent les siècles.

C'est une des grandes idées du xvii e siècle français que de reprendre cette peinture du caractère, telle qu'elle avait été ébauchée dans l'Antiquité (chez les auteurs grecs puis dans la comédie latine) et d'en faire l'un des grands thèmes de la littérature et du théâtre.

Les Caractères de Jean de La Bruyère, ouvrage postérieur au théâtre de Molière, accomplit parfaitement cette composition d'une galerie de portraits où des types humains (l'égoïste, l'amoureux, le cupide...) sont saisis à travers leurs traits essentiels.

Molière, avant lui, a dépeint un certain nombre de personnages représentatifs des diverses façons d'être et de penser : Tartuffe est l'exemple même de l'ambitieux pratiquant le double langage pour arriver à ses fins. Alceste, le misanthrope, est l'homme qui n'aime pas les autres hommes et exècre la société. M. Jourdain, le " bourgeois gentilhomme ", est, ce qu'on appellerait aujourd'hui, un nouveau riche, qui croit, naïvement, qu'on peut changer de statut social avec le pouvoir de son argent. Harpagon, le personnage central de l'Avare, est le parangon de ces êtres qui sacrifient tout au plaisir de posséder et qu'on appelait aussi, au xvii e s., des " avaricieux ". Argan, le " malade imaginaire ", incarne à la perfection une configuration psychologique, celle de l'homme chez qui la hantise de la maladie et de la mort fait disparaître la perception de la réalité.

Ce sont essentiellement des types masculins que Molière a composé, à côté de quelques types féminins : la femme séductrice et coquette, à travers le personnage de Célimène dans le Misanthrope, les servantes généreuses et batailleuses telles que Dorine dans Tartuffe et Toinette dans le Malade imaginaire...

3.8. La comédie philosophique

Molière n'a pas écrit, à proprement parler, du théâtre philosophique. Mais cette dimension existe dans certaines de ses pièces. Adversaire d'une forme de fanatisme religieux, tel qu'il se montre avec prudence dans Tartuffe (où il dénonce les " faux dévots " et non les dévots), il s'interroge parfois sur la mort et sur la condition humaine.

De ce point de vue, Dom Juan est sa seule véritable comédie philosophique. Dom Juan y incarne le dédain d'une pensée religieuse et consolatrice, Sganarelle la défense d'une attitude religieuse représentée comme une forme de superstition. On peut voir là - mais une autre interprétation est possible, la pièce s'achevant sur la mort du séducteur - une préférence affirmée pour les thèses des " libertins " qui ne croyaient pas à l'existence de Dieu.

3.9. Le genre sérieux

Molière est essentiellement un écrivain comique, un auteur de comédies. Mais il a écrit quelques pièces relevant du genre sérieux. Il a composé une " comédie héroïque ", Don Garcie de Navarre ou le Prince jaloux, qui fut un échec. Et également une " comédie pastorale héroïque ", Mélicerte, et une " tragédie ballet ", Psyché. Il s'est le plus souvent montré peu à l'aise et moins convaincant dans ce registre " héroïque " où s'illustrait brillamment son ami Corneille.

4. Chronologie des pièces principales de Molière

1659 : les Précieuses ridicules, comédie.

1662 : l'École des femmes , comédie.

1663 : la Critique de l'École des femmes, comédie.

1663 : l'Impromptu de Versailles, comédie.

1664-1669 : Tartuffe, comédie.

1666 : le Misanthrope, comédie.

1666 : le Médecin malgré lui, comédie.

1668 : Amphitryon, comédie.

1668 : George Dandin, comédie.

1669 : Monsieur de Pourceaugnac, comédie-ballet.

1670 : le Bourgeois gentilhomme, comédie-ballet.

1671 : les Fourberies de Scapin, comédie.

1671 : les Femmes savantes, comédie.

1673 : le Malade imaginaire, comédie mêlée de musique et de danse.

5. Les personnages de Molière

5.1. Les bourgeois

La classe des bourgeois est la classe sociale la plus représentée et analysée par Molière. Et c'est dans la cellule familiale bourgeoise que Molière prend les événements qui l'intéressent : les questions de mariage, de l'autorité du père, des relations entre époux, du désir d'indépendance des enfants.

Pris par son activité d'artiste, marié mais n'ayant eu qu'un seul enfant qui ne soit pas mort peu de temps après la naissance, Molière ne semble pas avoir eu une vie bourgeoise, mais c'est de ce milieu-là qu'il vient : un milieu où l'on a des biens, où le souci de l'argent a tendance à prendre le pas sur l'amour.

Molière a peint toute une galerie de bourgeois différents : Tartuffe, devenu naïf sous l'emprise d'une fascination, Alceste, ( le Misanthrope) écartelé entre l'amour et la solitude, Harpagon ( l'Avare), dévoré par sa passion de l'argent, Chrysale (les Femmes savantes), défenseur du rôle domestique de la femme, Monsieur Jourdain ( le Bourgeois gentilhomme), type du nouveau riche qui voudrait accéder à la classe sociale supérieure. Arnolphe ( l'École des femmes ) présente l'originalité d'être situé hors contexte : c'est un solitaire qui veut façonner une jeune fille selon ses désirs.

Les personnages d'épouses ont souvent moins d'épaisseur. Si Philaminte ( les Femmes savantes) représente singulièrement une précieuse très active et en conflit avec son mari ; si Béline ( le Malade imaginaire) est une intrigante, les autres épouses, Elmire ( Tartuffe), Madame Jourdain ( le Bourgeois gentilhomme), sont des femmes raisonnables qui défendent la solidité et les valeurs de la famille contre les extravagances de leur conjoint.

Quant aux jeunes gens, ils attirent la sympathie mais ils manquent de personnalité. Ils sont presque interchangeables d'une pièce à l'autre.

5.2. Les nobles

Dom Juan donne une image flatteuse d'un aristocrate, mais la pièce ne parle pas exactement de la réalité sociale. C'est une variation sur un sujet déjà traité par un auteur espagnol. Le personnage est plus mythique qu'inscrit dans la réalité du xvii e siècle.

Vis-à-vis des nobles de son temps, Molière est le plus fréquemment sévère et même cruel. Il a personnellement beaucoup souffert de leur arrogance et de leur suffisance. Il les ridiculise dans la Critique de l'École des femmes et dans l'Impromptu de Versailles. Il se venge une fois encore de tous les courtisans appartenant à l'aristocratie à travers les deux personnages de " petits marquis " dans le Misanthrope et des odieux de Sotenville dans George Dandin. Enfin, Dorante, le noble dans le Bourgeois gentilhomme, est un malhonnête homme, empruntant de l'argent qu'il ne rembourse pas.

5.3. Les serviteurs

Les domestiques sont, chez Molière, des personnages aussi importants pour l'action que pour les effets comiques. Ils viennent autant de l'image qu'ont donnée d'eux les farces latine et italienne que de la réalité de tous les jours.

Les serviteurs masculins, héritiers d'Arlequin, sont, comme Scapin, malhonnêtes (ou, tout au moins, rusés), fréquemment profiteurs et alcooliques, mais fidèles à leur maître et d'une imagination si efficace qu'elle débrouille les situations les plus compliquées. Molière a progressivement humanisé ce type de personnage, en passant de Mascarille, le rusé, à Sganarelle qui représente par moments les souffrances des gens du peuple.

Pour les servantes, Molière a fait encore davantage éclater les cadres de la tradition. Les servantes sont la voix de la raison et la voix de Molière lui-même. Leur bonhomie, leur culot, leur langue bien pendue, la saveur de leur langage, leur absence de crainte face aux maîtres, leur défense des enfants arrivés à l'âge du mariage, tout fait d'elles des héroïnes dont les défauts - elles ne savent pas rester à leur place - se transforment immédiatement en qualités. Dorine ( Tartuffe), Martine ( les Femmes savantes) et Toinette ( le Malade imaginaire) incarnent un bon sens populaire sans lequel Molière manquerait d'un instrument de mesure pour juger l'évolution de la société et les travers de ses héros.

5.4. Les paysans

Les paysans apparaissent rarement, sauf quand Molière a besoin de personnages dotés d'accents provinciaux, comme Pierrot dans Dom Juan. George Dandin, le paysan enrichi qui a eu le malheur d'épouser une aristocrate, reste une exception. Mais cette pièce, George Dandin, traduit peut-être plus un désir de Molière de s'en prendre aux nobles qu'un intérêt profond pour la paysannerie.

6. Les procédés comiques chez Molière

En grand auteur, Molière varie les procédés comiques, qui lui permettent d'obtenir le rire le plus simple comme le rire le plus subtil.

6.1. Le comique de geste

Le comique de geste est essentiel dans la farce mais aussi dans les différentes formes de comédie. Par les mimiques, l'accoutrement, les déplacements, les mouvements de la tête et des bras qui caractérisent un personnage ou expriment une intention non exprimée par la parole, l'acteur amplifie la drôlerie de l'action.

Formé dès la jeunesse par les farces qu'il voyait sur la place publique et sensible au talent expressif des acteurs italiens, Molière était lui-même un comédien qui utilisait tous les ressorts de la gestuelle comique. Les gestes sont primordiaux dans des pièces comme la première farce de l'auteur, la Jalousie du barbouillé, où il y a des gags et des chutes comme, bien plus tard, en usera le cinéma burlesque, de même que dans les Fourberies de Scapin, où le valet frappe le vieux Géronte qu'il a fait entrer dans un sac ou dans le Médecin malgré lui, où Sganarelle, pris pour un médecin, multiplie les interventions incorrectes et déplacées.

6.2. Le comique de situation

Comme Molière affectionne la rapidité des actions, il a beaucoup employé ce type de comique.

Il repose sur des rencontres entre les personnages et sur des événements qui introduisent une nouveauté, une surprise ou un choc suscitant le rire. Il dépend généralement plus de l'imprévu et du mouvement que du texte. Parfois, Molière abuse des retournements de situation comme à la fin de l'Avare, où des personnages se retrouvent et se reconnaissent des années après un naufrage et un enlèvement, mais ce n'est pas là véritablement un procédé comique, plutôt une facilité pour terminer rapidement une pièce qu'il faut monter dans l'urgence.

Le comique de situation est particulièrement efficace, par exemple, dans les Précieuses ridicules lorsque Mascarille et son ami Jodelet se font passer pour de " beaux esprits " et trompent les prétentieuses provinciales, avant de se faire rosser par leurs maîtres. Il prend aussi souvent la forme du quiproquo, quand un personnage est pris pour un autre, comme dans Amphitryon, où Jupiter est confondu avec le général Amphitryon et le dieu Mercure avec le valet Sosie. Il est aussi mis en place dans Tartuffe quand l'épouse d'Orgon, Elmire, déclare à l'imposteur qu'elle est prête à se donner à lui, alors que son mari est caché sous la table.

6.3. Le comique de mots

Le comique de mots est essentiel chez Molière. Il commence dès la création du nom des personnages : l'usage était alors d'employer des noms à consonance grecque, latine ou italienne, et Molière respecte cette coutume mais introduit parfois aussi des noms qui évoquent le type de personnage qu'il crée : Tartuffe, Harpagon, Trissotin, Pourceaugnac par exemple.

Il se développe dans les répliques où l'auteur recourt à certaines tournures verbales comme les jeux de mots, " Bélise : Veux-tu toute ta vie offenser la grammaire ? Martine : Qui parle d'offenser grand-père ni grand-mère ? ", dans les Femmes savantes, ou bien " Ce Monsieur Loyal porte un air bien déloyal " dans le Misanthrope.

Source de comique, le latin de fantaisie qu'il prête aux médecins dans le Médecin malgré lui et dans le Malade imaginaire. De même que l'opposition du langage populaire et du langage savant (dans la scène des paysans dans Dom Juan), ou bien dans les dialogues entre précieux et gens simples dans les Précieuses ridicules et les Femmes savantes), ainsi que la répétition martelée d'une même réplique (" Qu'allait-il faire dans cette galère ? " dans les Fourberies de Scapin)...

Dans son utilisation de la langue, Molière a une double pratique. D'un côté, la simplicité des mots met en relief la sagesse populaire : " Et je vous verrais nu du haut jusques en bas / Que toute votre peau ne me tenterait pas " dit Dorine dans Tartuffe, ou, au contraire, souligne le caractère fruste ou imbécile d'un personnage : " Je vis de bonne soupe et non de beau langage ", dit Chrysale dans les Femmes savantes. D'un autre côté, des phrases très construites, mettent en place la rhétorique des idées et des raisonnements.

Molière vise la clarté de l'expression et l'efficacité du comique pour construire un théâtre du vrai et du naturel, mis au service d'une morale. Dans l'un des textes envoyés au roi pour obtenir la levée de l'interdiction de Tartuffe, il écrivait : " Le devoir de la comédie étant de corriger les hommes en les divertissant, j'ai cru, que, dans l'emploi où je me trouve, je n'avais rien de mieux à faire que d' attaquer par des peintures ridicules les vices de mon siècle ", le mot " ridicule " devant être compris dans le sens " qui suscite le rire ".

Chez Molière, le sens de la comédie, même quand il passe par les gags ou la violence de la satire, est toujours empreint de cette noblesse d'âme.

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Jean-Baptiste Poquelin dit Molière - LAROUSSE

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Auteur dramatique français Paris 1622-Paris 1673 Acteur chef de troupe auteur et metteur en scène Molière est l'homme de théâtre complet par excellence Il joue en tant qu'auteur sur toute la gamme des effets comiques de la farce la plus bouffonne jusqu'à la psychologie la plus élaborée Ses pièces où s'attaquant à un vice de l'esprit ou de la société il campe des personnages qui...