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La muerte ha sido un motivo de exploración recurrente en el arte, haciéndonos reflexionar sobre la existencia humana. La búsqueda de la comprensión de la vida y, la importancia que tienen nuestras acciones realizadas a lo largo de nuestro camino, se han visto impuestas desde tiempos antiguos como el arte egipcio. Por tanto, es un tema relevante en cada época y, su comprensión y análisis nos lleva a crear una visión nueva y situarnos en diferentes realidades. Gracias a esto, hemos podido apreciar la finitud de la vida y conocer las representaciones de la vida después de la muerte. Además, apreciar como varían las relaciones de esta dependiendo del contexto, ya que, la muerte no es solo una cuestión por sí sola, sino que, asume los símbolos y creencias de un lugar y un momento.

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Laura, bien. La muerte es interesante pero puede ser un poco amplio. Sería más interesante si quieres analizar como creencias sobre la muerte, o símbolos de la muerte, o la representación del más allá en las diferentes culturas, o la representación del cuerpo muerto, etc. Entre más específica seas, mejor va a quedar tu trabajo al final del curso. Cualquier cosa me cuentas

Pablo

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Ficha técnica
Artista: Desconocido
Título: Cabeza del dios de la muerte, de un altar de piedra maya hallado en Copán Honduras
Técnica: Tallado en piedra
Dimensiones: 37 x 104cm
Fecha: 500 - 600 d.C.
Lugar: Museo Británico, Londres.

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Ficha técnica
Artista: Desconocido
Título: La reina de la noche
Técnica: modelado a mano; pigmentado
Dimensiones:  37,00 cm x 49,50 cm
Fecha: 1899 a.C.- 1700 a.C.
Estilo o corriente artística: Neolítico
Lugar: Museo Británico

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This plaque is made of baked straw-tempered clay and is modelled in high relief. It was originally painted with red, black and white pigments. The naked 'Queen' cannot be definitely identified but it is clear that she is a Mesopotamian goddess. She wears a cap or headdress with superimposed sets of horns on it. This headdress and her wings are indications that she is a deity. Her wings are hanging downwards to illustrate that she is a goddess of the Underworld and the background of the plaque was originally painted black, which may have been a reference to the night. She is holding 'rod and ring' symbols in her hands. These were probably originally items used for measuring and in Mesopotamian art they became symbolic of divinity and the justice of deities and kings. The Queens' legs end in the talons of birds of prey, similar to the two owls that flank her, and she is standing on the backs of lions. The scale pattern at the bottom of the plaque signifies mountains.

The details, rich symbolism and the creatures shown on the plaque have led to differing ideas of who the Queen may represent. She might have been Ishtar, goddess of love and war who was associated with lions, or perhaps Ishtar's sister and rival, the goddess Ereshkigal, who ruled the Underworld.

This plaque was probably made in Babylonia (southern Iraq) between 1800 and 1750 BC. It may have come to England as early as 1924, and was brought to the British Museum in 1933 for scientific testing. It has been known since its publication in 1936 in the Illustrated London News as the 'Burney Relief', after its owner at that time. Until 2003 it was in private hands. The Director and Trustees of the British Museum decided to make this spectacular terracotta plaque the principal acquisition for the British Museum's 250th anniversary when it was re-named The Queen of the Night.

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The Queen of the Night - Google Arts & Culture

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This plaque is made of baked straw-tempered clay and is modelled in high relief. It was originally painted with red, black and white pigments. The naked 'Q...

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La reina de la noche

La reina de la noche es una placa de arcilla perteneciente al periodo babilonico antiguo, realizada entre 1899 a.C. -1700a.C. Esta pieza modelada a mano y  pigmentada con colores rojos, negros y blancos; fue creada en Babilonia y excavada en Irak. Actualmente, la pieza se encuentra en el Museo Británico.

La obra nos muestra una figura femenina parada y de frente, sosteniendo en sus manos una varilla y anillo; se resalta un tocado y juegos de cuernos superpuestos. De ella cuelgan unas alas que salen hacia abajo y se muestran garras rapaces al final de sus piernas. Se observan figuras zoomorfas entre las cuales se encuentran la lechuza y el león. De igual importancia, se destaca el dinamismo y la versatilidad de la posición del cuerpo y, también, la precisión y la simetría de la composición.

Por otra parte, en un análisis más profundo podemos identificar a la reina como una deidad debido al tocado y a las alas. La posición de las alas la relaciona con una diosa del inframundo y el fondo de la placa que originalmente estaba pintado de negro, hace referencia a la noche (1). Igualmente, los objetos en sus manos pueden representar justicia y  divinidad y, las garras al final de las piernas de la reina se comparan a los de la lechuza (2), sin dejar de evidenciarse una figura humana rígida en comparación del naturalismo de la figura animal.

1. Google Arts & Culture. (n.d.). The Queen of the Night [Clay Plaque]. Retrieved from: https://artsandculture.google.com/asset/the-queen-of-the-night/eQEfwhChzs0z6A
2. British Museum. (n.d.). Plaque [Clay Plaque]. Retrieved from: https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_2003-0718-1

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This plaque is made of baked straw-tempered clay and is modelled in high relief. It was originally painted with red, black and white pigments. The naked 'Queen' cannot be definitely identified but it is clear that she is a Mesopotamian goddess. She wears a cap or headdress with superimposed sets of horns on it. This headdress and her wings are indications that she is a deity. Her wings are hanging downwards to illustrate that she is a goddess of the Underworld and the background of the plaque was originally painted black, which may have been a reference to the night. She is holding 'rod and ring' symbols in her hands. These were probably originally items used for measuring and in Mesopotamian art they became symbolic of divinity and the justice of deities and kings. The Queens' legs end in the talons of birds of prey, similar to the two owls that flank her, and she is standing on the backs of lions. The scale pattern at the bottom of the plaque signifies mountains.

The details, rich symbolism and the creatures shown on the plaque have led to differing ideas of who the Queen may represent. She might have been Ishtar, goddess of love and war who was associated with lions, or perhaps Ishtar's sister and rival, the goddess Ereshkigal, who ruled the Underworld.

This plaque was probably made in Babylonia (southern Iraq) between 1800 and 1750 BC. It may have come to England as early as 1924, and was brought to the British Museum in 1933 for scientific testing. It has been known since its publication in 1936 in the Illustrated London News as the 'Burney Relief', after its owner at that time. Until 2003 it was in private hands. The Director and Trustees of the British Museum decided to make this spectacular terracotta plaque the principal acquisition for the British Museum's 250th anniversary when it was re-named The Queen of the Night.

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The Queen of the Night - Google Arts & Culture

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This plaque is made of baked straw-tempered clay and is modelled in high relief. It was originally painted with red, black and white pigments. The naked 'Q...

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Ficha técnica
Artista: Desconocido
Título: Fragmento de pared de la tumba de Amenemhet y su esposa Hemet
Técnica: Caliza y pigmento
Dimensiones físicas: 31,1 × 41,7 × 6,7 cm
Fecha: 1991–1784 a.C.
Corriente artística: Arte Egipcio
Lugar: Instituto de Arte de Chicago

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This fragment from a vividly painted tomb illustrates how a tomb interior might have looked. Amenemhet and his wife are surrounded by haunches of meat, vegetables, jars-perhaps filled with beer-and loaves of bread needed to sustain them in the afterlife. The receding space of the room is suggested by objects stacked up so that no loaf or jar is hidden from view. Finally, by naming food and supplies such as linen for clothing in the hieroglyphic text, the tomb owner was assured comfort in life after death

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Wall Fragment from the Tomb of Amenemhet and His Wife Hemet - Egyptian - Google Arts & Culture

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This fragment from a vividly painted tomb illustrates how a tomb interior might have looked. Amenemhet and his wife are surrounded by haunches of meat, vegetables, jars-perhaps filled with beer-and loaves of bread needed to sustain them in the afterlife.

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Ficha técnica
Artista: Desconocido
Título: Parte de un entierro larnax
Técnica: arcilla
Dimensiones: 990mm x 540 mm
Fecha: 1350 a.C.- 1150 a.C.
Corriente artística: Arte mesopotámico
Lugar: Museo de Arte Cicládico, Atenas, Grecia

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A long side of a Mycenaen burial larnax. Larnakes were four-sided clay coffins set on legs and covered by a lid. Their sides bore painted decoration, usually processions of mourners or, more rarely, scenes of burial, marching warriors, mythical creatures, etc. Clay larnakes of this type have been brought to light in the Mycenaean cemetery of Tanagra in Boeotia. It is possible that this fragment come from Tanagra, too; for, apart from that site, the custom of larnax-burial was virtually unknown on the Greek Mainland, by contrast to Crete, where it was common practice already from the Middle Minoan period. Nonetheless, the iconography of the Tanagra larnakes is purely Mycenaean in style and their thematic repertoire differs from that of the corresponding Minoan examples. The depictions on the Tanagra larnakes are extremely useful for the study of Mycenaean mortuary customs. This particular larnax preserves traces of a procession of mourners. The women wear the typical Mycenaean garment and headdress, known from frescoes and sealstones. All figures have the hands raised above the head, in an expression of lamentation that is also encountered much later on Attic funerary vases of the Geometric period. In iconography, the lament is associated with the "prothesis" (the lying in state of the dead), which precedes the "ekphora" (the transfer of the corpse to the grave).

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Part of a burial larnax - Unknown - Google Arts & Culture

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A long side of a Mycenaen burial larnax. Larnakes were four-sided clay coffins set on legs and covered by a lid. Their sides bore painted decoration, usually processions of mourners or, more rarely, scenes of burial, marching warriors, mythical creatures, etc. Clay larnakes of this type have been brought to light in the Mycenaean cemetery of Tanagra in Boeotia.

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Artista: Desconocido
Título: Attic White-Ground Lekythos
Técnica: Terracota
Dimensiones: 19.2 × 6.5 cm
Fecha: Aproximadamente 460 a.C
Corriente artística: Grecia clásica
Lugar: Atenas, Grecia

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In ancient Greek society, as in many Greek villages today, women were responsible for the maintenance and care of the family graves. In the mid-400s B.C. part of this responsibility involved visiting the grave regularly and bringing offerings to the dead. This Athenian white-ground lekythos depicts a woman performing these tasks. The rounded object behind the woman is the tymbos or grave mound. An exaleiptron, a vessel designed to hold perfumed oil, sits atop the tymbos, which has been decorated with offerings of fillets or ribbons, spears, and leafy branches. The woman busies herself with adding another fillet to the tall loutrophoros at the right. The loutrophoros, shown here as being decorated in the black-figure technique, was the vessel used to hold water for the ritual wedding bath in Greek culture. Thus, this type of vase was frequently placed on the graves of those who died before marriage. The funerary imagery on this lekythos illustrates its function. White-ground lekythoi, such as this one, were left as offerings at the grave on family visits just like the one depicted here.

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Attic White-Ground Lekythos - Unknown - Google Arts & Culture

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In ancient Greek society, as in many Greek villages today, women were responsible for the maintenance and care of the family graves. In the mid-400s B.C. part of this responsibility involved visiting the grave regularly and bringing offerings to the dead. This Athenian white-ground lekythos depicts a woman performing these tasks.

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Artista: Desconocido
Título: Sarcophagus and lid with portraits of husband and wife
Técnica: Nenfro (piedra volcánica)
Dimensiones:  w730 x h880 x d2100 mm
Fecha: Finales del siglo IV a.C. - principios del siglo III a.C.
Corriente artística: Período clásico tardío o helenístico
Lugar: Vulci, Lazio, Italia

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The couple, who lie embracing each other, on the lid of this sarcophagus, are carved with the "Italic" immediacy and naturalism often found in Etruscan sculpture. The warmth and tenderness of the couple is reinforced by the realistically fleshy presentation of the husband. The scene on the side panel is that of a wedding procession, presumably of the couple portrayed on the lid. This ritualistic ceremony is possibly also symbolic of their anticipated reunion in death after their journey to the Underworld. The end panels with departure scenes reinforce this suggestion.

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Sarcophagus and lid with portraits of husband and wife - Unknown - Google Arts & Culture

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The couple, who lie embracing each other, on the lid of this sarcophagus, are carved with the "Italic" immediacy and naturalism often found in Etruscan sculpture. The warmth and tenderness of the couple is reinforced by the realistically fleshy presentation of the husband.

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Artista: Desconocido
Título: Portrait of the Boy Eutyches
Técnica: Encáustica sobre madera, pintura
Dimensiones: h. 38 cm; w. 19 cm
Fecha: 100–150 d.C.
Corriente artística: Periodo Romano
Lugar: Egipto

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The young teenage boy in this remarkably lifelike portrait looks calmly at the viewer, his head in three-quarter view. He is dressed in a white Roman tunic with a narrow purple clavus (a vertical stripe) over the right shoulder. A mantle is draped over the left shoulder. The boy wears his dark brown hair short, with locks brushed to both sides of the forehead. The inscription in dark purple pigment below the neckline of the tunic is in Greek, which was the common language of the eastern Mediterranean at the time. Scholars do not completely agree on the inscription's translation. The boy's name ("Eutyches, freedman of Kasanios") seems indisputable; then follows either "son of Herakleides Evandros" or "Herakleides, son of Evandros." It is also unclear whether the "I signed" at the end of the inscription refers to the painter of the portrait or to the manumission (act of freeing a slave) that would have been witnessed by Herakleides or Evandros. An artist's signature would be unique in mummy portraits.
Paintings of this type, often called Faiyum portraits (though not all of them come from the Faiyum oasis), are typical products of the multicultural, multiethnic society of Roman Egypt. Most of them are painted in the elaborate encaustic technique, in which pigments were mixed with hot or cold beeswax and other ingredients, such as egg, resin, and linseed oil. This versatile medium allowed artists to create images that in many ways are akin to oil paintings. The boy's head, for instance, stands out from the light olive-colored background, creating an impression of real depth. His face is modeled with flowing brushstrokes and a subtle blend of light and dark colors. Shadows on the left side of the face, neck, and garment and bright shiny spots on the forehead and below the right eye indicate a strong source of light on the boy's right. Most arresting are the dark brown eyes with black pupils reflecting the light with bright spots. This manner of painting, which is very different from the traditional Egyptian style but was well known in Graeco-Roman Egypt, originated in Classical Greece in the fifth and fourth centuries B.C.E.

Although the painting techique on Faiyum portrait panels is Greek, their use is entirely Egyptian. When a person died, the portrait panel was placed over the face of the mummy with parts of the outermost wrapping holding it in place. This implies Egyptian beliefs about the afterlife. After having been ruled for three hundred years by a Greek (Macedonian) dynasty and a century or more by Roman administrators, Roman Egypt was an extremely diverse civilization. The population consisted of Roman citizens and citizens of Greek cities such as Alexandria (both of these groups made up of peoples of many different ethnicities) and native Egyptians. The subjects of the mummy portraits clearly were dressed and coiffed like Romans, and many of them bore Greek names or names that were Greek versions of Egyptian names. However, they and their families found consolation in the ancient Egyptian beliefs about the afterlife.

Y.Z. Kami on Egyptian mummy portraits

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Portrait of the Boy Eutyches - Google Arts & Culture

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The young teenage boy in this remarkably lifelike portrait looks calmly at the viewer, his head in three-quarter view. He is dressed in a white Roman tunic with a narrow purple clavus (a vertical stripe) over the right shoulder. A mantle is draped over the left shoulder.

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Artista: Desconocido
Título: Roman Period Mummy Portrait
Técnica: Escultura - Cartonaje, pintura, vidrio y bronce
Dimensiones: 24.77 × 18.42 × 18.42 cm
Fecha: Finales del siglo II d.C.
Corriente artística: Período romano
Lugar: Egipto

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The idea of the mummy mask, which was placed over the embalmed and shrouded body of a dead person, goes back in Egyptian art to the Middle Kingdom (early 2nd millennium B.C.). Even earlier, "reserve heads," or magical portraits of the dead person, were left in Old Kingdom tombs. The mummy mask took different forms over the long course of Egyptian art but retained the idea of an impersonation of the dead person. During the period of Greek rule in Egypt, mummy masks were made in the form of Hellenistic Greek portraiture. Under the Roman Empire, in the first three centuries A.D., the realistic character of Roman portraiture is refl ected in mummy masks, as it is in the painted encaustic over wood portraits from the Fayum. The head is essentially a Roman imperial portrait, though it has underlying funerary symbolism inherited from the Egyptian cult of the dead.

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Roman Period Mummy Portrait - Google Arts & Culture

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The idea of the mummy mask, which was placed over the embalmed and shrouded body of a dead person, goes back in Egyptian art to the Middle Kingdom (early 2nd millennium B.C.). Even earlier, "reserve heads," or magical portraits of the dead person, were left in Old Kingdom tombs.

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El Retrato del niño Eutiques es una encáustica sobre madera perteneciente a la República Romana, fechada entre 100 - 150 d.C. En esta pieza se ve un joven mirando al espectador de forma tranquila, vestido con una túnica romana blanca con una franja morada. Asimismo, observamos su cabeza ubicada en tres cuartos y su mirada ausente y ojos agrandados, dan la sensación de ser imágenes en tránsito, lo que insinúa tanto una vida anterior como una vida en el más allá (1). Por otro lado, el Retrato de la momia es una escultura realizada en Egipto a finales del siglo II d.C. situada en el Imperio Romano. En esta se observa el retrato de una figura femenina de perfil, con pelo negro y adornada con aretes y collar rojos. Se sabe que es una máscara de momia, que se ubicaba sobre el cuerpo de un muerto, lo cual implica las creencias egipcias sobre el más allá (2).

Ambas obras representan un punto de encuentro entre la pintura griega, el arte realista romano y las creencias religiosas del Antiguo Egipto. Igualmente, ambos retratos se basaban en la idea de ser lo más similares posibles a la persona que representaban, debido a que así, estos serían fácilmente reconocidos después de la muerte. No obstante, en el Retrato de Eutiques se ve más marcado el naturalismo característico de la república romana, al mostrar a la persona tal como es; pero en la otra obra situada en el imperio romano se vuelve un poco a la retratística idealizada del mundo griego debido a que esta comienza a obtener otras funciones además de los funerarios. Teniendo esto en mente, la retratística se liga directamente por el culto a la muerte y los retratos se convierten en una especie de sortilegio para la pervivencia del cuerpo en el más allá.

1. Desconocido. (s. IV d.C.). Retrato del niño Eutiques [Pintura]. Museo de Bellas Artes de Budapest, Budapest, Hungría.
2. Desconocido. (s. II d.C.). Roman Period Mummy Portrait [Pintura]. Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE. UU.

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Artista: Desconocido
Título: Buen Pastor, Jonas y figuras orantes
Técnica: Fresco
Fecha: Aproximadamente 200d.C
Corriente artística: Arte paleocristiano
Lugar: Roma

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Artista: Desconocido
Título: Mausoleo di Galla Placidia, Ravenna
Fecha: entre 425–450
Corriente artística: Alta Edad Media
Lugar: Mausoleo di Galla Placidia, Ravenna

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Artista: Desconocido
Título: Anastasis (Harrowing of Hell)
Técnica: Fresco
Fecha: 1310-20 d.C
Corriente artística: Arte bizantino
Lugar: Church of the Holy Savior of Chora/Kariye Museum, Istanbul, Turkey

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Buen pastor, Jonas y sus figuras orantes
El Buen pastor, Jonas y sus figuras orantes es un fresco realizado aproximadamente en el año 200 d.C perteneciente al periodo de arte paleocristiano, desde la aparición del cristianismo, hasta la escisión del Imperio en el denominado arte bizantino. Esta pieza hace parte de las Catacumbas en Roma, Italia. El buen pastor parece dividirse en tres partes: la primera el círculo de adentro donde se observa un hombre cargando una cabra y rodeado de ovejas, la segunda, cuatro círculos donde se representa una escena y, por último, cuatro figuras las cuales tienen sus manos hacia arriba.

Al mismo tiempo, en cuanto las características intrínsecas de la obra observamos que la figura del centro es una representación de Cristo y sus fieles donde este se encarga de llevarlos al paraíso. Así pues, la situación resalta el proceso fundamental de adoctrinación en este periodo y da esperanza a los fieles de olvidar los problemas terrenales encontrando una solución en el más allá (1). Además, los cuatro círculos alrededor representan la historia del profeta Jonas. Este personaje recibe una orden de Dios pero decide eludirla, por lo cual al estar en una embarcación, es arrojado al mar y es engullido por una ballena donde permanece hasta que se arrepiente. Esta historia es una muestra de la clemencia divina y simboliza la vida eterna después de la muerte. Finalmente, las figuras que extienden las manos se conocen como orantes y son figuras que nos demuestran algo que es digno de elogio (2).

Por tanto, esta obra no es una representación del mundo real, sino del mundo espiritual donde tiene cabida la salvación. Los primeros cristianos no solo aplicaron motivos como el portador del carnero, Hermes u Orfeo, sino que también adquirieron conocimientos de otras obras paganas y vieron reflejadas estas asociaciones cristianas.

1. Dulaey, M. (2004). I simboli cristiani. Catechesi e Bibbia (I-VI secolo). Edizioni San Paolo.
2. Rodríguez, L. (2009). El ciclo de Jonas. Recuperado de:https://www.ucm.es/data/cont/docs/621-2013-11-21-5.%20Jon%C3%A1s.pdf

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Artista: Maestro Mateo y su taller

Título: Pórtico de la Gloria
Técnica: Escultura en piedra
Dimensiones: 10,5 m de ancho y 8,5 m de alto

Fecha: Entre 1168 y 1188d.C
Estilo artístico: Arte románico

Lugar: Catedral de Santiago de Compostela, Galicia, España

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Artista: Anónimo

Título: Juicio Final
Técnica: Escultura en piedra
Dimensiones: 7,6 m de alto y 6,1 m de ancho

Fecha: Siglos XIII y XIV
Estilo artístico: Arte gótico

Lugar: Catedral de Notre-Dame, París, Francia

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El Pórtico de la Gloria (PG) actualmente ubicado en la Catedral de Santiago de Compostela en Galicia, España, es un conjunto de esculturas realizadas entre 1168 y 1188, por el maestro Mateo y sus trabajadores. En esta obra de arte románico, se observan 3 arcos: en el arco central, vemos a Cristo resucitado rodeado de los cuatro evangelistas y sus emblemas. La mitad izquierda del pórtico trata del Antiguo Testamento, mientras que la otra mitad del Nuevo Testamento y los Gentiles (1). Por otro lado, el Juicio Final (JF) también realizado en piedra, es una escultura perteneciente al arte gótico entre los siglos XIII y XIV, la cual está ubicada en la Catedral de Notre-Dame en París, Francia. En esta se observa a Jesus como juez, sentado en un trono celestial, rodeado de ángeles y apóstoles, mientras que la humanidad es juzgada y separada en dos grupos: los salvados y condenados (2). Además, se puede identificar en la composición tres secciones principales: cielo, tierra e infierno.

Ambas obras comparten una temática similar, pero presentan diferencias significativas en cuanto a su composición y estilo artístico. Primero, la composición del PG es de forma triangular, lo que nos lleva al eje central que es el altar mayor. Por su lado, el JF se dispone de forma vertical, dividiendo a la imagen en las tres secciones principales. En cuanto al estilo artístico, se evidencian en el PG las estructuras rígidas y estilizadas típicas de la tradición románica y, en la obra gótica del JF se hace un mayor énfasis en el realismo y expresión de las figuras. Finalmente, las figuras del JF tienen una cantidad grande de detalles en las figuras y en la arquitectura de fondo, mientras que en el PG las figuras se representan en una escala más pequeña y con menor detalle en los adornos y vestimentas. Teniendo esto en cuenta, ambas obras representan un reflejo de las creencias de la época en la que fueron creadas y son una forma de explicación para la vida después de la muerte.

1. Catedral de Santiago de Compostela. (s.f.). Pórtico de la Gloria. Recuperado de http://catedraldesantiago.es/portico-de-la-gloria/
2. Toman, R. (2011). El gótico: arquitectura, escultura, pintura. Editorial H.F. ULLMANN.

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Artista: Miguel Ángel Buonarroti

Título: El Juicio Final
Técnica: Fresco
Dimensiones: 1370 cm x 1220 cm (aproximadamente)
Fecha: 1536–1541 d.C
Estilo artístico: Renacimiento italiano

Ubicación: Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano

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Artista: Jan van Eyck
Título: El matrimonio Arnolfini
Técnica: pintura al óleo
Dimensiones: 82,2 cm x 60 cm

Fecha: 1434
Estilo artístico: Renacimiento del Norte de Europa
Lugar: National Gallery, Londres, Reino Unido

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Artista: Hieronymus Bosch
Título: El jardín de las delicias
Tipo de obra: Pintura al óleo sobre tabla de roble
Dimensiones: 220 cm x 389 cm (aproximadamente)

Fecha: entre 1490 y 1510d.C
Estilo artístico: Renacimiento flamenco
Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

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El Jardín de las Delicias es una pintura al óleo realizada por el artista holandés Hieronymus Bosch, perteneciente al arte renacentista del siglo XVI. Esta pieza tríptica realizada sobre tabla de roble, se encuentra actualmente en el Museo del Prado en Madrid, España. La obra nos muestra en el panel izquierdo, un agujero donde salen criaturas extrañas e imaginarias y tres figuras; dos hombres y una mujer. En el centro se observa un jardín, lleno de personas desnudas realizando diferentes actos como beber, comer y actos sexuales. Estos dos paneles son luminosos y resaltan los colores vibrantes. Mientras que en el lado derecho tenemos un lugar oscuro, lleno de criaturas demoníacas y personas en sufrimiento.

En cuanto a las características intrínsecas del Jardín, observamos que el panel izquierdo es una representación de la creación del mundo; evidenciándose a Dios en el medio, rodeado de Adan y Eva. Por otro lado, en el centro del panel, se tiene un lugar paradisíaco, donde se representa el placer y felicidad, pero también los excesos y perversiones (1). La desnudez de las figuras es una representación de la naturaleza humana y el disfrute de los placeres mundanos. Asimismo, se ve cómo al experimentar estos placeres se genera un sufrimiento que deriva en dolor y degradación. Además, se contemplan varias representaciones simbólicas de los vicios y pecados humanos, entre estos la figura de un hombre sentado en un huevo roto que simboliza el pecado original (1). Finalmente, en el panel derecho, se ve el infierno el cual está lleno de almas condenadas y criaturas demoníacas. Este panel consolida la idea de que la lujuria y el placer llevan a la condena eterna, la cual implica castigo y sufrimiento (2). En definitiva, la obra nos muestra toda una visión de la naturaleza humana y cómo al seguir un camino de pecado terminamos en el destino final del infierno.

1. Silva, P. (2016). El Bosco. Tríptico del Jardín de las Delicias. En: El Bosco. La exposición del V Centenario. Madrid, Museo Nacional del Prado, p. n. 46, 330-346. Recuperado de https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/triptico-del-jardin-de-las-delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609
2. Rondina, N. (s.f). El Jardín de las Delicias, un maravilloso enigma. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/el-jardin-de-las-delicias

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Artista: Diego Velázquez
Título: Las Meninas
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 318 cm x 276 cm
Fecha: 1656
Estilo artístico: Barroco
Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

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Artista: Jacques-Louis David
Título: La muerte de Marat
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 165 cm x 128 cm
Fecha: 1793
Estilo artístico: Neoclasicismo
Lugar: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas.

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Artista: Joseph Mallord William Turner
Título: El barco de los muertos (The Shipwreck)
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 170,2 cm x 240,4 cm
Fecha: 1805
Estilo artístico: Romanticismo

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Las Meninas y La muerte de Marat
La obra Las Meninas perteneciente al período Barroco, fue realizada en 1656 por Diego Velázquez. La pintura representa a personajes históricos y hace uso del claroscuro, el sfumato y la perspectiva aérea (1). Por otro lado, La muerte de Marat es una pintura neoclásica elaborada en 1793 por el artista Jacques-Louis David. En ella se evidencia un revolucionario francés en su bañera, luego de ser apuñalado por una opositora. El artista se enfoca en la representación de Marat como un mártir y refleja una estética de tenebrismo.

Ambas obras representan estilos y épocas diferentes, pero tienen algunos elementos en común. Primero, en Las Meninas se usan tonos más grises y terrosos, a diferencia de La muerte de Marat donde hay colores más vivos y un mayor contraste entre los tonos, los cuales resaltan la figura. En la obra de Velázquez, la iluminación se encarga de brindar una sensación de profundidad y perspectiva (1), mientras que en la obra de David, se genera una iluminación dramática y enfocada al personaje (2). El enfoque en los detalles difiere, ya que se observa una atención especial en el vestuario y las joyas de las figuras en Las Meninas y por parte de David, un enfoque en los detalles del cuerpo y la expresión facial.

Asimismo, ambas obras se pueden relacionar con el concepto de las creencias sobre la vida después de la muerte. En Las Meninas, se hace uso del arte como medio para perpetuar la fama y la memoria de las personas. La figura de Marat como un mártir evidencia la importancia en la imagen y su preservación a través del tiempo. En La muerte de Marat, se puede ver la muerte como un sacrificio en pro de una causa mayor, lo cual pudo haber proporcionado un sentido a Marat y otros revolucionarios la esperanza de que este no fuera en vano y lograr un impacto que se mantendia después de su propia muerte.

1. Portús Pérez, J. (2013). Diego Velázquez 'Las Meninas'. En: Velázquez y la familia de Felipe IV, [1650-1680]. Madrid, Museo Nacional del Prado, pp. 126-129, n. 16. Recuperado de https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-meninas/9fdc7800-9ade-48b0-ab8b-edee94ea877f

2. Royal Museums of Fine Arts of Belgium. (s.f.). The Death of Marat. Recuperado de https://www.fine-arts-museum.be/en/collection/david-jacques-louis-the-death-of-marat

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Artista: Jean-François Millet
Título: El ángelus
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 55 cm × 66 cm
Fecha: 1857-1859
Estilo artístico: Realismo
Lugar: Museo de Orsay, París, Francia

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Artista: Claude Monet
Título: Catedral de Ruan, portal principal, tiempo gris
Artista: Claude Monet
Técnica: Óleo sobre lienzo
Fecha: 1894
Estilo artístico: Impresionismo
Dimensiones: Varían según la versión específica de la obra
Ubicación: Varias versiones de la obra se encuentran en diferentes museos y colecciones privadas

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Artista: Salvador Dalí

Título: La persistencia de la memoria
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 24 cm × 33 cm (9.5 in × 13 in)
Fecha: 1931
Estilo artístico: Surrealismo
Lugar: Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York

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El Ángelus

El Ángelus es una pintura en óleo sobre lienzo perteneciente al realismo. Fue pintada por el artista Jean-François Millet y actualmente se encuentra en el Museo de Orsay, en París, Francia. La obra muestra dos figuras paradas y con la cabeza inclinada, cuyos rostros no se alcanzan a visualizar. Abajo se observa una canasta y junto a ellos se encuentra una carretilla con costales y un tridente. El fondo se compone de un campo amplio y se ve un cielo oscuro.

En cuanto a las características intrínsecas de El Ángelus, debido a los detalles como la vestimenta arrugada, los objetos, la textura de la tierra y los surcos en el campo, vemos que se muestra a dos campesinos. Para representar este paisaje rural, Millet utiliza una paleta de colores terrosos y oscuros que refuerzan la sensación de humildad y sencillez en la escena (1). Además, la luz toma un rol esencial en la creación de un ambiente de devoción; esta iluminación deja las caras en la sombra, mientras que resalta los gestos y actitudes (2). Por otro lado, el simbolismo que usa Millet con la posición de las manos, se interpreta a menudo como una representación simbólica de piedad y fe religiosa, sin embargo, esto se relaciona a un recuerdo de la infancia del artista. Él quería captar la cotidianidad de la vida campesina en una escena sencilla y aquí se centra en un momento de descanso (3).

Aunque El Ángelus no está directamente ligado al tema de “creencias sobre la vida después de la muerte”, se puede relacionar con una sensación de equilibrio y tranquilidad en nuestro tiempo en vida, la cual ha sido buscada desde tiempos atrás. Esto representa un valor en las acciones de la vida cotidiana y cómo estas tienen una implicación después de la vida.

1. Google Arts & Culture. (s. f.). The Angelus. Recuperado de https://artsandculture.google.com/asset/the-angelus/CgHjAgexUzNOOw

2. González Gómez, J. (2008). Jean-François Millet - The Angelus [Pintura al óleo sobre tela, 1859]. Recuperado de https://educacion.ufm.edu/jean-francois-millet-angelus-oleo-tela-1859/

3. Museo de Orsay. (s. f.). L'Angelus. Recuperado de https://www.musee-orsay.fr/en/artworks/langelus-345