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BREVE HISTORIA DEL RAP: ORIGEN, SIGNIFICADO Y EVOLUCIÓN DE UN ESTILO DE MÚSICA QUE LO CAMBIÓ TODO

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BREVE HISTORIA DEL RAP: ORIGEN, SIGNIFICADO Y EVOLUCIÓN DE UN ESTILO DE MÚSICA QUE LO CAMBIÓ TODO

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Como afirma Carolina Martínez (2021) el rap, una parte del género Hip Hop, surgió en los años 80, en los barrios más remotos de Estados Unidos. Este género permitió a los artistas componer rimas rápidas y ponerles una base musical o cantarlas a capella. La palabra rap no tiene un significado establecido, aunque muchos consideran que es un acrónimo de varias expresiones referentes a las rimas y al ritmo del género.

Carolina Martínez. (2021). BREVE HISTORIA DEL RAP: ORIGEN, SIGNIFICADO Y EVOLUCIÓN DE UN ESTILO DE MÚSICA QUE LO CAMBIÓ TODO Recuperado de https://los40.com/los40/2021/05/10/musica/1620656839_592994.html#:~:text=El%20rap%20lleg%C3%B3%20en%20los,el%20mundo%20de%20la%20m%C3%BAsica

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Ludwig van Beethoven un gran compositor y un ícono musical. El compositor nació en el 1770 en Bonn Alemania y murió 1827 en la capital Austriaca (Viena). El compositor no tuvo gran aporte o interés musical hasta el 1779 donde conoce a su maestro Christian Gottlob Neefe, el maestro metió a Beethoven en el estudio del gran compositor Sebastian Bach, el cual Beethoven le admiraría y enseñaría gran compromiso.

Desde el 1779, Beethoven se convierte en un miembro de la orquesta y con el tiempo realizó grandes obras; una de las más notables es Für Elise.

Fernandez, Tamaro, T,E (2004) Ludwig van Beethoven. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/beethoven.htm

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(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.

Ludwig van Beethoven

La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Johann Sebastian Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción.

Miembro de la orquesta de la corte de Bonn desde 1783, en 1787 Ludwig van Beethoven realizó un primer viaje a Viena con el propósito de recibir clases de Mozart. Sin embargo, la enfermedad y el posterior deceso de su madre le obligaron a regresar a su ciudad natal pocas semanas después de su llegada.

En 1792 Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con Haydn y Antonio Salieri, y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto que tuvo lugar en 1795 con gran éxito. Su carrera como intérprete quedó bruscamente interrumpida a consecuencia de la sordera que comenzó a afectarle a partir de 1796 y que desde 1815 le privó por completo de la facultad auditiva.

Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y avanzadas.
Obras de Ludwig van Beethoven
La tradición divide la carrera de Beethoven en tres grandes períodos creativos o estilos, y si bien el uso los ha convertido en tópicos, no por ello resultan menos útiles a la hora de encuadrar su legado.

La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas por seguir de cerca el modelo establecido por Mozart y Joseph Haydn y el clasicismo en general, sin excesivas innovaciones o rasgos personales. A este período pertenecen obras como el célebre Septimino o sus dos primeros conciertos para piano.

Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta 1814, período este que puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las que Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión (la ópera Fidelio, sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos conciertos para piano, el Concierto para violín).

La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9, la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonatas para piano representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van Beethoven.

Las obras de Beethoven anticiparon muchos de los rasgos que habían de caracterizar la posterior música romántica e, incluso, la del siglo XX. Su producción, en efecto, se sitúa entre el clasicismo de Mozart y Haydn y el romanticismo de un Schumann o un Brahms. No cabe duda que, como compositor, señala un antes y un después en la historia de la música y refleja, quizá como ningún otro artista (a excepción del pintor español Francisco de Goya, contemporáneo suyo), no sólo el cambio entre el gusto clásico y el romántico, entre el formalismo del primero y el subjetivismo del segundo, sino también entre el Antiguo Régimen y la nueva situación social y política surgida de la Revolución Francesa.

Efectivamente, en 1789 caía La Bastilla y con ella toda una concepción del mundo que incluía el papel del artista en su sociedad. Siguiendo los pasos de su admirado Mozart, Ludwig van Beethoven fue el primer músico que consiguió independizarse y vivir de los encargos que se le realizaban, sin estar al servicio de un príncipe o un aristócrata, si bien, a diferencia del salzburgués, él consiguió triunfar y ganarse el respeto y el reconocimiento de sus contemporáneos.

Más información en la monografía sobre Beethoven.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). . En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de el .

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(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.

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Breve historia del Jazz (los primeros dos párrafos).

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Breve historia del Jazz (los primeros dos párrafos).

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Paráfrasis:
Como acierta Roberto Barahona (2011), lo que se sabe exactamente sobre el comienzo del jazz es que la primera grabación del género fue realizada en 1917, pero este ya se había empezado a practicar y desarrollar 20 años antes en grupos culturales que expresaban sus ideologías a través de música folklórica. Probablemente, el jazz originalmente se producía por gente sin conocimiento y/o experiencia musical que, como fue mencionado previamente, expresaban su cultura a través de la música; algo que eventualmente se desarrolló hasta convertirse en el jazz actual. Este tipo de música era muy importante para la vida y entretenimiento diario de los habitantes de Nueva Orleans, Estados Unidos.

Referencia:
Barahona, R. (6 de mayo de 2011). Breve historia del jazz.
Tomajazz. Recuperado de
https://www.tomajazz.com/web/?p=632

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Great day in Harlem. Fotografía por Art Kane

Historia del jazz

¿Cuándo comenzó el jazz? Es una pregunta que se mantendrá para siempre sin respuesta. La primera grabación de jazz se efectuó en 1917, pero la música existía por lo menos en su estado primitivo desde hacía 20 años. Influenciado por la música clásica, marchas, spirituals, work songs, ragtime, blues y la música popular de la época, el jazz ya era una forma particular de música cuando comenzó su documentación.

Es probable que el jazz fuera inicialmente interpretado por músicos sin educación musical que tocaban en bandas de marchas en Nueva Orleans. La música era una parte importante de la vida cotidiana de esta ciudad desde por lo menos la década de 1890, con bandas de bronces que se contrataban para tocar en desfiles, funerales, fiestas y bailes. Es plausible pensar que los músicos, que frecuentemente no leían música, no tocaban las melodías de manera continua, sino que le agregaban variaciones para mantener las actuaciones interesantes.

Puesto que el cornetista Buddy Bolden, el primer músico famoso en ser considerado jazzista, formó su banda en 1895, se podría usar ésa como una fecha simbólica del nacimiento del jazz. Durante las próximas dos décadas no existe documentación del jazz, si bien se sabe que progresó a pasos lentos. Freddie Keppard sucedió a Bolden como el cornetista de más prestigio de Nueva Orleans, pero fue rápidamente superado por King Oliver. Aunque algunos músicos de Nueva Orleans viajaron al norte, el jazz se mantuvo estrictamente como una expresión musical típica de Nueva Orleans hasta la primera guerra mundial.

El 30 de enero de 1917, un grupo de músicos blancos llamado, sin modestia alguna, The Original Dixieland Jass Band grabó "Darktown Strutter's Ball" e "Indiana" para el sello Columbia. La música se consideró demasiado revolucionaria para la época y no se publicó, sin embargo, dos meses después la ODJB grabó para el sello Victor "Livery Stable Blues" y "The Original Dixieland One Step", temas que tuvieron gran éxito. Otros grupos se unieron al movimiento y también comenzaron a grabar. Así el jazz se convirtió en moda, ya que los promotores vieron una oportunidad de ganar dinero fácilmente. Pasarían varios años antes de que se hicieran grabaciones de músicos negros. En ese tiempo comenzaron a oírse opiniones que mantenían que los blancos habían inventado el jazz. Más tarde surgió una corriente contraria, que existe hasta hoy, que apoyaba la idea de que el jazz era una música negra y que sólo los negros tenían el conocimiento, sentimiento y talento para tocarla. Se ha probado en muchas ocasiones que ambas posiciones son falsas.

En 1920, Mamie Smith grabó el primer blues, "Crazy Blues", y la moda del jazz fue reemplazada por la de los blues. Sin embargo, el jazz continuó progresando y los New Orleans Rhythm Kings, uno de los primeros grupos que tocaba improvisando solos, sonaba en 1922 como si llevara una década de progreso sobre los ODJB. El año 1923 fue de gran importancia, porque durante ese año hicieron grabaciones debut la King Oliver's Creole Band (la cual incluía en corneta a Louis Armstrong y en clarinete a Johnny Dodds), la cantante de blues Bessie Smith y el compositor y pianista Jelly Roll Morton. Aunque la banda de King Oliver se consideraba dentro de las más importantes de Nueva Orleans por sus improvisaciones en conjunto, sería Louis Armstrong quien tendría la mayor influencia y eventualmente cambiaría el jazz.

La movilización de los negros del sur de los Estados Unidos, buscando mejores condiciones económicas, también contribuyó a que a los músicos de jazz salieran de Nueva Orleans hacia otras ciudades del norte y oeste y, a principios de los años '20, Chicago se convirtió en el centro del jazz. Cuando Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en Nueva York en 1924, descubrió que los músicos neoyorquinos, aunque técnicamente superiores, con frecuencia tocaban en stacatto y sin la emoción de los blues. Armstrong , con sus solos dramáticos y explosivos en la banda de Henderson, tuvo una inmensa influencia al cambiar la manera de frasear solos, abriendo así nuevos caminos de improvisación. Se puede afirmar que Louis Armstrong fue el principal responsable (aunque es probable que hubiera ocurrido eventualmente) por el cambio del énfasis del jazz de improvisación colectiva a solos individuales, lo cual ayudó a la creación del swing.

En la década de los '20, el jazz comenzó a influir a las orquestas de baile y hasta los conjuntos más comerciales comenzaron a tener pequeños solos y secciones rítmicas sincopadas. La espectacular serie de grabaciones de Louis Armstrong y sus Hot Five y Hot Seven inspiró a otros músicos a crecer y al mismo tiempo popularizó el canto en scat y una manera relajada de frasear vocalmente las canciones, lo cual influenció a Bing Crosby y a futuros cantantes. Músicos como el cornetista Bix Beiderbecke, que tenía un sonido menos cálido que el de Armstrong, el pianista Jelly Roll Morton, tanto como solista o con su grupo Red Hot Peppers, el pianista James P. Johnson, el compositor y arreglador Duke Ellington y el emergente saxo tenor Coleman Hawkins, se transformaron en importantes fuerzas en el mundo del jazz.

Durante la segunda mitad de la década, las orquestas con mayor número de músicos y con base en el jazz se hicieron populares y la improvisación colectiva que distinguía el estilo Dixieland se encontró fuera de moda y restringida a pequeños grupos. Otro de los efectos de la Depresión fue desplazar al Dixieland casi completamente por más de diez años. El público no quería acordarse de la época desenfrenada de los años '20 y por algunos años prefirió las baladas y la música de baile. Sin embargo, cuando en 1935 repentinamente se hizo famoso Benny Goodman, una nueva generación demostró que lo que le interesaba era hacer lo que fuera para ignorar la Depresión y pasarlo bien bailando con orquestas de swing. El período de 1935 a 1946 se conoce como la era de las Big Bands, o grandes orquestas, que dominaron los rankings de la música popular. También en la misma década, el jazz fue una parte importante de la música popular, no sólo una influencia como lo había sido anteriormente. Glenn Miller y Artie Shaw vendieron millones de discos y Benny Goodman, Count Basie y Duke Ellington eran nombres reconocidos por el público en general.

Por esos años el jazz se desarrolló de varias maneras. Nuevos solistas, como los pianistas Art Tatum y Teddy Wilson y los trompetistas Roy Eldrige y Bunny Berigan, inventaron estilos alternativos. Los arreglos de las Big Bands se tornaron más sofisticados, el Dixieland revivió y fue redescubierto (la Yerba Buena Jazz Band de Lou Watters fue en parte responsable por este renacimiento), y se celebraba el jazz como una parte importante de la cultura norteamericana. Lamentablemente, esta era de oro de popularidad no duraría.

Como consecuencia de la evolución continua del jazz, fue tal vez inevitable que avanzara más rápidamente que las preferencias del público en cuanto a música popular. Al principio de los '40 muchos de los jóvenes músicos quisieron ir más allá de la música de swing y desarrollar sus propios conceptos. El saxofonista Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie fueron los fundadores principales de un nuevo estilo llamado bepob o bop, pero no fueron los únicos y docenas de otros se les unieron. Una de las características del bebop era introducir el tema rápidamente para luego iniciar las improvisaciones. Las armonías y ritmos se hicieron mucho más complicados y, más importante aún, la música que se tocaba era cada vez menos apta para bailar. Una huelga de grabación entre los años 1942 y 1944, un impuesto prohibitivo a los espectáculos - el cual hizo cerrar a muchos de los salones de baile- y la creciente acogida del público a los cantantes populares, condenaron a las Big Bands a su extinción. Al mismo tiempo, la eliminación de las pistas de baile en mucho de los clubes convirtió al jazz en una música estrictamente para ser escuchada. Al ser elevada a nivel de música de arte, el jazz se aisló del mundo de la música popular y su público disminuyó drásticamente, mientras otros estilos más simples se creaban para llenar el vacío.

Sin embargo, la decaída comercial no frenó el crecimiento artístico del jazz. El bop, inicialmente considerado un estilo revolucionario (la huelga de grabaciones no les permitió a muchos conocer su gradual crecimiento), se transformó en la parte más importante de la corriente del jazz al comenzar la década de los '50. El cool jazz, jazz de la costa oeste, que daba más énfasis a tonos y arreglos más suaves y que llegó a la cima de su popularidad a media década, y el hard bop (que incorpora los elementos de más sensibilidad del jazz [soul] descartados por los creadores y seguidores del bebop), fueron ramas del bebop que tuvieron sus aficionados. Pero con el surgimiento de la avant garde, o free jazz, la música improvisada experimentó el mayor salto, abandonando aún a más seguidores.

Cuando Ornette Coleman y su cuarteto se presentaron en el Five Spot en Nueva York en 1959, muchos aficionados que comenzaban a aceptar la música de Thelonious Monk quedaron perplejos. Ornette y su grupo interpretaban un tema en unísono y luego improvisaban muy libremente sin utilizar ningún acorde. Durante el mismo período, John Coltrane, quien había llevado el bop a extremos con el interminable número de acordes que usó al grabar "Giant Steps", comenzó a improvisar apasionadamente sobre vamps (acompañamientos improvisados repetitivos). La atonalidad percusiva del pianista Cecil Taylor debía tanto a la música clásica contemporánea como a los estilistas de jazz de épocas anteriores y los exagerados saltos de intervalos de Eric Dolphy eran completamente imposibles de predecir. El jazz avant garde había llegado.

A mitad de los '60 el free jazz estaba lleno de improvisaciones de mucha energía por medio de las cuales se exploraba tanto el sonido como las notas. Dentro de pocos años, cuando surgieron el Art Ensemble of Chicago y Anthony Braxton, el espacio en la música se utilizaba mucho más libremente y a fines de los '70 muchos artistas avant garde dedicaban más tiempo a integrar improvisaciones con composiciones complejas. La música ya no era una forma libre continua, sino que los músicos gozaban de libertad completa en sus solos para crear cualquier sonido que les pareciera adecuado. Aunque este estilo ha sido oscurecido por otros desde los '70, es todavía una opción viable para los improvisadores y sus innovaciones continúan influyendo indirectamente en la corriente moderna del jazz.

La década de los '70 se reconoce más bien como la era de la fusión, cuando muchos de los jazzistas integraron aspectos del rock , R&B (rhythm and blues), y música pop con su propia música. Hasta fines de los '60, el jazz y el rock se mantuvieron separados, pero con el surgimiento del teclado electrónico hubo mucha experimentación. Miles Davis, quien fue innovador en el bop, cool jazz, hard bop y su propia estilo de avant garde, estableció los patrones de la fusión cuando grabó "In a Silent Way" y "Bitches Brew". Se comenzaron a formar grupos que combinaban la improvisación y musicalidad del jazz con la fuerza y ritmos del rock. Dentro de los más notables están Return to Forever, Weather Report y Mahavishnu Orchestra. Ya en 1975 este movimiento comenzó a quedarse sin combustible artístico, pero debido a su potencial comercial ha continuado hasta hoy, frecuentemente en una forma aguada como mezcla del pop instrumental y recibiendo el inexacto nombre de "jazz contemporáneo" o "acid jazz".

La trayectoria del jazz de 1920 a 1975 fue de una constante evolución con nuevos estilos que quedaban fuera de moda dentro de cinco a diez años. En los '80 súbitamente se consideró aceptable dar tributo al pasado y acudir a épocas anteriores al bop para inspirarse. Aunque el Dixieland se ha mantenido bastante activo, casi de manera clandestina, por décadas (tuvo un auge de popularidad durante los '50), pocos de la tendencia principal del jazz moderno reconocieron su existencia o importancia antes de los '80. Wynton Marsalis, quien simbolizó la década, comenzó como trompetista inspirado en gran parte por la manera de tocar del Miles Davis de los '60. Eventualmente encontró su propio sonido al retroceder en el tiempo explorando la música de los maestros del pre-bop, y el resultado fue que, aunque tocaba nueva música moderna, Marsalis logró adaptar e interpretar de una manera original las ideas proporcionadas por el pasado distante.

Muchos de los jóvenes intérpretes que han seguido a Marsalis ignoran a la fusión y a las más importantes innovaciones del avant garde, usando sólo el hard bop como la base de su música. Es un acontecimiento realmente curioso que existan tantos músicos jóvenes que tocan con un estilo que tuvo su auge antes de que ellos nacieran, pero a mediados de los '90 muchos de estos Young Lions finalmente comienzan a establecer sus propias voces y construyen en base a las innovaciones de antaño.

Casi todos los estilos del jazz siguen activos en los '90, incluyendo el Dixieland, jazz clásico, pequeños grupos de swing, bop, hard bop, post-bop, avant garde y varias formas de fusión. El jazz ha pasado a ser una música realmente internacional, aunque su evolución se ha hecho más lenta durante los últimos 20 años. Hoy no es evidente la dirección en que irá el jazz en el futuro. Algunos cínicos piensan que la música ha llegado al final de su desarrollo, pero se puede apostar que mientras existan grabaciones, junto con la necesidad de auto expresión, el jazz sobrevivirá.

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Jazz People, Dan Morgenstern, Da Capo
Schwann Spectrum, Reference Guide to Rock, Pop, Jazz, etc., Schwann Publications
All Music Guide To Jazz, Miller Freeman Books

Discografía recomendada:

Jelly Roll Morton
Red Hot Peppers, Bluebird

New Orleans Rhythm Kings
The New Orleans Rhythm Kings & Jelly Roll Morton, Milestone

Freddie Keppard
Complete Heritage (1923-27) King Jazz

King Oliver
Complete Heritage Vols. 1-6, King Jazz

Original Dixieland Jass Band
First Jazz Recordings 1917-1923, Jazz Archives

Sidney Bechet
The Legendary Sidney Bechet, Bluebird

Fletcher Henderson
The Fletcher Henderson Story: A Study in Frustration, Columbia
Hocus Pocus, Bluebird

Bessie Smith
The Complete Recordings, Vols. 1-5, Columbia

Benny Carter
Further Definitions, Impulse!
All of Me, Bluebird

Charlie Christian
The Genius of the Electric Guitar (con Benny Goodman, Lionel Hampton, Basie, etc.), Columbia

Coleman Hawkins
Body and Soul, Bluebird
The High and Mighty Hawk, London

Ella Fitzgerald
Pure Ella, Decca Jazz GRP
Ella and Louis y Ella and Louis, Again, Verve
Mack the Knife, the Complete Ella in Berlin Concert, Verve
Ella and Basie, Verve

Clifford Brown and Max Roach
At Basin Street EmArcy,

Charles Mingus
Blues and Roots, Atlantic
New Tijuana Moods Bluebird
Black Saint and the Sinner Lady MCA/Impulse!
Mingus Ah Um, Columbia

Sugerimos también esta lista adicional de músicos de importancia - de la cual sin duda se nos escapan valiosos talentos - que deberían ser considerados en una buena colección de discos de jazz.

Henry "Red" Allen, Toshiko Akiyoshi, Chet Baker, Bix Beiderbeck, Art Blakey, Dave Brubeck, Don Cherry, Kenny "Klook" Clarke, Eddie Condon, Chick Corea, Eric Dolphy, Bill Evans, Gil Evans, Art Farmer, Tomy Flanagan, Errol Garner, Stan Getz, Johnny Griffin, Bobby Hacket, Charlie Haden, Lionel Hampton, Herbie Hancock, Woody Herman, Freddie Hubbard, Keith Jarrett, J.J. Johnson, Elvin Jones, Hank Jones, Thad Jones/Mel Lewis Band, Jo Jones, "Philly" Joe Jones, Stan Kenton, Lee Konitz, Gene Krupa, Jackie McLean, Branford Marsalis, Wynton Marsalis, Modern Jazz Quartet, Wes Montgomery, Lee Morgan, Gerry Mulligan, Fats Navarro, Red Norvo, Art Pepper, Oscar Peterson, Bud Powell, Django Reinhardt, Buddy Rich, Pee Wee Russell, Artie Shaw, Wayne Shorter, Sonny Stitt, Jack Teagarden, Clark Terry, Lennie Tristanto, McCoy Tyner, Sarah Vaughn, Weather Report, Chick Webb, Ben Webster, Teddy Willson, Horace Silver, Phil Woods.

Estilos del Jazz

Ragtime. Aunque no es realmente jazz, ya que no tiene improvisaciones ni el enfoque de los blues, es un estilo que tuvo su auge en la última década del siglo IXX, influenció a todos los primeros estilos del jazz que surgieron después. El Ragtime se asocia más con música de piano, aunque también era interpretado por orquestas. Su síncopa y estructura, las que mezclan aspectos de la música docta y las marchas, insinúan el jazz, especialmente en algunas de sus melodías (Maple Leaf Rag), las que años más tarde serían interpretadas por músicos del estilo Dixieland. (Scott Joplin, Joseph Lamb, James Scott, Eubie Blake).

Nueva Orleans. Lamentablemente no existen grabaciones de la música que se tocó en Nueva Orleans desde fines del siglo pasado hasta 1917. Con el éxito de las grabaciones de la Original Dixieland Jass Band, es posible imaginarse cómo sonaba esa música. El jazz de Nueva Orleans era un estilo de música con una rígida estructuración de grupo, con papeles estrictamente establecidos para cada instrumento. Generalmente se destacaba el trompetista o cornetista, los que tocaban la melodía, con apoyo armónico del trombón, filigranas del clarinete y un ritmo constante establecido por la sección rítmica, la que normalmente estaba compuesta por piano, banjo o guitarra, tuba o contrabajo y batería. (Buddy Bolden, Louis Armstrong, Muggsy Spaniel, Kid Ory, King Oliver, Sidney Bechet, Johnny Dodds, Jelly Roll Morton, Baby Dodds).

Jazz Clásico. No todo el jazz de los años 20 puede describirse como Nueva Orleans o Dixieland. La década de los años 20 fue musicalmente muy rica, con las bandas de baile influenciadas por el jazz y un gradual énfasis en los solos, al contrario de las improvisaciones colectivas de los estilos anteriores. Gran parte de la música de los 20 se puede describir como Jazz Clásico, precursor del Swing. (Louis Armstrong, Bix Beiderbecke, Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Bessie Smith).

Dixieland. Es un estilo que se superpone con el Nueva Orleans y el Jazz Clásico. También se conoce como Chicago jazz porque se desarrolló en gran parte en Chicago en los años 20. Típicamente, el marco incluye una improvisación colectiva durante el primer coro del tema, seguida por solos individuales con acompañamiento de los otros instrumentos, el cierre lo hacen todos los instrumentos interpretando el tema y una coda de 4 compases del baterista a la que responde el resto de la banda. (Louis Armstrong, Jack Teagarden, Eddie Condon, Kid Ory, Pee Wee Russell, Barney Bigard, Edmund Hall, Baby Dodds, Ray Bauduc, Paul Barbarin, Bud Freeman, Red Allen, Doc Cheatham, Wild Bill Davidson).

Swing. Si bien el jazz de Nueva Orleans se caracteriza por sus improvisaciones en grupo (ensembles), cuando el jazz se hizo popular en los años 20 y la demanda de bandas de baile creció, fue necesario que estos ensembles fueran pasados al pentagrama, especialmente cuando los grupos incluían a más de tres o cuatro vientos. Aunque el Swing se inició en gran parte cuando Louis Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en 1924 y Don Redman comenzó a escribir arreglos que respondían a las relajadas improvisaciones del cornetista , la era del Swing sólo comenzó "oficialmente" en 1935, cuando se hizo famosa la banda de Benny Goodman. El Swing fue una importante fuerza en la música popular de Estados Unidos hasta que terminó la era de las big bands, o grandes bandas, en 1946. El Swing se diferencia del jazz de Nueva Orleans y del Dixieland principalmente porque sus ensembles son más sencillos y normalmente llenos de frases repetitivas (riffs) que contrastan con las más sofisticadas improvisaciones de los solistas. (Duke Ellington, Buck Clayton, Benny Goodman, Roy Eldrige, Coleman Hawkins, Jo Jones, Beny Carter, Gene Krupa, Lionel Hampton, Harry James, Tommy y Jimmy Dorsey, Artie Shaw, Count Basie).

Bebop. También conocido como Bop, fue un nuevo y radical estilo que se desenvolvió gradualmente a principio de los años 40, explotando en 1945. La diferencia entre el Swing y el Bebop es que en este último los solistas usaban acordes, en vez de la melodía, para hacer sus improvisaciones, a menudo desechando la melodía después del primer coro. Los ensembles se hacían en unísono y la mayoría de los conjuntos tenían siete o menos músicos. Los solistas tenían total libertad en sus improvisaciones, siempre que éstas se ajustaran a la estructura de acordes del tema. Los músicos del Bebop eran virtuosos que tenían la habilidad de tocar tempi extremadamente rápidos y de manera prolongada. El Bop se desligó desde su inicio de la música popular y de un público al que le gustaba bailar, elevando el jazz a un nivel de música del arte y así desperdiciando la posibilidad de éxito comercial. Paradójicamente, el que inicialmente se consideró un movimiento radical se convirtió en la base para las innovaciones que surgieron posteriormente. (Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Thelonious Monk, Max Roach, Tadd Dameron, Ray Brown, Kenny Clarke).

Cool Jazz (o West Coast Jazz). Este estilo evolucionó del Bop a fines de los años 40 y a principios de los 50. Básicamente es una mezcla del Bop con ciertos aspectos del Swing. El estilo Cool Jazz eliminó las disonancias del Bop, suavizó su tono y redujo los acentos de la sección rítmica, dándoles un enfoque más suave. Al mismo tiempo se le dio más importancia a los arreglos. Como la mayor parte de los músicos que abrazaron este estilo eran de Los Angeles, es decir, de la costa oeste de Estados Unidos, también se llamó West Coast Jazz. A fines de los años 50 el Hard Bop de la costa este de EEUU reemplazó al Cool Jazz / West Coast Jazz. (Lester Young, Miles Davis, Lennie Tristano, Shorty Rogers, Shelly Mann, Gerry Mulligan, Chet Baker, Dave Brubeck, Stan Getz, Art Pepper, Gil Evans).

Mainstream. Describe el estilo adoptado por algunos músicos veteranos del Swing durante los años 50, quienes preferieron modernizar su estilo en vez de tocar Bop o unirse a bandas de Dixieland, aunque muchos lo hicieron para sobrevivir. (Lester Young, Coleman Hawkins, Buck Clayton, Harry "Sweets" Edison, Roy Eldridge).

Third Stream. Un término que describe una fusión del jazz con la música docta. Los ejemplos de esta mezcla de dos idiomas tan diferentes no han dado gran resultado. (Modern Jazz Quartet, Gunther Schuller).

Hard Bop. Es una extensión del estilo Bop, en gran parte ignorado por los músicos del West Coast Jazz. Las diferencias básicas entre el Hard Bop y el estilo Bop son varias: las melodías tienden a ser más simples y frecuentemente tienen más Soul (alma), la sección rítmica es más relajada y toca con soltura, el contrabajista no está obligado a tocar 4/4 (4 pulsos por compás: 1-2-3-4- etc.), y se utilizan elementos del Gospel (música religiosa de los Negros). (Art Blakey y los Jazz Messengers, Horace Silver Quintet, Clifford Brown/Max Roach, John Coltrane, Cannonball Adderley, Miles Davis, Lee Morgan, Jimmy Smith, Kenny Dorham, Red Garland, Wes Montgomery, Roy Haynes).

Free Jazz / Avant-Garde. Free Jazz es un estilo totalmente radical. La música ya no es una forma libre continua, sino que los músicos gozan de libertad completa en sus solos para crear cualquier sonido que les parezca adecuado. Aunque este estilo ha sido oscurecido por otros desde los '70, es todavía una opción viable para los improvisadores, y sus innovaciones continúan influyendo indirectamente en la corriente moderna del jazz. El Avant-Garde se diferencia del Free Jazz en que sus ensembles actúan dentro de una cierta estructura, aunque las improvisaciones en general son igualmente libres de las reglas convencionales. Obviamente existen elementos básicos que comparten ambos estilos, y gran parte de los músicos identificados como seguidores de un estilo incursionan en el otro. En las mejores actuaciones de Avant-Garde es difícil determinar cuando termina la composición y comienza la improvisación. (John Coltrane, Ornette Coleman, Don Cherry, Cecil Taylor, Eric Dolphy, Anthony Braxton, John Carter, De Blackwell, Paul Bley, Andrew Hill, Steve Lacy).

Fusión. Es un término usado de tal manera en los últimos 25 años que casi no tiene significado. Originalmente era una mezcla de las improvisaciones del jazz con el poder y ritmos del Rock. Cuando éste evolucionó y se tornó más creativo y la calidad musical de los músicos rockeros mejoró, y cuando muchos jazzistas se cansaron del Hard Bop y no les interesaba tocar exclusivamente música Avant-Garde o Free Jazz, los jazzistas y rockeros comenzaron a intercambiar ideas y ocasionalmente a unirse. (Miles Davis, Joe Zawinul, Herbie Hancock, Chick Corea, Jaco Pastorius, Lenny White, Dave Weckle, Wayne Shorter, Jean Luc Ponty).

Post Bop o Mainstream Moderno. Hoy es sumamente difícil caracterizar el jazz moderno. Gran parte de la música no encaja dentro de los estilos de su historia. No es tan influenciado por el Rock ni es tan libre como el Avant-Garde. Desde los comienzos de 1989, con el surgimiento de Wynton Marsalis, una nueva generación de músicos jóvenes ha decidido tocar un estilo actualizado del Hard Bop, también influenciado por la música del quinteto de Miles Davis de mediado de los años 60. (Wynton y Branford Marsalis, Wallace Roney, Cindy Blackman, Antonio Hart, Vincent Herring, Joshua Redman, John Scofield, Christian McBride, Bill Stewart, Javon Jackson).

© Roberto Barahona es presentador de "Purojazz" que se emite en Radio Beethoven (96.5 FM) en Santiago de Chile. El artículo original se encuentra a disposición del público en su página web www.purojazz.com. La reproducción del mismo en Tomajazz es una gentileza del propio Roberto Barahona.

Roberto Barahona en Tomajazz: https://www.tomajazz.com/web/?cat=19988

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Breve historia del Jazz [Artículo de jazz] Por Roberto Barahona - Tomajazz 8.0

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Great day in Harlem. Fotografía por Art Kane Historia del jazz ¿Cuándo comenzó el jazz? Es una pregunta que se mantendrá para siempre sin respuesta. La primera grabación de jazz se efectuó en 1917, pero la música existía por lo menos en su estado primitivo desde hacía 20 años.

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Los cantantes de rap en inglés más conocidos de los Estados Unidos (primeros dos párrafos)

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Los cantantes de rap en inglés más conocidos de los Estados Unidos (primeros dos párrafos)

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Según el blog “Superprof” (2021) algunos de los artistas más destacados en el mundo del rap son:

Jay-Z: más que ser un rapero común, también se ha consolidado en el mundo de los negocios y ha adquirido una fortuna de mil millones de dólares aproximadamente. Ha ganado 21 premios Grammy y ha vendido más de 100 millones de álbumes.

Eminem: también conocido como el “Dios del Rap” o el “rey del hip hop”, Eminem ha vendido más de 225 millones de discos mundialmente. Empezó en el mundo musical a los 14 años haciendo batallas urbanas de rap y tuvo su apogeo en el año 2011.

Elvira. (2021). Los cantantes de rap en inglés más conocidos de los Estados Unidos. Recuperado de https://www.superprof.es/blog/cantantes-rap-estados-unidos/

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Breve historia del jazz: de los orígenes a la actualidad (paráfrasis de los primeros dos párrafos: blog en línea).

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Breve historia del jazz: de los orígenes a la actualidad (paráfrasis de los primeros dos párrafos: blog en línea).

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Ideas principales del texto:
1. El género musical, jazz, tuvo origen durante el siglo XIX en las manifestaciones culturales de los esclavos africanos viviendo en el sur de los Estados Unidos.
2. La prohibición de la expresión artística de los esclavos hizo que este estilo musical, y muchos que se originan de él, no pudieran expandirse.

Paráfrasis:

Como afirman Marta Pérez, Alberto Damigo, y Aitor Segura (2014), el jazz nació entre las palmadas de las manos y el rebote de los pies contra el suelo de los esclavos africanos viviendo en el sur de los Estados Unidos; este ritmo que producían expresaba la cultura que les tenían altamente prohibido manifestar. Aunque no fueran proporcionados con instrumentos apropiados para expresar sus tradiciones musicalmente, disfrutaban de sus fiestas y creaban ritmos nuevos con no más que sus cuerpos. Sin embargo, en un lugar llamado Place Congo en Nueva Orleans, eran personas libres, por lo que la restricción de otros lugares no los detuvo de manifestar su cultura y disfrutar de su música folklórica, la cual a largo plazo, sin duda influenció a numerosas personas fuera de su grupo cultural. En 1820, ampliaron su expresión musical; interpretaban obras musicales con actores y actrices, usaban maquillajes específicos, y se basan en obras inglesas. Entre sus obras populares se encuentran los «cantos de las plantaciones». Al volverse libres y seres con derechos completos, la música típica de las personas africanas se ramificó y se crearon nuevos estilos similares que se expandieron por Estados Unidos y se volvieron el origen de lo que hoy conocemos como jazz (Pérez, Damigo, Segura).

Referencias:
Pérez, M., Damigo, A., Segura, A. (2014). Breve historia del
jazz: de los orígenes a la actualidad. Recuperado de
https://enharmoniacpmt.wordpress.com/2014/11/20/breve-
historia-del-jazz-de-los-origenes-a-la-actualidad/

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Paráfrasis de Música Clásica – Historia, Evolución, Interpretes y Más

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Paráfrasis de Música Clásica – Historia, Evolución, Interpretes y Más

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La música clásica es una forma de arte entre las composiciones que son conocidas mundialmente. Cualquiera que ha escuchado música ha escuchado las notas del piano, del cello y el violín, las cuales forman una armonización bella que cautiva y tranquiliza a numerosas personas. El género se desarrolló durante épocas medievales e históricas; por lo cual se conoce hoy en día como música clásica. La música clásica se originó y desarrollo en el 1750-1820, conocida como la época clasista.

Instrumentos musicales (S.F). Música Clásica – Historia, Evolución, Interpretes y Más. Recuperado de https://www.instrumentosmusicales10.net/generos-musicales/musica-clasica/

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▷ INSTRUMENTOS MUSICALES | GUÍA Y TIENDA OFICIAL 🥇

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Este definitivamente es un género musical que todos conocemos, bien sea porque nos gusta o por simple curiosidad, este estilo de música posee gran belleza que es reflejada en cada una de sus notas. Con la que podemos lograr varias cosas, gracias a su innumerable lista der composiciones, en las cuales estamos seguros que más de alguna ha marcado tu vida.

Origen de la música clásica

Este estilo de música inicia en épocas muy antiguas, en donde la civilización griega y la romana, comenzaron a dar las primeras muestras de expresión artística. En los que eran utilizados sonidos e instrumentos para amenizar diferentes eventos y principalmente las ceremonias.

Con el paso del tiempo la musicalización evoluciono primordialmente en el ámbito religioso. Las principales demostraciones musicales durante la edad media eran en canciones litúrgicas y cantos gregorianos.

Con el paso del tiempo todos los esfuerzos darían fruto, debido a que la música se dispersaría a todos los pueblos a través de trovadores y artistas, para que finalmente se presentara por medio de la imagen de músicos muy reconocidos siendo estos Beethoven y Mozart. Se denomina música clásica a toda composición nacida en la era del clasismo del año 1,750 hasta el 1,820.

Actualmente este género ha contribuido con la formación de varios estilos que escuchamos habitualmente, entre los que encontramos el pop y el rock, los que se llega a mezclar sonidos propios de la instrumentación clásica, y con ello conseguir la creación de nuevas canciones.

Exponentes principales de la música clásica

En este género encontramos varios compositores, los que logran destacarse de una gran manera debido al esfuerzo de su trabajo y la consecuencia que este posee hasta la fecha. La mayoría de estos sigue siendo recordada en muchas ocasiones y en la actualidad son tomadas como base en la enseñanza musical.

Johann Sebastián Bach

Es un exitoso músico con descendencia alemana, el cual logro destacar debido a su gran dominio en el violín, además de tener el privilegio de celebrar como maestro de capilla. Gran parte de su obra vivo el éxito durante el periodo del barroco el cual era característico por su técnica musical, la que se consideraba perfecta y detallada debido a su técnica musical.

Durante sus conciertos de Brandenburgo resaltaron sus composiciones más conocidas, como lo fue "La pasión según Mateo", las Sonatas y partitas para violín solo. Obtuvo gran influencia en Mozart, quien más adelante sería considerado un autentico genio.

Wolfgang Amadeus Mozart

Es un excelente compositor que nace en Austria, encontraba en el piano todo lo que necesitaba para desarrollarse como un excelente músico, aunque tendía a ser demasiado ágil con el violín, su talento se hizo presente a temprana edad el cual fue excepcional que le permitió presentarse ante la realeza.

A los 5 años de edad ya componía lo que lo llevo a viajar bastante, permitiendo que radicara definitivamente en la ciudad de Viena. Pese a ser prodigioso tuvo que atravesar épocas difíciles en el aspecto económico. Sus mejores obras con la flauta mágica son "Las bodas de Figaro" y su famoso Requiem, que compusiera en la cúspide de sus días.

Ludwin Van Beethoven

Se considera uno de los músicos clásicos más famosos hasta la fecha. Nació en el año 1,770 en Bonn, una ciudad de Alemania y a pesar de obtener abundante éxito como compositor, llevaba una vida interrumpida por ciertos sufrimientos, principalmente cuando vio afectado su oído impidiendo que pudiera escuchar bien.

Esta es la razón por la que más tarde su trabajo de componer fuera considerada una de las más extraordinarias de la historia. "El himno a la alegría" y "La novena sinfonía" son conocidas universalmente como sus mayores éxitos.

Richard Wagner

Se conoce como director de la orquesta alemán, que inicio en pleno periodo del Romanticismo y que se hizo famoso por componer óperas como la conocida "Tristán e Isolda" o "El anillo de los nibelungos, entre sus características más importantes de sus creaciones y lo que ahora es empleado como elemento principal dentro del cine es el uso de leitmotivs.

Los leitmotivs son temas musicales dedicados a ciertos personajes, cada vez que aparecen en escena de una determinada obra. Wagner es uno de los músicos más controversiales, a causa de las afirmaciones sobre política y una postura que podría entenderse como racista.

Fredéric Chopin

Es un conocido pianista originario de Varsovia, el cual ha sido considerado uno de los más grandiosos músicos del romanticismo. A los 7 años compuso su primera pieza musical, ya que desde niño demostró varias aptitudes para la música que fueron alentadas por sus padres.

Su composición más destacada fue su concierto para piano y orquesta n.º 2 Op. 21 en fa menor. Su delicada técnica que se aprecia dentro de sus obras, le ha permitido ser comparado con artistas de la talla de Beethoven y de Bach.

Muchas veces lo único que necesitamos escuchar son una de sus obras para lograr relajarnos e inspirarnos, o inclusive es ampliamente recomendado al momento de querer concentrarte, siendo esta la razón principal de ser recomendado para la crianza de los niños pequeños.

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▷ Música Clásica - Historia, Evolución, Interpretes y Más

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Este definitivamente es un género musical que todos conocemos, bien sea porque nos gusta o por simple curiosidad, este estilo de música posee gran belleza que es reflejada en cada una de sus notas. Con la que podemos lograr varias cosas, gracias a su innumerable lista der composiciones, en las cuales estamos seguros que más de alguna ha marcado tu vida.

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1. Un mal ambiente afecta tu salud bienestar y futuro.
2. La UNAM desarolló una guía para resolver los problemas ambientales.

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Según la UNAM (2018), un ambiente en malas condiciones perjudica nuestro bienestar físico y mental, así como nuestras acciones. Hay varias formas de contribución para que toda la gente aporte su granito de arena desde sus casas, trabajo e instituciones públicas y así aportar un cambio positivo a la situación ambiental.

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Referencias de un libro, en formato APA.

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Referencias de un libro, en formato APA.

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Referencia bibliográfica:

Palacio, R.J. (2012). Extraordinario (1a ed.).
México: Penguin Random House Grupo
Editorial.

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1. ¿Qué es una referencia bibliográfica?
Una referencia bibliográfica reúne la información necesaria y precisa sobre una publicación y/o fuente informativa utilizada para respaldar argumentos y comprobar la veracidad de la información en la realización de un trabajo académico o profesional.

2. ¿Cuáles son los estilos de referencia más comúnmente empleamos?
En América Latina, el formato APA no es la única forma utilizada. Aparte de esos están los métodos Vancouver, Humanístico y Funcional.

3. ¿Qué es el sistema de referencia APA?
Es el sistema de referencias y citas bibliográficas aplicadas para acreditar a los autores originales.

4.  ¿Cuándo se comete plagio?
Cuando un trabajo o un artículo informativo no acredita a los autores originales y pasa el trabajo de aquellos como su propio.

5. ¿Cómo se puede evitar el plagio?
Para evitar el plagio es necesario citar correctamente, cada una de las fuentes de donde sacamos la información que analizamos o en las que basamos nuestro trabajo.

6. ¿Cuál es la diferencia entre cita y paráfrasis?
La cita es copiar cada una de las palabras de la publicación o libro original. La paráfrasis es decirlo con nuestras propias palabras. Ambas deben tener su respectiva referencia.

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Green,J. (2014) Bajo la misma estrella (ultima edicion.). España: Nube de tinta

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Referencia de una revista en formato APA.

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Referencia de una revista en formato APA.

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Vidal, M. (2015). Un mundo automático. Jóvenes y generación
2020. 108(7), 70-88.

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Kiyosaki, R. T., Lechter, S. L. (2004) Padre Rico Padre Pobre: Qué les enseñan los ricos a sus hijos acerca del dinero, ¡que las clases media y pobre no!
México D. F.: Santillana.

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Referencias electrónicas en formato APA.

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Referencias electrónicas en formato APA.

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ONU Mujeres (2022). En la miras: Días internacional de las
mujeres y las niñas en la ciencia. Recuperado de
https://www.unwomen.org/es/noticias/en-la-
mira/2022/02/en-la-mira-dia-internacional-de-las-
mujeres-y-las-ninas-en-la-ciencia.

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Especialista en el área de Ciencia de Datos e Inteligencia Aritificial. Actualmente se desempeña como analista y estratega en actividades de desarrollo e innovación y marketing con datos en IEXE Universidad.

Muchas veces hemos visto en redes sociales memes referentes a los cambios o características particulares que tiene cada generación; es irónico que se hable constantemente sobre las generaciones sin profundizarse en ello, provocando confusiones (y memes mal logrados).

La convivencia multigeneracional ha generado la necesidad de crear puentes que permiten el desarrollo de estrategias precisas para poder enviar el mensaje adecuado y así, conectar con la audiencia. En este sentido es importante tener en cuenta sus principales diferencias y algunas similitudes entre una generación y otra.

Lo primero que se debe plantear es cómo se define: una generación es un grupo de individuos que comparten una edad o etapas comparables al vivir hitos histórico s: movimientos sociales, políticos, desarrollo tecnológico, entre otros; todo en un periodo de tiempo particular (McCrindle & Wolfinger, 2009).

Los años correspondientes a cada generación varían según el autor, sin embargo, todos coinciden en que hay cuatro generaciones conviviendo actualmente: Baby boomers, X, Y y Z. Cada una se diferencia por conductas, percepciones y motivaciones a través de las condiciones históricas y culturales que les ha tocado vivir.

Fuente: elaboración propia con base en McCrindle & Wolfinger, 2009.

Cada generación tiene su momento de brillar y posteriormente viene su decadencia, pero ¿cuál es la relevancia de saber sobre este tema? El contexto que define una generación marca la perspectiva que tiene de la vida; estilo, percepciones y motivaciones son algunos aspectos que cambian entre un grupo y otro.

Baby boomers

La generación de los abuelos, se les llama baby boomers por la explosión de natalidad ocurrida poco después de la segunda guerra mundial. Ésta vivió acontecimientos históricos a nivel mundial, como la llegada del hombre a la luna, la guerra en Vietnam y toda la Guerra Fría; personas que crecieron acostumbradas los conflictos políticos sociales dentro y fuera de su nación.

Lo interesante de los boomers es que son una generación acostumbrada a la independencia económica y a la toma de decisiones, pero siempre apegados a los valores. Actualmente están enfocados en temas entorno a programas de retiro y jubilación, prefieren un ritmo de vida más tranquilo y suelen invertir su tiempo en estar con la familia, aunque continúan manteniendo esa alma independiente.

Generación X

Este término fue dado por el fotógrafo y periodista Robert Capa y popularizado por el canadiense Douglas Couplan. Esta generación creció en medio de muchos contrastes: el fin de la guerra fría, el empoderamiento en la mujer e incluso, el nacimiento de nuevas tecnologías y el internet; aunque también experimentaron cambios como la ausencia de sus padres, pues comenzaban una dinámica en donde ambos trabajan; el aumento en la tasa de divorcios y, por otro lado, problemas de salud, fueron los primeros en saber al respecto del Sida (VIH) y sus consecuencias.

Durante su juventud vivieron la búsqueda de identidad, solían crear o adherirse a ciertos movimientos. Hoy en día son padres y madres de jóvenes, muchos con la oportunidad de ser líderes dentro de sus empresas; cabe destacar que la mayoría de las personas en esta generación están conformes con su trabajo.

Generación Y o Millennials

Básicamente el término Millennials fue definido por la época de nacimiento que experimentó la generación. Este grupo de personas desde mi punto de vista, se podría clasificar en dos: las que crecieron adaptándose a la tecnología y las que nacieron con la tecnología; ambas se caracterizan por estar inmersas en la tecnología, la globalización y el acceso a la información de forma fácil y certera.

Al inicio de esta generación se vivieron los primeros años de imaginarios de democracias y libertades posibles, así como de la expansión de la prensa y otros procesos de participación y reivindicación de luchas sociales; sin embargo, también el surgimiento de varias crisis económicas así como atentados.

Sus principales características son: la adaptación a la tecnología y su interés por conocer todo lo que los rodea, por esta razón están más inmersos en la autorrealización, el viajar, el no estar fijos a un trabajo pero sí teniendo un mayor crecimiento profesional.

Generación Z

El término es simplemente siguiendo el orden con base en las generaciones anteriores (generación X, Y y Z), nuevamente han experimentado crisis económicas como la del 2008 que, incluso en la actualidad, se siguen viendo las consecuencias.

Es la generación más numerosa viviendo tiempos económicos inciertos a la par de estar conectados con las marcas y la tecnología. A diferencia de los millennials, no podrían concebir su realidad sin la tecnología, principalmente sin smartphones y redes sociales; están acostumbrados a la rapidez en la información, poder navegar y recabar información en un solo clic.

Suelen ser menos sociables y le dan más valor a su vida privada, aman la libertad, el individualismo, así como la tecnología y la velocidad. Mientras que en el mundo laboral se están viviendo los últimos años de los boomers, en el caso de la generación Z, no hace mucho comenzaron a insertarse, demostrando la capacidad de generar varias actividades de forma simultánea y la eficiencia en el uso de herramientas tecnológicas, pero con cierta dificultad al momento de trabajar en equipo.

Cómo pueden observar, los memes nos han engañado todo este tiempo, la generación millennial no es ese estereotipo mal formado a partir del desconocimiento, es muy posible que hayas criticado fuertemente a esta generación sin analizar que posiblemente tú estés dentro de la misma.

Pero en un análisis más profundo, la verdadera importancia radica en la forma en cómo nos podemos comunicar:

Si tu servicio o producto está dirigido a los boomers, por ejemplo, puedes apelar a los valores, la tranquilidad y, por supuesto a la nostalgia, aunque este último podría extrapolarse a otras generaciones ya que, actualmente estamos pasando por un sentimiento de añoranza.

Si lo que quieres es conquistar a la generación X, lo más importante será encontrar el equilibro en la relación costo-beneficio; es posible que puedas apelar a la familia y a los servicios integrales en donde sólo tenga que evaluar el costo; por otro lado, podrías atacar su lado aventurero cuando de servicios y productos dirigidos al cuidado de su salud, bienestar físico y espiritual.

Por otro lado, a los millenialls es más fácil conquistarlos a través de la aventura y el vínculo con su grupo social. Ellos buscan experiencias únicas a diferencia de sus antecesores, no les es relevante la comodidad que ofrecen algunas marcas como por ejemplo, hoteles de prestigio, por esta razón empresas como Airbnb han crecido de forma exponencial.

La generación Z suele ser autodidacta, valora mucho las opiniones sobre el producto o servicio, les agrada tener un abanico de opciones y, como era de esperarse, les gusta la atención personalizada y fácil sin tanto "pastoreo"; así mismo los esfuerzos deben ser encaminados al uso de la tecnología en alguna fase del proceso de compra.

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¿Para qué nos sirve entender las características de cada generación? - IEXE Universidad

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Especialista en el área de Ciencia de Datos e Inteligencia Aritificial. Actualmente se desempeña como analista y estratega en actividades de desarrollo e innovación y marketing con datos en IEXE Universidad. Muchas veces hemos visto en redes sociales memes referentes a los cambios o características particulares que tiene cada generación; es irónico que se hable constantemente sobre las generaciones sin profundizarse en ello, provocando confusiones (y memes mal logrados).