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Su origen de el baile Flor de piña nació en 1958 cuando el gobernador de Oaxaca, Alfonso Pérez Gasga, le dio el encargo a la maestra Paulina Solís Ocampo, oriunda de Tuxtepec, de que creara una danza que enalteciera las raíces indígenas de la Cuenca del Papaloapan, cuya creación no fuera basada en la tradición jarocha, pues por su ubicación geográfica se cree que la cultura del municipio era de Veracruz y no de Oaxaca.

Se tomó la música “flor de piña”, autoría de Samuel Mondragón y se le compusieron pasos que se sustentaban en el conocimiento de las danzas mexicanas y la investigación de la región. La primera representación de flor de piña fue el 21 de julio de 1958 en la Guelaguetza del Lunes del Cerro de ese año.

Con el paso de los años se le añadió una coreografía por la catedrática de danza y piano de la Escuela de Bellas Artes Socorro Rangel y del Castillo, el resultado fue una danza cadenciosa que se adaptó al tiempo del espectáculo al agregársele el vals “la tonalteca” del autor chiapaneco Alberto Peña Ríos, pieza clave para mostrar la hermosura textil de la región.

Esta danza, que es una de las más esperadas durante la fiesta de la Guelaguetza, fue creada a través del diseño de su vestuario, que es típico de la Cuenca, mismo que comparten la cultura mazateca y chinanteca. El huipil responde a la creatividad de cada comunidad, cuya característica que los unifica son los bordados coloridos hechos en telar de cintura.  Se entretejen con tres lienzos unidos por una cinta llamada randa, donde sobresalen las imágenes que representan elementos esenciales de cada municipio de la región. No puede faltar la famosa piña, decorada con un listón rojo.

La coreografía inicia cuando un caballero recita el poema Flor de Piña -que describe cada uno de los huipiles de los siete municipios que conforman este baile-, escrito por el poeta tuxtepecano Felipe Matías Velasco. Los movimientos que interpretan las doncellas, son muy similares a los que realizan naturalmente las mujeres chinantecas. Al final, cada participante regala su piña al público.

Video: https://youtu.be/YphmDYiEEwA

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A la fecha los nahuas y los totonacos de la Sierra Norte de Puebla y el Totonacapan veracruzana, son los pueblos que la siguen practicando.

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Voladores de Papantla: El ritual de los hombres que bailan en el cielo

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Voladores de Papantla: El ritual de los hombres que bailan en el cielo

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Los Voladores de Papantla o también llamados "Pájaros de la Tierra" es un ritual milenario asociado a la fertilidad que nativos totonacos realizaban año con año.

La palabra Papantla tiene un significado en el que Papan significa “ave bulliciosa” y tlan significa “lugar”. Esta ceremonia ritual es considerada como una obra de arte y representa con orgullo el significado de li tutu nakú (ser totonaco). Esta impresionante representación reafirma la importancia de la identidad de las etnias y es uno de los pocos rituales que forman parte del patrimonio cultural de la humanidad a nivel mundial. La ceremonia de los Voladores de Papantla es también considerada una de las más bellas tradiciones que existen en la región de Papantla de Olarte y Veracruz.

La danza del volador se conoce como Kos'niin o "vuelo de los muertos" que representa el saludo al Padre sol y se como realiza una petición a la lluvia para que fertilice el suelo. Asimismo, esta ceremonia lleva practicándose más de 2500 años, en ella los actores principales quienes son los cuatro danzantes simbolizan los cuatro puntos cardinales, y su descenso hasta el suelo significa la caída de la lluvia.

Los danzantes se preparan y lucen una vestimenta muy especial para la ocasión acompañada de tocados llamativos. La vestimenta representa en el cielo el vuelo de aves y el color rojo la sangre de quienes han caído en el vuelo. Los listones que adornan están relacionados con el tiempo de primavera y la naturaleza.

Los hombres suben al palo hasta llegar al tecomate giratorio, el cual, es el punto de apoyo de los voladores, quienes además se apoyan de un bastidor de donde se lanzan al vacío. El caporal ocupa la punta y acompañado de un tambor y una flauta empieza a hacer sonar música de notas prehispánicas. Los otros danzantes, mientras tanto, saltan sujetados con cuerdas y comienzan a danzar en el aire con los brazos extendidos y con la mirada al cielo. Los danzantes van al ritmo de la música indicada por el caporal, ya que cada sonido representa un tipo de movimiento, y así, los danzantes pueden girar hasta 13 veces de acuerdo con los 13 cielos del sol y que estos, multiplicados por 4 dan como resultado 52, el número de un ciclo completo en el calendario prehispánico solar. ¡Es todo un espectáculo!

La ceremonia ritual de voladores se realiza durante las fiestas patronales, carnavales, en los solsticios y equinoccios, festividades de los muertos y en ceremonias que están relacionadas con la siembra y la cosecha. Actualmente, la etapa de vuelo se puede realizar en cualquier momento, ya que este se presenta con fines de exhibición, para esto, los hombres quienes ejecutan el vuelo deben estar preparados de manera física, mental y espiritual.

La importancia de este ritual es que las comunidades puedan presentar a todo el mundo el gran valor de esta danza, y de esta manera, sean aceptados y respetados.

Video: https://youtu.be/U9qA1DRHYOA

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La pirekua es un canto tradicional de las comunidades indígenas p’urhépechas del Estado de Michoacán (México) interpretado por hombres y mujeres.
La diversidad de sus estilos resulta de la mezcla de influencias africanas, europeas y amerindias, y se han observado variaciones regionales en 30 de las 165 comunidades p’urhépechas existentes.

La pirekua, que se canta por regla general con un ritmo lento, puede presentar también estilos no vocales utilizando ritmos diversos como los sones (3/8) y los abajeños (6/8). La pirekua se puede cantar en solo, en dúo o en trío, y también puede ir acompañada por coros, orquestas de cuerda y conjuntos musicales de instrumentos de cuerda y viento a la vez.

Los cantantes e intérpretes de la pirekua, denominados pirériechas, son reputados por su creatividad y sus interpretaciones de canciones antiguas. La letra de las canciones, en la que se recurre con mucha frecuencia al uso de símbolos, abarca una amplia gama de temas: desde los acontecimientos históricos hasta la religión, pasando por las ideas sociales y políticas, el amor y los noviazgos.
La pirekua es un instrumento efectivo de diálogo entre las familias y las comunidades p’urhépechas que la practican, y contribuye al establecimiento y estrechamiento de vínculos entre ellas. Los pirériechas cumplen también una función de mediadores sociales, al utilizar las canciones para expresar sentimientos y comunicar acontecimientos importantes a las comunidades p’urhépechas. La pirekua se ha venido transmitiendo tradicionalmente por vía oral, de generación en generación, y no sólo es una expresión cultural que se mantiene viva actualmente, sino que también constituye un signo distintivo de identidad y un medio de comunicación para más cien mil p’urhépechas.

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También conocido como son huasteco, el huapango es un género musical que surge en la región Huasteca, esa llanura que se extiende por los estados de San Luis Potosí, Tamaulipas, Veracruz, Puebla, Hidalgo y Puebla.
Durante la Colonia, los pobladores flamencos y gitanos introducen en México el fandango, una fiesta andaluz que evoluciona en el huapango, una tradición mestiza donde canto, música y baile conforman un lenguaje musical lleno de alegría.

Como muchas palabras antiguas, la palabra “huapango” ofrece tres lecturas: La primera proviene del náhuatl “cuauhpanco”: que significa sobre el tablado o sobre la tarima, una interpretación que cobra sentido si tenemos en cuenta que los bailes del huapango ocurren sobre una tarima de madera.La segunda alude a los pobladores del Pango, la región del Río Pánuco, el gran caudal limítrofe entre los estados de Veracruz y Tamaulipas.Su tercer connotación deriva de la palabra “fandango”, el canto flamenco ligado al origen de huapango y que actualmente designa las fiestas donde se toca son huasteco.

El huapango es un tipo de son mexicano y forma parte del gran legado de cultural que surge a raíz del mestizaje en el país. Bajo la influencia de elementos musicales indígenas, españoles y africanos, su algarabía proviene del ingenio que sus intérpretes perfeccionan mediante improvisaciones muy adornadas. Igual que un vals, el pulso del huapango marca un ritmo de 3/4 y 6/8, dos compases que resultan muy aptos para el baile. Desde luego, el huapango sólo puede entenderse en sincronía con el zapateado, la danza típica que anima las fiestas. Con trajes regionales, hombres y mujeres bailan al ritmo de la música en un trance ritual de raíz indígena.

Existen dos tipos de huapango, el tradicional y el moderno.El huapango tradicional se interpreta utilizando tres instrumentos: jarana, guitarra quinta o huapanguera, y violín. Este último exige un virtuosismo técnico y una ejecución llena de sentimiento, pues lleva la melodía y realiza los floreos que adornan el son.Las piezas del huapango moderno carecen de improvisación, utilizan el falsete como un adorno, se ejecutan con instrumentos de mariachi, y presentan ritmos de canción ranchera.

En los días de fiesta tales como: bautizos, bodas, confirmaciones o la llegada de un personaje importante al lugar, es común encontrar en las rancherías y municipios de la Huasteca amenizando la fiesta, un conjunto de alegres Huapangueros que al sonar de sus instrumentos y de sus voces, entonan los tradicionales Sones Huastecos, los cuales existen en gran cantidad y variedad por los que mencionaremos lo siguientes: El Sonsolito, El Taconcito, El Gusto, El Sombrerito, La Azucena Bella, El Querreque, El Caiman y muchos más. Desgraciadamente en la actualidad muy pocas personas, y la mayor parte de ellas de edad, se animan a bailar el Huapango, tradición que tiende a desaparecer. El lugar donde se ejecuta este baile puede ser bajo una enramada, en el patio de una casa o bien en amplios locales llamados "galeras", cabe hacer notar que el vestuario utilizado en este tipo de ocasiones, era el usado comúnmente por la mujer, pudiendo ser falda floreada o bien lisa y su blusa en color claro, sus zapatos de uso diario.
Pero el Vestuario a usar en el hombre viste pantalón de tela dura como la mezclilla, el dril o piel de león, en este tiempo simplemente tela resistente para el trabajo, camisa de manta con manga de tres cuartos o de manga larga como la usan los indígenas, pantalón de manta con cintillas en los tobillos, botin, sombrero tantoyuquero, y, por último, paliacate de color rojo al cuello. Las mujeres, blusa bordada, falda de olanes de colores chillantes, zapatillas de tacon grueso, que pueden pizar y zapatear bien, trenzas enrroscadas en la cabeza a manera de peineton, o dobladas con las puntas sujetas en la base del peinado que es trenzado, con unas flores con papel con diamantina, flores naturales (muy pocas veces moños de liston) gargantilla y anillos en todos los dedos.

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La Jarana es un baile muy conocido en todo México, característico y fácil de reconocer. Es un baile típico en las fiestas populares a lo largo y ancho de la península de Yucatán. El término Jarana se puede definir como “alboroto” , esto debido a que durante la época de la Colonia, españoles y criollos gritaban: “Ahí va a empezar la jarana” cada que escuchaban la música  y es algo que caracteriza a este tipo de baile pues se relaciona con la alegría y el alboroto con el que se ejecuta. Esta comparte en gran medida los ritmos sonoros y el baile de la jota aragonesa. Como la mayoría de las cosas en esa época, esta viene siendo un resultado de la mezcla de ambas culturas.

Por tradición esta se baila en las vaquerías, fiestas que se llevaban a cabo al momento de marcar al ganado. Pero que con los años se han convertido en eventos religiosos.

A pesar de que no existe una regla en la vestimenta para bailar jarana, generalmente las mujeres visten el típico hipil yucateco o, mejor aún, el terno de gala. Calzan zapatos blancos y se envuelven con un reboso de Santa María. Por tradición, los hombres también deben vestir de mestizos, con pantalón de dril y guayabera de seda o lino, ambos de color blanco. Sobre la cabeza llevan un sombrero tejido, en los bolsillos un paliacate rojo y calzan alpargatas yucatecas o sandalia de tacón.

Algunos de los bailes más representativos son “El torito“, hermosa jarana que se presenta al final de las vaquerias y el baile de las cintas de origen europeo. Otra danza que sobresale es la de la cabeza de cochino.
El Ayuntamiento de Mérida lleva a cabo a lo largo del año excelentes muestras de la danza en diversos espectáculos al aire libre, pero es recomendable acudir a una vaquería tradicional, donde la ejecución de estos bailes es mucho más auténtica que espectacular.
Video: https://youtu.be/XcxVGyE90Eo

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La polka llegó a México gracias a los franceses en los tiempos de la colonia, y fue adoptada en su mayoría por los estados de Chihuahua, Tamaulipas, Nuevo León, Sonora, Coahuila y Baja California. Cuando los mexicanos del norte adoptaron esta danza, surgió entonces la polca norteña, la cual se distinguió de la polca checa por una variación en los instrumentos que se utilizaban originalmente, aunque el ritmo se mantuvo igual, acompañándose de acordeón y guitarra.

Este baile tradicional mexicano tiene sus orígenes en Checoslovaquia y Polonia, de donde fue extraído a mediados del siglo XIX como un baile de salón para ser después introducido en el Norte de México. Con el tiempo, sus danzantes la hicieron suya dándole su propio toque y diferenciándola de su predecesora europea. Acompañada de acordeón, guitarra y otros instrumentos, la polka se baila a ritmo de cabalgata en cuatro tiempos.
La bailan todas las clases sociales, pero el pueblo humilde, el del campo principalmente, es el que le ha dado vida desde que se introdujo a México, durante la colonia, adaptándose como suyo su música y pasos. Se baila en todas las ocasiones y en tiempos de la Revolución cobró un vigor extraordinario con las “pelonas”, Jesusita en Chihuahua”, y otras muchas piezas que todo el pueblo cantó y sigue cantando. En la actualidad son muchas las polkas, entre las que se numeran; “El Aguacero”. “El Rancho”, “Carreta”.

El vestuario con el que se baila la polka varía según la época.  Los trajes de la polka variaron conforme a su época, pero la polca norteña se caracteriza por usar vestimenta típica de la región norte México, como sombrero de vaquero, camisa estilo tejana y botas. Sin embargo, puede variar dependiendo la vestimenta típica de cada estado.
El estilo típico de la polca norteña es el siguiente: el traje para las mujeres suele ser una blusa de manga larga, bombacha hasta el codo; falda redonda, perchera con encajes, camafeo rodeado de una cintilla negra, y botas. Mientras que los hombres visten pantalón de casimir, camisa a cuadros estilo tejana, una “cuera” (vestimenta tipica de Tamaulipas que se distingue por tener flequillos) y botas.

Según cuenta la historia, los pasos de la polka fueron inventados por una joven checa llamada Anna Camidová, quien improvisó una serie de pasos mientras escuchaba la música. La polca tiene un compás de 2/4 (dos por cuatro) y tempo rápido, no importa qué tipo de polca se toque, este es su tiempo en cualquier lugar del mundo.

La polca se baila con un estilo similar al vals, es decir, se baila con un chasse saltado desplazándose alrededor de la pista pero con saltos, y normalmente se baila con pasos laterales y evoluciones rápidas. Una de las polkas más famosas es “Jesusita en Chihuahua”, un son emblemático de la Revolución Mexicana. Y dentro de la polca norteña está “El aguacero”.
Video: https://youtu.be/9dNw-unxKbI?t=4

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La Danza de los Viejitos es una de las danza más emblemáticas de nuestro país. Su origen se rastrea hasta la época prehispánica, cuando la cultura purépecha realizaba ofrendas al Dios Viejo o Dios Sol (Tata Jurhiata), con el objeto de tener buenas cosechas. Hasta antes de la Conquista, la danza era conocida como T’arche Uarakua y se celebraba en la región que hoy abarca los estados de Jalisco y Michoacán. De acuerdo con la tradición, la Danza de los Viejitos nació específicamente en el pueblo de Jarácuaro, ubicado en la región del lago de Pátzcuaro. En aquella época la danza sólo podía ser interpretada por los petámunis –los cuatro sabios principales de la comunidad– quienes por ende eran también ancianos. Con la Conquista, la danza fue prohibida, sin embargo, los grupos indígenas la continuaron realizando en secreto. Con el paso del tiempo, la danza perdió su sentido religioso y pasó a ser una sátira de los españoles.

Actualmente, los danzantes utilizan jorongo hecho con jerga, sombrero y camisa y pantalón de manta, ropa implementada durante la época virreinal.Los danzantes cubren sus rostros durante la ceremonia con máscaras de ancianos, que también indican las estaciones ya pasadas. La danza se acompaña con la música de las "pirekuas", cantos ancestrales michoacanos, reconocidos como Patrimonio Cultural. Los instrumentos que se utilizan son el contrabajo, la guitarra y el violín.

La coreografía popular de la Danza de los Viejitos es cómica, diseñada para hacer un contraste entre las posturas encorvadas y tambaleantes de los danzantes y la gran energía de su zapateado. En algunas zonas del estado esta danza se baila de forma continua por horas, en especial durante las celebraciones religiosas más importantes.
Video para apreciar esta danza: https://youtu.be/RiUUej7_i9k

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El jarabe tapatío es un arte popular mexicano que recuerda el sentido de identidad nacional favorecida por los esfuerzos de los post revolucionarios para unificar y celebrar sus tradiciones y cultura. El encanto y la gracia de esta danza, junto con el color vivo de la ropa, que ofrecen a los espectadores un collage vertiginoso de vitalidad y brillo, han capturado los corazones de los amantes del arte popular en México y en todo el mundo.
Se considera el baile nacional de México y es, por lo mismo, el más conocido. El Jarabe Tapatío, hablando musicalmente que tiene su origen a mediados del siglo XIX. Compuesto inicialmente de seis aires que con el tiempo se convirtieron en nueve, el Jarabe Tapatío se caracteriza por una sobria coreografía en la que los danzantes deben trazar —sobre una superficie muy limitada— rápidas figuras únicamente con los pies, obligando al resto del cuerpo a permanecer inmóvil.Se baila al son del mariachi.
La temática de este jarabe es el cortejo del hombre (vestido de charro) a la mujer (vestida de china poblana). Al principio ella se resiste, pero el caballero insiste una y otra vez, colocando su sombrero de charro en el suelo. Al final la dama cede y acepta el sombrero, lo recoge y tapa con él los rostros de ambos para impedir que el público indiscreto sea testigo de lo que ocurrirá a continuación con la pareja.
Video para observar el baile: https://youtu.be/Zbn-P11Gbto