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Emission de france 3 : Grandeur nature

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Grandeur Nature - La Grotte de Lascaux, un sanctuaire

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Les plus anciens musiciens humains connus à ce jour utilisaient flûtes, sifflets et racleurs. Depuis 35 000 ans, la musique semble omniprésente dans l’univers spirituel des Hommes.

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La Préhistoire c’est l’époque qui va des débuts de l’humanité jusqu’à l’invention de l’écriture (début de l’Histoire). Les spécialistes ont divisé la Préhistoire en un grand nombre d’époques. Il faut en retenir deux:

Le Paléolithique (ancien âge de la pierre’ appelé aussi âge de la pierre taillée). L’homme est un chasseur-cueilleur. Il est nomade. Il apprend a fabriquer des outils(et des instruments de musique).

Le Néolithique (nouvel âge de la pierre appelé aussi âge de la pierre polie). Il y a 10 000 ans (fin de la dernière glaciation),  l’homme se sédentarise: il vit de l’élevage et de l’agriculture.

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J’exprime mon opinion, je respecte celui de l’autre.

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AUX TEMPS PREHISTORIQUES - Les Enfantastiques - Choeur d'enfants

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Parmi les plus vieux instruments de musique connus, des flûtes en os d'ours comme la flûte de Divje Babe actuellement considérée comme le plus vieil instrument de musique (45 000 ans)1, ou celle en os d'oiseau datant de 35 000 ans retrouvée dans une grotte du Jura Souabe, région située au sud-ouest de l'Allemagne. Dans la mesure où ces flûtes sont déjà techniquement évoluées, elles impliquent un savoir-faire musical bien antérieur.

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Les périodes

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muséum d'histoire naturelle

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Musique des cavernes au Muséum d'histoire naturelle

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- 45 000 ans

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- 35 000 ans

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Lien

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Musique et instruments de la Préhistoire

Comme les premières manifestations artistiques de l'art pariétal la musique dans la Préhistoire est un type d'expression qui nous interpelle. Nous y voyons les premiers êtres humains s'exprimer de manière gratuite et sans obligation, de manière " culturelle ". Contrairement à la fabrication d'outils ou d'habitats nécessaires à la survie, l'art sous toutes ses formes est en effet un comportement, une culture, qui rend ces hominidés plus proches de nous, plus humains...

Les origines de la musique

La musique comme la mélodie ne laissent pas de trace... c'est une évidence ! Au mieux ce sont les instruments ayant produit des sons qui peuvent nous parvenir. La majorité des rares études sur le sujet imaginent, en se basant sur l'activité de peuples encore isolés, que les premières " mélodies " ont été produites tout simplement par la voix mais également avec le corps. Un rythme peut en effet être simplement mis en place en tapant dans ses mains ou sur une autre partie du corps. De façon un peu plus élaborée l'homme peut également utiliser son environnement, comme par exemple en tapant des objets les uns contre les autres (bois, pierre, tronc d'arbre, parois de grotte...). De surcroît, il peut aussi construire ou modifier un élément naturel dans le but de produire des sons et donc de la musique. Au final, seuls ces derniers objets, véritablement façonnés, peuvent nous fournir des renseignements.
" Il faut bien considérer que n'ont subsisté que les témoins résistant archéologiquement, ce qui donne nécessairement une image restreinte de ce type d'objet et élimine des instruments qui normalement devaient accompagner ceux reconnus, comme par exemple les percussions utilisant la peau tendue, le cor fait d'une corne d'auroch, de bison, de bouquetin, trompette d'écorce de bouleau, etc.. " Extrait de Homo musicus palaeolithicus et Palaeoacustica de Michel Dauvois (Institut de Paléontologie Humaine, Instituto Italiano di Paleontologia Umana, Roma.)
A droite, flûte de Divje Babe en Slovénie

Le plus vieil instrument de musique identifié...

En septembre 2008, dans la grotte de Hohle Fels (dans le jura Souabe en Allemagne) ont été découverts les fragments d'une flûte en os de vautour. Elle mesure 22 cm et comporte cinq trous. Elle est datée (par la méthode du Carbone 14) de plus de 35 000 ans !
" C'est sans ambigüité le plus vieil instrument de musique dans le monde ! " a déclaré l'archéologue Nicholas Conard lors de la publication de la découverte dans la revue Nature (en juin 2009).
Trois flûtes ont en fait été mises à jour par les chercheurs. La seconde est en ivoire de mammouth et la dernière en os de cygne.

Les instruments de musique dans la Préhistoire

Devant une découverte archéologique de ce type il n'est pas forcément simple de déterminer l'utilisation musicale d'origine. Si la manipulation d'une flûte reste assez compréhensible, l'utilisation d'une rhombe, par exemple, peut paraître étonnante. Et pourtant, dans ce dernier cas, c'est l'usage d'objets identiques par des tribus aborigènes actuelles qui a permis d'en comprendre le maniement.
Par ailleurs il paraît important d'essayer de comprendre si l'objet a été modifié par l'homme, ou bien si ce dernier a simplement utilisé un élément naturel pour produire des sons... Pour certains artéfacts comme les sifflets le débat n'est toujours pas clos.
En 2021 un coquillage trouvé en 1931 dans la grotte de Marsoulas a bénéficié d'une nouvelle étude qui a permis d'identifier un instrument de musique à vent : une conque musicale. Il est probable que les magdaléniens soufflaient dans l'orifice pour produire des sons. La conque musicale de Marsoulas, il y a 18 000 ans.

Les rhombes

Le rhombe est une pièce d'os ou de bois ovaloïde allongée qui présente un trou à l'une de ses extrémités. Cet orifice permet de passer un lien. Pour l'utiliser (en se basant sur les pratiques actuelles), on fait tournoyer l'objet comme une fronde au bout d'une corde. Il s'en dégage un sifflement (ou vrombissement) assez mélodieux.

Les flûtes

Les flûtes sont généralement réalisées avec un morceau d'os creux dans lequel plusieurs orifices ont été percés. En soufflant dans l'un des bouts et en obturant successivement les petits orifices on obtient des sons comparables à nos flûtes actuelles. C'est le seul " instrument " qui permet de jouer plusieurs notes.

La " flûte " de Divje Babe fait l'objet de nombreuses discussions et études. Si pour son inventeur Ivan Turk les orifices ont été façonnés par un humain, d'autres chercheurs comme Francesco d'Errico pensent que c'est un carnivore qui a croqué dans l'os. La présence et la régularité de 4 trous (2 entiers et 2 partiels) " en ligne " est un argument de poids pour la version de façonnage humain.

Les sifflets ou phalanges sifflantes

Les sifflets que l'on présente comme des instruments de musique n'en sont pas à proprement parler. Ces os troués ont surtout dû être des outils de chasse, soit pour communiquer entre les membres d'un clan, soit comme appeaux. Le son produit par ce type de sifflet étant aigü et assez puissant, rien ne peut prouver son utilisation pour produire une mélodie.
Plusieurs phalanges de rennes perforées ont été retrouvées.

Les racleurs

Les racleurs sont des artefacts de différentes formes, mais ils ont pour points communs d'être taillés dans l'os ou le bois de cervidés et d'avoir le bord crantés régulièrement.
Le son est produit par friction en frottant le bord du racleur avec une baguette de bois ou un os léger.

Des traces visuelles de la musique ?

L'art pariétal nous a laissé quelques peintures ou gravures de personnages qui peuvent évoquer la musique ou la danse. Ces représentations sont, comme toutes les figures humaines, les moins faciles à décrypter. Les avis des préhistoriens ne concordent pas et c'est souvent une interprétation libre plus qu'une certitude.
Le petit sorcier de la Grotte des Trois-Frères

La représentation d'un anthropomorphe appelée le petit sorcier à l'arc musical est l'une des figures le plus souvent citées pour " montrer " la musique à la Préhistoire. Le " sorcier " dans une posture dansante est relié à un objet présenté comme un arc musical ou une sorte de flûte à nez...
Une étude contradictoire montre que ce sorcier dansant et musical ressemble plus à un chasseur marchant à quatre pattes qu'à un " danseur ". Dans cette autre interprétation la posture à l'horizontal donne beaucoup plus de logique à certains éléments de la gravure, notamment à l'orientation de la queue appartenant à la peau de bête qui le recouvre.

" Une nouvelle approche de la gravure du " petit sorcier à l'arc musical " de la grotte des Trois Frères " de Frédéric Demouche, Ludovic Slimak, Daniel Deflandre LAPMO - CNRS - Université de Provence.

La musique et la danse sont des formes d'art éphémères difficiles à appréhender. L'existence de la musique au Paléolithique est attestée par la découverte de plusieurs types d'instruments : flûtes, sifflets, rhombes et racleurs. Les tambours existaient probablement au Paléolithique mais ces instruments faits de bois et de peau ne se sont pas conservés. Cependant, dans certaines grottes, des nappes de calcite montrant des traces de percussion témoignent des talents rythmiques des musiciens préhistoriques. Musée d'Archéologie Nationale.

C.R.

Sources
- La préhistoire, Antoine Balzeau et Sophie A. de Beaune
- Homo musicus palaeolithicus et Palaeoacustica, Michel Dauvois (Institut de Paléontologie Humaine, Instituto Italiano di Paleontologia Umana, Roma.
- Une nouvelle approche de la gravure du " petit sorcier à l'arc musical de la Grotte des Trois Frères " , de Frédéric Demouche, Ludovic Slimak, Daniel Deflandre LAPMO - CNRS - Université de Provence.

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La musique dans la préhistoire - Hominides

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La Musique à la préhistoire ne peut pas laisser de traces, hormis les instruments comme la rombe, la flute, le sifflet ou le racloir...

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Lien vers wikipédia

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Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre.

Le rhombe est un instrument à vent se servant du frottement de l'air ambiant pour produire un son. Sa sonorité rugissante a été comparée à celle du vent, du tonnerre, aux cris des dieux, des esprits ou des ancêtres intercesseurs entre le monde terrestre et le monde supra naturel.

Cet aérophone est sans doute un des plus anciens instruments connus (on a retrouvé des modèles vieux de 17 000 à 25 000 ans selon les sources en Dordogne (dans la grotte de Lalinde)[1] ou en Amazonie). On le retrouve chez tous les peuples premiers ( Nouvelle-Guinée, Australie, Amérique du Nord, Afrique du Sud) où il est associé à la chasse ou à des rituels, ainsi que dans certaines populations sur le territoire français (dans son usage coutumier jusqu'au début du 20 e siècle), par exemple au Pays Basque, ou encore dans les Landes[2] .

Théocrite, dans sa deuxième idylle, met en scène une femme, Simaitha, qui essaie de retrouver l'amour de son amant en utilisant entre autres le rhombe comme instrument de pratique magique[3] .

En Australie, les rhombes (appelés tjurunga ou churinga) sont des pièces de bois allongées et plates, sculptées, peintes (ou les deux) sur les deux faces de dessins sacrés. D'après Barbara Glowczewski " dans la mythologie masculine des Pitjantjatjara (tribu résidant près d' Ayers Rock), les héroïnes Aknarintja, femmes mythiques, conçoivent sans hommes grâce au son des rhombes qu'elles détiennent "[4] .

Le rhombe est parfois lié à des rites de passage ou d'initiation (en Irian Jaya par exemple). Le rhombe servit aussi d'épouvantail à fauves et à éléphants (en Malaisie par exemple).

Le rhombe est constitué d'une planchette de bois, d'os ou de métal en forme de lancette de 15 à 75 cm, au contour parfois dentelé ou biseauté, attaché aux doigts ou à un manche par une cordelette de plusieurs mètres.

On le fait tourner en l'air au moyen de la cordelette dans un mouvement circulaire. La planchette se met alors à tourner autour de son axe ce qui fait vibrer l'air ambiant et crée un vrombissement dont le son varie en fonction de la forme, de la taille du morceau de bois, et de la vitesse de rotation.

Les rhombes sont utilisés par de nombreuses tribus pour avertir les non-initiés du déroulement d'un rituel sacré. Les Aborigènes font tournoyer les rhombes au-dessus de leur tête maintenus par une ficelle de cheveux, produisant un son caractéristique reconnu par tous comme étant le signe du déroulement d'une cérémonie.

Appellations variées

aige, bororo

bullroarer, anglais

diaoul (diable), breton

burrumbe, gascon

hevehe, papou

imillutaq, inuit

nura mee, desana

peer boor egah, aborigène

puurorohuu, maori

tjurunga, aborigène

ual ual, apache

Notes et références

1. Brigitte et Gilles Delluc, Francis Guichard, " Les fouilles de la grotte de la Roche à Lalinde (Dordogne) ", ↑ Préhistoire du Sud-Ouest, 2008, no 16, p. 185-205 Lire en ligne.

2. ↑ " Rhombe sur Didόmena : enregistrements, enquêtes et photographies ", sur didomena.ehess.fr (consulté le )

3. ↑ [1] Théocrite, Idylles, II

4. ↑ Du rêve à la loi chez les Aborigènes, PUF, 1991

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Bibliographie

André Schaeffner, Origine des instruments de musique, Payot, 1936.

Dictionnaire des civilisations africaines, Hazan, 1968, p. 359-360.

Jean Chevalier et Alain Gheerbrant, Dictionnaire des symboles (1982), Robert Laffont, coll. "Bouquins", 1992, p. 817.

Robert Jaulin, La mort sara, 1971.

Alain Testart, "Des rhombes et des tjurunga. La question des objets sacrés en Australie", L'Homme, vol. 33, no 125, 1993, p. 31-65. [2]

Articles connexes

Liens externes

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Lien vers Wikipédia

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Le lithophone (composé du préfixe litho-, du grec ancien , lithos, " pierre ", et du suffixe -phone, du grec ancien , phônê, " son ") est un instrument de musique datant de la Préhistoire, rencontré en Chine notamment. Il s'agit d'un instrument de percussion de type idiophone formé d'un ensemble de pierres sonores, soit posé à terre soit suspendu par divers moyens, qui est frappé au moyen de baguettes en bois ou d'autres pierres.

Lithophone et idiophone lithique

Le lithophone est un idiophone lithique.

Dans la classification Hornbostel-Sachs des instruments de musique, établie en 1914 par Erich von Hornbostel et Curt Sachs, le lithophone est un idiophone frappé directement à percussion composé de plaques à percussion groupées. La définition du lithophone qui en résulte est restrictive. Ainsi, le qing (磬), l'antique instrument de musique chinoise composé d'une plaque de pierre, d'ordinaire en forme de L, n'est pas un lithophone, alors que le bianqing (编磬), instrument de musique chinoise traditionnelle qui en est dérivé, est un lithophone.

Certaines roches frappées d'un coup sec par percussion directe ont la propriété d'émettre une sonorité qui continue à résonner pendant un temps plus ou moins long. Les plus connues sont les phonolithes, laves à feldspathoïdes qui doivent leur nom à cette propriété. Percutées, les roches propagent différents types d'ondes élastiques : les ondes de volume, ondes compressionnelles et ondes de cisaillement, d'une part, et les ondes d'interface, telles que l' onde de Rayleigh et l' onde de Love, d'autre part.

Lithophone et pierre musicale dans l'écriture chinoise

Le lithophone occupe une place importante dans la culture chinoise où le sinogramme 珡, qui représente deux pierres en jade néphrite ( 玉) suspendues ou fixées par des cordes et a pour signification de base lithophone, entre dans des idéogrammes composés pour exprimer l'idée d'un instrument de musique.

Le caractère 琴, forme complexifiée de 珡, qui désignait à l'origine le guqin et désigne, en japonais classique, le koto, entre dans les idéogrammes composés désignant des instruments de musique traditionnel chinois, tels le guqin (古琴), le huqin (胡琴) et le yueqin (月琴), ou d'usage plus récent, tel le yangqin (扬琴).

Le caractère 声, forme simplifiée de 聲, son produit par une pierre musicale, désigne le son, la voix, le bruit ainsi que le ton et la musique.

Lithophones anciens

Il est possible qu'aux temps de la préhistoire, dans les grottes, les stalactites, les stalagmites, les draperies stalagmitiques aient servi de lithophones, par exemple dans la grotte du Portel (Ariège, il y a 12 000 ans) et dans les grottes de Cougnac (Lot, il y a 25 000 ans). En effet, on y voit des traces de percussion.

Les lithophones cylindriques subsahariens conservés au musée de l'Homme ( Paris, France) seraient les plus anciens lithophones manufacturés connus. Il s'agit de vingt-trois monolithes cylindriques d'environ quatre-vingt centimètres à un mètre de long. Longtemps considérés comme des pilons, leur analyse morphologique a révélé leur propriété acoustique. Le , des percussionnistes de l' Orchestre national de France les ont utilisés pour un concert au Jardin des Plantes de Paris,.

Typologie des lithophones

Instruments dormants manufacturés

Au Karnataka (Inde), le temple de Vitthala renferme cinquante-six colonnettes cylindriques de granit sonore.

En France, la cathédrale Notre-Dame de Laon possède une colonnette très haute en calcaire lutétien.

Instruments mobiles

Des séries de pierres hiératiques gravées sonores ont été découvertes, en 1892, dans les dolérites du sud de l'Inde dans les Kupgal Hill in Bellary district, Karnataka.

Instruments mobiles angulaires naturels suspendus

Dans le monastère de Debré Tsion dans la vallée Gheralta, dans l'ancienne province du Tigray en Éthiopie, les prêtres jouent d'un ensemble d'instruments mobiles angulaires naturels, suspendus à une branche.

En Asie du Sud-Est, au Vietnam, des lames de pierres sonores angulaires taillées ont été découvertes dans le site archéologique de plus de 3 000 ans de Binh Da, dans la province de Dong Nai. À la suite de l'exhumation d'un tumulus, en 1949, Georges Condominas avait mis au jour onze lames lithophoniques taillées par éclats de l'industrie néolithique bacsonienne, à Sar Luk, au Vietnam central, dans l'actuel Đắk Lắk. Daté de près de 5 000 ans, cet ensemble instrumental fut considéré un temps comme le plus ancien du genre.

Fin 1980, deux cents lames lithophoniques ont été découvertes dans les provinces de Dak Lak, de Khanh Hoa, de Dong Nai, de Binh Thuân (commune de Hâm My), de Binh Phuoc, de Tây Nguyên, de Lam Dong, commune de Son Dien, district de Di Linh, dans les hauts-Plateaux du Centre (dix-huit lames) et de Phu Yen.

Le Đàn đá est un lithophone utilisé, au Viêt Nam, dans les Tây Nguyên, par les communautés ethnolinguistiques austroasiatiques et austronésiennes de l' espace de la culture des Gongs.

Ces instruments sont le plus souvent sculptés et polis. Ils possèdent des formes et des styles caractéristiques.

Au Vietnam, les temples bouddhistes emploient, comme gongs, des biên khánkdes, disques de phonolite sculptée de motifs et percée d'un trou de suspension.

En Chine, de nombreux instruments de ce type firent leur apparition il y a au moins 2 000 ans. Le plus ancien semble être le qing. Le plus connu est le bianqing dont le plus ancien exemplaire, mis au jour en 1977 dans la tombe du marquis Yi de Zeng, inhumé en 433 av. J.-C., est conservé au musée provincial d'Hubei. Le , des reproductions des instruments découverts dans la tombe ont été utilisés pour un concert donné au musée.

Au Japon et en Corée, des instruments dérivés du bianqing chinois sont utilisés. Le plus connu est le pyeongyeong coréen.

Outre les pierres conservées au musée de l'Homme, des pierres équivalentes de Nouvelle-Angleterre, seraient peut-être des lithophones.

Lithophones récents

Le lithophone fut " réinventé " par Auguste Victor Mustel (à moins de 8 ans ?) en 1848. Cet instrument est un idiophone composé de pierres sonores taillées et polies, frappées avec des baguettes. Il est utilisé dans la musique indienne.

Le lithophone a été utilisé par le compositeur allemand Carl Orff dans certaines de ses œuvres. C'est son ami et luthier Klaus Becker-Ehmck qui lui a fabriqué ses instruments au sein de la société Studio 49 qu'ils avaient créée ensemble. Le lithophone est conservé au Rhythm! Discovery Center d' Indianapolis ( Indiana, États-Unis).

Il fut aussi développé en Suisse et en Scandinavie ces dernières années.

Notes et références

1. (en) Anthony Baines et Klaus Wachsmann, " Classification of Musical Instruments ", Galpin Society Journal, 1961, (consulté le 23 mars 2014)

2. (de) Erich von Hornbostel et Curt Sachs, " Systematik der Musikinstrumente ", Zeitschrift für Ethnologie, vol. XLVI (1914), (consulté le 23 mars 2014)

3. L. Dams, "Paleolithic lithophones: Descriptions and Comparisons", Oxford Journal of Archaeology, 4, 1985, . Iégor Reznikoff et Michel Dauvois, "La dimension sonore des grottes ornées", Bulletin de la Société préhistorique française, vol. 85, 8, 1988,

4. (fr) Érik Gonthier et Tran Quang Hai, Lithophones subsahariens néolithiques : Isomorphisme et nouvelle approche paléo-musicale

5. (fr) Marceau Gast, " Les pilons sahariens : Étude technologique ", Libyca, tome XIII (1965),

6. (fr) Érik Gonthier, " Des lithophones sahariens au Musée de l'Homme ", Archeologia, 418

7. (fr) Présentation sur le site officiel du Muséum national d'histoire naturelle (consulté le 23 mars 2014)

8. (fr) Présentation sur le site officiel du Jardin des plantes (consulté le 23 mars 2014)

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Articles connexes

Liens externes

(en) Duncan Caldwell, " A possible new class of prehistoric musical instruments from New England: Portable cylindrical lithophones ", American Antiquity , vol. LXXVIII (2013), 3 (juillet 2013), , en ligne sur le site officiel de l'auteur

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Le lithophone (composé du préfixe litho-, du grec ancien , lithos, " pierre ", et du suffixe -phone, du grec ancien , phônê, " son ") est un instrument de musique datant de la Préhistoire, rencontré en Chine notamment.

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Arc musical

Arc musical à résonateur buccal ( Ibo du Nigeria, entre 1910 et 1913).

Classification

Instrument à cordes

Famille

Instrument à cordes pincées, instrument à cordes frappées, instrument à cordes frottées

Instruments voisins

Berimbau, bobre, gualambo, ma'wo, mawuwi, onavillu, villâdivâdyam, villu, villukottu

L' arc musical est un instrument de musique idiocorde ancien (des peintures rupestres attestent son existence en France il y a 15 000 ans). Il est dérivé de l'arc, arme de guerre. La différence entre les deux n'est pas visuelle, mais structurelle et fonctionnelle car l'arc musical n'étant pas tenu de tirer des flèches, n'a pas besoin de pouvoir plier davantage que sa tension normale.

On rencontre essentiellement l'arc musical en Afrique où il en existe de multiples variétés, y compris des pluriarcs (des arcs accolés les uns aux autres). Ils diffèrent surtout par le type de résonateur employé : bouche, cavité dans le sol, calebasse, pot, etc. Certains sont pincés, tandis que d'autres sont frappés ou frottés à l'aide d'une ou deux baguettes, et d'autres encore tapotés à l'aide d'un archet. Certains nécessitent un musicien, d'autres deux. Ces instruments sont parfois difficiles à classer organologiquement ( cordophone, idiophone, cithare, harpe, etc.).

On retrouve toutefois des exemples ailleurs, notamment au Brésil et en Inde, et on peut se demander dans quelle mesure la traite des Noirs en est responsable, mais aussi dans bien des populations indigènes en Amérique, en Asie ou en Océanie.

Il est supposé que les arcs aient pu être utilisés comme instrument de musique dès 13 000 ans avant J.-C.. Henri Breuil a par exemple, lors d'une étude des grottes des Trois Frères en France, réalisé une gravure qui tentait de reproduire une des peintures rupestres du site datant d'environ 13 000 ans avant J.-C.. Sa gravure montre un personnage mystérieux, un homme " camouflé en bison ", au milieu d'un troupeau d'animaux, rassemblant les bêtes et semblant jouer de l'arc musical,,.

Des peintures rupestres en Afrique du Sud suggèrent une grande diversité d'arc musicaux ainsi que de manières de jouer.

Les musicologues se sont demandé si l'arc de chasse pouvait être un ancêtre possible du chordophone. Curt Sachs a déclaré qu'il y avait de bonnes raisons de ne pas considérer les arcs des chasseurs comme des arcs musicaux, notamment parce que les plus anciens arcs musicaux connus mesurent 3 mètres de long, ce qui est inutile pour la chasse, et que les arcs musicaux ne semblent pas avoir été particulierement associés aux croyances et aux cérémonies de la chasse. Sachs remarque toutefois que le nom du luth grec, pandura, était probablement dérivé de pan-tur, un mot sumérien signifiant " petit arc ". Il considère à l'appui de cette constatation que l'arc musical était probablement un " ancêtre " du luth percé.

Les arcs utilisés pour la musique nécessitent un résonateur, un objet creux comme un bol, une calebasse ou la bouche d'un musicien, afin de produire un son audible. Bien que l'arc musical puisse être manipulé pour produire plus d'un ton, les instruments développés à partir de celui-ci n'utilisent qu'une note par corde.

Les arcs musicaux sont encore utilisés aujourd'hui dans un certain nombre de cultures. On peut le trouver à Eswatini dans le sud de l'Afrique mais aussi en Afrique de l'Est, à Madagascar ou à la Réunion. En dehors de l'Afrique, on peut citer le berimbau et le malunga (dérivés de l'arc musical africain) ou l'arc à bouche des Appalaches.

Références

1. Bo Lawergren, " ↑ The Origin of Musical Instruments and Sounds ", Nomos Verlagsgesellschaft mbH, vol. 83, nos 1/3,‎ , p. 36 (JSTOR 40461485)

2. Alfredo Garcia, ↑ " EL ARTE RUPESTRE PALEOLÍTICO EN LAS CUEVAS FRANCESAS. LA CUEVA DE LASCAUX. " [archive du ], sur algargosarte.blogspot.com,

3. Eugene Victor Walter, ↑ Placeways: A Theory of the Human Environment, Chapel Hill, North Carolina, UNC Press Books, (ISBN 978-0-8078-1758-2 , lire en ligne), p. 89 :

" un personnage semi-humain danse au milieu des animaux... il garde les bêtes et joue de l'archet. Il porte la tête et la fourrure d'un bison avec des jambes humaines... "

4. Vogels, Oliver Lenssen-Erz, Tilman, ↑ BEYOND INDIVIDUAL PLEASURE AND RITUALITY: SOCIAL ASPECTS OF THE MUSICAL BOW IN SOUTHERN AFRICA'S ROCK ART, ARCHAEOLOGICAL PUBL, (OCLC 1201324049, lire en ligne)

5. ↑ Curt Sachs, a b c et d The History of Musical Instruments, New York, W. W. Norton & Company, (ISBN 9780393020687 , lire en ligne ), 56-57

6. ↑ Curt Sachs, a et b The History of Musical Instruments, New York, W. W. Norton & Company, (ISBN 9780393020687 , lire en ligne ), 136-137

7. Simha Arom, ↑ La boîte à outils d'un ethnomusicologue, Les Presses de l'Université de Montréal, , 420 p. (ISBN 978-2-7606-2070-4 ), p.26

(en) S. Sadie, The New Grove Dictionary of Musical Instruments, Macmillan, London, 1985.

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Basculer la table des matières Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Arc musical Arc musical à résonateur buccal ( Ibo du Nigeria, entre 1910 et 1913).

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Des pierres préhistoriques musicales sorties de l'oubli

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Bien sûr, les chercheurs n'ont aucune certitude sur la façon dont nos ancêtres jouaient de ces instruments préhistoriques. Quoi qu'il en soit, c'est dans le cadre d'un conte musical créé pour le 80e anniversaire de l'Orchestre national de France ( ONF), que ces lithophones (littéralement : "pierres à voix"), pierres polies cylindriques d'environ 80 à 100 cm de long, vont revenir à la vie, sous les maillets délicats de quatre percussionnistes de Radio France.

Un concert unique le 22 mars
"Après le concert, les 23 lithophones réintègrent les réserves ici, on ne refera jamais plus un tel concert", assure à l'AFP Erik Gonthier, ethno-minéralogiste au Muséum national d'Histoire naturelle ( MNHN), l'homme sans qui ces pierres seraient peut-être restées muettes à jamais.

Car ces instruments de musique, découverts pour la plupart par des militaires en poste dans les anciennes colonies françaises d'Afrique au début du XXe siècle, ont longtemps dormi dans des tiroirs sous l'étiquette "pilon saharien", voire "hache" pour les plus aplatis d'entre eux. À la décharge des spécialistes, il est bien difficile de distinguer un pilon utilisé au néolithique pour moudre du grain d'un lithophone... "Il y a la proportion de l'objet, plus long, son diamètre qui permet de le prendre dans la main. Mais surtout, il y a la qualité sonore ! Si on tape dessus et que ça tinte comme une cloche d'airain, on a neuf chances sur dix de ne pas se tromper", résume Erik Gonthier.

Erik Gonthier nous présente les lithophones (AFP, 15 mars 2014)

Passionné de pierres, ayant passé douze années à les tailler pour des joailliers de la place Vendôme avant de devenir scientifique pour mieux les comprendre, Erik Gonthier a le regard qui brille dès qu'il s'agit de taper sur des roches. C'est même ainsi qu'il a identifié le premier lithophone saharien en 2004.

À l'époque, il commence par le tenir serré dans la main ou posé sur une table avant de le frapper "tout doucement" à l'aide d'un petit maillet, "mais ça sonnait pas terrible". "Et puis je me suis rappelé du piano de ma grand-mère et des petits bouts de feutrine placés sous les cordes pour qu'elles sonnent bien. Alors j'ai été fouiller dans les poubelles du Muséum pour récupérer des bouts de mousse, j'ai posé le lithophone dessus et là, il a fait +tiiiiinnnnggggg+!", raconte Erik Gonthier.

Des pierres reconnues comme instruments de musique en 2009
La pierre en question sera déclarée officiellement instrument de musique lithophonique en 2009. "Personne ne l'avait démontré avant nous, ça paraissait intolérable à mes confrères", bien que ce genre d'instrument soit connu dans d'autres parties du monde, en Asie par exemple, relate Erik Gonthier.

Coup de chance, ce premier lithophone est aussi "le plus beau" et sert de référence à tous ceux qui ont, depuis, été identifiés dans les collections du Muséum, ce qui lui vaut tout simplement le surnom de "Stradivarius". De la Mauritanie au Soudan, en passant par le Niger ou la Côte d'Ivoire, ces instruments sont âgés de 10.000 à 4.500 ans.

"Le premier MP3 de l'humanité"
"C'est le premier MP3 de l'humanité : un objet qui contient du son et qu'on peut transporter avec soi", contrairement aux stalactites d'une grotte ou à une grosse pierre angulaire avec lesquels nos ancêtres jouaient aussi certainement de la musique, estime le spécialiste.

Un objet rare et donc précieux. Découvert à 1.500 km de sa roche d'origine, le "Stradivarius" aurait nécessité deux ans de travail pour façonner "grain par grain" cette roche très dure, selon lui.

Comment en jouait-on? "Il faut deux points d'appui, peut-être à l'époque des supports en cuir ou fibres végétales, ou même posé sur les chevilles nues. Ils tapaient dessus, avec des cailloux, du bois... on ne sait pas exactement mais le son est intact."

"Quand j'entends mes collègues parler d'art préhistorique et oublier de citer la musique et les lithophones dans les grottes, ça me met hors de moi !", s'emporte ce passionné, qui aimerait pouvoir aller taper dans les grottes aux peintures rupestres pour vérifier si certaines stalactites auraient pu servir d'instruments de musique dans les "premières salles de cinéma" de l'humanité...

> "Paléomusique", samedi 22 mars à 16h et 18h pour les familles, lundi 24 mars à 14h45 pour les scolaires. Infos

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Le Muséum de Paris fait chanter des pierres préhistoriques

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Bien sûr, les chercheurs n'ont aucune certitude sur la façon dont nos ancêtres jouaient de ces instruments préhistoriques. Quoi qu'il en soit, c'est dans le cadre d'un conte musical créé pour le 80e anniversaire de l'Orchestre national de France ( ONF), que ces lithophones (littéralement : "pierres à voix"), pierres polies cylindriques d'environ 80 à 100 cm de long, vont revenir à la vie, sous les maillets délicats de quatre percussionnistes de Radio France.

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L' Idole de Shigir ( russe : Шигирский идол) est la plus ancienne sculpture en bois conservée, datant d'il y a 11 600 ans selon la dernière étude menée par la revue Antiquity. Elle a été trouvée en 1890 près de Kirovgrad, dans l' Oural ( Russie), et est maintenant conservée au Musée d'histoire régionale de Iekaterinbourg.

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Bienvenue sur ce portail consacré à la Préhistoire . Des premiers Hominina africains, il y a environ sept millions d'années, à la néolithisation qui débuta il y a environ 11 500 ans au Proche-Orient, aboutissant à la sédentarisation et à la naissance de l'agriculture, la lignée humaine a connu de nombreuses transformations.

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L'homme-lion de Vogelherd
Façonnée à la même époque que les félins de la grotte Chauvet, en Ardèche, cette remarquable figurine de 32 000 ans est une des plus importantes oeuvres d'art mobilier de l'aurignacien (hauteur 28,6 cm). Les morceaux de cette sculpture en ivoire de mammouth ont été retrouvés en 1939 parmi des centaines de fragments dans l'abri de Hohenstein-Stadel (Bade-Wurtemberg) en Allemagne. Non étudiés, ces débris n'ont été redécouverts qu'en 1969 ; la reconstitution a pris près de 20 ans. Les préhistoriens débattent : homme-lion ou femme-lionne ?

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L'homme-lion de Vogelherd Façonnée à la même époque que les félins de la grotte Chauvet, en Ardèche, cette remarquable figurine de 32 000 ans est une des plus importantes oeuvres d'art mobilier de l'aurignacien (hauteur 28,6 cm). Les morceaux de cette sculpture en ivoire de mammouth ont été retrouvés en 1939 parmi des centaines de fragments dans l'abri de Hohenstein-Stadel (Bade-Wurtemberg) en Allemagne.

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Une sculpture similaire, plus petite mais représentant également un homme-lion, a été trouvée dans la grotte de Hohle Fels, dans la même région, avec d'autres statuettes d'animaux et une Vénus. Datées de 40 000-35 000 ans [réf. nécessaire] avant le présent, ces statuettes relèvent de la culture aurignacienne, correspondant à l'arrivée de l' homme moderne en Europe, au tout début du Paléolithique supérieur.

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Découverte de l'outil.

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"Ainsi parlait Zarathoustra" de Richard Strauss.

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"Ainsi parlait Zarathoustra" de Richard Strauss.

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Richard Strauss. (1864-1949)

L'œuvre est librement inspirée par le poème philosophique Ainsi parlait Zarathoustra de Friedrich Nietzsche où le compositeur voit la transition de l’homme de ses origines jusqu’au « surhomme ». Une citation du philosophe est mise en exergue au début de la partition :

« La musique a trop longtemps rêvé ; nous voulons maintenant nous réveiller. Nous étions des somnambules ; nous voulons devenir des rêveurs éveillés et conscients. »

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Ainsi parlait Zarathoustra ( Also sprach Zarathustra , en allemand) op. 30 est un poème symphonique composé par Richard Strauss (1864-1949) entre février et août 1896, librement inspiré du poème philosophique Ainsi parlait Zarathoustra du philosophe Friedrich Nietzsche. La première a lieu à Francfort le sous la direction du compositeur. Son introduction grandiose (Einleitung) est rendue célèbre par sa reprise dans la musique de film de science-fiction culte 2001, l'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick et de la Metro-Goldwyn-Mayer en 1968,.

L'œuvre est librement inspirée par le poème philosophique " Ainsi parlait Zarathoustra, du philosophe allemand très controversé Friedrich Nietzsche, où les deux auteurs compositeurs voient l' évolution de l' histoire de l'humanité, de ses origines, à sa transition vers une conception nietzschéenne du Surhomme ".

Inscrite au Registre national des enregistrements de la bibliothèque du Congrès des États-Unis, elle se situe chronologiquement au milieu des pièces symphoniques du célèbre compositeur, entre Till l'Espiègle (1895) et Don Quichotte (1897), bien avant ses opéras majeurs (" Salomé ") (1905) ou Der Rosenkavalier (" Le Chevalier à la rose ") (1911)...

Son introduction grandiose (Einleitung) (rendue célèbre par le générique du film 2001, l'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick, utilisée en ouverture des concerts d' Elvis Presley de 1971 à 1977, ainsi qu'à titre de générique du journal télévisé de La Cinq de 1987 à 1991) comporte une fanfare (voir ci-dessous), répétée trois fois en crescendo, pour mettre en musique le lever de soleil (Sonnenaufgang) sur la montagne, depuis le premier rayon de soleil, jusqu'à l'illumination progressive et complète des sommets de la montage de l'oeuvre de Nietzsche (représentation allégorique de " L'Individu se fond dans le Monde et le Monde se fond dans l'Individu ") repris et adapté par le lever de soleil aligné sur la terre et sur la lune du film 2001, l'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick.

Ces quelques mesures sont un magnifique raccourci du trajet depuis le néant jusqu'à la lumière :

do, tonique (note fondamentale pour un musicien occidental) - le néant

do à l'octave (aux cuivres)

sol, la quinte

et enfin do, quarte du sol.

Premières mesures : sur un roulement de grosse caisse, fanfare de 4 trompettes, " feierlich " (solennellement),
soutenues de 3 trombones, puis triolets de tonique (do)/dominante (sol) aux timbales.

Unisson, octave, quarte et quinte représentent la perfection de l' Univers :

Unisson : la longueur de référence de la corde qui vibre, soit l'unité

Octave : la longueur de la corde est divisée par 2

Quinte : la longueur de la corde est divisée par 3

Quarte : la longueur de la corde est divisée par 4

1 + 2 + 3 + 4 = 10, nombre représentant la perfection de l'Univers selon les théories de Pythagore.

Ensuite :

accord majeur suivi d'un mineur (do-sol-mi → do sol mi bémol) : symboles fondamentaux de la musique tonale

Reprise, mais ici, l'accord mineur précède l'accord majeur.

Et dans le troisième crescendo, c'est une succession d'accords avec pour ligne mélodique une gamme ascendante triomphale : mi la (la si do ré mi fa sol la si do)

Outre ce court prélude, l'œuvre comporte huit parties enchaînées, symbolisant les " discours " manichéens du poète-prophète Zarathoustra :

Von den Hinterweltlern (De ceux des mondes de derrière)

Von der großen Sehnsucht (De l'aspiration suprême)

Von den Freuden und Leidenschaften (Des joies et des passions)

Das Grablied (Le Chant du tombeau)

Von der Wissenschaft (De la science)

Der Genesende (Le Convalescent)

Das Tanzlied (Le Chant de la danse )

Nachtwandlerlied (Chant du somnambule)

La durée est d'environ trente minutes.

L'œuvre est écrite pour orchestre symphonique.

Télévision et cinéma

1968 : 2001, l'Odyssée de l'espace, de Stanley Kubrick, d'après 2001 : L'Odyssée de l'espace (roman), d'Arthur C. Clarke, un célèbre monolithe géométrique noir d'origine extraterrestre joue un rôle important et mystérieux dans l'évolution de l'histoire de l'humanité, tout au long du film, accompagné de ce thème musical.

1976 : Le Bus en folie, de James Frawley

1979 : Bienvenue, mister Chance (Being There), de Hal Ashby, avec Peter Sellers (lorsque celui-ci sort pour la première fois de sa maison et se trouve perdu dans le " chaos " de la ville)

1979 : , de Lewis Gilbert, avec Roger Moore dans le rôle de James Bond 007

1987 à 1991 : La Cinq (générique du journal télévisé)

1995-1997 : TGR

1989 : Turner et Hooch, de Roger Spottiswoode, avec Tom Hanks

2005 : Charlie et la Chocolaterie, de Tim Burton, avec Johnny Depp

2013 : Corps et Biens, de Taïssia Igoumentseva.

2017 : Le Musée des merveilles, de Todd Haynes

2001, l'Odyssée de l'espace, de Stanley Kubrick

Cette oeuvre est utilisée en générique d'ouverture du film 2001, l'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick, illustrant l'alignement entre la Lune, la Terre et le Soleil, ainsi que dans L'aube de l'humanité et dans la scène finale du film. Cette musique semble illustrer la notion de triomphe du progrès, étant utilisée lors de la séquence de la découverte de la notion d'outil (transition du singe à l'Homme) et à la fin du film (Homme à Surhomme). Richard Strauss lui-même disait à propos de cette musique et de son lien avec l'œuvre de Nietzsche : " J'avais l'intention de suggérer, par l'intermédiaire de la musique, l'idée du développement de l'espèce humaine à partir de son origine et à travers les diverses phases de son développement, religieux et scientifique. ".

Selon Didier de Cottignies (entre autres directeur artistique de l' orchestre de Paris, et ancien conseiller musical de Stanley Kubrick) ce dernier avait initialement choisi le début de la de Gustav Mahler comme musique principale de son film (le quatrième mouvement de cette symphonie fait intervenir une voix de contralto chantant un texte de Ainsi parlait Zarathoustra de Friedrich Nietzsche). En 1967, il reçut de son beau-frère à Noël une version d' Ainsi parlait Zarathoustra de Richard Strauss enregistrée par l' orchestre philharmonique de Berlin, conduit par Herbert von Karajan. En l'écoutant, Kubrick réalisa que l'introduction de ce poème symphonique serait plus adaptée que la symphonie de Mahler. Les droits d'enregistrement de Karajan n'étant pas disponibles, c'est la version de Karl Böhm, avec l' orchestre philharmonique de Vienne, qui fut créditée au générique. Mais au cours de la postproduction, Kubrick remplaça discrètement l'enregistrement de Böhm par celui de Karajan et personne ne le remarqua.

Notes et références

1. ↑ " Ainsi parlait Zarathoustra de Strauss ", sur www.francemusique.fr (consulté le 10 février 2020)

2. ↑ [vidéo] Richard Strauss : Also Sprach Zarathustra - Einleitung (Introduction) - Orchestre philharmonique de Berlin d'Herbert von Karajan sur YouTube

3. ↑ [vidéo] Zarathoustra - 2001, l'Odyssée de l'espace sur YouTube

4. ↑ " https://www.britannica.com/biography/Richard-Strauss#ref204502 "

5. William Whittington, ↑ Sound Design & Science Fiction , (œuvre littéraire), University of Texas Press, p. 42-62

6. ↑ Stanley Kubrick, l'odyssée des sons (rencontre avec Didier de Cottignies qui fut le conseiller pour la musique de Kubrick et ami personnel du cinéaste depuis 1980), in Classica no 132, mai 2011, p. 40.

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Ainsi parlait Zarathoustra ( Also sprach Zarathustra , en allemand) op. 30 est un poème symphonique composé par Richard Strauss (1864-1949) entre février et août 1896, librement inspiré du poème philosophique Ainsi parlait Zarathoustra du philosophe Friedrich Nietzsche. La première a lieu à Francfort le sous la direction du compositeur.

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Je développe un ensemble de repères relatifs à l'histoire de la musique et des arts. J'établis des marqueurs stylistiques.

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Lien vers le Musée de l'Homme

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Quels sont les premiers instruments de musique utilisés par l'Homme ?

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Un des plus vieux instruments de musique connu à ce jour, une flûte, a été découvert en 2008 dans la grotte de Hohle Fels en Allemagne. Il s'agit de plusieurs fragments d'os de vautour perforés de trous régulièrement espacés. Deux autres flûtes étaient aménagées dans des os de cygne et dans l'ivoire de mammouth.

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Aérophones, arc musicaux et pas de vestiges d'instruments à percussions, la musique ne saurait cependant être indissociable de la danse ou de comportement sociaux.
Le chant ne peut laisser de trace fossile mais reste probablement un moyen d'expression des plus ancien.

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Les instruments

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ONCT- Strauss, Ainsi parlait Zarathoustra

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Ainsi parlait Zarathoustra est créé à Francfort, le 27 novembre 1896, sous la direction de son compositeur, Richard Strauss, 28 ans. Poème symphonique composé d'après l'oeuvre éponyme de Nietzsche, son introduction est devenue l'un des tubes de la musique classique.

Eclipse solaire

L'auteur de plusieurs opéras célèbres comme Elektra ou Salomé, a traversé l'Histoire : de Wagner à Boulez et de Napoléon III à la Seconde Guerre mondiale. En 1896, Richard Strauss compose un poème symphonique, Ainsi parlait Zarathoustra. Rapidement, cette oeuvre est jouée dans toute l'Allemagne, puis à l'étranger. Mais elle ne rencontre pas un succès immédiat. La critique réprouve l'oeuvre, allant jusqu'à dire que " ce n'est plus de la musique, mais un monstre repoussant qui ne mérite pas le saint nom de Musique. " Seule l'introduction de l'oeuvre est jugée " très prometteuse ". Prometteuse ? En 1968, cette introduction est propulsée dans l'imaginaire collectif, grâce à un certain Stanley Kubrick et son film 2001 : l'Odyssée de l'espace.

Comment ose-t-il ?

Enfant prodige, Richard Strauss (1864-1949) commence à composer dès ses six ans, et pour fêter l'obtention de son baccalauréat, il assiste au concert de sa première symphonie. En 1896, lorsque Ainsi parlait Zarathoustra ( Also spracht Zarathustra) est composé, Richard Strauss n'a que 28 ans. A l'Opéra de la cour de Munich, il est déjà considéré comme un chef d'orchestre de premier rang et comme l'un des plus grands compositeurs allemands de son temps, héritier à la fois de Beethoven, de Brahms et de (Richard) Wagner - on le surnomme même " le deuxième Richard ".

Très vite, son poème symphonique connaît une diffusion internationale... tout en provoquant de vives réactions sur la légitimité du compositeur à s'approprier l'oeuvre d'un génial philosophe et toujours en vie à l'époque : Frédéric Nietzsche. En effet, la musique de Strauss est librement inspirée du poème philosophique Ainsi parlait Zarathoustra (1883-1885) de Nietzsche, sous-titré Un livre pour tous et pour personne. Quelques années plus tôt, Nietzsche avait d'ailleurs écrit à propos de son livre :

" Je suis convaincu que personne n'est aujourd'hui à même d'entendre toute la partition de sa musique "

Et pourtant, Strauss relève le défi. Il compose donc un poème symphonique, où il se propose d'interpréter musicalement les théories du philosophe. Le genre du poème symphonique a été initié par Liszt, et sa spécificité consiste à ne plus se définir par sa forme - comme c'est le cas d'une sonate ou d'une symphonie - mais par sa source d'inspiration : une légende, une image ou encore un texte, comme c'est le cas pour l'oeuvre de Strauss.

Musique et philosophie

Nietzsche (qui a lui-même composé des poèmes symphoniques) a toujours fait de la musique un des piliers de sa conception du monde, à l'instar de son professeur, Schopenhauer. Au début de la partition de Strauss, on trouve une citation du livre de Nietzsche : " La musique a trop longtemps rêvé ; nous voulons maintenant nous réveiller. Nous étions des somnambules ; nous voulons devenir des rêveurs éveillés et conscients. " Celui qui prononce ces mots, c'est Zarathoustra, le narrateur et personnage principal, inspiré de Zoroastre - un penseur et mystique de la Perse antique qui a aussi inspiré Rameau (pour sa tragédie lyrique Zoroastre) et Mozart (Sarastro dans La flûte enchantée). Dans le livre de Nietzsche, Zarathoustra s'est retiré dix ans dans la montagne, avant de revenir parmi les hommes pour partager sa sagesse et prophétiser l'avenir de l'humanité.

Les titres des différents mouvements d' Ainsi parlait Zarathoustra reprennent ceux des chapitres du livre : De ceux des mondes de derrière (Von den Hinterweltlern), De l'aspiration suprême (Von der großen Sehnsucht), Le Chant de la danse (Das Tanzlied)... Chacune des parties est un discours du poète-prophète Zarathoustra. Les sujets illustrés sont aussi divers que la musique de Strauss : on y évoque l'avenir de l'homme, la volonté de puissance, la nature, la religion, l'importance de la danse et du rire... Tout un programme !

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article Quelle place pour la musique dans l'univers de Nietzsche ?

Sous l'oeil de Beethoven

Dans la carrière de Strauss, Ainsi parlait Zarathoustra se situe entre deux autres poèmes symphoniques ( Till L'espiègle en 1895, et Don Quichotte en 1897) et bien avant la composition de ses opéras ( Salomé, 1905, Le Chevalier à la rose, 1911...). Ainsi parlait Zarathoustra est une oeuvre encore bien ancrée dans le XIXe siècle, dans la lignée du romantisme allemand de Wagner, de Brahms, de Liszt, et qui remonte jusqu'à Beethoven.

Dans le manuscrit de Nietzsche une indication fait justement référence au compositeur de génie : Nietzsche précise qu'il écrit " dans le style de la première phrase de la Neuvième symphonie [de Beethoven] ". Cette symphonie célébrissime (c'est celle de L'Hymne à la joie) fait partie des grands chefs d'oeuvre du XIXe siècle, et son début a peut-être inspiré à Richard Strauss l'introduction d' Ainsi parlait Zarathoustra.

(La Neuvième de Beethoven par le London Symphony Orchestra, sous la direction de Josef Krips)

Un compositeur bien orgueilleux

Strauss n'était pas vraiment le plus humble des compositeurs, et cela lui a attiré bien des critiques. Lorsque Ainsi parlait Zarathoustra est créé, on lui a ainsi beaucoup reproché sa prétention à interpréter les théories philosophiques de Nietzsche. Suite aux critiques, Strauss croit devoir préciser qu'il n'a " pas voulu écrire de la musique philosophique, ni traduire musicalement la grande oeuvre de Nietzsche " mais qu'il s'est seulement " proposé de tracer un tableau du développement de la race humaine depuis ses origines [...] jusqu'à la conception nietzschéenne du Surhomme " : une simple proposition.

L'oeuvre suivante de Strauss, Une vie de héros (1898) ravive les critiques concernant la mégalomanie du compositeur : le héros du titre n'est autre que Strauss lui-même, qui se met en scène face à ses ennemis (représentés par une cacophonie sonore). Ces derniers triomphent du " héros ", jusqu'au moment où la postérité reconnaît finalement le génie du compositeur - au son d'extraits des œuvres antérieures de Strauss...

À nouveau, on reproche à Richard Strauss son orgueil démesuré et sa très haute opinion de lui-même. En réaction, on raconte que le compositeur aurait dit : " Je ne vois pas pourquoi je n'écrirais pas une symphonie sur moi-même. Je me trouve aussi intéressant que Napoléon ou Alexandre le Grand ", en toute modestie.

2001 : l'Odyssée de l'espace

Si Ainsi parlait Zarathoustra est aussi célèbre aujourd'hui, c'est surtout grâce à son introduction, utilisée dans l'impressionnante scène d'ouverture de 2001 : l'Odyssée de l'espace (1968), où la musique de Strauss accompagne la vision d'une éclipse solaire. Le film de Stanley Kubrick fait d'ailleurs la part belle à la musique classique avec notamment des œuvres du compositeur contemporain György Ligeti et Le Beau Danube bleu, valse de Johann Strauss (qui n'a aucun lien avec Richard hormi le nom).

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article Musique classique et musique de films, les partenaires indissociables

Cette introduction doit son succès à son caractère grandiose. Après tout, elle dépeint en musique le lever du jour sur la montagne, depuis le premier rayon de soleil jusqu'à l'illumination sublime des sommets. Une longue note à l'orgue décrit l'obscurité encore présente, puis trois notes de trompettes (do - sol - do) évoquent les premiers rayons, les notes étant ensuite amplifiées par le reste des cuivres, l'orgue, et enfin tout l'orchestre, dans une fin triomphale : cuivres éclatants, roulements de timbales, orgue d'église... l'orchestre est au sommet de sa puissance.

Plus qu'un lever de soleil, ce serait même la naissance de l'univers qui serait résumée par Strauss en trois notes de musique, du néant (le do très grave du début, note fondamentale pour un musicien occidental) à l'aube (sol), à la lumière (do aigu). Ce n'est pas un hasard si cette musique a servi d'introduction à certains concerts d' Elvis Presley ou de Dalida...

L'introduction...et le reste

Mais cette ouverture fait parfois oublier le reste de l'oeuvre, qui n'est pas aussi triomphal que son début. Si les trois notes de l'introduction sont sans cesse reprises tout au long de la partition, la suite est d'un caractère beaucoup plus romantique et lyrique.

Une des grandes caractéristiques d'Ainsi parlait Zarathoustra est de changer constamment d'atmosphère, de couleur, de rythme. À l'image du poème philosophique de Nietzsche qui n'a pas de structure rigide et qui évoque des sujets très variés, l'oeuvre de Strauss est faite de mouvements enchaînés sans silence, où de nouvelles idées sont sans cesse proposées. Le fil rouge qui lie tous ces mouvements, ce sont les fameuses trois premières notes de l'introduction. Le reste de l'oeuvre est à découvrir !

(Ainsi parlait Zarathoustra par le Philharmonique de Vienne, sous la direction de Gustavo Dudamel)

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article Richard Strauss, cet inconnu ?

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Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur... Ainsi parlait Zarathoustra de Strauss

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Ainsi parlait Zarathoustra est créé à Francfort, le 27 novembre 1896, sous la direction de son compositeur, Richard Strauss, 28 ans. Poème symphonique composé d'après l'oeuvre éponyme de Nietzsche, son introduction est devenue l'un des tubes de la musique classique.

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Ainsi parlait Zarathoustra

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On connaît la chanson - Ainsi parlait Zarathoustra de Richard Strauss

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Réalisateur

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Après des débuts dans la photographie, Kubrick, autodidacte, sera également son propre directeur de la photographie, producteur, scénariste et monteur. Ses treize longs métrages en quarante-six ans de carrière l'imposent comme l'un des cinéastes majeurs du . Quatre de ses films sont classés dans le Top 100 de l'American Film Institute ( AFI's 100 Years...100 Movies).

Stanley Kubrick, est issu d'une famille juive originaire d' Europe centrale habitant dans le quartier du Bronx. Il est le fils de Sadie Gertrude Perveler (1903-1985) et de Jacob Leonard Kubrick (1901-1985). Son père, né aux États-Unis d'une mère roumaine et d'un père austro-hongrois, était cardiologue, pianiste et photographe amateur. Il apprend à son fils Stanley, âgé de douze ans, à jouer aux échecs,, et cette passion suivra Stanley Kubrick toute sa vie. Sa mère, qui était chanteuse et danseuse, lui donna le goût des livres et de la lecture. Il a une sœur cadette, Barbara, née le 21 mai 1934.

De 1940 à 1945, Kubrick ne trouve aucun intérêt à l'école : à part la physique rien ne l'intéresse, et il ne parvient pas à obtenir une moyenne suffisante pour s'inscrire à l'université. Surtout que, la guerre terminée, nombre de soldats revenant du front tentent d'y entrer et que déjà les inscriptions sont limitées.

En 1947, à l'âge de 18 ans, il se marie avec Toba Metz, une camarade de classe de la William Howard Taft High School . Ils s'installent dans Greenwich Village deux ans plus tard et divorcent en 1951,.

Pour son treizième anniversaire, son père lui offre son premier appareil photo. Cette nouvelle activité le passionne et lui fait oublier sa passion de jeunesse, le jazz, et son rêve de devenir batteur de jazz professionnel. Il prend de nombreuses photos et les développe avec un ami dans la chambre noire familiale. Il devient le photographe officiel de son collège et a pour idole le reporter-photographe Weegee.

En avril 1945, à l'âge de 16 ans, il réussit à vendre au magazine illustré une photographie d'un vendeur de journaux en larmes après la mort de Franklin D. Roosevelt, qu'il a prise alors qu'il se rendait à l'école. La rédactrice en chef l'engage comme photographe indépendant, " par pitié " dira-t-il plus tard. Stanley Kubrick y travaille durant quatre ans et y apprend les ficelles du métier, la composition d'une image, les éclairages, l'usage des extérieurs et l'art de saisir le mouvement. Plutôt perfectionniste, il lui arrive de prendre plusieurs centaines de clichés pour réaliser une seule photo. Grand amateur de boxe, son premier " photos-récit " intitulé Prizefighter ( Le Professionnel) raconte une journée de la vie du boxeur Walter Cartier. C'est ce photo-récit qui sera à l'origine de son premier film : Day of the Fight.

Pendant ses premières années de photographe de magazine, Kubrick fréquente assidûment les salles de cinéma, notamment les séances au Mom'Art ( Museum of Modern Art). Ses goûts sont éclectiques, avec une préférence, comme il le dit en 1963 dans la revue Cinéma, pour le cinéma d'auteur européen comme Ingmar Bergman, Michelangelo Antonioni, Federico Fellini. Les films de Max Ophüls comme ou - mouvement complexe et sans heurt de la caméra, travelling - influencent le jeune Stanley Kubrick.

En 1950, l' autodidacte Stanley Kubrick, âgé de 22 ans, se décide à sauter le pas et se lance dans le cinéma. Pour lui, sa meilleure formation, ce sont les longues séances cinématographiques qu'il s'impose, des meilleurs films au pire des navets. " Je ne peux pas faire pire " se dit-il.

Courts métrages et série TV

Dans ses premiers films, Kubrick fait tout lui-même : il est à la fois scénariste, cadreur, ingénieur du son, monteur et réalisateur.

Entre 1950 et 1951, Kubrick réalise deux documentaires, consacrés l'un à un boxeur, l'autre à un missionnaire. Il reprend l'idée de son photos-récit Prizefighter et réalise avec Alexander Singer, un camarade de classe, le court métrage Day of the Fight - une journée de la vie du boxeur Walter Cartier -, filmé comme un reportage. Autofinancé avec un budget de 3 900 , le documentaire est vendu à RKO Pictures avec seulement 100 de bénéfice. Pour Flying Padre, Stanley Kubrick reprend la même idée et suit durant deux jours Fred Stadtmueller, un missionnaire catholique. D'une durée de 9 minutes, ce film est en partie financé et distribué par RKO.

Les deux documentaires sont des succès mineurs, mais Kubrick se fait remarquer par le brillant de sa photographie. Lui-même dira :

En 1952, à la demande de Richard de Rochemont, futur producteur de son premier film Fear and Desire, Kubrick est réalisateur d'une deuxième équipe sur une séquence d'un omnibus consacré à Abraham Lincoln. Par la suite, il réalise plusieurs épisodes, toujours en qualité d'assistant réalisateur. C'est en 1953 qu'il réalise son premier documentaire en couleurs, The Seafarers. Dans ce film promotionnel sur la marine marchande, on retrouve les travellings à la Max Ophüls.

Premiers longs métrages

Pour réaliser son premier long métrage Fear and Desire, Kubrick emprunte à sa famille 9 000 . Il persuade un ami poète de lui écrire un scénario original : l'histoire d'un groupe de soldats chargés d'éliminer une troupe ennemie dans une guerre fictive ; à la fin du film, les soldats voient leurs propres visages dans ceux de leurs ennemis. Le réalisateur tourne son film en 35 mm noir et blanc près de Los Angeles. Une nouvelle fois, il fait tout. Il décide de ne pas enregistrer le son avec les images, et son erreur lui coûte 30 000 de post-synchronisation. Malgré tout, il est fier d'avoir réussi à terminer son film. Plus tard, il qualifiera son film de " tentative inepte et prétentieuse " et décidera de le retirer des circuits de distribution et d'en interdire toute projection.

Encouragé par une critique honorable, Stanley Kubrick quitte définitivement le magazine Look, bien que le film soit un échec commercial. C'est lors du tournage du film qu'il rencontre sa future femme, Ruth Sobotka.

En 1954, Le Baiser du tueur ( Killer's Kiss), son second long-métrage, film très court tourné dans les rues de New York, raconte l'histoire d'un boxeur minable obligé de fuir la mafia. L'histoire manque d'originalité (c'est le seul scénario original écrit par Kubrick), mais ce film démontre son talent à jouer avec l'ombre et la lumière et confirme sa maîtrise technique dans la scène de combat dans un entrepôt de mannequins.

Sa réalisation est récompensée par un Léopard d'or au Festival international du film de Locarno.

Le Baiser du tueur attire l'attention de James B. Harris, producteur indépendant qui a de bonnes relations avec les majors de Hollywood. C'est Alexander Singer, qui a connu Harris quelques années auparavant, qui fait se rencontrer les deux hommes. Cette rencontre est décisive, et ensemble ils fondent la Harris-Kubrick Pictures alors qu'ils ne sont tous les deux âgés que de 26 ans.

Deux ans plus tard, en 1956, naît de leur association le troisième film de Kubrick, L'Ultime Razzia ( The Killing), le premier grand film avec un budget de 320 000 financé en partie par Harris et les United Artists. Pour la première fois le réalisateur dispose d'acteurs professionnels et d'une équipe technique complète. Encore une fois, l'histoire n'a rien d'exceptionnel : un tireur embusqué doit abattre le cheval de tête dans une course hippique pour créer une diversion et ainsi faciliter le braquage de la caisse des paris. Un film noir de braquage comme il en existe beaucoup à cette époque, mais Stanley Kubrick fragmente l'histoire que seule la voix off, très influencée par Citizen Kane d' Orson Welles, permet de reconstituer. Plus d'une décennie plus tard, la critique Pauline Kael considérait que L'Ultime Razzia avait lancé la carrière de Kubrick. Elle ne s'était pas trompée. Leurs chemins vont souvent se croiser par la suite car elle va détester tous ses films :

Au cours du tournage, Kubrick affirme son autorité : alors que le directeur de la photographie, Lucien Ballard, change l'objectif que Kubrick avait choisi pour une scène avec un travelling, ainsi que son emplacement, en lui expliquant que cela n'aura aucune incidence sur les changements de perspective, calmement le cinéaste lui intime l'ordre de remettre la caméra à son emplacement d'origine avec l'objectif initial, ou bien de quitter le plateau et de ne jamais y revenir. Ballard obéit et le tournage se termine tranquillement.

Malgré un budget important, Kubrick n'apparaît encore dans ce film que comme l'un des nouveaux maîtres de la série B. Orson Welles, interrogé par André Bazin sur les autres cinéastes, déclare : " L'Ultime Razzia de Kubrick n'est pas trop mal ". Dans la revue Cahiers du cinéma, Jean-Luc Godard lui reconnaît quelques qualités tempérées : " C'est le film d'un bon élève, sans plus. Ce qui correspond chez Ophüls à une certaine vision du monde n'est chez Kubrick qu'esbroufe gratuite. Mais il faut louer l'ingéniosité de l'adaptation qui, adoptant systématiquement la déchronologie des actions, sait nous intéresser à une intrigue qui ne sort pas des sentiers battus. "

L'Ultime Razzia étant un succès, United Artists accepte de financer à hauteur d'un million de dollars le prochain film de Harris-Kubrick tiré d'un best-seller américain de 1935, The Paths of Glory, inspiré d'événements réels s'étant produits en 1915, l' affaire des caporaux de Souain, fusillés " pour l'exemple ", et pas du tout des mutineries de 1917 comme on le dit couramment. Les fusillés de Souain n'étaient aucunement des " mutins ", ce qui rend leur condamnation encore plus insupportable. Harris ne disposant que d'un budget très modeste selon les critères hollywoodiens et d'un scénario de Kubrick, Calder Willingham et Jim Thompson, le projet ne suscite guère d'enthousiasme auprès des majors. Tout bascule quand Harris envoie une copie du scénario à Kirk Douglas, lequel répond : . En 1957, sept ans après son premier court-métrage, Kubrick dirige Kirk Douglas dans le film sur l'absurdité de la guerre, Les Sentiers de la gloire.

Le film se déroule durant la Première Guerre mondiale. Un général de l' armée française décide de lancer une de ses unités dans des attaques désespérées contre les lignes allemandes retranchées à Verdun. Après l'échec désastreux et de lourdes pertes humaines l'état-major décide que, "pour l'exemple", trois soldats innocents seront fusillés pour lâcheté. Le film est entièrement tourné en Allemagne, avec 800 policiers allemands pour jouer les troupes françaises. Les scènes en intérieur sont tournées au studio Geiselgasteig à Munich. On y voit apparaître des séquences qui caractérisent Kubrick et qu'il ne cesse de perfectionner par la suite : travelling avant en caméra subjective, travelling arrière pour la marche du colonel dans la tranchée, travelling latéral pour la scène d'assaut du no man's land, utilisation de la musique, et mouvements de caméra sans heurt filmés avec une Dolly pour la marche ininterrompue du colonel Dax dans les tranchées. Cette scène est d'ailleurs similaire à celle du labyrinthe de filmée en steadicam. La scène du chant de la jeune captive, jouée par sa future épouse, l'actrice allemande (nièce de Veit Harlan) Christiane Susanne Harlan, montre la capacité de Kubrick à filmer l'émotion sans tomber dans la sensiblerie. Il divorce de Ruth Sobotka en 1957 pour épouser en 1958 Christiane Harlan qu'il a rencontrée pendant le tournage. Le frère de celle-ci, Jan Harlan, deviendra le producteur délégué du réalisateur à partir de 1975.

Dans ce film apparaissent deux thèmes de prédilection de Kubrick : la double personnalité et un monde au bord de l'effondrement. Dans le livre et dans le film, les personnages sont clairement identifiés, avec le colonel Dax (Kirk Douglas), homme sobre, intelligent et courageux, et le général Mireau ( George Macready), vaniteux, ambitieux et incompétent. Le personnage le plus machiavélique du film est le général Broulard ( Adolphe Menjou). Kubrick joue habilement avec la bonhomie du personnage rusé et raffiné mais s'avérant incroyablement amoral (il va détruire les dernières illusions du colonel et ruiner définitivement la carrière du général) et sans aucune pitié envers les hommes de troupe.

Le film est projeté à Munich le . Il est perçu comme une critique directe de l'armée française, par la cruauté des scènes finales et la satire violente des états-majors français, même si le film souffre de nombreuses invraisemblances. Il reçoit plusieurs récompenses, dont le prix Chevalier de la Barre. Sous la pression d'associations d'anciens combattants français et belges, le gouvernement français proteste auprès de la United Artists, mais ne demande pas la censure du film. Devant l'ampleur du mouvement contestataire, les producteurs du film décident de ne pas le distribuer. De nombreux pays en Europe, comme la Suisse, refusent également de le diffuser. C'est dix-huit ans plus tard, en 1975, que le film est finalement projeté en France.

De retour aux États-Unis, Stanley Kubrick écrit deux scénarios qui seront refusés par les majors hollywoodiens. La MGM lui propose de travailler sur le scénario d'un western avec comme vedette Marlon Brando. Après six mois de travail de préparation, le cinéaste et l'acteur se fâchent. Marlon Brando, star hollywoodienne, obtient facilement le départ de Kubrick et décide de réaliser lui-même La Vengeance aux deux visages.

Au même moment, sur un autre film, Kirk Douglas, acteur et producteur principal du péplum , insatisfait du travail d' Anthony Mann, sollicite Stanley Kubrick pour terminer le film. Après le succès commercial des Sentiers de la gloire, celui-ci accepte et termine le film. Le tournage dure 167 jours, partagé entre la Californie et l' Espagne pour les scènes de combat tournées avec 10 000 figurants issus de l' armée espagnole.

Mais des conflits artistiques apparaissent rapidement entre Kirk Douglas et Russell Metty, le directeur de la photographie. Kubrick intervient également sur le scénario fondé sur l'histoire vraie du soulèvement d' esclaves romains qu'il trouve moralisateur et sans intérêt. Le film sort en 1960, il obtient un grand succès critique et commercial et gagne quatre Oscars. Quelques années plus tard, Stanley Kubrick renie le film dont il garde un souvenir amer. Dans l'œuvre de Kubrick, c'est son film le plus impersonnel, le film reprenant l'intrigue et le traitement du roman historique de Howard Fast.

En 1962, pour la réalisation de , le réalisateur préfère éviter la censure et les ligues puritaines américaines et se tourne vers l' Angleterre pour le tournage. Il avait prévu de revenir ensuite aux Etats-Unis, mais pour son projet suivant, Docteur Folamour, l'acteur principal qu'il a choisi, l'Anglais Peter Sellers, ne peut pas quitter le territoire car il est au milieu d'une procédure de divorce. Pendant le tournage de Lolita, Kubrick achète une grande maison au nord de Londres où il s'installera avec sa famille. Il dira : " À côté de Hollywood, Londres est probablement le deuxième meilleur endroit pour faire un film, en raison du degré d'expertise technique et des équipements que vous trouvez en Angleterre " de plus, malgré sa licence de pilote amateur, Kubrick n'aime pas prendre l'avion.

Stanley Kubrick réalise donc Lolita, son premier film polémique, sur le sol anglais, d'après le roman de Vladimir Nabokov. Le livre avait été publié pour la première fois en France comme ouvrage pornographique. Pour la rédaction du scénario, le cinéaste travaille en étroite collaboration avec Vladimir Nabokov. Ils écrivent ensemble une nouvelle version du roman qui est jugé plus acceptable pour un film commercial et la morale imposée au cinéma en 1962.

Le film raconte l'histoire d'un homme d'âge mûr, Humbert Humbert, joué par James Mason, pris d'une passion ardente pour une adolescente, Lolita, âgée de 12 ans dans le livre, 15 ans dans le film, interprétée par Sue Lyon qui obtiendra le Golden Globe de la meilleure actrice. Peter Sellers y fait une interprétation remarquée.

Le film, tout comme le roman, provoque la colère des puritains qui le trouvent sulfureux, malgré sa mise en scène très chaste, bien éloignée des allusions sexuelles explicites de l'ouvrage de Nabokov. À la sortie du film, Stanley Kubrick reconnaît que s'il avait pu prévoir la sévérité des censeurs américains, qui l'obligent à couper des scènes au montage et à remanier certaines séquences jugées trop licencieuses, il aurait probablement renoncé à la réalisation du film.

Le film est présenté à la " [...] film simple et lucide, avec des dialogues justes, qui montre l'Amérique et son puritanisme mieux que Mostra de Venise en 1962, mais la critique est déçue. Le schéma d'accueil de ses films par la critique, dont la plus virulente est Pauline Kael, sera toujours le même par la suite : une partie ne lui fait pas de cadeau, tandis que l'autre l'admire. Ce premier film polémique est un succès outre-Atlantique, sans nul doute nourri par la controverse. En 1963, Jean-Luc Godard décrit Lolita comme un Melville et Reichenbach, et prouve que Kubrick ne doit pas abandonner le cinéma, à condition de filmer des personnages qui existent [...] ". En 1998, Sue Lyon déclare à l'agence Reuters que Lolita est le film qui a " causé [sa] destruction en tant que personne ". Il s'agit du dernier film produit par le duo Kubrick-Harris. Après ce long-métrage, Stanley Kubrick produit et réalise seul ses films, en laissant la distribution à la Warner Bros Pictures.

En 1963, Kubrick prépare son second film polémique et le premier opus d'une trilogie de films de science-fiction, Docteur Folamour ou : Comment j'ai appris à cesser de m'inquiéter et à aimer la bombe, considéré comme un chef-d'œuvre d' humour noir. Kubrick se tient constamment au courant de l'actualité et s'abonne à des revues militaires et scientifiques. Il lit le roman de Peter George, Red Alert, paru en Angleterre sous le titre de Two Hours to Doom. Il réfléchit depuis longtemps à une histoire où une guerre nucléaire serait déclenchée soit par accident, soit à cause de la folie d'un personnage. Le roman de Peter George correspond à ses attentes. Il s'associe avec Peter George et Terry Southern, scénariste d', pour préparer le script, et travaille la photographie du film avec Weegee.

Le tournage débute le , aux studios de Shepperton à Londres, pour s'achever quatre mois plus tard. La distribution comprend Peter Sellers qui tient les rôles (dans l'ordre de leur apparition) du colonel britannique Lionel Mandrake, du président des Etats-Unis et du docteur Folamour, ancien chercheur nazi, handicapé, recruté par l'armée américaine (clin d'œil à la trajectoire de plusieurs scientifiques nazis, dont Wernher von Braun). Une très grande liberté d'improvisation est laissée à Peter Sellers, filmé par trois caméras, tandis que le reste de la distribution et l'équipe technique doivent observer une grande rigueur. Le film doit se conclure par une bataille de tartes à la crème dans la salle de guerre, avec le président et tous ses conseillers militaires. La scène est filmée, nécessitant des semaines de tournage, mais Kubrick décide de la retirer du montage final.

Farce burlesque où la guerre nucléaire totale est déclarée à la suite de l'action d'un commandant devenu fou et d'un système de défense automatique, ainsi que satire des milieux politico-militaires, ce nouveau film sort en pleine guerre froide, où le risque de voir l'un des deux antagonistes faire usage de l'arme atomique est élevé. Un problème de taille apparaît : un film réalisé par Sidney Lumet, Point limite, avec Henry Fonda dans le rôle principal, traitant du même sujet, est sur le point de sortir. Stanley Kubrick intente un procès pour plagiat, et obtient gain de cause. Le film de Lumet ne sortira qu'en tandis que Docteur Folamour sort sur les écrans le et se trouve nommé pour quatre Oscars ( meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur acteur, meilleure adaptation cinématographique).

À partir de ce moment, installé définitivement en Angleterre, le cinéaste travaille de plus en plus lentement, poussant de plus en plus loin son perfectionnisme et sa volonté d'expérimentation technique. Il va passer cinq ans à développer son film suivant 2001, l'Odyssée de l'espace. Le , Kubrick rencontre Arthur C. Clarke au restaurant Trader Vic's du Plaza Hotel de New York. Pour imaginer le monolithe noir, clé de voûte du film, les deux coscénaristes font la tournée des galeries d'art le mois suivant leur rencontre. Selon le sémiologue français Alexandre Bourmeyster, ils se seraient inspirés des œuvres du peintre Georges Yatridès, alors mis en valeur par un des plus grands marchands de tableaux du moment, S.E. Johnson, qui exposait les œuvres de l'artiste de manière permanente aux International Galleries à Chicago.

Le tournage du film débute le , sous le titre provisoire de Voyage au-delà des étoiles. Il se déroule dans un premier temps aux studios de Shepperton, puis se poursuit aux Studios d'Elstree, plus proches de la villa où Kubrick a emménagé. MGM et Cinerama financent le film, dont le budget s'élève à six millions de dollars. Pour la première fois, le cinéaste interdit le plateau de tournage à la presse, ce qu'il fera systématiquement par la suite.

Artistiquement, 2001 a été un changement radical dans les films de science-fiction. Stanley Kubrick n'étant pas un partisan des films où les décors et les monstres sont en papier mâché ou en carton, il souhaite que les décors de son film soient techniquement réalisables dans le futur qu'il présente. C'est Tom Howard, lauréat de l' Oscar des meilleurs effets visuels en 1947 pour L'esprit s'amuse et en 1959 pour Les Aventures de Tom Pouce, qui est chargé de concevoir la savane préhistorique. Wally Veevers conçoit les véhicules spatiaux et l'autocar lunaire. On construit également une centrifugeuse de 750 000 dollars. Pour les effets spéciaux, Kubrick s'entoure d'éminents collaborateurs, parmi lesquels Harry Lange, ancien conseiller de la NASA, et Marvin Minsky, directeur d'un laboratoire d' intelligence artificielle.

George Lucas, créateur de , déclarera après la mort de Kubrick que si ce film n'avait pas été fait il n'aurait probablement jamais réalisé sa saga. Kubrick reçoit l' Oscar des meilleurs effets visuels, le seul et unique Oscar de sa carrière, pour la qualité de son travail. Une équipe l'a aidé dans cette tâche, mais comme il est à la fois concepteur et créateur de quasiment tous les effets spéciaux du film, c'est à lui que l'on décerne la statuette. C'est également le début de la légende que le cinéaste va volontairement se forger : celle d'un homme qui, tel un ordinateur, enregistre une incroyable quantité d'informations, devenant un expert de la mise en scène dont il maîtrise parfaitement tous les rouages. Stanley Kubrick n'hésite pas à utiliser les dernières innovations techniques quand cela sert son œuvre : ordinateur et projection frontale pour 2001, éclairage à la lumière des bougies pour Barry Lyndon, grâce à un objectif Zeiss développé pour la NASA, ou encore steadicam pour ( The Shining).

Orange mécanique est un film à la violence et à l' érotisme prémonitoires, réalisé en 1971 d'après le roman L'Orange mécanique de Anthony Burgess et adapté par Stanley Kubrick, qui travaille seul. Le thème du double, cher à Kubrick, est encore une fois développé dans ce film, avec Alex qui représente l'inconscient de l'homme qui lutte entre le bien et le mal dans un monde qui s'effondre. Kubrick réalise le film très rapidement, caméra à l'épaule, et presque entièrement tourné dans la région de Londres.

Au , dans une Angleterre où l'on ne sait plus comment enrayer l'escalade du crime, Alexandre de Large ( Malcolm McDowell), le chef de la bande des ou droogies, exerce avec sadisme une terreur aveugle sur fond de symphonie 9 de Beethoven (2e et 4e mouvements).

En Angleterre le film suscite une polémique importante, aggravée par plusieurs faits divers où des délinquants, portant les mêmes costumes qu'Alex, déclarent s'inspirer directement du personnage principal du film. Dans un premier temps, Stanley Kubrick ne tient pas compte de ces faits divers, mais les médias, frustrés par le manque d'interlocuteur, se retournent vers l'auteur du livre qui se retrouve seul à défendre un film auquel il n'a pas participé. Mais la controverse s'amplifie et, inquiété par les lettres de menaces de mort qu'il reçoit à son domicile, le réalisateur oblige la Warner à retirer le film des écrans du Royaume-Uni.

Élu meilleur film de l'année 1972 par le New York Film Critics Circle, Orange mécanique est l'un des plus gros succès de la Warner Bros. Pictures et reste à l'affiche durant soixante-deux semaines. " Il n'y a aucun doute qu'il serait agréable de voir un peu de folie dans les films, au moins ils seraient intéressants à regarder. Chez moi la folie est très contrôlée ! " déclarera Kubrick.

Après trois films de science-fiction, frustré de l'abandon par la Warner Bros de son projet sur Napoléon, prévu avec Jack Nicholson dans le rôle de l'empereur (Kubrick a une véritable passion pour Napoléon, il ne comprend pas comment un homme aussi intelligent a pu sombrer), Stanley Kubrick réalise son premier film historique à partir de la biographie d'un jeune Irlandais (Barry Lyndon) d'après le roman picaresque de William Makepeace Thackeray - le destin d'un jeune et intrigant Irlandais sans le sou, Redmond Barry ( Ryan O'Neal), de son ascension pleine d'audace à sa déchéance.

La préparation du film dure un an. Le réalisateur veut tourner un film à l'esthétique proche des tableaux du . La réalisation du film demande plus de 250 jours de tournage au Royaume-Uni et en Allemagne ( château des Hohenzollern, Potsdam et palais de Ludwigsbourg). À la fin du tournage, Kubrick et Ryan O'Neal sont définitivement fâchés. Les contraintes techniques imposées par le réalisateur font passer le budget du film de 2,5 millions à plus de 11 millions de dollars.

Les critiques sont sévères envers le film qui est jugé trop long, trop lent, élitiste et ennuyeux. Le film obtient pourtant quatre Oscars : meilleure direction artistique, meilleure photographie, meilleurs costumes, meilleur arrangement musical.

Stanley Kubrick entreprend ensuite l'adaptation du roman Shining, l'enfant lumière de Stephen King. Ce film est dans la lignée de L'Exorciste, et Rosemary's Baby, le meilleur du genre selon Kubrick. Le film est moins risqué financièrement que ses productions précédentes et, après l'échec commercial de Barry Lyndon, l'adaptation d'un best-seller de Stephen King est un gage de quasi-succès (les six derniers romans de l'auteur se sont vendus à plus de 22 millions d'exemplaires). Le réalisateur et Diane Johnson modifient profondément l'histoire du livre, ce qui déplaît à Stephen King qui refuse d'apparaître au générique final du film. Il ne sera pas le seul mécontent : aux États-Unis l'exploitation du film est un échec, le public enrageant de n'avoir pas assez tremblé et reprochant aux deux scénaristes d'avoir abâtardi le genre et trahi l'esprit du livre. Comme à leur habitude, certains critiques huent le film.

Le film relate la descente aux enfers de Jack Torrance ( Jack Nicholson), écrivain ayant accepté un poste de gardien à l'hôtel Overlook, isolé dans les montagnes rocheuses et fermé pour l'hiver. Il s'y installe avec sa femme Wendy ( Shelley Duvall) et son fils Danny ( Danny Lloyd) qui possède un don de médium, le Shining.

Plus que tout autre film, va consolider la réputation de du réalisateur. Kubrick rôde dans les immenses studios de l'Estree, la barbe et les cheveux longs, les yeux cernés, tout comme son héros Jack Torrance qui erre sans inspiration dans l'hôtel Overlook. Pour les déplacements de personnages les plus complexes à filmer, son opérateur Garrett Brown utilise un système de stabilisation de caméra qu'il a inventé quelques années auparavant : le steadicam. Le tournage de plus d'un an est particulièrement difficile pour Shelley Duvall. Alors que Kubrick laisse une certaine latitude dans l'interprétation à Jack Nicholson, Shelley Duval doit répéter de 40 à 50 fois la même scène. Aujourd'hui, Shelley Duval dit :

L'image finale du film, semblable à la fin quelque peu mystérieuse et ambiguë de 2001, l'Odyssée de l'espace, engendre plusieurs interprétations de la part des fervents admirateurs du cinéaste, comme Rodney Ascher avec son film documentaire, , lequel propose une interprétation sous forme d'indices cachés du film ; Stanley Kubrick lui-même n'a jamais donné une réponse définitive, préférant laisser le soin aux spectateurs de décider par eux-mêmes. Kubrick considère ce film comme son œuvre la plus personnelle.

Kubrick veut tourner un vrai film de guerre, mais ni un film comme Apocalypse Now ou Voyage au bout de l'enfer, ni une parodie comme Docteur Folamour, ni un film antimilitariste tel que Les Sentiers de la gloire. La symbolique du film Full Metal Jacket est proche de celle d'Orange mécanique où le héros, intellectuellement supérieur à ses camarades, doit lutter entre le bien et le mal dans un monde en guerre. Le personnage central du film, le soldat " Guignol " ( Matthew Modine) va petit à petit perdre son âme durant ses classes aux États-Unis, marqué par l'agression de son " protégé " le soldat " Baleine " ( Vincent D'Onofrio) et, au Viêt Nam, par l'exécution sans pitié d'une prisonnière vietnamienne.

Stanley Kubrick détourne l'esprit du livre The Short Timers de l'écrivain Gustav Hasford pour mieux imposer sa propre vision de la guerre et de l'âme humaine, au grand mécontentement de l'écrivain qui est tout de même cité au générique final comme coscénariste.

La première partie du film suit l'entraînement intensif d'un groupe de jeunes recrues américaines dans un camp de marines à Parris Island, aux États-Unis en 1968 pendant la guerre du Viêt Nam, et l'affrontement entre l'adjudant instructeur ( Lee Ermey) et une jeune recrue inadaptée ( Vincent D'Onofrio). La confrontation finale entre les deux hommes clôt cette partie. La deuxième partie du film se déroule au Viêt Nam et montre le baptême du feu des marines à Da-Nang puis la sanglante bataille du Têt dans la province de Hué.

Le film est entièrement tourné en banlieue de Londres, bien loin du réalisme du film d' Oliver Stone, . Quelques plantes exotiques servent de décors d'arrière-plan, les scènes de combat sont tournées dans une usine désaffectée, et l'île de Parris Island est recréée dans une ancienne base militaire britannique. Kubrick utilise plusieurs fois l' élargissement de champ pour modifier l'interprétation du spectateur lorsqu'il voit la scène de près puis de loin. Le tournage du film est interrompu pendant quatre mois à la suite de l'accident de voiture de Lee Ermey, conseiller technique en sa qualité d'ancien instructeur des marines et acteur principal de la première partie du film.

Plus de sept ans après la sortie de son dernier film, Stanley Kubrick se lance dans l'adaptation du roman la Nouvelle rêvée de l'écrivain autrichien Arthur Schnitzler, livre qu'il avait lu à la fin des années 1970. Le scénario est une fidèle adaptation du livre et raconte l'errance dans la nuit new-yorkaise du docteur Harford ( Tom Cruise), obsédé par la révélation de sa femme ( Nicole Kidman) d'avoir failli céder à la tentation d'un autre homme, et à la recherche de ses propres fantasmes. Un voyage entre le réel et l'imaginaire.

On retrouve dans Eyes Wide Shut ce qui a toujours fasciné Kubrick : le thème du double qui envahit tout et qui engendre la perte d'identité, " nos pulsions les plus intimes, derrière les apparences ". Le tournage dure quinze mois de novembre 1996 à janvier 1998 et va bloquer la carrière de Tom Cruise pendant trois ans (deux ans de tournage et la sortie du film Mission Impossible de Brian de Palma retardée d'un an). Comme à son habitude, le soir venu, Kubrick visionne sur vidéo les scènes tournées dans la journée et modifie au jour le jour le scénario en fonction des performances des acteurs. Après six mois de tournage, l'acteur Harvey Keitel claque la porte et est remplacé au pied levé par Sydney Pollack.

Ce film est le testament de Kubrick, qui meurt d'une crise cardiaque dans son sommeil le . Il est enterré à côté de son arbre préféré dans le manoir de Childwickbury, dans le Hertfordshire, au Royaume-Uni. " Eyes Wide Shut sort en salle en , quatre mois après la mort du réalisateur. Il le considérait comme son " meilleur film ", selon une confidence faite à son ami Julian Senior la veille de sa mort ( It's my best film ever, Julian. ").

Parmi les projets inachevés de Stanley Kubrick, on peut citer un film sur Napoléon Bonaparte, abandonné à la demande des producteurs : un projet monumental (fruit de trente années d'un travail de bénédictin) qui échoue en 1969 pour des raisons techniques, financières et d'organisation.

Après Full Metal Jacket, Kubrick travaille en même temps sur deux films dont aucun ne sera réalisé. Aryan Papers ( WarTime Lies, adaptation du roman Une éducation polonaise de Louis Begley), un film abandonné pour ne pas concurrencer La Liste de Schindler de son ami Steven Spielberg dont le sujet est similaire, ainsi que A.I. Intelligence artificielle, d'après la nouvelle Les Supertoys durent tout l'été de Brian Aldiss, projet réalisé par Spielberg après la mort de Kubrick. Aryan Papers raconte l'histoire d'un enfant traversant la Pologne pendant la Seconde Guerre mondiale et échappant à la déportation vers Auschwitz ; c'est son projet de film non réalisé le plus abouti, le casting étant établi, avec Johanna ter Steege pour le rôle de Tania et Joseph Mazzello pour le petit garçon.

Un autre projet qui n'a jamais été réalisé était Le Lieutenant allemand, un film sur les parachutistes allemands à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Il y eut de même un projet d'adaptation d'un roman de Stefan Zweig, Brûlant secret, un projet intitulé Natural Child (une fable sur la libération sexuelle, trop subversive pour l'époque), un projet intitulé One Eyed Jack (un western qui sera finalement porté à l'écran par Marlon Brando), et un projet intitulé Lunatic at Large, sur un scénario de Jimmy Thomson, est encore d'actualité en 2011.

Kubrick posera aussi le projet de l'adaptation du roman Le Pendule de Foucault (l'auteur, Umberto Eco, s'opposera à ce projet) et celui du roman de Süskind. Enfin, le satiriste Terry Southern tentera de convaincre Kubrick pour la réalisation du film pornographique Blue Movie.

Le jeune Stanley Kubrick, autodidacte, apprend les ficelles du métier de cinéaste - la composition d'une image, les éclairages, l'usage des extérieurs et l'art de saisir le mouvement. Plutôt perfectionniste, il lui arrive de prendre plusieurs centaines de clichés pour réaliser une seule photo - lors de ses quatre ans passés comme photographe au magazine Look. C'est à cette époque qu'il décide de commencer sa formation en fréquentant assidûment les salles de cinéma. Ses goûts sont éclectiques, avec une préférence, comme il le dit en 1963 dans la revue Cinéma, pour le cinéma d'auteur européen comme celui d' Ingmar Bergman, Michelangelo Antonioni ou Federico Fellini. Cependant, c'est par les films de Max Ophüls comme ou qu'il sera particulièrement influencé, notamment le mouvement complexe et sans heurt de la caméra et les nombreux travellings.

Kubrick apprend réellement tous les métiers du cinéma en faisant tout lui-même dans ses premiers films - scénariste, ingénieur du son, monteur, réalisateur... - ce qui lui permettra par la suite d'intervenir et d'imposer ses points de vue à ses techniciens lors des tournages afin d'obtenir l'image exacte qu'il recherchait. Il démontre ainsi dès 1954, avec Le Baiser du tueur, son talent à jouer avec l'ombre et la lumière et confirme sa maîtrise technique dans la scène de règlement de compte dans un entrepôt de mannequins. Il démontre aussi rapidement à ses équipes techniques ses connaissances et son intérêt pour la photographie et la prise de vue. Pour lui, un réalisateur est à la fois metteur en scène et technicien.

Au fil de ses films, Kubrick ajoute de nouvelles techniques à sa réalisation qu'il ne cesse de perfectionner par la suite. C'est à cette époque qu'il se fait remarquer par le brillant de sa photographie. En 1956, dans L'Ultime Razzia, Kubrick fragmente l'histoire que seule la voix off très influencée par Citizen Kane d' Orson Welles permet de reconstituer.

À partir de 2001, l'Odyssée de l'espace, le cinéaste travaille de plus en plus lentement, poussant de plus en plus loin son perfectionnisme et sa volonté d'expérimentation technique. Pour son premier film en couleur, il va passer cinq ans à développer ce film, qui, par son esthétique et sa mise en scène, marque un tournant dans le cinéma mondial, en particulier dans le domaine de la science-fiction. Souhaitant une vision de l' espace éloignée des bandes dessinées et proche des observations scientifiques, il prend pour directeur de la photographie Geoffrey Unsworth, spécialisé dans la science-fiction. Celui-ci utilise le format Super Panavision 70 et bénéficie du perfectionnement de nouvelles techniques (socles, grues, perches, bras articulés), permettant rotations et mouvements aériens de la caméra comme si elle-même était en impesanteur. Il ajuste également, sur les conseils et avec l'aide d' astronautes et de spécialistes dans le domaine, ses éclairages pour être conforme à la volonté très précise du cinéaste. Le tournage nécessite quatre mois de travail pour les acteurs, et dix-huit pour les effets spéciaux.

Pour Barry Lyndon, le réalisateur veut tourner un film à l'esthétique proche des tableaux du . Pour recréer les conditions de l'époque, les intérieurs sont éclairés à la bougie, les visages des acteurs maquillés de blanc, les cheveux ternis par la poudre. La réalisation du film demande plus de 250 jours. Pour retrouver les conditions de lumière dans les anciens châteaux anglais, le réalisateur s'astreint à un éclairage des scènes d'intérieur quasiment à la lueur des bougies. Il se procure un objectif d'appareil photo Zeiss d'une focale de 50 mm et d'une ouverture maximale de f/0.7, développé spécialement pour la NASA pour photographier l'alunissage de la capsule Apollo, mais encore jamais utilisé au cinéma. Il le fait monter sur une caméra réaménagée spécialement. Pour Kubrick ce n'est pas un gadget ou une lubie, le réalisateur voulant préserver la patine et l'ambiance d'un château dans la nuit au siècle. Il précise : Cette contrainte technique sera néfaste au budget du film qui passe de 2,5 millions à plus de 11 millions de dollars. Le diaphragme de l' objectif, de très grande ouverture (f/0.7), limite considérablement la profondeur de champ de la scène. Le réalisateur utilise également le zoom et les longues focales, ce qui a pour effet d'" aplatir " l'image.

La musique a une grande importance dans la majeure partie de l'œuvre de Kubrick. Ce n'est pas la musique qui sert le film, mais le film qui sert la musique. Kubrick privilégie dans la plupart de ses films la musique classique et souvent préexistante.

Dans 2001, l'Odyssée de l'espace, pour la première fois, Stanley Kubrick incorpore de la musique classique à un de ses films : la composition de la musique prévue ayant du retard, il meuble la bande-son avec de la musique classique pour le pré-montage. Alors que la MGM veut imposer au réalisateur une musique originale, composée par Alex North, Kubrick réussit à garder ses choix originels : Le Beau Danube bleu de Johann Strauss II, Ainsi parlait Zarathoustra de Richard Strauss, et György Ligeti pour la séquence de la porte stellaire. C'est à la musique de Wendy Carlos qu'il fait appel, entre autres, pour Docteur Folamour, Orange mécanique et Shining. À Penderecki, Bartók et Ligeti pour .

Kubrick voulait que la musique corresponde à l'époque de l'histoire racontée. Ainsi, dans Full Metal Jacket, film sur la guerre du Viêt Nam, il utilise des chansons des années 1960, époque du conflit. Mais pour la musique de Barry Lyndon, Stanley Kubrick emploie des œuvres de Bach, Mozart, Vivaldi, Haendel et Schubert, alors que ces compositeurs ne sont pas tous du siècle. Il doit faire des concessions ; " J'ai chez moi toute la musique du siècle enregistrée sur microsillons.[...] Malheureusement, on n'y trouve nulle passion, rien qui, même de loin, puisse évoquer un thème d'amour. " Ne trouvant d'ailleurs pas de musique d'époque suffisamment dramatique pour la scène du duel final, il demande à Leonard Rosenman de réorchestrer la Sarabande de Haendel à un tempo plus lent ( Oscar de la meilleure musique de film 1976).

La musique de son dernier film, Eyes Wide Shut est marquante par ses motifs linéaires de piano extraits de Musica Ricercata de György Ligeti. Elle accentue le malaise des situations vécues par le personnage de Tom Cruise.

C'est dans Fear and Desire que Kubrick insère pour la première fois une voix off. Puis dans Le Baiser Du Tueur, en 1955. Le personnage principal Davey reconstitue en effet la chronologie de la narration grâce à sa voix off. En 1956 sort le troisième film de Stanley Kubrick, L'Ultime Razzia ( The Killing). Kubrick fragmente l'histoire que seule la voix off, très influencée par le Citizen Kane d' Orson Welles, permet de reconstituer. Il utilisera encore plusieurs fois la voix off par la suite, notamment dans Docteur Folamour (introduction) et Barry Lyndon.

Dans Orange mécanique et Full Metal Jacket, c'est la voix intérieure, monologue qui n'est pas prononcé par un personnage mais qui exprime ses pensées au moment de la scène, qu'il utilisera pour la narration.

Lors de la présentation à la presse de l'exposition consacrée à l'homme et à son œuvre le dans la ville belge de Gand, sa veuve Christiane déclare : " C'est une légende créée de toutes pièces par la presse. "

D'un caractère réservé, voire timide, pouvant raser les murs quand il croisait quelqu'un dans un couloir, Kubrick devenait un autre homme une fois installé derrière sa caméra : il contrôlait le monde.

En cela il imposait le respect ; imperturbable, très créatif, il finissait toujours par obtenir ce qu'il voulait. Son perfectionnisme lui vaut une renommée d'homme dur, coléreux et mégalomane. On fait état de scènes recommencées près d'une centaine de fois, d'une dispute violente avec Shelley Duvall (héroïne de ) dans le seul but de la mettre dans un état émotionnel intense, tout comme d'une équipe technique tenant une grande bâche des heures durant sous la pluie pour ne pas interrompre un tournage.

Stanley Kubrick devient un personnage mythique, vu comme un génie paranoïaque ayant une vision très pessimiste de la nature humaine, ne sortant de sa maison ultra-protégée, une sorte de forteresse infranchissable, ceinte de 80 hectares de bois et protégée par d'imposants grillages, que pour tourner ses films. Isolé dans son château anglais, Kubrick n'est pas pour autant coupé du reste du monde. Ses archives sont monumentales, et quand il prépare un film Kubrick dort le jour et travaille la nuit (en raison du décalage horaire avec Los-Angeles).

Kubrick a toujours été réticent à s'entretenir sur ses œuvres, par crainte que celles-ci en soient appauvries. Les documentaires tournés sur Kubrick le seront par sa fille Vivian, pendant le tournage du film Shining : The Making of the Shining (1980) et par son beau-frère Jan Harlan Stanley Kubrick : Une vie en image (2001).

Les critiques sont divisés sur ses films, une partie d'entre eux ne lui faisant pas de cadeaux, dont la très virulente Pauline Kael, Arthur Schlesinger ou Jean-Luc Godard : " Un souci méticuleux du réel, une passion de l'exactitude, la " froideur " de ses images ", tandis que les autres l'admirent : " L'exceptionnelle précision de sa saisie du réel en mouvement. "

" Une histoire qui se déroule dans un monde (intérieur ou extérieur) au bord de l'effondrement, compensée par une composition très symétrique, très ordonnée des plans et du cadrage. L'apparence, la double personnalité, les thèmes fétiches de Kubrick et que l'on retrouve dans tous ses films. "

En 50 ans de carrière, Kubrick va filmer ce combat intérieur, sous des perspectives différentes. Trois films de guerre, deux policiers, un film d'horreur, trois films de science-fiction, deux fresques historiques et deux films " érotiques ".

" Les dialogues de ses films sont très courts... "

L'histoire est principalement racontée à travers les images et la bande son pour susciter des émotions. " Quand vous dites les choses directement, elles ont moins de poids que si vous laissez les gens les découvrir par eux-mêmes[réf. non conforme]. "

" En 50 ans de carrière seulement treize films... "

Vivian Kubrick dira :

Depuis L'Ultime Razzia Kubrick préfère adapter des livres plutôt que d'écrire un scénario original.

Kubrick dira : " Je suppose que c'est par paresse, mais vous pouvez diviser tous les scénarios en deux catégories : ceux dans lesquels on se demande " ce qui va arriver " et ceux dans lesquels on se demande " comment cela va arriver " ".

Critiques de la part de ses pairs

Orson Welles a déclaré, en 1963 : Welles est né en 1915 et Kubrick en 1928, mais les deux artistes ont de nombreux points communs. Tous deux ont réalisé des films profondément originaux, et presque le même nombre (13 films pour Kubrick, 15 pour Welles). Ils se sont essayés au film de genre et ont vécu en Europe, à la différence près que Kubrick s'est volontairement exilé en Angleterre pour travailler en paix, alors que Welles y fut contraint par la force des choses ; il avait besoin de décrocher des rôles pour financer ses films. Tous deux n'ont pu mener à terme certains projets :Don Quichotte et It's all true, que Welles a réalisés, n'ont jamais vu le jour de la main de leur auteur, tout comme Kubrick qui dut renoncer à réaliser un film sur Napoléon et un autre, au début des années 1990, sur l' Holocauste.Citizen Kane était l'un des films préférés de Kubrick.

Steven Spielberg dira : " Kubrick était terriblement incompris et perçu comme un reclus parce qu'il fuyait la presse. Mais il était capable de décrocher son téléphone et téléphoner à un parfait inconnu pour lui dire combien il avait été impressionné par son film. Pour ceux d'entre nous qui l'ont connu, c'était un ours en peluche, gentil et passionné. " Dans l'œuvre de Kubrick, L'Ultime Razzia est le film préféré de Spielberg.

Une partie de la critique française décrie le cinéma de Kubrick. " [...] film simple et lucide, avec des dialogues justes, qui montre l'Amérique et son sexe mieux que Jean-Luc Godard notamment dans Cahiers du cinéma, à propos de ses premières œuvres ( L'Ultime Razzia, Spartacus, Les sentiers de la gloire), le décrit ainsi : , mais parle de Lolita comme d'un Melville et Reichenbach, et prouve que Kubrick ne doit pas abandonner le cinéma, à condition de filmer des personnages qui existent [...]. ".

Martin Scorsese s'intéresse à l'œuvre de Kubrick depuis longtemps. Il signe en 2002 la préface du livre de Michel Ciment, un des rares récits aussi complets sur le réalisateur. Il y dit au sujet de Kubrick : Il poursuit l'analyse du style de Kubrick :

La distance que garde Kubrick par rapport à la communauté d'Hollywood joue certainement en sa défaveur. En effet, à l'instar d'autres grands réalisateurs, comme Charlie Chaplin, Orson Welles, Fritz Lang, Robert Altman, Sergio Leone ou Alfred Hitchcock, Kubrick, malgré plusieurs propositions, n'obtiendra jamais l'Oscar du meilleur réalisateur.

Parmi les récompenses qu'il a remportées :

Du 23 mars au 31 juillet 2011, une exposition lui est consacrée en France à Paris, à la Cinémathèque française. Une rétrospective nationale a eu lieu à cette occasion dans de nombreux cinémas.

En 2020, la Cinémathèque suisse consacre une rétrospective intégrale à l' œuvre de Stanley Kubrick.

Kubrick, personnage mythique du cinéma, devait fatalement devenir lui-même personnage de film. On peut voir un " Stanley Kubrick " dans les films suivants :

Trois mois avant le décès du cinéaste, un certain Stanley Kubrick, demeurant à Harrow, décède d'une crise cardiaque dans son petit appartement. Il s'agit d'un imposteur, Alan Conway, qui, pendant des années, se fit passer pour le cinéaste et abusa et profita ainsi de dizaines de personnes plus ou moins connues. Il semblerait que l'idée ait fasciné Kubrick lui-même. Un film avec John Malkovich retrace d'ailleurs l'histoire de cet homme : Appelez-moi Kubrick.

À la suite d'un ennui de santé du chef-opérateur Claude Renoir sur le tournage du film L'espion qui m'aimait, et à la demande de son ami le chef décorateur Ken Adam ( Barry Lyndon et ), Stanley Kubrick accepte, à la condition expresse que sa contribution reste secrète, de superviser l'éclairage de la scène d'intérieur du supertanker. Il existe cependant une photo de Kubrick sur le plateau de tournage.

2001, l'Odyssée de l'espace est un triomphe dont l'influence est gigantesque sur l'imagination collective et sur lequel viendra se greffer la théorie visant à lui donner une influence sur la NASA ; cette dernière aurait emprunté les noms de Jupiter, Discovery ou Ulysse pour ses projets. En réalité, Discovery fut baptisée en référence au HMS Discovery de l'explorateur anglais James Cook. La fusée Jupiter, quant à elle, a été lancée en 1958, 10 ans avant la sortie du film.

D'après une théorie du complot, des contacts entre la NASA et Kubrick auraient poussé celui-ci à réaliser pour leur compte des prises de vues factices. Cette théorie se fonde sur l'investissement supposé d'un ancien conseiller de la NASA et l'intérêt de cette dernière pour le film 2001, en phase de montage à l'époque. Celle-ci aurait poussé Kubrick à participer à la réalisation en studio de faux alunissages des programmes Apollo 11 et 12. En 1968, Kubrick aurait été secrètement contacté par l'agence spatiale pour réaliser les trois premiers alunissages. Kubrick aurait d'abord refusé puis fini par accepter face aux menaces de révélation de l'" embarrassante " implication de son frère Raul au sein du parti communiste américain. Il aurait ensuite proposé un scénario où la mission Apollo 13 aurait échoué mais où les astronautes étaient sauvés. Devant le refus de la NASA, Kubrick aurait cessé sa collaboration. Ces affirmations proviennent pour la plupart du documentaire fictionnel Opération Lune réalisé par William Karel en 2002 pour montrer les moyens de trucages et de manipulation de la vidéo et des interviews. Ce documenteur réalisé avec des acteurs et des interviews détournées a créé la confusion, certaines parties relatant des faits réels, d'autres des hypothèses et de la pure fiction, le tout monté pour servir une fiction.

" L'idée était de détourner des entretiens, et nous n'avons mis aucun des témoins dans la confidence, ni les gens de la NASA, ni Aldrin, ni la femme de Kubrick, ni le frère de celle-ci. [...] En détournant leurs témoignages, il suffisait d'avoir un " faux " témoin, en l'occurrence la secrétaire de Nixon, pour faire le lien et rendre l'histoire crédible. Aux " vrais " témoins, nous disions que nous faisions un film sur Kubrick, sur son film, sur la Lune ou sur la NASA, et nous leur posions des questions un peu vagues... " - William Karel

Dans le documentaire , qui présente plusieurs théories plus ou moins plausibles sur le film l'une d'elles prétend que Kubrick aurait truffé son film d'indices qui témoignent de cette collaboration et du secret qui l'entoure : le pull " Apollo 11 " de Danny, le numéro de la chambre évoquant la distance Terre-Lune de 237 000 milles américains, etc.

Année

Titre français,
Titre original (si différent)*

Récompenses, Propositions

Rôle

Lolita

Oscar du meilleur scénario adapté : Vladimir Nabokov.

Golden Globes: Meilleur acteur : James Mason; Meilleure actrice : Shelley Winters; Meilleur acteur dans un second rôle : Peter Sellers; Meilleur réalisateur : Stanley Kubrick. BAFTA du meilleur acteur : James Mason. L'association des réalisateurs américains (Directors Guild of America) a nommé Stanley Kubrick pour le prix du meilleur réalisateur. Stanley Kubrick a été nommé au Festival de Venise pour le prix du meilleur réalisateur.

Réalisation, coscénariste

BAFTA du meilleur film

Oscars du cinéma 1964 : quatre nominations dans les catégories meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur scénario, meilleur acteur (Peter Sellers).

Réalisation, scénario

Notes et références

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Stanley Kubrick a toujours été réticent à s'entretenir sur ses œuvres, laissant au spectateur la liberté de formuler sa propre interprétation. Les deux principaux livres auxquels il a participé activement avec Michel Ciment et Alexander Walker sont consacrés au récit (image et son) et à la symbolique de ses films.

Rainer Crone, Stanley Kubrick. Drames et Ombres, Photographies 1945-1950. Berlin, Phaidon Press Ltd., 2005.

Philippe Fraisse, Le cinéma au bord du monde une approche de Stanley Kubrick : Une approche de Stanley Kubrick, Paris, Gallimard, coll. " L'infini ", , 240 p. .

Jean-Michel Bertrand, 2001, l'odyssée de l'espace : Puissance de l'énigme, Paris Budapest Kinshasa etc, l'Harmattan, coll. " Champs visuels ", , 266 p. .

Gabriele Biotti, The Uncanny and the Ghostly Nature of the World in Stanley Kubrick's 'The Shining' (1980), Lublin Studies in Modern Languages and Literature, vol. 43, n. 4, 2019, pp. 77-87.

Michel Chion , Stanley Kubrick : l'humain, ni plus ni moins, Paris, Cahiers du cinéma, coll. " Auteurs ", , 559 p. .

Michel Ciment (dossier réuni par), Stanley Kubrick, les yeux grands ouverts, Positif, 439, septembre 1997, p. 66-102.

Michel Ciment (préf. Martin Scorsese), Kubrick, Paris, Calmann-Lévy, .

Collectif, L'Amour du cinéma : 50 ans de la revue Positif (Poche) Analyse du film Shining

Ivan A. Alexandre, Stanley Kubrick, l'Écran symphonique, Diapason, 462, septembre 1999.

Christiane Kubrick (préf. Steven Spielberg), Stanley Kubrick : une vie en instantanés, Paris, Cahiers du cinéma,

Raymond Haine, Bonjour Monsieur Kubrick dans Cahiers du cinéma, 73, juillet 1957.

Paul Duncan (dir.), Stanley Kubrick : un poète visuel 1928-1999, Cologne, Taschen, coll. " Basic Films ", , 192 p. .

John Baxter (trad. Françoise Monier), Stanley Kubrick, Paris, Editions du Seuil, coll. " Biographie ", , 403 p., broché, 15 × 24 cm .

(en) Vincent LoBrutto, Stanley Kubrick : a biography, London, Faber and Faber, .

(en) Alison Castle, The Stanley Kubrick archives, Köln London Paris etc, Taschen, coll. " XI ", .

(en) Tom Milne, How I Learned Stop Worrying and Love Stanley Kubrick, Sight and Sound, printemps 1964, .

Brigitte Gauthier, Kubrick, les films, Éditions l'Entretemps, Montpellier, 2012 , 152 pages [présentation en ligne]

Brigitte Gauthier, Kubrick, les musiques, Éditions l'Entretemps, Montpellier, 2012 , 152 pages [présentation en ligne]

Stanley Kubrick Photographs, Taschen, 2018.

Stanley Kubrick : Archives d'une vie (Stanley Kubrick's Boxes), film documentaire de Jon Ronson, Royaume-Uni, 2008, 50 min

À la recherche de Stanley Kubrick, film documentaire d'Agnès Michaux et Frédéric Benudis, France, Canal+/Films du Sarran, 1998, 60 min

Stanley Kubrick : Une vie en image (Stanley Kubrick: A Life in Pictures), film documentaire de Jan Harlan, (2001), 142 min

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Après des débuts dans la photographie, Kubrick, autodidacte, sera également son propre directeur de la photographie, producteur, scénariste et monteur. Ses treize longs métrages en quarante-six ans de carrière l'imposent comme l'un des cinéastes majeurs du . Quatre de ses films sont classés dans le Top 100 de l'American Film Institute ( AFI's 100 Years...100 Movies).

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Compositeur.

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Œuvres principales

Richard Georg Strauss, né le à Munich et mort le à Garmisch-Partenkirchen, est un compositeur et chef d'orchestre allemand.

Richard Strauss est surtout un spécialiste et connaisseur hors pair de l'orchestre ; ses quelques œuvres pour formation de chambre sont peu jouées, à part les mélodies pour piano et chant, poèmes symphoniques et opéras formant le cœur de son œuvre. Si son nom est connu du grand public, c'est avant tout grâce aux trois opéras , et Der Rosenkavalier, et aussi grâce aux poèmes symphoniques Ainsi parlait Zarathoustra, Mort et Transfiguration, Till l'Espiègle ou .

Le patronyme Strauss, qui signifie " bouquet ", est extrêmement commun dans les pays germaniques, et il n'existe aucun lien de parenté entre le Bavarois Richard Strauss et les deux Johann Strauss ( père et fils), originaires de Vienne ( Autriche) et surnommés les " rois de la valse ". Les quelques valses composées par Richard Strauss ne sont présentes dans ses œuvres qu'à titre de clin d'œil à la tradition viennoise, en référence à une époque antérieure (par exemple dans les opéras Le Chevalier à la rose ou ) ou comme élément connotant l' érotisme et la sensualité.

Biographie

Richard Strauss est le fils d'un premier corniste de l'Orchestre Royal de Munich, Franz Strauss, qui était farouchement conservateur et anti-wagnérien. Richard, enfant prodige, est formé à l'école brahmsienne et découvre la musique par l'étude des œuvres des classiques allemands ainsi que des premiers romantiques, tels Schumann et Mendelssohn.

La musique allemande connaît alors une période de conflit esthétique entre les tenants de la musique pure, parmi lesquels compte Brahms, et les tenants de la musique à programme, dont le chef de file est le Hongrois Franz Liszt. Ce conflit sera incarné notamment par la controverse opposant Richard Wagner, adepte de l'" œuvre d'art total " ( Gesamtkunstwerk), et le critique viennois Edouard Hanslick, très influent dans toute la seconde moitié du siècle. Le père de Richard Strauss choisit de préserver son fils de l'influence wagnérienne. Richard ne découvrira donc véritablement la modernité et la puissance expressive des œuvres de Liszt et Wagner qu'une fois sa carrière de chef d'orchestre amorcée. Il est en effet initié à la musique à programme à partir de 1883, lorsqu'il est appelé à diriger l'orchestre de Meiningen, au sein duquel il se lie d'amitié avec le premier violon Alexander Ritter , un familier des cercles lisztiens.

Timbre à l'effigie de Richard Strauss.

Les poèmes symphoniques de Richard Strauss reposent sur l'adaptation des formes musicales traditionnelles ( forme sonate, rondo-sonate, thème et variations) à un argument narratif. L'orchestre de Richard Strauss tient compte de l'évolution de l'art de l'instrumentation au siècle, et surtout des alliages de timbre expérimentés par Hector Berlioz (dont Strauss publie une révision du Traité d'instrumentation et d'orchestration en 1909), Franz Liszt et Richard Wagner. Dans ses poèmes symphoniques, Strauss garde un ancrage dans la tradition, tout en adoptant les idéaux esthétiques de la jeune génération. À partir de cette époque, le succès de (1887-88), (1886-87-91), Mort et transfiguration (1889), Till l'Espiègle (1894-95), Ainsi parlait Zarathoustra (d'après Nietzsche, 1896), Don Quichotte (1897), Une vie de héros (1898), la Sinfonia Domestica (1903), Une symphonie alpestre (1911-15), ne s'est jamais démenti. Strauss s'est mis en scène dans deux de ses œuvres : Une vie de héros et Sinfonia Domestica. Cependant, ainsi que l'ont remarqué de nombreux exégètes, parmi lesquels l'écrivain Romain Rolland qui fut un grand ami du compositeur, chacun de ses poèmes symphoniques ou symphonies à programme ( Sinfonia Domestica et Une symphonie alpestre) peut être apprécié pour sa beauté sonore et ses qualités expressives sans que le programme ait été lu au préalable.

Richard Strauss se marie en 1894 avec Pauline de Ahna, soprano, ce qui peut expliquer sa prédilection pour ce registre dans ses compositions vocales futures.

Après deux tentatives plutôt infructueuses dans le domaine de l'opéra avec (1892-93) et (1901), Strauss connaît un succès éclatant sur la scène lyrique grâce à (1904-15), drame en un acte d'après la pièce d' Oscar Wilde. Son style ne renonce pas à l'orientalisme, à une sensualité exacerbée et à l'expression de sentiments d'une extrême violence par un langage qui se situe parfois aux limites de l' atonalité.

Rencontre avec Hugo von Hofmannsthal

La rencontre avec l'écrivain, poète et dramaturge autrichien Hugo von Hofmannsthal (1874-1929) marquera un tournant décisif dans la carrière du compositeur. Leur correspondance est la plus suivie et la plus éclairante que Strauss ait eue avec ses collaborateurs concernant la genèse de ses œuvres. Les opéras écrits sur un livret de Hofmannsthal sont les suivants : (1906-08), Rosenkavalier (Le Chevalier à la rose) (1909-10), qui comme Salomé sont entrés au répertoire de nombreux théâtres lyriques à travers le monde, Ariane auf Naxos (1912-16), Die Frau ohne Schatten (La Femme sans ombre) (1914-17), Die ägyptische Helena (Hélène d'Égypte )(1927) et (1932), à la création de laquelle Hofmannsthal ne put assister, son décès étant brutalement intervenu durant ce qui sera leur dernière collaboration.

Richard Strauss en 1916.

D'un point de vue stylistique, Le Chevalier à la rose, dont l'action se situe dans la seconde moitié du siècle, renoue avec le rococo et la légèreté de l'opérette viennoise. Ariane à Naxos revient aux catégories baroques de l' opera buffa, de l' opera seria, à la distinction entre aria et recitativo secco, tout en intégrant des intermèdes parlés et en adoptant un effectif orchestral plus réduit. La mélodie infinie héritée de Wagner est abandonnée au profit d'un retour à la division de l'opéra en une succession de scènes, le tout en accord avec une action située au siècle et avec la volonté d'évolution du théâtre lyrique affirmée par Richard Strauss et Hofmannsthal. La lecture de la correspondance entre le compositeur et son librettiste nous révèle que c'est le second qui a convaincu le premier de se détacher progressivement de l'influence wagnérienne et de renouveler sa perception de l'histoire des arts, d'y remplacer une conception linéaire par une vision où la succession des événements est comparée à une spirale (l'" éternel retour ").

C'est sans l'aide de Hofmannsthal que Richard Strauss compose Intermezzo (1922-23), comédie bourgeoise en deux actes, sorte de conversation en musique à mi-chemin entre l'opéra, le , l'opéra-bouffe, l'opérette, relatant une crise conjugale survenue entre un certain musicien du nom de Storch et son épouse Christine, une maîtresse de maison dotée d'un caractère très affirmé. Storch n'est autre que Richard Strauss, tandis que derrière Christine se cache Pauline de Ahna, son épouse, qui finit par renoncer à sa carrière de chanteuse pour s'occuper de son ménage.

Richard Strauss compose également de nombreux lieder (mélodies) avec orchestre (écrits initialement pour piano). La tessiture est alors presque toujours pour voix de soprano.

Des circonstances politiques et artistiques difficiles

Après la mort de Hofmannsthal, Strauss connaît comme une panne d'inspiration, due sans doute à une crise non pas seulement artistique, mais également personnelle, liée à la mort de son meilleur collaborateur ainsi qu'aux circonstances politiques. En 1933, Strauss accepte d'assurer la fonction de Président de la Reichsmusikkammer (Chambre de musique du Reich). Il se justifiera en prétendant vouloir préserver la musique allemande d'influences qu'il juge néfastes, mais aussi d'un régime politique dont il estime parfois discutables les choix en matière artistique. S'il accepte de se soumettre au pouvoir en place afin de pouvoir continuer à travailler, il n'adhérera jamais à l'antisémitisme du régime : ainsi, il refuse que le nom de son ami, l'écrivain autrichien d'origine juive Stefan Zweig (1881-1942), soit retiré du livret de La Femme silencieuse.

Ainsi, durant cette période, il continue à œuvrer avec Zweig : " Croyez-vous que La Femme silencieuse est créée sur un livret de ce dernier en 1935. Le nom du librettiste disparaît de l'affiche trois jours avant la première représentation à Dresde, mais le compositeur réussit à l'y faire rétablir. Strauss semble ne pas comprendre pourquoi la collaboration devrait être interrompue du fait des origines juives de Zweig. Le compositeur est contraint de démissionner de ses fonctions de président de la Reichsmusikkammer en 1935, lorsqu'une de ses lettres à Zweig est saisie par la Gestapo : il y demande à ce dernier de cesser d'accorder autant d'importance à sa judéité et lui rappelle qu'en art il n'existe que deux catégories de gens, ceux qui ont du talent et ceux qui n'en ont pas. Mozart a délibérément composé de façon aryenne ? ", demande-t-il. Strauss se résigne : sa belle-fille, Alice, est juive, et ses petits-enfants sont donc juifs. En outre, le régime sait pertinemment que pour renvoyer à l'opinion internationale une image acceptable, il est nécessaire de conserver à l'intérieur des frontières les rares personnalités artistiques de grande renommée qui ne sont pas déjà parties en exil. Strauss en vient à se compromettre avec le nazisme par quelques poignées de mains trop officielles - une célèbre photo le montre saluant très chaleureusement Joseph Goebbels - et des œuvres composées pour des événements célébrés en grande pompe par le régime : un Hymne olympique pour les Jeux de Berlin de 1936 et une Musique de fête japonaise accompagnant l'une des festivités scellant le rapprochement entre le Troisième Reich et l' Empire nippon.

Ses opéras seront représentés et créés jusqu'en 1942 : Friedenstag ( Jour de Paix) en 1936, en 1937, L'Amour de Danaé en 1940, tous trois sur un livret de Joseph Gregor, en 1942. Il figura même sur la Sonderliste de la Gottbegnadeten-Liste en 1944.

Avec (1941) Richard Strauss couronne son œuvre lyrique par un opéra de très haute qualité tant musicale que dramaturgique. Le livret, écrit par le chef d'orchestre Clemens Krauss, revient encore au siècle, précisément aux alentours de l'année 1775, et met en scène une comtesse française du nom de Madeleine, dont on s'apprête à fêter l'anniversaire. Pour ce faire, La Roche, directeur de théâtre, dispose de deux artistes, Olivier, le poète, et Flamand, le compositeur. Entre les deux, le cœur de Madeleine hésite.

Capriccio mêle dès le sextuor à cordes qui ouvre l'opéra et les premières discussions entre Olivier et Flamand, la stylisation de styles musicaux appartenant au siècle et les meilleures trouvailles dramatiques en termes de relation entre l'orchestre et les voix, et de réflexion sur la forme musicale dans le cadre de l'opéra.

Retour aux sources

Les dernières années de la guerre sont pour Strauss une période d'introspection, voire de retour aux sources. Il lit " à l'esprit immortel du divin Goethe et revient à l'inspiration classique, aux petits effectifs orchestraux, aux formes traditionnelles. Dans le Deuxième Concerto pour Cor (1942 - le premier, écrit pour son père, datait de 1883), les deux Sonatines pour 16 instruments à vent (1943-45), le Concerto pour hautbois et petit orchestre né de sa rencontre avec le hautboïste John de Lancie, alors officier américain de l' OSS (1946), l'inspiration littéraire disparaît, la pâte orchestrale est épurée, et comme c'était déjà le cas dans le sextuor d'ouverture de Capriccio l'accent est mis sur la beauté de la mélodie, la fluidité des entrelacs de la polyphonie, ainsi que sur la clarté formelle. On pense parfois à Mozart et Haydn que Strauss ne renonce pas à citer expressément dans sa correspondance, au détour d'une note quelconque, ou bien en tête d'une partition. La Deuxième sonatine est dédiée Mozart ".

L'après-guerre et l'été indien (1946-1949)

En est créée à Zurich une œuvre commandée par Paul Sacher portant le nom de Métamorphoses. Il s'agit, selon les termes du compositeur, d'une " étude pour 23 cordes solistes " qui s'apparente à un vaste mouvement symphonique pour 10 violons, 5 altos, 5 violoncelles et 3 contrebasses. L'œuvre révèle une parfaite maîtrise des ressources de la polyphonie, du travail sur les motifs et de la forme musicale. Un souffle épique d'une force poignante parcourt la pièce jusqu'à sa conclusion sur un ton résigné où l'un des thèmes principaux est rappelé tandis que résonne dans les parties graves une réminiscence du thème de la marche funèbre de la Symphonie Héroïque de Beethoven. Le manuscrit autographe porte la mention " In Memoriam ! " sur cette dernière page qui représente encore, pour nombre d'auditeurs, un adieu déchirant à un monde en train de disparaître sous les décombres laissés par les années de guerre et douze ans de dictature.

Au lendemain de la guerre, le compositeur comprend qu'il arrive au terme d'une vie artistiquement épanouie, mais il est aussi épuisé par les événements politiques, très profondément affecté par le bombardement des hauts lieux de la culture allemande, la destruction de sa maison natale comme des plus prestigieux théâtres lyriques, et son jugement dans le cadre des procédures de dénazification. Interdit de quitter le territoire par les nazis, il l'est désormais, pour quelque temps, par l'occupant américain. Sa musique est parfois considérée comme suspecte, idéologiquement douteuse. Bien qu'on ne trouve chez Strauss aucune trace d'antisémitisme ou de quelque allégeance que ce soit à l'idéologie nationale-socialiste, et bien qu'il n'ait manifesté aucun empressement particulier pour certains protocoles, tels le salut hitlérien, il est reconnu coupable d'avoir participé activement à la vie culturelle de son pays durant les années de guerre. Hormis des séjours répétés en Suisse durant les hivers 1945 à 1948, Strauss ne s'éloignera guère avant 1947, année où sur l'invitation de Sir Thomas Beecham, il entreprend un voyage à Londres.

La vie créatrice de Richard Strauss s'achève par un cycle de lieder avec orchestre aux couleurs automnales, les Quatre derniers lieder (1948), sur trois poèmes de Hermann Hesse et un poème d' Eichendorff. L'œuvre sera créée au Royal Albert Hall de Londres par Kirsten Flagstad et l' Orchestre Philharmonia sous la direction de Wilhelm Furtwängler le (cette exécution a été éditée par la suite en microsillon puis en CD). Le compositeur s'était éteint quelques mois auparavant, le . Pauline Strauss-De Ahna ne survécut que six mois à son époux, dont la perte lui fut si douloureuse qu'elle demanda à Georg Solti, après le concert que celui-ci dirigea lors des funérailles et où l'on entendit le trio final du Chevalier à la rose, pourquoi un homme qui avait écrit une telle musique devait un jour mourir.

Richard Strauss laisse 189 œuvres musicales, dont :

Symphonie en ré mineur (1880)

Serenade pour instruments à vent, op. 7 (1881)

Concerto pour violon, op. 8 (1882)

Symphonie en fa mineur, op. 12 (1884)

Burlesque (Burleske) pour piano et orchestre en ré mineur (1886-1890)

Prélude festif pour orchestre et orgue, op. 61 (1913)

Le Bourgeois gentilhomme, suite pour orchestre (1917)

Musique de film pour Le Chevalier à la rose (1925)

Panathenäenzug, op. 74 pour piano et orchestre (1927)

Japanische Festmusik (Musique festive pour les 2600 ans de l'empire du Japon, 1940)

Divertimento, pour petit orchestre (1942)

Deux concertos pour cor (1883 et 1943)

Sonatine en mi bémol majeur pour 16 instruments à vent (1944)

Concerto pour hautbois en ré (1945)

Métamorphoses pour 23 cordes (1945)

Sonatine pour seize instruments à vent (1945)

Double concertino pour clarinette et basson, avec orchestre à cordes et harpe (1947)

Plus de deux cents Lieder, dont une trentaine avec accompagnement orchestral, entre autres, les Letzte Blätter (Dernières Feuilles), op. 10. (1885).

Les Lieder Zueignung op. 10 Morgen sont très souvent chantées, et appréciées. On en connait environ 200 enregistrements pour chacune d'elles

Les Quatre derniers lieder (Vier letzte Lieder) pour soprano et orchestre (1948).

Le Soir (Der Abend)

A l'arbre Daphné (An den Baum Daphne)

Motets allemands (Deutsche Motette)

La Déesse dans le cabinet de toilette (Die Göttin im Putzzimmer)

Chœurs d'hommes (Männerchöre)

" La symphonie Jupiter de Wolfgang Amadeus Mozart est l'œuvre la plus belle que j'aie écoutée. "

" Je ne vois pas pourquoi je n'écrirais pas une symphonie sur moi-même. Je me trouve aussi intéressant que Napoléon ou Alexandre le Grand. "

" Dans la musique, il y a beaucoup de fous qui ne le sont que dans leur imagination, et moi, je n'admire que les fous authentiques. "

En 2014, à l'occasion du 150 e anniversaire de la naissance du compositeur, la Mélodie du clair de lune, extraite de l'opéra est interprétée au concert du nouvel an à Vienne, sous la direction de Daniel Barenboim. C'est la seule fois où une œuvre de Richard Strauss est entendue lors de ce traditionnel concert.

Notes et références

1. Blaise de Chabalier, " Richard Strauss, ombre et lumière ", Le Figaro, encart " Culture ", mercredi 11 juin 2014, p. 36.

2. Albrecht Dümling, " Propagandaminister Joseph Goebbels und die Aufgaben der Reichskulturkammer im Dritten Reich ", Neue Musikzeitung, 56. Jahrgang, mars 2007, pp. 4-5.

3. " Glauben Sie, daß Mozart bewusst "arisch" komponiert hat? ", Marion Sonnenfeld, The World of Yesterday's Humanity Today, State University of New York Press, 1983, p. 221.

4. " Richard Strauss, Quatre derniers Lieder, des chants d'adieu ", sur France Musique, (consulté le )

Sur les autres projets Wikimedia :

Les ouvrages en français de qualité scientifique sont quasi inexistants, à quelques exceptions près. Figurent ci-dessous les ouvrages francophones qui complètent un choix très lacunaire.

Adorno, Theodor W., " Richard Strauss : Zum 60. Geburtstag : 11. Juni 1924 ", Gesammelte Schriften 18, Frankfurt am Main, Suhrkamp, 1984, p. 254-262.

Zweig, Stefan, Le monde d'hier (Die Welt von gestern) : souvenirs d'un européen. Trad. S. Niémetz. Paris, Libraire générale française, 1996. Récit d'une vie qui débuta dans un monde qui n'existe plus au moment où Zweig rédige l'ouvrage. Quelques paragraphes reviennent sur la polémique que provoqua la création de La Femme silencieuse en 1935.

Mann, Klaus, Le tournant : histoire d'une vie (Der Wendepunkt, ein Lebensbericht). Trad. N. Roche. Arles, Actes Sud, 2008. Récit d'une vie, réflexions sur les origines et le cours de l'histoire, depuis les ancêtres de Lübeck jusqu'aux années de guerre. Klaus Mann rend visite à Richard Strauss quelques mois avant la mort du compositeur en se faisant passer pour un journaliste américain.

Strauss, Richard, Betrachtungen und Erinnerungen. Recueil d'articles et témoignages rassemblés et édités par W. Schuh. Zürich, Atlantis, 2e éd., 1957. 1e éd. : 1949. Le recueil a été en partie traduit en français (Anecdotes et souvenirs, trad. P. Meylan et J. Schneider, Lausanne, Ed. du Cervin, 1951). La deuxième édition allemande comporte de nombreux ajouts de textes des années 1930 et 1940.

Strauss, Richard, Hofmannsthal, Hugo von, Briefwechsel. Ed. W. Schuh. Zürich, Atlantis, 5e éd. 1978. 1e éd. : 1952. Trad. fr. : Correspondance 1900-1929. Trad. B. Banoun. Paris, Fayard, 1992.

Strauss, Richard, Zweig, Stefan, Briefwechsel. Ed. W. Schuh. Frankfurt a. M., S. Fischer Verlag, 1957. Trad. fr. : Correspondance 1931-1936. Trad. et éd. B. Banoun et N. Casanova. Paris, Flammarion, coll. Harmoniques, 1994.

Gould, Glenn, " Une certaine idée de Richard Strauss ", in Écrits I : Le dernier puritain, trad. et éd. B. Monsaingeon, Paris, Fayard, 1983, p. 177-187. Article paru dans le High Fidelity Magazine en .

Del Mar, Norman, Richard Strauss : A Critical Commentary on His Life and Works. London, Barrie and Rockliff, 1962-1972, 3 vol.

Adorno, Theodor W., Theodor W., " Richard Strauss : Zum hundertsten Geburtstag : 11. Juni 1964 ", Gesammelte Schriften 16, Frankfurt am Main, Suhrkamp, 1978, p. 565-606.

Gould, Glenn, " Strauss et l'avenir électronique ", in Contrepoint à la ligne, Ecrits II, trad. et éd. B. Monsaingeon, Paris, Fayard, 1985, p. 367-368. Article paru dans le Saturday Review du .

Mann, William, Richard Strauss : A Critical Study of the Operas, London, Cassel, 1964.

Strauss, Richard, Mahler, Gustav, Briefwechsel. Ed. H. Blaukopf. München/Zurich, Piper, 2e éd., 1988. 1e éd. : 1980. Trad. fr. : Correspondance 1888-1911. Trad. M. Kaltenecker. Arles, éd. Bernard Coutaz, 1989.

Gilliam, Bryan, The life of Richard Strauss. Cambridge University Press, 1999.

Banoun, Bernard, L'opéra selon Richard Strauss : un théâtre et son temps. Paris, Fayard, 2000.

Kennedy, Michael, Richard Strauss : l'homme, le musicien, l'énigme. Trad. de l'anglais par O. Demange. Paris, Fayard, 2001.

Schneider, Mathieu, Destins croisés : Du rapport entre musique et littérature dans les œuvres symphoniques de Gustav Mahler et Richard Strauss, Waldkirch, Gorz, 2005.

Goléa, Antoine, Richard Strauss, Flammarion, 1965.

Tubeuf, André, Richard Strauss, Albin Michel, 1980.

Youmans, Charles, Richard Strauss's Orchestral Music and the German Intellectual Tradition : The Philosophical Roots of Musical Modernism, Indiana University Press, 2005.

Parmi les ouvrages écrits originellement en français, on citera le suivant :

Jameux, Dominique, Richard Strauss. Paris, Hachette, coll. Pluriel, 1986.

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Œuvres principales Richard Georg Strauss, né le à Munich et mort le à Garmisch-Partenkirchen, est un compositeur et chef d'orchestre allemand. Richard Strauss est surtout un spécialiste et connaisseur hors pair de l'orchestre ; ses quelques œuvres pour formation de chambre sont peu jouées, à part les mélodies pour piano et chant, poèmes symphoniques et opéras formant le cœur de son œuvre.

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Philosophe.

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15 meilleurs films se déroulant à la préhistoire.

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15 meilleurs films se déroulant à la préhistoire.

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Top 15 des meilleurs films se déroulant pendant la Préhistoire

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Quels sont les meilleurs films qui se déroulent pendant la Préhistoire ? La Préhistoire se définit globalement comme la période située entre l'apparition de l'être...

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Jean-Jacques Annaud

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Les quatre barbus

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Chansons Contre la Guerre - L'Homme de Cro-Magnon

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video

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Partition

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Savoir ce qui est souligné ;-)

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Cours préhistoire

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Echanger, partager, argumenter et débattre

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instrument fictif

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1 hommes préhistoriques   instrument à vent fictif

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Apporté par un élève

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Je développe mon vocabulaire musical et mes capacités d'écoute

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Développer des savoir-faire

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La musique, ça sert à quoi ?

La fonction de divertissement reste dans le domaine de la musique une conception occidentale récente.

Pour les hommes préhistorique, à l’instar de nombreuses cultures contemporaines la musique a bien d’autres fonctions.

Elle peut servir à communiquer avec l’au delà. Elle peut servir à la magie, à communiquer avec des esprits ou pour des rituels de passage.

Dans de nombreuses cultures elle favorise la transe du chaman.

Si elle festive, comme pour des mariages par exemple,  elle ne perd pas son caractère symbolique et son rôle fédérateur.

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Alors ? Il y avait des dinosaures à la préhistoire ou non ?

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Des chercheurs font sonner une corne âgée de 18 000 ans

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Des chercheurs font sonner une corne âgée de 18 000 ans

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Et si un coquillage retrouvé dans une grotte du Paléolithique n'était pas un récipient pour boire, mais un instrument de musique ? Les chercheurs de l'Université de Toulouse ont ainsi redonné un second souffle à une corne préhistorique.

Des chercheurs font sonner une corne en coquillage vieille de 18 000 ans. Museum d'histoire naturelle de Toulouse., © C. Fritz

Un do, un ré, un do dièse, trois notes qui sont celles d'une corne en coquillage vieille de 18 000 ans, que des archéologues ont trouvé dans la grotte de Marsoulas, au pied des Pyrénées françaises, en 1931. Au cœur de cette grotte décorée de peintures rupestres, de fresques où se suivent bisons, chevaux et humains, l'équipe de chercheurs tombent alors sur un gros coquillage beige décoré de points rouges, une coquille de 31 centimètres de long.

Un coquillage délibérément transformé

A l'époque, les archéologues ont supputé que l'objet n'était rien d'autre qu'un récipient à boire. La coquille a dormi paisiblement pendant près de 90 ans au Museum d'histoire naturelle de Toulouse, jusqu'à ce qu'en 2016, un groupe de chercheurs de l'Université de Toulouse décide d'examiner minutieusement le coquillage de Charonia. C'est comme ça qu'il a été baptisé, à cause de l'escargot de mer Charonia Lampa, qui vit encore aujourd'hui dans le golfe de Gascogne. A force de scanners, d'imagerie 3D et grâce à l'introduction d'une minuscule caméra à l'intérieur du coquillage, les chercheurs ont conclu que la coquille avait été délibérément ébréchée, perforée et lissée par endroit pour être transformée en instrument à vent.

Un véritable trésor

C'est donc un exemplaire rarissime de corne de coquillage de la fin de la période paléolithique qui a été retrouvé dans la grotte de Marsoulas en 1931. Un tel exemplaire d'instrument de musique est particulièrement précieux pour la recherche car il aide à brosser un tableau de la façon dont vivaient les habitants des cavernes, les hommes du Magdalénien plus précisément, car il est difficile d'étudier l'art rupestre sans contexte culturel. Le plus vieil instrument à vent actuellement connu est une flûte en os de vautour datée de 40 000 ans. Mais jusqu'à ce jour, aucune conque musicale datant de la période paléolithique n'avait encore jamais été retrouvée en Europe.

Un instrument de cérémonie

Les chercheurs toulousains ont récemment expliqué que cette coquille aurait pu être jouée lors de cérémonies ou utilisée pour convoquer des rassemblements. L'acoustique dans les grottes avait tendance à nettement amplifier le son. Jouer de ce coquillage dans une caverne devait être sonore et assez impressionnant.

L'équipe a reproduit une copie conforme de la coquille grâce à l'impression 3D pour pouvoir l'étudier plus précisément, sans abîmer l'original. Un corniste professionnel a tiré trois notes de l'instrument, trois notes qui ont demandé un sacré souffle!
La copie permettra désormais de poursuivre l'exploration de toutes les possibilités sonores de l'instrument et, pourquoi pas, d'aller le faire sonner à nouveau dans la grotte où il a été retrouvé.

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Des chercheurs font sonner une corne en coquillage vieille de 18 000 ans

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Et si un coquillage retrouvé dans une grotte du Paléolithique n'était pas un récipient pour boire, mais un instrument de musique ? Les chercheurs de l'Université de Toulouse ont ainsi redonné un second souffle à une corne préhistorique.

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A quoi ressemblait la musique préhistorique ?`

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Pendant 90 ans, les chercheurs pensaient qu'il s'agissait d'une gourde. C'est en réalité un instrument de musique vieux de 18 000 ans, dont on a reconstitué quelques notes. Voici à quoi ressemblait la musique de nos ancêtres.

Ce coquillage est découvert en 1931, dans la grotte pyrénéenne de Marsoulas. Il attire l'attention, par sa taille de 30 cm de long, 20 cm de large, par son emplacement à 200 km de la mer, par son ornement.

Au début du siècle, on connaît peu de choses des pratiques des Hommes du Magdalénien, le coquillage est perçu comme un objet pour boire, une gourde ou une tasse, jusqu'à aujourd'hui.

Pour en savoir plus sur la façon dont vivaient nos ancêtres, des chercheurs réexaminent les objets découverts lors de fouilles anciennes. En sortant le coquillage de sa collection, ils sont stupéfaits par le son qu'il produit et analysent le cône en laboratoire.

On a vu très rapidement qu'il avait été aménagé, au niveau de l'apex, donc au niveau de la partie pointue de la coquille, où la coquille a été cassée, percutée pour enlever le bout pointu. Et après sur le bord extérieur du coquillage, pour régulariser ce bord. Et on a vu aussi qu'il avait été aménagé à l'intérieur au niveau des spires où il y a deux perforations.
Carole Fritz, archéologue

Ces modifications sur le coquillage permettent en soufflant dedans de jouer de la musique. Voici le son produit par l'Homme il y a 18 000 ans et reconstitué par un joueur de cor.

D'autres instruments découverts par les archéologues sont encore plus anciens. Comme des flûtes découvertes en Allemagne et qui ont été taillées en os de vautour il y a 40 000 ans, et une autre vieille de 35 000 ans, découverte au Pays basque.

La musique, comme la peinture, faisait donc partie de la vie de nos ancêtres. Deux pratiques intimement liées comme le montre ce coquillage. Il est décoré des mêmes ronds de peinture faits au doigt trouvés dans la grotte de Marsoulas. Reste à découvrir quelle en était la signification...

On sait que ce ne sont pas des pratiques artistiques de l'art pour l'art. Ce sont des pratiques qui sont liées à ce que nous on appellerait une religion. Ce sont des pratiques qui sont liées à des mythes, il n'existe pas de société sans écriture, sans mythe. Alors après qu'il y ait des rituels, des pratiques on va dire musicales avec du son devant ces parois, pourquoi pas. Carole Fritz, archéologue

Les flûtes, les conques comme ce coquillage sont deux types d'instruments qui sont parvenus jusqu'à nous, mais il y en avait probablement d'autres .

Certainement d'autres instruments qui n'ont pas laissé de trace, vu que la matière organique ne se conserve pas. Il pouvait très bien y avoir des tambours en peau d'animal qu'on n'a plus aujourd'hui. Carole Fritz, Archéologue

En plus de ces instruments dont il ne reste rien, on peut facilement imaginer une pratique du chant et pourquoi pas de la danse, comme le laisse supposer certaines peintures pariétales.

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C'est une (re)découverte qui a bousculé notre perception de l'homme de Cro-Magnon. Un coquillage extrait de la grotte de Marsoulas au début du XXe siècle et qui dormait dans les réserves d'un musée a révélé sa vraie nature : la musique.

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FOLI   (there is no movement without rhythm) Educational documentary on rhythm

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Aux origines de la musique, Asie, Afrique ...

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Aux origines de la musique, Asie, Afrique ...

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Aux origines de la musique - Afrique, Asie (VF)

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LES HOMMES PREHISTORIQUES - C'est Pas Sorcier

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Frise chronologique. Un parcours de la Préhistoire aux Temps modernes Ce parcours couvre environ ans depuis le Paléolithique ancien

Voici un document sur la Préhistoire destiné à mes CE et CE. Pour les CE, il s'agit surtout de retracer les grandes périodes historiques, Laurence Elia La préhistoire est une période extrêmement longue qui débute il y a environ millions d'années avec l'apparition de l'homme. C'est une période au cours de LA CHRONOLOGIE DE LA PREHISTOIRE . Acheuléen. Acheuléen. Moustérien. Aurignacien. Aurignacien. Magdalénien. Magdalénien. Paléolithique anc.Edition , Frise chronologique Cycle éd. De la préhistoire à nos jours, Caroline BoschGregut, Laurent Bosch, Hatier. Des milliers de livres avec la Vous trouverez en bas de cet article une frise de la préhistoire Elle tient sur pages A en format portrait soit une longueur totale de m

La préhistoire est la période entre l'apparition de l'humanité et l'apparition de l' écriture. Elle se décompose Une frise chronologique des grandes périodes de l'histoire, avec de nombreuses Frise chronologique histoire et archéologie. De le préhistoire à nos jours.

Une frise chronologique ou ligne du temps est une représentation linéaire d' évènements la de l'apparition de l'humanité, il y a environ à millions d'années, à l'apparition de l'écriture en ; l'Antiquité de l'apparition de

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Pendant 90 ans, les chercheurs pensaient qu'il s'agissait d'une gourde. C'est en réalité un instrument de musique vieux de 18 000 ans, dont on a reconstitué quelques notes. Voici à quoi ressemblait la musique de nos ancêtres.

Ce coquillage est découvert en 1931, dans la grotte pyrénéenne de Marsoulas. Il attire l'attention, par sa taille de 30 cm de long, 20 cm de large, par son emplacement à 200 km de la mer, par son ornement.

Au début du siècle, on connaît peu de choses des pratiques des Hommes du Magdalénien, le coquillage est perçu comme un objet pour boire, une gourde ou une tasse, jusqu'à aujourd'hui.

Pour en savoir plus sur la façon dont vivaient nos ancêtres, des chercheurs réexaminent les objets découverts lors de fouilles anciennes. En sortant le coquillage de sa collection, ils sont stupéfaits par le son qu'il produit et analysent le cône en laboratoire.

On a vu très rapidement qu'il avait été aménagé, au niveau de l'apex, donc au niveau de la partie pointue de la coquille, où la coquille a été cassée, percutée pour enlever le bout pointu. Et après sur le bord extérieur du coquillage, pour régulariser ce bord. Et on a vu aussi qu'il avait été aménagé à l'intérieur au niveau des spires où il y a deux perforations.
Carole Fritz, archéologue

Ces modifications sur le coquillage permettent en soufflant dedans de jouer de la musique. Voici le son produit par l'Homme il y a 18 000 ans et reconstitué par un joueur de cor.

D'autres instruments découverts par les archéologues sont encore plus anciens. Comme des flûtes découvertes en Allemagne et qui ont été taillées en os de vautour il y a 40 000 ans, et une autre vieille de 35 000 ans, découverte au Pays basque.

La musique, comme la peinture, faisait donc partie de la vie de nos ancêtres. Deux pratiques intimement liées comme le montre ce coquillage. Il est décoré des mêmes ronds de peinture faits au doigt trouvés dans la grotte de Marsoulas. Reste à découvrir quelle en était la signification...

On sait que ce ne sont pas des pratiques artistiques de l'art pour l'art. Ce sont des pratiques qui sont liées à ce que nous on appellerait une religion. Ce sont des pratiques qui sont liées à des mythes, il n'existe pas de société sans écriture, sans mythe. Alors après qu'il y ait des rituels, des pratiques on va dire musicales avec du son devant ces parois, pourquoi pas. Carole Fritz, archéologue

Les flûtes, les conques comme ce coquillage sont deux types d'instruments qui sont parvenus jusqu'à nous, mais il y en avait probablement d'autres .

Certainement d'autres instruments qui n'ont pas laissé de trace, vu que la matière organique ne se conserve pas. Il pouvait très bien y avoir des tambours en peau d'animal qu'on n'a plus aujourd'hui. Carole Fritz, Archéologue

En plus de ces instruments dont il ne reste rien, on peut facilement imaginer une pratique du chant et pourquoi pas de la danse, comme le laisse supposer certaines peintures pariétales.

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C'est une (re)découverte qui a bousculé notre perception de l'homme de Cro-Magnon. Un coquillage extrait de la grotte de Marsoulas au début du XXe siècle et qui dormait dans les réserves d'un musée a révélé sa vraie nature : la musique.

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Pendant 90 ans, les chercheurs pensaient qu'il s'agissait d'une gourde. C'est en réalité un instrument de musique vieux de 18 000 ans, dont on a reconstitué quelques notes. Voici à quoi ressemblait la musique de nos ancêtres.

Ce coquillage est découvert en 1931, dans la grotte pyrénéenne de Marsoulas. Il attire l'attention, par sa taille de 30 cm de long, 20 cm de large, par son emplacement à 200 km de la mer, par son ornement.

Au début du siècle, on connaît peu de choses des pratiques des Hommes du Magdalénien, le coquillage est perçu comme un objet pour boire, une gourde ou une tasse, jusqu'à aujourd'hui.

Pour en savoir plus sur la façon dont vivaient nos ancêtres, des chercheurs réexaminent les objets découverts lors de fouilles anciennes. En sortant le coquillage de sa collection, ils sont stupéfaits par le son qu'il produit et analysent le cône en laboratoire.

On a vu très rapidement qu'il avait été aménagé, au niveau de l'apex, donc au niveau de la partie pointue de la coquille, où la coquille a été cassée, percutée pour enlever le bout pointu. Et après sur le bord extérieur du coquillage, pour régulariser ce bord. Et on a vu aussi qu'il avait été aménagé à l'intérieur au niveau des spires où il y a deux perforations.
Carole Fritz, archéologue

Ces modifications sur le coquillage permettent en soufflant dedans de jouer de la musique. Voici le son produit par l'Homme il y a 18 000 ans et reconstitué par un joueur de cor.

D'autres instruments découverts par les archéologues sont encore plus anciens. Comme des flûtes découvertes en Allemagne et qui ont été taillées en os de vautour il y a 40 000 ans, et une autre vieille de 35 000 ans, découverte au Pays basque.

La musique, comme la peinture, faisait donc partie de la vie de nos ancêtres. Deux pratiques intimement liées comme le montre ce coquillage. Il est décoré des mêmes ronds de peinture faits au doigt trouvés dans la grotte de Marsoulas. Reste à découvrir quelle en était la signification...

On sait que ce ne sont pas des pratiques artistiques de l'art pour l'art. Ce sont des pratiques qui sont liées à ce que nous on appellerait une religion. Ce sont des pratiques qui sont liées à des mythes, il n'existe pas de société sans écriture, sans mythe. Alors après qu'il y ait des rituels, des pratiques on va dire musicales avec du son devant ces parois, pourquoi pas. Carole Fritz, archéologue

Les flûtes, les conques comme ce coquillage sont deux types d'instruments qui sont parvenus jusqu'à nous, mais il y en avait probablement d'autres .

Certainement d'autres instruments qui n'ont pas laissé de trace, vu que la matière organique ne se conserve pas. Il pouvait très bien y avoir des tambours en peau d'animal qu'on n'a plus aujourd'hui. Carole Fritz, Archéologue

En plus de ces instruments dont il ne reste rien, on peut facilement imaginer une pratique du chant et pourquoi pas de la danse, comme le laisse supposer certaines peintures pariétales.

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C'est une (re)découverte qui a bousculé notre perception de l'homme de Cro-Magnon. Un coquillage extrait de la grotte de Marsoulas au début du XXe siècle et qui dormait dans les réserves d'un musée a révélé sa vraie nature : la musique.