# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les deux chaumières étaient côte à côte, au pied d'une colline, proches d'une petite ville de bains. Les deux paysans besognaient dur sur la terre inféconde pour élever tous leurs petits. Chaque ménage en avait quatre. Devant les deux portes voisines, toute la marmaille grouillait du matin au soir. Les deux aînés avaient six ans et les deux cadets quinze mois environ ; les mariages, et, ensuite, les naissances, s'étaient produites à peu près simultanément dans l'une et l'autre maison.

Les deux mères distinguaient à peine leurs produits dans le tas ; et les deux pères confondaient tout à fait. Les huit noms dansaient dans leur tête, se mêlaient sans cesse ; et, quand il fallait en appeler un, les hommes souvent en criaient trois avant d'arriver au véritable.

La première des deux demeures, en venant de la station d'eaux de Rolleport, était occupée par les Tuvache, qui avaient trois filles et un garçon ; l'autre masure abritait les Vallin, qui avaient une fille et trois garçons.

Tout cela vivait péniblement de soupe, de pommes de terre et de grand air. À sept heures, le matin, puis à midi, puis à six heures, le soir, les ménagères réunissaient leurs mioches pour donner la pâtée, comme des gardeurs d'oies assemblent leurs bêtes. Les enfants étaient assis, par rang d'âge, devant la table en bois, vernie par cinquante ans d'usage. Le dernier moutard avait à peine la bouche au niveau de la planche. On posait devant eux l'assiette creuse pleine de pain molli dans l'eau où avaient cuit les pommes de terre, un demi-chou et trois oignons ; et toute la ligne mangeait jusqu'à plus faim. La mère empâtait elle-même le petit. Un peu de viande au pot-au-feu, le dimanche, était une fête pour tous ; et le père, ce jour-là, s'attardait au repas en répétant : " Je m'y ferais bien tous les jours. "

Par un après-midi du mois d'août, une légère voiture s'arrêta brusquement devant les deux chaumières, et une jeune femme, qui conduisait elle-même, dit au monsieur assis à côté d'elle :

- Oh ! regarde, Henri, ce tas d'enfants ! Sont-ils jolis, comme ça, à grouiller dans la poussière !

L'homme ne répondit rien, accoutumé à ces admirations qui étaient une douleur et presque un reproche pour lui.

- Il faut que je les embrasse ! Oh ! comme je voudrais en avoir un, celui-là, le tout petit.

Et, sautant de la voiture, elle courut aux enfants, prit un des deux derniers, celui des Tuvache, et, l'enlevant dans ses bras, elle le baisa passionnément sur ses joues sales, sur ses cheveux blonds frisés et pommadés de terre, sur ses menottes qu'il agitait pour se débarrasser des caresses ennuyeuses.

Puis elle remonta dans sa voiture et partit au grand trot. Mais elle revint la semaine suivante, s'assit elle-même par terre, prit le moutard dans ses bras, le bourra de gâteaux, donna des bonbons à tous les autres ; et joua avec eux comme une gamine, tandis que son mari attendait patiemment dans sa frêle voiture.

Elle revint encore, fit connaissance avec les parents, reparut tous les jours, les poches pleines de friandises et de sous.

Elle s'appelait Mme Henri d'Hubières.

Un matin, en arrivant, son mari descendit avec elle ; et, sans s'arrêter aux mioches, qui la connaissaient bien maintenant, elle pénétra dans la demeure des paysans.

Ils étaient là, en train de fendre du bois pour la soupe ; ils se redressèrent tout surpris, donnèrent des chaises et attendirent. Alors la jeune femme, d'une voix entrecoupée, tremblante, commença :

- Mes braves gens, je viens vous trouver parce que je voudrais bien... je voudrais bien emmener avec moi votre... votre petit garçon...

Les campagnards, stupéfaits et sans idée, ne répondirent pas.

Elle reprit haleine et continua.

- Nous n'avons pas d'enfants ; nous sommes seuls, mon mari et moi... Nous le garderions... voulez-vous ?

La paysanne commençait à comprendre. Elle demanda :

- Vous voulez nous prend'e Charlot ? Ah ben non, pour sûr.

Alors M. d'Hubières intervint :

- Ma femme s'est mal expliquée. Nous voulons l'adopter, mais il reviendra vous voir. S'il tourne bien, comme tout porte à le croire, il sera notre héritier. Si nous avions, par hasard, des enfants, il partagerait également avec eux. Mais s'il ne répondait pas à nos soins, nous lui donnerions, à sa majorité, une somme de vingt mille francs, qui sera immédiatement déposée en son nom chez un notaire. Et, comme on a aussi pensé à vous, on vous servira jusqu'à votre mort une rente de cent francs par mois. Avez-vous bien compris ?

La fermière s'était levée, toute furieuse.

- Vous voulez que j'vous vendions Charlot ? Ah ! mais non ; c'est pas des choses qu'on d'mande à une mère, ça ! Ah ! mais non ! Ce s'rait abomination.

L'homme ne disait rien, grave et réfléchi ; mais il approuvait sa femme d'un mouvement continu de la tête.

Mme d'Hubières, éperdue, se mit à pleurer, et, se tournant vers son mari, avec une voix pleine de sanglots, une voix d'enfant dont tous les désirs ordinaires sont satisfaits, elle balbutia :

- Ils ne veulent pas, Henri, ils ne veulent pas !

Alors ils firent une dernière tentative.

- Mais, mes amis, songez à l'avenir de votre enfant, à son bonheur, à...

La paysanne, exaspérée, lui coupa la parole :

- C'est tout vu, c'est tout entendu, c'est tout réfléchi... Allez-vous-en, et pi, que j'vous revoie point par ici. C'est-i permis d'vouloir prendre un éfant comme ça !

Alors, Mme d'Hubières, en sortant, s'avisa qu'ils étaient deux tout petits, et elle demanda à travers ses larmes, avec une ténacité de femme volontaire et gâtée, qui ne veut jamais attendre :

- Mais l'autre petit n'est pas à vous ?

Le père Tuvache répondit :

- Non, c'est aux voisins ; vous pouvez y aller, si vous voulez.

Et il rentra dans sa maison, où retentissait la voix indignée de sa femme.

Les Vallin étaient à table, en train de manger avec lenteur des tranches de pain qu'ils frottaient parcimonieusement avec un peu de beurre piqué au couteau, dans une assiette entre eux deux.

M. d'Hubières recommença ses propositions, mais avec plus d'insinuations, de précautions oratoires, d'astuce.

Les deux ruraux hochaient la tête en signe de refus ; mais quand ils apprirent qu'ils auraient cent francs par mois, ils se considérèrent, se consultant de l'œil, très ébranlés.

Ils gardèrent longtemps le silence, torturés, hésitants. La femme enfin demanda :

- Qué qu't'en dis, l'homme ?

Il prononça d'un ton sentencieux :

- J'dis qu'c'est point méprisable.

Alors Mme d'Hubières, qui tremblait d'angoisse, leur parla de l'avenir du petit, de son bonheur, et de tout l'argent qu'il pourrait leur donner plus tard.

- C'te rente de douze cents francs, ce s'ra promis d'vant l'notaire ?

- Mais certainement, dès demain.

La fermière, qui méditait, reprit :

- Cent francs par mois, c'est point suffisant pour nous priver du p'tit ; ça travaillera dans quéqu'z'ans c't'éfant ; i nous faut cent vingt francs.

Mme d'Hubières, trépignant d'impatience, les accorda tout de suite ; et, comme elle voulait enlever l'enfant, elle donna cent francs en cadeau pendant que son mari faisait un écrit. Le maire et un voisin, appelés aussitôt, servirent de témoins complaisants.

Et la jeune femme, radieuse, emporta le marmot hurlant, comme on emporte un bibelot désiré d'un magasin.

Les Tuvache, sur leur porte, le regardaient partir, muets, sévères, regrettant peut-être leur refus.

On n'entendit plus du tout parler du petit Jean Vallin. Les parents, chaque mois, allaient toucher leurs cent vingt francs chez le notaire ; et ils étaient fâchés avec leurs voisins parce que la mère Tuvache les agonisait d'ignominies, répétant sans cesse de porte en porte qu'il fallait être dénaturé pour vendre son enfant, que c'était une horreur, une saleté, une corromperie.

Et parfois elle prenait en ses bras son Charlot avec ostentation, lui criant, comme s'il eût compris :

- J't'ai pas vendu, mé, j't'ai pas vendu, mon p'tiot. J'vends pas m's éfants, mé. J'sieus pas riche, mais vends pas m's éfants.

Et, pendant des années et encore des années, ce fut ainsi chaque jour ; chaque jour des allusions grossières qui étaient vociférées devant la porte, de façon à entrer dans la maison voisine. La mère Tuvache avait fini par se croire supérieure à toute la contrée parce qu'elle n'avait pas vendu Charlot. Et ceux qui parlaient d'elle disaient :

- J'sais ben que c'était engageant, c'est égal, elle s'a conduite comme une bonne mère.

On la citait ; et Charlot, qui prenait dix-huit ans, élevé dans cette idée qu'on lui répétait sans répit, se jugeait lui-même supérieur à ses camarades, parce qu'on ne l'avait pas vendu.

Les Vallin vivotaient à leur aise, grâce à la pension. La fureur inapaisable des Tuvache, restés misérables, venait de là.

Leur fils aîné partit au service. Le second mourut ; Charlot resta seul à peiner avec le vieux père pour nourrir la mère et deux autres sœurs cadettes qu'il avait.

Il prenait vingt et un ans, quand, un matin, une brillante voiture s'arrêta devant les deux chaumières. Un jeune monsieur, avec une chaîne de montre en or, descendit, donnant la main à une vieille dame en cheveux blancs. La vieille dame lui dit :

- C'est là, mon enfant, à la seconde maison.

Et il entra comme chez lui dans la masure des Vallin.

La vieille mère lavait ses tabliers ; le père, infirme, sommeillait près de l'âtre. Tous deux levèrent la tête, et le jeune homme dit :

- Bonjour, papa ; bonjour, maman.

Ils se dressèrent, effarés. La paysanne laissa tomber d'émoi son savon dans son eau et balbutia :

- C'est-i té, m'n éfant ? C'est-i té, m'n éfant ?

Il la prit dans ses bras et l'embrassa, en répétant : " Bonjour, maman. " Tandis que le vieux, tout tremblant, disait, de son ton calme qu'il ne perdait jamais : " Te v'là-t'il revenu, Jean ? " Comme s'il l'avait vu un mois auparavant.

Et, quand ils se furent reconnus, les parents voulurent tout de suite sortir le fieu dans le pays pour le montrer. On le conduisit chez le maire, chez l'adjoint, chez le curé, chez l'instituteur.

Charlot, debout sur le seuil de sa chaumière, le regardait passer.

Le soir, au souper, il dit aux vieux :

- Faut-il qu'vous ayez été sots pour laisser prendre le p'tit aux Vallin !

Sa mère répondit obstinément :

- J'voulions point vendre not' éfant !

Le père ne disait rien.

- C'est-il pas malheureux d'être sacrifié comme ça !

Alors le père Tuvache articula d'un ton coléreux :

- Vas-tu pas nous r'procher d' t'avoir gardé ?

Et le jeune homme, brutalement :

- Oui, j'vous le r'proche, que vous n'êtes que des niants. Des parents comme vous, ça fait l'malheur des éfants. Qu'vous mériteriez que j'vous quitte.

La bonne femme pleurait dans son assiette. Elle gémit tout en avalant des cuillerées de soupe dont elle répandait la moitié :

- Tuez-vous donc pour élever d's éfants !

Alors le gars, rudement :

- J'aimerais mieux n'être point né que d'être c'que j'suis. Quand j'ai vu l'autre, tantôt, mon sang n'a fait qu'un tour. Je m'suis dit : " V'là c'que j'serais maintenant ! "

- Tenez, j'sens bien que je ferai mieux de n'pas rester ici, parce que j'vous le reprocherais du matin au soir, et que j'vous ferais une vie d'misère. Ça, voyez-vous, j'vous l'pardonnerai jamais !

Les deux vieux se taisaient, atterrés, larmoyants.

- Non, c't'idée-là, ce serait trop dur. J'aime mieux m'en aller chercher ma vie aut'part !

Il ouvrit la porte. Un bruit de voix entra. Les Vallin festoyaient avec l'enfant revenu.

Alors Charlot tapa du pied et, se tournant vers ses parents, cria :

Et il disparut dans la nuit.

# data[].attributes.attachment_link.title
Tout Andy Warhol en 1 oeuvre ! Analyse de la revue DADA

# data[].attributes.attachment_link.description
Quand on parle d’Andy Warhol, on pense pop art, portraits de Marilyn… Neuf Andy vous observent dans son autoportrait : un vrai pro pour se mettre en scène !

# data[].attributes.headline
Découvrir le surréalisme, document pour le cours

# data[].attributes.subject
Découvrir le surréalisme, document pour le cours

# data[].attributes.headline
Rimbaud, article de l'Encyclopédie Larousse

# data[].attributes.subject
Rimbaud, article de l'Encyclopédie Larousse

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Arthur Rimbaud à 17 ans

Poète français (Charleville 1854-Marseille 1891).

Arthur Rimbaud à 17 ans

Adolescent rebelle, poète précoce et génial, Arthur Rimbaud est un phénomène de la littérature. Son abandon de la poésie à l'âge de vingt et un ans, puis sa disparition aux confins de l'Afrique et de l'Asie, ajoutent à l'attrait du personnage qu'il s'est créé et qui obsède l'époque moderne. Véritable " voyant " - suivant le terme qu'il a choisi - il exprime les vertiges de l'hallucination dans une langue audacieuse et pure, et apparaît comme un jalon essentiel entre romantisme et surréalisme.

Famille

Père officier subalterne ; mère d'origine paysanne. Les parents se séparent après la naissance de leur cinquième enfant. Arthur a un frère aîné (1853) et deux sœurs plus jeunes que lui (1858, 1860) - une troisième est morte à l'âge d'un mois (1857).

Un enfant difficile et brillant (1854-1871)

Arthur Rimbaud passe son enfance à Charleville, sous la surveillance d'une mère austère et exigeante. Il effectue de très bonnes études au collège de la ville, tout en se signalant par son goût de la révolte, notamment contre l'ordre social et la religion. L'attention de Georges Izambard, professeur de rhétorique, stimule ses premiers essais poétiques (" les Effarés ", 1870 ; " le Dormeur du val ", id.). Après plusieurs fugues, il renonce à se présenter au baccalauréat. Il aspire à se rendre à Paris pour assister aux suites de la guerre de 1870 et de la Commune, et débuter dans le milieu littéraire.

Les " Vilains bonshommes " (1871-1872)

Fort du contact qu'il a établi avec les poètes Théodore de Banville et Paul Verlaine, Rimbaud arrive dans la capitale (15 septembre 1871). Il y reçoit un accueil favorable et est admis au dîner des " Vilains Bonshommes ", qui regroupe des écrivains et des artistes d'avant-garde. Sa maîtrise impressionne : avec le Bateau ivre (1871), le jeune poète semble déjà dominer l'esthétique de ses modèles. Toutefois sa personnalité provocante choque autour de lui. Il est finalement exclu du cercle et rentre provisoirement dans sa famille (printemps 1872).

Avec Paul Verlaine (1872-1873)

Revenu à Paris, Rimbaud part cette fois pour l'Angleterre puis la Belgique. Verlaine l'accompagne, avec lequel il a noué une liaison amoureuse. La vie vagabonde que mènent les deux hommes est riche d'impressions : Verlaine rassemble la matière de ses futures Romances sans paroles (1874), Rimbaud celle de ses Illuminations (1872-1875 ; publié en 1886). Mais des tensions apparaissent, jusqu'au drame du 10 juillet 1873 : à Bruxelles, Verlaine blesse son ami de deux coups de revolver.

Dernière saison poétique (1873-1875)

Dans la ferme familiale de Roche où il passe sa convalescence, Rimbaud rédige Une saison en enfer (1873), le seul de ses recueils qu'il fera publier. Puis il se rend de nouveau à Londres, et entreprend un voyage à Stuttgart pour apprendre l'allemand. C'est là qu'il revoit Verlaine - entre-temps sorti de prison - et lui remet le manuscrit des Illuminations qu'il vient d'achever (février 1875). En proie à des accès religieux, il gagne l'Italie, avant de rentrer une fois encore à Charleville.

Le trafiquant exotique (1875-1891)

Rimbaud se lance dans la carrière de soldat de l'armée hollandaise à Java (1876) puis dans celle d'employé de commerce à Aden (1880) et à Harar, en Abyssinie (à partir de 1881). L'existence qu'il mène, connue par la correspondance échangée avec sa famille, est hasardeuse. À partir de 1885, il se met à son compte dans un trafic d'armes qui semble prometteur. Une tumeur au genou l'oblige cependant à regagner l'Europe afin de s'y faire soigner : il meurt à Marseille quelques mois après y avoir débarqué.

1. La vie d'Arthur Rimbaud

1.1. Comme " un bateau ivre "

Élevé par une mère autoritaire en l'absence de son père, officier en campagne et qui abandonnera bientôt la famille, Arthur Rimbaud manifeste son génie précoce tout au long de son parcours scolaire, collectionnant les prix d'excellence, notamment pour ses vers latins. En janvier 1870, il se lie d'amitié avec Georges Izambard (1848-1931), son professeur de rhétorique, acquis aux idées révolutionnaires, qui est aussi le lecteur de ses premiers pastiches, les Étrennes des orphelins, parus à la même époque dans la Revue pour tous. En mai, il envoie trois poèmes à Théodore de Banville dans l'espoir qu'ils seront publiés dans le Parnasse contemporain.

Fugues et révoltes

Arthur Rimbaud, le Dormeur du val

Réfractaire à toutes les formes d'autorité, Rimbaud fugue pour la première fois à Paris, en août 1870. Arrêté en gare du Nord sans billet, il est incarcéré à la prison de Mazas, puis renvoyé à Charleville. Les mois suivants, il fait deux autres fugues. C'est à cette époque qu'il écrit les poèmes du vagabondage (" Ma Bohème ", " Au Cabaret vert ", " le Buffet ", " Rêvé pour l'hiver ") et les poèmes ayant trait à la guerre, tel " Le Dormeur du Val ".

Le 13 mai 1871, Rimbaud écrit à Izambard : " C'est faux de dire : Je pense. On devrait dire : On me pense. Pardon du jeu de mots. JE est un autre. " Le poète se fixe donc pour tâche de se connaître en se débarrassant de toutes les conventions, les cultures et les discours qui l'entravent. Deux jours plus tard, dans une lettre connue sous le nom de " Lettre du voyant " (adressée au poète Paul Demeny [1844-1918] rencontré à Douai l'année précédente), il prône " un long, immense et raisonné dérèglement de tous les sens ", ce qui suppose en même temps le choix des sens contre le sens, et une avancée méthodique vers l'inconnu, par-delà les limites de l'esprit, de la morale et du corps humain.

1.2. La relation avec Verlaine

À la fin du mois d'août 1871, à l'instigation de Paul-Auguste Bretagne (1837-1881) - un ami qui connut Verlaine à Fampoux, près d'Arras -, Rimbaud adresse à l'auteur de la Bonne Chanson cinq de ses poèmes (" les Effarés ", " Accroupissements ", " les Douaniers ", " le Cœur volé ", " les Assis "). Verlaine s'enthousiasme pour ces textes et invite le jeune poète à venir dans la capitale. Emportant avec lui sa dernière composition, le Bateau ivre, Rimbaud arrive à Paris en septembre. Il a dix-sept ans à peine. Il s'installe chez les beaux-parents de Verlaine, où il ne tarde pas à faire scandale.

Une liaison tumultueuse

Jef Rosman, Arthur Rimbaud blessé

Entre les deux hommes, c'est le début d'une relation passionnée et orageuse, entrecoupée de nombreuses ruptures, et d'un périple qui les conduit en Belgique, à Londres, à Charleville, à Londres encore, à Roche (près d'Attigny), de nouveau à Londres puis en Belgique. Leur liaison se termine à Bruxelles, le 10 juillet 1873, lorsque Verlaine, ivre et affolé à l'idée que Rimbaud ne le quitte, tire au pistolet sur son ami et le blesse au poignet - geste qui lui vaut de passer deux ans à la prison de Mons.

Sous le choc, Rimbaud achève la même année un récit autobiographique où il exprime ses " délires " : Une saison en enfer, qu'il édite lui-même pour s'en désintéresser aussitôt. Il découvre par ailleurs de nouvelles facultés d'expression, dont témoignent les Illuminations, ensemble de proses et de vers libres écrit entre 1871 et 1875.

1.3. " La vraie vie est ailleurs "

" J'écrivais des silences, des nuits, je notais l'inexprimable. Je fixais des vertiges. " ( Une saison en enfer, Délires II, Alchimie du verbe). À 20 ans, Rimbaud cesse son activité poétique et reprend une existence errante, mais seul cette fois, suivant malgré lui les traces de son père militaire et écrivain à ses heures (son œuvre, entièrement manuscrite, a disparu). Après avoir transgressé dans sa poésie toutes les différences sexuelles, biologiques (enfant/adulte), géographiques (Barbares/Occidentaux), historiques (médiéval/moderne), il s'emploie à traduire en actes sa poésie.

De Londres à Chypre : errances

À partir de 1874 commence une errance qui ne se terminera qu'avec la mort. Celui que Verlaine surnommera " l'homme aux semelles de vent " va d'abord à Londres (1874), en compagnie de Germain Nouveau, puis en Allemagne (1875), pour apprendre l'allemand. Il se rend ensuite en Italie et à Batavia (aujourd'hui Jakarta) [1876] - il y déserte de l'armée coloniale hollandaise, dans laquelle il s'était engagé -, puis à Vienne (1877), en Suède et au Danemark. Il tente de gagner Alexandrie et séjourne à Chypre (1878 et 1879). Après chacun de ces voyages, il revient à Charleville.

Aden, Harar : trafics

Le 7 août 1880, Rimbaud se fixe à Aden, au sud de la péninsule arabique, où il signe un contrat avec une maison qui s'occupe du commerce des peaux. De 1881 à 1890, il est délégué au Harar, où il se fait également explorateur et commerçant d'armes (il conduit notamment une caravane d'armes vendues au roi d'Éthiopie Ménélik II). Durant son séjour, il ne cesse de tenir sa famille au courant de ses activités.

Marseille-Charleville-Marseille : dernier voyage

Le 8 mai 1891, Rimbaud rentre en France pour se faire admettre à l'hôpital de Marseille : il est atteint d'une tumeur cancéreuse à la jambe droite qui nécessite une amputation. Il séjourne dans les Ardennes pour sa convalescence, mais, son état s'aggravant, retourne à Marseille, où il meurt le 10 novembre à l'hôpital de la Conception, au moment où sa poésie commence à être reconnue : en 1886, la Vogue avait publié les Illuminations.

2. L'œuvre de Rimbaud

La destinée d'Arthur Rimbaud forme un volet complet de son œuvre : l'héritage littéraire du poète est indissociable des péripéties de sa vie, cristallisés après sa mort dans un mythe qui hante le xx e siècle. Car les " pouvoirs surnaturels " qu'il revendique (" Adieu ", Une saison en enfer, 1873) font de Rimbaud un témoin et un acteur à travers l'écriture. La révolution poétique qu'il introduit passe par une expérience de l'imaginaire, qui est aussi une aventure humaine sans précédent.

2.1. Le " voyant "

L'enfant halluciné

Arthur Rimbaud, par Paul Verlaine

Enfant précoce et d'une extrême sensibilité, Rimbaud rencontre vite les limites du milieu familial et provincial où il grandit. L'apprentissage scolaire lui laisse entrevoir les ressources de la littérature. Mais sa soif de nouveauté le détourne de la plupart des auteurs étudiés en classe. C'est en lui-même, à l'écart des modèles et des conventions, qu'il mène l'expérience du voyant en quête d'un univers parallèle : " Je dis qu'il faut être voyant, se faire voyant. Le Poète se fait voyant par un long, immense et raisonné dérèglement de tous les sens. Toutes les formes d'amour, de souffrance, de folie ; il cherche lui-même, il épuise en lui tous les poisons, pour n'en garder que les quintessences " (Lettre d'Arthur Rimbaud à Paul Demeny, 15 mai 1871).

Un " Opéra fabuleux "

Le " dérèglement de tous les sens " renvoie aux correspondances baudelairiennes. Le premier, Charles Baudelaire a établi la parenté qui unit les parfums, les couleurs et les sons ; le premier il a su déduire de la magie des sensations une réalité qui est au-delà des choses.

Or Rimbaud entend dépasser ce maître, l'un des seuls parmi les poètes modernes à mériter selon lui le qualificatif de voyant et qu'il regarde comme " un vrai Dieu " (Lettre d'Arthur Rimbaud à Paul Demeny, 15 mai 1871), mais auquel il reproche un certain conservatisme sur le plan de l'expression et de la forme. Le dérèglement des sens aboutit à une fusion entre monde extérieur et monde intérieur, entre imagination et pensée, entre rêve et réalité. Et cette fusion, qui transmue le poète en un " Opéra fabuleux " (" Délires II. Alchimie du verbe ", Une saison en enfer), nécessite une langue nouvelle pour être restituée.

La forme libérée

Après avoir sollicité à ses débuts la protection de Théodore de Banville (1870), Rimbaud s'éloigne de l'orbite du Parnasse. La généralisation du principe des correspondances est acquise dès le sonnet des " Voyelles " (1871), ouvrant la voie au " vers libre " - c'est-à-dire non rimé :
" A noir, E blanc, I rouge, U vert, O bleu : voyelles, /
Je dirai quelque jour vos naissances latentes ".

Les poèmes en prose des Illuminations (1872-1875 ; publié en 1886) constituent l'aboutissement du processus. Déstructurer la phrase, rompre les rythmes accoutumés, inventer des sensations nouvelles en bouleversant les anciennes, faire communiquer les mondes du visible et de l'invisible - en un mot, il s'agit de " trouver une langue ". L'au-delà des choses dessine un absolu où le voyant rejoint le mystique - ce que l'effacement du poète de la scène littéraire semble venir confirmer.

2.2. L'" homme aux semelles de vent "

La vie errante

Verlaine et Rimbaud marchant dans Londres

Le jeune garçon fugueur de Charleville s'est enfui à Paris. Il laisse place à un voyageur sans destination, mais non sans bagages : car la condition du nomade est aussi celle du poète. Le séjour en Belgique et en Angleterre avec Verlaine nourrit l'œuvre des deux hommes et, en ce qui concerne Rimbaud, conforte le détachement visionnaire des Illuminations.

Par contraste, Une saison en enfer exprime le dégoût d'une existence désordonnée : " Moi ! moi qui me suis dit mage ou ange, dispensé de toute morale, je suis rendu au sol, avec un devoir à chercher, et la réalité rugueuse à étreindre ! [...] Enfin, je demanderai pardon pour m'être nourri de mensonge. Et allons. Mais pas une main amie ! et où puiser le secours ? " (" Adieu ").

Mais ce dégoût n'est qu'apparent, car la conception définitive des Illuminations est postérieure. L'histoire littéraire a permis d'établir que Rimbaud dans Une saison en enfer imagine et met en scène son retour parmi les hommes, sans pour autant le vivre.

Adieu à la poésie

Le véritable renoncement survient lorsque le poète exprime le refus suprême, celui de la création littéraire. La fuite de Rimbaud hors de France puis loin d'Europe dessine la conclusion d'un projet artistique, avant une mort prématurée et solitaire. " L'homme aux semelles de vent est décidément lavé. Rien de rien ", écrit Ernest Delahaye, son ancien camarade de l'école de Charleville (Lettre à Paul Verlaine, juillet 1878).

" Je est un autre "

À Georges Izambard, son professeur de rhétorique et qui l'encourageait à écrire tout en lui rappelant la nécessité de la vie sociale, Rimbaud naguère affirmait " Je est un autre " (Lettre à Georges Izambard, 13 mai 1871) : lorsque commencent ses équipées asiatique et africaine, c'est le poète lui-même qui se dérobe, pour devenir un être que même ses proches ne peuvent reconnaître, " quelqu'un qui avait été lui, mais ne l'était plus d'aucune façon " (Stéphane Mallarmé, Lettre à Harrisson Rhodes, avril 1896).

2.3. La légende Rimbaud

Sous le signe du refus

Arthur Rimbaud

Derrière sa présence au monde, difficile et éphémère, c'est le caractère d'Arthur Rimbaud qui fascine. Il est intransigeant et marqué par une tendance à l'opposition.

Opposition à la famille et à l'autorité adulte, dès le début de l'adolescence.

Opposition au pouvoir politique dominant, ainsi lors de la guerre franco-prussienne de 1870 et la Commune (" Paris se repeuple ", 1871).

Opposition à la morale bourgeoise, affirmée au cours de l'épisode amoureux avec Verlaine - " Il dit : "Je n'aime pas les femmes. L'amour est à réinventer, on le sait" " (" Délires I. Vierge folle ", Une saison en enfer).

Opposition même aux rites du milieu littéraire : ainsi Rimbaud est-il expulsé du cercle des " Vilains Bonshommes " qu'il a rejoint à Paris (1871-1872).

Opposition enfin aux traditions artistiques : car l'attention aux " silences " et à l'" inexprimable ", qui lui permet de fixer " des vertiges " inconnus jusqu'à lui, amène Rimbaud à rejeter la leçon de ses prédécesseurs, cette " vieillerie poétique " (Lettre à Paul Demeny, 15 mai 1871).

Une postérité multiple et controversée

L'ambiguïté du personnage achève de le rendre captivant. L'universitaire René Etiemble, auteur d'une thèse soutenue en 1952 sur le Mythe de Rimbaud, relève que " tous les hommes intelligents " ont " exhumé de Rimbaud leurs idées, leur croyance ou leurs goûts " (René Etiemble et Yassu Gaucière, Rimbaud, 1970). De fait, le poète suscite des interprétations passionnées et souvent contradictoires, tant son parcours de météore apparaît à la fois mystérieux et exemplaire.

Touché par la grâce

L'écrivain chrétien Paul Claudel reconnaît un " ange " dans l'écrivain, et dans son œuvre un chemin de piété. À une première période de pure révolte succèderait une seconde - celle du " voyant " - puis une troisième, la dernière, de " mystérieuse douceur " : Rimbaud dans Une saison en enfer aurait accédé à " l'esprit " et au principe de la " rime intérieure " (Paul Claudel, " Préface aux œuvres d'Arthur Rimbaud " [1912], Positions et propositions, 1928).

Précurseur du surréalisme

Loin de Claudel, le poète et critique André Breton déclare Rimbaud " surréaliste dans la pratique de la vie et ailleurs " ( Manifeste du surréalisme, 1924). Selon Breton, l'" autre " (Lettre à Georges Izambard, 13 mai 1871) s'apparente à un double de Rimbaud, qui s'imprègne du réel suivant un processus involontaire ou même inconscient, préfigurant l' écriture automatique.

→ surréalisme.

En menant jusqu'à leurs plus extrêmes conséquences les recherches de la poésie romantique et baudelairienne, Rimbaud n'aura pas seulement bouleversé la nature de la poésie moderne, il aura aussi interverti l'ordre de la création poétique : désormais, la théorie précède l'œuvre, qui trouve son aboutissement, et non sa légitimité, dans la vie.

# data[].attributes.attachment_link.description
Poète français Charleville 1854-Marseille 1891 Adolescent rebelle poète précoce et génial Arthur Rimbaud est un phénomène de la littérature Son abandon de la poésie à l'âge de vingt et un ans puis sa disparition aux confins de l'Afrique et de l'Asie ajoutent à l'attrait du personnage qu'il s'est créé et qui obsède l'époque moderne Véritable voyant suivant...

# data[].attributes.headline
Friedrich, Le Rêveur ou les Ruines d'Oybin en Allemagne, 1835

# data[].attributes.subject
Friedrich, Le Rêveur ou les Ruines d'Oybin en Allemagne, 1835

# data[].attributes.headline
Robert Doisneau, photographies d'écoliers, années 1950

# data[].attributes.subject
Robert Doisneau, photographies d'écoliers, années 1950

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
L'école 1950 par Robert Doisneau

Amies d'enfance

Bolides (1956)

Calcul mental (1956)

Ecoliers sur la route de Wangenbourg Alsace (1945)

Colonie de vacances en Limousin (1949)

Enfant sage en cour de récréation - Paris (1956)

La sonnette (1934)

La baguette parisienne (1953)

La conjugaison (1956)

La Libellule - Paris (1956)

La pendule (1957)

La première maîtresse - Paris (1935)

La ronde Enfants en classe avec la maîtresse (1958)

La sortie des classes (1956)

Le banc - Paris (1950)

L'écolier seul (1956)

Le doigt levé (1956)

Les couloirs de l'école primaire (1956)

Les deux frères (1934)

Les doigts pleins d'encre (1956)

Les écolières de Sondersdorf (1946)

Les écoliers curieux (1953)

Les écoliers de la rue Damesme - Paris (1956)

Les jardins du Champ de Mars (1944)

Les lilas de Ménilmontant (1956)

Les tabliers de la rue de Rivoli (1978)

L'harmonica (1938)

L'information scolaire (1956)

L'irréparable gâchis (1956)

Récréation (1956)

Rue Marcellin Berthelot (1945)

Une salle de classe (1957)

Un petit gang de Paris (1950)

Robert Doisneau (1912 - 1994)

Robert Doisneau, est un photographe humaniste français, né le 14 avril 1912 à Gentilly et mort le 1er avril 1994 à Montrouge.

Il est, aux côtés de Willy Ronis, d'Édouard Boubat, d'Izis, d'Émile Savitry ou d'Albert Monier l'un des principaux représentants du courant de la photographie humaniste française et l'un des photographes les plus populaires du xxe siècle.

Robert Doisneau est né dans le sud de la banlieue parisienne au sein d'une famille bourgeoise. Il étudie les Arts graphiques à l'École Estienne et obtient son diplôme de graveur et de lithographe en 1929.

En octobre 1929, il entre à l'atelier de Léon Ullmann (une des raisons est qu'un élève nommé Quentin Chabrier le harcelait) en tant que dessinateur de lettres. Il y rencontre Lucien Chauffard qui dirige le studio photographique de l'atelier. Celui-ci l'initie à la photographie et l'oriente vers André Vigneau qui, à l'automne 1931, cherchait un assistant et avec lequel il découvre la Nouvelle Objectivité photographique. La même année il rencontre Pierrette Chaumaison avec qui il se marie trois ans plus tard.

En 1932, il vend son premier reportage photographique, qui est diffusé dans l'Excelsior.

En 1934, Lucien Chauffard , le présente au chef du service photo du constructeur automobile Renault à Boulogne-Billancourt qui l'embauche comme photographe industriel, mais, du fait de ses retards successifs (et après avoir, de son propre aveu, tenté de truquer ses cartes de pointage), il se fait renvoyer cinq ans plus tard, en 1939.

Toujours grâce à Lucien Chauffard, Doisneau rencontre peu avant le début de la Seconde Guerre mondiale la photographe Ergy Landau qui le présente à Charles Rado, le fondateur de l'agence Rapho. Son premier reportage, sur le canoë en Dordogne, est interrompu par la déclaration de guerre et la mobilisation générale.

Désormais sans emploi, Doisneau tente de devenir photographe illustrateur indépendant. Il sera un des plus prolifique collaborateurs de la revue artistique et littéraire Le Point fondée en 1936 par Pierre Betz et l'éditeur d'art Pierre Braun, pour laquelle il réalise ses premiers portraits de Picasso, Braque, Paul Léautaud.

Après la Seconde Guerre mondiale, Robert Doisneau devient un photographe indépendant en intégrant officiellement, dès 1946, l'agence Rapho.

Il se met alors à produire et à réaliser de nombreux reportages photographiques sur des sujets très divers : l'actualité parisienne, le Paris populaire, des sujets sur la province ou l'étranger (URSS, États-Unis, Yougoslavie, etc.). Certains de ses reportages paraîtront dans des magazines comme Life, Paris Match, Réalités, Point de vue, Regards, etc.

En 1947, Robert Doisneau rejoint le Groupe des XV aux côtés de René-Jacques, de Willy Ronis, de Pierre Jahan. La même année, il rencontre Robert Giraud, chez l'antiquaire Romi, c'est alors le début d'une longue amitié et d'une fructueuse collaboration. Doisneau publiera une trentaine d'albums dont La Banlieue de Paris (Seghers, 1949), avec des textes de Blaise Cendrars. Il travaillera pour Vogue, de 1948 à 1953 en qualité de collaborateur permanent. Il est aussi ami de Jacques Yonnet et ses photographies illustrent son fameux Enchantements sur Paris (Denoël, 1954) devenu La rue des maléfices.

Le photographe a effectué de nombreuses escapades en Limousin. Durant son enfance en Corrèze, puis lors de séjours à Saint-Céré dans le Lot des années 1930 à 1991.

En passant par le Limousin, Robert Doisneau a saisi avec son Rollefleix des images de la fête de la quintaine de Saint-Léonard en 1951. A Aubusson, il se passionne pour le travail des lissiers. Il exalte la noblesse du travail dans ses clichés des ouvriers porcelainiers des usines Tharaud à Limoges. Il aimait aussi retrouver ses deux complices limousins, le journaliste et écrivain Robert Giraud, et le peintre Jean-Joseph Sanfourche.

Son talent de photographe sera récompensé à diverses reprises : le prix Kodak en 1947, le prix Niépce en 1956. En 1960, Doisneau monte une exposition au Musée d'art contemporain de Chicago. En 1975, il est l'invité d'honneur du festival des Rencontres d'Arles (France). Une exposition lui y est consacrée.

Il recevra d'autres prix pour son travail : le prix du livre des Rencontres d'Arles pour L'Enfant et la Colombe (1979) et pour Trois secondes d'éternité en 1980, chez Contrejour, le Grand Prix national de la photographie en 1983 et le prix Balzac en 1986.

En 1986, le festival des Rencontres d'Arles présente une exposition intitulée De Vogue à Femmes, Robert Doisneau.

En 1992, Doisneau présente une rétrospective au Modern Art Oxford. Ce sera la dernière exposition de ses œuvres organisée de son vivant. En 1994, le festival des Rencontres d'Arles présentait Hommage à Robert Doisneau.

Robert Doisneau est l'un des photographes français les plus connus à l'étranger notamment grâce à des photographies comme Le Baiser de l'hôtel de ville. Ses très nombreuses photographies en noir et blanc des rues de Paris d'après-guerre et de sa banlieue et de photos d'écoliers ont fait sa renommée.

Doisneau est " un passant patient " qui conserve toujours une certaine distance vis-à-vis de ses sujets. Il guette l'anecdote, la petite histoire. Ses photographies sont souvent empreintes d'humour mais également de nostalgie, d'ironie et de tendresse.

Robert Doisneau travaillait sur Paris, ses faubourgs et ses habitants en saisissant chaque instant de leur vie : artisans, bistrots, clochards, gamins des rues, bateleurs, etc. Les amoureux sont notamment représentés dans Amoureux aux oranges, rue Mazarine. Il enregistra pendant près d'un demi-siècle des milliers de portraits du petit peuple de Paris.

Sa femme Pierrette meurt en 1993 alors qu'elle souffre de la maladie de Parkinson et d'Alzheimer.

Robert Doisneau meurt six mois plus tard, à 81 ans, le 1er avril 1994, à Montrouge. Il est enterré à Raizeux près de Rambouillet, aux côtés de sa femme.

Dans les photos de Robert Doisneau
Les Enfantastiques

Les gens les gens, comme les gens sont touchants
En noir et blanc, dans d'éternels instants
Dans les photos de Robert Doisneau
Les amoureux, comme ils ont l'air heureux
Les amoureux, seuls au monde deux par deux
Dans les photos de Robert Doisneau

Paris la belle, ses places et ses ruelles
Sa tour Eiffel, qui chatouille le ciel
Ses boutiques et ses petits bistrots
Gamins coquins qui marchent sur les mains
Les p'tis matins, les soirs quand tout s'éteint
Dans les photos de Robert Doisneau

Les jours de fête, les manèges les guinguettes
Ma'mselle Huguette, Prévert le grand poète

Picasso, Tati et son vélo
Violoncellistes, qui glissent sous la piste
Un trapéziste, et tant d'autres artistes
Dans les photos de Robert Doisneau (3 fois)

La vie la vie, comme elle nous fait envie
La vie la vie, quand elle est poésie
Dans les photos de Robert Doisneau (3 fois)

Image de fond de la page : Les tabliers de la rue de Rivoli (1978)

Copyright © 2001-

# data[].attributes.attachment_link.description
site de Papytane et Mamytane. Notre famille. Nous habitons au Clos de la Vigne à Ozoir-la-Ferrière (77), Pissos (40) et Cabestany (66)

# data[].attributes.headline
présentation d'Alfred de Musset, site BNF

# data[].attributes.subject
présentation d'Alfred de Musset, site BNF

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Alfred de Musset a pratiqué des genres très variés : la poésie ( Les Nuits, Rolla), le théâtre ( Les Caprices de Marianne, Lorenzaccio), la prose ( La Confession d'un enfant du siècle), le proverbe ( Il ne faut jurer de rien, On ne badine pas avec l'amour). Le motif du double imprègne cette œuvre aux thèmes communs : la jeunesse, la trahison ou le mensonge. Musset est à la fois mondain et misanthrope, ses héros sont déchirés entre la pureté et le libertinage. Une soif d'absolu anime ses personnages, mais cette quête d'un idéal impossible conduit inévitablement à la souffrance. Son style brillant et spirituel, parfois ironique, tout en suggestion et ellipse, recouvre une vision lucide, pessimiste et tragique, d'inspiration fortement romantique : l'artiste maudit, l'amour impossible, la fuite du temps, etc.
Poète au lyrisme intense qui ne dédaigne pas d'aller chercher son inspiration dans l'exotisme et le pittoresque, romancier autobiographique, Musset est avant tout homme de théâtre. Il mêle les tons et les registres dramatiques : la légèreté est toujours lestée de gravité, et ses comédies débouchent parfois sur la mort. Mais il s'éloigne de toute "couleur d'époque" pour disséquer les passions dans un cadre presque intemporel. Il donne avec Lorenzaccio, le pur joyau du drame romantique.

# data[].attributes.attachment_link.description
Alfred de Musset Alfred de Musset a pratiqué des genres très variés : la poésie (Les Nuits, Rolla), le théâtre (Les Caprices de Marianne, Lorenzaccio), la prose (La Confession d'un enfant du siècle), le proverbe (Il ne faut jurer de rien, On ne badine pas avec l'amour).

# data[].attributes.headline
Récit radiophonique de l'histoire d'amour entre Musset et Sand, France Inter

# data[].attributes.subject
Récit radiophonique de l'histoire d'amour entre Musset et Sand, France Inter

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Toute sa vie, George Sand aima la compagnie des hommes plus jeunes qu'elle, et c'est sans doute avec Alfred de Musset, de six ans son cadet, qu'elle eût la relation la plus tumultueuse. Il se sont rencontrés lors d'un dîner organisé par le responsable d'une revue littéraire. Aucun coup de foudre ce soir-là. Elle le trouve excessivement snob. Il lui trouve un teint "olivâtre". Mais rapidement, il commenceront à s'échanger des lettres et pendant près de deux ans, en France comme en Italie, la romancière et le poète vont s'aimer passionnément, et se haïr passionnément...

Alfred de Musset et George Sand. © radio-france

# data[].attributes.attachment_link.title
19 juin 1833 : George Sand rencontre Musset... du 19 juin 2014 - France Inter

# data[].attributes.attachment_link.description
Toute sa vie, George Sand aima la compagnie des hommes plus jeunes qu'elle, et c'est sans doute avec Alfred de Musset, de six ans son cadet, qu'elle eût la relation la plus tumultueuse. Il se sont rencontrés lors d'un dîner organisé par le responsable d'une revue littéraire. Aucun coup de foudre ce soir-là.

# data[].attributes.headline
Récit écrit de la passion entre Alfred de Musset et George Sand

# data[].attributes.subject
Récit écrit de la passion entre Alfred de Musset et George Sand

# data[].attributes.headline
Les Caprices de Marianne de Musset, scène entre Coelio et Octave, I, 1, à visionner entre 9 minutes et 14 minutes, texte de l'extrait du manuel p. 202-203

# data[].attributes.subject
Les Caprices de Marianne de Musset, scène entre Coelio et Octave, I, 1, à visionner entre 9 minutes et 14 minutes, texte de l'extrait du manuel p. 202-203

# data[].attributes.attachment_link.title
Musset, Les caprices de Marianne, mise en scène de Lambert Wilson (première partie)

# data[].attributes.headline
Tirade de Perdican, interprétée par Francis Huster, Comédie française, 1978 (début de la tirade à 3min55)

# data[].attributes.subject
Tirade de Perdican, interprétée par Francis Huster, Comédie française, 1978 (début de la tirade à 3min55)

# data[].attributes.headline
Tirade de Perdican (et tirade de Camille), Fièvre Compagnie, 2016 

# data[].attributes.subject
Tirade de Perdican (et tirade de Camille), Fièvre Compagnie, 2016 

# data[].attributes.attachment_link.title
ON NE BADINE PAS AVEC L'AMOUR - COMPAGNIE F.I.E.V.R.E.

# data[].attributes.attachment_link.description
Revisitée par F.I.E.V.R.E., une compagnie formée de jeunes acteurs issus de L’École du TNB, On ne badine pas avec l’amour, la célèbre pièce écrite par Alfred de Musset en 1834, n’a jamais semblé aussi actuelle. Elle nous donne à réentendre ce texte qui n’a rien perdu, ni de sa fraicheur ni de sa fulgurance subversive.

# data[].attributes.headline
"Enivrez-vous" de Baudelaire, dit par Serge Reggiani

# data[].attributes.subject
"Enivrez-vous" de Baudelaire, dit par Serge Reggiani

# data[].attributes.attachment_link.title
Enivrez-vous... de Baudelaire grâce à Serge Reggiani, magistral sommelier

# data[].attributes.attachment_link.description
Regardez Enivrez-vous... de Baudelaire grâce à Serge Reggiani, magistral sommelier - Cecile-Bastia sur Dailymotion

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il existe moins d'une dizaine de photographies représentant Arthur Rimbaud. L'image la plus célèbre est sans aucun doute celle réalisée par Etienne Carjat le représentant à l'âge de 17 ans.

Cette quasi-absence de représentations du poète a paradoxalement contribué à en faire une icône et une source d'inspiration toujours réinterprétée. Après sa mort, de nombreux artistes comme Pablo Picasso, Fernand Léger, Sonia Delaunay, Joan Miro, ou encore Alberto Giacometti, se sont inspirés de la photographie de Carjat pour réaliser leur propre portrait de Rimbaud.

# data[].attributes.attachment_link.description
Ernest Pignon-Ernest, Portrait d'Arthur Rimbaud, 1978, ADAGP, Paris 2019 Portraits Il existe moins d'une dizaine de photographies représentant Arthur Rimbaud. L'image la plus célèbre est sans aucun doute celle réalisée par Etienne Carjat le représentant à l'âge de 17 ans. Cette quasi-absence de représentations du poète a paradoxalement contribué à en faire une icône et ...

# data[].attributes.headline
L'impressionnisme, vidéo réalisée par le musée d'Orsay

# data[].attributes.subject
L'impressionnisme, vidéo réalisée par le musée d'Orsay

# data[].attributes.headline
Lettre du voyant de Rimbaud, dit par Jean Marais

# data[].attributes.subject
Lettre du voyant de Rimbaud, dit par Jean Marais

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
En bref

Mouvement d'avant-garde né dans le sillage de Dada après la Première Guerre mondiale, le surréalisme incarne à la fois une attitude et un groupe d'artistes et d'intellectuels. Transdisciplinaire, il est néanmoins emmené par une personnalité dominante, celle d'André Breton, auteur d'un Manifeste du surréalisme en 1924. Selon l'écrivain français, l'approche surréaliste réside dans l'exploration de l'inconscient, que ce soit dans l'écriture ou les arts. Par ce recours à la thématique omniprésente du rêve, il réactualise les principes du symbolisme.

" L'idée de surréalisme tend simplement à la récupération totale de notre force psychique. " - André Breton

Histoire du mouvement

Dada, apparu pendant la Première Guerre mondiale, avait été le premier mouvement à souligner l'irrationalité des êtres humains, l'absurdité du monde, et la nécessité d'un esprit de révolte. Les futurs membres du surréalisme ont vécu la guerre de près, et c'est de l'amitié entre André Breton (passé par le mouvement Dada), Louis Aragon et Philippe Soupault qu'allait germer un nouvel état d'esprit incarné dans la création d'une revue, Littérature, parue en 1919. Se joignent à eux Francis Picabia et Georges Bataille.

En 1924, André Breton publie le Manifeste du surréalisme. Il est entouré de tout un collège d'amis et d'admirateurs parmi lesquels se comptent Louis Aragon, Robert Desnos, René Crevel. Il y définit le surréalisme comme un " automatisme psychique pur " permettant d'exprimer la réalité de ses pensées, sans censure, que ce soit par l'écriture, le dessin, ou de toute autre manière. Le surréalisme est basé sur l'exploration du monde onirique, dans l'espoir de reconnecter l'Homme avec son intériorité. L'écriture automatique (initiée par Breton en 1919), par exemple, permet cette libération : elle est censée ne faire intervenir ni la conscience, ni la volonté, en écrivant le plus rapidement possible ses pensées dans un état de lâcher-prise, entre veille et sommeil. La connaissance des théories freudiennes (notamment la notion d'inconscient) a joué un impact important sur le surréalisme.

De nombreux peintres et sculpteurs ont rejoint le mouvement surréaliste, d'une manière plus ou moins durable : Salvador Dalí, Marc Chagall, Alberto Giacometti, René Magritte, Max Ernst, André Masson, Joan Miró, Dora Maar, Man Ray, Meret Oppenheim, Dorothea Tanning ... Certains rendront leurs visions, conscientes ou inconscientes, par le biais d'une figuration onirique, d'autres par des expressions abstraites.

Tant d'artistes et d'auteurs y ont contribué qu'il est difficile d'en définir une ligne dominante, esthétique ou philosophique. Plusieurs points communs réunissent malgré tout ses membres comme le goût de la liberté et la quête poétique.

Au cours des années 1920, des tensions apparaissent entre les membres du groupe, en raison de l'attitude jugée despotique de Breton. Certains s'éloignent du mouvement, en particulier Jacques Prévert et Yves Tanguy. À partir de 1930, le surréalisme prend une dimension nettement politique, sur la volonté d'André Breton, et se met " au service de la révolution " communiste. C'est un sujet de discorde entre les membres du groupe. Durant cette décennie, les surréalistes organisent de grandes expositions internationales dont la principale se tient à la galerie des Beaux-arts de Paris en 1938.

L'influence du surréalisme a été importante dans de multiples domaines, que ce soit le cinéma ou l'affiche. La Seconde Guerre mondiale finira de dissoudre le mouvement. Breton tentera de le reconstituer jusqu'à sa mort en 1966. Cependant, le surréalisme reste vivant dans les esprits comme un mouvement libérateur, mettant l'accent sur le psychisme et la sexualité.

Des œuvres clés
Joan Miró, Le Carnaval d'Arlequin, 1924-1925
Toile de la période surréaliste de l'artiste, ce Carnaval d'Arlequin est le produit d'hallucinations du peintre, alors qu'il n'avait pas les moyens de se nourrir. Miró fait cohabiter de multiples personnages étranges, nourris de son imagination et n'ayant pas d'attachement à un quelconque principe de réalité. L'artiste a fait la rencontre des surréalistes en 1924, avec lesquels il prendra ses distances dans les années 1930.
Alberto Giacometti, La Table surréaliste, 1933
Dispositif poétique, cette table frappe par son étrangeté : à quatre pieds, elle supporte un buste énigmatique, des objets angoissants telle une main coupée. L'équilibre de l'ensemble paraît fragile, instable. Giacometti a fait la connaissance du groupe en 1929. Ses œuvres surréalistes témoignent de son talent poétique et de sa capacité à explorer ses traumatismes.
René Magritte, Le Faux miroir, 1929
Ceci n'est pas un œil, mais une représentation onirique et symbolique de la vision. Magritte attire notre attention sur le fait que " voir " est une activité cérébrale, une création mentale. Selon lui, ce que nous interprétons comme le réel n'est jamais qu'une dimension en cachant d'autres. D'origine belge, l'artiste a d'abord côtoyé le mouvement Dada avant de se rapprocher du surréalisme, mais il n'a jamais adhéré aux théories psychanalytiques en vogue dans ce groupe.
Meret Oppenheim, Petit déjeuner en fourrure, 1936
Introduite auprès d'André Breton en 1933, la Suissesse est l'une des quelques femmes à avoir participé au mouvement surréaliste. Tout en fabricant des bijoux, elle est aussi l'auteure de ce fameux objet bien évidemment inutilisable mais infiniment désirable. Le caractère sauvage de la fourrure contraste avec la nature industrielle de la tasse et des objets qui l'accompagnent. C'est l'exemple d'une association pleinement poétique entre des idées et des univers étrangers l'un à l'autre.

À lire aussi : Dalí et Magritte, frères jumeaux du surréalisme

# data[].attributes.attachment_link.description
Mouvement d'avant-garde né dans le sillage de Dada après la Première Guerre mondiale, le surréalisme incarne à la fois une attitude et un groupe d'artistes et d'intellectuels. Transdisciplinaire, il est néanmoins emmené par une personnalité dominante, celle d'André Breton, auteur d'un Manifeste du surréalisme en 1924.

# data[].attributes.headline
Un été avec Rimbaud, par Sylvain Tesson, France Inter

# data[].attributes.subject
Un été avec Rimbaud, par Sylvain Tesson, France Inter

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
À propos du podcast

du lundi au vendredi à 8h55 sur France Inter

L'écrivain-voyageur revisite l'œuvre de l'un des plus grands poètes français. Belle occasion de (re)découvrir les recueils, les correspondances, la précocité du génie et sa vie aventureuse qui ont contribué à forger la légende de ce poète.

# data[].attributes.attachment_link.title
Un été avec Rimbaud : podcast et émission en replay | France Inter

# data[].attributes.attachment_link.description
L'écrivain-voyageur revisite l'œuvre de l'un des plus grands poètes français. Belle occasion de (re)découvrir les recueils, les correspondances, la précocité du génie et sa vie aventureuse qui ont contribué à forger la légende de ce poète.

# data[].attributes.headline
Analyse de l'autoportrait d'Andy Warhol, sérigraphie, par Lumni

# data[].attributes.subject
Analyse de l'autoportrait d'Andy Warhol, sérigraphie, par Lumni

# data[].attributes.attachment_link.description
Cet article est extrait du n° 204 de la revue DADA.Neuf Andy Warhol vous observent... Impressionnant, non ? Dans sa vie com...

# data[].attributes.attachment_link.title
Andy Warhol. Campbell’s Soup Cans. 1962 | MoMA

# data[].attributes.attachment_link.description
Andy Warhol. Campbell’s Soup Cans. 1962. Acrylic with metallic enamel paint on canvas, 32 panels. Each canvas 20 x 16″ (50.8 x 40.6 cm). Overall installation with 3″ between each panel is 97″ high x 163″ wide. Partial gift of Irving Blum Additional funding provided by Nelson A. Rockefeller Bequest, gift of Mr. and Mrs. William A. M. Burden, Abby Aldrich Rockefeller Fund, gift of Nina and Gordon Bunshaft, acquired through the Lillie P. Bliss Bequest, Philip Johnson Fund, Frances R. Keech Bequest, gift of Mrs. Bliss Parkinson, and Florence B. Wesley Bequest (all by exchange). 476.1996.1-32. © 2025 Andy Warhol Foundation / ARS, NY / TM Licensed by Campbell’s Soup Co. All rights reserved. Painting & Sculpture

# data[].attributes.headline
"Romain Gary et Emile Ajar : bien plus qu'un canular", présentation d'un documentaire sur la supercherie Gary/ Ajar, France inter

# data[].attributes.subject
"Romain Gary et Emile Ajar : bien plus qu'un canular", présentation d'un documentaire sur la supercherie Gary/ Ajar, France inter

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Un documentaire captivant et très émouvant, diffusé sur France 5, fait le récit de la plus grande mystification littéraire de l'histoire : en 1975, Romain Gary décroche une deuxième fois le prix Goncourt, sous le nom d'Emile Ajar. Plus qu'une supercherie, cette double identité était une quête de renaissance.

On a beaucoup dit que le Goncourt 2020 était singulier : délibérations en visioconférence et pas d'annonce chez Drouant. Mais tout cela est minuscule à côté de ce qu'il s'est passé en 1975 : un auteur a remporté le prix pour la deuxième fois, alors que c'était interdit. Je vous parle de Romain Gary, bien sûr. On commémore cette semaine les qiarante ans de sa mort : l'écrivain s'est suicidé le 2 décembre 1980. A cette date, on ne savait pas encore qu'avec lui mourait aussi Emile Ajar, écrivain fictif inventé par Gary. Je vous conseille vivement le documentaire qui sera diffusé samedi 5 décembre sur France 5 : " Romain Gary, le roman du double ". Philippe Kohly fait le récit de la plus grande mystification littéraire de l'histoire. La voix d' Anouk Grinberg vient y ajouter de la grâce.

La grande névrose d'un grand écrivain

Devenir un autre pour se réinventer. Cet Emile Ajar, bien mystérieux, ne donnait jamais d'interview. Mais, avec le succès de son roman, " la vie devant soi ", son identité a peu à peu fasciné tout le monde. Il fallait un visage à Ajar, pour faire taire les soupçons. Romain Gary - coup de génie - propose le rôle à son neveu, Paul Pavlowitch. Il lui fournit ses répliques, ses gestes, son jeu de scène : il construit le personnage. Paul s'avère un excellent acteur. Et ce qui rend ce documentaire vraiment captivant, c'est le témoignage en longueur de Pavlowitch, qui approche aujourd'hui des 80 ans.

Pavlowitch décrit les coulisses de la supercherie. Il raconte des scènes dignes d'un film d'espionnage : les rendez-vous secrets la nuit, les faux papiers. Mais il donne aussi à comprendre le plus important : le trouble identitaire de Romain Gary. Cette double signature n'était pas une juste une blague ou un pied de nez, c'était la grande névrose d'un grand écrivain.

Une ambition maternelle dévorante

Romain Gary a connu le succès en écrivant dans deux langues, le français et l'anglais : aucune des deux n'était sa langue maternelle, lui qui naquit à Vilnius. Et si tout venait de là ? Cette identité torturée est aussi le fruit de l'ambition maternelle, celle qu'il décrit si bien dans " la promesse de l'aube ". Gary passe sa vie à accomplir les rêves de sa mère. Et un jour, il a 60 ans, l'âge auquel sa mère est morte. Le chemin qui s'ouvre, elle ne l'a pas connu, il lui appartient à lui. C'est là qu'il crée Emile Ajar. C'est lui, désormais, qui dispose d'une marionnette. Il se libère en reproduisant ce qu'il a vécu.

Gary, à la fin de sa vie, était tétanisé à l'idée de salir la légion d'honneur qu'il avait reçue, lui le Compagnon de la Libération. Il craignait que son imposture n'entache l'honneur de la Résistance. Il n'en fut rien. Mais son canular était sans doute devenu un carcan, un piège mortel.
► " Romain Gary, le roman du double ", samedi 5 décembre sur France 5 à 22h25, dans l'émission " passage des arts ", présentée par Claire Chazal.

# data[].attributes.attachment_link.title
Romain Gary et Emile Ajar : bien plus qu'un canular

# data[].attributes.attachment_link.description
Un documentaire captivant et très émouvant, diffusé sur France 5, fait le récit de la plus grande mystification littéraire de l'histoire : en 1975, Romain Gary décroche une deuxième fois le prix Goncourt, sous le nom d'Emile Ajar. Plus qu'une supercherie, cette double identité était une quête de renaissance.

# data[].attributes.attachment_link.title
romain gary extraits La Promesse de l'aube

# data[].attributes.attachment_link.title
Les 400 Coups - François Truffaut (Bande-Annonce Officielle)

# data[].attributes.headline
Gargantua, Rabelais, chapitres 21 à 24 sur l'éducation, p-49-71

# data[].attributes.subject
Gargantua, Rabelais, chapitres 21 à 24 sur l'éducation, p-49-71

# data[].attributes.attachment_link.title
(Court-métrage) Luis Buñuel - Un chien andalou

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
1. Accueil

2. Découvrez toutes nos études

3. L'Éléphant de la Bastille

Dernier projet de la fontaine de l'éléphant pour la place de la Bastille

Date de création : XIXe siècle

Aquarelle, plume, encre brune et traits à la mine de plomb

INV 23524 recto - 97-018111

Date de publication : mai 2022

Auteur : Lucie NICCOLI

La place de la Bastille après la Révolution et la rénovation de Paris par Napoléon Ier

Après la destruction de la forteresse du XIXe siècle, symbole de l'Ancien Régime, dès juillet 1789 et l'érection d'une éphémère " fontaine de la régénération " sous la forme de la déesse Isis, en 1793, la place de la Bastille resta longtemps déserte. Napoléon I er, dès le Consulat, entreprit de grands travaux pour moderniser Paris. Afin d'améliorer son approvisionnement en eau potable, il décida en 1802 de creuser un canal pour relier la rivière Ourcq à Paris, qui fut inauguré en 1813, ainsi qu'un bassin de partage à la Villette à partir duquel allaient s'articuler les canaux Saint-Denis et Saint-Martin, achevés respectivement en 1821 et 1825. Quinze nouvelles fontaines furent également créées à partir de 1806. Sur la place de la Bastille, il songea d'abord à ériger l' Arc de triomphe de la Grande Armée, finalement construit barrière de l'Etoile, et opta alors pour une fontaine monumentale en forme d'éléphant, alimentée par le canal Saint-Martin, qui passerait sous la place. Le projet, confirmé par un décret de février 1810, fut confié en 1812 à l'architecte Jean-Antoine Alavoine, supervisé par Dominique Vivant Denon, directeur général du Musée Napoléon et administrateur des arts. Alavoine fournit de très nombreuses études qui aboutirent, en 1814, à la réalisation par le sculpteur Pierre-Charles Bridan (1736-1836) d'une maquette en bois et plâtre de l'éléphant, présentée dans un hangar, au sud-est de la place.

Une fontaine monumentale en forme d'éléphant

Certaines de ces études sont des aquarelles très soignées représentant l'éléphant au centre de la place de la Bastille, telle qu'il était envisagé de l'aménager. La tête tournée vers la rue Saint-Antoine, il présente son flanc droit à l'ouverture d'un boulevard, indiqué par deux rangées d'arbres, le long duquel allait être creusé le canal Saint-Martin.

Il s'agit d'un éléphant d'Asie couvert d'une longue draperie et chargé d'une tour ou howdah, rappelant ceux que montaient les maharadjahs indiens jusqu'au XX e siècle pour chasser le tigre ou les éléphants de guerre qu'affronta Alexandre le Grand (1) lors de ses conquêtes orientales, au IV e siècle av. J.-C.

Ce colossal éléphant de bronze au harnachement partiellement doré trône sur un double bassin circulaire, l'eau jaillissant à la fois de sa trompe et de huit bouches percées autour du bassin supérieur. Il parait démesuré par rapport aux maisons à l'arrière-plan et surtout aux badauds - femmes et hommes élégants, officiers de l'armée à pied ou à cheval - qui se promènent autour. L'un des officiers, se distinguant des autres par son bicorne, pourrait être Napoléon lui-même.

Symbole de la puissance de l'Empire et incarnation d'un Orient rêvé

Plus grand que nature afin que l'on puisse entrer à l'intérieur, l'éléphant et sa tour auraient dû culminer à vingt-quatre mètres de haut - la moitié de la hauteur de l'Arc de Triomphe - sur un bassin de trente mètres de diamètre. Il aurait fallu 177 tonnes de bronze, issu des canons pris à l'ennemi, pour le fabriquer. Napoléon tenait particulièrement à ce projet, qui ne faisait pourtant pas l'unanimité : l'architecte Fontaine, notamment, le jugeait monstrueux et inapproprié. Le motif de l'éléphant, qu'il avait hésité à choisir comme symbole de l'Empire, lui préférant finalement l'aigle, évoquait les gloires militaires d'Alexandre (1) et Hannibal (2), mais aussi les Indes, qu'il avait rêvé de conquérir à la suite de la campagne d'Égypte. Alavoine avait d'ailleurs imaginé placer sur l'éléphant d'autres motifs exotiques - un guerrier grec armé de sa lance ou un dignitaire oriental offrant un sabre, notamment - ou encore remplacer la tour par le trône de Napoléon. Dans l'ultime version, dont une vue fut exposée au Salon de 1814, le harnachement est plus riche et la tour a une découpe plus orientale. A la chute de l'Empire, en 1815, seul le bassin circulaire avait été construit. Le projet de fontaine étant progressivement abandonné, il servit finalement de base à la colonne de Juillet, érigée à partir de 1831 en hommage aux victimes des journées révolutionnaires de juillet 1830. La maquette, très délabrée, fut détruite en 1846. Victor Hugo l'immortalisa en en faisant le refuge, dans les années 1830, de Gavroche, l'un des héros des Misérables (1862) (3).

Paul Hartmann, L'Éléphant de la Bastille , dans Le Magasin pittoresque, série III, tome 5, Paris, 1904, p. 282-284

Collectif, Sous les pavés, la Bastille. Archéologie d'un mythe révolutionnaire, catalogue de l'exposition présentée à l'Hôtel de Sully du 12 octobre 1989 au 7 janvier 1990, Caisse nationale des monuments historiques et des sites, Paris, 1989

Matthieu Beauhaire, Mathilde Béjanin, Hubert Naudeix, L'Éléphant de Napoléon, Honoré Clair, Paris, 2014

Thierry Sarmant, Florian Meunier, Charlotte Duvette et Philippe de Carbonnières, Napoléon et Paris, rêves d'une capitale, catalogue de l'exposition présentée au musée Carnavalet-Histoire de Paris du 8 avril au 30 août 2015, Paris musées, 2015.

1 - Alexandre Le Grand (356 - 323 av. J.-C.) : roideMacédoine, Alexandre unifie la Grèce et part à la conquête l'empire perse en battant en 334 av. J.-C. l'armée de Darius. Les armées perses utilisent les éléphants comme transport des troupes comme on le voit dans La Bataille d'Arbelle (333 av. J.-C). Il se confronte aux éléphants de guerre lors de la bataille de l'Hydaspe (326 av. J.-C.) contre l'armée du roi indien Poros qui aligne 2 00 éléphants. Alexandre Le Grand crée un empire de l'Indus à l'Égypte où il fonde la ville d'Alexandrie.

2 - Hannibal (Annibal) (247-183 av. J.-C.) : général de l'armée de Carthage, ennemie de Rome, il mena la Seconde guerre punique (218-201 av. J.-C) contre les armées romaines menées par Scipion. D'Espagne, il rallia Rome et Capoue par les Alpes faisant passer 37 éléphants par les cols alpins. Bloqué à Capoue sans renforts de Carthage, Hannibal retourne en Afrique et est vaincu lors de la bataille de Zama (202 av. J.-C) par Scipion. Carthage doit capituler devant Rome.

3 - Les Misérables et Gavroche : Les Misérables estroman de Victor Hugo publié en 1862. Gavroche est le fils des Thénardier qui ont recueilli Cosette. Installés à Paris, les Thénardier se désintéressent de Gavroche qui s'enfuit. Il vit comme un gamin de Paris, gouilleur et drôle. Son domicile sera la ventre de la maquette en ruine de l'éléphant de Paris, place de la Bastille. Il meurt sur une barricade de l'insurrection de Paris en 1832.

Lucie NICCOLI, " L'Éléphant de la Bastille ", Histoire par l'image [en ligne], consulté le 19/09/2023. URL : histoire-image.org/etudes/elephant-bastille

# data[].attributes.attachment_link.title
L'Éléphant de la Bastille - Histoire analysée en images et œuvres d'art | https://histoire-image.org/

# data[].attributes.attachment_link.description
Découvrez L'Éléphant de la Bastille analysée par Lucie NICCOLI au travers d'œuvres et d'images d'archive.

# data[].attributes.headline
La mort de Gavroche dans Les Misérables de Victor Hugo

# data[].attributes.subject
La mort de Gavroche dans Les Misérables de Victor Hugo

# data[].attributes.headline
La Liberté guidant le peuple, Delacroix, 1831

# data[].attributes.subject
La Liberté guidant le peuple, Delacroix, 1831

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Basculer la table des matières

Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre.

La Liberté guidant le peuple

La Liberté guidant le peuple.

La Liberté guidant le peuple est une huile sur toile d' Eugène Delacroix réalisée en 1830, inspirée de la révolution des Trois Glorieuses. Présenté au public au Salon de Paris de 1831 sous le titre Scènes de barricades, le tableau est ensuite exposé au musée du Luxembourg à partir de 1863 puis transféré au musée du Louvre en 1874 où il fut l'un des plus fréquentés. En 2013, il est la pièce majeure de l'exposition La Galerie du temps au Louvre-Lens.

Devenu un symbole de la république triomphante, le tableau repose sur un contresens car ce n'était pas l'intention de Delacroix dont l'œuvre ne s'est imposée dans l' imaginaire collectif français que sous la Troisième République. Par son aspect allégorique et sa portée politique, il a été fréquemment choisi comme symbole de la République française, de la liberté ou de la démocratie dans le monde. Il demeure au XXI e siècle une icône médiatique (de) au fil de ses détournements, emprunts et appropriations de différentes expressions artistiques.

Description

Le tableau représente une scène de " Si l'on trace une diagonale de l'angle en haut à gauche jusqu'à celui du bas à droite, on observe que les deux triangles ainsi délimités diffèrent par leurs tonalités : plus sombre du côté de la masse des combattants qu'on aperçoit, derrière le personnage en barricade effondrée, franchie par les émeutiers du peuple de Paris qui s'est soulevé contre le roi Charles X. À l'arrière-plan, sortant de la fumée qui entoure Notre-Dame, on peut apercevoir les baïonnettes d'un bataillon d'infanterie attaqué par des tirs venant des fenêtres. Sur l'une des deux tours de la cathédrale, flotte le drapeau tricolore, ce qui situe la scène sur la rive droite de la Seine, probablement à proximité de l' hôtel de Ville, mais aucune topographie précise n'est identifiable car Delacroix a imaginé cette vue,. La composition pyramidale s'inspire directement de celle du tableau de Géricault Le Radeau de La Méduse ainsi que celle d'un autre tableau de Delacroix, Scènes des massacres de Scio. Cette construction géométrique repose sur deux triangles dans lesquels s'inscrivent les principaux protagonistes. haut-de-forme, plus claire pour celui dans lequel s'inscrivent la Liberté et le drapeau. Le noir et le brun-ocre dominent chez les combattants (vêtements, fumée, poussière, boue...). La Liberté est mise en valeur par la couleur plus claire de sa robe jaune à double ceinture, dans la lumière[4] ".
Au premier plan, associés aux matériaux - pavés et poutres - qui forment cette barricade, les corps de soldats morts apparaissent tordus et désarticulés : à gauche l'un d'eux gît en chemise blanche et dénudé alors qu'à droite sont étendus un membre des Gardes suisses (avec son shako qui a roulé au sol) et, face contre terre, un cuirassier identifiable par son épaulette blanche. Ils forment la base horizontale des deux triangles. Les différents insurgés qui accompagnent la Liberté sont des archétypes sociaux : un paysan blessé, foulard noué sur la tête, émerge des décombres, le corps et le regard tendus vers une femme du peuple, coiffée d'un bonnet phrygien dont s'échappent des mèches. Celle-ci, représentée en pied, occupe de fait la place principale. Elle brandit du bras droit par la hampe un drapeau tricolore qui occupe l'axe médian de la toile, et tient dans sa main gauche un fusil à baïonnette. Sa poitrine est en partie découverte. On distingue quatre autres personnages aux abords de la barricade : deux enfants des rues : l'un, à droite, giberne en bandoulière, coiffé d'un béret, et brandissant des pistolets de cavalerie, la bouche ouverte sur un cri ; l'autre, à l'extrême gauche, coiffé d'un bonnet de police des voltigeurs de la Garde nationale (probablement récupéré sur l'un d'entre eux) s'agrippant au pavé ; un homme armé d'un tromblon à deux canons parallèles, en redingote et cravate, coiffé d'un haut-de-forme, laissant penser que c'est un bourgeois, mais portant le pantalon et la ceinture des ouvriers, les genoux sur la barricade, Delacroix jouant sur cette ambiguïté pour symboliser le rassemblement des classes sociales ; et un manufacturier portant un tablier, un pantalon à pont, un béret, un sabre briquet à la main, un pistolet retenu par un foulard rouge et sa banderole sur l'épaule. La lumière du soleil couchant se mêle aux fumées des canons pour engendrer une aura à la figure féminine et au gamin à droite. Derrière, on peut voir les étudiants, dont un élève de l' École polytechnique portant le traditionnel bicorne, et un détachement de grenadiers en tenue de campagne et capote grise.

Les couleurs dominantes, le bleu, le blanc et le rouge, émergent des teintes grises et brunes. La lumière semble provenir du côté gauche. Les " Des contrepoints rouges soutiennent l'écarlate du drapeau ; le parallélisme des banderoles de buffleterie blanche est raccordé par les éclats des guêtres et de la chemise du cadavre gisant ; la chaussette bleue de ce dernier et la blouse de l'ouvrier font écho à l'indigo du drapeau. Les bleus et les rouges laissant entendre un demi-ton plus bas que les "trois couleurs", poussant ainsi leur vibration à l'extrême couleurs chaudes dominent le corps des émeutiers. La répartition des accents colorés concourt à l'ordonnance du tableau. [7] ".

Sources communes d'inspiration iconographique pour Delacroix.

Situation historique

Hippolyte Lecomte, Combat de la rue de Rohan le 29 juillet 1830, musée Carnavalet.

Le peintre a fait connaître sa toile comme une allégorie inspirée par l'actualité la plus brûlante. Elle a pour cadre les trois journées du soulèvement populaire parisien contre Charles X, les 27, 28 et , connues sous le nom des Trois Glorieuses.

Le 25 juillet, Charles X publie quatre ordonnances dans le but d'écraser l' opposition libérale. Ces mesures comprenaient la suspension de la liberté de la presse périodique, la dissolution de la Chambre des députés des départements, la réforme du suffrage censitaire favorable à l' aristocratie et convocation des collèges électoraux pour le mois de septembre. L'opposition appelle à la désobéissance. Les classes moyennes et le peuple de Paris se révoltent. La capitale se couvre de drapeaux tricolores et de barricades. Le peintre a nommé sa toile 28 juillet, date cruciale de la prise de l' hôtel de ville par les émeutiers. À la faveur de trois jours d'émeutes, Charles X abdique. Louis-Philippe prête fidélité à la Charte révisée le 9 août, inaugurant la monarchie de juillet.

Quand Delacroix livre la Liberté guidant le peuple, il est reconnu comme le chef de file de l'école romantique française. Il rejette l'idéal classique et les canons de l' art académique de son temps. Le peintre, dandy parisien, libéral certes mais tout autant conservateur, est un bonapartiste et un antirépublicain déclaré. Son tableau ne vise donc pas à symboliser la république triomphante mais l'avènement du nouveau régime monarchique qui, dès 1832, voudra effacer le paradoxe de ses origines révolutionnaires. Pour s'attribuer les faveurs du roi, Delacroix, cyniquement, loue comme les autres, l'union des Français derrière Louis-Philippe, sa carrière dépendant des commandes officielles à une époque où la demande des collectionneurs reste encore faible. Cependant, son tableau a aussi une portée politique. Romantique porté par un sentiment philhellénique et qui s'est engagé pour la cause de l'indépendance grecque, il est sensible à l' autodétermination du peuple français,.

Réalisée à partir d' esquisses tracées par l'auteur dès le 20 septembre 1830, l'œuvre achevée en trois mois n'est plus une " peinture d'histoire ". Eugène Delacroix en fait part à son frère le : " J'ai entrepris un sujet moderne, une barricade, et si je n'ai pas vaincu pour la patrie, au moins peindrai-je pour elle ". L'artiste témoigne ici de la ferveur romantique qui lui fait traduire les événements révolutionnaires dont il est contemporain. Car si Delacroix appartient à une longue lignée de grands révolutionnaires qu'a produite le " pays des révolutions ", il n'est pas un révolutionnaire convaincu à l'image de son ami Adolphe Thiers. Comme pour la cause grecque, sa bataille est avant tout d' atelier. De son propre aveu, il a traversé les événements de juillet 1830 comme " un simple promeneur ". Difficile pour le peintre de prendre parti contre le pouvoir qui a été l'un de ses principaux commanditaires. Cependant, la violence de la rue et le patriotisme réinventé enflamment son imagination picturale. À en croire Alexandre Dumas, ce serait la vue du drapeau flottant sur Notre-Dame - ce qui explique la présence dans le coin droit supérieur des tours de Notre-Dame - qui l'aurait fait basculer :

" Quand Delacroix eut vu flotter sur Notre-Dame le drapeau aux trois couleurs, quand il reconnut, lui, le fanatique de l'Empire... l'étendard de I'Empire, il n'y tint plus : l'enthousiasme prit la place de la peur, et il glorifia ce peuple qui, d'abord, l'avait effrayé[14] . "

Ces scènes de combat font aussi écho chez Delacroix à celle du geste de 1789. Au moment de la réalisation de la toile, il travaille parallèlement sur deux tableaux inspirés de la Révolution française pour décorer la nouvelle Chambre des Députés. Mais la " vraisemblance poétique devait l'emporter sur la véracité d'un simple reportage " et l'œuvre dépasse la seule évocation d'une scène d' émeute.

Sa Liberté a sans doute été inspirée d'une lecture des poèmes La Curée d' Auguste Barbier et de Casimir Delavigne Une semaine à Paris, publié en 1830 dans La Revue de Paris qui décrit la foule des émeutiers guidée par une femme du peuple, allégorie de la Liberté. Au-delà, l'œuvre multiplie les références picturales notamment auRadeau de la Méduse.

Amazone blessée du type de Sôsiklès. Copie romaine d'après un original grec du V e siècle av. J.-C.

Le personnage central féminin attire tous les regards. La Liberté emprunte autant à la statuaire antique - drapé, pieds nus, poitrine offerte - qu'aux représentations de la femme du peuple à la lourde musculature et à la peau hâlée. Elle emprunte de même aux allégories sereines et hiératiques de la Liberté et de la République qui voient le jour après 1789, comme celles d' Antoine-Jean Gros ou de Nanine Vallain. Elle est ici tant une idée qu'une personne réelle, à mi-chemin entre le tangible et l'idée. C'est cette superposition de références et cette incertitude qui marque Heinrich Heine qui donne un long commentaire littéraire de l'œuvre : " une douleur impudente se lit dans ses traits, au total bizarre mélange de Phryné, de poissarde et de déesse de la liberté ". Curieusement, cette figure allégorique se mêle aux hommes et participe directement aux combats. Elle rassemble le peuple, les faubourgs et la bourgeoisie déclassée dans un même lyrisme révolutionnaire, portée par la construction pyramidale.

Pour l'historien Jean-Clément Martin, le sein dénudé n'est pas simplement un code artistique calqué sur le modèle antique de Niké (déesse personnifiant la Victoire) mais représente la femme comme mère nourricière, ce qui précisément limitait sa liberté.

Pilier et piédestal, le peuple, dont la misère est sublimée par l'action héroïque, y est représenté comme un élément actif de la révolution. Cette lecture des événements de 1830 a, d'ailleurs, indisposé le premier public bourgeois, qui reproche à la Liberté la pilosité de son aisselle (montrée dans l'ambiguïté du jeu allégorique de Delacroix, elle choque plus que la nudité), et aux protagonistes leur " saleté ", transgression des codes de la peinture académique.

Delacroix joue sur un registre patriotique en restreignant volontairement sa palette de couleur et disséminant dans le tableau par un " motif conducteur " ( leitmotiv) les trois couleurs du drapeau national. Il produit un effet d'identification : le public se sent appelé, sent qu'il fait partie du peuple - même si ce dernier est dépeint sous des traits ambigus.

Delacroix compose la scène à l'encontre des principes de la peinture de guerre auxquels les scènes de combats des révolutions de 1830 et 1848 se sont conformés. Les insurgés font face au spectateur, le dominent et marchent sur lui. Les adversaires ne sont que peu visibles, perdus dans les fumées de l'arrière-plan. Enfin, les assaillants forment une troupe disparate, dont chaque membre semble emprunter plusieurs directions.

Le lyrisme et la violence à l'œuvre dans la toile ont tout d'abord surpris le public. Mais c'est surtout l'image qu'il est donné de la populace et plus généralement de combattants des journées de juillet qui a scandalisé la critique. " Vraiment, M. Delacroix a peint notre belle révolution avec de la boue. " Les détails morbides, les représentations sans concession du sale (peau laiteuse, pieds sales, ongles noirs, poils pubiens du cadavre à gauche) choquent les partisans d'un nouveau régime qui souhaite apaiser les classes populaires et donner une image idéalisée des combats.

Louis-Philippe ne le fait pas directement acheter par la Couronne mais indirectement par le ministère de l'Intérieur, en octobre, pour la somme modeste de 3 000 francs. Il fait brièvement exposer la toile, non pas dans la Salle du Trône aux Tuileries, mais au musée Royal (le palais du Luxembourg), puis à Versailles, avant qu'elle ne soit décrochée en 1832, le gouvernement d'Adolphe Thiers refusant que ce tableau soit exposé, de peur qu'il n'incite à d'autres émeutes populaires, telle que l' insurrection républicaine à Paris en juin 1832. En échange de deux toiles moins dérangeantes de Delacroix, le tableau est rendu à l'artiste, probablement en juillet 1839, par son ami Edmond Cavé, directeur des Beaux-Arts. Il est conservé dans des conditions précaires à Frépillon, chez sa tante Félicité Riesener, jusqu'à la mort de celle-ci. Delacroix récupère le tableau en 1848 à la suite de la révolution de février, et, à sa demande, la toile reprend le chemin du musée du Luxembourg, où elle est rapidement remisée dans ses réserves. Il obtient la permission de la faire figurer à l' exposition universelle de 1855, sa première présentation à un large public, moyennant des retouches au bonnet phrygien dont le rouge vif est jugé trop subversif. De nouveau transférée au musée du Luxembourg (refuge des artistes vivants, d'où les plus dignes, après leur mort, doivent s'acheminer vers le Louvre), la toile n'y est exposée qu'en 1863 avant d'être finalement accueillie dans les collections du Palais du Louvre en 1874, sous la Troisième République, où elle est exposée depuis de manière permanente et abondamment reproduite par les manuels d'histoire pro-républicains. Cette absence pendant de nombreuses années a ainsi contribué à son statut d'œuvre mythique,.

La scène a probablement inspiré à Victor Hugo sa barricade dans Les Misérables et plus particulièrement son personnage de Gavroche,.

" il faut attendre que la IIIe République soit solidement installée pour que les attributs de la Liberté perdent leur aspect subversif. Dès lors, le tableau de Delacroix entre dans le patrimoine républicain et semble incarner la longue lutte de la république contre la monarchie. Peu à peu, il perd en évocation révolutionnaire ce qu'il gagne en symbolique républicaine La Liberté guidant le peuple figure parmi les œuvres du XIX e siècle les plus mobilisées au XX e siècle que ce soit pour un usage officiel, publicitaire ou scolaire. En France, elle prend valeur d'emblème. Son ancrage patriotique lui vaut de devenir un symbole républicain à partir de 1848, voire une icône de la République : [26] ". L'œuvre illustre les billets de banque de cent francs de 1978 à 1995. La Liberté se meut en Marianne pour la série de timbres d'usage courant gravé par Pierre Gandon, " Liberté " de 1982 à 1990, ou pour La Marianne de Mai 68 de Jean-Pierre Rey.

L'œuvre incarne l'idéal révolutionnaire et le combat pour la liberté et pour cela a suscité de nombreuses relectures, appropriations, citations et imitations. Sa forte charge politique lui vaut d'être mobilisée pour envoyer des messages forts. En 1936, John Heartfield l'insère dans son photomontage, La liberté même se bat dans leurs rangs. Elle est détournée en 1995-1996 par l'artiste chinois Yue Minjun qui l'associe à la révolte de Tian'anmen. Le photographe français Gérard Rancinan en propose son interprétation contemporaine et photographique - La Liberté dévoilée (2008) - sous une forme volontairement provocatrice. Dans le domaine musical, le tableau illustre en 2008 la pochette de l'album Viva la Vida or Death and All His Friends du groupe Coldplay. Dans le domaine politique et médiatique, la silhouette allégorique a inspiré les logos du groupe politique Debout la République ainsi que celui de l'hebdomadaire politique Marianne. En 2009, l'affiche de la fête de l'Humanité comporte, au premier plan, la Liberté noire, porteuse d'un drapeau rouge et d'une guitare électrique, avec la poitrine couverte. Andy Singer revisite l'œuvre en 2015 pour dénoncer le pouvoir des firmes transnationales. En 2019, le street artist Pascal Boyart réalise sur un mur rue d' Aubervilliers à Paris, une fresque inspirée de Delacroix représentant une Marianne guidant des Gilets jaunes.L'artiste afro-américain engagé Kadir Nelson fait référence au tableau pour illustrer en 2020 la lutte antiraciste dans une couverture du moi de juillet du magazine Rolling Stone .

Sa valeur patrimoniale lui vaut d'inspirer de nombreuses caricatures de presses et la rend sujettes aux détournements publicitaires. L'œuvre est ainsi pastichée en 1999 par le collectif La Brigade sur la pochette du maxi Libérez. En 2008, elle illustre la pochette du quatrième album de Coldplay, Viva la Vida or Death and All His Friends, référence au tableau de Frida Kahlo. Dans le film Mustang, lorsque l'oncle des adolescentes (héroïnes du film) veut les rééduquer moralement, la grand-mère retire une photo de La Liberté guidant le peuple de leur chambre.

En tant qu'œuvre remarquable dans l'histoire de l'art occidental, elle fait l'objet d'un hommage dans le tableau George Sand dans l'atelier de Delacroix avec Musset, Balzac et Chopin réalisé par le peintre péruvien Herman Braun-Vega à la demande des Musées de Châteauroux, en 2004, à l'occasion du bicentenaire de la naissance de George Sand. Au delà de l'hommage à George Sand, ce tableau est pour Braun-Vega, l'occasion de souligner la filiation artistique entre Goya et Delacroix et la similitude entre La liberté guidant le peuple et deux tableaux: 2 de mayo de 1808 et 3 de mayo de 1808 peints par Goya. Le tableau hommage de Braun-Vega est exposé pour la première fois en 2004-2005 au Couvent des Cordeliers de Châteauroux.

L'œuvre a plusieurs fois été censurée, sa nudité étant jugée indécente. Prêtée par le Louvre au Musée national de Tokyo pour y être exposée du 26 février au 28 mars 1999, la toile est transportée par un Airbus Beluga sur le fuselage duquel est imprimée une photographie du tableau. Pour ne pas heurter la population du Bahreïn où l'avion fait escale, Airbus Industrie a masqué les seins par un stick. En 2006, elle est considérée comme " undignified or improper " par essence (" manquant de dignité ou indécent "). Elle illustre l'étiquette de la bière des Sans-Culottes ( brasserie La Choulette) et sa commercialisation a donné lieu à un débat sur la liberté d'expression dans le Maine et dans quatre autres États des États-Unis,. La même année, le ministère de l'Éducation nationale turc censure des manuels scolaires comportant une reproduction du tableau. Il a connu également en mars 2018  la censure de Facebook qui, invoquant " une image de nudité ", a temporairement bloqué sa diffusion.

Au moins deux photographies prises le à Paris lors de la grande manifestation hommage aux victimes des attentats, ont été a posteriori nommées Le Crayon guidant le peuple, du fait de leur similitude esthétique et symbolique avec le tableau. Les photographies représentent des manifestants montés sur le groupe monumental du Triomphe de la République de Jules Dalou, place de la Nation à Paris.

Au recto du billet de banque 100 francs Delacroix, l'autoportrait d'Eugène Delacroix tenant au premier plan, sa palette et ses pinceaux devant un détail du tableau, La Liberté guidant le peuple.

Mur de séparation traversant Bethléem

La toile au Louvre-Lens.

En 1999, le tableau d'Eugène Delacroix La Liberté guidant le peuple est transporté par un Beluga.

Située dans la salle Mollien, au musée du Louvre, l'œuvre est plusieurs fois déplacée pour être prêtée à des expositions temporaires. En 1956, une tournée de l'œuvre dans le bloc de l'Est est projetée, notamment à Varsovie, Moscou et Leningrad, mais ce projet n'aboutit pas[réf. souhaitée]. En 1999, le tableau est transporté par un Beluga d'Airbus, qui est décoré avec une reproduction de l'œuvre constituée de panneaux adhésifs. Les dimensions du tableau, sa valeur et sa fragilité imposaient ce type de transport, en raison de la taille du caisson créé spécialement pour le protéger : destiné à annuler les vibrations et les variations climatiques, il est équipé de capteurs et mesure 3,50 × 4,50 m,. Deux restaurateurs sont également intervenus sur le tableau afin de le préparer à l'épreuve de ce voyage. À Tokyo, le tableau a été vu par 350 000 visiteurs en moins d'un mois.

Le tableau est déplacé une seconde fois à Strasbourg en 2004[réf. souhaitée]. En 2012, il est prêté à l' antenne du musée à Lens, pour l'exposition La Galerie du temps. Le , une visiteuse vandalise la toile au marqueur ; l'inscription du TAG étant superficielle et restée en surface du vernis sans atteindre la couche picturale, elle est nettoyée le jour suivant. Le tableau est retourné dans les murs du musée du Louvre le .

1. Delacroix a envisagé un temps d'intituler sa toile ↑ La Barricade et elle a été annoncée sous le nom de Scènes de barricades lors de sa première exposition le 28 juillet.

2. Le paysage comportant la cathédrale est en effet imaginé par Delacroix qui la situe " les ↑ place de Grève, comme l'atteste l'orientation du beffroi de la cathédrale, mais aucune barricade ne pouvait obstruer cette grande place. En 1830, les tours de la cathédrale ne peuvent être vues, sous cet angle, d'aucun endroit. Cependant, le peintre a pu assister à une scène de barricade depuis son atelier du 15, quai Voltaire. De plus, le drapeau de la tour indique la volonté de Delacroix de situer l'action le 28 juillet, date à laquelle les révolutionnaires l'ont hissé. Enfin, il n'omet pas un détail réaliste : édicules des escaliers surmontant les tours sont construits à l'aplomb de la façade ". Cf Toussaint 1982, p. 151.

3. De son atelier, Delacroix a pu assister à la participation des femmes aux combats des barricades qui sont construites dans chaque quartier : elles rechargent les fusils, soignent les blessés, ravitaillaient les émeutiers, et jettent des objets lourds (meubles, casseroles, pots de chambre) depuis les fenêtres, comme l'atteste la fréquence des blessures chez les forces de l'ordre (fractures crâniennes bien plus nombreuses que les blessures par balle), due aux jets venus des toits ou des fenêtres des maisons voisines de la rue où est montée la barricade. Le peintre qui n'a pas participé activement à cette deuxième ↑ révolution française, a pu être influencé par ces figures féminines pour peindre des révolutionnaires à la tête desquels on trouve une femme du peuple, de même qu'il a pu s'inspirer d'une figure de la résistance beauvaisienne, Jeanne Hachette, et du tableau Jeanne Hachette au siège de Beauvais en 1472, peint par Barbier l'aîné en 1781, bien que le jeu soit toujours un peu vain de chercher un modèle iconographique. Cf Toussaint 1982, p. 36.

4. Avec la Liberté, il s'agit de la seconde ↑ figure académique du tableau, celle du personnage antique d'Hector. Pour la figurer, Delacroix s'est inspiré de l'Hector par David (1778)] et de l'homme à la chaussette du Radeau de la méduse pour lequel il a posé (figure du naufragé qui se trouve la face contre l'embarcation, le bras gauche étendu par-dessus une poutre) et dont il a d'ailleurs fait une copie. La chaussette bleue de ce cadavre pourrait être aussi un clin d'œil à Géricault qui, peinant à dessiner correctement les pieds, préférait les recouvrir. Cf Toussaint 1982, p. 50.

5. Sa tenue d'ouvrier qui rappelle les couleurs du drapeau, évoque les paysans qui, par manque de travail dans les champs, forment une ↑ main d'œuvre temporaire dans les usines des faubourgs. Cf Toussaint 1982, p. 49.

6. La cocarde blanche sur son béret et le foulard qui évoque le ↑ mouchoir rouge de Cholet, sont des emblèmes des royalistes et probablement des symboles choisis par Delacroix pour montrer que les royalistes vendéens peuvent très bien se rallier à cette révolte. Ils sont tempérés par le nœud rouge sur le béret, symbole des libéraux. Cf Toussaint 1982, p. 48.

7. Référence à la ↑ guerre d'indépendance grecque, ce frontispice représente, devant Koróni, une allégorie de la Grèce dressée en figure de la Liberté.

8. " Le simple promeneur comme moi avait la chance d'attraper une balle ni plus ni moins que les héros improvisés qui marchaient à l'ennemi avec des morceaux de fer, emmanchés dans des manches à balai ". Lettre à son neveu ↑ Charles de Verninac, . Il est cependant établi qu'il s'est rendu au Louvre pour protéger les collections des combats.

9. ↑ Balzac y voit d'ailleurs une icône populaire qui devait inspirer le personnage de Catherine dans son roman Les Paysans (1855) : " Catherine, grande et forte, en tout point semblable aux filles que les sculpteurs et les peintres prennent, comme jadis la République, pour modèle de la Liberté, charmait la jeunesse de la vallée d'Avonne par ce même sein volumineux, ces mêmes jambes musculeuses, cette même taille à la fois robuste et flexible, ces bras charnus, cet œil allumé d'une paillette de feu, par l'air fier, les cheveux tordus à grosses poignées, le front masculin, la bouche rouge, aux lèvres retroussées par un sourire quasi féroce, qu'Eugène Delacroix, David d'Angers ont tous deux admirablement saisis et représentés. Image du peuple, l'ardente et brune Catherine vomissait des insurrections par ses yeux d'un jaune-clair, pénétrants et d'une insolence soldatesque. ".

10. C'est le cas des toiles du Salon de 1831 qui traitent des Journées de Juillet. La comparaison de la ↑ Liberté avec La Barricade rue Soufflot d'Horace Vernet qui bien que postérieure de dix-huit ans traite d'un thème voisin, met en lumière le parti pris de Delacroix.

11. Il y " aborde le thème de l'espoir cruel suscité par les promesses de liberté égrenées par les médias, alors que l'oppression persiste largement sous différentes formes ". Cf ↑ " Delacroix, Rancinan. La liberté en question ", sur lewebpedagogique.com, .

12. ↑ Affiche de la fête de l'Humanité à gauche et couverture de The Economist à droite, en 2009

13. ↑ A corporate revolution par Andy Singer

14. La valeur déclarée du tableau est de 450 millions de francs en 1999. Cf ↑ Vincent Noce, " Un vol diplomatique pour "la Liberté"Le Delacroix va être exposé à Tokyo ", sur liberation.fr, .

Références

1. William Kidd, " Les Caprices anglais de Marianne ", ↑ in La République en représentation : autour de l'œuvre de Maurice Agulhon, Paris, Publications de La Sorbonne, 2006.

2. ↑ (en) Hubert Wellington, Introduction à l'édition anglaise du Journal d'Eugène Delacroix, parue sous le titre The Journal of Eugène Delacroix, Phaidon (Cornell University Press ), , p. 15

3. Llalnohar, ↑ Les deux triangles en jaune. Cf " Analyse d'une œuvre : La Liberté guidant le peuple d'Eugène Delacroix ", sur histogames.com, .

4. Renée Léon, ↑ Un jour une œuvre. Approches de l'art à l'école, Hachette Éducation, , p. 137 .

5. ↑ a et b Toussaint 1982, p. 40.

6. Lettre à Thoré du 18 janvier 1836, ↑ Correspondance générale d'Eugène Delacroix, A. Joubin, Paris, 1936.

7. ↑ (en) Michael Marrinan, Painting Politics for Louis - Philippe : Art and Ideology in Orléanist France 1830-1848, Yale University Press, , p. 111 .

8. F. Hamon et P. Dagen, ↑ Époque contemporaine XIX e - XX e siècles, coll. Histoire de l'Art, Flammarion, 1995, p. 68.

9. Yves Sjöberg, ↑ Pour comprendre Delacroix, Beauchesne, 1963.

10. David Delpech, ↑ La France de 1799 à 1848 : Entre tentations despotiques et aspirations libérales, Armand Colin, , 132 p. (ISBN 978-2-200-29508-0 et 2-200-29508-1 , lire en ligne) .

11. " C'est que la Liberté n'est pas une comtesse / Du noble faubourg Saint-Germain " mais une " forte femme aux puissantes ↑ mamelles ".

12. Heinrich Heine, ↑ De la France, Paris, Eugène Renduel, 1833, p. 300.

13. ↑ .

14. ↑ a et b Hadjinicolaou 1979.

15. ↑ Journal des artistes, cité par Dominique Massonaud (sous la direction de), Le Nu moderne au salon (1799-1853) : revue de presse, Grenoble, 2005, p. 121.

16. ↑ Christophe Charle, La discordance des temps. Une brève histoire de la modernité, Armand Colin, , p. 32-33 .

17. A. Sérullaz et V. Pomarède, ↑ Eugène Delacroix : La Liberté guidant le peuple, collection Solo, Paris, 2004.

18. ↑ CRDP de Montpellier, page "quelques liens remarquables, Delacroix et Hugo".

19. ↑ Mathilde Larrère, " " La Liberté guidant le peuple ". Le destin d'une icône révolutionnaire ", dans : Mathilde Larrère éd., Révolutions. Quand les peuples font l'histoire, Belin,, 2013, p. 68-71.

20. Virginie Chardin, ↑ Paris et la photographie. Cent histoires extraordinaires de 1839 à nos jours, Parigramme, , p. 184 .

21. ↑ La Liberté guidant le peuple de Yue Minjun, cf (en) Julia Frances Andrews, Kuiyi Shen, James Quandt, Uli Sigg, Mahjong. Art, Film, and Change in China, University of California, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, , p. 118 .

22. ↑ Pascal Riché, " Couvrez ce sein de la Liberté ! ", Rue89.com,‎ (lire en ligne) .

23. ↑ .

24. ↑ .

25. Herman Braun-Vega, ↑ " George Sand dans l'atelier de Delacroix ", Acrylique sur toile et collages, 146 x 146 cm (consulté le )

26. Musées de Châteauroux, ↑ George Sand : Interprétations 2004, Nantes, éditions joca seria, , 256 p. (ISBN 978-2-848-09036-8 ), p. 75 :

" Accrochée au mur [...], on voit une eau-forte Que se la llevaron de Los caprichos de Goya. On sait que Delacroix en a fait d'excellentes copies à la plume. Aujourd'hui, il semble évident que Le 28 juillet, La Liberté guidant le Peuple (1831) a une relation syncrétique avec deux formidables tableaux: 2 de mayo de 1808 et 3 de mayo de 1808 peints par Goya, représentant la révolte d'un peuple et la violence répressive. "

27. ↑ a et b Jean-Claude Caron, " Si proche, si loin. Réflexions sur quelques usages contemporains du XIXe siècle ", Romantisme, no 191,‎ , p. 50 .

28. " ↑ (en) Katie Zezima, Ban on Saucy Beer Labels Brings a Free-Speech Suit ", The New York Times.com ,‎ (lire en ligne) .

29. ↑ Maine Civil Liberties Union Foundation.

30. " ↑ Un tableau de Delacroix censuré en Turquie ", Le Monde,‎ (lire en ligne).

31. ↑ Site ladepeche.fr, article "La décoration du Beluga est signée.... Delacroix", consulté le 13 janvier 2020.

32. ↑ Harry Bellet et Yves-Michel Riols, " a b et c La France veut prêter " La Liberté... " de Delacroix à la Chine ", Le Monde,‎ (lire en ligne, consulté le ) .

33. " ↑ L'inscription sur "La Liberté guidant le peuple" "intégralement retirée" ", Le Monde.fr,‎ (lire en ligne, consulté le )

34. Le tag " AE911 " fait référence à ↑ " Architects & Engineers for 9/11 Truth ", association qui regroupe des architectes et des ingénieurs tenant de la théorie du complot autour des attentats du 11 septembre 2001. Cf .

35. Bernadette Arnaud, " ↑ Mon intervention a permis de supprimer l'encre sans solubiliser le vernis ", Sciences et Avenir.fr,‎ (lire en ligne) .

36. ↑ Déclaration vocale du directeur des collections du Musée du Louvre, Enregistré sur l'application Bobler, 10 décembre 2013.

Voir aussi

Sur les autres projets Wikimedia :

: document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

(en) David Bellos , " In the Mind's Eye : The Meanings of Liberty Guiding the People ", dans Michael Freeman, Elizabeth Fallaize, Jill Forbes, Toby Garfitt, Roger Pearson et Janis Spurlock (dir.), The Process of Art : Essays on Nineteenth-century French Literature, Music in Honour of Alan Raitt, Oxford, Clarendon Press, , XXXII -214 p. (ISBN 0-19-815953-6 ), p. 11-24 .

T.J. Clark, Le Bourgeois absolu - Les Artistes et la politique en France de 1848 à 1851, Art édition, 1992. (Chapitre I - (en) " The picture of the Barricade " consultable en ligne).

Nicos Hadjinicolaou, " La Liberté guidant le peuple de Delacroix devant son premier public ", Actes de la recherche en sciences sociales, vol. 28,‎ (lire en ligne) ..

Lee Johnson et Michèle Hannoosh (ed.), Eugène Delacroix, Les Nouvelles Lettres, Bordeaux, William Blake & Co., 2000.

Hélène Toussaint, La Liberté guidant le peuple, RMN, coll. " les dossiers du Département du Louvre " (no 26), ..

Jörg Traeger, " L'épiphanie de la Liberté. La Révolution vue par Eugène Delacroix ", Revue de l'Art, vol. 98,‎ , p.9-28 ..

Myriam Tsikounas, " Le Gamin et la Liberté à la conquête des beaux quartiers ", Imaginaires urbains. Du Paris romantique à nos jours, Paris, Le Manuscrit, janvier 2011, p. 247-250.

# data[].attributes.attachment_link.title
La Liberté guidant le peuple - Wikipédia

# data[].attributes.attachment_link.description
Basculer la table des matières Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. La Liberté guidant le peuple La Liberté guidant le peuple. La Liberté guidant le peuple est une huile sur toile d' Eugène Delacroix réalisée en 1830, inspirée de la révolution des Trois Glorieuses.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
AlloCiné

Spectateurs

4,0 18733 notes, 1095 critiques

Synopsis

Avertissement : des scènes, des propos ou des images peuvent heurter la sensibilité des spectateurs

Stéphane, tout juste arrivé de Cherbourg, intègre la Brigade Anti-Criminalité de Montfermeil, dans le 93. Il va faire la rencontre de ses nouveaux coéquipiers, Chris et Gwada, deux "Bacqueux" d'expérience. Il découvre rapidement les tensions entre les différents groupes du quartier. Alors qu'ils se trouvent débordés lors d'une interpellation, un drone filme leurs moindres faits et gestes...

Regarder ce film

Bande-annonce

1:48

Interview, making-of et extrait

2:45

Dernières news

Acteurs et actrices

Critiques Presse

Chaque magazine ou journal ayant son propre système de notation, toutes les notes attribuées sont remises au barême de AlloCiné, de 1 à 5 étoiles. Retrouvez plus d'infos sur notre page Revue de presse pour en savoir plus.

Critiques Spectateurs : ils ont aimé

Meilleures critiques les plus utiles

Alors bon...que dire...c est un bon film oui, mais pas le truc de dingue dont les médias nous rabâchent les oreilles depuis 15 jours! En fait avec le recul je me dis que toutes les critiques dithyrambique sont le fait d un microcosme parisien qui s amuse a s s'encanailler en faisant mine d avoir decouvert le nouveau Spike Lee alors qu'au fond ben la problématique d origine ils s en foutent!!!! Le film est bon je le répète, même agréable à ...
Lire plus

(...) le film est fort, très fort. Le réel est là mais il n'a rien des clichés du genre " film de banlieue " qui a fleuri sur les écrans. Le rythme est soutenu mais pas excité, la musique n'est pas du rap mais plutôt électro. On suit Issa durant tout le film, un jeune Gavroche de 14 ans comme un autre, qui se lâche pour exister. (...) Il n'y a pas ici de bon ou de méchant mais chacun est à sa place. La banlieue n'y est pas un ...
Lire plus

Il est toujours difficile de prédire le succès d'un film mais Les misérables a vraiment toutes les cartes en mains pour en devenir un de grande ampleur. Parce qu'il est très efficace, tendu comme un arc et finalement consensuel, dans la bonne acception du terme, à savoir qu'il ne condamne personne a priori et fait preuve d'une certaine bienveillance. De là à dire qu'il ménage la chèvre et le chou est un peu excessif mais il est vrai ...
Lire plus

Après Joker voici les Misérables qui est un chef d œuvre et qui prend aux tripes, super scénario on s'y croit vraiment et on est angoisse les acteurs sont magistraux à voir absolument

Photos

Secrets de tournage

Expériences passées

Ladj Ly est à l'origine un membre du collectif Kourtrajmé créé en 1994 par Kim Chapiron, Toumani Sangaré et Romain Gavras. Il a par le passé réalisé des web-documentaires qui ont été remarqués, comme 365 jours à Clichy-Montfermeil, tourné pendant les émeutes de 2005, et 365 jours au Mali, où il s'est immergé dans ce pays pendant un an. Ladj Ly a aussi mis en scène le docu-fiction sur la banlieue Go Fast Connexion et le documentaire sur l'éloquenc Lire plus

100% authentique

Les Misérables est le premier long métrage de fiction de Ladj Ly, produit dans le système classique. Avec ce film, le réalisateur raconte un peu sa vie, ses expériences, celles de ses proches. Il explique : "Tout ce qui est dedans est basé sur des choses vécues : la liesse de la Coupe du monde évidemment, l'arrivée du nouveau flic dans le quartier, l'histoire du drone... Pendant cinq ans, avec ma caméra, je filmais tout ce qui se passait dans le Lire plus

Films sur la banlieue en France

Les Misérables fait partie des nombreux films français sur la banlieue. Parmi les plus connus, nous pouvons compter La Haine (1995), Raï (id.), Divines (2016), Chouf (id.), De bruit et de fureur (1988), Dheepan (2015), La Cité rose (2013), Ma 6-T va crack-er (1997), Bande de filles (2014), Qu'Allah bénisse la France (id.), La Squale (2000), Comme un aimant (id.) ou encore le récent Banlieusards (2019).

Infos techniques

Récompenses 11 prix et 18 nominations

Date de sortie DVD 25/03/2020

Date de sortie Blu-ray 03/06/2020

Date de sortie VOD 19/03/2020

Type de film Long métrage

Secrets de tournage 13 anecdotes

Box Office France 2 170 472 entrées

Si vous aimez ce film, vous pourriez aimer ...

Pour découvrir d'autres films : Meilleurs films de l'année 2019, Meilleurs films Policier, Meilleurs films Policier en 2019.

Commentaires

Ce film dans d'autres pays

Os Miseráveis (Brésil)

Die Wütenden - Les Misérables (Allemagne)

Los miserables (Espagne)

Top actus ciné de la semaine

Cité / Banlieue (216)

Equipe / Equipage (257)

Police / Policier (1570)

Violence (1363)

Délinquance / Délinquant (211)

Arrestation (93)

Films Prochainement au Cinéma

Les Fantômes

Paradis Paris

Vice-Versa 2

Tehachapi

Garfield : Héros malgré lui

To The Moon

Billy le hamster cowboy

Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau

Santosh

Back to Top

# data[].attributes.attachment_link.description
Les Misérables est un film réalisé par Ladj Ly avec Damien Bonnard, Alexis Manenti. Synopsis : Stéphane, tout juste arrivé de Cherbourg, intègre la Brigade Anti-Criminalité de Montfermeil, dans le 93. Il va faire la rencontre de ses nouveaux coéquipiers, Chris et Gwada, deux

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
De Man Ray à Hans Bellmer en passant par Lee Miller, ils ont représenté le rêve et l'imaginaire. Revue des célèbres artistes surréalistes qui ont marqué l'histoire de la photographie.

# data[].attributes.attachment_link.description
De Man Ray à Hans Bellmer en passant par Lee Miller, ils ont représenté le rêve et l'imaginaire. Revue des célèbres artistes surréalistes qui ont marqué l'histoire de la photographie.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Vous êtes particulier, professionnel des médias, enseignant, journaliste... ? Découvrez les sites de l'INA conçus pour vous, suivez-nous sur les réseaux sociaux, inscrivez-vous à nos newsletters.

# data[].attributes.attachment_link.title
Emile Ajar, ou le canular de Romain Gary | INA

# data[].attributes.attachment_link.description
Vous êtes particulier, professionnel des médias, enseignant, journaliste... ? Découvrez les sites de l'INA conçus pour vous, suivez-nous sur les réseaux sociaux, inscrivez-vous à nos newsletters.

# data[].attributes.attachment_link.title
Émile ou de l'éducation | BnF Essentiels

# data[].attributes.attachment_link.description
L'Émile de Rousseau développe les principes d'une éducation idéale depuis la petite enfance jusqu'à l'âge adulte.

# data[].attributes.headline
Rousseau, Emile ou de l'éducation, 1762, "Rendez votre élève attentif aux phénomènes de la nature"

# data[].attributes.subject
Rousseau, Emile ou de l'éducation, 1762, "Rendez votre élève attentif aux phénomènes de la nature"

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Atelier philo | Site accompagnant le cours de Philosophie de G. Lequien

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Rendez votre élève attentif aux phénomènes de la nature, bientôt vous le rendrez curieux ; mais, pour nourrir sa curiosité, ne vous pressez jamais de la satisfaire. Mettez les questions à sa portée, et laissez-les lui résoudre. Qu'il ne sache rien parce que vous le lui avez dit, mais parce qu'il l'a compris lui-même; qu'il n'apprenne pas la science, qu'il l'invente. Si jamais vous substituez dans son esprit l'autorité à la raison, il ne raisonnera plus ; il ne sera plus que le jouet de l'opinion des autres.

Vous voulez apprendre la géographie à cet enfant, et vous lui allez chercher des globes, des sphères, des cartes: que de machines ! Pourquoi toutes ces représentations ? que ne commencez-vous par lui montrer l'objet même, afin qu'il sache au moins de quoi vous lui parlez !

Une belle soirée on va se promener dans un lieu favorable, où l'horizon bien découvert laisse voir à plein le soleil couchant, et l'on observe les objets qui rendent reconnaissable le lieu de son coucher. Le lendemain, pour respirer le frais, on retourne au même lieu avant que le soleil se lève. On le voit s'annoncer de loin par les traits de feu qu'il lance au-devant de lui. L'incendie augmente, l'orient paraît tout en flammes ; à leur éclat on attend l'astre longtemps avant qu'il se montre ; à chaque instant on croit le voir paraître ; on le voit enfin. Un point brillant part comme un éclair et remplit aussitôt tout l'espace; le voile des ténèbres s'efface et tombe. L'homme reconnaît son séjour et le trouve embelli. La verdure a pris durant la nuit une vigueur nouvelle ; le jour naissant qui l'éclaire, les premiers rayons qui la dorent, la montrent couverte d'un brillant réseau de rosée, qui réfléchit à l'oeil la lumière et les couleurs. Les oiseaux en choeur se réunissent et saluent de concert le père de la vie ; en ce moment pas un seul ne se tait ; leur gazouillement, faible encore, est plus lent et plus doux que dans le reste de la journée, il se sent de la langueur d'un paisible réveil. Le concours de tous ces objets porte aux sens une impression de fraîcheur qui semble pénétrer jusqu'à l'âme. Il y a là une demi-heure d'enchantement auquel nul homme ne résiste ; un spectacle si grand, si beau, si délicieux, n'en laisse aucun de sang-froid.

Plein de l'enthousiasme qu'il éprouve, le maître veut le communiquer à l'enfant : il croit l'émouvoir en le rendant attentif aux sensations dont il est ému lui-même. Pure bêtise ! c'est dans le coeur de l'homme qu'est la vie du spectacle de la nature ; pour le voir, il faut le sentir. L'enfant aperçoit les objets, mais il ne peut apercevoir les rapports qui les lient, il ne peut entendre la douce harmonie de leur concert. Il faut une expérience qu'il n'a point acquise, il faut des sentiments qu'il n'a point éprouvés, pour sentir l'impression composée qui résulte à la fois de toutes ces sensations. S'il n'a longtemps parcouru des plaines arides, si des sables ardents n'ont brûlé ses pieds, si la réverbération suffocante des rochers frappés du soleil ne l'oppressa jamais, comment goûtera-t-il l'air frais d'une belle matinée ? comment le parfum des fleurs, le charme de la verdure, l'humide vapeur de la rosée, le marcher mol et doux sur la pelouse, enchanteront-ils ses sens ? Comment le chant des oiseaux lui causera-t-il une émotion voluptueuse, si les accents de l'amour et du plaisir lui sont encore inconnus ? Avec quels transports verra-t-il naître une si belle journée, si son imagination ne sait pas lui peindre ceux dont on peut la remplir ? Enfin comment s'attendrira-t-il sur la beauté du spectacle de la nature, s'il ignore quelle main prit soin de l'orner ?

Ne tenez point à l'enfant des discours qu'il ne peut entendre. Point de descriptions, point d'éloquence, point de figures, point de poésie. Il n'est pas maintenant question de sentiment ni de goût. Continuez d'être clair, simple et froid; le temps ne viendra que trop tôt de prendre un autre langage.

Elevé dans l'esprit de nos maximes, accoutumé à tirer tous ses instruments de lui-même, et à ne recourir jamais à autrui qu'après avoir reconnu son insuffisance, à chaque nouvel objet qu'il voit il l'examine longtemps sans rien dire. Il est pensif et non questionner. Contentez-vous de lui présenter à propos les objets; puis, quand vous verrez sa curiosité suffisamment occupée, faites-lui quelque question laconique qui le mette sur la voie de la résoudre.

Dans cette occasion, après avoir bien contemplé avec lui le soleil levant, après lui avoir fait remarquer du même côté les montagnes et les autres objets voisins, après l'avoir laissé causer là-dessus tout à son aise, gardez quelques moments le silence comme un homme qui rêve, et puis vous lui direz : Je songe qu'hier au soir le soleil s'est couché là, et qu'il s'est levé là ce matin. Comment cela peut-il se faire ? N'ajoutez rien de plus: s'il vous fait des questions, n'y répondez point ; parlez d'autre chose. Laissez-le à lui-même, et soyez sûr qu'il y pensera.

Questions de compréhension :

Selon Rousseau, le professeur doit-il répondre aux questions que pose l'enfant ? Justifiez pourquoi.

Pour apprendre, l'élève doit-il imiter le maître ? Utilisez un raisonnement par l'absurde.

# data[].attributes.attachment_link.title
Rousseau : Le maître doit-il transmettre ce qu'il sait ? | Atelier philo

# data[].attributes.attachment_link.description
Rendez votre élève attentif aux phénomènes de la nature, bientôt vous le rendrez curieux ; mais, pour nourrir sa curiosité, ne vous pressez jamais de la satisfaire. Mettez les questions à sa portée, et laissez-les lui résoudre. Qu'il ne sache rien parce que vous le lui avez dit, mais parce qu'il l'a compris lui-même; qu'il n'apprenne pas la science, qu'il l'invente.

# data[].attributes.headline
Rousseau, "L'astronomie est bonne à quelque chose"

# data[].attributes.subject
Rousseau, "L'astronomie est bonne à quelque chose"

# data[].attributes.attachment_link.title
L'astronomie est bonne à quelque chose | BnF Essentiels

# data[].attributes.attachment_link.description
Émile et Jean-Jacques observent la position de la forêt de Montmorency pour s'orienter et regagner leur logis... et leur déjeuner.

# data[].attributes.headline
Rousseau, Emile ou de l'éducation 1762, "Je ne conçois qu'une manière de voyager plus agréable que d'aller à cheval ; c'est d'aller à pied"

# data[].attributes.subject
Rousseau, Emile ou de l'éducation 1762, "Je ne conçois qu'une manière de voyager plus agréable que d'aller à cheval ; c'est d'aller à pied"

# data[].attributes.body
2

# data[].attributes.attachment_link.title
Quand on veut voyager, il faut aller à pied | BnF Essentiels

# data[].attributes.headline
"Les hussards noirs de la République ou les combats pour l'école laïque", émission de Radio France, Le Cours de l'histoire

# data[].attributes.subject
"Les hussards noirs de la République ou les combats pour l'école laïque", émission de Radio France, Le Cours de l'histoire

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le Cours de l'Histoire s'intéresse aux hussards noirs de la République, ces combattants pour la laïcité, figures mythiques des instituteurs de la Troisième République qui se sentent investis d'une mission : enraciner le régime républicain au cœur de la société française.

La loi du 28 mars 1882

Il est des textes de loi qu'il est bon de lire et de contextualiser. La loi du 28 mars 1882 par exemple. Elle est signée par Jules Grévy, alors président de la République et par Jules Ferry, ministre de l'Instruction publique et des beaux-arts. Il y est inscrit :
L'enseignement primaire comprend :

l'instruction morale et civique,

la lecture et l'écriture, langue et les éléments de la littérature française,

la géographie, particulièrement celle de la France,

l'histoire, particulièrement celle de la France jusqu'à nos jours,

quelques notions usuelles de droit et d'économie politique,

les éléments des sciences naturelles physiques et mathématiques et leurs applications à l'agriculture, à l'hygiène, aux arts industriels

les travaux manuels et usage des outils des principaux métiers,

les éléments du dessin, du modelage et de la musique,

la gymnastique

Dans les années 1880, la jeune Troisième République - elle a dix ans - souhaite donc enseigner les valeurs de la République et une manière de vivre en société.

Les hussards noirs, combattants pour la laïcité

Cette loi de 1882 n'est donc pas le début des combats pour un enseignement laïque, mais elle en est un moment essentiel. Ces combats, commencés au mi-temps des années 1860 par Victor Duruy, se poursuivent bien après et ils se poursuivent aujourd'hui plus que jamais.

"*Pour les républicains qui sont majoritaires assez tardivement, en 1879, à la fois à la Chambre des députés et au Sénat, la laïcité est un idéal et un principe d'organisation de la société. (...) Les hussards noirs sont les combattants de l'instruction publique, ils vont s'efforcer de laïciser les écoles et essayer de convaincre la population des bienfaits de la laïcité tout en tenant compte du milieu dans lequel ils exercent. On pense notamment aux régions les plus catholiques, les plus ferventes dans lesquelles ces instituteurs laïcs vont être confrontés parfois à l'hostilité d'une partie de la population et à la concurrence de l'enseignement congréganiste. Ces instituteurs vont devoir faire la preuve de l' efficacité pédagogique * de cette école et montrer l'intérêt que peut avoir le principe de liberté de conscience", explique Jérôme Krop

L'enseignement religieux remplacé par une instruction morale et civique

Ainsi "L'enseignement religieux devient une affaire qui dépend entièrement des familles, pendant la journée de congé du jeudi, en dehors des locaux scolaires. À partir de 1882 il n'y a plus d'enseignement religieux à l'école. Cet enseignement est remplacé par une instruction morale et civique. Pour les républicains il s'agit d'instituer un enseignement basé sur des connaissances positives et bannissant toute volonté de transmettre des croyances religieuses ou philosophiques, même si évidemment, on demande aux instituteurs d'être les propagateurs des valeurs de la République - attachement à la démocratie, déclaration des droits de l'homme - en gros de faire de la citoyenneté une appartenance qui unit tous les Français par-delà la diversité de leurs croyances religieuses ou de leurs options philosophiques (...) L'ambition est vraiment de convaincre et de pacifier la situation", poursuit Jérôme Krop

Les visées ultraconservatrices de l'école publique dans les colonies

Cependant selon Céline Labrune-Badiane, " en Afrique-Occidentale française, le contexte politique est extrêmement différent puisqu'on est dans une situation coloniale et que d'autre part ce n'est pas la même école qui est transposée dans les colonies : ce n'est pas l'école de la République, c'est une école qui a des visées ultraconservatrices. Mais néanmoins il y a l'idée commune d'une mission à accomplir. Et ces instituteurs africains aussi considèrent qu'ils ont une mission à accomplir. Ils ont cette foi en commun, en des valeurs et un idéal à poursuivre."

L'historienne constate qu'il existe à l'évidence une différence fondamentale entre colonies et métropole " l'école coloniale ne vise pas à former des citoyens mais pour reprendre les termes d'un gouverneur général, elle vise "à former des hommes utiles" et subalternes donc des auxiliaires de l'administration ou des personnes utiles au commerce."
Programmation sonore :

Lecture par Olivier Martinaud d'un extrait de L'argent (1913) de Charles Péguy.

Archive - 27/04/1970 - ORTF - Extrait de l'émission émission Arguments - Les instituteurs. Témoignage des relations entre curé et instituteur.

Extrait de l'épisode 1 de la série La Dictée (1984), réalisée par Jean-Pierre Marchand.

Lecture par Olivier Martinaud d'un texte de 1931 d'Albert Charton (inspecteur général de l'Enseignement en Afrique-Occidentale française de 1929 à 1937)

Extrait du téléfilm Le Temps d'une République : Un hussard noir en pays blanc (1978) d'Alain Boudet.

Références bibliographiques :
Jérôme Krop

L'élitisme républicain. La méritocratie scolaire sous la IIIe République (Presses universitaires de Rennes, 2014)

Les fondateurs de l'école républicaine - La première génération des instituteurs sous la IIIe République (Presses universitaires du Septentrion, 2016)

Céline Labrune-Badiane

Processus de scolarisation en Casamance : rythme et logique (1860-1960) Thèse de doctorat en histoire. (Université Paris Diderot, 2008)

Les Hussards noirs de la colonie. Instituteurs et petites patries en AOF (1913-1960) coécrit avec Étienne Smith (Karthala, 2018)

# data[].attributes.attachment_link.title
Les hussards noirs de la République ou les combats pour l'école laïque

# data[].attributes.attachment_link.description
Depuis les lois Ferry, dans les années 1880, l'école est gratuite, obligatoire et l'enseignement est laïque. En 1913, Charles Péguy qualifie les instituteurs de "hussards noirs". Le terme est resté : combatifs, engagés dans la formation des jeunes générations, ils défendent l'école de la République.

# data[].attributes.headline
Hommage national à Samuel Paty, octobre 2020

# data[].attributes.subject
Hommage national à Samuel Paty, octobre 2020

# data[].attributes.headline
JeongMee Yoon, "The Pink and Blue Project"

# data[].attributes.subject
JeongMee Yoon, "The Pink and Blue Project"

# data[].attributes.attachment_link.title
JeongMee Yoon documente la vie en rose (et bleu) des enfants

# data[].attributes.attachment_link.description
JeongMee Yoon est une photographe et professeure d’origine sud-coréenne. Artiste reconnue dans son pays d’origine, elle acquiert en 2005, une…

# data[].attributes.headline
Analyse des contes de fée racontés aux enfants, par Elena Belotti, Du côté des petites filles, 1973

# data[].attributes.subject
Analyse des contes de fée racontés aux enfants, par Elena Belotti, Du côté des petites filles, 1973

# data[].attributes.headline
Annie Ernaux, transfuge de classe, émission radiofrance

# data[].attributes.subject
Annie Ernaux, transfuge de classe, émission radiofrance

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Qu'il s'agisse de relater son avortement clandestin, d'interroger sa condition de femme, de réfléchir à sa trajectoire de transfuge de classe ou de penser son histoire individuelle au sein du XXème et du XXIème siècle, Annie Ernaux est une écrivaine qui semble déterminée à se confronter au réel afin d' "écrire la vie". C'est d'ailleurs le titre de son Quarto paru aux éditions Gallimard où sont rassemblés ses plus grands textes.

Issue d'une famille de petits commerçants normands, Annie Ernaux a eu un parcourt de "transclasse" aux nombreuses étapes qui l'a fait passer d'un milieu à un autre. Première de sa famille à faire des études supérieures à l'Université de Rouen, elle obtient le Capes puis l'agrégation en poche, Annie Ernaux déménage, se marie et apprend à devenir mère de famille bourgeoise à Cergy. Après la publication de son premier roman en 1974, la reconnaissance arrive avec le Renaudot pour La Place en 1983 avec lequel elle découvre le pouvoir de l'écriture. Comme elle le raconte "Un livre lu puis posé sur l'étagère et oublié, ce n'est pas quelque chose que j'ambitionnais. [...] Je ne pensais pas que je pouvais changer la vie des gens. Ç_a, ça a été une découverte avec La Place car je recevais de partout des témoignages me disant que j'avais raconté leur histoire._"

Son écriture autobiographique puise dans le matériel personnel qu'est sa vie afin d'écrire des récits qui parlent à la collectivité des lecteurs. Son regard critique et distancié, largement empreint de sociologie, lui permet de raconter l'intime et le collectif simultanément. Ce projet d'écriture culmine avec Les Années (2008), une large fresque historique de l'après-guerre jusqu'à 2008 qui se fait "autobiographie collective". Le format de l'autofiction sociologique qu'elle a inventé pour décrire sa trajectoire sociale a inspiré de nombreux autres auteurs comme Didier Eribon, Edouard Louis ou Marie NDiaye. Par son écriture, elle se sent " traversée par les autres comme une putain. Ce double mouvement de séparation et d'être traversée fait que j'écris." (Annie Ernaux).

Annie Ernaux est aussi reconnue comme une écrivaine féministe qui a toujours cherché à décortiquer la domination masculine et à comprendre les enjeux de la condition féminine. En racontant son avortement, en analysant sa situation de mère de famille ou en scrutant son propre désir sexuel, elle dote les femmes de récits et de représentations inédites. Le fait-même d'avoir recouru à l'avortement clandestin a forgé son écriture car, comme elle le dit : " je ne pouvais plus écrire comme j'avais écrit avant, qui était la recherche d'une forme à tout prix, qui était purement intellectuelle. Je n'écrivais pas avec mon corps."

A 81 ans, c'est maintenant d'un bout de sa vie qu'elle écrit les autres, toujours avec son corps mais un corps d'écrivain. " Les écrivains travaillent, mais ce n'est pas avec les mains. Ce n'est pas vraiment le corps de la fatigue, c'est avec sa tête, sa mémoire. Mais ça suppose un corps, c'est tout. Et le corps quelques fois vous lâche. Ça m'arrive souvent. J'ai 81 ans, mais je suis frappée par la simplicité de vieillir et des choses qui changent et qu'on n'avait pas prévues. La mémoire et la perception du temps sont différentes. Il y a un changement perpétuel de regard sur son histoire, sur son passé. Par rapport au monde aussi. Il n'y a pas de peur. J'ai de l'étonnement." constate Annie Ernaux.

Extraits sonores

Module Nina Bouraoui (France Inter, 10.18), Didier Eribon (France Inter, 02.15), Marie NDiaye (France Inter, 12.16)

Nicolas Mathieu, France Culture, 11.18

Edouard Louis, sur "Qui a tué mon père", France Inter, 06.18

# data[].attributes.attachment_link.title
Transfuges de classe : à l'origine était... Annie Ernaux

# data[].attributes.attachment_link.description
On ne compte plus les écrivains que Annie Ernaux a inspirés. Égérie des "transclasses", elle est aussi reconnue comme la mère de l'autofiction sociologique contemporaine et comme une écrivaine féministe déterminante. Elle est avec nous pour cette Grande table des idées.

# data[].attributes.headline
Manuel le livre scolaire sur le romantisme

# data[].attributes.subject
Manuel le livre scolaire sur le romantisme

# data[].attributes.attachment_link.description
Retrouvez la leçon et de nombreuses autres ressources sur la page Le romantisme

# data[].attributes.headline
Manuel le livre scolaire sur la poésie romantique

# data[].attributes.subject
Manuel le livre scolaire sur la poésie romantique

# data[].attributes.attachment_link.title
La poésie romantique | Lelivrescolaire.fr

# data[].attributes.attachment_link.description
Retrouvez la leçon et de nombreuses autres ressources sur la page La poésie romantique

# data[].attributes.headline
Le romantisme sur le site "commentairecompose.fr

# data[].attributes.subject
Le romantisme sur le site "commentairecompose.fr

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le romantisme est un vaste mouvement artistique qui s'impose en France durant la première moitié du XIXème siècle, entre 1800 et 1850.

Le romantisme se construit en opposition au classicisme.

C'est un mouvement littéraire qui prône l'exaltation des sentiments, de la sensibilité et la recherche de la liberté.

Le romantisme : la vidéo

I - Le contexte historique du romantisme (1800-1850)

◊ Des origines anglaises et allemandes

Le Romantisme n'est pas né en France. C'est un courant artistique qui apparait en Allemagne et en Angleterre à la fin du XVIIIème siècle.

En réaction contre l'influence classique française, les anglais et les allemands remettent au goût du jour les légendes et traditions populaires de leur pays.

En France, le romantisme se développe vers 1760 avec La Nouvelle Héloïse et Les rêveries du promeneur solitaire de Jean-Jacques Rousseau. On parle de sentimentalisme ou de pré-romantisme : ces ouvrages prônent la sensibilité et l'expression des sentiments, en opposition avec le rationalisme des Lumières qui ne valorisait que la raison, les connaissances et le jugement.

Au tout début du 19ème siècle, Chateaubriand et Mme de Staël considèrent aussi que le rationalisme des Lumières bride le cœur, l'imagination et les sentiments et diffusent les idées du romantisme.

Le romantisme commence à s'imposer en France avec le succès des Méditations (1820) de Lamartine.

◊ Une réflexion sur l'art et le sublime

A la fin du 18ème siècle, Kant réfléchit à l'art et au sublime. L'art ne doit plus imiter servilement la nature mais il doit partir de la beauté naturelle pour accéder au sublime.

Dans la Critique de la faculté de juger (1790), Kant oppose le beau au sublime : est sublime ce qui dépasse le pouvoir de la représentation, ce qui est illimité, infini.

Ces réflexions sur l'art nourrissent le romantisme qui est une recherche perpétuelle de sublime.

◊ Des espoirs politiques déçus

Sur le plan historique, La France connaît une période agitée.

A la révolution française de 1789 succède des années de Terreur puis des guerres napoléoniennes. Les jeunes gens sont exaltés : ils rêvent de gloires et de trajectoires individuelles sublimes et fulgurantes.

Le calme revient au moment de la Restauration (1815-1830) puis de la Monarchie de juillet (1830-1848) qui ressemble à un coup d'état déguisé avec une réduction des libertés.

Les rêves de gloire et de révolution sont détruits et laissent place à la désillusion et à la mélancolie : c'est le Mal du siècle, ce sentiment d'échec, d'ennui et de désenchantement décrit par Musset dans la Confession d'un enfant du siècle (1836).

II - Les principes du romantisme

◊ Le culte du moi et l'expression des sentiments

Le Romantisme valorise l'expression des sentiments et de la sensibilité comme Victor Hugo dans les Contemplations (1856).

Le " moi " n'est plus analysé comme dans le classicisme : il est exalté, libéré d'où de nouvelles formes artistiques comme les journaux intimes ou le succès d'œuvres lyriques comme les Méditations poétiques (1820) de Lamartine.

Le Romantisme montre l'individu et son monde intérieur, ses épanchements, ses émotions et ses aspirations.

◊ Le mal du siècle ou la mélancolie

Mais la réalité ne se plie pas toujours aux aspirations romantiques. Les rêves de gloire et de sublime sont souvent déçus et mènent à des sentiments douloureux : la nostalgie, la mélancolie, la tristesse.

C'est ce que les Romantiques appellent le Mal du Siècle, un mal de vivre issu de la déception des promesses non tenues par la Révolution française, très bien décrit par Musset dans Confessions d'un enfant du siècle (1836).

◊ La recherche de l'ailleurs

Insatisfait, souffrant du Mal du siècle, les artistes romantiques recherchent l'ailleurs.

Ils se tournent vers le passé : le Moyen-Âge est ravivé Notre-Dame de Paris de Victor Hugo, Musset dépeint la Renaissance italienne dans Alexandre Dumas écrit des romans historiques comme Les trois Mousquetaires.

Les romantiques se tournent aussi vers la nature, les voyages ou le rêve, l'exotisme.

Ils rêvent de contrées plus exotiques comme dans les Orientales (1829) d'Hugo ou entrent dans une communion mystique avec la nature (voir par exemple " Crépuscule " de Victor Hugo).

◊ Un goût pour le mystère et le fantastique

Le mouvement romantique exacerbe le fantastique, le mystère, le surnaturel.

On parle de roman gothique ou de " Romantisme Noir" avec des oeuvres comme Frankenstein de Mary Shelley (auteur anglais), Pauline d'Alexandre Dumas, Chimères de Nerval (voir l'analyse de " El desdichado" ) ou le succès de La Vénus D'Ille de Prosper Mérimée.

Les auteurs romantiques sont fascinés par le difforme ( Notre-Dame de Paris de Victor Hugo), les monstres ( L'homme qui rit de Victor Hugo), le morbide (avec Baudelaire dans L es Fleurs du Mal).

◊ La recherche de la liberté

Le Romantisme est épris de liberté :

♦ D'un point de vue formel, les romantiques veulent libérer l'écriture des règles traditionnelles qui étouffent l'imagination et la sensibilité.

Par exemple, le théâtre romantique refuse les règles classiques des trois unités (unité de lieu, de temps, d'action) comme Musset dans Lorenzaccio (1834), Victor Hugo dans Hernani (1830) ou Cyrano de Bergerac d'Edmond Rostand (1897). C'est la création du drame romantique théorisé par Victor Hugo dans la préface de Cromwell.

Le Romantisme favorise le mélange des genres dans une même pièce. Victor Hugo, dans La Préface de Cromwell préconise de mêler le sublime et le grotesque.

♦ La quête de liberté s'étend à la vie : des auteurs romantiques comme Lamartine et Victor Hugo s'engagent en politique pour les libertés. Victor Hugo par exemple est célèbre pour son combat contre la peine de mort exprimée dans Le Dernier Jour d'un condamné (1828).

Le peintre Eugène Delacroix représente parfaitement cette soif de liberté des romantiques dans " La liberté guidant le peuple " :

" La liberté guidant le Peuple ", Delacroix

III - Les caractéristiques de l'écriture romantique

◊ Le registre lyrique

Le registre lyrique est le registre par excellence du mouvement romantique. Il permet l'exaltation des sentiments, l'expression des émotions comme la mélancolie.

Par exemple :
J'ai perdu ma force et ma vie,
Et mes amis et ma gaieté;
J'ai perdu jusqu'à la fierté
Qui faisait croire à mon génie.
(Musset, " Tristesse " , 1840)

Analyse : Dans " Tristesse ", le registre lyrique exprime la mélancolie. Le poète transcende ce mal de vivre grâce à la foi et à la poésie.

◊ Le registre épique

Le registre épique est également fréquent dans les écrits romantiques. Il exalte l'énergie, la force, le sublime et met en exergue des trajectoires individuelles extraordinaires.
Détrompe-toi. Je suis une force qui va !
Agent aveugle et sourd de mystères funèbres
Une âme de malheur faite avec des ténèbres !
Où vais-je ? je ne sais. Mais je me sens D'un souffle impétueux, d'un destin insensé.
(Victor HUGO, Hernani, Acte III, scène 4, 1830)

Dans cette réplique, Hernani demande à Doña Sol qu'il aime de ne plus le voir. Le registre épique montre la force qui l'entraîne et le sublime de sa destinée.

◊ L'antithèse

L'antithèse est une figure de style qui met en valeur des contrastes, des contradictions. Elle est fréquemment utilisée pour dépeindre l'âme tourmentée et irrationnelle des romantiques.

◊ L'hyperbole

L'hyperbole permet d'exalter les sentiments, les forces du mal, de glorifier l'artiste, d'approcher du sublime. Par exemple, dans cette hyperbole, Victor Hugo suggère la toute-puissance de la mort sur le destin des hommes.

" Ce n'était qu'un sanglot sur terre, en haut, en bas "

(Victor HUGO, Les Contemplations, " Mors ")

IV - Les principaux auteurs et œuvres romantiques

Le romantisme s'est exprimé dans tous les genres littéraires : essais, poésie mais aussi le roman et le théâtre qu'il a profondément renouvelés.

◊ Théâtre

Il faut d'abord retenir la Préface de Cromwell (1827) de Victor Hugo car il s'agit d'un véritable manifeste du drame romantique.

(Il ne s'agit pas d'une pièce de théâtre mais d'une préface).

Victor Hugo y dénonce les règles du théâtre classique, le caractère artificiel de l'alexandrin classique pour proposer un théâtre plus libre et plus vivant.

Les drames romantiques célèbres sont et de Victor Hugo, Lorenzaccio de Musset.

◊ Roman

Le romantisme s'exprime avec une grande diversité dans le genre romanesque. On peut retenir René et Atala de Chateaubriand, Notre-Dame de Paris de Victor Hugo, Le Rouge et le noir de Stendhal.

Stendhal est un romancier qui se situe à la croisée du réalisme et du romantisme. Julien Sorel, le héros du Rouge et le Noir est un héros fougueux, enthousiaste, qui voue un culte à Napoléon mais dont la sensibilité ne sera pas reconnue par la société sclérosée dans laquelle il évolue (voir la fiche de lecture du Rouge et le Noir).

◊ Poésie

La poésie romantique met en avant les thèmes de l'amour, de la nature, et des sentiments dans une tonalité souvent lyrique.

Très riche, elle foisonne de métaphores, hyperboles, oxymore qui mettent en relief la sensibilité, les tourments et la subjectivité.

La poésie romantique est particulièrement bien représentée par Victor Hugo dans Les Contemplations ou Les Châtiments, par Musset dans Les Nuits et par Lamartine dans Méditations poétiques.

Par exemple, dans " Le Lac ", Lamartine utilise l'espace du lac pour exprimer la nostalgie de la jeunesse et le souvenir des amours mortes :
Ô temps ! suspends ton vol, et vous, heures propices !
Suspendez votre cours :
Laissez-nous savourer les rapides délices
Des plus beaux de nos jours !
Prêt à te tester ?

Alors fais mon quiz sur le romantisme 🙂

Tu veux en savoir plus sur d'autres mouvements littéraires ? Regarde aussi :

# data[].attributes.attachment_link.title
Le romantisme : fiche de révision pour le bac de français

# data[].attributes.attachment_link.description
Le romantisme, mouvement littéraire du XIXème siècle, prône l'exaltation des sentiments et la liberté. Victor Hugo, Musset, Chateaubriand en sont les auteurs clés.