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UNIVERSIDADE FEDERAL DO TOCANTINS-UFT

CURSO DE MUSICA

MATERIA: FUNDAMENTOS DA EDUCAÇÃO MUSICAL

ACADEMICO: EMILSON RODRIGUES REIS DIAS

Um pedagogo musical influente na história da educação musical é Zoltán Kodály. Kodály foi um compositor húngaro, etnomusicólogo e educador que desenvolveu um método pedagógico conhecido como o "Método Kodály". Ele estava preocupado em tornar a música acessível a todas as crianças e acreditava que a educação musical deveria começar desde cedo, incorporando canções folclóricas e atividades rítmicas.

O Método Kodály enfatiza a importância da educação auditiva e da internalização da música antes de introduzir a notação escrita. Ele propôs o uso de jogos musicais, movimentos corporais e a incorporação de elementos da tradição musical folclórica local no processo de aprendizagem musical.

O legado de Kodály é duradouro, e seu método ainda é amplamente utilizado em escolas de música e programas educacionais em todo o mundo. Ele desempenhou um papel significativo na promoção da educação musical acessível e na integração da música na vida cotidiana das crianças.

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PROPOSTA PEDAGÓGICA DE HEITOR VILLA LOBOS

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PROPOSTA PEDAGÓGICA DE HEITOR VILLA LOBOS

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UNIVERSIDADE FEDERAL DO TOCANTINS

FUNDAMENTOS DA EDUCAÇÃO MUSICAL

PROFª ADRIANA DOS REIS MARTINS

ACADÊMICO: WESLEY ALVES DA SILVA

POLO: ARAGUATINS

Heitor Villa-Lobos nasceu em 5 de março de 1887, no Rio de Janeiro.

A influência musical do maestro foi direcionada pelo pai, que o ensinou a tocar clarinete e violoncelo.

Como o compositor trabalhou com a musicalização infantil?

Para muitos o maestro e compositor Heitor Villa-Lobos é uma das figuras mais importantes na história da educação musical brasileira. O carioca nascido em 1887 também é reconhecido por trazer uma linguagem mais abrasileirada à música erudita nacional. Sua relação com a musicalização nasce do desejo de elevar a educação musical e artística do povo brasileiro.

Muito influenciado pelo folclore nas suas composições, já na década de 20 elaborou o “ Guia Prático”. Esta coletânea de 137 canções foi destinada à educação musical no país. Ele considerava que este guia apresentava a fisionomia sonora do Brasil, aproveitando nosso rico patrimônio folclórico. Entre 1924 e 1927 o músico realizou viagens determinantes pela a Europa.

Trouxe de lá, as intensificadas influências do Canto Orfeônico – predominantes nesta fase. Em 1933 Villa realizou uma viagem por 66 cidades espalhando a prática de canto coletivo. Um ano antes, o ensino musical nas escolas havia se tornado obrigatório. O projeto implantado era de autoria do maestro. Neste artigo trataremos de como o compositor trabalhou com a musicalização infantil. Confira!

Villa-Lobos e a influência do canto orfeônico

O canto orfeônico constituía uma prática de canto amadora e coletiva. Sua função original de disciplinar acabou cedendo à capacidade de democratização do ensino musical. Afinal, os instrumentos musicais são custosos e a sua inserção nas escolas seria uma grande dificuldade.

O canto, por outro lado, não padece destes empecilhos e Villa-Lobos sabia disto. Então, como o compositor trabalha com a musicalização infantil? Sabemos que ele aproveitou o canto orfeônico para implantar um projeto de educação musical em larga escala no Brasil. A função do ensino era despertar os sentimentos dos alunos.

Segundo o compositor, não apenas no âmbito estético, mas também moral. Havia, portanto, um componente de natureza cívica nas aulas. Apesar disto a prática não deveria ser orientada por uma autoridade rígida. Razão pela qual o aspecto lúdico sobressai na musicalização de Villa-Lobos.

Aproveitando o cancioneiro popular para falar à sensibilidade das crianças

A ideia do maestro era possibilitar através da imaginação o despertar da sensibilidade artística. A ponte que permitia que se atingisse esse objetivo era o cancioneiro infantil. Jogos e cantigas de ninar foram especialmente selecionados pelo compositor com esse fim. O desenvolvimento artístico das crianças viria enquanto cantavam estas músicas.

Villa-Lobos considerava ainda que o ensino musical deveria começar o mais cedo possível. O ideal era que a sua aquisição ocorresse tão precocemente quanto o desenvolvimento da linguagem. E da mesma forma que nesta, o primordial deveria ser a familiarização com os sons.

Isso significa que não importam as considerações técnicas e extramusicais na musicalização infantil. A criança deve primeiro ouvir e apreciar os sons, pois a música fala por si só. Apenas depois deve surgir a rotina pedagógica voltada à distinção e compreensão dos elementos musicais.

Os princípios da musicalização em Villa-Lobos

Os princípios que norteiam o modo como o compositor trabalha com a musicalização infantil dependem muito da imaginação. É por isso que os educadores devem levar os alunos a pensar a respeito da música. Considerando, por exemplo, o seu título e como ele se relaciona àquilo que ouvem.

É importante, então, registrar os sentimentos e ideias que surgiram desta apreciação. As crianças podem até mesmo representar em desenho e escrita as sensações despertadas pela música. O que importa para Villa-Lobos é, acima de tudo, a “educação do ouvido e da alma”.

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Curso: Licenciatura em música

3° período

Polo: Palmas

Acadêmica: Jaciane Oliveira de Freitas

Nascido em 1895 em Munique (Alemanha), Carl Orff era Filho de pais músicos, iniciou seus estudos de piano em 1900, sob a orientação de sua mãe. Aprendeu violoncelo e participou da orquestra da escola em que estudava, além de cantar solos no coral da igreja que frequentava.

Carl Orff se destaca como compositor e desenvolveu um estilo de composição baseado em experimentos criativos. Fez obras para coro e instrumentos, para voz e piano e produziu ainda peças para coro a cappella e para coro falado.

Orff tem uma grande importância como educador musical de sua época, Sua tônica era a de que nada substitui a experiência e a prática, o “fazer musical”. A partir desta ideia, desenvolveu o conceito de “música elementar”, ou seja, música que oferece oportunidades para vivências significativas, contribuindo para o desenvolvimento da personalidade do indivíduo. Experiências estas que valerão na vida adulta. Segundo Orff, essa “música elementar” é “uma espécie de húmus para o espírito.”

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Acadêmico: Felipe Araújo Barbosa

Licenciatura em música 3° período

Polo: Palmas

Suzuki , como é mais popularmente conhecido ,nasceu  em Nagoya, no Japão, em 1898, durante sua infância trabalhava na fábrica de violino do seu pai, aos 22 anos foi estudar na Alemanha, com Karl Klingler e ao retornar ao Japão, formou um quarteto de cordas com seus irmãos e começou a ensinar na Escola Imperial de Música e na Escola de Música Kunitachi, em Tóquio. Durante a segunda guerra mundial, Suzuki se muda para uma cidade próxima onde passa a conviver com uma realidade de extrema pobreza, então passou a dar aulas para as crianças órfãs e adotou um de seus alunos, Koji, assim começou a desenvolver estratégias de ensino e filosofia. Ele então, combinou aplicações práticas de ensino com a filosofia tradicional asiática.

Educação do talento, é o nome usado para designar uma proposta de educação musical desenvolvida por Suzuki, inicialmente foi pensada para o ensino e aprendizagem da música no Violino, mas posterior foi sendo adaptados para diversos instrumentos, culturas e países diferentes, inclusive no Brasil.

Geralmente quem toca, ou já teve alguma vivencia com instrumentos de corda, Violino, Violoncelo, viola Clássica e/ou até mesmo contrabaixo acústico, já ouviu ou até mesmo conhece a obra de Suzuki.

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Iria explorar a rítmica e o movimento corporal na educação musical, descobri que as crianças aprendem a música de uma maneira mais profunda e significativa. Imagine uma aula em que os alunos dançam e sentem a pulsação da música, internalizando-a de forma natural."

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Iria explorar a rítmica e o movimento corporal na educação musical, descobri que as crianças aprendem a música de uma maneira mais profunda e significativa. Imagine uma aula em que os alunos dançam e sentem a pulsação da música, internalizando-a de forma natural."

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O ritmo e a improvisação são elementos cruciais no aprendizado musical. Inspirando-se no jazz e na liberdade criativa, os alunos podem expressar sua musicalidade de maneira única, desenvolvendo uma conexão profunda com a música."

"Minha abordagem na pedagogia musical envolve a integração da música com o movimento. Imagine uma sala de aula onde as crianças não apenas cantam, mas também se movem de acordo com a música, explorando o espaço e a melodia em conjunto."

Aluno: Leonardo alves de aquino

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Universidade Federal do Tocantins - UFT

Curso: Licenciatura em Música

Professora: Adriana dos Reis Martins

Acadêmico: Diomerson Noel Dallo

Zoltán Kodály foi um compositor, etnomusicólogo e pedagogo musical húngaro nascido em 1882 e falecido em 1967. Sua vida foi dedicada ao estudo e à promoção da música, deixando um legado duradouro na educação musical.

Kodály é conhecido principalmente por desenvolver o Método Kodály, um sistema de ensino musical que se baseia na música folclórica e na musicalização infantil. Ele acreditava que toda criança deveria ter acesso à música e que o canto coral era uma forma essencial de educação musical.

Seu método enfatizava a importância do treinamento auditivo e vocal, combinando a prática do canto com atividades rítmicas e de solfejo. Ele acreditava que os alunos deveriam aprender a ler, escrever e compor música de forma natural e orgânica.

Além de seu trabalho como pedagogo, Kodály também foi um compositor muito produtivo. Suas composições refletem sua paixão pela música folclórica húngara, incorporando elementos do folclore em suas melodias e harmonias. Suas obras mais conhecidas incluem o "Hino Nacional Húngaro" e a "Missa Brevis".

A importância de Kodály para a educação musical é inegável. Seu método revolucionou o ensino da música, proporcionando uma abordagem inclusiva e acessível para todos os alunos. Sua ênfase na música folclórica ajudou a preservar e promover as tradições musicais de seu país.

O legado de Kodály continua vivo até hoje, com professores ao redor do mundo utilizando seu método em salas de aula e corais. Sua abordagem integral para a educação musical, combinando técnica vocal, treinamento auditivo e composição, tem sido amplamente adotada e adaptada por outros pedagogos musicais.

Kodály também deixou um impacto duradouro no campo da etnomusicologia. Ele dedicou grande parte de sua vida ao estudo e à documentação da música folclórica húngara, contribuindo para a preservação dessa rica tradição cultural.

Em reconhecimento a suas contribuições, Kodály recebeu inúmeras honrarias ao longo de sua vida, incluindo o Prêmio Kossuth, a mais alta condecoração civil da Hungria.

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Curso: Licenciatura em Música

Professora: Adriana dos Reis Martins

Acadêico: Marcos Vinícius de Sousa Queiroz

Polo: Porto Nacional

Pedagogo Musical: Pasquale Bona

Pascoal Bona

Pasquale Bona foi um renomado teórico musical do século XIX, reconhecido por sua significativa contribuição para o ensino e compreensão da teoria musical. Seu método revolucionário de ensino, exposto em sua obra "Método Completo para Divisão", foi fundamental para o aprimoramento da técnica de estudo de escalas e arpejos para instrumentos de cordas, particularmente o violoncelo. Bona desenvolveu uma abordagem sistemática, dividindo as escalas em seções menores e progressivamente mais desafiadoras, visando facilitar a prática e a compreensão dos estudantes, proporcionando um caminho claro e acessível para dominar a execução técnica.

Além disso, seu método não apenas se concentrava na técnica em si, mas também enfatizava a importância da musicalidade e expressão durante a execução. Bona acreditava na integração da técnica com a interpretação artística, destacando a necessidade de os músicos compreenderem não apenas as notas, mas também a emoção por trás da música.

Hoje em dia, seu método perdura, influenciando músicos e professores, que aplicam seu ensino. Quem mais se utiliza desse método são os instrumentistas de bandas e orquestras, uma vez que no ensino se percebe uma gradação da dificuldade nos exercícios, e, também, por conter os elementos básicos principais para que se consiga tocar uma partitura. Temos nomes muito conhecidos como Maria Luiza Priolli e Bohumil Med, porém, esses outros autores, mais atuais, trazem uma linguagem mais rebuscada e um ensino mais aprofundado, saindo do básico e indo ao intermediário, e por vezes, avançado. Com certeza, por muito tempo ainda será utilizado o método Bona para o ensino da Teoria Musical e Solfejo.

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Iria explorar a rítmica e o movimento corporal na educação musical, descobri que as crianças aprendem a música de uma maneira mais profunda e significativa. Imagine uma aula em que os alunos dançam e sentem a pulsação da música, internalizando-a de forma natural."

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Iria explorar a rítmica e o movimento corporal na educação musical, descobri que as crianças aprendem a música de uma maneira mais profunda e significativa. Imagine uma aula em que os alunos dançam e sentem a pulsação da música, internalizando-a de forma natural."

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"O ritmo e a improvisação são elementos cruciais no aprendizado musical. Inspirando-se no jazz e na liberdade criativa, os alunos podem expressar sua musicalidade de maneira única, desenvolvendo uma conexão profunda com a música."

"Minha abordagem na pedagogia musical envolve a integração da música com o movimento. Imagine uma sala de aula onde as crianças não apenas cantam, mas também se movem de acordo com a música, explorando o espaço e a melodia em conjunto."

"Através de minhas descobertas, percebi que a educação musical deve ser uma experiência multisensorial. Sons, ritmo, movimento e emoção se entrelaçam, permitindo que os alunos compreendam a música de uma maneira holística."

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Curso: licenciatura em música

3º período

Polo: Araguatins

Acadêmica: Raqueane da Silva Calixto

Heitor Villa-Lobos nasceu em 5 de março de 1887, no Rio de Janeiro.

A influência musical do maestro foi direcionada pelo pai, que o ensinou a tocar clarinete e violoncelo.

Como o compositor trabalhou com a musicalização infantil?

Para muitos o maestro e compositor Heitor Villa-Lobos é uma das figuras mais importantes na história da educação musical brasileira. O carioca nascido em 1887 também é reconhecido por trazer uma linguagem mais abrasileirada à música erudita nacional. Sua relação com a musicalização nasce do desejo de elevar a educação musical e artística do povo brasileiro.

Muito influenciado pelo folclore nas suas composições, já na década de 20 elaborou o “ Guia Prático”. Esta coletânea de 137 canções foi destinada à educação musical no país. Ele considerava que este guia apresentava a fisionomia sonora do Brasil, aproveitando nosso rico patrimônio folclórico. Entre 1924 e 1927 o músico realizou viagens determinantes pela a Europa.

Trouxe de lá, as intensificadas influências do Canto Orfeônico – predominantes nesta fase. Em 1933 Villa realizou uma viagem por 66 cidades espalhando a prática de canto coletivo. Um ano antes, o ensino musical nas escolas havia se tornado obrigatório. O projeto implantado era de autoria do maestro. Neste artigo trataremos de como o compositor trabalhou com a musicalização infantil. Confira!

Villa-Lobos e a influência do canto orfeônico

O canto orfeônico constituía uma prática de canto amadora e coletiva. Sua função original de disciplinar acabou cedendo à capacidade de democratização do ensino musical. Afinal, os instrumentos musicais são custosos e a sua inserção nas escolas seria uma grande dificuldade.

O canto, por outro lado, não padece destes empecilhos e Villa-Lobos sabia disto. Então, como o compositor trabalha com a musicalização infantil? Sabemos que ele aproveitou o canto orfeônico para implantar um projeto de educação musical em larga escala no Brasil. A função do ensino era despertar os sentimentos dos alunos.

Segundo o compositor, não apenas no âmbito estético, mas também moral. Havia, portanto, um componente de natureza cívica nas aulas. Apesar disto a prática não deveria ser orientada por uma autoridade rígida. Razão pela qual o aspecto lúdico sobressai na musicalização de Villa-Lobos.

Aproveitando o cancioneiro popular para falar à sensibilidade das crianças

A ideia do maestro era possibilitar através da imaginação o despertar da sensibilidade artística. A ponte que permitia que se atingisse esse objetivo era o cancioneiro infantil. Jogos e cantigas de ninar foram especialmente selecionados pelo compositor com esse fim. O desenvolvimento artístico das crianças viria enquanto cantavam estas músicas.

Villa-Lobos considerava ainda que o ensino musical deveria começar o mais cedo possível. O ideal era que a sua aquisição ocorresse tão precocemente quanto o desenvolvimento da linguagem. E da mesma forma que nesta, o primordial deveria ser a familiarização com os sons.

Isso significa que não importam as considerações técnicas e extramusicais na musicalização infantil. A criança deve primeiro ouvir e apreciar os sons, pois a música fala por si só. Apenas depois deve surgir a rotina pedagógica voltada à distinção e compreensão dos elementos musicais.

Os princípios da musicalização em Villa-Lobos

Os princípios que norteiam o modo como o compositor trabalha com a musicalização infantil dependem muito da imaginação. É por isso que os educadores devem levar os alunos a pensar a respeito da música. Considerando, por exemplo, o seu título e como ele se relaciona àquilo que ouvem.

É importante, então, registrar os sentimentos e ideias que surgiram desta apreciação. As crianças podem até mesmo representar em desenho e escrita as sensações despertadas pela música. O que importa para Villa-Lobos é, acima de tudo, a “educação do ouvido e da alma”.

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Universidade Federal do Tocantins

Fundamentos da Educação Musical

Educação Musical

curso EAD/ 3° Periodo

Professora:Adriana dos Reis Martins

Academico: josiniel Joel Silvino

Polo: Arraias-To

Fernando de Azevedo (1894-1974) foi um proeminente educador, sociólogo e ensaísta brasileiro. Ele fez contribuições significativas para o campo da educação e desempenhou um papel fundamental na reforma educacional no Brasil durante o século XX. Azevedo era um forte defensor da educação progressista e acreditava na importância de proporcionar uma educação de qualidade a todos os segmentos da sociedade.

Importancia educacional pedagoga:Azevedo acreditava na democratização da educação, defendendo oportunidades educacionais iguais para todos os membros da sociedade. Ele defendeu tornar a educação acessível a pessoas de diferentes origens socioeconómicas, reduzindo assim as desigualdades sociais.

Formação de Professores : Azevedo enfatizou a importância de professores bem treinados e motivados. Ele acreditava que os professores desempenhavam um papel crucial na formação da experiência educacional dos alunos e defendia a melhoria dos programas de formação de professores.

Embora as contribuições diretas de Azevedo para a educação musical possam não estar tão bem documentadas como as suas contribuições para a educação geral, a sua filosofia e princípios educacionais mais amplos poderiam ser aplicados à educação musical para promover uma abordagem mais inclusiva, culturalmente rica e holística ao ensino e aprendizagem da música. .

Proposta pedagogica:educadores musicais no Brasil e em outros lugares poderiam inspirar-se em suas ideias para desenvolver programas de educação musical mais abrangentes que refletissem o contexto cultural e social dos alunos que atendem.

As ideias de Fernando de Azevedo continuam a influenciar o campo da educação no Brasil e além. Seu legado como educador e sociólogo é celebrado por sua dedicação à melhoria das oportunidades educacionais e por seu compromisso com o progresso social.

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Edgar Willems (1890-1978) foi um pedagogo musical e pianista belga que desenvolveu uma abordagem educacional inovadora na área da música. Suas propostas pedagógicas musicais estão fundamentadas em uma compreensão profunda da música como uma linguagem universal que se desenvolve naturalmente nas crianças. Alguns dos principais pontos de suas propostas pedagógicas incluem:

Audição Ativa: Willems enfatizou a importância da audição ativa como base para o desenvolvimento musical. Ele acreditava que as crianças deveriam ser expostas a uma ampla variedade de música desde tenra idade para desenvolver suas habilidades auditivas.

Sensibilização Musical: Ele propôs atividades que visam sensibilizar as crianças para os elementos musicais, como ritmo, melodia, harmonia e forma. Isso inclui jogos e exercícios que desenvolvem a capacidade de perceber e compreender a música.

Expressão Pessoal: Willems acreditava que a música é uma forma de expressão pessoal e que as crianças devem ser encorajadas a expressar seus sentimentos e ideias por meio da música.

Improvisação: A improvisação desempenha um papel fundamental em sua abordagem. Ele incentivou os alunos a criar música espontaneamente, desenvolvendo assim sua criatividade musical.

Tocar de Ouvido: Ele defendia a importância de aprender a tocar de ouvido, ou seja, sem depender exclusivamente de partituras. Isso ajuda os músicos a desenvolver uma compreensão mais profunda da música.

Desenvolvimento Gradual: Sua abordagem é progressiva e adaptada ao nível de desenvolvimento das crianças. Ele acreditava que a aprendizagem musical deve ser um processo contínuo e gradual.

Atividades de Grupo: Willems valorizava atividades de grupo, como coros e conjuntos musicais, como uma maneira de promover a colaboração e a apreciação musical entre os alunos.

Edgar Willems contribuiu significativamente para a pedagogia musical, promovendo uma abordagem mais centrada na criança, enfatizando a audição ativa e a expressão pessoal na aprendizagem musical. Suas ideias continuam a influenciar a educação musical em todo o mundo.

UNIVERSIDADE FEDERAL DO TOCANTINS - UFT

Disciplina: Fundamentos da Educação Musical

Professora: Adriana Martins

Acadêmico: Renan Rodrigues Santos Silva

Curso: Música EaD UFT 3º Período

Polo: Palmas-TO

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Heitor Villa-Lobos  e pouco da sua historia 

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Universidade Federal do Tocantins

curso: Música / EAD - 3° período.

Professora: Adriana dos Reis Martins

Polo: Gurupi - TO

Aluno: Eduardo Ferreira dos Prazeres

Heitor Villa-Lobos (1887-1959) foi um renomado compositor brasileiro e uma figura importante na história da música do Brasil. Ele também desempenhou um papel significativo como pedagogo musical. Villa-Lobos é conhecido por sua abordagem inovadora à educação musical e à promoção da música brasileira.

Como pedagogo musical, Villa-Lobos acreditava na importância de uma educação musical que fosse acessível a todas as classes sociais e baseadas nas tradições musicais brasileiras. Ele via a música como uma parte fundamental da identidade nacional do Brasil e queria que as futuras gerações de músicos fossem profundamente enraizadas na música de seu próprio país.

Villa-Lobos passou extensivamente pelo Brasil, coletando e estudando música folclórica e tradicional de várias regiões. Ele incorporou elementos dessas tradições em suas composições e em seus métodos de ensino. Seu trabalho pedagógico elaborado em uma série de obras destinadas a ensinar música de uma maneira mais acessível e brasileira, como os "Métodos de Violão" e "Método Magda para o Ensino de Piano", que enfatizavam a improvisação e a exploração criativa da música.

Além disso, Villa-Lobos fundou escolas de música no Brasil e promoveu a inclusão da educação musical no currículo escolar. Seu impacto no ensino da música e na promoção da música brasileira é duradouro e significativo, e ele é lembrado como um dos grandes pedagogos musicais do Brasil e como um dos compositores mais importantes da música clássica brasileira.

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Disciplina: Fundamentos da Educação Musical

Universidade Federal do Tocantins UFT

Curso: Musica EAD/ 3º período

Professora: Adriana dos Reis Martins

Acadêmico: Welton Rocha Sousa

Polo: Palmas - TO

Èmile Jaques, com suas descobertas, abriu as portas para a inovadoras pedagogias musical que surgiu na primeira metade do século XX. Ele criou o método de educação musical que se baseia no movimento, se aprendendo através da musica e de uma escuta ativa, dentre isso tem que ter muita atenção. Outro sistema criado por ele foi a rítmica, um sistema que visa a musicalização do corpo, que e estudado através do movimento corporal.

O pensamento de Jaques Dalcroze e bem melhor para ser entendido através do pensamento pedagógico daquela época, com isso o corpo passou a ter grandes valores, e receber grande atenção.

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Aluno: Rivaildo Rodrigues de Sousa

Curso: Licenciatura em Música 3º período

profª Adriana dos Reis Martins

Polo: EaD de Araguaína-To

JOHN PAYNTER

Compositor e professor que por sua vez é reconhecido internacionalmente pelo belíssimo trabalho realizado nas escolas inglesas. Paynter nasceu em Londres, Inglaterra no ano de 1931 e iniciou sua carreira profissional na década de 1950 a 1960. E durante 1967 e 1968 escreveu juntamente com Peter Aston. O primeiro livro intitulado Sound And Silence. nesse mesmo livro registraram trabalhos desenvolvidos pro eles, como professores de música. Paynter como outros compositores são considerados representantes da música contemporânea, no entanto no ano de 1992 publicou um livro que intitulava Som e Estrutura e nele aborda técnicas de produçõ musical,

Depois de outros vários livros publicados John Paynter compôs peças para orquestras, coro e música de câmara, e entre várias outras, como sonata, quarteto de corda, e várias peças para piano e outros matérias didáticos, que encontra-se em livros para professores como o All Kinds Of Músic.

PROPOSTA PEDAGÓGICA

A proposta pedagógica de John Paynter além de se encontrarem nos livros Sound And Silence, Hear And Now e Sound And Struture relata que através de suas experiências, trouxe para as escolas a ideia de que o papel da música não é apenas formar instrumentistas, mais sim proporcionar um contato direto com a música.

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U.F.T

Estudante: ideglan coelho santos e santos

Curso: Licenciatura em Música

Polo: Miracema to

Nabor Pires Camargo. Foi um dos mais importantes clarinetistas brasileiros, bem como professor de música. É autor da música do hino de sua cidade natal, Indaiatuba e também do Método para Clarineta, publicado pela Editores Irmãos Vitale, amplamente utilizado por estudantes deste instrumento musical no Brasil.

Nascimento: 9 de fevereiro de 1902, Indaiatuba, São Paulo

Falecimento: 3 de outubro de 1996, Mococa, São Paulo

Livros: Método para Clarinete - 1a parte

Nos primeiros tempos na capital, foi clarinetista da Banda do 4º B.C. do Exército (durante o serviço militar); empregado da Companhia de Estrada de Ferro Santos-Jundiaí (a "Inglesa"); clarinetista da Banda da Lapa; clarinetista da orquestra do Cine São Bento e do Cinema Olímpia. Fez amizade com o jornalista e poeta Dieno Castanho, iniciando com ele, a partir do maxixe Mamãe Me Leva, uma longa parceria em suas composições.

Em 1923, passou a atuar em programas na Rádio Record. Em 1930, foi escolhido "Melhor Clarinetista de 1930", prêmio concedido pela Gazeta Esportiva. Gravou seu primeiro disco no estúdio da Victor da Praça da República, com as composições Matando Saudades e Caindo das Nuvens.

Na década de 1930 intensificou suas atividades como músico nas emissoras de rádio: entre 1933 e 1937, participou da orquestra e do grupo regional de música da Rádio Educadora; em 1937, integrou a Orquestra Sinfônica da Rádio Tupi; também foi músico na Rádio Gazeta e na Rádio e Televisão Nacional.

Além disso, integrou a Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo (oficializada no final da década de 1940).  Também em 1930, junto a Acrísio de Camargo compôs o Hino Indaiatubano em homenagem ao primeiro centenário de Indaiatuba.

Em 1947, iniciou os primeiros entendimentos com a Editora Irmãos Vitale para a elaboração e publicação de um método para clarineta. Este método é utilizado até os dias de hoje entre os professores e estudantes desse instrumento.

Em 1967, aposentou-se pelo Departamento de Cultura do Município de São Paulo, órgão ao qual estava subordinada a Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo. Retornou a Indaiatuba em 1985, aqui permanecendo até o final daquela década, quando transferiu-se para Mococa. Faleceu em 3 de outubro de 1996, aos 94 anos, deixando a esposa, Dona Cleonice (com quem se casou em 1934), e a filha única, Marizaura.

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ACADEMICO: Cleyjanio Ribeiro

CURSO: Licenciatura em Música, 3º Período.

POLO: Araguaína

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Aluna: Roziléia Pimentel dos Reis Sousa

Curso: Licenciatura em música 3º período.

Profª Adriana dos Reis Martins.

Polo: EaD de Araguaína_To

Zoltán Kodály

Nasceu em 16/12/1882 em kecskeméet, Hungria. Filho de músicos amadores além de participar cantando no coro infantil da catedral, tornou-se proficiente no piano, violino e violoncelo. Aos 16 anos de idade começou a compor pequenas obras apresentadas em seu percurso escolar. Foi aluno da academia Liszt de música, graduando-se em composição em 1904, aos 22 anos.

Graduou-se como professor em 1905, em 1907 tornou-se professor de teoria musical e composição na Academia de Música de Budapeste aos 25 anos de idade.

PRODUÇÃO MUSICAL E PEDAGÓGICA.

Para Kodály a música colabora na formação total do ser humano, em relação aos profissionais do ensino de música, sua proposta oferece possibilidades na formação de educadores musicais e de regentes corais.

quanto a educação musical, os 21 livros que integram o método são constituídos por partituras de exercícios melódicos e rítmicos.

PROPOSTA PEDAGÓGICA

A preocupação de Kodály com a qualidade da música produzida e realizada em sua terra natal levaram-no a elaborar e desenvolver um sistema de ensino direcionado a alfabetização musicalmente e a preparar futuros ouvintes.

Sua proposta pedagógica é desenvolvimentista, requer que a organização de conteúdos siga os padrões de habilidades de uma criança normal em seus vários estágios de crescimentos.

É uma proposta para ser aplicada diretamente nas escolas, desde a educação infantil , com aulas de música entendidas como parte do currículo escolar, com aulas semanais desde a pré-escola.

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Aluno: Rodrigo Vieira Torres de sousa

Curso: Licenciatura em Música

Polo: Araguaína-TO

Martenot: músico, inventor, pedagogo musical

1898-1912: Formação musical e experimentações criativas

Maurice Martenot nasceu em Paris, na França, em 1898. Sua formação musical data da década de 1910,

quando já era considerado um violoncelista. Durante a Primeira Guerra Mundial, foi operador de rádio

na base militar francesa e ficou conhecido por tocar diferentes sons em seu equipamento de rádio. Com

isso, nasceu, além de um violoncelista, um inventor. Nessa época conheceu o russo Léon Theremin2

, que

era inventor e também violoncelista; desse encontro iniciaram-se importantes invenções musicais com a

tecnologia do rádio.

1912-1924: Princípios de uma pedagogia musical

Em 1912, Madeleine Martenot, irmã de Maurice, cria um curso de formação pianística inovador para a

época. Esse curso marca o início de mais de 70 anos de pesquisa e ensino na área artística. Na década

de 1920, o interesse dos três irmãos – Madeleine, Ginette e Maurice – pelo desenvolvimento musical faz

com que juntos formem uma equipe pedagógica, contando também com o apoio e respaldo da esposa de

Martenot, Rennée. A partir dessa união nasce a L’Ecole D’Art Martenot (Escola de Arte Martenot) que ofe-

recia cursos nas áreas de “educação musical, técnica instrumental e artes plásticas, unidas a um trabalho

de consciência corporal, através do relaxamento ativo, comum aos estudantes de todas as especialidades”(Arnaus, 2007, p. 56, tradução nossa). A contribuição inicial de Martenot para o ensino e aprendizagem

musical foi a publicação do livro Jeux musicaux (Jogos musicais), cujo principal objetivo era fazer com

que os seus alunos compreendessem melhor a teoria musical por meio de jogos e atividades lúdicas. Em

1924, Martenot participa do Congresso de Educação Nova, realizado na cidade de Villebon, e, estimulado,

começa a se dedicar ao seu instrumento, o Ondas de Martenot, passando a fundamentar e delinear seu

perfil de Arte Educador.

1928-1930: Martenot o inventor

Em 1928 Martenot ficou conhecido mundialmente pela criação do primeiro instrumento radioelétrico – Ondas de Martenot. Na década de 1930, Martenot realiza uma turnê em diferentes países, juntamente com

sua irmã Ginette, difundindo o Ondas de Martenot.

A abordagem pedagógico-musical de Maurice Martenot tem seu ponto de partida na valorização do homem enquanto ser dotado de corpo e mente, inserido em um contexto histórico-social que não pode ser esquecido. Em seus estudos e práticas musicais, Martenot leva em consideração as descobertas da psicologia e da medicina. Sua proposta é o desenvolvimento integral do ser humano, e sua meta é colaborar no crescimento global do indivíduo, entendendo o ensino e a aprendizagem da música como uma área de conhecimento que envolve e desenvolve o ser humano em sua totalidade. Nesse sentido, Martenot (1970) acredita que o ensino da arte e, portanto, da música, não pode ser reservado a uma parcela da sociedade que possui um desempenho musical acima da média e que com “pouco estudo chega a um nível profissional” (p. 14, tradução nossa). Em suas palavras, o ensino da música deve ser para todos os que “veem nela uma oportunidade de se expressar”. O estudo de um instrumento, por exemplo, deve ser oportunizado para diferentes faixas etárias crianças, adolescentes e adultos – que buscam melhor qualidade de vida. Ele entende que a arte é, talvez, a “única chance” de o homem ter qualidade de vida. Assim, investir no ensino da arte é “dar ao aluno um alimento que não se encontra” nas atividades físicas, técnicas ou intelectuais, configurando-se em um “antídoto contra a mecanização” do mundo moderno (Martenot, 1970, p. 16, tradução nossa). Dessa forma, o papel do professor de música é fundamental e, para Martenot, insubstituível. Para que o professor possa desempenhar sua função com eficiência, é necessário que tenha desenvolvido os aspectos da prática musical: ouvido interno, os conhecimentos técnicos musicais e instrumentais e, também, a utoconfiança.

Proposta pedagógica

Aprender a pensar musicalmente

Conforme mencionado anteriormente, a proposta pedagógica de Martenot está fundamentada nos seguin-

tes aspectos: ritmo; canto livre por imitação; canto consciente como preparação para o solfejo; leitura musical; teoria aplicada e suas relações com a educação sensorial; memorização, imitação espontânea e transposição.

Para cada um desses aspectos Martenot (1970) destaca a importância dos exercícios de imitação para o

aprendizado musical. O autor defende que a imitação deve estar presente no aprendizado musical em todos

os níveis e momentos. Para ele, só o que está corretamente reproduzido por imitação pode ser abordado

na leitura. Atividades musicais práticas são fundamentais para o ensino musical. Elas despertam o sentido rítmico e melódico, sem que estes sejam necessariamente conscientes em um primeiro momento, pois a compreensão dos elementos vivenciados se dá ao longo do processo de aprendizagem. Para Martenot, segundo Zagonel (1984, p. 24), “o desenvolvimento sensorial toma um papel relevante. Tem como objetivo fundamental levar o indivíduo a ‘pensar música’, através do desenvolvimento da audição e canto interior”.

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ACADEMICO: Claudio junior de Sousa Moura

Curso: Licenciatura em Música, 3º Período.

Polo: palmas

Émile Jaques-Dalcroze

A ginástica rítmica, também conhecida como GR, é uma ramificação da ginástica que possui infinitas possibilidades de movimentos corporais combinados aos elementos de balé e dança teatral, realizados fluentemente em harmonia com a música e coordenados com o manejo dos aparelhos próprios desta modalidade olímpica, que são a corda, o arco, a bola, as maças e a fita. Praticada apenas por mulheres em nível de competição, tem ainda uma prática masculina surgida no Japão. Pode ser iniciada em média aos seis anos e não há idade limite para finalizar a prática, na qual se encontram competições individuais ou em conjunto. Seus eventos são realizados sempre sobre um tablado e seu tempo de realização varia entre 75 segundos, para as provas individuais, e 150 para as provas coletivas.

A ginástica rítmica desenvolve harmonia, graça e beleza em movimentos criativos, traduzidos em expressões pessoais através da combinação musical, teatral e técnica que transmite, acima de tudo, satisfação estética aos que a assistem. Surgida através dos estudos de Rousseau, assim como as demais modalidades, transformou-se durante o passar dos anos, sempre ligada à dança e à musicalidade, até chegar à União Soviética, onde se desenvolve como prática desportiva, e à Alemanha, onde ganhou os aparelhos conhecidos hoje.

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UAB/UFT

ACADEMICO: Francisco das Chagas P. Guerra Neto

Curso: Licenciatura em Música, 3º Período.

Polo: Araguaína/Cimba.

Nadia Boulanger: Uma Pedagoga Importante na Educação Musical

Nadia Boulanger (1887-1979) foi uma das pedagogas mais influentes na história da educação musical. Nascida em Paris, ela desempenhou um papel fundamental na formação de uma geração de compositores e intérpretes notáveis do século XX, deixando um legado duradouro que continua a influenciar a educação musical contemporânea. Sua proposta pedagógica inovadora e apaixonada contribuiu para moldar o cenário musical internacional e inspirou inúmeros músicos em todo o mundo.

A proposta pedagógica de Nadia Boulanger era profundamente enraizada em sua crença de que a música era uma linguagem universal que transcendia fronteiras culturais e geográficas. Ela defendia a ideia de que a música poderia ser uma força transformadora na vida das pessoas, não apenas como uma forma de expressão artística, mas também como uma ferramenta para a compreensão mais profunda de si mesmo e do mundo ao seu redor.

Um dos princípios fundamentais de sua abordagem pedagógica era a importância da técnica sólida como base para a expressão musical. Boulanger acreditava que os músicos deveriam dominar completamente seus instrumentos e entender a teoria musical antes de poderem transmitir com sucesso suas emoções e ideias por meio da música. Ela insistia em uma educação musical rigorosa e metódica, enfatizando a importância do estudo constante e da prática disciplinada.

Além disso, Boulanger tinha uma visão ampla da educação musical, que abrangia não apenas a execução e a composição, mas também a história da música e a apreciação musical. Ela incentivava seus alunos a explorar uma ampla variedade de estilos e gêneros musicais, desde música clássica até jazz e música folclórica, acreditando que essa diversidade enriqueceria sua compreensão e expressão musicais.

Uma das características mais distintivas da abordagem de Nadia Boulanger era sua ênfase na individualidade. Ela não impunha um único estilo ou método aos seus alunos, mas em vez disso, encorajava-os a encontrar suas próprias vozes musicais e a desenvolver um estilo pessoal. Ela acreditava que a verdadeira originalidade na música surgia quando os músicos se tornavam autênticos consigo mesmos, em vez de imitar os outros.

Boulanger também era conhecida por sua abordagem de "educação global". Ela não apenas instruía seus alunos na técnica musical, mas também os orientava na apreciação das artes em geral, literatura, história e filosofia. Ela via a educação musical como parte de uma educação mais ampla que enriquecia a mente e a alma dos alunos.

O legado de Nadia Boulanger na educação musical é evidente nos numerosos músicos e compositores que passaram por suas aulas, incluindo Aaron Copland, Philip Glass, Quincy Jones, Igor Markevitch, e muitos outros. Seu impacto na música clássica e na educação musical continua a ser sentido em todo o mundo, à medida que suas ideias e princípios continuam a inspirar novas gerações de músicos a buscar a excelência e a autenticidade em sua arte. A proposta pedagógica de Nadia Boulanger é uma lembrança atemporal de que a música é mais do que notas no papel - é uma expressão profunda da alma humana, uma linguagem universal que pode unir culturas e transmitir emoções e pensamentos de maneiras que palavras muitas vezes não conseguem.

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AprendendoJohn Paynter, compositor e professor, é reconhecido internacionalmente pelo trabalho que desenvolveu em escolas inglesas, propondo e defend a trabalha

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John Paynter: A música criativa nas escolas

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John Paynter: A música criativa nas escolas

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John Paynter, compositor e professor, é reconhecido internacionalmente pelo trabalho que desenvolveu em escolas inglesas, propondo e defendendo um fazer musical criativo nas aulas de música. Ao longo de sua vida profissional, você questionou, experimentou, sistematizou e registrou suas ideias, suas convicções e seus projetos concretos para o ensino de música na educação escolar. Seu pensamento fundamental-se, por um lado, nas ideias educativas características do início do século XX, tendo como Alicerce pedagógico os princípios de liberdade, descoberta e individualidade e, por outro, acompanha a revolução musical dos compositores de sua época.

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UFT
CURSO; LICENCIATURA EM MUSICA
PERIODO; III
POLO; PALMAS TO
PROF; ADRIANA DOS REIS MARTINS
ALUNO; SEBASTIÃO FELICIO DA SILVA

SHINISHI SUZUKI
Criado pelo professor Shinichi Suzuki (1898-1998), o método foi concebido para desenvolver o potencial inato de todas as crianças. Conhecido como “método da língua mãe”, ou “método da educação do talento”, ou apenas “método Suzuki”, a metodologia reconhece que todas as crianças aprendem sua língua materna com amor e encorajamento dentro de seu ambiente familiar e social. Baseado nesse mesmo princípio, defende que o ensino musical e o ensino de um instrumento é um meio para desenvolver o caráter, a sensibilidade, a disciplina, a tolerância, etc.. Para esse fim, a educação musical deve começar o mais cedo possível.

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UFT

Polo: Araguaína

Curso: licenciatura em Música

Período: 3°

Aluno: Beatriz de Araujo Miranda Leal

O Método Suzuki foi desenvolvido pelo japonês Shinichi Suzuki. Seu interesse para a formação musical e especialmente para a interpretação musical pode ser justificada pelo trabalho do pai, que fabricava violinos de forma artesanal que foi responsável pela fundação da primeira empresa de fabricação de instrumentos de corda do Japão.

Os princípios de aprendizagem do seu método de educação musical foram observados da maneira natural como toda criança aprende a língua materna. De acordo com Suzuki, desde que seja estimulado constantemente e um ambiente propício à aprendizagem necessárias para aprender a tocar instrumentos e a formação musical da criança. Assim, o método baseia-se em esforço de imitação,essas premissas refletem princípios da própria educação japonesa que séria o cuidado, a atenção, a paciência, a repetição para se alcançar a perfeição e o respeito por aquele que ensina.

Conciliando a aptidão inata da criança, sua memória auditiva e os princípios de seu método inspirados nas tradições seculares japonesas, são desenvolvidas as habilidade para executar um instrumento. A princípio, os alunos são incentivados a ouvir repetidamente as peças de um repertório, assimilando notas musicais, padrões rítmicos e melódicos através do sentido da audição.

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UNIVERSIDADE  FEDERAL DO TOCANTINS

Curso; Musica EAD 3⁰   período

Prof: Adriana dos Reis Martins

Polo: Gurupi-TO

Academico : Floriene Pereira de Souza

Pedagogo Musical: Keith Swanwiek.

Suas contribuições para o desenvolvimento da música. Ele é educador,musical, professor Emérito do instituto de educação da Universidade de Londres é o primeiro professor titular de Educação musical na Europa.

Sua proposta pedagógica, na música é vista como uma pluralidade, por meio de experiência musical amplas. Pedagogo (1931), pesquisador e educador musical Inglês,estudou trombone,piano, órgão, também é composição e regência em um dos mais aclamados conservatórios do mundo.O Royal Academy of Music em Londres,tem também vasta experiência como regente orquestra e músico de orquestra.Swanwick, defende quê a essencial uma reflexão para o significado da música sobre sua natureza do valor da experiência musical como se ela fosse uma coisa simples é única e corre o risco de subestimar sua força, potencial e infinita variedade.Segundo ele a música pode ser definida a partir de três condições interligadas sendo que cada uma isoladamente, é insuficiente a seleção de sons ,a relação entre os sons a intenção de que os sons se tornem músicas ou seja o material sonoro carregado de sentidos gerando uma resposta estética a qual aumenta nossa imaginação ele afirma.Swanwick, propõe dois modelos de ação para o ensino da música a "teoria Espiral do Desenvolvimento Musical", é o modelo compreensivo da experiência musical,denominado,C(L)A(S)P. Ele sustenta que o processo metafórico musical acontece em três níveis cumulativos: Notas são como melodias, escutar sons como música exige que desistamos de prestar atenção nos sons isoladamente.Melodias, são escutadas juntas gerando novas relações e a música parece ter vida por si própria.A música informa a vida do sentimento despertando o forte sentido de significância.
Ele desenvolveu a Teoria do Desenvolvimento Musical,essa teoria dialoga com os pressupostos teóricos da teoria construtivista lançada por Jean Piaget,que procura apresentar as diversas fases de construção do conhecimento. Swanwick elabora a espiral do desenvolvimento articulando atividades musicais e as suas influências no processo de aprendizagem da música,o qual deve respeitar o estágio em que cada aluno se encontra e propor atividades que lhes propicie experiências musicais.
Modelo compreensivo da experiência musical (Clasp); este modelo propõe cinco parâmetros de atividades musicais que devem abarcar a educação musical:
C= ( Composição):
L= ( Literatura sobre a música);
A= ( Apreciação);
S= ( Conhecimentos e habilidades sobre música);
P= ( Execução).
O modelo sugere que o professor deve trabalhar os parâmetros de forma equilibrada e integrada.
Keith Swanwiek, esteve no Brasil cerca de 15, vezes a última vez foi em novembro de 2010,seu modelo ,Clasp, é parte integrante de currículos de cursos de licenciatura em música e em cursos livres,como oficinas, palestras e workshop.Clasp,estar no livro da edição de (1979), Swanwick organizou tudo isso que é uma visão da filosofia sobre a música.Ele esteve na escola de música (EFMG), ele é conhecido mais pelo seu método Clasp,Swanwick,tocou trombone com a orquestra aqui no Brasil,ele contribuiu muito com os encontros que teve no Brasil,com suas palestras sobre a música,ele estar vivo e tem 83,anos de idade na escola de música FMG,tocou trombone com os demais músicos da orquestra,canta no coral da igreja e também e regente do coral da igreja 2008,rege o coral de amigos seus,faz repetição quando alguém no momento das apresentações pede para ele,foi professor do ensino médio,um dos seus livros foi escrito no ano de (1982). Mora atualmente na cidade de San Alber.Swanwick,toca e rege ainda nos dias atuais um grupo de sopro,foi também o primeiro catesdastrico.Cometario dos vídeos de Cecília Cavalieri França,que estar no ava para os alunos do curso de música,assistir, são muito ricos de conhecimentos sobre música e sua contribuições,sobre o músico e pedagogo, educador Swanwick.Cecilia Cavalieri França,nós seus vídeos ao falar de Swanwiek nós seus vídeos,fica muito emocionada ,pois ela pode conhecer -lo de pessoalmente tanto que esteve em sua casa,ela diz que ele e uma pessoa simples, adorável engraçado,bem humorado,gosta de tomar caipirinha e quando ele vem no Brasil,se divertir muito e gosta muito de banho de sol.musica e tudo de belo que empresa o que sentimos dentro de nós mesmos. Foi maravilhoso conhecer um pouco desse pedagogo músico e educador musical.

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UNIVERSIDADE  FEDERAL DO TOCANTINS

Curso; Musica EAD 3⁰   período

Prof; Adriana dos Reis Martins

Polo;Mateiro – TO

Academico ; Cleiton Gomes Nunes

Adgar willems

Um Pioneiro da Educação Musical

Edgar Willems (1890-1978) nasceu na cidade de Lanaken, na Bélgica. Filho de músico, recebeu aulas de piano e tocou na fanfarra de sua cidade. Desde cedo, manifestou interesse pela música e pela pintura. Quando criança, gostava de fabricar instrumentos musicais e ensinar solfejo aos irmãos mais novos.

Durante anos seu contato com a música se deu, sobretudo, por meio de experiências autodidatas, compondo e improvisando. Anotava seus pensamentos mais íntimos sobre diferentes aspectos da vida e das diferentes artes. Em 1925, aos 35 anos, iniciou seus estudos no Conservatório de Genebra, na Suíça, onde passou a ministrar, a partir de 1928, aulas de Filosofia e Psicologia da Música.

Em 1929, criou o curso de Desenvolvimento Auditivo para Adultos e, mais tarde, outro para crianças a partir de cinco anos. Em 1956, o Conservatório confiou-lhe os cursos de Iniciação e, posteriormente, o de Pedagogia.

A produção de Willems é essencialmente pedagógica. Escreveu livros, artigos, textos reflexivos e, entre outros trabalhos, os Cadernos Pedagógicos, os quais trazem em detalhes seus procedimentos didáticos. Além de obras escritas, criou também materiais sonoros, como a flauta de êmbolo, o carrilhão intratonal*, o tubo harmônico** e as famílias de sinos***.

Música e psicologia

Willems buscava compreender a correlação entre som e natureza humana. Sua proposta de educação musical tem como princípios norteadores as relações psicológicas estabelecidas entre a música e o ser humano e a ênfase no trabalho prático antes do ensino musical propriamente dito. A audição está ligada à sensibilidade afetiva e à inteligência do homem.

Além disso, defende a necessidade do preparo auditivo antes do ensino de um instrumento musical e considera a audição sob três aspectos: sensorial, afetivo e mental, fazendo uma analogia aos elementos constitutivos da música: o ritmo – físico e sensorial; a melodia – afetivo; e a harmonia – mental.

O método Willems: aprendizado de música semelhante ao da aquisição da língua materna.

As características estruturais e metodológicas, tão bem explicadas por Willems em suas diversas obras, exigem do professor competências específicas, estudo e uma compreensão detalhada das propostas e objetivos, além dos materiais próprios a serem utilizados. Por estas razões, não é comum encontrarmos, no Brasil, pedagogos adeptos desse método em sua forma estrita.

No entanto, o trabalho de Willems nos lega contribuições inquestionáveis e a certeza de que todo educador deve ser um estudioso profundo da natureza humana e da música, de forma que a sua ação se torne completa, interdisciplinar e adequada ao tempo presente.

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Música e o movimento. (Émile Jaques Dlcroze) Disciplina: Fundamentos da Educação Musical.

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Música e o movimento. (Émile Jaques Dlcroze) Disciplina: Fundamentos da Educação Musical.

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| Émile Jaques-Dalcroze
|

Universidade Federal do Tocantins UFT

Curso:  de Música EAD / 3° período

Professora: Adriana dos Reis Martins

Acadêmica: Lení Francisca de Sousa

Polo: Mateiros do Tocantins – Jalapão.

Durante os séculos XIX e XX a educação musical passou por diversas modificações e recebeu contribuições de diversos autores, que desenvolveram ideias e propostas de sistematização do ensino musical, muitas delas tornando-se conhecidas e aplicadas no mundo todo em função de sua coerência e alinhamento com novos modos de pensar o ensino de música. Émile Jaques Dalcroze é um deles, um suíço de renome daquela época com o método do aluno participativo. Jaques Dalcroze, com suas descobertas, abriu portas para as inovadoras pedagogias musicais que surgiram na primeira metade do século XX. Dalcroze desenvolveu gradualmente um método de educação musical baseada no movimento, onde o aprendizado ocorre por meio da música e pela música, por meio uma escuta ativa. A rítmica que visa a musicalização do corpo – é uma disciplina na qual os elementos da música são estudados através do movimento corporal. Por questionar a relação entre música e movimento através da interação espaço-tempo-energia. O pensamento Jaques Dalcroze pode ser melhor entendido contextualizado com o pensamento pedagógico de sua época e com as novas tendências que surgem na educação, as quais caminhavam rumo a pedagogia ativa. Essa pedagogia, conhecida como “escola nova”, passou a dar valor à experiência, chamando o aluno a participar ativamente do processo de aprendizagem. É nesse contexto que  Dalcroze é convidado a contribuir para a reforma do ensino da música das escolas pública de seu país. Num momento de grandes transformações nos valores da sociedade; o pedagogo e o avanço da ciência em especial as descobertas no campo da psicopedagogia, o corpo – como possibilidade de expressão – passa a receber especial atenção. Dalcroze propõe rompimento da dicotomia corpo-mente, estabelecendo relações entre estes dois através de uma educação musical baseada na audição e atuação do corpo. Suas reflexões buscam um caminho: “eu me pego sonhando com uma educação na qual o corpo faria ele mesmo o papel de intermediário entre os sons e nossos pensamentos, e se tornaria instrumento direto dos nossos sentimentos”

O estudo de sua metodologia também está presente nos conteúdos programáticos e ementas das disciplinas didáticas dos currículos de Licenciatura em Música e de outras áreas, como a Dança, o Teatro e a Educação Física. Em 2008, na Faculdade de Educação da Universidade Estadual de Campinas, foi defendida a primeira tese de doutorado realizada no Brasil sobre a experiência poética da Rítmica de Dalcroze. O desejo dele era libertar  o aluno da inércia do corpo adquirida por meio de processo de ensino-aprendizagem enciclopedístico, que privilegia  a mente o acúmulo de informações sem a participação do organismo como um todo. Através dos movimentos corporais, o aluno passa a experimentar sensações física em relação a música abrindo caminhos para a criatividade e a expressão.

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UNIVERSIDADE FEDERAL DO TOCANTINS (UFT)

Curso: Música E a D 3° período

Professora: Adriana dos Reis Martins

Polo: Mateiros

Acadêmico: Domingos Veras de Sousa

Émile Jaques-Dalcrose

A música e o movimento

Ideias

Transformação na pedagogia musical no limiar do século XX

Émile Jaques-Dalcroze, nasceu em Viena, Áustria, em seis de julho de 1865 _ até 1960), com suas descobertas, abriu as portas para as inovadoras pedagogias musicais que surgiram na primeira metade do século XX. Jaques-Dalcroze desenvolveu gradualmente um método de educação musical baseado no movimento, onde o aprendizado ocorre por meio da música e pela música, por meio de uma escuta ativa. A Rítmica – sistema de educação musical criado por JaquesDalcroze, que visa a musicalização do corpo – é uma disciplina na qual os elementos da música são estudados através do movimento corporal. Por questionar a relação entre música e movimento através da interação espaço-tempo-energia, o Método Dalcroze despertou interesse no meio artístico, sobretudo entre dançarinos e dramaturgos.

Jaques-Dalcroze no Brasil

O Método Dalcroze foi implantado pela primeira vez no Brasil em 1937 no Conservatório Brasileiro de Música do Rio de Janeiro, exatamente um ano após a fundação desse conservatório. O método representava uma proposta inovadora para o ensino da música e era compatível com o espírito modernista da época. A etnomusicóloga Rosa Maria Zamith, que teve contato com o Método Dalcroze pela primeira vez em 1968, no Seminário de Música Pró Arte, no Rio de Janeiro, foi uma das primeiras professoras a utilizar exercícios dalcrozianos em escolas da rede pública daquele estado. Zamith (2008) relata que sua experiência com a cultura tradicional permitiu aproximar alguns exercícios de Jaques-Dalcroze com brincadeiras e danças folclóricas brasileiras e estrangeiras

Vida e obra

A música como meio para uma experiência poética do corpo 1865-1883: Primeiros anos e formação musical Émile-Henri Jaques, primeiro filho do casal suíço Jules Jaques e Julie Jaunin, nasceu em Viena, na Áustria, no dia 6 de julho de 1865. Com seis anos de idade, inicia estudos de piano. Na capital austríaca, assiste, aos domingos, no Parque do Estado, os concertos da Orquestra Imperial regidos por Johann Strauss. Em Nenhuma parte desta publicação poderá ser reproduzida por qualquer meio ou forma sem a prévia autorização da Editora InterSaberes. A violação dos direitos autorais é crime estabelecido na Lei nº 9.610/1998 e punido pelo art. 184 do Código Penal. Pedagogias em educação musical 35 1875, muda-se com sua família para Genebra, Suíça, onde continua tendo aulas particulares de piano e estuda numa escola privada. Dois anos depois, é admitido no Colégio Calvino e no Conservatório de Genebra, onde obtém prêmios por suas composições e recitais. Em 1881, compõe a opereta La Soubrette, que será representada no ginásio. Suas primeiras canções serão bem recebidas por seus colegas membros da Sociedade de Belas-Letras. Termina, em 1883, os estudos secundários e participa em representações teatrais como ator, realizando uma turnê pela França. Ingressa na Universidade de Genebra, onde permanece por pouco tempo.

Proposta pedagógica

Compreensão musical através da interação mente-corpo O Método Dalcroze nasceu da observação das experiências realizadas com alunos de solfejo e harmonia do Conservatório de Genebra, onde Jaques-Dalcroze começou a lecionar. Percebendo as dificuldades rítmicas de seus alunos, Jaques-Dalcroze concluiu que a falta de ritmo e compreensão harmônica dos futuros músicos provinha do fato de experimentarem a audição somente no momento em que deveriam escrever. Passou, então, a considerar a musicalidade puramente auditiva, sem a participação do organismo como um todo, como uma musicalidade incompleta

Rítmica

Acreditando que a experiência motriz é a primeira forma de compreensão da música, a Rítmica é o centro da pedagogia dalcroziana. Jaques-Dalcroze parte do princípio de que as primeiras experiências musicais são de ordem motora. Para a criança, a percepção do som e sua tradução motora são imediatas e ela costuma 10 Le Rythme (O Ritmo), revista editada pela Fier. Nenhuma parte desta publicação poderá ser reproduzida por qualquer meio ou forma sem a prévia autorização da Editora InterSaberes. A violação dos direitos autorais é crime estabelecido na Lei nº 9.610/1998 e punido pelo art. 184 do Código Penal.

Pedagogias em educação musical, sentir prazer com a experiência física.

Ele observou que os movimentos naturais das crianças – andar, correr, saltitar e balançar – expressam naturalmente elementos da música. O corpo passa, então, a ser um meio privilegiado para vivenciar a dimensão temporal da música, podendo a Rítmica ser entendida como uma estimulação da atividade motora por meio dos eventos musicais. A Rítmica exige não somente a participação do corpo, mas também da mente, pois uma escuta ativa pode gerar uma consciência rítmica. Por isso, ao mesmo tempo em que a Rítmica é uma educação musical através da experiência corporal, é também uma educação corporal através da vivência musical. Os exercícios de rítmica devem procurar explorar a relação tempo-espaço-energia, relação essa inseparável na música e na dança. O movimento corporal é utilizado como meio de sensibilização e experimentação não somente do ritmo, mas de todos os elementos da linguagem musical, como a altura dos sons, os intervalos, as notas dos acordes, as estruturas harmônicas e cadências. As lições de rítmica visam estabelecer as relações entre música e gesto, entre ritmo musical e expressividade do corpo.

Solfejo

O solfejo dalcroziano consiste na aplicação dos princípios da Rítmica ao solfejo, que deve ser vivido antes de ser lido e analisado, ou seja, o solfejo oral e corporal vem antes do escrito. O aluno deve ter a oportunidade de cantar, mover-se, gesticular, reger e tocar instrumentos de percussão. É através do solfejo que o aluno desenvolve o ouvido interno, a afinação, a aptidão vocal, a respiração, a leitura e a interpretação. Os exercícios de solfejos melódicos e rítmicos são acompanhados de gestos, marcando os compassos e as pulsações, indicando as frases através das mudanças de direção. Deve-se buscar a interação entre a experiência auditiva e a experiência física.

Improvisação

Jaques-Dalcroze dava grande ênfase ao aspecto da improvisação no processo de aprendizagem musical. Para ele, tanto a improvisação vocal, quanto a instrumental ou corporal deveriam ocupar um espaço nas lições de música. A improvisação é o momento criativo em que o aluno demonstrará suas próprias ideias musicais e os conteúdos que foram assimilados a partir da experiência. É o momento em que o aluno se torna compositor e coreógrafo, é o momento da síntese. A improvisação não acontece somente após alguns anos de aprendizagem, mas em cada aula, como consequência do trabalho realizado. Portanto, o professor propõe exercícios de improvisação, que correspondam ao conteúdo da aula, por meio de atividades vocais, instrumentais e corporais.

Sala de aula

O corpo que vive, expressa e se desenvolve No Brasil, não dispomos de um método ou manual explicativo para realizar as aulas de rítmica, nem livros de solfejo progressivo elaborados dentro dos princípios dalcrozianos. Poucos professores de música são ao mesmo tempo pianistas, o que facilitaria consideravelmente a execução de exercícios. Com isso, o professor deve buscar meios criativos para aplicar os pensamentos pedagógicos de Jaques-Dalcroze dentro da realidade em que vive. Assim como Jaques-Dalcroze criou exercícios para sanar as dificuldades rítmicas de seus alunos de solfejo e harmonia, o professor de música deve criar exercícios que correspondam às necessidades de seus alunos, tendo sempre em mente que a Rítmica é, ao mesmo tempo, uma educação para a música e através da música.

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Musicas Criativas Nas Escolas (John Paynter)

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Musicas Criativas Nas Escolas (John Paynter)

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Universidade Federal do Tocantins(UFT)
Aluna: Ana Paula Silva de Sousa
Polo: Araguaína -TO
Professora:  Adriana Dos Reis Martins
pedagogo Musical: John Paynter

John Frederick Paynter  (17 de julho de 1931 - 1º de julho de 2010) foi um compositor e educador musical britânico conhecido por sua defesa da causa da criação musical criativa e sua ênfase na importância da música como disciplina na educação geral de todas as crianças.
Paynter nasceu em Londres, Inglaterra. Ele estudou música na Universidade de Londres e na Universidade de Cambridge. Após concluir seus estudos, trabalhou como compositor e educador musical. Ele ensinou música em várias escolas e universidades, incluindo a Universidade de Londres, a Universidade de Cambridge e a Universidade de Oxford. Foi um defensor da música como uma forma de expressão criativa. Ele acreditava que a música deveria ser acessível a todos, independentemente de suas habilidades ou background. desenvolveu um método de ensino musical chamado "Projeto de Música", que enfatizava a criatividade e a exploração. O método Projeto de Música foi adotado por muitas escolas e universidades em todo o mundo.
Também foi um prolífico compositor. Ele compôs mais de 100 obras, incluindo peças para orquestra, música de câmara, música vocal e música para crianças. Suas obras são caracterizadas por seu uso de técnicas inovadoras e seu interesse em explorar novas possibilidades sonoras.
*A proposta pedagógica de Paynter é baseada na crença de que a música é uma forma de expressão criativa que pode ser acessível a todos. Ele enfatiza a importância da criatividade e da exploração no ensino da música, e acredita que os alunos devem ser capazes de aprender a música de uma forma que seja significativa para eles.

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ALUNO: PAULO ROBERTO ALBUQUERQUE DE LIMA
Polo: Gurupi

Dalcroze desenvolveu um método de educação musical baseado no movimento e acabou influenciando fortemente as artes a partir do Século XX. Neste método, o aprendizado ocorre por meio da música e pela música, através de uma escuta ativa.

O grande objetivo de Dalcroze era fazer o aluno experimentar e sentir para somente depois dizer “eu sei”. Para ele, a fusão entre a música e o gesto é essencial e, em sua metodologia, propõe o rompimento da dicotomia corpo-mente.

Seu sistema de educação musical é conhecido como “Rythmique” (Rítmica), cujo objetivo é criar, através do ritmo, uma corrente de comunicação rápida, regular e constante entre o cérebro e o corpo, transformando o sentido rítmico numa experiência corporal, física.

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Universidade Federal do Tocantins (UFT)

Curso: Música E a D 3º Período

Prof. Adriana dos Reis Martins

Polo: Guaraí-To

Acadêmica: Maria Lias da Silva

Pedagogo Musical: Émile Jaques-Dalcroze

Sua Proposta Pedagogica.

Emile Jaques Dalcroze nasceu em Viena, Áustria, em seis de Julho de 1865. Em 1875 sua família mudou-se para Genebra, Suíça – Jaques-Dalcroze terminou a escola secundária e iniciou os seus estudos musicais.

Complementou seus estudos em Paris, e revelou grande talento para composição.

Jaques Dalcroze também escreveu músicas que tornaram-se populares em toda Suíça Francesa.

Émile Jaques-Dalcroze

Sendo um dos principais educadores musicais do século 20 e 21, foi quem estabeleceu as bases para criação de uma educação musical viva, que compreendesse a criança como um ser integral de corpo, mente, e espírito.Com suas ideias estimularam outros pedagogos musicais.

Emile Jacques Dalcroze (Viena, 6 de julho de 1865 – Genebra, 1 de julho de 1950) foi o criador de um sistema de ensino de música baseado no movimento corporal expressivo que se tornou mundialmente difundido a partir da década de 1930 e influenciou de modo decisivo toda uma geração de educadores da primeira metade do século 20, principalmente na área da musicalização infantil.

Filho de pais suíços, Émile Henri Jaques iniciou seus estudos de piano aos 6 anos de idade e logo se mostrou um compositor nato. Frequentou o Conservatório de Música de Genebra, onde se diplomou aos 18 anos e deixou a Suíça para viver em Paris, onde teve aulas de composição com Vincent d’Indy e Gabriel Fauré, entre outros.

Ali nasceu seu interesse pelo teatro em parte inspirado pelas aulas de declamação e dicção. Como já havia em Paris outro compositor de sobrenome Jaques, Dalcroze adotou o nome artístico pelo qual seria conhecido, fruto da alteração do sobrenome de Raymond Valcroze, um colega francês do tempo do colégio.

O método de Dalcroze foi criado porque ele compreendeu que havia uma falha no método

convencional de ensino: o de centrar o conhecimento na mente do aluno, quando o cérebro e o corpo são desenvolvidos paralelamente e um está constantemente a comunicar as suas impressões e sensações ao outro.

Faltava aos estudantes, segundo Dalcroze, a coordenação entre olhos, ouvidos, mente e corpo necessários para aprender o repertório – e principalmente para tocar bem. Assim, percebeu que o primeiro instrumento musical que se deveria treinar era o corpo.

Dedicou-se, então, a criar exercícios destinados a reconhecer a altura dos sons, a medir os intervalos, a escutar os sons harmônicos, a individualizar as diversas notas dos acordes, a seguir os desenhos contrapontísticos das polifonias, a diferenciar as tonalidades, a analisar as relações entre as sensações auditivas e as sensações vocais, a desenvolver as qualidades receptivas do ouvido e – graças a um novo gênero de ginástica destinado ao sistema nervoso – a criar, entre o cérebro, o ouvido e a laringe, correntes necessárias para fazer do organismo, como um todo, algo que pudesse ser denominado “ouvido interior”.

O método desenvolvido durante mais de uma década foi inicialmente conhecido como Ginástica Rítmica, por tratar-se de um sistema de educação musical inteiramente fundamentado nos exercícios corporais, e, posteriormente, por Euritmia.

A musicalização do corpo

Metodologia – Para entender melhor como a metodologia pode ser aplicada, imagine-se o aluno de uma escola de música tradicional. Quando está no conservatório, ele permanece boa parte do tempo sentado, fazendo apenas os movimentos relacionados ao aprendizado do instrumento musical. Ao adotar os princípios da Rítmica Dalcroze, porém, esse mesmo estudante vale-se do ensaio para movimentar todo o corpo no ritmo da música. É quando ocorre a interação entre melodia e gesto. Não raro, a experiência serve de estímulo à criatividade, uma vez que está intimamente ligada à improvisação. “O mais interessante desse método é que ele pode ser adotado por qualquer um, independente de idade, sexo ou condição física. Cada pessoa pode se movimentar dentro das suas potencialidades e limites”,

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Universidade Federal do Tocantins
Curso: Licenciatura em Música
Período: III
Polo: Palmas - TO
Professora: Adriana dos Reis Martins
Aluno: Willian da Silva Glória

Shinishi Suzuki

O método Suzuki, de educação musical, foi desenvolvido por Shinishi Suzuki, no Japão, pouco depois da Segunda Guerra Mundial. O método utiliza a educação musical para enriquecer e melhorar a vida de seus estudantes. O método é direcionado a crianças e consiste basicamente em brincadeiras, para que a criança se divirta enquanto aprende.

O método Suzuki baseou sua proposta pedagógica na aquisição da língua materna pelas crianças considerando que haveria um paralelismo entre aprender a língua e aprender um instrumento musical. Assim, se as crianças geralmente aprendem a língua a partir da escuta de discursos verbais expressos pelas pessoas à sua volta, elas poderiam aprender música da mesma forma, contando com um entorno estimulante, baseando-se a aprendizagem neste processo de imitação e interação.

O princípio do método é, portanto, centrado na criação do mesmo ambiente para aprender música que a criança tem para aprender a sua língua materna. O objetivo é envolver o estudante com a música da mesma forma que ele se envolve com a linguagem quando está aprendendo a falar. O ambiente proposto inclui demonstrações e respostas (feedback) com frequentes bons exemplos, elogios, palavras e expressões carinhosas e uma dosagem adequada de tempo de estudo, de acordo com o desenvolvimento do aluno.

Shinishi Suzuki viveu de 1898 a 1998, passou a vida provando que a capacidade não é inata e que o talento pode ser desenvolvido. Nasceu em Nagoya (Japão), dia 17 de outubro.

Ficou conhecido pelo método de ensinar criança e adolescentes a desenvolver um talento excepcional.

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Filme Educação é Amor - Vida e Obra de Shinichi Suzuki (Parte 1)

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Propostas Pedagógicas Musicais De (Émile Jaques-Dalcroze)

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Propostas Pedagógicas Musicais De (Émile Jaques-Dalcroze)

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Curso: Música/EaD - 3° Período

Professora: Adriana dos Reis Martins

Acadêmico: Wellyngton Dias Brito

Polo: Araguaína/TO

Pedagogo Musical: Émile Jaques-Dalcroze

Universidade Federal do Tocantins (UFT-TO)

ÉMILE JAQUES-DALCROZE

Durante os séculos XIX e XX a educação musical passou por diversas modificações e recebeu contribuições de diversos autores, que desenvolveram ideias e propostas de sistematização do ensino musical, muitas delas tornando-se conhecidas e aplicadas no mundo todo em função de sua coerência e alinhamento com novos modos de pensar o ensino de música. Neste artigo falaremos sobre as valiosas propostas de Dalcroze (1865-1950), compositor e pedagogo musical, nascido em Viena, Áustria. Segundo ele, os alunos recebiam um precário preparo auditivo e por isso não conseguiam identificar o som dos acordes que escreviam nas aulas. Ele acreditava que havia uma falha no método convencional de ensino: o de centrar o conhecimento na mente do aluno, quando o cérebro e o corpo são desenvolvidos paralelamente e um está constantemente a comunicar as suas impressões e sensações ao outro.  Sensível às transformações que ocorriam no campo das artes, não se conformava com a maneira mecânica e estéril com que seus alunos aprendiam música. Assim, passou a propor exercícios que fizessem com que o aprendizado passasse pela experiência corporal. Com suas descobertas, Dalcroze abriu as portas para as inovadoras pedagogias musicais que surgiram na primeira metade do século XX. Ele desenvolveu gradualmente um método de educação musical baseado no movimento, onde o aprendizado ocorre por meio da música e pela música, através de uma escuta ativa. O grande objetivo de Dalcroze era fazer o aluno experimentar e sentir para somente depois dizer “eu sei”. Para ele, a fusão entre a música e o gesto é essencial e, em sua metodologia, propõe o rompimento da dicotomia corpo-mente. Seu sistema de educação musical é conhecido como “Rythmique” (Rítmica), cujo objetivo é criar, através do ritmo, uma corrente de comunicação rápida, regular e constante entre o cérebro e o corpo, transformando o sentido rítmico numa experiência corporal, física. Em 1915 foi fundado o Instituto Émile Jaques-Dalcroze, em Genebra, que continua sendo um importante centro de formação de professores, difundindo as ideias e propostas de seu mestre. Oferece cursos de Rítmica para pais e crianças a partir dos três anos de idade, assim como cursos de Rítmica, Solfejo e Improvisação para adultos, além de Bacharelado em Artes e Pós-Graduação em “Método Dalcroze” para instrumentistas, professores de música ou dança, pedagogos e profissionais especializados em psicomotricidade. O método Dalcroze foi implantado no Brasil em 1937 no Conservatório Brasileiro de Música do Rio de Janeiro. Atualmente existem professores especializados em sua metodologia, entre eles, Iramar Rodrigues, brasileiro naturalizado suíço, que ministra cursos, oficinas e encontros de educação musical no Brasil.

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Universidade Federal do Tocantins
Curso: EAD
Professora: Adriana Dos Reis Martins
Acadêmico: Kleiton Barbosa Dos Santos
Polo: Arraias - To

Villa-Lobos (1887-1959) começou seu trabalho como educador quando viajou pelo Brasil colhendo material nativo e folclórico. O trabalho educacional de Villa-Lobos é controversial, devido ao fato de associar educação musical nas escolas com idéias de moral e comportamento cívico, e por estar ligado ao Estado Novo (1930-45) de Getúlio Vargas. Em 1931, Villa-Lobos promoveu um concerto no Rio de Janeiro envolvendo mais de doze mil vozes dentre estudantes primários e secundários, trabalhadores de fábricas, e outros interessados em participar. No ano seguinte o coral foi de dezoito mil participantes. Em 1935, lançou o Guia Prático, publicação extensiva para música coral. Villa-Lobos definia sua posição como agente de ação, realização, e sistematização do programa de música, objetivando o comportamento cívico e educação artística da criança. Propunha também o começo cedo em tenra idade e a inclusação não só dos compositores clássicos, mais também advogava a pesquisa e estudo do material folclórico brasileiro. Suas idéias tiveram grande aceitação no Brasil e repercussão internacional em países da América do Sul. (Villa-Lobos, 1937

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Universidade Federal do Tocantins
Curso: EAD
Professora: Adriana Dos Reis Martins
Acadêmico: Gabriel dos Anjos Ferreira Ribeiro
Polo: Gurupi-To

Heitor Villa-Lobos (1887-1959) foi um maestro e compositor brasileiro, um dos mais originais do século XX. Graças ao emprego de ritmos brasileiros e de instrumentos de percussão, sua vasta obra inclui concertos, sinfonias, óperas, bailados, suítes sinfônicas e peças isoladas. Suas peças eram executadas no circuito dos mais prestigiados teatros europeus e americanos.

Heitor Villa-Lobos nasceu no bairro de Laranjeiras, zona sul do Rio de Janeiro, no dia 5 de março de 1887. Era filho de Raul Villa-Lobos, diretor da Biblioteca do Senado e músico amador, e da dona de casa Noêmia Monteiro, grandes incentivadores dos estudos do filho. Aprendeu com o pai a tocar violão e violoncelo.

Autodidata, com seis anos compôs a primeira peça para violão, baseada em cantigas de roda. Com oito anos começou seu interesse por Johann Sebastian Bach. Apreciava também os ritmos populares. Conheceu os ritmos nordestinos quando frequentou, com o pai, a casa de Alberto Brandão, onde se reuniam os cantadores nordestinos. Aprendeu a tocar clarinete e saxofone.

Com 12 anos ficou órfão de pai, e a família enfrentou dificuldades financeiras. Para sustentar os oito filhos, sua mãe, acostumada à vida social, conseguiu um emprego para lavar e engomar as toalhas e guardanapos da Confeitaria Colombo.

Com 16 anos, Heitor foi morar com uma tia, que lhe ensinou a tocar piano. Encantado com os “chorões”, grupo malvisto pela nata da sociedade, frequentava o Cavaquinho de Ouro, loja de música, quando os chorões recebiam convites para se apresentar em diversos lugares.

Em 1905, Villa-Lobos viajou pelo Brasil em busca de raízes folclóricas. Esteve no Nordeste e se extasiou com a riqueza do folclore da região. Esteve no Sul, no Centro-Oeste e na Amazônia, com a mesma curiosidade com que antes fora ao Nordeste. Em 1907 escreveu “Os Cantos Sertanejos”, para pequena orquestra.
Vila Lobbos se destacou no ensino da música através do coral orfeônico, onde desempenhou papel fundamental para as escolas públicas do país.
Portanto, foi vista como  uma das contribuições mais marcantes de Villa-Lobos para a música brasileira  esse ambicioso projeto do Canto Orfeônico, que propôs uma reforma na educação musical nas escolas públicas do Brasil, através da prática coral

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UNUVERSIDADE FEDERAL DO TOCANTINS
CURSO: MUSICA EAD
PROFESSORA: ADRIANA DOS REIS MARTINS
ACADÊMICO: JONILSON CAMILO DA CONCEIÇÃO.
POLO: ARRAIAS-TO
PEDAGOGO MUSICAL: JOHN PAYNTER

O inglês John Paynter foi educador musical em escolas regulares e também na Universidade de York. Ele questionou a educação musical que vivia embasada na música do passado e por isso suas características se distanciam da vida cotidiana. Sua pedagogia é de que a música é possível á todos, pois oferece diversas possibilidades para trabalhar atividades e não precisa ser um especialista para isso. Seu ensino é embasado na música de vanguarda (música ocidental erudita de concerto 1940 a 1990), experimental e na escuta ativa em sua prática oferece condições aos alunos de fazerem suas próprias criações e também associava a música ao teatro e as artes visuais. Segundo Paynter para ensinar música não precisa de método, pois ele considerava os métodos a “antítese da mente criativa”. Ele apoiava a inovação, a busca por novas sonoridades.

Paynter questionou, lutou e conseguiu mudanças nos métodos usados para avaliar os alunos.

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A Música e o Movimento ( Emile Jacques Dalcroze)

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A Música e o Movimento ( Emile Jacques Dalcroze)

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Disciplina: Fundamentos da Educação Músical
Professora: Adriana Martins
Acadêmico: Aldinei Tavares Lima
Curso: Música EaD UFT 3º Período
Polo: Arraias-To

Emile Jacques
A Música e o movimento

A Música como meio para uma experiência poética do corpo

Emile Jacques Dalcroze (Viena, 6 de julho de 1865 - Genebra, 1 de julho de 1950) foi o criador de um sistema de ensino de música baseado no movimento corporal expressivo, que se tornou mundialmente difundido a partir da década de 1930. Por sua pedagogia musical, Dalcroze é comumente reconhecido no Ocidente se torna o precursor dos chamados métodos ativos na área da educação musical,[1] influenciando toda uma geração situada primordialmente na primeira metade do século XX. Nasceu na Áustria, mas se mudou para Genebra, na Suíça aos seis anos, onde veio a falecer.

Em 1886, trabalha como pianista em uma
estação de banhos em Saint-Gervais,
trabalho que o aborrece pela indiferença dos hóspedes à música executada, mas lhe permite o contato com´Léo Delibes que o parabeniza pelas improvisações que realizava ao piano. O trabalho na estação de banhos não dura muito e Dalcroze embarca para a Argélia a convite de Ernst Adler para dirigir com ele a orquestra de um Vaudeville. Já havendo em Paris outro Jaques compositor, adota o nome artístico pelo qual será conhecido, fruto da alteração do sobrenome de Raymond Valcroze, um colega francês do tempo do colégio. Na Argélia, Dalcroze entra em contato com os ritmos árabes e é convidado a dirigir o Conservatório de Argel, convite recusado para dar continuidade a seus estudos em Viena.

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PROPOSTAS PEDAGÓGICAS MUSICAS DE SHINICHE SUZUKI

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PROPOSTAS PEDAGÓGICAS MUSICAS DE SHINICHE SUZUKI

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Universidade Federal do Norte do Tocantins - UFNT

Curso: Música/EaD - 3° Período

Professora: Adriana dos Reis Martins

Acadêmica: Edileude Rodrigues Oliveira

Polo: Araguaína/TO

Pedagogo Musical: Shinichi Suzuki

SHINICHI SUZUKI

Criado pelo professor Shinichi Suzuki (1898-1998), o método foi concebido para desenvolver o potencial inato de todas as crianças. Conhecido como “método da língua mãe”, ou “método da educação do talento”, ou apenas “método Suzuki”, a metodologia reconhece dentre os conceitos que definem a Filosofia Suzuki, criada pelo violinista e pedagogo Shinichi Suzuki (1898-1998), está o princípio de que todas as crianças são capazes de aprender; Quanto mais cedo se estimular este aprendizado melhor; É importante desenvolver habilidades durante os primeiros anos de vida da criança; Somente com a participação efetiva dos pais será possível oferecer à criança todo o estímulo que ela necessita; O ambiente no qual a criança vive propicia seu crescimento;  A participação dos pais é fundamental; O encorajamento é essencial; As crianças aprendem umas com as outras; Sucesso gera sucesso;  Passo a passo e cada uma a seu tempo; a criança desenvolve sua habilidade musical pouco a pouco, por meio de constante repetição, a seu ritmo e à sua maneira. Cabe ressaltar que o Método Suzuki propicia mudanças profundas apenas quando o conjunto de seus princípios é colocado em prática concomitantemente.

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ATIVIDADE

Fundamentos da Educação Musical

Professora: Adriana Martins

Estudante: Phelipe Smailin Sales da Silva

Zoltán Kodaly

Vida e Obras: Compositor e educador húgaro, nasceu em Dezembro de 1882 em Kecskemet, Hungria. Filho de músicos amadores, incicnou com coro infantil de catedral, especializou-se no piano, violino e e violocelo. Frequantou a Universiade de Letras, Filosofia e Literatura, grauou-se me Composição em 1904.  Destaca-se como pedagogo musical do século XX, seu pensamento filósifico apoiava a idea do ensino de música como uma ferramenta de apredizagem e habilidades presente na vida do ser humano. Sua proposta era estruturada pelo uso da voz envolvendo 3 tipos de materiais musicais: 1. Canções e jogoso infantis cantados na ligua materna; 2. Melodias folclóricas nacionais e 3. Temas derivados do repertório erudito ocidental.

Para Kodaly nao se trata apenas de ter a música como proposta pedagógica, mas como uma vivência cultural até mesmo experimentada antes da escola. Paralelamente o uso de repertório erudito ocidental, no programa de ensino era utilizado por Kodály eram do período barroco, romatico, clássico e contemporâneo.

Como educador preocupa-se com o nível de desempenho musical de um professor de música. Sua pedagogia era incialmente centrada no professor.

O método Kodaly no Brasil veio a partir de 1987 com Ian Guest.

Aos 40 anos interessou-se no ensino musical infantil. Em 1943 publicou coleções musicais infantis. Primeiro volume para crianlças de 6 ac 10 anos. Um Segundo volume para o público de 11 a 14 anos.

Em 1958 foram apresnetados relatos sobre suas metodologias, projetando internacionalmente suas idéias. Em 1961 foi nomeado como presidente do International Folk Music Commette no Canadá.

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Suzuki foi um violinista, pedagogo e filósofo japonês conhecido por desenvolver o "Método Suzuki", uma abordagem pedagógica inovadora para o ensino de música, especialmente voltada para o ensino de instrumentos, com destaque para o violino. A proposta pedagógica de Shinichi Suzuki foi revolucionária em sua ênfase na aprendizagem musical desde tenra idade, no envolvimento dos pais e na criação de um ambiente positivo para o desenvolvimento das habilidades musicais das crianças.  Suzuki acreditava que assim como as crianças aprendem a falar naturalmente por meio da imersão na linguagem de seus pais, elas também podem aprender música da mesma forma, através da imersão e da escuta constante. Portanto, ele enfatizou a importância de expor as crianças à música desde uma idade muito precoce. Defendeu a criação de um ambiente positivo e encorajador para o aprendizado musical. Ele acreditava que a educação musical deveria ser uma experiência alegre e positiva para as crianças. Também enfatizou a importância da repetição e da revisão no processo de aprendizado musical. Ele acreditava que a prática regular e a revisão constante das peças musicais eram essenciais para o desenvolvimento das habilidades musicais. Suzuki incentivou o aprendizado em grupo, onde as crianças têm a oportunidade de tocar juntas e aprender umas com as outras. Isso promove a socialização e a colaboração, além de ajudar os alunos a se motivarem mutuamente. Seu método influenciou a educação musical em todo o mundo e continua a ser amplamente utilizado na instrução de instrumentos musicais, especialmente o violino.

Criado por: Ana Carolina Pereira Cavalcante

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Disciplina: Fundamentos da Educação Musical

Professora: Adriana Martins

Acadêmico: Jaelson Lins dos Santos

Curso:Música EaD UFT 3º Período

Polo: Arraias/TO

Proposta Pedagógica de Edgar Willems

Edgar Willems, este era de origem flamenga e “nasceu a 13 de Outubro de 1890 em lanaken, pequena comunidade nas margens do rio Meuse, na Bélgica flamenga.

A proposta pedagógica musical de Edgar Willems foi desenvolvida no início do século XX e tem como principal objetivo a formação integral da criança por meio da música. Willems acreditava no potencial educativo da música e defendia que todos os seres humanos têm capacidade de se expressar musicalmente.
Sua proposta pedagógica se baseia em três pilares: a escuta, a improvisação e a composição. Segundo ele, a escuta é a base para a expressão musical e, por isso, é necessário educar o ouvido desde cedo. Ele propunha atividades de audição ativa, em que as crianças aprendiam a discriminar e identificar os elementos musicais presentes nas obras. A improvisação também era valorizada por Willems, pois ele acreditava que a criação espontânea é uma forma de expressão musical autêntica. Ele propunha exercícios de improvisação vocal e instrumental, em que as crianças tinham a oportunidade de experimentar diferentes sonoridades e criar suas próprias melodias.
A composição era outra componente importante da proposta de Willems. Ele acreditava que a criação musical é uma forma de expressão pessoal e incentivava as crianças a comporem suas próprias músicas. A partir de jogos e exercícios de criação, as crianças aprendiam a estruturar ideias musicais e a desenvolver suas habilidades composicionais. Além disso, sua proposta incluía o canto coletivo, o estudo de instrumentos musicais, a prática de conjuntos musicais e a participação em coral infantil. Ele acreditava que o fazer musical em grupo favorece o desenvolvimento da disciplina, da cooperação e do respeito mútuo.
Em sua proposta, Edgar Willems valoriza a vivência musical das crianças, respeitando sua individualidade e criatividade. Ela propõe um ensino musical integrado às demais áreas do conhecimento, promovendo o desenvolvimento cognitivo, afetivo e social dos alunos.

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O principal objetivo da proposta pedagógica de Suzuki é cria

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Ele desenvolveu um método de educação musical baseado no movimento, onde o aprendizado ocorre por meio da música e pela música, Por meio de uma escuta ativa. A Rítmica que é um sistema de educação musical, foi criado por Dalcroze, e esse sistema visa a musicalização do corpo, onde os elementos da música são estudados através do movimento corporal.
Esse método chamou a atenção no meio artístico, sobretudo entre dançarinos e dramaturgos.
Esse método se desenvolveu em um momento de grandes transformações na Europa, onde se destaca o avanço na psicopedagogia.
Essa pedagogia conhecida como "escola nova", passou a dar valor a experiência, chamando o aluno a participar ativamente do processo de aprendizagem.
O método Dalcroze chegou ao Brasil no ano de  1937 no Conservatório Brasileiro de Música do Rio de Janeiro, um ano após a fundação do conservatório. A etnomusicóloga Roza Maria Zamith, foi uma das primeiras professoras a utilizar o método no Estado do Rio de Janeiro.
Em 2008, na Faculdade de Educação da Universidade Estadual de Campinas, foi defendida por José Rafael Madureira a primeira tese de doutorado no Brasil sobre a experiência poética da Rítmica de Émile Jaques-dalcroze.

Aluno: Marcos Rodrigues da Silva