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Mon concept porte sur l'idée qu'on n'est pas les seules êtres intelligentes dans l'univers. Comme les extraterrestres pourraient avoir un pouvoir sur notre temporalité qu'on ne peut pas imaginer, je voulais le transmettre avec une scène gelée dans le temps où il y a l'aire que seulement l'extraterrestre à le contrôle. L'effet CRT (télévision de tube à rayon cathodique) fait une distorsion de l'image qu'on est habitué quand on voit ces sortes de scènes. Même dans l'Âge moderne, les images de vaisseau qui pourrait être extra-planètaire ne sont jamais en bonnes qualités. Avec ces distorsions et la manipulation de la temporalité, on peut s'imaginer vraiment dans une réalité augmentée.

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https://padlet.com/alessandraamandine/ETHIER

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https://padlet.com/smithkarolann/vvz9rs71v6x17a9u

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En géographie tout comme en urbanisme, les îlots de chaleurs dans les villes sont symptômes d’une hyper minéralisation des villes. Ces villes créées pour la voiture sont asphaltées et « bétonisées » jusqu’à la porte d’entrée des maisons. Ce projet vise à visiter ce réel tout en asphalte et béton en l’augmentant d’encore plus de béton. De plus, les photos présentent cette sur-minéralisation à différentes échelles afin de montrer jusqu’où l’on est prêt.e à modifier les surfaces naturelles afin qu’elles soient dures et lisses.

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lien journal de recherche : https://padlet.com/alessandraamandine/m8ky85m94pp6xqt0

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Dans le but de faire vivre une expérience montréalaise typique via la photographie, j’ai décidé de mettre en valeur un code graphique omniprésent dans le quotidien des montréalais. D’un point de vu littéraire, j’ai accordé mon attention sur les panneaux indiquant les noms de rues de la ville. Ces panneaux sont essentiels à la structure signalétique de la métropole, ils ont été conçus pour facilité la lecture rapide, mettre de l’avant le code graphique de la ville de Montréal et surtout conserver une certaine intemporalité.

Pour illuminer cet élément graphique indispensable, j’ai exagéré le concept du panneau en multipliant sa grandeur et en l’installant de façon temporaire en bordure de certaines rues représentatives de la ville. Il ne s’agissait pas ici de reproduire simplement le nom d’une rue précise ou bien de banaliser la lecture de mon installation, mais bien de faire questionner le public. Dans le but de conserver le même code graphique que les panneaux initiaux, j’ai remplacé l’écriture initiale et j’y ai inscrit d’une part, l’expression Déjà-vu, et d’autre part, Quotidien. En premier lieu, l’expression Déjà-vu met de l’avant directement l’impression que le spectateur a en voyant mon installation, ce côté littéraire et direct rejoint la base du concept. D’autre part, l’emplois du mot Quotidien où normalement nous y trouvons l’Avenue ou la Rue permet de confirmer et d’appuyer l’utilisation du déjà-vu. Le positionnement et le choix des mots suit la logique de lecture d’un panneau de rue. L'élaboration des deux lettrages a pu se faire de façon identique grâce à l'utilisation de la même police de caractère que la ville de Montréal utilise pour sa signalétique. De cette façon, mon installation exagère, décuple un aspect du réel et apporte une plus-value à ce qui est visible et banal pour les gens de la société montréalaise. Ce panneau correspond donc selon moi à l’équivalent d’une carte postale montréalaise, le code graphique fort nous permet de reconnaître immédiatement son origine.

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Ce n'est pas MARIE-LAURENCE GARON ( C'est Sandrine Désilets ) mon nom n'est pas là

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Ce n'est pas MARIE-LAURENCE GARON ( C'est Sandrine Désilets ) mon nom n'est pas là

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Chaque image du triptyque met en scène au premier plan un sujet artificiel repris de la nature : une roche, une fleur et des nuages. Chacun de ces sujets sont ensuite posés sur un piédestal ou mis en évidence pour ainsi démystifier ce dernier. Je tente donc ici de représenter de manière poétique et abstraite l'idée du rêve ou l'on recrée des scène qu'on a vu dans la réalité. Le reflet de chaque éléments artificiels est donc la réalité qui elle est le reflet de la mise en scène proposée, tel comme le serait dans un rêve.

Je tente donc de représenter deux notions en simultanée. La première étant la représentation du rêve qui devient en quelque sorte nos propres mises en scène. La deuxième notions suit l’idée que nos rêves sont influencés par notre subconscient qui lui est toujours inspiré de notre réalité nos expériences et nos souvenirs.

Une autre vision du rêve est aussi possible soit le rêve au sens du désir. Dans ce cas-ci les éléments artificiels regarde leur reflet beaucoup plus complexe et réaliste comme s’ils enviaient leur reflet plus que leur réalité.

Comme de quoi faut-il parfois se détromper des apparences, car elles peuvent être trompeuses.

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Le terme Car Culture se définit par un mode de vie, ou société, caractérisé par l'utilisation excessive et dépendante des véhicule motorisés. L'accès presque exclusif en automobile ainsi que le statut social associé à la quantité et le type de voiture sont des facteurs qui contribuent au Car Culture prévalent en banlieue.

J'ai choisi de filmer une soie avec un motif d'auto tenue devant un abris Tempo afin de porter un regard critique sur l'extension de l'espace résidentiel en lien avec le Car Culture prévalent à Laval, banlieue de Montréal. Souvent, on compte plus qu'une voiture par ménage et cela monte parfois jusqu'à une auto par personne selon la grosseur de la maison. Dans cette optique, l'abri-Tempo agit comme extension de l'espace résidentiel en lien avec le nombre d'auto par foyer.

J'ai utilisé une photo de cellulaire d'une maison munie d'un abris Tempo à côté de chez moi à Laval. J'ai reproduit le derrière de l'auto dans la photo plusieurs fois de manière à créer un motif. Ce motif a ensuite été imprimé sur de la soie et filmé, tenu devant un abri Tempo. La douceur de la soie crée un contraste intéressant avec la machinerie des autos. L'effet flottant et volatile de la soie donne vie au motif quand il est tenu et filmé dans le vent.

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Pour ce concept, j’augmente le réel à un environnement banal auquel nos yeux sont habitués à voir. Pour l’augmenter, je vais venir jouer sur la thématique du trompe l’œil. Je vais utiliser la banalité d’un environnement (une forêt) pour venir perturber l’œil du spectateur. Mon but, est de créer ou faire évoquer une autre dimension à l’aide des miroirs. J’ai voulu montrer un environnement d’une autre façon qui peut paraître ordinaire pour certains. À première vue d’œil on ne remarque pas tout de suite cette autre dimension présente dans le paysage. Elle est à la fois visible et invisible. Ça l’évoque une sorte de portail qui pourrait nous faire voyager dans une autre dimension. Bien que le Noir & Blanc évoquent un effet amateur à la photographie, je trouve qu’elle évoque un style vieux mais à la fois moderne et technologique avec ces boîtes en miroirs.

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Pour ce projet, j’ai décidé d’augmenter le réel en transformant un élément spécifique d’une image. J’ai créé un triptyque avec des photos de fenêtres étirées. Ce qui rend le résultat final captivant, c’est le processus utilisé. J’ai imprimé 3 images de fenêtres qui étaient sur un bâtiment abandonné et j’ai ensuite numérisé les impressions en étirant les fenêtres pour finalement créer un effet de distorsion et des textures intéressantes. Le triptyque a ensuite été imprimé en grand format afin de bien rendre le motif de la numérisation.

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Dans un monde ou le paraitre est devenu primordiale pour biens des gens, les marques de luxe jouent un rôle très important dans cette problématique. Dans l’univers de la mode haute couture, beaucoup de marques vendent des produits à des prix irraisonnables qui ont parfois des ressemblances visuelles très fortes avec des produits banals que l’on utilise au quotidien.

Ce triptyque photographique est une critique aux articles vendus par plusieurs maisons de haute couture. J'ai recréé avec du plastique polypropylène (de la bâche) et du carton, différents sacs à mains iconiques de la mode. Le but était de créer une version beaucoup moins chère de ces articles et de les photographier de manière à ce que ces derniers aient l'air d’une vraie collection haute couture.

https://padlet.com/alessandraamandine/2ef7otwuuvd6cotb

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Avec les Ricardo et Marilou de ce monde, nous cherchons maintenant recettes et inspiration culinaire majoritairement en ligne. J’ai donc voulu démontrer l’impact du virtuel sur nos vies, ici à travers l’univers de la cuisine.

Pour y arriver, j’ai tenté de créer une certaine ambiguïté entre le virtuel et le réel à l’aide de mises en scènes surréalistes et d’écrans. Dans cet univers artificiel, on a l’impression que ce qui apparait à l’écran (le virtuel) est plus ‘’réel’’ que la mise en scène elle-même. Chaque élément de la nature morte est peinturé et ‘’parfaitement placé’’ pour aider cette construction. Ce qui apparaît à l’écran est parfois un trompe-l’oeil, une alternative au réel ou un complément à celui-ci. Chaque intervention contribue ainsi à augmenter le réel.

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Le rendu final a pour thème la place de l’art dans nos vies. Ce troisième projet est dans la même veine que le deuxième projet: ramenez l’art à la réalité, ramenez l’art à la vie. De la même façon que de sortir des œuvres hors de leur contexte, mettre des vers de théâtre permet « d’augmenter » la réalité dans laquelle elles se trouvent.

Le triptyque est composé d’une photo sombre, une lumineuse et une entre les deux, afin de créer une continuité lorsqu’elles sont une à côté des autres. Les vers des œuvres utilisées sont de Antigone (de Jean Anouilh , - On ne sait jamais pourquoi on meurt), Zaïre (de Voltaire, - On ne peut désirer ce qu’on ne connaît pas) et le barbier de Séville (de Beaumarchais, - Le vent, qui éteint une lumière, allume un brasier.) Les trois œuvres ont été écrites et présenter à des époques différentes, mais c’est en les mettant en contexte dans un triptyque rapproché que l’on peut observer une similitude au niveau du ressenti des œuvres.

Lien pour Padlet de recherche: https://padlet.com/alessandraamandine/xdvsbnoytpvw29vq

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Mon projet est constitué de trois reproductions de peintures exécutées d’un point de vue du 21e siècle. Je vous démontre ainsi qu’avec les outils modernes : nous pouvons reproduire facilement des œuvres qui sont considérées grandioses pour leur temps en termes d’exécution et d’artisanat.

La technologie & les réseaux sociaux ouvrent une porte à tous ceux qui ne se sont jamais intéressés ou très peu à ces œuvres. Regardez l’utilisation de plusieurs toiles dans le monde culturel d’aujourd’hui (par exemple – les mèmes).

À quoi ressemblerait La femme à la perle et de La Dame à l’hermine si De Vinci les avait créées à notre ère moderne? Quand serait-il de Juan de Pareja de Velázquez? Mon projet est donc une suggestion de ce que ces artistes auraient créé s’ils faisaient partie de notre époque en utilisant un téléphone mobile au lieu de la peinture.

Pour accomplir ce projet, j’ai porté attention aux détails tels que les poses, les expressions faciales, la lumière, la coloration ainsi que les vêtements qui font simplement penser à la peinture originale sans toutefois en faire des pastiches.

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La femme à la perle (De Vinci)

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Juan de Pareja (Velázquez)

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La Dame à l'hermine (De Vinci)

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https://padlet.com/alessandraamandine/GODRON