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시간이 없어서 피카소와 거장들은 가질

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시간이 없어서 피카소와 거장들은 가질 못해서
너무 아쉽고 진심으로 시간날때 가고싶다.

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6/9일자 기준
미제출: 다윗, 동후, 아라서, 무성, 동석, 아인, 무성, 예림

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머리 털 나고 처음으로 돈 주고 처음가는 전시회

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머리 털 나고 처음으로 돈 주고 처음가는 전시회

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왜 굳이 여기를 뽑아 갔냐고 하면 단순하다

핑크색이여서
(내가 핑크를 좋아하니께ㄱ^^ㄱ)

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피카소와 20세기 거장들

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피카소와 20세기 거장들

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대체공휴일 월요일날! 전시회를 보러갔다가 우연히 윤지와 동희를 만났습니다. 3명이서 같이 입장하기전에 티켓을 같이 찍었습니다 (체육복 동희 핑크옷 윤지 노랑색옷 본인) 윤지가 티켓 구매를하는데 30분이나 걸려서😅 가까스로 들어가게 됬습니다.

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라울 뒤피: 색채의 선율

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라울 뒤피: 색채의 선율

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31일, 하교 후 친구들과 미술관을 갔다왔다.
라울 뒤피의 그림 전시회라고 하기보단, "작품" 전시회 라고 할 수 있다.

라울 뒤피(Raoul Dufy, 1877년 6월 3일 ~ 1953년 3월 23일)는 프랑스의 화가이다. 직물, 도자기 디자이너 사이에서 유행한 다채롭고 장식적인 스타일을 발전시켰다

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본명: 살바도르 도밍고 펠리파 자신토 달리 이 도메네크

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(이동석) 살바도르 달리 조사

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(이동석) 살바도르 달리 조사

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1904~1989
살바도르 달리는 90년대 스페인의 초현실주의 화가이자 영화 제작자이다.

그는 1926년 파리에서 존경하던 피카소를 만나 그의 예술가의 생이 시작되었다고 한다.

드라마 종이의 집 가면에 모델이기도 하다.
(뜬금없지만 츄파춥스 로고를 디자인 한 사람이다)

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「에드워드 호퍼 : 길 위에서」전시회 

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「에드워드 호퍼 : 길 위에서」전시회 

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5월 29일 월요일
마침 대체 휴일이라 엄마와
시청역 근처 서울시립미술관에 있는
에드워드 호퍼의 전시회를 갔습니다

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금요일 학교가 끝나고, 소마 미술관에 들러 한국근현대미술전을 관람하게 되었습니다. 역에서 내린후, 미술관 앞 여러 조각상들과 작품을 보며 걸으니 관람전 에피타이저를 맛본 기분이였다. 한국근현대미술전인 만큼, 근현대사와 관련된 작품들을 보게될것에 굉장히 설레는 마음이였다.주변에 올림픽공원이 있어 데이트나 관광코스로서도 굉장히 좋은 장소 일것같다.

보기 앞서 , 사전 조사를 하던 나는 이것이
구본웅, 권진규, 김정숙, 김종영, 김환기, 남관, 나혜석, 문신, 박래현, 박생광, 박수근, 방혜자, 배운성, 변월룡, 유영국, 이성자, 이인성, 이응노, 이중섭, 이쾌대, 장욱진, 천경자, 최욱경, 한묵, 황용엽 등 25명의 작품을 통틀어 볼수있는 전시라는것을 알았다.이 전시는 6월 30일까지 열리고, 전시품들로 만들어진 여러 굿즈도 판매하니 참고하는것이 좋다. 난 이런점들에 따라 5월에 꼭 방문 해볼만한 장소인것같아 이곳에 방문하게 되었다.

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피카소와 20세기 거장들

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피카소와 20세기 거장들

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동희와 우연히 편의점에서 만난 다은이와 서울 강남구 대치동에 있는 미마아트뮤지엄을 갔다.

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라울뒤피- 색채의 선율

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라울뒤피- 색채의 선율

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리울뒤피 색채의 선율 티켓은 이렇게 생겼나보다
실제로 보고싶다

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본인은 예술의 전당을갈 야망을 가지고 있었으나...출발당일날 문닫을걸 알아서 고민하고 있는데 옆에 있는친구가 여기를 찾았다 그래서 내가간곳은 국립현대미술관이다 국가적차원에서 현대미술을 수집,보존하는 곳이라하네요

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친구가 없어서 가지 못한 피카소와 2

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친구가 없어서 가지 못한 피카소와 20세기 거장들ㅜㅜ
티켓은 이렇게 생긴것 같다 가서 실제로 보았으면 좋았을것 같은데 정말 아쉽다 안되겠다 집에서라도 찾아봐야겠다!!!;&;₩;!!

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라울 뒤피: 색채의 선율 후기

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라울 뒤피: 색채의 선율 후기

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31일 학교를 마치고 친구들과 전시회를 다녀오다.

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1. 밤을 지새우는 사람들

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에드워드 호퍼의 길을 걸어보자.(에드워드 호퍼- 길 위에서 전시회)

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에드워드 호퍼의 길을 걸어보자.(에드워드 호퍼- 길 위에서 전시회)

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도시의 적막함, 그리고 한 공간에 앉아 있지만 왠지 시무룩해 보이는 사람들의 얼굴에서 고독함이 느껴졌습니다. 에드워드 호퍼는 어째서 이런 그림들을 그린 것 일까요?

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피카소와20세기거장들전시회후기..아마

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피카소와20세기거장들전시회후기..아마

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5월29일 .. 평화로운주말ㅜ할것도없는데 마침 까먹고있던 학교과제가생각나 친구와 즉흥적으로 전시회를 가게되었다 ㅎㅎ

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이요셉의 피카소와 20세기 거장들 전시 후기

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이요셉의 피카소와 20세기 거장들 전시 후기

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일반인의 시선에서 보는 어려운 내용 1도 없는 쉽게 보는 이요셉의 작품 설명

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강남 전시회 | 피카소와 20세기 거장들 |

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강남 전시회 | 피카소와 20세기 거장들 |

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어제 강남 마이아트뮤지엄에서 열리는 전시회 피카소와 20세기 거장들 을관람하고 왔습니다 :)

20세기 모던 아트부터 현대에 이르기까지의 중요한 예술작품과 거장들의 작품을 이루는 컬렉션들로 구성되어있습니다
독일 표현주의, 러시안 아방가르드, 초현실주의, 추상표현주의, 팝아트, 미니멀리즘 등등이 있었고
피카소, 샤갈, 칸딘스키, 앤디 워홀, 리히헨슈타인 등 20세기 거장들의 작품들을 포함하여 세계적으로 유명한 작품들을 소개하겠습니다

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JR:크로니클스  롯데뮤지엄  후기 feet 이주현 

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JR:크로니클스  롯데뮤지엄  후기 feet 이주현 

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저는 지금 티켓을 예매하고 할거없는 친구한명을 밥을 사준다고 꼬신뒤 JR:크로니클스  롯데뮤지엄에  왔습니다.
제이알: 크로니클스는 서울에서 아시아 최초로 선보이는 제이알의 문화, 사회, 정치적 주제에 대한 관심과 대중과의 협업을 토대로 초기부터 지난 20여 년간 펼쳐 온 행보를 주요 프로젝트를 통해 소개해줌니다.

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시간이 없어서 가지 못한 피카소와 2

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시간이 없어서 가지 못한 피카소와 20세기 거장들입니다
티켓을 직접 가서 보고싶은데 시간이 없어 못보았다
다음에 가서 보았으면 좋겠다

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먼저 전시회 보고서를 작성하기 전에 늦어서 죄송하다는 말씀을 드립니다. 정말 죄송합니다. 제가 간 전시회는 [라울 뒤피:색채의 선율] 입니다.

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밤하늘에 별이 떠 있는 모습으로, 이

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밤하늘에 별이 떠 있는 모습으로, 이 작품에 쓰인 특유의 화법은 이후 지금도 다른 화가들에 의하여 많이 사용된다. 반 고흐의 아를 체류시기 밤의 풍경은 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 알 수 있듯이 별에 대한 탐구가 두드러진다. 그가 밤의 풍경을 묘사했을 때 자주 사용했던 코발트 블루가 이 작품에서도 주된 색조를 차지한다.
별과 그 주변부의 묘사에 있어서도 반 고흐는 아를 체류 시기 그렸던 <론 강의 별이 빛나는 밤>에서와 마찬가지로 화폭에 직접 흰색 튜브 물감을 짜서 하이라이트 효과를 주었다. 또한 그는 칠하는 과정에 있어서도 단순히 붓을 칠하는 것을 넘어서 붓의 자루 혹은 갈대로 표면을 긁어냄으로서 독특한 화풍을 연출했다.

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6/2일자 기준

미제출: 다윗 동후 아라서 동석 아인 예림 무성 서현A 서현B 다은 소정

미도달: 주인

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제 1막 영화의 순간들

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제 1막 영화의 순간들

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첫번째 방은 핑크색으로 도배되있었다

들어가자 첫번째로 보이는 러브스토리라는 작품에는 다양한 영화의 커플들이 있었는데 그 커플들을 찾아보는 재미가 있었읍미다~

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들어가고 나서 첫번째로 마주한 작품이었습니다. 파랑색 벽에 대조되는 작품의 배경으로 집중이 되는 효과를 보여주었습니다 아마 사람모양일듯 한데.. 뒤쪽에 점선으로 한명의 사람이 또 있습니다. 감상할땐 못봤는데 다시 돌아보니 새로운것도 발견할수 있었습니다.

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1. 뒤피, 패션 디자이너

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1. 뒤피, 패션 디자이너

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이런 미술관, 혹은 전시회관이라고 하면 대부분 그림들이 수십장 걸려 있는 것을 상상하게 된다. 물론 나또한 그렇다. 하지만 라울 뒤피는 화가 말고도 패션 디자이너도 했던 모양이다. 라울 뒤피가 디자인한 옷들이 오늘날 여성 드레스나 원피스 등 많은 참고가 되었던것 같다.(이 이외에도 많은 옷들이 있다.)

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다들 인터넷이나 미술관 혹은 비슷한 패러디를 한번은 봤을 것이다.
달리의 대표작들 중 하나로 살바도르 달리 하면 대부분의 사람들이 제일 먼저 떠올리는 작품이다.
이 작품은 현재까지 많은 예술가들이 영감을 받고 있다고 한다.
나도 아주 예ㅖㅖㅖㅖㅖㅖㅖㅖㅖ전에 한번 특별 전시회에서 봤지만 아직도 기억에 남는 작품이다.

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도착한 서울시립미술관 건물 사진입니다

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도착한 서울시립미술관 건물 사진입니다.
건물에는 에드워드 호퍼의 전시회
포스터가 보입니다. ≖‿≖

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입장 후, 내 마음을 움직이는 여러 전시품들이 있었다. 그곳에서 난  조각상, 드로잉, 회화 등 여러 기법의 한국작가들의 현대 미술을 구경할 수 있었다.
전부를 소개하기엔 힘들겠지만, 감명 깊었던 작품 몇가지를 소개 해 보도록 하겠다.

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칼 오토 괴츠는 독일의 앵포르멜을 대표하는 화가이다.몸의 움직임이나 페인트의 우연한 효과를 살린 그림이다.그림을 여러가지 시점에서 보면 그림이 계속 다르게 보여서 가장 흥미로웠던 그림이다

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첫번째 작품은 라울 뒤피의 항구 작품

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첫번째 작품은 라울 뒤피의 항구 작품이다
뒤피는 항구에서 관찰과 창의성을 얻게 돼
사무실 창문으로 항구를 내려다보며 바다와 배
로더 및 배선원을 그렸다
뒤피의 관찰과 창의성은 뛰어난것같다 부럽다

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시작하기에 앞서 나만가면 기분이 뭔가뭔가 이기에 밥사준다하고 친구를 끌고나왔다 나만 간게 아니여서 기분이 좋았다^^

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첫번째 작품은 게오르그 바첼리츠의 “채찍을 든 여인” 이라는 작품이다 .
사진을 찾아보다 제일 눈에 들어왔다.
고문 도구인 채찍을 들고 옆으로 넘어질거 같은 여인
그림만 봐도 무섭고 소름이 돋아 이 작품을 첫 번째로 골랐다. 실제로 보았으면 더 무섭고 재미있었을 것 같다

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라울 뒤피 패션디자인도 하다?

# data[].attributes.subject
라울 뒤피 패션디자인도 하다?

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뒤피가 패션 디자인을 한것중에 제일 마음에 들었던 옷입니다. 저 옷 말고도 많은 옷이있었지만 제일 마음에 드는 옷이었습니다. 작품 전시회라서 그림만 걸려있을줄 알았는데 라울 뒤피는 패션 디자인도 했어서 옷도 같이 전시되어 있는게 신기했습니다.

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2. 에드워드 호퍼, 자화상-관람객을 보는듯 안보는듯하다. 자화상은 그를 상징하는 대표작 중 하나이며, 그가 상업작가에서 전업작가로 나아가는 시기에 그려졌다.

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에드워드 호퍼의 인생과 고독함

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에드워드 호퍼의 인생과 고독함

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에드워드 호퍼, 그는 1882년 뉴욕에서 태어나 뉴욕예술학교에서 그림을 배웠습니다.
주로 광고미술을 그리던 그였으나 1920년대 중반부터 수채화,유화를 다루기 시작하며 그의 '고독한 그림들'도 탄생하게됩니다.
당시에 미국은 산업화와 1차세계대전, 경제대공황을 겪고 있었습니다. 그가 남긴 그림들은 그 당시를 생생하게 담아내어, 이 때문에 리얼리즘 화가로 불리게됩니다.
이 때 그림에는 한가지 주제가 섞여있었는데, 바로 도시의 일상 그리고 '고독함'과 '소외감'입니다.

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박물관에 들어가기전.. 아마3시쯤이였던걸로기억한다 내가 밥을안먹고나와서 너무배고팠다ㅠㅠ
그래서 윤지랑 코엑스에가서 끼니를때우기러했당 ㅎㅎ 본죽이랑 돈까스집등 되게 다양하게있었는데 우리둘이 통했는지 둘다냉면이먹고싶어서 고민도안하고 바로 냉면집으로달려갔다 가격은11000원 ㄷㄷ 받기전엔 강남이라물가가비싼가 이생각했는데 받아보니 왜비싼지 납득했다ㅠㅠ그니유는 양이 되게 많았다 거의곱배기3번한양이였다 ㅠㅜ
심지어 오랜만에먹는냉면이라 되게맛있게느껴졌다ㅠㅠ 기모띠ㅠㅠ또갈래ㅜㅠ

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공간 들어가자 마자 보였던 작품

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공간 들어가자 마자 보였던 작품

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작가를 보고 아 이분 했던 작품 중 하나 흑백에 두명의 앨리스가 총을 들고 겹쳐있는 작품이다 앤디 워홀의 작품인 만큼 이 작품도 많은 다양한 버전이 있는 작품이다.

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로이 리히텐슈테인, 타카타카, 1962년

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그림은 잘 모르지만 이 그림 걸려있는 공간이 팝아트 공간이라는 건 바로 알았다. 바로 이 로이 리히텐슈테인의 작품 때문이다. 팝아트라는 이름처럼 이해하기 어려웠던 다른 공간에 비해 보는 눈이 즐거워서 좋았다

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JR at the Louvre Museum & The secret of the great pyramid

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저는 가서 이 작품이 가장 빨리 눈에 들어왔습니다.
이작품은 루브르와 콜라보해서 만든 작품이고
이런 입채적인 작품을 저 현장에서 보고싶다. 라는 마음이 가슴 한구석에 있었다.

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부채를 든 동화속 공주

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부채를 든 동화속 공주

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이 작품의 제목은 부채를 든 동화속 공주이다.
이 작품은 알렉세이 폰 야블렌스카의 작품이며
눈에 띄는 색감 표현이 안좋게 보일수도 있겠지만 해당 작품은 작품만의 조화가 아름답다.

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1887년 프랑스 르아르브에서 출생한 라울 뒤피는 야수파 화가입니다. 야수파라는 것은 강렬한 표현과 색을 선호하는 20세기 초반의 모더니즘 예술에서 잠시 나타났던 미술 사조입니다. 라울 뒤피에 대해 제가 전시회 설명에서 기억나는 것은 라울 뒤피가 물체의 흐름을 중요하게 봤다는 것입니다.

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장대한 풍경을 잘 표현하고 있다. 그림의 윗쪽은 검푸른 색의 하늘을 나는 검은색 까마귀 떼들이 보인다. 그림의 아랫쪽은 황금색 밀밭을 붉은 세 갈래 길이 나뉘어 있다. 그 중 가운데 길이 뚝 끊겨있다. 이 것은 우울한 분위기를 나타낸다.

밀밭의 수평선을 기준으로 윗쪽 그림 색과 아랫쪽 그림 색이 대비를 이루고 있다.

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과제1. 전시회 보고서 (개별)

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과제1. 전시회 보고서 (개별)

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패들렛 담벼락 소식지 편집디자인

■ 기한: 5/26(금)~6/2(금)
■ 과제 유형: 감상 보고서
■ 과제 방법: 편집디자인
■ 제출 방식: 패들렛 기능을 최대한 활용하여 본인 이름이 기재된  담벼락 에 순차적 게시

■ 주제: 2023 상반기, 놓치면 안되는 전시회 TOP5 !

☞ 전시회 리뷰 작성하되 아래 조건 중 2가지를 고려할 것

－ 휴일 나들이 계획/데이트 코스를 계획하고 있는 사람들
－ 5월에 열리는 전시에 관심을 갖고 정보 탐색 중인 사람들
－ 라울뒤피, 호퍼, 피카소 작품 세계를 공부하고 있는 사람들
🌟 '작가소개', '작품소개(최소 5점 이상)'  반드시 첨부🌟

✨사진 첨부 안내✨
‘본인 얼굴이 나온 사진’, ‘구매티켓’ 사진 필수

✨과제 수행 Tip!✨💪🏻💪🏻
- 텍스트와 이미지 배치, 즉 자료 편집이 뽀인트!
- 내용을 읽기 쉽고 흥미롭게 작성해주세요!
- 사진/영상은 한번에 한장씩밖에 첨부가 안되는 점을 참고하여 글을 짜임새 있게 작성할 것
- 네이버 파워블로거라 상상하며😊

[5월 전시 목록]

1. 라울 뒤피: 색채의 선율
https://www.sac.or.kr/site/main/show/show_view?SN=60929

http://www.gncmedia.com/ko/exhibition/

2. 에드워드 호퍼: 길 위에서
https://sema.seoul.go.kr/kr/whatson/exhibition/detail?exNo=1152724

3. 피카소와 20세기 거장들
마이아트뮤지엄 (myartmuseum.kr)

4. 볼로냐 일러스트 원화전
상세 정보 | 공연·전시 | 예술의전당 (sac.or.kr)

5. 맥스달튼: 영화의 순간들 63
기획전시 | 63스퀘어 (63art.co.kr)

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* 무료입장/특별요금/특별할인은 현장 매표소에서 증빙서류 확인 후 티켓 구매 및 발권 가능합니다. (증빙서류 필참)

* 할인은 다둥이 행복카드만 할인 가능 합니다. (중복할인 불가)

* 복지카드 분실 시 장애인 증명서로 대체 가능합니다.

예매 안내
- 권종(성인 / 청소년 / 어린이) 구분 없이 1회당 최대 4매 예매 가능합니다.
- 특별요금 대상자는 예매 후 현장 매표소에서 증빙서류를 확인하여 티켓 수령이 가능합니다.
- 본 전시는 관람 시간 지정 예약제로 운영되며, 관람 일자 및 관람 시간 지정 후 예매 가능합니다. (30분 단위로 회차 구분)
- 입장 마감 시간은 선택하신 관람 시간부터 30분까지 입니다. (예. 11시 회차 티켓 구매 시, 11시부터 11시 30분까지 입장 가능 / 11시 이전과 11시 30분 이후 시간 입장 불가)
- 20인 이상의 단체 관람은 단체 예약 번호 (1588-8416)로 문의 주시기 바랍니다.
- 1명이 여러 명의 티켓을 함께 예매할 경우, 예매한 관람 시간에 동반 입장해야 합니다.
- 온라인 티켓 판매 수량 매진 시 현장에서도 티켓 구매가 가능합니다.
- 현장 매표소는 매일 오전 09:50부터 오픈합니다.
- 현장 판매 티켓은 당일 입장 가능한 티켓에 한하여 판매되며, 회차당 한정 수량으로 조기 마감될 수 있습니다.
- 현장 판매 티켓은 온라인 판매 티켓과 동일하게 구매하신 회차 시간에 맞춰 입장 가능합니다. (예. 11시 회차 티켓 구매 시, 11시부터 11시 30분까지 입장 가능 / 11시 이전과 11시 30분 이후 시간 입장 불가) 취소 및 환불 안내

- 온라인 예매의 취소 및 환불은 관람 지정일 전일 오후 5시까지 해당 예매처에서 가능합니다. (현장 매표소에서 취소 및 환불 불가 / 수수료는 예매처 기준에 따름)
- 관람 당일 취소 및 환불은 불가 합니다.
- 관람 일자가 지난 티켓은 사용 불가 합니다.
입장 안내
- 전시실 입장은 입장 팔찌를 착용 후 관람 가능합니다.
- 모바일티켓을 소지하신 경우 전시실 입구에서 QR 입장권 인식 후 입장 팔찌를 수령하여 입장합니다.
- 현장수령인 경우 매표소에서 티켓을 발권하여 전시실 입구에서 QR 인식 후 입장 팔찌를 수령하여 입장합니다.
- 무료입장 대상자도 매표소에서 티켓 발권하여 전시실 입구에서 QR 인식 후 입장 팔찌를 착용 후 관람 가능합니다.
- 1명이 여러 명의 티켓을 예매한 경우, 전체 인원이 함께 입장해야 합니다.
- 모바일 티켓을 선물하기로 각자 소지하시거나, 발권 티켓을 각각 소지하신 경우 각자 입장 가능합니다.
관람 안내
- 사진 촬영은 1층 전시실 일부에 한해 가능합니다. (영상촬영 및 플래쉬 사용 불가)
- 전시실 내 음료를 포함한 음식물 일체의 섭취 및 반입이 불가합니다.
- 반입불가 물품은 미술관 지하 1층 무료사물함 또는 1층 안내데스크에 보관 후 입장해주세요. (큰 캐리어, 우산, DSLR, 삼각대, 셀카봉, 꽃 등)
- 모두의 조용하고 쾌적한 관람을 위하여 미술관이 제공하는 교육 프로그램 및 도슨팅 이외의 전시장 내 해설 활동 자제를 권고드립니다. 전시에 대한 상세한 해설을 원하시는 경우, 오디오가이드를 통해 전시 해설을 들으실 수 있습니다.
* 미술관 2층 오디오가이드 기기 대여 3,000원 (현장문의) / 가이드온 스마트폰 어플 유료 다운로드 3,000원
- 전시실 내부에서 필기구를 사용하는 학습지를 비롯한 교육프로그램 진행이 어려우므로 이용에 참고 부탁드립니다.

관람포인트
- 전시기획의 글 서울시립미술관(SeMA)은 해외 유수의 미술 기관과 협력하여 세계적 명화를 소개하는 '해외소장품 걸작전'의 일환으로 《에드워드 호퍼: 길 위에서 Edward Hopper: From City to Coast》를 개최한다. 본 전시는 서울시립미술관과 뉴욕 휘트니미술관이 공동 기획한 작가의 첫 국내 개인전이다. 에드워드 호퍼(Edward Hopper, 1882-1967)는 20세기 초 현대인이 마주한 일상과 정서를 독자적인 시각으로 화폭에 담아낸 대표적인 현대미술 작가이다. 시공을 초월하는 예술성을 지닌 그의 작품은 오늘날까지 미술을 포함한 문화 전반에 지대한 영향을 미치며 세계적인 인기를 누리고 있다. 지난 2020년 영국 『가디언』지는 「오늘날 우리는 모두 에드워드 호퍼의 그림이다. 그는 코로나바이러스 시대의 예술가인가?」라는 기사를 게재한다. 고립, 단절, 소외의 정서가 만연한 오늘날에 1900년대 초 미국 작가인 호퍼가 재조명 받는 이유는 무엇일까? "위대한 예술이란 예술가의 내면의 삶을 밖으로 표현한 것"이라는 호퍼의 말처럼, 과묵했던 그에게 그림은 세상에 대한 속마음을 드러내는 작가만의 화법이다. 그의 시선은 누구도 주목하지 않고 "무관심으로 흘려버리는" 평범한 것에 머물고, 대상과 공간을 세심히 관찰하여 포착된 현실은 호퍼 특유의 빛과 그림자, 대담한 구도 그리고 시공간의 재구성 등을 통해 자기화된다. 이런 의미에서 호퍼의 그림은 풍경 너머 내면의 자화상이라고 할 수 있고 그 모습은 우리와 닮아 있다. 그것이 창문 너머 누군가의 뒷모습뿐만 아니라 마천루와 대비되는 낮은 건물의 지붕, 철로 위를 비추는 석양일지라도 말이다. 《에드워드 호퍼: 길 위에서》는 파리, 뉴욕, 뉴잉글랜드 일대, 케이프코드 등 작품 속에 작가의 자취가 고스란히 남아 있는 장소를 따라, 도시의 일상에서 자연으로 회귀를 거듭하며 예술적 지평을 넓혀간 호퍼의 65년에 이르는 화업을 돌아본다. 전시 제목 '길 위에서'는 호퍼가 그 장소로 향하는 길이자, 그곳에서 호퍼다운 화법을 전개하고, 각각이 이어져 독보적인 예술이 되어가는 모습, 나아가 그 길 위에서 우리가 호퍼를 조우하는 순간을 상징한다. 본 전시에서는 그의 전 생애에 걸친 드로잉, 판화, 유화, 수채화 등 작품과 산본 호퍼 아카이브(Sanborn Hopper Archive)의 자료 270여 점을 8개 섹션으로 나누어 작가의 삶과 작품세계를 충실히 조망한다. 흔히 호퍼라 하면 현대인의 고독을 다룬 작품을 떠올리지만, 그가 걸어온 길은 다채롭고 심오하다. "내게 가장 중요한 것은 계속되어 간다는 느낌입니다. 여행을 하고 있을 때 사물들이 얼마나 아름답게 보이는지, 당신도 잘 알겠지요."라는 작가의 말에서 알 수 있듯이, 그는 여러 장소에 대한 특유의 감수성을 바탕으로 섬세한 관찰에 자신만의 기억과 상상력을 더한 화풍을 평생에 걸쳐 발전시켰다. 이번 전시가 에드워드 호퍼에 대한 이해를 넓히고, 그의 작품이 여러모로 지친 우리에게 공감과 위안을 주기를 기대한다. - 에드워드 호퍼 1882년 뉴욕주 나이액에서 태어난 호퍼는 그림과 문학을 즐기며 성장한다. 부모의 권유로 1899년 실용미술 위주의 뉴욕일러스트레이팅학교에 진학하나, 이듬해 뉴욕예술학교로 편입하여 20세기 전반 미국 사실주의 화단을 이끈 로버트 헨라이 등의 수업을 들으며 예술가의 꿈을 이어간다. 호퍼의 삶과 궤를 함께하는 자화상과 일련의 작품들은 크게 세 시기로 나뉜다. 1900년 초 학생 시절에는 얼굴과 상반신, 특히 손을 수차례 그리는데, 예술적 표현과 기술적 숙련을 위한 노력, 성공에 대한 열망을 느낄 수 있다. 상업 화가에서 전업 작가로 나아가는 과도기인 1910-1920년대의 자화상에서는 예술가로서의 자아 성찰적 측면이 부각된다. 극장을 가거나 야외 작업을 다니며 애용하던 중절모와 에칭프레스기가 본인의 상징물로 등장하며, 직업적 자의식이 안팎으로 영감을 얻으며 성장하는 면모가 드러난다. 이후 예술가로서 역량과 명성이 무르익은 1940년대에도 자화상과 손 그리기를 반복하여 세밀한 근육의 묘사, 명암의 사용 등에 있어 끊임없는 자기 계발을 시도했음을 보여준다. 허드슨강 인근의 나이액 고향 집은 예술가의 꿈을 키우고, 문명과 자연의 대비라는 주제적 관심을 형성해 나가는 데 중요한 배경이 된다. 자화상, 스케치, 책, 노트 등이 보이는 〈나이액 예술가의 침실〉(1905-1906년경)은 예술가로서 자아를 형성한 침실 공간을 배경으로 한다. 역시 나이액의 집을 떠올리며 작업한 후기작 〈계단〉(1949)의 구도는 문명의 상징적 공간인 집에서부터 수풀이 우거진 문밖 미지의 풍경으로 시선을 이끈다. 그의 작품에서 숲은 종종 문명의 대척점으로서 해석되어 왔으며, 계단, 창문, 현관문 등의 모티프는 안과 밖을 경계 짓고 양자 간의 시선 이동을 유도하며 상상을 촉발시킨다. - 파리 1906년 뉴욕에서 삽화가로 일을 시작한 호퍼는 예술가의 꿈을 안고 당대 예술의 수도로 여겨졌던 파리로 향한다. 도시화로 인해 끝없는 개발이 반복되는 뉴욕과 달리 옛 모습을 간직한 파리의 매력에 빠진 호퍼는 1906년에서 1910년 사이 3회에 걸쳐 파리에 체류한다. 그는 자율적으로 파리와 근교의 거리로 나가 자연과 건축물, 사람들을 면밀히 관찰하며 시간을 보내고, 주변 유럽 도시를 여행하며 거장들의 작품을 관람한다. 새로운 환경에서 소재와 영감을 찾는 시도를 통해 호퍼의 작품은 매 방문마다 점진적으로 변화한다. 첫해인 1906년에는 여전히 스승 로버트 헨라이의 영향 아래에서 그가 지내던 침례교 교회 건물 내부와 주변 도시 풍경을 고동색과 짙은 회색 등의 어두운 색조로 표현한다. 전위적인 야수파와 큐비즘 대신 빛의 효과를 강조하는 인상주의 화풍에 영향을 받은 호퍼는 1907년부터 더욱 적극적으로 야외 작업에 임한다. '센강과 강변-건물-하늘'이 반복적으로 등장하는 화폭은 밝은 톤, 빠른 붓 터치, 부드러운 빛을 머금기 시작하고 수평 구도를 시도하며 캔버스의 크기도 변화한다. 1909년의 작업에서는 센강변의 강둑, 루브르박물관, 다리와 같은 건축적 요소와 빛과 그림자의 대비가 부각되고 사진 프레임 안에 담은 듯한 구도가 나타나 호퍼만의 화풍이 구축되기 시작했음을 느낄 수 있다. 야외 작업에 익숙해진 호퍼는 파리지앵의 일상을 관찰하기 시작한다. 아침부터 밤까지 내내 생동감 넘치는 파리의 풍경은 그에게 흥미로운 소재였고, 다양한 직업군, 카페에 앉아 있는 사람들, 유행하는 옷을 입은 남녀 등을 33점의 수채화 캐리커처로 기록한다. 이후 파리의 일상에 대한 관찰과 인물 묘사는 〈비스트로 또는 와인 가게〉(1909)와 〈푸른 저녁〉(1914)에서 구체화된다. 뉴욕에서 완성된 두 작업은 실제적인 관찰에 기초한 구성에서 출발하되 기억과 상상력이 더해지며 완성되는 호퍼의 리얼리즘적 특성이 본격화되는 초기 사례로서 중요하다. 그중 〈푸른 저녁〉은 파리의 카페를 배경으로 왼쪽의 노동자, 중앙의 광대와 매춘부 그리고 담배 피우는 예술가, 오른편의 부르주아 남녀 등 다양한 인물 군상을 보여준다. 마지막 파리 방문 이후 4년이 지나 뉴욕에서 그린 이 작업은 인물들의 단절적 관계와 심리적 풍경 묘사라는 그의 성숙기 회화의 속성을 드러낸다는 점에서도 주목할 필요가 있다. 하지만 이 작품은 1915년 뉴욕 맥도웰클럽 출품 시 혹평을 받았다. 미국 내에서 독자적인 미술을 전개하려는 움직임으로 인해 파리가 아닌 뉴욕의 풍경을 원하는 분위기가 커졌기 때문이다. 세 번의 유럽 방문을 마치고 본격적으로 뉴욕에 정착한 호퍼는 이를 계기로 미국적 풍경을 담기 위한 시도를 거듭한다. - 뉴욕 "에칭을 시작한 뒤부터 내 그림은 구체화되어 가는 듯했다." 생계를 위해 선택한 삽화가로서의 현실 속에서 예술가의 꿈을 놓지 않았던 호퍼는 어린 시절부터 즐기던 드로잉처럼 선이 강조되는 판화 기법 에칭을 1915년 시도한다. 그는 1916년 에칭프레스를 구입한 뒤로 1928년까지 당대 뉴욕의 면면을 담은 약 70점의 판화를 제작한다. 그의 에칭은 뉴욕의 주택가와 고층 건물, 북적이는 번화가의 풍경을 생생하고 거친 선으로 표현하고, 고가 전철과 철도 등 교통체계의 발달을 포착하며 폭발적인 인구 증가와 도시 개발이 본격화되던 당시의 분위기를 전달한다. 한편 도시를 밝히는 불빛과 텅 빈 거리, 실내의 인물 역시 에칭의 주된 주제였으며, 이러한 작업은 빛과 그림자의 효과를 연구하고 이후 회화 작업과 연결되는 주제 선정, 구도, 표현법의 초석을 마련한다. 실제로 호퍼의 에칭은 화단의 호평을 받으며, 그가 예술가로서 입지를 다지게 되는 결정적인 계기가 되었다. 뉴욕은 호퍼가 가장 잘 알고 좋아하는 미국의 도시였다. 호퍼는 1908년부터 1967년까지 평생을 뉴욕에 거처했으며, 그에게 뉴욕의 풍경과 뉴요커들의 일상은 자연스럽게 관찰의 대상이자 작업의 소재가 되었다. 뉴욕에 정착하기 전까지 그는 나이액과 뉴욕을 잇는 페리와 기차를 타고 통학을 한다. 어린 시절부터 키워 온 항해, 기차에 대한 관심은 한적한 교외에서 뉴욕으로 진입하며 변하는 풍경을 생생하게 경험하며 심화되었고, 이는 〈페리 선착장〉(1904-1906년경)과 〈검은 굴뚝이 있는 예인선〉(1908) 등에서 두드러진다. 마천루 사이로 자리한 공원 역시 그가 즐겨 찾는 소재였다. 호퍼는 1913년 이사한 워싱턴 스퀘어 노스 3번가에서 일평생을 살며 창밖의 워싱턴 스퀘어 파크와 도시의 중심부에 자리한 센트럴파크에 관심을 가진다. 특히 땅거미가 지는 시간대에 센트럴파크의 셰익스피어 동상을 중심으로 많은 습작을 남기는데, 조명이 드리워지며 생기는 빛과 그림자, 어둑함이 만들어 내는 미스테리한 분위기 등 문학적인 영감을 투영한 것으로 보인다. 20세기 초 뉴욕은 오늘날과 같은 '메트로폴리스로서의 뉴욕(Greater New York)'으로 변모하던 시기로 마천루가 형성되고, 지하철과 철도에 이어 자동차 보급이 확산되며, 다리와 고속도로가 잇따라 건설되었다. 하지만 호퍼의 관심은 사람들이 북적이는 도시 풍경의 스펙터클보다 낡고 사라져 가는 19세기 건축물의 코너나 지붕 등을 포착하는 데 있었다. 더불어 마천루의 수직적 스카이라인 대신 블랙웰섬, 강변에 늘어선 아파트, 옆으로 길게 뻗은 다리의 확장성을 화폭에 담으며 당시 화가들과 차별화되는 감각을 선보인다. 그의 이러한 시각은 뉴욕과 뉴잉글랜드를 오가며 시골에 남아있는 다양한 시대 양식의 건축물과 동네를 가로지르는 철도를 목격하며 형성된 것으로 보인다. 이에 더해 위에서 아래를 향하는 시점은 기차 혹은 '엘(El)'이라 불린 고가 전철 안에서 창밖을 바라보기를 즐겼던 호퍼의 시선을 연상케 한다. 호퍼는 사회적, 사적인 공간에서 펼쳐지는 대도시의 풍경과 도시인의 삶을 관찰하여 담아내는 데 집중한다. 밖에서 실내를 들여다보는 관찰자적 시선은 내외부를 연결하는 장치인 '창문' 모티프를 통한 도시인의 일상을 묘사한 데서 드러난다. 조세핀은 〈밤을 지새우는 사람들〉을 위한 습작(1941 또는 1942)에 대해 "유리창 위쪽 끝 경계를 따라 가게 안의 밝은 천장이 어두운 바깥 거리에 대비" 된다고 기록했다. 조명이 켜진 실내 공간은 창밖의 어둠과 대비되며 시간이 멈춘 듯한 단절적인 느낌을 준다. 한편 '재즈시대'라고 불리는 1920년대 호황기를 시작으로 미국인들은 극장, 레스토랑, 스포츠 등에 열광한다. 호퍼와 그의 부인 조세핀도 연극이라는 공통의 취미를 바탕으로 극장을 자주 찾곤 했다. 그는 무대를 보며 앉아 있는 인물의 뒷모습이나 공연 전후 혹은 막간 사이 인물들을 적막하고 고독한 분위기로 묘사한다. 또한 그는 팰리스(Palace), 셰리던 (Sheridan) 등 여러 극장의 아치와 원형 무대, 오케스트라석과 같은 내부의 건축적 구조물을 즐겨 그렸으며, 50여 점의 스케치를 토대로 각 장소의 구성요소를 기억과 상상에 의해 결합한 그만의 극장으로 새로이 재현한다. - 길 위에서 호퍼의 미국 풍경화는 있는 그대로의 사실적인 풍경이 아닌 작가의 내면에서 새롭게 그려진다. 철길 옆에 우뚝 선 신호탑 뒤로 녹색 언덕과 함께 장관을 이루는 일몰을 묘사한 <철길의 석양>(1929)은 기차 창문 너머로 목격한 장면인 것 같지만, 실은 작가의 상상력이 더해진 풍경이다. 이 작품을 완성한 1929년, 호퍼 부부는 뉴욕에서부터 찰스턴, 사우스캐롤라이나 그리고 매사추세츠주와 메인주까지 함께 여행했다. 여정 중 길 위에서 얻은 인상은 기억에 남아 이후 작가의 작업에 지속적인 영감이 된다. - 뉴잉글랜드 호퍼는 미국에서 청교도들의 첫 번째 정착지였던 뉴잉글랜드의 북동부 6개 주 중 하나인 메인주에서 몇 번의 여름을 보낸다. 1912년 호퍼는 뉴잉글랜드의 해안선을 따라 매사추세츠주 글로스터를 여행하고, 야외 작업을 시작한다. 그 후 그는 버몬트와 뉴햄프셔의 산과 농장을 지나 매사추세츠주와 메인주의 다른 해안 지역으로 돌아온다. 1914년과 1915년에 호퍼는 3마일에 이르는 모래 해안으로 둘러싸인 작은 어촌인 메인주의 오건킷을, 1916년부터 1919년 사이에는 메인주의 해안선에서 가장 높고 험준한 바다 절벽으로 이루어진 몬헤건섬을 4번 방문한다. 몬헤건섬에서 그는 소지가 간편한 작은 크기의 패널을 지니고 암석 해안을 걸어 다니며 스케치를 하거나 밑그림 없이 즉흥적인 작업을 한다. 이 시기의 작품은 바다와 대지 간 극명한 색조 대비, 반사된 빛과 그림자의 색채 대조, 물감을 두껍게 칠하는 기법인 임파스토를 통해 강조되는 암석의 덩어리감, 가파른 해안 절벽과 주변의 부서지는 파도에 의해 만들어진 대담한 구성과 같은 역동성과 표현성이 배가되는 특징이 드러난다. 뉴잉글랜드에서의 시간은 호퍼의 개인적인 삶에도 많은 영향을 주었다. 그는 1923년 여름 매사추세츠주 글로스터에서 동문이자 작가인 조세핀 버스틸 니비슨과 교제를 시작했고, 1924년 결혼을 한다. 그는 조세핀의 영향으로 야외 수채화 작업을 시작했고, 곧이어 그녀의 소개로 브루클린 미술관 전시에 함께 참여하게 된다. 특히 이 시기에 작업한 호퍼의 수채화는 화단에서 좋은 평가를 받고 판매로까지 이어지며 전업 화가로 진입하는 본격적인 기회가 열린다. 이처럼 뉴잉글랜드 여행은 그에게 도시와 다른 환경을 접하며 영감을 얻고 새로운 시도를 하는 계기가 된다. - 케이프코드 호퍼 부부는 1925년 기차로 미국을 횡단하고, 1927년 중고 자동차를 구입한 뒤로 미국 서부, 멕시코 등을 평생에 걸쳐 여행한다. 호퍼의 오랜 지인이자 뉴욕 휘트니미술관의 관장이었던 로이드 구드리치는 "여행에 대한 호퍼의 몰두는 꽤 의식적이었다. 호퍼는 운전을 할 때 그림 주제들이 떠오른다고 말했다"고 회상한다. 부부의 여행은 당시 본격화된 자동차의 보급과 도로의 확장으로 인해 용이했고 도시화, 대공황 등 사회경제적 문제로부터의 일시적 일탈을 가져다주기도 하였다. 뉴잉글랜드 지역의 매력에 빠진 호퍼 부부는 1930년 6월 매사추세츠주 케이프코드 반도의 남쪽에 위치한 트루로에 방문하여, 우체국장이었던 벌리 콥(A.B. Burleigh Cobb)에게 작은 집을 빌려 여름휴가를 보낸다. 길게 펼쳐진 해안선과 고운 모래 둔덕, 낮은 구릉 사이 띄엄띄엄 자리하는 집, 농가의 소박한 헛간, 따스한 햇볕을 즐길 수 있는 넓고 푸른 자연이 펼쳐지는 이 지역은 주민이 500명 남짓한 작은 마을로 번잡한 뉴욕에서 벗어나 작업에 집중할 수 있게 해주는 완벽하게 고요한 장소였다. 1934년 트루로에 스튜디오 겸 집을 마련한 뒤, 부부는 매년 여름과 초가을을 케이프코드에서 보내고 뉴욕으로 돌아오는 일상을 반복한다. 1930년대 말 이후 호퍼는 작업에 기억과 상상력이 결합된 이미지를 불어넣기 시작한다. 이 시기 작품에는 도시와 시골을 오가는 호퍼의 자전적 경험이 내면화된 것으로 보이는데, 현실과 환상, 자연과 인공물의 대비를 통해 나날이 원숙해진다. 트루로 부근의 숲과 집, 해변가의 별장에 대한 호퍼의 인상은 <케이프코드 일몰>(1934), <이층에 내리는 햇빛>(1960)을 탄생시킨다. 두 작품 모두 여름날 해안의 분위기를 포착하고 있지만, 빛의 극적인 잠재력과 건축과 주변 환경이 교차하는 방식에 집중한다. 조세핀의 기록에 따르면 <오전 7시>(1948)의 배경은 나이액 소재의 주류 밀매 업소다. 금주령이 해지된 지 15년 후인 1948년에 케이프코드의 트루로 스튜디오에서 완성된 작품은 시공간을 오가며 완성되는 작가의 독특한 사실주의적 특징을 보여준다. 시간대를 특정하는 작품의 제목 또한 주목할 필요가 있는데, 호퍼가 공간을 비추는 태양의 움직임과 밝기의 변화를 감지하는 데 주의를 기울였음을 알려준다. - 조세핀 호퍼 조세핀 니비슨 호퍼(1883-1968)는 1905년 뉴욕예술학교에 등록하여 로버트 헨라이의 수업을 수강하고, 1914년에는 스튜어트 데이비스, 찰스 데무스, 찰스 버치필드 등 미국 모더니스트들과 함께 그룹전을 가질 정도로 촉망받는 예술가였다. 수채화에 두각을 보이던 조세핀의 영향으로 호퍼는 1923년에 매사추세츠주 글로스터에서 함께 야외 작업을 하며 수채화를 시도한다. 그해 가을 그녀의 소개로 브루클린 미술관에 출품된 호퍼의 수채화는 미술관의 소장품으로 채택되며 미술계의 큰 호응을 얻는다. 1924년 부부가 된 둘은 성격 차로 다툼이 잦았다. 그럼에도 불구하고 둘은 문학, 영화, 연극, 프랑스에 대한 애정 등의 취향을 공유하고 예술적 영감을 주고받으며 미국, 캐나다, 멕시코 등으로 여행을 떠나 함께 야외 작업을 즐겼다. 무엇보다 조세핀은 호퍼의 훌륭한 조력자였다. 과묵한 남편과 달리 활달한 성격으로 예술 딜러, 컬렉터, 큐레이터 및 기자들과 교류하며 작품을 홍보하는 역할을 한 그녀는 호퍼의 오랜 뮤즈이기도 했다. 그녀는 1910년대 극단 워싱턴 스퀘어 플레이어스(Washington Square Players)에서 활동한 경력을 살려 다양한 포즈를 남편에게 제안하였으며, 그 흔적은 작가의 수많은 작품에서 찾을 수 있다. 조세핀은 그의 전시 이력, 작품 판매 등 상세한 정보가 적힌 장부 관리를 30년 이상 지속하는 등 매니저의 역할도 수행했으며, 남편의 사망 이후 거의 2,500여 점에 달하는 호퍼의 작품과 자료 일체를 휘트니미술관에 기증한다. 말수가 적은 편이던 호퍼가 언급하지 않았던 작품의 세부 사항들을 조세핀이 세세하게 기록한 덕분에 장부는 그의 작품 생애에 대한 핵심 자료로서 사료적 가치를 지닌다. - 호퍼의 삶과 업 뉴욕 휘트니미술관의 소장품과 산본 호퍼 아카이브가 함께 어우러진 <호퍼의 삶과 업>은 크게 여정, 삽화, 호퍼 부부, 작가의 말과 글 그리고 다큐멘터리로 나뉘어 작가의 예술과 삶의 행적을 세세히 전달한다. '여정'에서는 평생 유럽, 남미, 미국 전역 등을 꾸준히 여행하며 길 위에서 보낸 호퍼의 삶에 주목한다. 이번 전시에서는 작가의 첫 해외 여행지였던 파리에서 남긴 사진과 어머니에게 보낸 서신, 지도 등의 자료를 살펴볼 수 있다. 호퍼는 여행을 통해 시선을 환기하고 자연, 도시, 일상의 풍경을 자신만의 관점과 구도로 묘사하면서 독창적인 화풍을 개척해 나간다. '삽화' 에서는 호퍼가 화가로 본격적인 성공을 거두기 전까지 20여 년간(1906-1925) 제작해온 각종 광고 삽화, 잡지 표지 디자인, 출판물 삽화를 소개한다. 그의 삽화가로서의 활동은 뉴욕의 도시 풍경과 뉴요커의 일상을 관찰하며 미국의 당대성을 예리하게 포착하는 계기가 되었다. '호퍼 부부'에서는 부부의 사진과 함께 관람 후 모은 극장표, 그리고 4권의 장부를 선보인다. 호퍼는 평소 아이디어 개진과 작품 구상을 위해 수많은 메모와 스케치를 남겼고, 1913년 최초로 작품을 판매하면서부터 관련 정보와 판매 내역, 대여와 전시 이력 등을 아내와 함께 장부에 기록했다. 호퍼는 한 작품을 완성하고 나면 그 작품의 작은 스케치를 장부에 그려 넣었고, 조세핀은 과묵한 호퍼가 말한 적 없던 작품에 대한 일화나 세부 사항 등을 상상하면서 생생한 작품 설명을 추가했다. 호퍼 부부의 삶과 예술 활동은 부부의 말년에 만들어진 다큐멘터리 「미국의 시각예술」(1965)과 「호퍼: 아메리칸 러브스토리」(2022)에서 살펴볼 수 있다. 마지막으로 '호퍼의 말과 글'에서는 1900년대 초 파리를 주제로 한 회화를 모아 개최한 《초기 회화》 전시(1941)의 브로슈어, 추상미술에 편중된 당시 미국 미술의 경향에 대한 저항으로서 동료 예술가들과 발표한 성명서 『리얼리티: 예술가의 견해지』(1953), 그리고 스미스소니언 인스티튜션(Smithsonian Institution)의 미국미술 아카이브에 등재된 존 모스와의 대담(1959)을 소개한다. 특히 존 모스와 진행한 인터뷰에서 호퍼는 그의 글 중 가장 잘 알려져 있는 「회화에 관한 단상」(1933)과 『리얼리티: 예술가의 견해지』에 발표한 성명서를 직접 낭독했고, 이는 3층 크리스탈 갤러리에서 생생한 육성으로 들을 수 있다.

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이것은 나의 최애 에드워드 가위손이 

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이것은 나의 최애 에드워드 가위손이 있어서 눈을 못때고 있는 ㄴ ㅏ

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흰색이라 종이인가? 생각했지만 끝내 정체를 밝혀내지 못하고 감상만 하다 왔습니다. 다양한 각도로 촬영한것중 가장 마음이 들어서 이 사진으로 선택을 했습니다. 제가 마음에 드는 흰색이라 이건 꼭 찍어서 올려야겠다고 생각했습니다. 절대주의에 대해서 지루하지만 간략하게 설명해본다면 러시아 아방가르드 최대 예술가 카지미르 말레비치.. 에의해 시작되엇으나 원래는 입체주의의 미학에서 파생되었다고 합니다.

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2. 일러스트 작가 라울뒤피

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2. 일러스트 작가 라울뒤피

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일러스트. 보통 화가들은 스케치나 유화정도만 그써서 그림을 그린다. 하지만 이건 흰도화지에 수채화로 그린 일러스트라고 한다. 더 많은 일러스트도 있지만 꽤 요즘 그림과도 느낌이 비슷하고 눈에 확 띄어서 이걸 고르게 되었다.

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위 작품같이 녹아 흘러내리는 시계를 그린 작품입니다.
이 시계는 녹고 늘어나다 못해 깨져버린듯한 모습을 담고있습니다.
이 작품은 시간이 지나면 결국 파멸을 가져온다는 달리의 믿음을 나타내는 것일 수 있다고 합니다.
이 전 작품과 연결되며 달리의 믿음을 담아 더욱 인상깊은 작품이다.

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들어가기전 미리 예매해놓은 표를 받았

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들어가기전 미리 예매해놓은 표를 받았습니다.

예약 시간에 입장하는데
줄이 조금 길었지만
그래도 기다린 끝에 입장하면
2층부터 3층, 1층 순서로 작품을
관람하게됩니다.

여기서 2층과 3층은
촬영이 금지되어있다는 점을
미리 참고하면 좋을 것 같습니다 ≖‿≖

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내가 소개 할 첫 번째 작품은, 박수근 화가의 노상이라는 작품이다.
박수근 작가는 인간의 선함과 진실함을 그린 화가이다. 그의 모토와 어울리게, 그의 노상이라는 작품에서 그려지는 일상과 솔직함을 볼수있다.

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멀리서 보았을땐 입체적으로 보여 조각인줄 알았으나 가까이에서보니 평면적인 홀로그램 넙쩍부리황새였다 색깔이 매우 오묘하며 아름답다.

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두번째 작품은  1930년대

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두번째 작품은  1930년대에 제작된 대표작 ‘에밀리엔 뒤피의 초상’이다. 뒤피 아내, 에밀리엔 뒤피의 모습을 담은 이 작품은 인상파와 야수파의 영역을 넘어 자신만의 독자적인 세계를 구축했음을 잘 보여주는 대표작이다. 뒤피 아내는 저런 남편이 있어
자랑스러울것같다

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이작품의 이름은 명1이다 이태현이라는 예술가께서 근대화,산업회의 국가 재건 시대,청년 작가 중심의 실험미술 역사를 조망하여 만들어졌다

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두 번째 작품은 페테 헤르만의 “불타는 드레스덴” 작품이다. 찾아보니 페테 헤르만은 1944년 가족과 함께 드레스덴으로 이주 했지만, 1945년 대규모 폭격으로 인해 아름답고 오래된 도시인 드레스덴이 파괴되는 일을 겪은 절망적인 작품이다 이 작품을 보면서 다시는 전쟁이 나면 안되겠다는 생각이 들어 두번 째 로 뽑았다

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라울 뒤피 캔버스에 유채

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라울 뒤피 캔버스에 유채

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이 그림은 캔버스에 유채로 그린 그림이다. 이 그림은 색감이 마음에 들었고 저의 시선을 오래 머무르게 한 작품이었습니다.

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3. 애드워드 호퍼, 푸른저녁- 다른 사람과 같이 있는 오전,하지만 하얀 광대는 외로워보인다. 특유의 웃음도 없다. 프랑스 후기 인상파의 영향을 받았은것으로 추측, 하지만 그 때 뉴욕에서는 별 다른 관심을 받지 못했다한다.

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고독함은 현재 우리도 가끔 혹은 종종 알아버리는 기분입니다. 에드워드 호퍼는 단순히 현실적으로만 그린것이 아니라 고독함을 살려 독특한 분위기를 연출했습니다.
이 고독함은 그 당시 미국뿐만 아니라 현재에도 여전히 많은 사람들의 공감을 불러일으킵니다.

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티켓값은 16000원!!! 하 가격을 알아보고가긴했지만 그래도 싼편은아닌것같았다ㅠㅠ거의치킨한마리가격(?ㅠㅠ 서울시립박물관이꽁이라서 정말정말 간절히가고싶었지만 월요일이라 열지않았다 .. 흑흑 ㅠㅠ

+++소름인점ㄷㄷ 냉면다먹고 박물관들가기전 마지막으로 편의점에서 신윤지랑 뭐살지 둘러보고있었는데 다은쨩과마주쳤다 그래서 마주친순간부터 함께 동행했다 ㅎㅎ 되게 신기하고 반가웠다 그리고 세상은 참 쫍구나라고 다시한번 깨달았다ㅠㅠ

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오스카 코코슈카, 페터 바우만의 초상화 1910년

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색감이 굉장히 마음에 들었던 작품

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색감이 굉장히 마음에 들었던 작품

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봤던 초상화 중 가장 색감이 마음에 들었던 작품 오스카 코코슈카라라는 잘 모르는 작가님 이셨지만 작품의 붉은 색감, 인물에게서 흘러나오는 듯만 하얀 오라 같은 거 때문에 묘하게 끌렸던 작품 작품을 보고 집을 와서 보니 극작가를 하셨던 분이라 이 인물의 성격을 표현한 게 아닐까 하는 생각을 했다

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오스카 코코슈카 페터 바우만의 초상화

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1. 독일 표현주의 : 러시안 아방가르드

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1. 독일 표현주의 : 러시안 아방가르드

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제가 제일 인상 깊었던 작품입니다 :)
1.독일 표현주의 테마의 배경 남색과, 그림의 분위기가 너무 마음에 들었습니다

색감 표현과 질감, 피부와 주름표현에 한번 놀라고  배경과 바우만 주위를 빛내고 있는 흰색 아우라를 보고 한번 더 놀랐습니다.
흰색 아우라를 표현한 의도가 무엇인지 궁금했지만
그림을 알지 못하는 저에게는 그림을 분석하는게 너무 어려웠습니다 🥵🥵

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Migrants, Picnic across the border, tecatem Mexico-USA

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미국과 멕시코의 국경에 설치 한 국경을 사이에 두고 함께 피크닉을 즐기고 밴드 연주와 함께 즐기는 사람들이 벽 하나로 나누어져있지만 마음은 이어져 있다고 생각되었다.

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해당 작품은 프란츠 마르크의 "소들" 이다.
해당 작품의 제작 시기는 1913년이다.
해당 작품을 봤을때는 소 2마리가 보이지만, 해당 그림체의 색깔로는 소라고 볼 수 없다. 해당 작품은 소에게서 비춰지는 신선한 색 조화를 담아 낸 것 같다.

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라울 뒤피는 화가이기도 하였지만 텍스타일 디자이너였기도 하였다네요.

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늦은 저녁 시간, 제대로 된 가구 하

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늦은 저녁 시간, 제대로 된 가구 하나 없는 초라한 집에서 작은 불빛에 의지하여 저녁을 먹는 농부들의 모습. 고된 농사일로 주름 가득한 얼굴과 거칠어진 손. 그러나 그들의 식탁에는 추수한 감자와 차가 전부인듯 하다.

등잔에서 나오는 불빛은 겨우 서로의 얼굴과 음식을 비추어줄 뿐이지만 식탁에 앉은 사람 수에 맞춰 차를 따르고 서로에게 감자를 권하는 사람들의 모습에서 소박한 희망이 느껴진다.

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두번째 방은 프런색~으로 도배되있었다

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두번째 방은 프런색~으로 도배되있었다

SF 컨셉으로 대표적으로 스타워즈를 모티브로 한 작품들이 많았다
(다 된 그림에 나 뿌리깅..ㅎㅎ헤)

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이 작품은 님들이 많이 아실듯한.. 모르면 바보가 분명한 파블로 피카소의 작품이다. 제목은 <만돌리, 과일 그릇, 대리석 주먹> 이라는데, 과일 그릇이 어디있죠? 저는 손이랑 기타같이 생긴거밖에 안보이는데 손가락 사이에 검은색 3줄이 피인줄 알고 피카소가 이렇게 무시한 사람인줄 알았으나 아니길 바라겠습니다.

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사진으로 보면 잘 모르겠지만이것은 판화이다. 언뜻보면 인쇄한것 같아도 흠집하나 없는걸로 보아 진짜 정밀하게 깎아 만든 목판이다. 전시관 안에 이 판화와 똑같이 만든 도장이 있오서 체험이 가능한데 이 도장은 만들오 질때 기계로 만들어져서 정밀하고 솜세하지만 이 시대에선 하나하나 다 깎아 만들었을걸 생각하니 정말 대단한것 같다.(판화를 해본 입장으로서 판을 조각내거나 파내는것 정말 힘들고 쉽지 않다)

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이 또한 기억의 지속과 비슷한 모습을 하고 있지만 어면히 다른 작품입니다.
이 작품에서는 기억의 지속의 일부분이 물에 잠겼습니다.
뒤에 떠나가는 총알같은 뿔은 미사일을 나타낸다고 합니다.
이 또한 인간들이 시간이 지나면 자연스레 파멸한다는 뜻을 지니고 있는 작품입니다.
개인적으로 작품 우려먹기 같다는 생각이 조오금 있지만 원래 있던 작품을 변형 함으로 또다른 느낌을 받았다.

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우선 전시회를 관람하기 전전시

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우선 전시회를 관람하기 전
전시회에 오실 분들을 위해 먼저
에드워드 호퍼에 대해서 알아보려합니다

우선 에드워드 호퍼는 1882년 뉴욕주
나이액에서 태어나 그림과 문학을
즐겼다고합니다. 그리고는 관련 학교에
진학하여 예술가의 꿈을 이어나갔습니다

호퍼의 작품들은 크게 세 시기로 나뉘는데,

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두번째로 소개할 작품은 같은 화가의 그림인 "골목 안" 이라는 작품이다. 이 작품은 1950~ 60 년대를 표현한 작품으로, 사람들의 소박한 일상과 모습을 그림으로 녹여 내 6.25후 가난해진 정세해도 불구하고 세상을 따스하게 바라보았던 그의 심정이 느껴졌다.
아이들처럼 보이는 사람들과 그 뒤 여성 두명이 풍경에 어우러지는 모습은 내게 깊은 감동을 주었다.

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미국의 미니멀리즘예술가 도널드 저드는 회화와 조각의 경계를 넘나든다 캔버스의 표면과 형태는 만져보고 싶게 만들었고 반사되는 빛으로 인해 작품이 더 고귀해보였다.

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세번째 작품은 유명하다는 전기 작품이

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세번째 작품은 유명하다는 전기 작품이다
1930년대 뒤피가 그리스 로마 신화 속 신들과 자연의 풍경,그리고 산업화가 진행되는 당시 사회를 생생하게 묘사해 전기의 발명과
관련 있는 과학자들을 배치했다 이 작품은 나도 직접 가서 보고싶다

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이건 진짜 이해가 안됐다 쓰레기통 인줄알고 쓰레기 버릴려고 했는데 예술작품이였다 이작품의 이름은 성능경의 신문이다 이작품은 설명을 하고싶어도 정보가 너무없다 심지어 미술관에도 작품명밖에 없었다 그래도 그나마 있는 정보들은 거대한지도를 오려서 300조각으로 만들고 그것을 조합해 새롭게 재조립 했다고한다

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3. 이젠 어떻게 해야 되나요?

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3. 이젠 어떻게 해야 되나요?

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세 번째 작품은 볼프강 마트호이어의“이젠 어떻게 해야 되나요?”라는 작품이다 바다 위 외딴 섬에 사람들이 있는데 사람들은 주변 사람과 관세를 맺지 않고 혼자 지내고 있는 모습을 보이고 있다 아 그림을 세 번째로 선택한 이유는 몽황적이고 현실적인 사람의 관계를 그림으로 그란 작품인거 같아 되게 재미있고 신기해 고르게 되었다

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라울 뒤피는 원단에도 그림을 그렸습니다. 어릴때 한번쯤은 옷에 그림을 그려본적이 있으면 알것입니다. 원단에는 그림이 잘 그려지지않는데 저렇게 디자인을 깔끔하게 한것이 너무 신기하고 난색 계열의 색을 다채롭고 어울리게 써서 맘에 들었습니다.

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4. 에드워드 호퍼, 이층에 내리는 햇빛. 호퍼부부가 방문했던 1930년대 여름 케이프코드에서 보냈을 때 영감을 받은 것 같다. 여행지였기 때문일까, 밝은 분위기에 여름 한숟갈을 더한것 같다.

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도시의 고독함을 벗어나

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도시의 고독함을 벗어나

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하지만 고독함을 강조해 그리는 그도 평온한 그림을 그릴 때가 있는데, 그것은 바로 그가 편지에서 말한 "내가 가장 사랑하는 순간, 나의 내면에서 이는 반응을 화폭 위에 포착하는" 순간을 그릴 때라고합니다.
그 기준이 무엇인지는 모르겠지만, 이 그림은 팽팽한 긴장감이 감도는 도시를 벗어난 지역에서는 낙관적인 그림이 그려지는 것 같습니다.

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하 .. 들어가기전부터 난 이그림들이 전부 피카소의찐그림인줄알았다 근데 아니었다 배신당한기분이였다ㅠㅠㅠㅠㅠㅠㅠㅠㅠ후 ㅜㅜ
+ 진짜 들어가서 좀 걸으면 바로 피카소의작품이나오는데 미알못인나도 어떤게 피카소의 작품인지 한눈에알아봤다 옛날엔 피카소의 그림이 왜 유명한지 이해가안됐다 ㅠ근데 지금도 안되긴 한다ㅋㅋ(조금) 근데 피카소는 원래 그림을 잘그리는걸로 알고있는데 일부로 저렇게 그려서 주목받는법을 생각해낸것도 대단하다 생각이든다 ㄷㄷ 피카소의 작품은 뭔가 비슷비슷하게생긴것같다  풍부한 색채와 강렬한 붓 자국이 인상적이었다

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뭘 그린 건지 모르겠는데 얼굴 같은 형태가 보여 저건 뭘까 했던 작품

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뭘 그린 건지 모르겠는데 얼굴 같은 형태가 보여 저건 뭘까 했던 작품

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잭슨 폴록은 요즘 보이는 물감 엄청 흩뿌리고 막 칠하고 그러는 작가들의 아버지 같은 분이시다.
그림의 기본적인 그리고, 형태를 잡고 색칠하고 그러는 걸 완전 무시하고 순수함만을 추구하셔서 잘 보면 물감의 질감이 그대로 보인다.

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파블로 피카소 아티초크를 든 여인 (1)

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2. 피카소와 동시대 거장들 

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2. 피카소와 동시대 거장들 

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어디선가 익숙한 그림체와 분위기 같다고 했더니 역시 피카소였습니다.
이 아티초크를 든 여인에서는 뾰족한 무기를 들고있는것과, 오른쪽에 중단에 보이는 뾰족한 손톱, 회색빛 연기가 있는걸 보아 전장이 떠오르는 작품이었습니다.

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28 millimeters, Seperation Wall, Security Fence, Bethlehem, Palestinian Side, 2007

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이작품은 이스라엘과 팔레스타인의 전쟁을 비판하는 것에 초점을 맞춘 작품이다. 나는 전쟁을 비판하는 JR에 주장이 와닷는 작품이였다.

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해당 작품은 바실리 칸디스크의 "흰 붓자국" 이다.
해당 작품은 여러가지 도형 및 색상들을 각 도형에 그린 후, 정중앙에 붓으로 그린 하얀색 붓자국이 있다. 다양한 색상을 담아내어, 보는 재미가 있고, 중앙에 제목처럼 눈에 잘 띌 수 있는 흰 붓자국이 있는 것이 보는 재미의 일부 같다.

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굉장히 마음에 드는 작품입니다. 살짝 제 얼굴이 작품에 비쳐 보이는데 혹시 이 사진을 본인의 얼굴이 포함되어 있는 사진으로 인정해 주실 수 있으신지 조심스레 여쭤봅니다...

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물감을 두껍게 칠해 입체적으로 표현했

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물감을 두껍게 칠해 입체적으로 표현했다. 해바라기 뿐만 아니라,뒤로 보이는 벽도 노란색으로 칠했고,탁자와 화병도 한 가지 색으로 단순하게 색칠해서 해바라기 꽃이 더욱 눈에 띌 수 있도록 했다.

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봉준호와 맥스 달튼의 콜라봉봉쇼콜라

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봉준호와 맥스 달튼의 콜라봉봉쇼콜라

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이 전시회를 위한 작업한 기생충으로 봉준호 감독과맥스 달튼의 인연이 시작되었읍미데이~

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<장뒤페> 사람 인가봅니다. 꽃처럼 보이기도 하고 가까이서 보면 눈같은게 귀여운 외계생명체를 연상시키기도 하지만 멀리서 보면 하나둘씩 뭉친 덩어리들이 어떤 생명체의 모습을 하고있는 것처럼 보이기도 합니다. 편안한 파스텔톤에 비해 대비되는 검은색 얼룩들이 불편합니다 예쁜 작품에 먹물이 묻혀진 느낌.. 개인적인 생각으로 어쩌면 먹물속에 생명체가 침입한것일수도 있습니다.

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이 커튼은 처음에 봤을때 라울 뒤피가 쓰던 커튼을 전시해 둔줄 알았자만 누가 예술가 아니랄까봐, 이 커튼 하나하나 제작을 했다고 한다 자세히 보면 무늬와 색감이 말 뚜렷하고 섬세하다.

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구운베이컨과 부드러운 자화상

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구운베이컨과 부드러운 자화상

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이 작품은 달리의 자화상입니다.
작품 제목이 새겨진 받침대와 그 위에 튀긴 베이컨 조각, 뉴욕의 세인트 레지스 호텔에서 아침 식사의 유기물과 일상적인 특성의 상징을 표현하였고
목발을 사용하여 사방에서 무기력하고 부드러운 자신을,  눈과 입이 동그란 개미는 부패나 약함을 의미한다.
난 이 작품을 보고 액체괴물(슬라임)을 떠올렸습니다.
또 묘한 기분나쁜 골짜기를 보는 기분이였다.

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첫 번째로 호퍼가 학생시절 그렸던

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첫 번째로 호퍼가 학생시절 그렸던
그림에는 얼굴과 상반신, 손을
수차례 그리며 우리가 현재 기초를
공부하고 연습하는 것처럼 예술적 표현과
기술적 표현을 위해 노력하는 모습을
볼 수가 있습니다

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세번쨰로 소개할 작품은 이인성 화가의 해변이다.
물가에서 그린듯한 구도, 물 위 떠있는 나룻배들의 색감이 차분한 색감과 어우러져 일출과 일몰의 순간처럼 생생히 전해진다. 서양식 화법으로 이런 그림을 그렸던 이인성 화가는 대구에서 태어나 일본에서 미술을 배웠다. 그림에서 한국적인 따스함이 느껴지는 이인성의 그림은 그림을 감상할때 더욱이 다가왔고, 이러한 점에서 굉장히 인상 깊은 화가였다.

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미술관 주변에는 데이트하기 좋은! 깨끗하고 높은 건물들이 많았다. 그 중 코엑스도 있어서 메뉴 선정하기에 매우 편리했다. 게다가 맛도 좋고 친절하셔서 경선면옥에 가보는 것을 추천한다!(추울땐 어쩌죠?ㄴㄴ걱정할 필요가 없다)갈비탕과 한우 시래기국밥 등 따뜻하게 즐길수있는 음식들도 많다!

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네번째 작품은 초상화이다 <

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네번째 작품은 초상화이다
라울 뒤피는 프랑스의 한 가난한 음악가 집안에서 태어났다. 예술성을 간직한 집안 이력에서 짐작되듯 라울 뒤피의 가족은 모두 음악과 미술, 문화를 사랑하는 이들이었다. 인상주의를 거치던 중 마티스 작품에 깊은 영감을 받아 야수파 화가로 활동을 이어갔으며, 그중에서도 형태와 색에 대한 자신만의 감각을 고수하며 밝고 역동적이면서도 무게감 있는 독특한 화풍으로 여러 작품을 그렸다

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이작품은 이강소의 무제이다 이강소 작가는 매어놓는 닭의 흔적민 남기자는 생각하고 이미지를 상상해서 만들었다고 한다 당시 파리시립근대미술관에서 열린 파리비엔날레에서도 놀라워하더라"고 설명했다.

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4. 부채를 든 동화속 공주

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4. 부채를 든 동화속 공주

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이 작품은 알렉세이의 폰 야블렌스카의 “부채를 든 동화속 공주 이다. 이 작품을 네 번째로 고른 이유는 강련한 빨간색이 눈에 확 들어와서 고르게 되었다 우리가 조형시간에 여러가지 색연필로 색칠하는 시간이 있었는데 정말 어려워서 다 하지 못했는데 색 조화를 정말 잘해 멋지다 굿굿!

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친구가 도촬한 사진을 보내줬는데 맘에 들어서..ㅎㅎ

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어릴적 유치원에서 미술관을 데려간 이후로 가지않았던 미술관을 친구들과 가서 재미있었습니다!

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5. 에드워드 호퍼, 도시의 지붕들. 사람이 없어 텅 빈 도시같다. 그럼에도 햇빛이 비추는 모습은 오히려 적적함만을 남기고있다.

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'에드워드 호퍼: 길 위에서' 전시회:
장소/ 서울특별시 주구 덕수궁길 61 서울시립미술관-서소문본관
기간/4월 20일~8월20일까지
성인(24세 초과~만65세 미만): 1만 7천원
청소년(만 12~만 24세): 1만 5천원
어린이(만 6세 초과~ 만 12세): 1만 2천원
예매/ 사전예약제로 운영, 다만 당일 현장 구매도 일부 병행.
중요/월요일 휴무

인기 시간대는 12시 전후 이며,  평일에는 더 일찍 오후 7시에 문을 닫습니다.
휴일에 가실 계획이라면, 사람이 많은 점심 시간대를 가급적 피하시고 근처에서 점심을 먹고 사람이 적어진 오후 쯤에 가시면 좋겠습니다.
또 저녁시간대에 방문하실 계획이라면, 먼저 전시회를 보고 저녁을 드시는것을 추천드립니다.

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너무 대충찍은것처럼보이긴한데ㅠ(대충찍은거 사실맞음ㅎ) 너무 귀여워서한컷찍었다 저건 바로 고양이다ㅠㅠ 자고있는?고양이인데 전체적으로 동글둥글해서 더 귀엽게느껴졌다ㅎㅎ 그림만보다가
이렇게 무해한귀요미생명체를보니 눈물이나얼뻔했다ㅠㅠ사실구라임 쨋든 고양이 카와잉😍😍🥵🥵🥵🥵🥵

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피카소, 작업실에서, 1964년

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이 작품은 보고 딱 누군지 안 작품

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이 작품은 보고 딱 누군지 안 작품

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피카소는 너무 유명한 분이라 설명이 필요가 없을 정도이다. 그림은 보자마자 오 피카소라는 말을 했을 정도로 피카소였다. 하지만 피카소를 보겠다고 여기를 가는 건 비추다. 이유는 마지막에 설명하겠습니다.

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파블로 피카소 작업실에서(2)

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1. 피카소와 동시대 거장들

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1. 피카소와 동시대 거장들