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La puesta en escena internacional del arte latinoamericano: Montaje, representación.

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La puesta en escena internacional del arte latinoamericano: Montaje, representación.

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Author

Richard, Nelly, 1948-

Year

1994

ICAA Record ID

755084

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17. La Niña Santa (2004) - Dir. Lucrecia Martel - 

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17. La Niña Santa (2004) - Dir. Lucrecia Martel - 

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La Niña Santa (2004) - Dir. Lucrecia Martel - Película Completa

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La mujer sin cabeza -2008 -Lucrecia Martel- Cine Argentino

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III Las narrativas nacionalistas contemporáneas en América Latina

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III Las narrativas nacionalistas contemporáneas en América Latina

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11. EL CIUDADANO ILUSTRE - TRAILER OFICIAL

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11. EL CIUDADANO ILUSTRE - TRAILER OFICIAL

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10. Otra historia del mundo" (Guillermo Casanova, 2017

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10. Otra historia del mundo" (Guillermo Casanova, 2017

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ACAU Agencia del cine y el audiovisual del Uruguay

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CINE URUGUAYO: "Otra historia del mundo" (Guillermo Casanova, 2017 - ATP)

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Reseñar la película  Escribir un resumen breve de la trama (

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Trabajo final de corte clase Historia del arte en Colombia

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Argentina, 1985 - Tráiler Oficial | Prime Video España

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Cautivos de la ciencia: La llegada de los cautivos de la ciencia - Canal Encuentro

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Cautivos de la ciencia: La llegada de los cautivos de la ciencia - Canal Encuentro

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Cautivos de la ciencia: La llegada de los cautivos de la ciencia - Canal Encuentro

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BALUMUKA 2014, Personal interview with Dom Pedro., Director of TANGO NEGRO film.

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BALUMUKA 2014, Personal interview with Dom Pedro., Director of TANGO NEGRO film.

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BALUMUKA 2014, Personal interview with Dom Pedro., Director of TANGO NEGRO film.

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Pensamiento político Indígena II: Indianismo y Katarismo

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Pensamiento político Indígena II: Indianismo y Katarismo

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Pensamiento político Indígena II: Indianismo y Katarismo

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La historia oficial (1985) : Free Download, Borrow, and Streaming : Internet Archive

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La historia oficial (1985)La historia oficial es una película argentina dramática-histórica de 1985 dirigida por Luis Puenzo y protagonizada por Norma…

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La cocina | Tráiler oficial español | Avalon

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14. LA HORA DE LOS HORNOS, SELECCIONAR UN FRAGMENTO COMPLETO 

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14. LA HORA DE LOS HORNOS, SELECCIONAR UN FRAGMENTO COMPLETO 

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La Hora de los Hornos - Documental completo - Cine Liberación

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Yawar Mallku La Sangre Del Cóndor : Free Download, Borrow, and Streaming : Internet Archive

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 ¿Hacia que tercer cine? Un análisis de la evolución de la teoría del tercer cine a partir de los trabajos de Fernando Solanas y Octavio Getino

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 ¿Hacia que tercer cine? Un análisis de la evolución de la teoría del tercer cine a partir de los trabajos de Fernando Solanas y Octavio Getino

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6. Tercer cine   diez años de "Hacia un Tercer Cine" Editado por 1& Fihnoteca de la UNAM Primera EdlcI6n 1982

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6. Tercer cine   diez años de "Hacia un Tercer Cine" Editado por 1& Fihnoteca de la UNAM Primera EdlcI6n 1982

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GRUPO 5 Y 6 PÁG. 5 A 22

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TIEMPO MAXIMO DE GRABACION 20 MIN

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LA REGION SALVAJE PELICULA COMPLETA EN TEAMS

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LA REGION SALVAJE PELICULA COMPLETA EN TEAMS

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BARDO, Falsa Crónica de unas Cuantas Verdades | Tráiler oficial | Netflix

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6. El país sin indios [Película completa]

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6. El país sin indios [Película completa]

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LOS ENTERRATORIOS INDÍGENAS COMO CAMPO DE DISPUTA.REFLEXIONES DESDE LA ONTOLOGÍA POLÍTICA MARIELA EVA RODRÍGUEZ

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LOS ENTERRATORIOS INDÍGENAS COMO CAMPO DE DISPUTA.REFLEXIONES DESDE LA ONTOLOGÍA POLÍTICA MARIELA EVA RODRÍGUEZ

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Trailer Oficial "El Club". Ya está en cines.

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LA SEXUALIZACIÓN DE LA RAZA Y LA RACIALIZACIÓN DE LA SEXUALIDAD EN EL CONTEXTO LATINOAMERICANO ACTUAL,  MARA VIVEROS 

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LA SEXUALIZACIÓN DE LA RAZA Y LA RACIALIZACIÓN DE LA SEXUALIDAD EN EL CONTEXTO LATINOAMERICANO ACTUAL,  MARA VIVEROS 

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SEXUALIDAD Y DESEO EN CONTEXTOS RACIALIZADOS, PAG. 180 -192

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Ya no estoy aquí | Tráiler oficial | Netflix

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TIEMPO MAXIMO DE GRABACION 20 MIN

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TIEMPO MAXIMO DE GRABACION 20 MIN

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TIEMPO MAXIMO DE GRABACION 20 MIN

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CAPITULO 4.VALORAR EL ARTE ENTRE MERCADO Y POLITICA 129-150

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Grupo 3 TIEMPO MAXIMO DE GRABACION 20 MIN 

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Grupo 3 TIEMPO MAXIMO DE GRABACION 20 MIN 

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En el capítulo no se menciona a la artistas Minerva Cuevas, pero su obra o práctica artística tiene toda relación con el capitulo, entonces la idea es que las imágenes que utilicen para ejemplificar sean de esta artista.

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TIEMPO MAXIMO DE GRABACION 20 MIN

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DOCUMENTAL + PELICULA+ TEXTO Elena YASYANA (PG 83 A 939)

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DOCUMENTAL + PELICULA+ TEXTO Elena YASYANA (PG 83 A 939)

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Canción sin nombre: una historia peruana que nos duele a todos

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Manifiestos sobre la diversidad lingüística. Yasnaya Aguilar Capítulo: Tiene usted prejuicio en contra de las lenguas indígenas? (página 83 a 93)

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Manifiestos sobre la diversidad lingüística. Yasnaya Aguilar Capítulo: Tiene usted prejuicio en contra de las lenguas indígenas? (página 83 a 93)

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Desenmascarando alciudadano (porteño).El humor político de“Micky Vainilla” en PeterCapusotto y sus videos.Damián Fraticelli

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Desenmascarando alciudadano (porteño).El humor político de“Micky Vainilla” en PeterCapusotto y sus videos.Damián Fraticelli

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MUJERES INDÍGENAS, PATRIARCADO Y COLONIALISMO:UN DESAFÍA A LA SEGREGACIÓN COMPRENSIVADE LAS FORMAS DE DOMINIO1Aura Estela Cumes

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MUJERES INDÍGENAS, PATRIARCADO Y COLONIALISMO:UN DESAFÍA A LA SEGREGACIÓN COMPRENSIVADE LAS FORMAS DE DOMINIO1Aura Estela Cumes

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3. REAPROPIACIONES DE LOS OBJETOS PG 101-128

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minerva cuevas
1975, Ciudad de México

Al intervenir objetos e imágenes de consumo cotidiano, Minerva Cuevas invita a repensar el rol que juegan las corporaciones en la producción de alimentos y la administración de recursos naturales. A través de la ironía y el humor en su obra, la artista reflexiona acerca del impacto potencial de acciones locales en la generación de prácticas laborales justas y la redistribución económica. Su trabajo abarca un amplio rango de soportes - pintura, video, fotografía, escultura e instalación-, con los que investiga las políticas y relaciones de poder que permean ciertos vínculos sociales y económicos. Mediante proyectos interdisciplinarios en los que confluyen elementos de antropología, diseño de producto y economía, Cuevas explora diferentes formas de intervenir museos, galerías y espacios urbanos; se apropia del lenguaje del establishment (marca, publicidad y comercio) para presentar un mensaje de inconformidad y resistencia. Crítica implacable de la realidad, Minerva Cuevas encuentra la materia prima para su obra en el análisis las nociones de valor, intercambio y propiedad que dicta la economía capitalista, y sus consecuencias. Su obra sirve como herramienta para discutir la condición del individuo bajo el régimen capitalista: abuso constante y despojo de una identidad cultural ancestral, pero también la posibilidad latente de rebelión que va implícita en la vida diaria.

Minerva Cuevas estudió la licenciatura en artes visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la Ciudad de México. En 2004 recibió la beca Media Art of the Foundation of Lower Saxony at the Edith-Russ-Haus. Ha sido artista residente en los siguientes programas: Berliner Künstlerprogramm en Deutscher Akademischer Austauschdienst (DAAD) en 2003 y Banff Centre for Arts and Creativity en 1998.

Minerva Cuevas vive y trabaja en la Ciudad de México.

Entre sus exposiciones individuales más importantes se encuentran: No Room To Play, DAAD Galerie, Berlín; Disidencia, The Mishkin Gallery, Nueva York (2019); Dissidência (vídeos), Galpao VB, Sao Paulo, Brasil (2018); Minerva Cuevas, DMA Dallas Museum of Art, Estados Unidos (2017); Minerva Cuevas, Museo de la Ciudad de México (2012); Landings, Cornerhouse, Manchester, Reino Unido (2011); SCOOP, Whitechapel Gallery, Londres (2010); Minerva Cuevas, Van Abbemuseum in Eindhoven, Países Bajos (2008); Phenomena, Kunsthalle Basel, Basilea, Suiza (2007); On Society, MC Kunst, Los Angeles (2007); Egalité 2007, Le Grand Café - centre d'art contemporain, Saint-Nazaire, Francia (2007); Schwarzfahrer Are My Heroes, Daadgalerie, Berlín (2004); Mejor Vida Corp, Museo Tamayo, Ciudad de México (2000), entre otras.

En años recientes, el trabajo de Minerva Cuevas ha sido presentado en las siguientes exposiciones colectivas: Soft Power, San Francisco Museum of Modern Art (SFMoMA), Nueva York (2019); Down and to the Left: Reflections on Mexico in the NAFTA Era, Armory Center for the Arts, Pasadena, Estados Unidos (2017); We call it Ludwig. The Museum is Turning 40! Museum Ludwig, Colonia, Alemania (2017); Unsettled, The Nevada Museum of Art, Reno, Estados Unidos (2017); Under the Same Sun: Art from Latin America Today, South London Gallery (SLG), Londres (2016); Bajo un mismo Sol: Arte de America Latina hoy, Museo Jumex, Ciudad de México (2015); United States of Latin America, MOCAD Museum of Contemporary Art Detroit, Estados Unidos (2015); Food: dal cucchiaio al mondo, MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma (2015); Sportsmanship under surveillance, LACAP - Latin American-Canadian Art Projects, Toronto, Canadá (2015); Testigo del siglo, MAZ - Museo de Arte de Zapopan, México (2014); Unsettled Landscapes, SITE Santa Fe, Estados Unidos (2014); In/Humano, MARCO- Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México (2014); Under the Same Sun: Art from Latin America Today, Guggenheim Museum, Nueva York (2014); Utopian Days, Total Museum of Contemporary Art, Seúl, Corea del Sur (2014); Resisting the Present, Museo Amparo, Puebla, México (2011) and Musée d'Art moderne de la Ville de Paris (2012); Elles, Centro Georges Pompidou, París (2010) (2010); Populism, Stedelijk Museum Amsterdam (2005); Hardcore, Palais de Tokyo, París (2003); entre otras.

Ha participado también en las siguientes bienales: 6th Liverpool Biennial, Reino Unido (2010); 6 Berlin Biennale (2010); 9e Biennale de Lyon, Francia (2007); 6a Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil (2007); 27a Bienal de São Paulo, Brasil (2006); Sharjah Biennial 7, Emiratos Árabes Unidos (2005); 14th Biennale of Sydney, Australia (2004); 2nd edition of the T.I.C.A.B - Tirana International Contemporary Art Biannual, Albania (2005) y 8. İstanbul Bienali , Estambul, Turquía (2003).

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minerva cuevas 1975, Ciudad de México Al intervenir objetos e imágenes de consumo cotidiano, Minerva Cuevas invita a repensar el rol que juegan las corporaciones en la producción de alimentos y la administración de recursos naturales.

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7. COMO HACE SOCIEDAD EL ARTE PG. 211-238

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Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en instituciones como Es Baluard, Palma de Mallorca, España (2020); BPS22, Charleroi, Bélgica (2019); Kunsthalle Krems, Austria(2019); MSSA, Santiago de Chile (2019); MAMBO Museo de Arte Moderno de Bogotá (2019); Padiglione d'Arte Contemporanea, Milán (2018); Witte de With, Rotterdam, Países Bajos (2018); el Musée d'art contemporain of Montréal, Canadá (2017); the Neuberger Museum of Art, Nueva York, (2015), el Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid (2014), el Migros Museum, Zurich (2014), la Tate Modern, Londres, (2012); el MALBA Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2008); el Museo del Barrio, Nueva York (2008); Brooklyn Museum of Art, Nueva York (2007); Kunsthalle, Viena (2007); el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt, Alemania (2004); P.S.1 MoMa, Nueva York (2002); el Kunst-Werke, Berlín (2002) y la South London Gallery (2002) entre otros.

Ha participado en varias Bienales como la de 22a Sidney Biennial (2020), Los Ángeles Biennial (2016), 7a Bienal de Berlín (2012), Moscow Biennial (2007), 4a Liverpool Biennial (2006), Bienal de Praga (2005), 4a Bienal Mercosul (2003) y 7a Bienal de Cuenca (2002). Su presentación What Else Could We Talk About? Fue notablemente expuesta en la 53a edición de la Bienal de Venecia (2009) en la muestra del Pabellón Mexicano comisariada por Cuauhtémoc Medina. El trabajo de Margolles se presentó de nuevo en la 58a Bienal de Venecia (2019) como parte de la exposición internacional May You Live in Interesting Times, comisariada por Ralph Rugoff donde recibió una mención especial del jurado en reconocimiento de su trabajo. El proyecto de Margolles ha sido seleccionado para ocupar el Fourth Plinth de Trafalgar Square en 2024.

La obra de Teresa Margolles forma parte de colecciones internacionales como la de la Tate Modern, Londres; The Museum of Modern Art, Nueva York; Centre Pompidou, París; The Museum of Fine Arts, Houston, US; el Perez Art Museum, Miami; el MACBA, Barcelona; CNAP, Paris, France; el Museo del Banco de la República, Bogotá; FRAC Pays de la Loire, France; Neuberger Museum of Art, US; Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporánea, Torino, Italia; CGAC Centro Gallego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela, España; Colección Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Colección Isabel y Agustín Coppel, Culiacán, México; FRAC Lorraine, Francia; FRAC Nord Pas-de-Calais, Francia; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC; Kunsthaus Zürich; Colección Jumex, Ciudad de México; Migros Museum, Zúrich; Modern Art Museum of Fort Worth, US; Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ciudad de México; Museo Amparo, Puebla, México; Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Ciudad de México; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt, Alemania; Museo de Arte Moderno de Varsovia; National Gallery of Canada, Ottawa; Phoenix Art Museum, Phoenix, US; Adrastus Collection, Arévalo, España, y la Maison Européenne de la Photographie, París.
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Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en instituciones como Es Baluard, Palma de Mallorca, España (2020); BPS22, Charleroi, Bélgica (2019); Kunsthalle Krems, Austria(2019); MSSA, Santiago de Chile (2019); MAMBO Museo de Arte Moderno de Bogotá (2019); Padiglione d'Arte Contemporanea, Milán (2018); Witte de With, Rotterdam, Países Bajos (2018); el Musée

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6. LA AGONIA DE LO PUBLICO PG. 183-209

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1970, Ciudad de México En su trabajo, Carlos Amorales se interesa principalmente por el lenguaje y la imposibilidad/posibilidad de comunicar por medio de formas irreconocibles o no codificables: sonidos, gestos y símbolos. Amorales experimenta en los límites entre la imagen y el signo con una variedad de medios: animación, video, cine, dibujo, instalación, performance y sonido.

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CAPITULO 5. LOCALIZACIONES INCIERTAS

151 a 182

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artistas Cildo Meireles

Cildo Meireles
Palacio de Velázquez, Parque del Retiro
24 mayo - 29 septiembre, 2013

Organización:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en colaboración con Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto y HangarBicocca, Milán

Comisariado:
João Fernandes

Itinerancia:
Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Oporto
26, octubre 2013 - 27, enero 2014
HangarBicocca, Milán
6 marzo - junio 2014
> entrevista en video
> folleto en pdf

Desde finales de los años 60 Cildo Meireles (Río de Janeiro, 1948) ha desarrollado nuevas posibilidades de redefinición del arte conceptual, partiendo de una relación con la experiencia sensorial del espectador, del uso crítico de sistemas de circulación ideológicos y económicos, así como de una conexión ética con el mundo, que es la base de su permanente interpretación crítica.

La obra de Meireles amplia el campo de la crítica al modernismo que emprendieron desde Brasil y Latinoamérica, en la segunda mitad del siglo XX, artistas como Helio Oiticica, Lygia Clark o Lygia Pape. La exposición está integrada por obras e instalaciones presentadas por primera vez, así como por otras menos conocidas del artista. Como se puede constatar en instalaciones como Abajur, Olvido o Amerikkka, muchas de las piezas que se pueden ver en la exposición son un comentario crítico sobre el concepto de territorio, cuestionando la historia como narrativa de una dominación colonial del mundo. La exposición muestra también otras series históricas de Cildo Meireles que cuestionan la idea de valor, del objeto artístico, y de nuevo del territorio, como son Arte Física o Inserciones en Circuitos Ideológicos.

Las obras de Meireles ofrecen al visitante ambientes particularmente ricos en sus condiciones de percepción del tiempo y del espacio, confrontándole con la desmaterialización del objeto de arte y con una reinvención semántica de categorías lingüísticas y de realidades perceptivas. Las ya conocidas series como Cantos: Espacios Virtuales o Volúmenes Virtuales son ejemplos de una muy personal redefinición de los lenguajes de la abstracción. La sinestesia es otra de las figuras constructivas del universo del artista; la asociación y coincidencia de diferentes percepciones sensoriales se manifiesta en numerosas obras, desde la asociación del plano del sonido al plano visual, o de la asociación de la visión a percepciones térmicas o gustativas, como ocurre en Entrevendo. De este modo el Meireles amplía las posibilidades del arte como experiencia humana del mundo.

Exposición Cildo Meireles Febrero-abril de 2009
MACBA
Museu d'Art Contemporani de Barcelona
Barcelona, España

Cildo Meireles (Río de Janeiro, 1948) es autor de una obra de extraordinaria complejidad, que hunde sus raíces en la confluencia de la política, la filosofía y la simbología de nuestro tiempo. La reciente concesión del Premio Velázquez de Artes Plásticas a Meireles (2008) confirma la fascinación e interés que suscita el trabajo de este artista brasileño fuera de las fronteras de su país, el cual se caracteriza por la búsqueda de nuevos significados a través de la confrontación, de la exploración de los límites en los ámbitos de la estética, la percepción, la ciencia y la economía.

La figura de Cildo Meireles es fundamental para entender la vanguardia artística brasileña de posguerra ya que supone un puente entre el neoconcretismo de finales de los años cincuenta y el arte conceptual brasileño de finales de los sesenta. El neoconcretismo, cuyos principales representantes -Franz Weissmann, Lygia Clark y Lygia Pape- son referencias constantes en la obra de Meireles, rechaza el racionalismo extremo de la abstracción geométrica para crear obras más sensoriales y participativas, que apelan no sólo a la mente sino también al cuerpo. El optimismo utópico de este movimiento se vino abajo tras el golpe de Estado de 1964, que abrió paso a un régimen militar dictatorial, y que marcó a una nueva generación de artistas, la de Cildo Meireles, cuya obra tiene un mayor compromiso político, reflejo del contexto histórico.

Su obra podría definirse como un acercamiento poético al estudio de la sociedad, ya que busca responder a preguntas relacionadas con todos los ámbitos sociales: examina los procesos de comunicación, la figura del espectador y el valor del arte o los legados de la historia. La temática de su obra incluye desde la expansión del capitalismo en el ámbito internacional hasta la cultura de los indios brasileños en el Amazonas, y no responde a ninguna jerarquía de materiales o tamaños. Sus obras suelen partir de un elemento concreto que se desarrolla de tal manera que lo real, lo simbólico y lo imaginario se combinan hasta encontrar el equilibrio.

Desvío al rojo.
Instalación 1967-1984

Los primeros trabajos de Meireles se plasmaron en forma de dibujos. Así, en sus series Espaços virtuais: Cantos (Espacios virtuales: Rincones, 1968), Volumes virtuais (Volúmenes virtuales, 1968-1969) y Ocupações (Ocupaciones, 1968-1969), Meireles investiga las posibilidades del espacio geométrico euclidiano, utilizando tres planos para definir una figura en el espacio. Se trata de un concepto abstracto que intentará concretar en la serie de esculturas Cantos (Rincones, 1967-1968), que funciona bajo el mismo principio y en las que, a través de modelos a escala natural, reconstruye rincones domésticos típicos.

Mutações geográficas (Mutaciones geográficas, 1969) es una serie de obras que analiza el inmenso territorio de Brasil y la naturaleza de las fronteras geográficas. Al mismo tiempo hace referencia a la infancia de Cildo Meireles y a los constantes desplazamientos de su familia por el vasto territorio brasileño a raíz del trabajo de su padre en el Servicio de Protección a los Indios. La serie Arte física (Arte físico, 1969) se basa en collages que plantean propuestas para posibles acciones relacionadas con el espacio geográfico y topológico y que en muchos casos nunca llegaron a realizarse.

A finales de la década de los sesenta Meireles comienza a trabajar en el concepto de Condensados, pequeños objetos que demuestran cómo el poder simbólico de una obra de arte no tiene que ver con su tamaño. Un ejemplo paradigmático de estos es Cruzeiro do Sul (Cruz del Sur, 1969-1970), en la que un cubo diminuto de madera de roble y pino, maderas sagradas para los indios, se convierte en un emblema de la condición moderna. Es una obra que, a pesar de sus reducidas dimensiones, sienta las bases de muchos de los temas que Meireles desarrollará a lo largo de toda su carrera, ya que supone un primer acercamiento a la dimensión espacial desde el punto de vista de la escala; al mismo tiempo es una crítica de la concepción eurocéntrica de la historia y una reflexión sobre la necesidad de los mitos; planteando un diálogo entre Occidente y las tradiciones de los pueblos nativos, a su vez crítico e irresuelto.

Fuentes
1992-2008

En Árvore do dinheiro (Árbol del dinero, 1969) Meireles analiza la paradoja del valor simbólico frente al valor real de las cosas: un fajo de cien billetes de un cruceiro, que presenta como una obra de arte sobre un pedestal, se puso a la venta a un precio veinte veces superior a esa cantidad. De este modo cuestiona las diferencias entre valor real, simbólico y de intercambio. Para profundizar en ese análisis del valor, de 1974 a 1978 se aventuró en el terreno de la falsificación artística y produjo, a modo de parodia, Zero cruzeiro (Cero cruceiros) y Zero centavo (Cero centavos), reduciendo el valor del dinero a cero. También sustituyó los personajes ilustres que suelen adornar los billetes por dos personas, en principio, al margen de la sociedad brasileña: un interno de un psiquiátrico que había visitado en Trinidad y un indio Kraô. En Zero dollar (Cero dólares, 1978-1984) y Zero cent (Cero centavos, 1978-1984), profundiza en el significado de lo monetario, entendiendo la divisa como representación icónica de un país. En estas obras el dinero se convierte en paradigma de la relación entre materia y símbolo, puesto que puede ser ambas cosas a la vez.

El endurecimiento de la dictadura militar a principios de la década de los setenta tendrá como resultado una mayor radicalización del contenido político en la obra de Meireles. Este momento está marcado por las Inserções em circuitos ideológicos (Inserciones en circuitos ideológicos, 1970), que se relacionan con la idea del intercambio y se basan en la investigación de los mecanismos sociales que articulan la circulación de bienes de consumo y de información. Así, su obra más conocida de esta serie es el Projeto Coca-Cola (Proyecto Coca-Cola), en el que Meireles imprimió sobre botellas de este refresco mensajes como "Yankees Go Home", y después puso las botellas nuevamente en circulación.

Mallas de libertad
1976-1977

Las Malhas da liberdade (Mallas de libertad, 1976-1977) empezaron como un garabato: Meireles dibujó una línea y luego otra que la cruzaba hasta formar una retícula. Si no hay limitaciones formales, la retícula puede crecer indefinidamente hasta crear un sistema de bifurcaciones, divisiones y duplicaciones cada vez más desordenado, según el principio definido por el matemático Mitchell Feigenbaum en sus estudios sobre la teoría del caos. Mediante una malla metálica, material asociado con mecanismos restrictivos, Malhas da liberdade transforma ese sistema desordenado en una posibilidad de librarse de la coacción y represión de la vida bajo la dictadura militar.

Cildo Meireles ha manifestado en varias ocasiones que el espacio posee connotaciones "físicas, geométricas, históricas, psicológicas, topológicas y antropológicas" y que éstas constituyen el núcleo básico de su obra. Esto se refleja en una de sus obras más emblemáticas, Eureka/Blindhotland (1970-1975), en la que analiza la relación entre el conocimiento y la percepción, la construcción mental y la experiencia sensorial. En esta escultura se combinan varios elementos (una banda sonora, inserciones en prensa y esferas del mismo tamaño con diferentes pesos). La sorpresa es que peso y volumen no se corresponden; es una invitación al juego y a la participación del espectador.

A través 1983-1989/2007

El exceso y la acumulación está presente en Através (A través, 1983-1989/2007) un laberinto de rejas, mallas, en el que el suelo está formado por cristales rotos y donde se invita al público a enfrentarse a sus miedos, las creencias heredadas o impuestas. En el laberinto de Meireles, el acceso se permite y deniega a la vez: la mirada puede penetrar lo que el cuerpo no puede franquear.

Como antítesis al exceso encontramos la reducción extrema, una de cuyas formas más intensas es la monocromía, utilizada a principios del siglo xx como elemento de búsqueda del "arte puro" y que Meireles carga de simbolismo y connotaciones no-artísticas. Así, acumulación y reducción extrema caracterizan Desvio para o vermelho (Desvío al rojo, 1967-1984), una instalación en tres partes en la que el color rojo actúa como elemento vertebrador y hace que nuestra percepción del mundo se transforme y pierda su lógica visual.

El sonido es otro de los elementos que Cildo Meireles utiliza para crear espacios. En Babel (2001), una enorme torre de aparatos de radio, emparentada con la historia bíblica de la torre de Babel, plantea la incapacidad para comunicarse como causa de todos los conflictos de la humanidad. Debido a la naturaleza esencialmente temporal de un medio como la radio, en esta obra nunca hay dos experiencias iguales.

Cildo Meireles está organizada por la Tate Modern de Londres en asociación con el MuAC, bajo la curaduría de Vicente Todoli, director de Tate Modern, Guy Brett, curador asesor y Amy Dickson, asistente de curaduría de la Tate Modern. Luego de su exhibición en el MACBA, de Barcelona, se exhibirá en el MuAC a partir del 4 de julio de este año y hasta enero de 2010, siendo la única sede en el continente americano.

Fuentes:esunarma.com/2009/07/13/entrevista-a-cildo-meireles/

museosgalerias.suite101.net/article.cfm/cildo_meireles_arte_conceptual_desde_brasil#ixzz0SUY5XvR7
dorsumi.org/blog/2009/03/23/cildo-meireles-en-el-macba-barcelona/

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artistas Cildo Meireles Cildo Meireles Palacio de Velázquez, Parque del Retiro 24 mayo - 29 septiembre, 2013 Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en colaboración con Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto y HangarBicocca, Milán Comisariado: João Fernandes Itinerancia: Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Oporto 26,

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2. CULTURAS VISUALES: ENTRE EL ARTE Y EL PATRIMONIO PG. 65 A 99

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gabriel orozco

1962, Jalapa, México

"Durante la década de los noventa, Gabriel Orozco desarrolló una obra contundente -escribe la crítica mexicana María Minera- por la manera precisa y condensada de presentar sus asuntos, y por los asuntos mismos: inusitados, elocuentes. Esto estableció rápidamente su reputación de artista con un agudo poder formal y un entendimiento audaz y novedoso acerca de lo que puede ser considerado escultórico -una noción limítrofe, en la que la escultura es reducida a su expresión más inmediata o primaria, quedando, a ratos, al borde de la extinción." Su trabajo gira en torno a temas recurrentes y a técnicas que incorporan objetos comunes y cotidianos. Los materiales que investiga permiten al público explorar asociaciones creativas entre objetos frecuentemente ignorados. El nomadismo de Orozco como forma de vida ha marcado su trabajo desde el inicio. Para Orozco, la descentralización de las prácticas de manufactura refleja una rica heterogeneidad del objeto y del material. No hay manera de identificar una de sus obras en términos de un producto físico. Por el contrario, su obra debe ser descifrada a través de hilos conductores y estrategias que se repiten constantemente, pero en formas y configuraciones en constante mutación.

Nacido en 1962 en Jalapa, Veracruz, la infancia de Gabriel Orozco transcurrió en la Ciudad de México en el seno de una familia del medio artístico de la izquierda mexicana. De 1981 a 1984 estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, México y de 1986 a 1987 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. De 1987 a 1992 dirigió el Taller de los Viernes, en su casa en Tlalpan, que se convirtió en un lugar de discusión, de encuentro y producción de arte en el cual participaron Abraham Cruzvillegas, Gabriel Kuri, Dr. Lakra y Damián Ortega.

Gabriel Orozco ha sido el ganador de diversos premios entre los cuales destacan: el REDCAT Award, otorgado por REDCAT CalArts' downtown center for contemporary arts en 2015; el Cultural Achievement Award otorgado por The Americas Society en 2014; en 2012 fue condecorado como officier des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura francés; en 2006 recibió el Blauorange Kunstpreis otorgado por la Deutsche Volksbanken und Raiffeisenbankende.

Gabriel Orozco vive y trabaja en Tokio, Nueva York, Ciudad de México y París.

Recent selected exhibitions include: Rotating Objects, The Noguchi Museum, New York (2019); Gabriel Orozco: veladoras arte universal, Museo Nacional de Bellas Artes Cuba (2019); Gabriel Orozco, kurimanzutto, Mexico City (2017); Gabriel Orozco, Aspen Art Museum, United States (2016); Fleurs Fantômes, as part of the triennial commissions for the Chaumont castle at the Centre Val-de-Loire region, France (2014-2016); Gabriel Orozco - Inner Circles, MOT The Museum of Contemporary Art Tokyo (2015); Natural Motion, Kunsthaus Bregenz, Austria (2013) and Moderna Museet, Stockholm (2014); Thinking in Circles, The Fruitmarket Gallery, Edinburgh, Scotland (2013); Gabriel Orozco: Asterisms, Deutsche Guggenheim, Berlin (2012) and Guggenheim Museum, New York (2013). From 2009 to 2011, his work was the object of an itinerant retrospective at the Museum of Modern Art in New York; Kunstmuseum Basel; Centre Georges Pompidou, Paris; and Tate Modern, London.

Other major solo exhibitions of Orozco's work have been shown at: Museo del Palacio de Bellas Artes, Mexico City (2007); Palacio de Cristal del Retiro, Madrid (2005); Serpentine Gallery, London (2004); Museo Rufino Tamayo, Mexico City (2000); The Museum of Contemporary Art Los Angeles, MOCA (2000); Philadelphia Museum of Art, United States (1999); Museum of Contemporary Art Chicago, United States (1994); Museum of Modern Art, New York (1993).

In 2003, he curated the group exhibition Il Quotidiano Alterato as part of the 50th Venice Biennial. His work has been the subject of over 25 monographs in different languages.

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gabriel orozco 1962, Jalapa, México "Durante la década de los noventa, Gabriel Orozco desarrolló una obra contundente -escribe la crítica mexicana María Minera- por la manera precisa y condensada de presentar sus asuntos, y por los asuntos mismos: inusitados, elocuentes.

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GARCÍA CANCLINI, Néstor (2010), La sociedad sin relato. Antropología y estética de la inminencia. Buenos Aires: Katz.

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GARCÍA CANCLINI, Néstor (2010), La sociedad sin relato. Antropología y estética de la inminencia. Buenos Aires: Katz.

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Casos de estudio tercer corte (texto guia)

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Casos de estudio tercer corte (texto guia)

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2. Exposición Casos de estudio (grupal, auto – coevaluación. 40% cada corte): Es una presentación oral, con apoyo visual y textual de los de los CASOS DE ESTUDIO propuestos, según parámetros:

TIEMPO MAXIMO DE PRESENTACIÓN INCLUYENDO LAS PREGUNTAS 20 MIN POR GRUPO

1) Seleccionarán Y PRESENTARAN (tabla de contenido) de 3 a 5 términos claves de la lectura.

2) ARTICULARAN los conceptos identificados y propuestos (cada uno representa un argumento central del texto) a través de un mapa conceptual, en el que se escriban frases enlace que permitan visualizar y comprender la estructura argumentativa del capítulo.

3) ARGUMENTARAN cada concepto (DE LOS 3 O 5 PRESENTADOS) a partir de mínimo una cita del propio texto, la cual debe presentarse en la diapositiva referenciando página en la que se encuentra.

4) EJEMPLIFICARAN los argumentos a partir de la selección de imágenes de obras del o la artista que resulten pertinentes en relación al argumento. Recuerde que se "profundiza" en un artista específico.

5) Formularán a partir de los 3 argumentos principales preguntas que expondrán en la segunda final de la presentación, a modo de conclusión, cada integrante plantea una pregunta y se encarga de responderla. Se evalua la pregunta, su redacción y alcance respecto del argumento y la respuesta a modo de conclusión que presenta.

En total cada grupo (y estudiantes) realizan dos (2) comunicaciones en el semestre.

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Peter Capusotto y sus Videos - Micky Vainilla - 6º Temporada - Programa 9 (2011)

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Peter Capusotto y sus videos - La sensibilidad en persona – Micky Vainilla

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Diversidad Nacional - La Kolombia Regia #INDIO120s

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Diversidad Nacional - La Kolombia Regia #INDIO120s

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Diversidad Nacional - La Kolombia Regia #INDIO120s

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175 mil reproducciones · 3,8 mil reacciones | Película peruana con Magaly Solier.
► Madeinusa es una niña que vive en un pueblo perdido de la cordillera de Perú, Manayaucuna (pueblo al que no se puede entrar). Este extraño lugar se distingue por un aspecto en su religiosidad: a partir del Viernes Santo hast el Domingo de Resurrección, el pueblo entero puede hacer lo que venga en gana. Durante los dos días santos no existe pecado: Dios está muerto, no les ve. Todo es aceptado y permitido, sin remordimientos alguno. Madeinusa, su hermana Chale, y su padre Don Cayo, alcalde y mandamas del pueblo, conservan esta tradición sin cuestionarla, pero todo esto se verá perturbado con la llegada de Salvador, un joven limeño que se ve obligado a permanecer en el pueblo los tres días del "Tiempo Santo", lapso en que Dios no ve | Kausachun Viva Ayacucho

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Película peruana con Magaly Solier.
► Madeinusa es una niña que vive en un pueblo perdido de la cordillera de Perú, Manayaucuna (pueblo al que no se puede entrar). Este extraño lugar se distingue por...