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Combinações Ornamentais - Alphonse Mucha - Google Arts & Culture

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1901년 디자이너를 위한 패턴 북으

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1901년 디자이너를 위한 패턴 북으로 출판되었으며 식물 , 새 , 곤충 및 기타 자연 모양을 특징으로 하는 다양한 장식 디자인을 제공합니다. 무하는 이 책에 11개의 판을 제공했습니다.
콤비나종 오네멘탈레스의 모티브는 두 개의 거울을 사용하여 볼 수 있도록 디자인되었습니다. 의도한 효과는 만화경처럼 그림을 무한대로 확장합니다.

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Combinações Ornamentais se multiplicando até o infinito usando um espelho

George Auriol, Maurice Pillard Verneuil e Alphonse Mucha

Fólio com 60 chapas litografadas a cores, publicada pela Librairie Centrale des Beaux Arts, Paris, 1901

Combinaisons Ornementales foi publicado em 1901 como um livro de padrões para designers, oferecendo uma variedade de desenhos ornamentais com plantas, pássaros, insetos e outras formas naturais. Mucha contribuiu com onze placas para o livro.
Os motivos em Combinaisons Ornementales foram desenhados para serem vistos usando dois espelhos. O efeito pretendido multiplicaria infinitamente os desenhos, como um caleidoscópio.

Combinaisons Ornementales se Multipliant à l'Infini à L'Aide du Miroir

George Auriol, Maurice Pillard Verneuil and Alphonse Mucha

Folio with 60 colour-lithographed plates, published by the Librairie Centrale des Beaux Arts, Paris, 1901

Combinaisons Ornamentales was published in 1901 as a pattern book for designers, offering a variety of ornamental motifs featuring plants, birds, insects and other natural forms. Mucha contributed eleven plates to the book.
The motifs in Combinaisons Ornementales were designed to be viewed using two joined mirrors. The intended effect would infinitely multiply the designs, like a kaleidoscope.

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Combinações Ornamentais - Alphonse Mucha - Google Arts & Culture

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Combinações Ornamentais se multiplicando até o infinito usando um espelho George Auriol, Maurice Pillard Verneuil e Alphonse Mucha Fólio com 60 chapas litografadas a cores, publicada pela Librairie Centrale des Beaux Arts, Paris, 1901 Combinaisons Ornementales foi publicado em 1901 como um livro de padrões para designers, oferecendo uma variedade de desenhos ornamentais com plantas, pássaros, insetos e outras formas naturais.

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A Girl with a Watering Can - Auguste Renoir - Google Arts & Culture

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1876년 르누아르는 자신이 탁월했던

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1876년 르누아르는 자신이 탁월했던 주제인 여성과 어린이에 대한 일화적 묘사를 그리기 시작했습니다. 이 작품들의 대표적인 작품인 '물뿌리개를 든 소녀'는 인물화의 특정한 요구에 부합하는 성숙한 인상파 스타일을 보여준다. Renoir의 색상은 인상파 팔레트의 신선함과 광채를 반영하는 반면, 그의 핸들링은 풍경보다 더 통제되고 규칙적이며 특히 소녀의 얼굴에 섬세한 터치로 적용된 브러시 스트로크를 사용합니다. 영롱한 프리즘 컬러가 따뜻한 빛의 분위기로 아이를 감싸며 청순한 매력을 매력적으로 전달합니다.

소녀에 대한 구체적인 신원 확인이 제안되었지만 설득력이 있는 것은 없습니다. 아마도 르누아르는 아름다운 모습이 그를 기쁘게 하는 동네 아이를 묘사했을 것입니다. 곱슬곱슬한 금발, 반짝이는 푸른 눈, 통통한 핑크색 뺨, 웃는 붉은 ​​입술을 가진 소녀가 르누아르 의 다른 그림들과 같은 옷을 입고 등장하여 그녀가 작가의 레퍼토리에서 가장 좋아하는 인물임을 암시합니다. 물뿌리개를 든 소녀는 작가 작품의 우아함과 매력을 보여줍니다.

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In 1876, Renoir began to paint anecdotal depictions of women and children, subjects in which he excelled. A Girl with a Watering Can, typical of these works, displays a mature impressionist style attuned to the specific requirements of figure painting. Renoir's colors reflect the freshness and radiance of the impressionist palette, while his handling is more controlled and regular than in his landscapes, with even brushstrokes applied in delicate touches, especially in the girl's face. Brilliant prismatic hues envelop the child in an atmosphere of warm light and charmingly convey her innocent appeal.

Specific identifications have been proposed for the girl, but none is convincing. More likely, Renoir depicted a neighborhood child whose pretty features pleased him. A girl with similar curly blond hair, sparkling blue eyes, plump pink cheeks, and smiling red lips appears, dressed the same way in other paintings by Renoir, suggesting she was a favorite figure in the artist's repertory. A Girl with a Watering Can is a showcase of the grace and charm of the artist's work.

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A Girl with a Watering Can - Auguste Renoir - Google Arts & Culture

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In 1876, Renoir began to paint anecdotal depictions of women and children, subjects in which he excelled. A Girl with a Watering Can, typical of these works, displays a mature impressionist style attuned to the specific requirements of figure painting.

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The Bedroom - Vincent van Gogh (Dutch, 1853-1890) - Google Arts & Culture

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반 고흐 는 침실을 주제로 거의 동일

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반 고흐 는 침실을 주제로 거의 동일한 세 점의 그림을 그렸습니다. 첫 번째 작품은 암스테르담의 반 고흐 미술관에서 1888년 10월 처형되었고 화가가 아를의 병원에 입원해 있던 동안 발생한 홍수로 인해 손상되었습니다. 거의 1년 후, 반 고흐는 그것을 두 개로 만들었습니다. 하나는 같은 크기로 현재 시카고의 아트 인스티튜트에 있습니다. 네덜란드에 있는 그의 가족을 위해 제작된 오르세 미술관의 다른 하나는 더 작습니다.

Vincent는 형제 Theo에게 보낸 편지에서 왜 그런 그림을 그리게 되었는지 설명했습니다"창백한 라일락 벽, 고르지 않고 바랜 붉은 바닥, 크롬 노란색 의자와 침대, 매우 옅은 라임 그린 베개와 시트, 핏빛 붉은 담요, 오렌지색 세탁물 스탠드, 파란색 세면대, 초록색 창"이라는 글과 함께 "이런 다양한 색상으로 절대적인 안도감을 표현하고 싶었다"고 말했다.

그리고 일본인의 눈에는 그림과 가구로 장식된 침실이 그리 단순해 보이지 않지만 Vincent에게는 "나무 침대와 두 개의 의자 가 있는 빈 침실"이었습니다. 그는 거의 전적으로 직선으로 구성된 그의 구성과 원근법의 불안정성을 보완하는 색상 표면의 엄격한 조합을 통해 특정 희소성을 달성합니다.

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Vincent van Gogh so highly esteemed his bedroom painting that he made three distinct versions: the first, now in the collection of the Van Gogh Museum, Amsterdam; the second, belonging to the Art Institute of Chicago, painted a year later on the same scale and almost identical; and a third, smaller canvas in the collection of the Musée d'Orsay, Paris, which he made as a gift for his mother and sister. Van Gogh conceived the first "Bedroom" in October 1888, a month after he moved into his "Yellow House" in Arles, France. This moment marked the first time the artist had a home of his own, and he immediately and enthusiastically set about decorating, painting a suite of canvases to fill the walls. Completely exhausted from the effort, he spent two and a half days in bed and was then inspired to create a painting of his bedroom. As he wrote to his brother, Theo, "It amused me enormously doing this bare interior. With a simplicity à la Seurat. In flat tints, but coarsely brushed in full impasto, the walls pale lilac, the floor in a broken and faded red, the chairs and the bed chrome yellow, the pillows and the sheet very pale lemon green, the bedspread blood-red, the dressing-table orange, the washbasin blue, the window green. I had wished to express 'utter repose' with all these very different tones." Although the picture symbolized relaxation and peace to the artist, to our eyes the canvas seems to teem with nervous energy, instability, and turmoil, and effect heightened by the sharply receding perspective.

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The Bedroom - Vincent van Gogh (Dutch, 1853-1890) - Google Arts & Culture

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Vincent van Gogh so highly esteemed his bedroom painting that he made three distinct versions: the first, now in the collection of the Van Gogh Museum, Ams...

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Blue Water Lilies - Claude Monet - Google Arts & Culture

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"Nymphaea"는 수련의 식물 이름입니다. 모네 는 1893년 지베르니에 있는 자신의 소유지에 설치한 물 정원에서 흰 수련을 키웠습니다. 1910년대부터 그가 1926년에 사망할 때까지 정원과 그 연못은 특히 예술가의 유일한 영감의 원천이 되었습니다. 그는 다음과 같이 말했습니다: "나는 할 수 없는 일들로 돌아왔습니다. 잡초가 우거진 물이 깊은 곳에서 흔들리고 있습니다. 그림과 정원 가꾸기를 제외하고는 나는 아무 소용이 없습니다. 나의 가장 위대한 걸작은 나의 정원입니다."

예술가의 붓놀림이 그렇게 자유롭고 형태에 대한 설명에서 분리된 적이 없었습니다. 캔버스를 클로즈업하면 전체 추상적인 느낌을 줍니다. 붓놀림이 식물 이나 식물의 반사를 식별하는 것보다 더 강하기 때문입니다.

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Blue Water Lilies - Claude Monet - Google Arts & Culture

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“Nymphaea” is the botanical name for a water lily. Monet grew white water lilies in the water garden he had installed in his property at Giverny in 1893. F...

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The Starry Night - Vincent van Gogh - Google Arts & Culture

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반 고흐 의 밤하늘은 소용돌이치는 에너지의 장이다. 폭발하는 별 아래 마을은 조용한 질서의 장소입니다. 땅과 하늘을 연결하는 것은 전통적으로 묘지와 애도와 관련된 나무 인 불꽃 같은 사이프러스 입니다. 그러나 반 고흐에게 죽음은 불길한 것이 아니었습니다. 그는 "별을 바라보는 것은 항상 꿈을 꾸게 한다"고 말했다. "왜 하늘의 빛나는 점들은 프랑스 지도 의 검은 점들처럼 접근할 수 있어야 하지 않을까? 우리가 기차를 타고 갈 때처럼 Tarascon 이나 Rouen에 도착하면 별에 도달하기 위해 죽음을 맞이합니다. "

작가는 자신의 경험에 대해 동생 테오에게 이렇게 썼습니다. "오늘 아침 나는 해가 뜨기 오래 전에 창밖으로 나라를 보았는데, 아주 커 보이는 샛별 외에는 아무것도 없었습니다." 이 샛별 또는 금성은 별이 빛나는 밤의 중심 바로 왼쪽에 있는 큰 흰색 별일 수 있습니다. 이 강렬한 그림에서처럼 반 고흐는 불안한 느낌과 강렬한 색채를 선호하여 자연에 대한 인상주의의 진리 교리를 남겨두고 그의 작품을 이후의 모든 표현주의 회화의 시금석으로 삼았습니다

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Van Gogh's night sky is a field of roiling energy. Below the exploding stars, the village is a place of quiet order. Connecting earth and sky is the flamelike cypress, a tree traditionally associated with graveyards and mourning. But death was not ominous for van Gogh. "Looking at the stars always makes me dream," he said, "Why, I ask myself, shouldn't the shining dots of the sky be as accessible as the black dots on the map of France? Just as we take the train to get to Tarascon or Rouen, we take death to reach a star."

The artist wrote of his experience to his brother Theo: "This morning I saw the country from my window a long time before sunrise, with nothing but the morning star, which looked very big." This morning star, or Venus, may be the large white star just left of center in The Starry Night. The hamlet, on the other hand, is invented, and the church spire evokes van Gogh's native land, the Netherlands. The painting, like its daytime companion, The Olive Trees, is rooted in imagination and memory. Leaving behind the Impressionist doctrine of truth to nature in favor of restless feeling and intense color, as in this highly charged picture, van Gogh made his work a touchstone for all subsequent Expressionist painting.

The Museum of Modern Art, MoMA Highlights, New York: The Museum of Modern Art, revised 2004, originally published 1999, p. 35

Find out more about The Starry Night at:
mo.ma/starrynight

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The Starry Night - Vincent van Gogh - Google Arts & Culture

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Van Gogh's night sky is a field of roiling energy. Below the exploding stars, the village is a place of quiet order. Connecting earth and sky is the flamel...