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Ficha Técnica:

Nombre: Escultura de la progenitora

Técnica: Escultura tallada en piedra

Dimensiones: 16 cm de alto

Fecha: ~7000 a.C

Lugar: Encontrada en el sitio arqueológico de Lepenski Vir. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Serbia.

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Ficha Técnica:

Nombre: Escena de luto

Técnica: Relieve de piedra caliza

Artista: Desconocido

Fecha: 1550 – 1229 a.C

Lugar: Museo Pushkin de Moscú

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Ficha Técnica:

Nombre: Porción del mural de la batalla de Til-Tuba: Muerte de Tiuuman y su hijo

Técnica: Relieve en yeso

Artista: Desconocido

Dimensiones: Mural Completo: 204 cm de alto, 17.30 cm de grosor, 175 centímetros de ancho

Fecha: 660-650 a.C

Lugar: Museo Británico

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Ficha Técnica:

Nombre: Vaso del suicidio de Áyax

Técnica: Cerámica de figuras negras

Artista: Exekias

Fecha: 530 – 510 a. C

Lugar: Château-musée, Bolonia sobre el Mar

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Nombre: Púgil de las Termas

Técnica: Escultura en Bronce

Dimensiones: 1.20 metros de altura

Artista: Desconocido

Fecha: 330 – 50 a. C

Lugar: Palazzo Massimo Alle Terme, Roma

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Ficha Técnica:

Nombre: El sacrificio de Iphigenia

Técnica: Fresco

Dimensiones: 138 cm x 140 cm

Artista: Timanthes

Fecha: Siglo I d. C (Copia de obra del Siglo IV a. C)

Lugar: Museo de Nápoles

Referencia: Lydakēs, S. (2004). Ancient Greek painting and its echoes in later art. 319. https://books.google.com/books/about/Ancient_Greek_Painting_and_Its_Echoes_in.html?id=TQinGQAACAAJ

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Análisis Visual: El sacrificio de Iphigenia

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Análisis Visual: El sacrificio de Iphigenia

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En esta obra podemos identificar 5 figuras humanas ubicadas sobre un suelo arenoso en el plano inferior, y dos figuras humanas y un venado en un plano superior azul que representa el cielo. Hacia la parte inferior central de la imagen hay dos figuras masculinas de tez morena cargando a una figura femenina de piel blanca, desnuda de pecho, y cubierta en la parte inferior por un velo amarillo, extendiendo sus brazos hacia arriba. A la derecha de estas tres personas se encuentra una figura masculina mirando hacia arriba, haciendo un gesto pensativo, con una daga en la mano derecha y un cincel con una cuerda en la mano izquierda. Por otro lado, en la parte izquierda de la obra, hay una persona cubierta con un velo rosado, tapando su cara con la mano derecha, y haciendo una pose de recogimiento, apoyándose sobre una estructura de mármol. En la parte superior, a la izquierda, un torso humano surge de un velo blanco y agarra a un venado de sus cuernos y cuello, mientras que, a la derecha, el torso de una figura femenina sujeta un arco y lleva una corona sobre su cabeza.

Esta obra es una representación de la escena del sacrificio de Iphigenia, quien era la hija mayor del rey Agamenón. Según la mitología griega, en su camino a la guerra de Troya, Agamenón cazó a un venado sagrado para la diosa Artemisa, por lo que esta envió fuertes vientos para evitar el avance de las tropas griegas a Troya a menos de que Agamenón sacrificara a su hija mayor (Siegel, 1981). Existen varias versiones de la historia, por lo que en algunas de ellas Iphigenia muere de forma heroica asumiendo su destino, y en otras es salvada por Artemisa al reemplazarla al último momento por un venado (Siegel, 1981). En la pintura, Iphigenia es la figura femenina que está siendo alzada por Menelao y Odisea, a izquierda y derecha respectivamente, mientras que Calchas es el hombre que porta la daga al lado derecho y Agamenón la figura de manto que cubre su cara a la izquierda. En el cielo, a la derecha, se encuentra representa Artemisa, portando un arco siendo la diosa de la caza. El venado sujetado por la ninfa a su izquierda es una representación de la creatura por la que es sustituida Iphigenia a último momento.

En esta obra, la tristeza se ve reflejada principalmente en la figura de Agamenón. Su postura recogida, evitativa con respecto a presenciar el sacrificio, y su cara cubierta con la mano, son gestos que reflejan culpa y dolor. Particularmente, el hecho de que su rostro no pueda verse, y aún así el espectador pueda evidenciar su tristeza y sufrimiento, es un artefacto que enfatiza la capacidad de la obra de expresar una emoción aparentemente inexpresable. La tristeza también se evidencia en el rostro acongojado, casi suplicante, de Iphigenia. Por otro lado, si bien los otros hombres tienen una mirada cauta hacia los lados y el cielo, no hay una muestra clara de tristeza, lo cual habla de las dinámicas y prioridades de la sociedad representada en la obra con respecto a esta emoción, pues la tristeza y el dolor de Agamenón de perder a su hija se encuentra por debajo del ímpetu de guerra sus compañeros griegos.

Referencias:

Herbert Siegel. (1981). Agamemnon in Euripides’ “Iphigenia at Aulis.” Hermes, 109(3), 257–265. http://www.jstor.org/stable/4476212

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Nombre: Sarcófago Ludovisi

Técnica: Relieve en mármol proconnesio

Dimensiones: 153 cm x 273 cm

Artista: Desconocido

Fecha: 250 – 260 d. C

Lugar: Palazzo Alltemps, Museo Nacional de Roma

Referencia: Kleiner D. E. E. (1992). Roman sculpture. Yale University Press.

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La obra ¿cuál obra? consiste en un patrón en relieve sobre un muro. Esta obra es monocromática, teniendo en toda su superficie un color dorado, el cual está asociado a la hojilla de oro que recubre el relieve hecho en madera que constituye esta pieza. Los patrones de las figuras de relieve son repetitivos, curvos y alargados.

Los patrones curvos y alargados de la obra son una reminiscencia de los motivos de las obras de orfebrería y demás registros artísticos conservados de algunos pueblos indígenas que habitaron el territorio colombiano, como los Muiscas. Muchas de las obras de estos pueblos estaban elaboradas a partir del oro, el cual fue un material central en sus culturas al ser utilizado en contextos religiosos ¿solamente era en estos contextos?. En el contexto de la obra analizada, el material y color de esta es un puente con el estilo de las obras conservadas de estos pueblos indígenas ¿Por qué?.

En términos generales, este mural evoca una conexión entre un sentido estético contemporáneo basado en patrones sencillos y elementos artísticos heredados de las obras que se conservan de los pueblos indígenas que habitaron el territorio colombiano. La obra adorna un espacio propio de la cotidianidad contemporánea como el muro de un salón con un sentido de conexión con el contexto histórico propio de la geografía en la que se encuentra.

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Ficha Técnica:
Autor: Eduardo Rodriguez Villamizar
Fecha: 1957
Técnica: Óleo sobre lienzo
Lugar de Exposición: Salón de Exposiciones del Centro Cívico de la Universidad de los Andes, Bogotá

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Ficha Técnica:
Autor: Eduardo Rodríguez Villamizar
Fecha: 1982
Lugar de exposición: Sala de exposiciones del Centro Cívico de la Universidad de los Andes, Bogotá

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Ambas de estas obras están compuestas por regiones de color sólido delimitadas por trazos rectos. Además, en las dos obras se puede identificar que estas regiones sólidas toman la forma de triángulos y cuadriláteros. El patrón de varios triángulos consecutivos horizontalmente con orientaciones que se intercalan está presente en ambas obras.

A pesar de estas similitudes, entre las obras encontramos algunas diferencias clave, donde una de las más evidentes es la paleta de color usada. La primera obra presenta colores más fríos, ya que en la parte superior tiene regiones de negro y azul oscuro, en la región central hay regiones con distintas tonalidades de café, y en la parte inferior tiene distintas tonalidades de gris. En la segunda obra, además de las predominantes regiones negras en la periferia de la obra, destacan figuras de colores cálidos y fuertes como el rojo, naranja y terracota.

Otra diferencia clave son los puntos de convergencia de los trazos rectos que delimitan las regiones de color sólido. En la primera figura vemos que los vértices de las figuras no convergen exactamente en el mismo punto, dando la impresión de que las figuras se sobreponen de forma ínfima. Por otro lado, en la segunda obra, los vértices y bordes se encuentran mejor definidos, y hay unas líneas blancas gruesas que dividen los motivos geométricos en filas.

Ambas obras presentan características del hard-edge, el cual es un movimiento de pintura abstracta centrado en las transiciones abruptas entre las áreas de color que estuvo en furor durante la década de los 50s en Estados Unidos. Rodríguez Villamizar realizó la primera obra en el año de 1957 durante una residencia en Nueva York, mientras que la segunda obra fue realizada en el año de 1982, residiendo en Latinoamérica, después de viajar a lugares como Machu Pichu y Teotihuacán.

Varios aspectos de la composición de ambas pinturas pueden ligarse al contexto vivencial en el que se produjeron. Los colores fríos de la primera obra referencian a las tonalidades de una ciudad como Nueva York, y su estilo geométrico es característico de la corriente hard-edge que tenía una fuerte influencia en el territorio y el año en el que fue concebida. Por otro lado, los motivos triangulares horizontales de la segunda obra recuerdan a los sistemas de cerros y cordilleras propios de la geografía de algunas regiones latinoamericanas, e incluso a algunas edificaciones como las pirámides de Teotihuacán. La paleta de colores también hace alusión a los colores de zonas desérticas, del sol, y de la tierra. A pesar de tener un estilo estético similar, estas obras son un reflejo de la experiencia vivencial del artista, e ilustran el contexto y las ideas de Rodríguez Villamizar en distintas épocas de su vida.

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Tanto la catedral de Autun como la catedral de Notre-Dame de Estrasburgo son edificaciones de piedra dedicadas al culto católico ubicadas en territorio francés. Sus periodos de construcción se sobrelapan. La primera, construida entre 1120 y 1146, tiene un estilo principalmente románico a pesar de contar con renovaciones góticas. La segunda, construida entre 1015 y 1439, es un referente del estilo gótico tardío. Dos aspectos que permiten analizar comparativamente estas edificaciones son su estructura arquitectónica y el estilo de las esculturas que las adornan.

La estructura original de la catedral de Autun está conformada por muros de piedra continuos, dando una impresión de compacta solidez y fortificación. Además, cuenta con arcos semicirculares apoyados sobre pilares macizos, como aquel ubicado en su entrada principal. Por otro lado, la estructura de la catedral de Notre-Dame de Estrasburgo, en lugar de consistir de muros continuos, está hecha a partir de un andamiaje de columnas con amplios espacios entre ellas cubiertos con vitrales. Estas columnas convergen en arcos en punta en lugar de semicirculares. Las esculturas que adornan la catedral de Autun, como la representación de la muerte de Judas, cuentan con rasgos simples en sus rostros y cuerpos casi esquemáticos. Por otra parte, las esculturas de la catedral de Notre-Dame de Estrasburgo, como la representación del tránsito de la virgen, son mucho más detalladas, y representan de forma más cercana a la realidad la emotividad de los rostros y la anatomía de sus personajes.

La estructura sólida y fortificada de la primera catedral es consecuente con el concepto de iglesia militante vinculada al estilo románico, donde la iglesia era vista como protectora frente a fuerzas oscuras. En contraste, el andamiaje pétreo con vitrales de la segunda catedral respalda la idea de iglesia triunfante, pues los espacios amplios e iluminados tienen un carácter casi celestial. La transición de arcos semicirculares a en punta reflejan la transición técnica del estilo románico al gótico. Análogamente, pasar de emplear ilustraciones básicas para simplemente narrar la biblia, a retomar una representación más fiel a la realidad para transmitir la emoción de estos relatos también refleja esta transición de estilos. Las estatuas comentadas abordan escenas vinculadas a la tristeza desde un ámbito religioso, y el cambio de la representación gráfica de la emotividad entre ambos estilos muestra como la sociedad del momento empezó a considerar la manifestación gráfica de esta emoción como una forma de conectar su espiritualidad.

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Semana 9 - Renacimiento en Italia: Traslado de Cristo, Rafael

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Semana 9 - Renacimiento en Italia: Traslado de Cristo, Rafael

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Ficha Técnica:

Nombre: Traslado de Cristo

Técnica: Óleo sobre madera

Artista: Rafael Sanzio

Fecha: 1507

Dimensiones: 176 cm x 184 cm

Lugar: Galeria Borghese, Roma

Referencia: Deposition or the Entombment by Raphael | Borghese Gallery. (n.d.). Retrieved October 14, 2022, from https://borghese.gallery/collection/paintings/deposition-by-raphael.html

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Semana 9 - Renacimiento en el norte de Europa: Hombre joven sentado bajo un árbol, Isaac Oliver

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Semana 9 - Renacimiento en el norte de Europa: Hombre joven sentado bajo un árbol, Isaac Oliver

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Ficha Técnica:

Nombre: Hombre joven sentado bajo un árbol

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Isaac Oliver

Fecha: 1590 - 1595

Dimensiones: 12.4 cm x 8.9 cm

Lugar: Royal Collection Trust, Londres

Referencia: Young Man Seated under a Tree - Isaac Oliver — Google Arts & Culture. (n.d.). Retrieved October 14, 2022, from

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Semana 10 - El Renacimiento: Melancolía I, Albrecht Dürer

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Semana 10 - El Renacimiento: Melancolía I, Albrecht Dürer

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Ficha Técnica:

Nombre: Melancolía I

Técnica: Grabado

Artista: Albrecht Dürer

Fecha: 1514

Dimensiones: 24,1 x 19,1 cm

Lugar: Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe - Alemania

Referencia: Melancolía I. Metmuseum.org. (n.d.). Retrieved October 20, 2022, from https://www.metmuseum.org/es/art/collection/search/336228

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Semana 11 - Barroco: La coronación de espinas, Caravaggio

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Semana 11 - Barroco: La coronación de espinas, Caravaggio

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Ficha Técnica:

Nombre: La coronación de espinas

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Caravaggio

Fecha: 1602/1604

Dimensiones: 127 cm x 165.5 cm

Lugar: Kunsthistorisches Museum, Viena

Referencia: "The Crowning with Thorns". Google Arts & Culture. Retrieved 1 November 2014.

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Semana 12 - Romanticismo: Monje frente a el mar, Caspar David Friedrich

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Semana 12 - Romanticismo: Monje frente a el mar, Caspar David Friedrich

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Ficha Técnica:

Nombre: Monje frente al mar

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Caspar David Friedrich

Fecha: 1808 - 1810

Dimensiones: 110 cm x 171.5 cm

Lugar: Alte Nationalgalerie, Berlin

Referencia: Friedrich, Monk by the Sea (video) | Germany | Khan Academy. (n.d.). Retrieved November 4, 2022, from https://www.khanacademy.org/humanities/becoming-modern/romanticism/romanticism-in-germany/v/caspar-david-friedrich-monk-by-the-sea-1808-or-1810

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Semana 12 - Neoclasicismo: Ariadne en Naxos, Evelyn De Morgan

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Semana 12 - Neoclasicismo: Ariadne en Naxos, Evelyn De Morgan

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Ficha Técnica:

Nombre: Ariadne en Naxos

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Evelyn De Morgan

Fecha: 1877

Dimensiones: 59.8 cm x 101.2 cm

Lugar: De Morgan Museum, Barnsley

Referencia: Ariadne in Naxos - The De Morgan Foundation. (n.d.). Retrieved November 4, 2022, from https://www.demorgan.org.uk/collection/ariadne-in-naxos/

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A pesar de que las obras El monje frente al mar de Caspar David Friedrich y Ariadne en Naxos de Evelyn de Morgan proyecten emociones similares desde un escenario en común, emplean elementos radicalmente distintos para lograrlo. Ambas obras presentan a una figura humana en la costa, con el mar en el fondo.  En la primera obra la figura humana es un hombre vestido con una túnica, ubicado de espaldas al espectador, ocupando una porción minúscula de la obra en la parte inferior con respecto al inmenso océano y firmamento que yacen ante él, compuestos por tonalidades azules opacas y tenues. Por otro lado, en la segunda obra la figura humana es una mujer postrada sobre la playa con un vestido rojo, un rostro visible de expresión triste con la mirada dirigida al suelo, y cubierta parcialmente con una tela de la misma tonalidad amarilla de la arena de la costa. En esta obra la mujer ocupa la mayoría del espacio del cuadro, tomando un papel protagónico con respecto al paisaje.

Ambas obras reflejan desolación y contemplación. En la obra de Friedrich, el contraste entre el minúsculo tamaño del monje y la inmensidad del paisaje que contempla invita a la reflexión sobre el carácter solitario del hombre y su ínfima relevancia con respecto a la inconmensurable naturaleza del mundo y la infinidad de la existencia. La postura de espaldas del monje, y el hecho de que no podamos leer la expresión de su rostro, nos incita a relacionarnos con sus emociones a través de contemplar el paisaje. Por otro lado, La obra de Morgan se basa en el relato de la mitología griega en el que Ariadne, la hija del Rey Minos, fue abandonada por Teseo, su amante, mientras que dormía en la isla de Naxos. En esta obra, la sensación de desolación se puede evidenciar en el rostro profundamente triste de la mujer y su postura tumbada sobre la arena, la cual se funde y arraiga en ella a través del elemento de la tela. Además, el color rojo penetrante de su vestido refleja su dolor.

La composición de la primera obra utiliza elementos propios del romanticismo para transmitir la desolación a través de instrumentos como la contemplación, y no aquello explícito en la obra. La segunda obra, a través de elementos propios del movimiento neoclásico como acudir a relatos de la antigua Grecia y el énfasis en retratar la figura humana de forma fidedigna, nos transmite una emoción similar. Estas obras muestran como distintas corrientes artísticas, a inicio y final del siglo XIX, buscaban expresar emociones persistentes a la condición humana como la desolación.

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Semana 13 - Impresionismo: El ajenjo (L'Absinthe), Edgar Degas

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Semana 13 - Impresionismo: El ajenjo (L'Absinthe), Edgar Degas

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Ficha Técnica:

Nombre: El Ajenjo (L'Absinthe)

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Edgar Degas

Fecha: 1875 - 1876

Dimensiones: 92 cm x 68 cm

Lugar: Musée d'Orsay, Paris

Referencia: L’Absinthe by Edgar Degas. (n.d.). Retrieved November 11, 2022, from https://www.impressionists.org/labsinthe.jsp

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L’Absinthe es una obra realizada en óleo sobre lienzo por Edgar Degas entre 1875 y 1876. En esta obra se ven dos personas sentadas lado a lado en un café, con una bebida color claro servida sobre la mesa que tienen al frente. En el centro de obra hay una mujer vestida con un sobrero, un abrigo blanco aparentemente deshilachado, y una falda larga color café oscuro. Su rostro presenta una mirada perdida apuntando hacia el suelo, y una boca cerrada sin expresión. A su lado se encuentra un hombre vestido de negro, con un pañuelo blanco en el cuello, fumando una pipa cortada por el encuadre y con la mirada dirigida a algún punto afuera del cuadro.

Por un lado, la disposición de los personajes da la impresión de que, a pesar de que están juntos en el café, cada uno se encuentra inmerso en su propio mundo, proyectando una sensación de soledad y melancolía. El rostro de la mujer genera una sensación de vacío y desolación. El hecho de que la figura del hombre esté parcialmente recortada y su mirada esté puesta hacia afuera del cuadro contribuye a la idea de que su mente está ausente del momento a pesar de que su cuerpo esté ahí.

La paleta de colores contribuye al tono melancólico de la obra, ya que el uso de colores crema pálidos y distintos matices de café proyectan ausencia de vida y un ambiente letárgico. Además, los trazos no definidos de la pintura se conjugan con el título de la obra para transmitir la percepción borrosa o nublada causada por la influencia del alcohol.

La obra se sitúa en el Cafe de la Nouvelle-Athenes en París, donde Degas, Manet, Pissarro, Cezanne y otros impresionistas frecuentaban (L’Absinthe by Edgar Degas, n.d.). A pesar de participar en 7 de 8 exhibiciones impresionistas en Paris, la obra de Degas contrasta con la norma de este movimiento al no centrarse en paisajes. Se encontraba particularmente interesado en ilustrar la vida de mujeres de clase trabajadora. Esta obra refleja el aislamiento y la desolación característica de algunos sectores de la clase media europea a finales del siglo XIX.

Referencias:

L’Absinthe by Edgar Degas. (n.d.). Retrieved November 11, 2022, from https://www.impressionists.org/labsinthe.jsp

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Semana 13 - Realismo: Iván el Terrible y su hijo el 16 de Noviembre de 1581, ília Repin

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Semana 13 - Realismo: Iván el Terrible y su hijo el 16 de Noviembre de 1581, ília Repin

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Ficha Técnica:

Nombre: Iván el Terrible y su hijo el 16 de noviembre de 1581

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Ília Repin

Fecha: 1885

Dimensiones: 199.5 cm x 254 cm

Lugar: Tretyakov Gallery, Moscú

Referencia: Ivan the Terrible and his Son by Ilya Repin. (n.d.). Retrieved November 11, 2022, from https://www.thehistoryofart.org/ilya-repin/ivan-the-terrible-and-his-son/

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Semana 14 - Vanguardias del Siglo XX (Cubismo): La mujer que llora, Pablo Picasso

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Semana 14 - Vanguardias del Siglo XX (Cubismo): La mujer que llora, Pablo Picasso

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Ficha Técnica:

Nombre: La mujer que llora

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Pablo Picasso

Fecha: 1937

Dimensiones: 61 cm x 50 cm

Lugar: Galería Tate Modern, Londres

Referencia: "The Weeping Woman, 1937 by Pablo Picasso". www.pablopicasso.org. Retrieved 2022-04-20

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La obra “La mujer que llora” es una pintura de óleo sobre lienzo creada por Pablo Picasso en el año 1937. En ella se muestra el rostro de una mujer con el ceño fruncido, llevando sus manos con un pañuelo hacia su boca levemente abierta y rígida, mientras que lágrimas brotan de sus ojos. Un elemento que destaca de esta obra es su composición a partir de figuras geométricas como líneas rectas, ángulos abruptos, círculos y cuadriláteros. Los ojos de la mujer son óvalos con bordes definidos y pupilas en forma de estrella, y su nariz termina en un ángulo casi recto, con fosas nasales representadas por cuadriláteros irregulares. Por un lado, esta composición geométrica hace que, a pesar de que se pueda reconocer un rostro, no se distingan rasgos propios de una persona en particular, por lo que se puede abstraer su identidad. Por otro lado, la disposición de las figuras geométricas hace que no se pueda identificar una perspectiva única, pues los ojos son propios de un perfil frontal mientras que la nariz de un perfil lateral.

Otro elemento que destaca de la obra es la distribución de sus colores. La mayoría de la obra tiene colores vivos como el amarillo, rojo y verde, que contrastan con la tonalidad natural de la piel, mientras que la zona de la nariz y la boca, ubicada debajo de las lágrimas, maneja una paleta tonos azules y blanco. El color azul se asocia a emociones como la tristeza, y el blanco genera la impresión de que el rostro se ha tornado hueso. En conjunto, el uso de estos colores refleja que las lágrimas cubren el rostro de una tristeza que carcome la piel y llega tan profundo como los huesos.

Las figuras geométricas, la perspectiva múltiple y los colores contrastantes son características del estilo cubista de la obra tardía de Picasso, donde aborda temas como la tristeza y el dolor, propios del contexto histórico de la guerra civil española. Esta obra se relaciona con trabajos anteriores como el Guernica, inspirado en los bombardeos de la villa vasca, y el uso de la paleta de colores es una herencia de su “periodo azul”, marcada por eventos trágicos como el suicidio de un amigo cercano. Esta obra refleja la tristeza y el dolor producto de la guerra, y los elementos cubistas contribuyen a generalizar este dolor a cualquier persona y no a una mujer en particular.

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Semana 15 - Arte Contemporáneo: My Bed, Tracey Emin

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Semana 15 - Arte Contemporáneo: My Bed, Tracey Emin

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Ficha Técnica:

Nombre: My Bed

Medio: Arte Encontrado

Artista: Tracey Emin

Fecha: 1998

Referencia: "My Bed, 1998 by Tracy Amin". https://www.tate.org.uk/art/artworks/emin-my-bed-l03662. Retrieved 2022-11-25

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My Bed es una obra elaborada por Tracey Emin en 1998. Esta obra está compuesta por una cama sucia y destendida, junto con múltiples objetos regados en el suelo o sobre la mesa de noche ubicada a uno de sus costados. Sobre la cama se encuentran sábanas y cobijas blancas arrumadas a un costado con manchas pálidas de líquido, entre las cuales hay ropa interior femenina manchada por la menstruación. Al costado de la cama, sobre el suelo, se encuentran botellas vacías de vodka, cajas de cigarrillos, condones, pruebas de embarazo, corchos, medicamentos, curas, periódicos, pantuflas, un cinturón, una máquina de afeitar y un peluche, entre varios otros objetos regados difíciles de distinguir a simple vista. Junto a la mesa de noche hay una pila de pañuelos desechables usados, y sobre ella hay un cenicero lleno de colillas, fotos polaroid, un lubricante, unas tijeras, un labial, una vela, baterías y más condones.

Por un lado, esta obra transmite la sensación de abandono y dejadez asociada a episodios depresivos, reflejada en una falta de aseo por carencia de energía o sentido. Las botellas vacías, las colillas de cigarrillo y los condones usados son un registro de los vicios a los que se acude para tapar el vacío o dolor. La pila de pañuelos usados es una evidencia de un llanto pasado, y la pila de fotos evoca melancolía. La mezcla de objetos asociables a vicios o tristeza con objetos comunes es sugestiva con respecto a cómo la depresión se inmiscuye en la vida cotidiana. Sin embargo, hay un hecho evidente de toda la composición, y este es que la cama está vacía. No hay una persona en la cama. Las cobijas arrumadas a un lado son evidencia de que quién se postraba ahí, acumulando el desorden y regando licor sobre las sábanas, decidió levantarse, y que el episodio que dio origen a la composición tuvo un fin.

Esta obra es el resultado de un episodio depresivo en el que Emin estuvo 4 días en cama, sin consumir nada más que alcohol y cigarrillos. Dicho episodio fue el resultado de una ruptura amorosa, después de la cual, a pesar de ser activa sexualmente, se encontraba profundamente triste. Emin dice que cuando finalmente se levantó, fue por agua, y contempló la escena, vio arte en ella. Esta obra ilustra a través de la construcción de un espacio relacionable para muchos cómo se vive y se lidia con la tristeza en la sociedad contemporánea, sin dejar de transmitir implícitamente la idea de que dicha tristeza es finita.

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Daniel, entrando a calificar tu entrega de la semana 14 veo que adelantaste las entregas que no habías realizado desde la semana 9. Este me parece un buen ejercicio para la entrega final del curso, pero no significa que sea valido para el proceso que esperamos ver en ustedes. Es decir, estas entregas no son validas dado que las realizaste fuera de los plazos establecidos. Solamente se tendrá en cuenta la entrega de la semana 14. El resto de entregas ya tienen una falla. 

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Daniel, entrando a calificar tu entrega de la semana 14 veo que adelantaste las entregas que no habías realizado desde la semana 9. Este me parece un buen ejercicio para la entrega final del curso, pero no significa que sea valido para el proceso que esperamos ver en ustedes. Es decir, estas entregas no son validas dado que las realizaste fuera de los plazos establecidos. Solamente se tendrá en cuenta la entrega de la semana 14. El resto de entregas ya tienen una falla. 

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Daniel, no hay evidencia de tu entrega o análisis de la semana 9, 10, 11, 12 ni 13.

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Daniel, no hay evidencia de tu entrega o análisis de la semana 9, 10, 11, 12 ni 13.