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Escogí la identidad femenina como tema para mi investigación a lo largo de este curso, ya que, como mujer, me llama la atención estudiar cómo a partir de los distintos contextos y experiencias se llega a construir la "imagen perfecta" de lo que es la feminidad. De igual modo, quisiera analizar la evolución del cambio de imagen de este concepto a medida que se comienza a incluir a la mujer en la producción artística. Para finalizar, quisiera sorprenderme con la inclusión de la mujer en el arte como persona, y no como objeto de fertilidad o admiración; por lo que, también me llama la atención encontrar obras creadas por mujeres, que nazcan a partir del orgullo y apropiación del concepto de la "feminidad", de modo que se pierda la "mirada masculina" en el momento de representar esta identidad.

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Ficha técnica:

Título: Venus de Laussel
Artista: Desconocido
Cultura: Paleolítico
Fecha: 35.000-10.000 a.C.
Técnica: Bajorrelieve sobre piedra caliza
Dimensiones: 54 x 36 cm
Lugar: Museo de Aquitania (Bordeaux, Francia)

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La Venus de Laussel fue encontrada por Jean-Gaston Lalanne  en la comuna de Marquay, en Dordoña, ubicado en el suroeste de Francia en un lugar conocido como Laussel.

Esta obra es la figura de una mujer desnuda, quien sostiene sobre su mano derecha un cuerno de bisonte. Las principales características que se resaltan sobre el cuerpo de esta mujer, es la exageración de sus caderas, vientre y senos. En esta figura no se identifica un rostro claro, sin embargo, se podría decir que su mirada se enfoca en el cuerno de bisonte que sostiene, de modo que su cabello cae sobre su hombro izquierdo. De igual modo, se puede resaltar la ubicación de su mano izquierda, la cual reposa sobre su vientre; y la ausencia de sus pies en la figura. Finalmente, con respecto a la descripción de la imagen, cabe resaltar que esta fue tallada sobre piedra caliza y que presenta rastros de haber sido pigmentada con ocre rojo.

Con respecto a su temática, a partir del contexto y de manera similar a otras obras encontradas del paleolítico, se construyen interpretaciones que relacionan esta imagen con la fertilidad. El autor Waldemar Deonna, detalla el cuerno de bisonte, el cual parece tener 13 marcaciones de líneas a lo largo de todo el cuerno, lo cual se puede relacionar con los ciclos lunares (y paralelamente, al ciclo menstrual). De manera similar, la autora Licia Filingeri, propone el cuerno de bisonte como un signo de plenitud y abundancia, de modo la mujer que lo sostiene obtiene un título de Gran Madre o "suprema divinidad de la fertilidad". Por otro lado, si detallamos el gran vientre de la mujer, sus caderas, sus senos y la manera con la que posiciona su mano, se logra interpretar que muy posiblemente la mujer se encontraba en un embarazo avanzado.

Algo muy curioso de esta obra es que esta se encontraba ubicada en lo que se conoce como abrigo rocoso, lo que significa que se encontraba en un espacio abierto y público.

Para concluir con este análisis, de podría decir que esta obra resalta la fertilidad y sus frutos para la construcción de una sociedad, o en otras palabras, el vientre de la mujer como la fuente de la vida y la prosperidad. Personalmente, considero que esta imagen comunica mucha fuerza y poder, la cual me parece una bella representación de lo que era la "identidad femenina" en los principios de la historia de la humanidad.

Fuentes de apoyo:

- Carvajal, G. (2022, 27 julio). Venus de Laussel, el extraño relieve paleolítico que muestra a una mujer con un cuerno de bisonte. La Brújula Verde. https://www.labrujulaverde.com/2020/07/venus-de-laussel-el-extrano-relieve-paleolitico-que-muestra-a-una-mujer-con-un-cuerno-de-bisonte

- Prieto, L. (2013, 20 diciembre). Venus Laussel | La guía de Historia del Arte. La Guía. https://arte.laguia2000.com/escultura/venus-laussel

- Venus de Laussel | Le site officiel du musée d’Aquitaine. (2016). Musée d’aquitaine. https://www.musee-aquitaine-bordeaux.fr/es/venus-de-laussel

- M.I, Rodriguez (2005). EL ARTE DEL PALEOLÍTICO SUPERIOR (II). https://webs.ucm.es/centros/cont/descargas/documento10733.pdf

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Arte Egipcio: Detalle en mural de la tumba de Sennedjem (TT1)

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Arte Egipcio: Detalle en mural de la tumba de Sennedjem (TT1)

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Ficha técnica:

Título: Sennendjem y su esposa Linefreti sentados disfrutando del antiguo juego de mesa egipcio Senet
Artista: Desconocido
Cultura: Egipto dinastía XIX
Técnica: Pigmentos naturales sobre muro de piedra
Ubicación:  Tumbas tebanas de la orilla oeste de Lúxor, Egipto

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Esta obra se encuentra en la tumba de Sennedjem, y es tan sólo una pequeña muestra de todas la obras que componen esta gran tumba que se encuentra tan bien conservada. Se dice que Sennedjem pudo ser un funcionario y artesano profundamente apreciado por los faraones Seti I y Rameses II; esto se explica en el hecho de que, a pesar de que la estructura externa de las pirámides no sea muy llamativa o extravagante, las pinturas en los murales del interior de la tumba definitivamente lo son. Una característica a resaltar en los murales de esta tumba es la riqueza en los colores, ya que, esto refleja el alto rango de Sennedjem en su comunidad. La obra escogida, es una escena de la cotidianidad de Sennedjem: en esta se pueden apreciar a él y a su esposa, sentados cómodamente en sillas, ocupando casi que todo el espacio izquierdo de la obra, de modo que le da relevancia y presencia a esta pareja. Ambos visten túnicas blancas, y su esposa, Lineferti, parece estar tomando a su esposo del brazo. En esta escena, la pareja está jugando un antiguo juego egipcio llamado Senet, motivo por el que al frente de la pareja, se puede apreciar una mesa con múltiples fichas de colores; Sennedjem está moviendo una ficha con su brazo izquierdo, mientras en su mano derecha reposa otra de las fichas. Hacia el lado derecho, junto a la mesa de juego, se pueden observar múltiples elementos, los cuales resaltan a la vista por estar compuestos principalmente de rojo y azul. Finalmente, en la parte superior e inferior de la obra, hay múltilples jeroglíficos, los cuales eran característicos de todas las tumbas, generalmente contienen oraciones para la vida del personaje en el más allá.

Ahora bien ¿Cómo se refleja la identidad femenina en esta obra? Pese a que esta obra fue realizada para reconocer la vida de un hombre, es increíblemente llamativa la inclusión de su esposa en las obras que reflejan la vida de tan reconocido personaje. En Egipto se percibía a la mujer como aquella que complementaba perfectamente al hombre, por este motivo, se le daba alta relevancia en la sociedad. En esta obra se puede reflejar cómo la identidad femenina se basaba en ser aquella que siempre estuviese al lado de un hombre, siendo su fiel compañera y participante (no muy activa, pero presente) en la construcción de la sociedad. Se puede resaltar de esta obra como se refleja su imagen: se observa su largo cabello rizado, con un corte recto y un flequillo, lo cual considero que refleja la importancia del cabello en los comienzos de la vanidad en la identidad femenina; por otro lado su vestimenta, que a pesar de ser sencilla es elegante y delicada. De su ropa también considero importante resaltar el hecho de que cubre casi todo su cuerpo, permitiendo ver únicamente sus pies, antebrazo, cuello y rostro. De manera paralela, se podría decir que la belleza de esta mujer es sencilla y que el artista no buscó exagerarla, de modo que mantiene su imagen muy discreta; a diferencia de la prehistoria, en la que el cuerpo estaba expuesto al desnudo con partes como glúteos, pecho y zonas íntimas exageradas. Finalmente, para complementar el análisis con respecto a la identidad femenina, llama mucho la atención, la inclusión de accesorios como balacas y aretes en el retrato de esta mujer, ya que refleja esos comienzos en los que la mujer ya decoraba su cuerpo con múltiples accesorios.

Fuentes de apoyo:

Mark, J. J. (2022, 25 agosto). La mujer en el antiguo Egipto. Enciclopedia de la Historia del Mundo. https://www.worldhistory.org/trans/es/2-623/la-mujer-en-el-antiguo-egipto/

Play, A. (2022, 15 julio). El papel de la mujer en el Antiguo Egipto. academiaplay. https://academiaplay.es/el-papel-de-la-mujer-en-el-antiguo-egipto/

Tumba Sennnedjem | La guía de Historia del Arte. (2014, 3 junio). Laura Prieto Fernández. https://arte.laguia2000.com/pintura/tumba-sennnedjem

Y. (2020, 1 octubre). La Pintura en el Antiguo Egipto. Viajamos al pasado del arte. ARTEyALGO más. https://arteyalgomas.com/2020/10/01/la-pintura-en-el-antiguo-egipto-viajamos-al-pasado-del-arte/

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Ficha técnica:

Título: Venus de Milo
Artista: Alejandro de Antioquía
Cultura: Helenística griega
Fecha: 130-100 a.C
Técnica: Mármol tallado
Dimensiones: 211 cm de alto
Lugar: Museo de Louvre, París, Francia

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La Venus de Milo fue descubierta en 1820 en la isla de Milo, motivo por el que la obra recibe su nombre.

Esta escultura hecha a partir de mármol tallado, permite apreciar la figura semidesnuda de una mujer. Una particularidad de esta escultura es la ausencia de sus brazos, lo cual es común de ver en obras de este período artístico.

Con respecto a su significado, podría decirse que a diferencia de las obras anteriormente analizadas, esta obra no representa a la mujer como persona de la cotidianidad, sino por el contrario, las mujeres representadas durante este período artístico, se relacionan principalmente con deidades femeninas. Un dato verdaderamente llamativo sobre la representación del cuerpo y la imagen en este período, es el hecho de que al esculpir cuerpos masculinos, es muy común que estos se encuentren completamente desnudos, mientras que a los cuerpos femeninos, generalmente se les cubre con un manto o con sus mismas manos el pubis y, en algunos casos, parte su busto. El cubrir ciertas partes del cuerpo femenino, generalmente se relaciona con el pudor y la belleza femenina de la diosa Afrodita; y a pesar de que no se pueda apreciar el posicionamiento original de los brazos de la Venus de Milo, varios analistas llegan a la conclusión de que esta Venus es una representación de Afrodita.

Ahora bien, se tiene conocimiento de la relevancia cultural de esta diosa, pues es la mayor representante de la belleza femenina y el amor, sin embargo, llama la atención cómo la sencillez de la figura se complementa con la sensación de movimiento que da la escultura, de modo que se puede asumir el "estándar de belleza" de esta época como uno que basa su sensualidad en la sencillez.

En este orden de ideas, se podría decir que durante este período, la identidad femenina comienza a orientarse más hacia lo estético y su belleza, mas que representar, como lo veíamos inicialmente, un rol de ser reproductivo y vital para la sociedad. Diría que este período artístico realmente significó un cambio para lo que, de ahora en adelante, va a ser la representación de la mujer en el arte. De igual modo, considero llamativa la ausencia de obras que muestren a la mujer dentro de su cotidianidad, y me lleva a cuestionarme de qué manera pudo afectar esta falta de representación en las mujeres helenísticas. Podría decirse que en este período, la belleza era el tema principal en cuanto a representar la identidad femenina.

Fuentes de apoyo:

B. (2022, 2 abril). Venus de Milo. Las Esculturas. https://lasesculturas.com/escultura-griega/venus-de-milo/

D. (2021, 29 enero). ¿Qué Es Venus De Milo? - Su Definición Y Significado [2022]. Definición.xyz. https://definicion.xyz/venus-de-milo/

Imaginario, A. (2020, 16 diciembre). Venus de Milo: características y análisis de la escultura. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/escultura-venus-de-milo/

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Ficha técnica:

Título: Heracles y atenea
Artista: Andócides
Cultura: Griego Clásico
Fecha: 520 a.C.
Técnica: Cerámica de figuras rojas
Lugar: Museo de Munich Munich

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El jarrón de Heracles y Atenea hace referencia a una escena cotidiana de los personajes de la mitológica griega Heracles y Atenea. En esta podemos apreciar a Heracles recostado en un reposadero. Su posición es relajada, con una de sus manos reposada en su rodilla, mientras la otra sostiene una copa, la cual resalta por contrastar con el resto de la imagen. Heracles tiene una gran túnica que cubre todo su cuerpo, su aspecto es bastante rejuvenecido, tiene su barba y su cabello cortos y organizado. Debajo de este reposadero surge una vegetación sencilla que se extiende a lo largo de toda la escena. Al costado izquierdo de la escena, se encuentra la diosa Atenea, la cual se encuentra de pie junto a Heracles, con una de sus manos reposadas sobre una larga vara, y la otra extendida levemente, apuntando su palma hacia Heracles. Al igual que Heracles, se ve muy rejuvenecida y de idealizada belleza; sus brazos y pies esta descubiertos, mientras el resto de ella se encuentra cubierto con una larga túnica. Esta escena se concentra en la parte central del jarrón, de este llama la atención el contraste del jarrón negro y sus detalles rojizos. Las orejas del jarrón también tiene detalles, sin embargo, estas son principalmente rojas y es decorada con detalles geométricos en rojo.

Con respecto a lo que esto pudo significar en su contexto, generalmente en estos jarrones se representaba la cotidianidad de sus divinidades, sin embargo, estas tenían un doble sentido, ya que, al idealizarlas en su belleza e imagen, se recordaban a si mismos el poder de sus dioses. Con respecto a la representación de la identidad de la mujer, resulta bastante curiosa la representación de Atenea, ya que, esta en la mitología es bastante reconocida por su poder y belleza; con respecto a Hericles, se dice que fue ella quien le enseñó poderosas habilidades como despellejar a un león cos sus propias garras. Lo curioso, es que en los mitos escritos se resalta mucho el nombre de atenea, sin embargo, en esta obra se puede decir que ese poder que tanto identifica a esta diosa se ve opacado. En la obra resalta más la presencia de Hericles.

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Estas dos obras nos exponen dos representaciones muy distintas de la imagen femenina, y a pesar de que en ambas se resalte la belleza femenina, los contextos en los que esta se presentan son bastante distintos. Inicialmente, con respecto a la obra helenística, se podría decir que el objetivo de la obra no va mucho más allá de la simpleza en la belleza de la mujer y su cuerpo. De igual modo, se expone su cuerpo de manera natural, al desnudo y resaltando sus curvas y músculos. Son obras bastantes naturales que permiten apreciar la simple belleza del cuerpo de la mujer, sin necesariamente asignarle un rol o función en la sociedad más que simple admiración. Por otro lado, las mujeres que se ven retratadas en los jarrones clásicos, siempre eran dioses o relacionados a estos, tienen una imagen "más modesta", si es que se puede decir así, y sí se presentan en un contexto social.

En conclusión, se puede ver dos perspectivas casi que opuestas de la mujer, su belleza y lo que representa en un contexto. Sin embargo, algo importante a resaltar en común estas dos obras, es el hecho de que ambas son en algún sentido divinidades para la sociedad del momento.

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La obra “El dorado” de Eduardo Ramírez Villamizar, es un gran mural de madera, el cual está cubierto de laminillas de oro. De esta se puede resaltar de manera inicial su brillante color dorado el cual se distribuye uniformemente a lo largo de todo el mural. En este se ven talladas unas figuras sobresalientes, son onduladas y con terminaciones circulares, algunas se sobremontan sobre otras.

En esta obra se podría resaltar principalmente con el material con el que fue hecho este gran mural, el cual es El Oro. Este elemento es importante, ya que es inevitable conectarlo con las culturas precolombinas, sus tradiciones, y lo que El Oro significó durante la colonización. Podría decirse que es un material ligado a la historia de Colombia. En segundo plano, se puede resaltar la línea y forma de la obra, ya que esta, a pesar de implementar un material que se relacione inevitablemente con el arte precolombino, le da un aire de modernidad a la obra.

A partir de este análisis, se podría decir que esta obra busca conectar la historia precolombina con nuestra modernidad, de modo que la historia y la memoria se mantenga presente.

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Ramírez Villamizar: Estudio comparativo 

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Ramírez Villamizar: Estudio comparativo 

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Ficha técnica:

Nombre: 2 Caracoles
Autor: Eduardo Ramírez Villamizar
Técnica: Metal pintado
Año: 1960

Esta obra es una escultura compuesta de dos estructuras hechas en metal pintado de blanco, el cual está moldeado con terminaciones curvas y suaves. En los costados de la figura, se puede apreciar de manera sobresaliente un espiral; una de estas tiene este espiral de manera más sobresaliente. A partir del conocimiento sobre el artista, el cual se conoce que tenía una fuerte pasión e interés por los caracoles y sus caparazones. Este hobbie se ve reflejado en esta obra, ya que a pesar de no ser explícitamente la concha de un caracol, se puede relacionar fácilmente con la fluída estructura y modulaciones del caparazón de un caracol.

Con esta obra, se podría llegar a la conclusión, de que el artista realmente sentía una profunda afección por los caracoles y sus misteriosos espirales. Resulta interesante como implementa este concepto tan bello de la naturaleza, con un material tan pesado, para profundizar en esta curiosidad, se podría decir que los caracoles al representar un material tan ligero y delicado, sería común verlo representado en medios que de igual modo transmitan esta sensación, sin embargo, el artista utiliza el metal (un material pesado) de manera tan elocuente y delicada, que igualmente logra generar esta sensación.

Por otro lado, también se puede resaltar el hecho de que en esta obra se refleja un aspecto personal de él, sus gustos e intereses, ya que, igualmente relfeja sus intereses por el arte abstracto al representar el caracol de una manera diferente. Se podría decir incluso, que le da un toque más personal al no adherirse de manera tan enmarcada en corrientes como la abstracción.

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Ficha técnica:

Nombre: Relieve blanco torres
Autor: Eduardo Ramírez Villamizar
Técnica: Madera pintada
Año: 1971

Esta obra presenta una sobresaliente estructura de lineas cuyas terminaciones resultan intrínsecas entre sí. Esta obra está hecha de madera tallada y pintada de blanco; además esta sobresale del centro de una tabla blanca cuadrada, de modos que la obra es verdaderamente agradable a la vista por lo armoniosa que resulta. Adicionalmente, en esta obra el espectador puede jugar con la perspectiva de la estructura, la sombra que esta produce, y cómo cambia como ose ve a pesar de mantener su misma figura.

Con respecto a esta obra, se puede decir que al autor le interesaba jugar con la perspectiva, ya que esta y varias de sus obras estaban realizadas con estas intenciones. Adicionalmente, considerando que el autor expresaba sus intereses por el arte abstracto y por las corrientes europeas, se podría decir que este deseo de mentalidad abierta y de querer salir de sus delimitaciones, se ve claramente expresado en este tipo de obras en las que el espectador esta obligado a mirar su obra desde múltiples perspectivas.

Por otro lado, también se puede resaltar de esta obra lo organizada que es, de modo que, además de buscar el multiperspectivismo, busca de algún modo congeniar con su espectador.

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El motivo por el que estas dos obras resultan tan llamativas, es por el hecho de que a pesar de que se diferencian considerablemente una de la otra, ambas llegan a comunicar de manera eficaz y amigable con el espectador, lo que era relevante para el artista. La fluidez, orden, composición y sobriedad de sus composiciones, resultan verdaderamente agradable para los espectadores y podría decirse que es una manera sencilla y simple de que ell artista comunique sus intereses.

Inicialmente, la diferencia que más se puede resaltar de estas dos obras son el medio con el que son hechas, ya que, la diferencia de los materiales también se traduce en la diferencia de lo que comunican. Por un lado los caracoles de metal transmiten fluidez y delicadeza, mientras que la madera de las torres comunican rigidez y estabilidad. Esta comunicación a partir de los materiales permite que el artista comunique con riqueza y acertividad, realmente resulta fascinante cómo el artista explora distintos materiales para explorar distintas sensaciones.

Por otro lado, es evidente que ambas obras tienen en común su plano color, el cual es únicamente blanco. Este uso del color si bien podría ser simplemente una preferencia y gusto especial por este, o podría ser una manera de reflejar elegancia y la belleza de la sencillez Al usar un sólo color, permite que el espectador se concentre más en la forma del objeto en si.

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Mujer en la Edad Media: la Virgen y el Niño

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Mujer en la Edad Media: la Virgen y el Niño

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Ficha técnica:

Título: la Virgen y el Niño
Artista: Anónimo
Técnica: Témpera sobre papel de Álamo
Dimensiones: 124.8 x 70.8 cm
Fecha: Finales del siglo XIII
Cultura: Bizantina
Lugar: Galería Nacional de arte de Washington

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Esta obra, como muchas otras de ésta época, representa a la Virgen María con el niño Jesús en sus brazos. La obra presenta una de las iconografías más duraderas de la Iglesia Cristiana Ortodoxa, motivo por el que los dos personajes resultan fácilmente identificables. En la imagen se puede apreciar como elemento central a la Virgen María vestida con una túnica azul, la cual cubre todo su cuerpo, permitiendo ver únicamente sus manos, cuello y rostro. La Virgen está sentada sobre una silla que asemeja un trono, y a pesar de que no se puedan ver sus pies, es evidente que estos reposan sobre un reposador de pies. El gesto de la virgen es neutro, no tiene una expresión muy marcada, inclina levemente su cabeza hacia el niño Jesús en sus brazos mientras su mirada se dirige hacia el espectador. Sobre la cabeza de la virgen, hacia su izquierda y derecha, se pueden apreciar dos ángeles que dirigen sus miradas hacia ella. Con respecto a Jesús, tiene puesta una túnica roja que resalta y contrasta con respecto a la de su madre. Curiosamente, podemos ver los pies del niño Jesús y sus manos, las cuales llaman la atención por mantener en la izquierda lo que parece ser un papel enrollado y su mano derecha posicionada como la "mano del predicador". En esta imagen, Jesús dirige sus ojos y su mirada hacia su madre. Ambos personajes tienen un aureola al rededor de sus cabezas, sin embargo, la de Jesús tiene una cruz griega.

Teniendo clara la composición de la obra, podemos analizar de manera más profunda su significado y su conexión con la temática de la identidad de la mujer. Si bien Jesús es un elemento importante a analizar en esta obra por las simbologías que este presenta y la relevancia de estas para el cristianismo, podría decirse que esta obra se centra más María como representación materna y pura. En este período, con la popularización del cristianismo, la imagen de la mujer tuvo una considerable transformación. Si bien en la historia más antigua, se resalta la mujer como ser reproductivo y de fertilidad, diría que en esta representación también, sin embargo, se hace de una manera muy distinta. En esta representación de la virgen, se resalta su pulcritud y pureza, y de algún modo se llega a admirar. Por otro lado, puede resaltarse la ausencia de un marido o de un hombre dominante en su vida, sin embargo, en este caso podemos ver la presencia de su hijo, Jesús. Se podría decir que en definitiva hubo una transformación de la identidad femenina como persona maternal, vista desde una perspectiva distinta y definitiva. Podría decirse que se mantiene a lo largo de la historia el posicionamiento de su rol en la sociedad a partir de su función como servidora.

Bibliografía:

Enthroned Madonna and Child. (s. f.). Recuperado 17 de septiembre de 2022, de https://www.nga.gov/collection/art-object-page.37004.html#overview

Online, T. B. (2021, 5 febrero). Símbolos Cristianos y su Significado - Biblia Católica. Recuperado 17 de septiembre de 2022, de https://www.tubibliaonline.com/simbolos-cristianos-y-su-significado/

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Ficha Técnica:
Título: Santa María Maior de Lisboa
Artista: Desconocido
Cultura: Románico
Año: 1147
Ubicación: Lisboa, Portugal

Santa María Maior de Lisboa, más conocida como La Catedral de Lisboa, fue construida entre el año 1147 bajo órdenes del cruzado inglés Gilbert de Hastings quien en ese momento fue nombrado como obispo. Esta catedral es la más antigua de Lisboa.

Para comenzar, se puede describir visualmente la fachada de esta construcción como una en forma de fortaleza, por lo que se resaltan su gran dimensión tan imponente, la cual se puede observar desde la entrada. De manera centrada se puede apreciar su entrada en forma de arco, este gran arco se encuentra en el bloque rectangular central, en el cual en la parte superior se observa un círculo alineado con el arco; hacia los dos lados de la estructura central, hay dos grandes columnas rectangulares, las cuales hacia su copa revelan dos grandes campanas y unas terminaciones en forma de punta que se dirigen hacia el cielo. Esta catedral fue construida con forma de cruz latina, por lo que se puede decir que esta se divide en un gran pasillo central que hacia la profundidad de la estructura, se encuentran tres grandes naves. Para finalizar con la descripción exterior, cabe resaltar sus ladrillos que son de una tonalidad muy pálida, y a pesar de esa palidez, se puede resaltar sus marcadas lineas rectas de la fachada principal que armonizan con sus detalles de terminaciones en arcos. Con respecto al interior, al igual que su exterior, se sigue percibiendo la monumentalidad de la estructura pos sus altos techos que se logran gracias a sus abundantes y gruesas columnas unidas por vigas en formas de arco. Estas columnas resaltan por sus decoraciones románicas. Hacia el final del pasillo central, en medio de la división de las 3 naves, se puede apreciar en lo más alto de la estructura, una gran cúpula con decoraciones simples. Finalmente, en lo más alto de la edificación, hay múltiples ventanas pero de pequeño tamaño que juegan un rol importante en cuanto a la iluminación de la catedral.

Ahora bien, con respecto a lo que esta estructura representa, se puede resaltar no sólo sus características exteriores de monumentalidad y estabilidad, sino también el contexto de las cruzadas en el que se construyó, ya que la iglesia estaba extendiendo y luchando  por su poder. En este orden de ideas, se puede decir que esta estructura, además de ser intencionada con ser un espacio de culto de la religión católica, también se resalta por ser ese espacio que protegería a sus seguidores y sus objetos sagrados de cualquier ataque que se pudiese dar; paralelamente, evidencia esa intención de la iglesia católica durante las cruzadas de reflejar dominio y fortaleza en donde se instalara. Podría decirse que el espacio refleja esa dualidad que existe de la imagen de Dios, la cual es grande fuerte y poderosa, mientras la imagen de su hijo Jesús refleja la humildad, esta dualidad se extrae a partir de la monumentalidad de la estructura que a pesar de esto, no presenta decoraciones muy extravagantes o colores muy llamativos.

Bibliografía de apoyo:

ARQUITECTURA DE LA SE CATEDRAL DE LISBOA, PORTUGAL. (s. f.). Recuperado 10 de octubre de 2022, de http://www.viajeuniversal.com/portugal/lisboa/catedral/arquitecturacatedrallisboa.htm

Catedral De Lisboa - Una Mezcla De Estilos Que Alimentan El Espíritu. (2021, 7 septiembre). Recuperado 10 de octubre de 2022, de https://javitour.com/catedral-de-lisboa/

tok.wiki. (s. f.). Catedral de Lisboa HistoriayArte y arquitectura. Recuperado 10 de octubre de 2022, de https://hmong.es/wiki/Lisbon_Cathedral

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Ficha técnica:

Título: Cathédrale de l'Assomption de Notre-Dame
Artista: Desconocido
Cultura: Gótico clásico
Año: 1194-1220
Ubicación: Chartres, Francia

Esta catedral está construida en forma de cruz latina y con una gran entrada en forma de arco acompañada de dos columnas a sus lados. Esta estructura es monumental, y resalta por sus dos torres con terminación en punta (también conocidas como agujas). Esta estructura es muy compleja, pues su paredes externas tiene muchísimos detalles, con múltiples ventanas, arcos y columnas.  Es una estructura muy amplia cuyo techo apunta siempre hacia el cielo. Por otro lado, su estructura interna es igualmente muy amplia, con techos altos, paredes y columnas con tallados complejos que exponen figuras de ángeles, santos y demás personajes bíblicos, también tiene múltiples arcos y líneas muy finas. De esta estructura se puede resaltar las amplias ventanas con coloridos vitrales los cuales reflejan visos de colores con la luz del día.

Las catedrales durante el período gótico tuvieron un tipo de transformación en cuanto a lo que su arquitectura quiere representar. El elemento que diría que es más evidente son los vitrales, los cuales partiendo de creencias orientales, manifiestan ese interés en reflejar la presencia de Dios por medio de los rayos de luz que entran al espacio. En este orden de ideas se podría decir que en este período gótico se buscó incluir esa manera alterna, y de algún modo reafirmante para los creyentes, de manifestar la presencia de Dios en el espacio. De igual modo, cabe resaltar las bóvedas en crucería, el cual a pesar de ser principalmente planeado para ayudar a distribuir el peso de la estructura, este también ayudó a darle más elegancia y sutileza a las columnas de la iglesia, de modo que reflejan cierta ligereza y harmonía.

Fuentes de apoyo:

Catedral de Chartres. (2021, 9 abril). Recuperado 10 de octubre de 2022, de https://www.arkiplus.com/catedral-de-chartres/

Catedral de Chartres. (s. f.). Recuperado 10 de octubre de 2022, de https://megaconstrucciones.net/?construccion=catedral-chartres

Colaboradores de Wikipedia. (2022, 12 agosto). Catedral de Chartres. Recuperado 10 de octubre de 2022, de https://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Chartres

Imaginario, A. (2019, 15 marzo). Arte gótico: características y principales obras. Recuperado 10 de octubre de 2022, de https://www.culturagenial.com/es/arte-gotico-obras-caracteristicas/

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Para comenzar este texto comparativo quisiera resaltar principalmente las diferencias en cuanto al exterior de la estructura, pues esta variación genera un cambio sensacional en cada espacio de una manera completamente única y diferente. Por un lado, la Cátedra de Lisboa, genera un mensaje de imponencia levemente agresiva, pues su estructura es mas brusca y maciza; mientras por el otro lado, la catedral de Chartres, si bien es igualmente imponente, refleja más elegancia. Con respecto a su estructura exterior, ambas catedrales tienen en común su distribución en forma de cruz latina y se puede decir que ambas resultan bastante frías.

Por otro lado, con respecto a su interior, el elemento que más lo diferencia es la iluminación, la cual en la Catedral de Lisboa se caracteriza por permitir el ingreso de rayos naturales del sol, mientras que la Catedral de Chartres se caracteriza por transformar la luz por medio de sus vitrales para que el interior de la catedral se ilumine con visos coloridos. Esta característica es realmente llamativa, pues es una de las máximas manifestaciones de cómo las fusiones de distintas culturas y sucesos históricos generan cambios en la arquitectura y las manifestaciones artísticas de la divinidad. La transformación de cómo la luz refleja la presencia de Dios es realmente llamativa, y podría decirse que el color que comenzó a manifestarse en el arte gótico le agrega cierta misticidad al espacio.

Finalmente, un elemento que también se puede resaltar de la arquitectura de estas dos catedrales, son las columnas en su interior. De manera similar a lo que estas reflejan su exterior, las columnas de la catedral de Lisboa son gruesas y de algún modo bruscas; igualmente las culminaciones de estas en el techo exponen arcos que se conectan de manera simple. Por otro lado, las columnas de la Catedral de Chartres, tiene columnas más delgadas que culminan en arcos que se entrelazan entre sí. A pesar de que este elemento es con fines principalmente arquitectónicos, generan una fuerte transformación en la estética del espacio y la percepción que este genera.

Diría que estas tres características principales en conjunto, generan que las catedrales del período gótico reflejen mayor misticidad, ligereza y sensación de espacio espiritual y religioso, ya que las construidas durante el período románico de algún modo reflejan sus temáticas religiosas a la guerra.

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Ficha técnica:

Título: La anunciación
Artista: Jan van Eyck
Cultura: Renacimiento nórdico
Técnica: Óleo transferido de tabla a lienzo
Año: 1434
Ubicación: Galería Nacional de Arte Washington D.C

Esta obra representa el momento en el que el arcángel Gabriel le anuncia a la Virgen María que dará a luz al hijo de Dios, Jesús. Esta escena en la religión católica se conoce como la anunciación y es uno de los sucesos más importantes en la historia de la virgen María. Para comenzar con la descripción de esta obra, cabe resaltar sus llamativos colores y la abundancia de elementos y detalles en la obra. En la pintura, se pueden apreciar dos personajes, a la izquierda el arcángel Gabriel, y a la derecha a la Virgen María. A pesar de que las narraciones bíblicas sitúan la anunciación en la habitación de la Virgen María, en la obra podemos encontrar a estos dos personajes en un templo amplio y riquísimo en detalles como las ilustraciones en el tapete, el atrid, las columnas, los arcos, el vitral en la parte superior de la composición acompañada de ilustraciones bíblicas. El arcángel Gabriel, aparece con extravagantes ropajes rojos y dorados, con bordados de flores, una corona adornada con piedras preciosas y una vara de cruz; en este caso, logramos asumir que este es un ángel por sus coloridas alas y por sus gestos agraciados. Por otro lado, al costado derecho, se puede apreciar a la virgen maría vestida de ropajes azules con bordes dorados muy sencillos; su gesto es simple y sus manos están abiertas en forma de representar el recibimiento de la noticia. Finalmente, un elemento a resaltar de esta obra es la narrativa, la cual no se basa únicamente de la escena puesta en imagen, sino también de las palabras que el artista se encarga de representar sutilmente con pintura dorada, siendo estas "ave gra. piena" (Ave María. gracia plena) dichas por el Arcángel Gabriel; y "Ecce ancilla domini" (He aquí la sierva del Señor) dichas por la virgen María. Esta nueva narrativa podría decirse que es uno de los elementos más revolucionarios vistos en el movimiento del renacimiento. Finalmente, es sustancial resaltar los siete rayos de luz acompañados de una paloma blanca (el espíritu santo) que se dirigen hacia la Virgen María.

Ahora bien, con respecto a la temática de la representación de la "identidad femenina" vemos nuevamente la representación de la mujer como ser de fertilidad y reproducción, sin embargo, con la representación de la virgen María comienza a haber una transformación histórica en cuanto a la representación de la mujer como sujeto de fertilidad, en la que ahora vemos a una mujer como ser de gracia y pureza. Se puede evidenciar el contraste que el artista hace tan evidente entre el Arcángel y la Virgen María por medio de los colores (Rojo y azul) y la extravagancia/ sencillez de los ropajes. A pesar de que podría decirse que en efecto, al comparar ambos personajes, la virgen aparenta ser muy sencilla, podría decirse que en ella hay una dualidad, ya que el rico color azul, además de ser costoso, en este período se relacionaba con la realeza y personajes de poder.

Por otro lado, un elemento igualmente llamativo, es cómo el artista en esta obra no ilustra la santidad como se estaba representando en tendencias pasadas, la cual era con una aureola, sino que lo hace de manera más sutil y es con unos delgados rayos de luz y una pequeña paloma blanca (Espíritu Santo) dirigiéndose a ella. Este tipo de simbología podría decir que aporta a que la obra sea más realista, y de manera paralela a que los creyentes/espectadores de esta obra, se sintiesen más conectados con esta escena; o de manera más específica, a la gracia recibida por la virgen María.

Finalmente, con respecto a la representación de la Virgen María, resulta bastante llamativo cómo por medio de los gestos resulta tan sencillo identificar y percibir, no sólo la gracia del personaje, sino también su actitud de sumisión y aceptación del mensaje del Arcángel.

Fuentes de Apoyo:

Anunciación | artehistoria.com. (s. f.). Recuperado 13 de octubre de 2022, de https://www.artehistoria.com/es/obra/anunciaci%C3%B3n-28

Colaboradores de Wikipedia. (2021, 24 abril). Anunciación (Van Eyck, Washington). Recuperado 13 de octubre de 2022, de https://es.wikipedia.org/wiki/Anunciaci%C3%B3n_(Van_Eyck,_Washington)

tok.wiki. (s. f.). Anunciación (van Eyck, Washington) El temployLas figuras. Recuperado 13 de octubre de 2022, de https://hmong.es/wiki/Annunciation_(van_Eyck,_Washington)

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Renacimiento en Italia: Madonna del Libro

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Renacimiento en Italia: Madonna del Libro

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Ficha Técnica:

Título: Madonna del Libro
Artista: Sandro Botticelli
Técnica: Pintura al temple sobre tabla
Cultura: Renacimiento Italiano
Año: 1480-1482
Ubicación: Museo Poldi Pezzoli, Milán, Italia

La obra Madonna del Libro representa a la Virgen María con el Niño Jesús en sus brazos. Esta escena es representada de manera muy sencilla, pues ambos personajes se encuentran leyendo en la esquina de una habitación junto a una ventana. En cuando a su composición, La Virgen y El Niño podrían considerarse como un sólo elemento central de la obra; también se pueden apreciar detalles como el libro, el texto del libro, el jarrón pando con flores, las repicas con libros y cajas y la vista simple desde la ventana de unos cuantos árboles y un cielo despejado. Esta obra es muy rica en elementos con carga simbólica, por ejemplo, el Niño Jesús, a pesar de reflejar la suavidad e inocencia del infante, en sus manos sostiene tres puntillas y de su brazo cuelga una corona de espinas haciendo referencia a su cruel destino. Hay un paralelismo entre ambos personajes, pues el posicionamiento de sus manos es idéntico. La mirada que el niño dirige hacia su madre, conecta a estos dos personajes. La virgen María viste una túnica azul con bordados dorados obre un vestido rojo. Finalmente, ambos personajes tienen una aureola con finas lineas.

La belleza de esta obra se haya en su sencillez, pues es este elemento el que permite percibir el honesto cariño y profunda conexión entre La Virgen María y el Niños Jesús. Haciendo énfasis en la virgen y cómo esta es representada, es evidente su sutileza y delicadeza, lo cual refleja la transformación que se estaba generando durante este período, en cuando a cómo se representa la maternidad. La gracia de la virgen se percibe en detalles tan sencillos como las finas líneas y puntos en la aureola de la Virgen , al igual que su cabello y el velo transparente que cuelga sobre su cabeza. La mirada neutra, con los ojos semi-cerrados y su gesto, también comunican su sabiduría y serenidad. Podría decirse, que en este período renacentista italiano, se presenta a la Virgen como la mejor representación de la madre, aquella mujer delicada y llena de gracia, lo cual se puede ver de manera muy evidente en esta obra.

Fuentes de apoyo:

colaboradores de Wikipedia. (2022, 22 enero). Virgen del libro (Botticelli). Recuperado 13 de octubre de 2022, de https://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_del_libro_(Botticelli)

Eri, K. & Perfil, V. T. M. (s. f.). Virgen del Libro (Botticelli). Recuperado 13 de octubre de 2022, de https://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2021/11/virgen-del-libro-botticelli.html

Madonna del libro | artehistoria.com. (s. f.). Recuperado 13 de octubre de 2022, de https://www.artehistoria.com/es/obra/madonna-del-libro

Virgen del libro | Arteayud. (s. f.). Recuperado 13 de octubre de 2022, de http://www.arteayud.es/reproducciones-al-oleo/virgen-del-libro/

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Las obras "La Anunciación" de Jan van Eyck y "Madonna del Libro" de Sandro Botticelli representan a la Virgen María. La primera obra ilustra la escena de la Anunciación del Arcángel Gabriel, el cual es un evento clave en la historia de María. Por otro lado, la obra de Botticelli representa una escena cotidiana de la vida de la Virgen María con su hijo Jesús.

Cabe resaltar de manera inicial, las distintas intenciones de cada una de las obras, pues considerando que la obra de van Eyck es parte de una composición con más obras de distintos eventos bíblicos, podría decirse que esta tiene una intención narrativa y que muy seguramente estuvo destinada a un espacio religioso en el que en compañía de las otras obras, permitía narrar una historia. Por otro lado, la obra de Botticelli, no busca más que simplemente representar la belleza y pureza que le inspiraba la relación madre/hijo de la virgen María y Jesús. Ambas obras logran una narrativa de eventos y emociones muy acertadas, de modo que es simple interpretar ambas obras en cuanto a la sensación que desean generar.

Por otro lado, un elemento que resulta verdaderamente llamativo es la manera en la que los dos artistas llegan a representar la santidad. En primer lugar, van Eyck representa la santidad de la virgen maría por medio de las iluminaciones que llegan a ella, por medio de sus gestos y delicadeza, incluso aunque no tenga una aureola que lo haga más evidente, resulta identificable la santidad de este personaje. En cambio, Botticelli representa la santidad de la virgen María por la delicada pero compleja aureola que ilumina a la Virgen en la obra; resultan verdaderamente asombrosos los detalles y como a pesar de que la aureola es un concepto de algo no cotidiano, el hacer que esta aureola se vea casi como un adorno, acerca muchísimo más al espectador con la obra. En este orden de ideas, se podría decir que a pesar de que ambos artistas lleguen a representar este elemento de maneras tan distintas, ambas llegan a comunicar la luminosidad de la gracia divina y de la santidad de manera cercana y fácilmente comprensible para el espectador.

De igual modo, llama la atención de ambas obras, que a pesar de que representan dos momentos muy distintos, ambas comunican la serenidad y sabiduría de la Virgen María de una manera muy similar. Por medio de sus gestos faciales, la mirada y la impresión del movimiento de sus manos se puede llegar a percibir la ligera energía de esta joven. Es muy curioso, como a pesar de que estas dos obras se desarrollaron en dos espacios diferentes, es verdaderamente sorprendente, como de alguna manera se llega a comunicar la misma energía del personaje.

Finalmente, con respecto a la complejidad de la obra, resulta verdaderamente brillante que los artistas incluyan tantos elementos simbólicos en la obra, de modo que se podría decir que tienen en común que al desarrollarse en este período, ambas llegan a comunicar una infinidad de narrativas y significados. Sin embargo, diría que la obra de van Eyck es en cierta medida más compleja que la obra de Botticelli, pues presenta una abundancia en cierta medida abrumadora de elementos y detalles. La obra de Botticelli a pesar de ser levemente más sencilla que la de van Eyck, esa misma sencillez llega a comunicar infinidad de sensaciones para el espectador.

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Arte renacentista del siglo XVI: Flora de Francesco Melzi

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Arte renacentista del siglo XVI: Flora de Francesco Melzi

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Ficha Técnica:

Título: Flora (La Columbina)
Artista: Francesco Melzi
Cultura: Renacimiento SXVI
Técnica: Óleo sobre tabla transferido a lienzo
Dimensiones: 76 cm × 63 cm
Año: 1520
Ubicación: Museo de Hermitage, San Petersburgo, Rusia

Descripción de la obra:

La obra Flora fue creada por el artista Francesco Melzi, quien se caracteriza por usar las obras y técnicas de Leonardo DaVinci como su mayor inspiración. En su creación Flora, podemos ver a una mujer que exterioriza delicadeza y naturalidad. La mujer de esta obra se encuentra sentada con una de sus manos reposadas sobre sus piernas y la otra sosteniendo delicadamente una flor de color azul; su vestimenta se compone de un holgado vestido blanco con bordados dorados y sobre ella una túnica de un llamativo color azul. La mujer tiene su cabello castaño claro recogido, uno de sus senos está expuesto y ella se encuentra en un tipo de gruta rodeada con distintas hiedras y plantas.

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La mujer que se encuentra retratada en esta obra es una representación de la diosa romana Flora, quien es la diosa de las flores y la primavera.

Personalmente, diría que uno de los elementos que más resalta en esta obra es la llamativa túnica azul que porta la diosa, ya que, como había mencionado en análisis anteriores, este color en su contexto se relacionaba con la realeza y con las personas de poder. En este orden de ideas, se podría decir que el artista utiliza este elemento para expresar de manera más explícita la posición de la diosa Flora. Por la misma línea, resulta igualmente muy llamativo el vestido de la mujer, pues contrasta con su túnica, y gracias a sus delicados bordados, se logra interpretar esa delicadez etérea de la diosa. A lo mencionado anteriormente, se complementa el hecho de cómo su vestido recae delicadamente, permitiendo ver uno de los senos de la diosa; diría que por la técnica del esfumatto permite que esta exposición resulte verdaderamente sutil y delicada. Finalmente quisiera destacar los gestos de la mujer, los cuales se pueden conectar inmediatamente con el estilo de retratar a las mujeres de DaVinci, siendo estos muy delicados y de algún modo, con un tipo de movimiento; esto se puede evidenciar en la acomodación de sus manos, su mirada y el detalle en su cabello.

Para concluir con este análisis visual, es importante reconocer el espacio en el que se encuentra la mujer, pues la abundancia de distintas plantas y flores, reafirman el rol de la mujer como diosa de las flores y la primavera. Diría que igualmente, el trazo tan delicado con el que Francesco Melzi pinta las flores, permite comunicar la suave, pura y sofisticada energía de la diosa Flora.

Para cerrar este análisis, diría que a pesar de que la obra es bastante sencilla, diría que es ese uno de los elementos que más permite recibir lo que el artista quería representar en esta obra, la cual diría que es la energía delicada y femenina que hay entre la mujer y la naturaleza; y como esta se fusiona de manera tan divina. Con respecto a lo que esto implica para la representación de la identidad femenina, es evidente que durante el renacimiento hubo una gran reafirmación en el rol de la mujer y su representación como aquello delicado y divino de lo que implica ser mujer.

Bibliografía de apoyo:

colaboradores de Wikipedia. (2020, 16 diciembre). Flora (Francesco Melzi). Recuperado 21 de octubre de 2022, de https://es.wikipedia.org/wiki/Flora_(Francesco_Melzi)

https://www.historiadelarte.us/author/Daniel/#author. (2017, 21 junio). Pintura italiana del siglo XVI. Recuperado 21 de octubre de 2022, de https://www.historiadelarte.us/renacimiento/pintura-italiana-del-siglo-xvi/

Smartify | Flora - Francesco Melzi. (s. f.). Recuperado 21 de octubre de 2022, de https://smartify.org/es/artworks/francesco-melzi-flora

tok.wiki. (s. f.). Flora (Francesco Melzi) ContenidoyAnálisis. Recuperado 21 de octubre de 2022, de https://hmong.es/wiki/Flora_(Francesco_Melzi)

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Arte Barroco: El arte de la pintura por Johannes Vermeer

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Arte Barroco: El arte de la pintura por Johannes Vermeer

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Ficha técnica:

Título: El arte de la pintura (De Schilderkunst)
Artista: Johannes Vermeer
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 120 cm × 100 cm
Cultura: Barroco
Año: 1666
Ubicación: Museo de historia del arte, Viena, Austria

Descripción de la obra:

Esta obra es una pintura al óleo sobre lienzo creada por el artista Johannes Vermeer en 1666. A primera vista, esta pintura parece no ser más que una simple representación de la cotidianidad de un artista, sin embargo, esta es una obra llena de elementos e iconografías populares en el barroco.

Superficialmente, se puede describir la obra como la representación de la didáctica entre el artista y una modelo en una pequeña habitación la cual se ilumina naturalmente gracias a una ventana. En el espacio de pueden apreciar varios elementos como una gran cortina de colores y diseños muy vivos, un candelabro dorado, un gran mapa de países bajos, y los elementos de la instalación del artista.

En sí la escena presentada es muy correspondiente a la corriente artística a la que pertenece el artista, que es la pintura de género popular en el tiempo barroco. También se puede resaltar en esta obra los tonos vivos, los elementos que complementan la composición y en especial la luz y cómo se distribuye en el espacio.

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Análisis de El arte de la pintura por Johannes Vermeer

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Análisis de El arte de la pintura por Johannes Vermeer

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Para comenzar con este análisis visual, me gustaría resaltar inicialmente los personajes que se pueden ver. En primer lugar, vemos al artista, el cual se cree que es el mismo Vermeer. Resulta verdaderamente curioso cómo en esta época del barroco, los artistas lograban de alguna manera incluir su autorretrato en la obra. En este caso, resulta llamativo como se incluye a sí mismo de espaldas mientras realiza su trabajo, el hecho de que se logre notar que en la escena está realizando los detalles de la cabeza de la modelo, permiten que la obra se sienta mucho más cotidiana, cercana, real y acogedora. Con respecto a lo que significa autorretratarse en su obra, a pesar de que no se puede apreciar su rostro, logra comunicar su identidad con elementos como su ropa. Durante el barroco, las vestimentas de las personas retratadas, solían comunicar bastante acerca de la persona y su estatus en la sociedad, por lo que en esta, evidentemente el artista quería comunicar su relevancia como artista, como trabajador de relevancia.

Con respecto a la modelo, se dice que ella es en realidad la representación de Clío, la musa de la historia griega y la poesía épica. Se puede llegara esta afirmación gracias a los elementos que la acompañan: su coronilla, el cuerno y el libro que sostiene. Estos tres elementos se relacionan con la divinidad, la belleza, la sabiduría y el conocimiento (En el barroco era común utilizar estos elementos, pues varios artistas de la época basaban sus iconografías en el libro escrito por Cesare Ripa en el siglo XVI). También cabe resaltar los brillantes tonos azules que la adornan, junto con la falda amarilla que se logra apreciar levemente, los cuales en conjunto, generan una poderosa presencia en la obra. Finalmente, con respecto a Clío, considero que un elemento importante a resaltar con respecto a la composición de la obra y lo que el artista desea comunicar, es la luz, pues el hecho de que la luz natural caiga directamente sobre ella, le da su toque de divinidad a la obra. Este elemento final es fácilmente identificable considerando que la luz natural es comúnmente relacionada con la divinidad.

Finalmente, con respecto a lo que esta obra refleja en cuanto a la "identidad femenina", diría que se puede evidenciar cómo en los distintos movimientos del arte, es común que se mantenga la imagen de la mujer como aquella representación de lo divino y lo puro. Es una idealización que se basa en la belleza y delicadeza de la mujer, y por esto mismo diría que explica el porqué la importancia de la mujer como "la musa" en el arte, pues es aquella "herramienta" a la que el artista recurre para comunicar lo divino.

Fuentes de apoyo:

El arte de la pintura - Johannes Vermeer. (s. f.). Recuperado 28 de octubre de 2022, de https://historia-arte.com/obras/el-arte-de-la-pintura

colaboradores de Wikipedia. (2022, 2 junio). El arte de la pintura. Recuperado 28 de octubre de 2022, de https://es.wikipedia.org/wiki/El_arte_de_la_pintura

Los grandes castillos - Galería de imágenes. (s. f.). Recuperado 28 de octubre de 2022, de https://www.artehistoria.com/es/obra/el-arte-de-la-pintura

Ventura, J. P. (2018, 11 junio). Historia de la Pintura (4): El Barroco. Recuperado 28 de octubre de 2022, de https://vaventura.com/cultura/arte/historia-de-la-pintura-4-el-barroco

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Arte Neoclásico: La muerte de Cleopatra de Jean-Baptiste Regnault

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Arte Neoclásico: La muerte de Cleopatra de Jean-Baptiste Regnault

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Ficha técnica:

Título: La muerte de Cleopatra
Artista: Jean-Baptiste Regnault
Técnica: Óleo sobre lienzo
Cultura: Neoclásico
Año: 1797
Ubicación: Kunstpalast, Düsselfort, Alemania

Fuente:
Regnault, J. (s. f.). Death of Cleopatra - Jean-Baptiste Regnault. Recuperado de https://artsandculture.google.com/asset/death-of-cleopatra-jean-baptiste-regnault/JAGApfjTnZDPyA

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Arte Romántico: La Pesadilla por Johann Heinrich Füssli

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Arte Romántico: La Pesadilla por Johann Heinrich Füssli

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Ficha Técnica:

Título: La pesadilla
Artista: Johann Heinrich Füssli
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 101 cm × 127 cm
Cultura: Romanticismo
Año: 1781
Ubicación: Detroit Institute of Arts, Detroit,  Estados Unidos

Fentes:
colaboradores de Wikipedia. La pesadilla. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/La_pesadilla

La pesadilla - Henry Fuseli. (s. f.). Recuperado de https://historia-arte.com/obras/la-pesadilla

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Obra 1 (Neoclásico): La muerte de Cleopatra, Jean-Baptiste Regnault (1797)

Obra 2 (Romanticismo): La pesadilla, Johann Heinrich Füssli (1781)

Para comenzar con la comparación de estas dos obras, cabe resaltar que ambas obras representan escenas dramáticas y incluso traumáticas de una mujer, siendo la primera la muerte de Cleopatra y la segunda la posesión demoniaca de una joven. El siguiente análisis comprenderá aspectos de composición como: la mujer como elemento central, lo que la rodea y el uso de colores y luz.

En primer lugar, la mujer como elemento central. Con respecto a La muerte de Cleopatra, se puede observar a este personaje pálido, reposando con la pesadez de su muerte, sin embargo, llama la atención cómo a pesar de ser una mujer fallecida, el artista se encarga de resaltar su belleza, su sensualidad y su poder. Lo anterior lo logra por medio de sus vestimentas descolgadas que expone sus senos, la delicada acomodación de sus manos y de sus pies cruzados, también con la gran tela roja de un tono tan brillante y llamativo, color que se relaciona con la grandeza, el poder y la sensualidad (características reconocidas del personaje de Cleopatra). Por otro lado, con respecto a la obra de La pesadilla, podemos apreciar a una joven mujer que desfallece de manera más dramática, pues esta se encuentra poseída y con profundo dolor, lo cual se expresa en su expresión de agonía, dolor, y su cuerpo arqueado e incómodo. La pesadilla, a diferencia de La muerte de Cleopatra, muestra a una joven desconocida cuya belleza o posicionamiento no busca idealizar o maximizar, pues lo que el artista busca es expresar su dolor permanente, más que lo que fue ella en su vida, y a pesar de que la simple tela permite ver las curvas de esta mujer y su cuerpo, no se desenfoca la temática principal que es el dolor. Para concluir estas ideas, se puede decir que la muerte de Cleopatra muestra su gracia, mientras la pesadilla muestra el tormento de una mujer, de modo que ciertos detalles específicos permiten interpretar distintas sensaciones y sentimientos. Diría finalmente, que La muerte de Cleopatra es una obra para simplemente presenciar y recordar, mientras la obra se La pesadilla busca que el espectador simpatice y sienta el dolor de esta joven.

Por otro lado, considero relevante hablar de lo que acompaña a cada mujer en su correspondiente obra. En primer lugar en La muerte de Cleopatra se puede apreciar a dos de sus acompañantes, las cuales expresan clara tristeza y desespero frente a la muerte de esta "grandiosa" mujer, diría que el artista utiliza a estas dos mujeres para verdaderamente comunicar un sentimiento, ya que, sin estas, sería difícil expresar esos fuertes sentimientos de los que quedamos tras la muerte de una persona. Desde otra perspectiva, con respecto a la obra de La Pesadilla, diría que lo que realmente expresa el sentimiento de la obra es la mujer y sus gestos, sin embargo, su alrededor tétrico, oscuro, solitario en humanidad pero poseído por el terror, comunica esta fuerte energía demoniaca. Estos dos contestes resultan verdaderamente llamativos, pues nos dan a conocer los distintos contextos de cada mujer y lo que están pasando.

Finalmente, con respecto a los colores y la iluminación, se puede decir que en ambas obras, estas técnicas permiten que el artista enfoque la atención del espectador hacia su personaje principal. En La muerte de Cleopatra la luz la resalta con gracia, al igual que a su acompañante; de igual modo, la fuerte tonalidad brillante de su tela roja nos permite ver a Cleopatra como el personaje principal de las tres mujeres que se encuentran presentes en la escena. Por otro lado, en la obra de La pesadilla, a pesar de que sin dudas la luz ilumina a la mujer, diría que lo que más la hace resaltar es su vestimenta de blanco tan puro que incluso da la sensación de iluminar. A pesar de que ambas obras presentan un fondo oscuro, la estrechez de la obra de La pesadilla, permite entender el encierro de la joven con su demonio.

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Realismo S.XIX: La pastora por William-Adolphe Bouguereau

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Realismo S.XIX: La pastora por William-Adolphe Bouguereau

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Ficha Técnica:

Título: Pastourelle (La Pastora)
Artista: William-Adolphe Bouguereau
Cultura: Realismo siglo XIX
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 158,75 cm × 93,35 cm
Año: 1889
Ubicación: Museo de arte Philbrook

Análisis Visual:

La pastora (o la pequeña pastora), es una obra realizada en 1889 por el artista William-Adolphe Bouguereau de origen francés. En esta pintura se puede apreciar en primer plano la figura de una pequeña pastora, quien posa para el artista con su cayado reposando sobre sus hombros. Esta joven porta vestimentas características de los campesinos, se puede detallar que esta está descalza, tiene su cabello suelto y de manera descomplicada. Esta joven tiene una belleza sencilla, característica de su juventud. A su alrededor se pueden apreciar follajes de plantas y hacia el fondo un amplio campo en el cual se encuentra un grupo de bueyes pastando.

Con respecto a las generalidades de la obra, acerca de la composición se puede decir que esta es balanceada, de modo que permite apreciar de manera central la descomplicada belleza de la pequeña pastora. Por otro lado, los colores son principalmente tierra y opacos.

Ahora bien, con respecto a lo que esta obra puede llegar a representar y considerando el contexto de finales del siglo XIX en el que se realizó, podríamos decir que esta obra representa de manera muy apropiada lo que el arte significó para la sociedad de éste período. Lo primero que resaltaría es el realismo en la presentación de esta joven, pues no parece estar idealizada lo cual permite a los espectadores admirar esa belleza natural y cotidiana. En esta misma corriente de ideas, podría decirse que también se puede evidenciar este slogan del arte realista de : "el arte para el pueblo", pues casi por primera vez en la historia del arte vemos la representación de aquellas personas de la sociedad campesina retratadas con la misma belleza con la que en tiempos pasados retratarían a los miembros de las altas sociedades. Con esta obra, podría decirse que es parte de esos comienzos en los que el pueblo finalmente puede tener acceso al arte y puede sentirse parte de lo que ve.

Finalmente, con respecto a cómo se puede ver reflejada la "identidad femenina" en esta obra, lo que más me gustaría resaltar en esta representación es la belleza de la naturalidad, pues como se mencionó anteriormente, en este período no se idealizaba la imagen. Considero que es verdaderamente revolucionario el representar a una campesina de una manera tan bella, en la que no se puede ver a una mujer delicada y casi intocable como lo habíamos visto en periodos pasados, sino como una mujer igualmente bella que puede realizar otro tipo de actividades como el trabajo en el campo.

Apoyo biblioigráfico:

Bouguereau, W. (s. f.). The Little Shepherdess - William-Adolphe Bouguereau. Recuperado de https://artsandculture.google.com/asset/the-little-shepherdess-william-adolphe-bouguereau/6AEDZE2vDSc4cA

Wikipedia contributors. (2020, 7 julio). The Shepherdess. Recuperado de https://en.wikipedia.org/wiki/The_Shepherdess

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Arte Impresionista: Niñas al piano de Pierre-August Renoir

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Arte Impresionista: Niñas al piano de Pierre-August Renoir

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Ficha técnica:

Título: Niñas al piano
Artista: Pierre-August Renoir
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 116 cm × 90 cm
Cultura: Impresionismo siglo XIX
Año: 1892
Ubicación: Musée d'Orsay, Paris

Bibliografía:

Renoir, A. (s. f.). Young Girls at the Piano - Auguste Renoir. Recuperado de https://artsandculture.google.com/asset/young-girls-at-the-piano/ZAGwT97hbG0-sg

Wikipedia contributors. (2022, 5 julio). Girls at the Piano. Recuperado de https://en.wikipedia.org/wiki/Girls_at_the_Piano

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Arte de vanguardia: ¿Cuándo te vas a casar? de Paul Gauguin 

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Arte de vanguardia: ¿Cuándo te vas a casar? de Paul Gauguin 

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Ficha Técnica:

Título: ¿Cuándo te vas a casar?
Artista: Paul Gauguin
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 101,5 cm × 77,5 cm
Cultura: Post-impresionismo
Año: 1892
Ubicación: Colección privada, Basilea, Suiza.

Análisis visual:
En esta obra se puede apreciar a dos mujeres, las cuales se dicen que son pertenecientes a la comunidad Tahití, ya que esta obra la produjo Gauguin en su estadía aquí. Estas dos se encuentran en dos planos distintos, y se podría decir que  la mujer del primer plano es más joven que la del segundo, por lo que, si lo conectamos con el título de la obra, podría significar que es ella la que se va a casar. Es una representación cotidiana de dos mujeres evidentemente en un amplio campo, el cual llama la atención porque es muy rico en colores. En este mismo fondo se pueden apreciar otras dos personas en lo lejano caminando sobre el césped.

Análisis iconológico:

Ahora bien, con respecto a lo que esta obra significa, se puede resaltar la interacción entre estas dos mujeres y lo llamativo que resulta la representación de esta tradición de matrimonio en comunidades ajenas a las que hemos visto a lo largo del curso que se centran principalmente en Europa, por ejemplo en esta se podría resaltar la representación de la juventud (mujer en primer plano que comunica sensualidad, invitación y esa iniciativa juvenil); mientras en segundo plano se puede apreciar a la mujer de más edad que en la obra (que bien podría representar ese acompañamiento de la sabiduría). En este orden de ideas, se podría decir que esta obra representa esas grandes representaciones principales de la mujer en la sociedad y la didáctica entre estos dos "roles". Finalmente diría que esta obra también representa cómo se ve a estos dos tipos de mujeres en la sociedad en la  que siempre quién llamará principalmente la razón as la juventud femenina, mientras la madurez de las señoras de edad más avanzada como guías de las jóvenes.

Referencias:

colaboradores de Wikipedia. (s. f.). ¿Cuándo te casas - Wikipedia, la enciclopedia libre. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/%C2%BFCu%C3%A1ndo_te_casas?

¿Cuándo te casas? | Arteayud. (s. f.). Recuperado de http://www.arteayud.es/reproducciones-al-oleo/cuando-te-casas/

Poggi, D. (2022, 17 febrero). Paul Gauguin ¿Cuándo te casas? (1892). Recuperado de https://www.3minutosdearte.com/cuadros-fundamentales/cuando-te-casas-1892-paul-gauguin/