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Esta es una obra del artista cubano Felix Gonzales-Torres. Se asocia con el arte relacional, este es un movimiento que se caracteriza por la interacción con los espectadores casi como protagonistas. La obra no existe sin el público, y el público no existe sin la obra. Se le otorga una mayor importancia a las relaciones que se establecen entre y con los sujetos a quienes se dirige la dinámica artística que a algún objeto artístico concreto.La obra consiste en una pila de caramelos en el piso, de 79 kilos exactamente, cada uno envuelto de forma individual. Esta es parte de una serie de obras que Gonzales-Torres llevó a cabo utilizando caramelos, variando sus colores, su peso y su forma de distribuirlos en el espacio. El peso tan exacto de la obra se debe a que 79 kilos era lo que pesaba su pareja Ross Laycock antes de morir por VIH. Esta obra es entonces, un retrato y homenaje, además de una forma de representar la pérdida. Esta es una obra que va en contra de la idea del arte como un bien inmaculado e intocable al cual hay que admirar de lejos; esta es una obra para todos. Invita al espectador a agarrar, guardar o comer los caramelos, a tomarlos y llevarlos. La obra se va desarmando y desapareciendo, así como también sucede en una pérdida. Representando entonces, cómo la enfermedad se fue llevando a Ross.  Pero esta obra no sólo representa una pérdida, sino también amor. El amor entre la persona padeciendo una enfermedad y la persona que apoya y sufre con ella. Los caramelos, un lenguaje universal y cotidiano de la dulzura. Es una de tantas obras del artista que son alegorías de la muerte, el luto, la homosexualidad, el amor y la ausencia pero, también, sobre una posibilidad de existir para siempre, ya que es obligación de quien posea la pieza, reponerla según indicaciones de Felix.Elegí esta obra por varias razones. Me interesa muchísimo la idea de una obra en la que la participación e interacción de la gente es esencial. Además el uso de un medio tan cotidiano, familiar y barato. El demostrar que el arte no tiene que ser una cuestión elitista, cara, inaccesible e inalcanzable. En palabras del artista - “un rechazo a hacer una forma estática, o una escultura monolítica, a favor de una forma que desaparece, cambiante, inestable y frágil.” Es una búsqueda que me resulta sumamente atractiva. Desautomatiza el pensamiento. En la era de lo instantáneo, rompe con lo habitual, con lo obvio. La conclusión y el concepto no está servida. La reflexión a la que nos invita la obra es profunda, a través de una sencillez y dulzura muy evidente. El artista Felix Gonzales-Torres falleció en 1996 por VIH a los 37 años, 5 años después que su pareja.

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Sin título (Retrato de Ross en LA) - Felix Gonzales Torres, 1991.

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Sin título (Retrato de Ross en LA) - Felix Gonzales Torres, 1991.

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Autora: Suzanne Belperron (Francia, 1900–1983)                    Obra: Pulsera de turmalinas, zafiros, esmeraldas, peridotos y berilos en oro de 18 quilates, ca. 1960.                                       Técnica: Joyería artesanal – metales y gemas preciosas.                                                                                                                 Luego de la segunda mitad del siglo XX, cuando el arte abandona las tradicionales disciplinas, la joyería, antes considerada un oficio decorativo de lujo, se transforma en una expresión artística. Una de las pioneras en atravesar este período fue Suzanne Belperron en Francia, donde ella abre el camino para que la joyería fuera reconocida como una forma de arte de autor, no solo de lujo. Belperron comenzó su carrera en los años 20 y 30, en pleno auge del Art Déco, estilo el cual se caracterizaba por líneas rectas, simetría y elegancia. En contraposición ante el estilo ella optó por formas curvas, asimétricas y orgánicas inspiradas en la naturaleza, el cuerpo y la fluidez, familiares a las piezas de René Lalique (en mi opinión) pero con el toque moderno de la época y de la propia joyera. Esta mujer creó piezas que no solo eran accesorios, sino verdaderas obras de arte con sus formas orgánicas, sus colores en cuanto a las gemas y los materiales nobles de excelencia que ella usaba. Mi elección de ejemplo es la pulsera de turmalinas, zafiros, esmeraldas, peridotos y berilos en oro de 18 quilates; Una pieza con engarces finos y una excelente distribución de las distintas variedades de gemas. Cada una de ellas tiene una función expresiva, no solo decorativa. Es un símbolo de la unión entre tradición artesanal y libertad creativa. La pulsera en cuestión, para ser más clara, pertenece al período moderno, en la transición entre el Art Déco y la joyería contemporánea. Aunque cronológicamente no es arte contemporáneo, su trabajo es una anticipación a las tendencias que hoy se relacionan con la neoartesania contemporánea y la revalorización del oficio; que valoran lo que está hecho a mano, el tiempo de creación, la exclusividad y la conexión entre arte y oficio. Sus diseños modernos y funcionalismos artísticos se vinculan con la búsqueda del equilibrio entre forma y función haciendo crítica a los objetos industrializados. En definitiva, la joyería de Belperron no solo adorna, dialoga con el cuerpo como soporte artístico. Adjunto su frase más célebre que resume su filosofía “Yo no firmo mis joyas, mi estilo es mi firma”. Suzanne Belperron, una artista que buscó la autenticidad y la autoría en su trabajo con su individualidad estética.

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La joyería como arte: la pulsera de Suzanne Belperron

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La joyería como arte: la pulsera de Suzanne Belperron

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Sobre los libros:“Orgullo y Prejuicio” es la segunda novela de la escritora británica Jane Austen (1775-1817). Esta fue publicada por primera vez el 28 de enero de 1813 en francés y las traducciones posteriores se publicaron en alemán, danés y sueco. Cabe aclarar que la edición encuadernada por Sol es la primera en Estados Unidos, publicada en agosto de 1832 como “Elizabeth Bennet” o “Pride and Prejudice”. La obra está ambientada en la Inglaterra rural de comienzos del siglo XIX y se centra en Elizabeth Bennet, una joven inteligente, de carácter fuerte e independiente, y en Fitzwilliam Darcy, un hombre rico y más bien reservado. A medida que vamos leyendo, descubrimos junto a los personajes principales el amor que se tienen el uno por el otro y el particular trabajo de aceptación que deberán ir haciendo para lograr entenderse y estar juntos (él sobre su propio orgullo y ella sobre sus prejuicios hacia él). Hoy en día ésta novela es reconocida mundialmente por poner en jaque el lugar que ocupaban las mujeres en esa época, ya que al no serles permitido el estudiar o trabajar fuera de la casa, el matrimonio era casi la única forma de asegurarse estabilidad económica y social. Jane retrata de forma irónica y profunda las costumbres sociales de la época, especialmente en torno al matrimonio, la clase social y el rol de la mujer.     Sobre la artífice: Sol Rébora es “Diseñadora de Encuadernación Artística Contemporánea con Criterio de Conservación”. Actualmente es profesora, creadora y directora de la Diplomatura en Diseño de Encuadernación Contemporánea en la UNA. Estudió la especialidad de artesanías aplicadas a la industria en el Fader, al igual que nosotros, donde realizó sus primeros pasos como encuadernadora y tuvo su primera introducción al diseño y a lo que significa ser artesana. Una vez egresada comenzó sus estudios profesionales en Diseño de Encuadernación con Criterio de Conservación el año 1999 con con diferentes maestros. Sin embargo su especialización continua y en la última década también estudió con diferentes encuadernadores, doradores y conservadores de libros de Europa como Sün Evrard, Kathy Abbott, Hélène Jolis y Ana Ruiz Larrea. 	Hoy en día su trabajo se caracteriza por aplicar técnicas de alta calidad en encuadernaciones de diseño contemporáneo y de conservación de libros antiguos como es el caso de la obra mencionada en este trabajo. Su arduo trabajo y búsqueda por hacerse conocida en diversas ferias y concursos la ha llevado a ser hoy en día, una de las mejores y más reconocidas encuadernadoras del mundo. Tal es así que forma parte de diferentes grupos internacionales de encuadernadores profesionales y exposiciones colectivas como “Tomorrow’s Past”, “Les Pages Bien Gardees” y “Epémère”. También ha participado en numerosas exposiciones internacionales obteniendo nuemerosos premios. 
Cierre
Hace poco hemos tenido el honor de ser partícipes de una de sus charlas en el colegio del cual tiempo atrás  fue alumna. Esto me parece importante, ya que personalmente creo que el estudiar en el Fader no sólo fue una pista de despegue para ella como encuadernadora. Sino también como persona súper humilde comprometida con el arte, el diseño y con el hecho de resignificar el oficio artesanal y al libro como objeto único de diseño y no simplemente como unas páginas pegadas entre sí. Realmente fue emocionante ver su trabajo y el acto de amor que hizo al traernos obras suyas y hablarnos con tal orgullo y claridad de lo que la apasiona. Ella como persona y su oficio contribuyen todos los días a darle importancia al trabajo hecho a mano, algo inusual que se vuelve cada día más difícil. La sociedad capitalista en la que vivimos nos empuja constantemente a ser más consumistas, individualistas y sobre todo a realizar las actividades diarias con el menor esfuerzo posible, volviéndonos maleables y listos para creer en todo lo ya masticado que nos pongan enfrente. Por esto creo que se vuelve imprescindible gente como Sol, que reafirme la conexión tangible con los objetos, el trabajar con paciencia y poniendo atención a una cosa a la vez. Esto nos vuelve más pacientes, en un mundo cada vez más ansioso, más conectados, en un mundo donde el exceso de conectividad parece alejarnos del otro, y más comunitarios, en un mundo donde compartir tus saberes y pasiones, parece volverse una amenaza. 

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Autor/a: Sheila Hicks (Estados Unidos, 1934–)                   Fecha: 1973Obra: Etiqueta árabe                                      Técnica: Fibras teñidas, lino, algodón y lana; tejido y bordado manual sobre soporte textil.                                    Movimiento: Arte textil contemporáneo / Neoartesanía / Arte conceptual sensorial                                                                  Es algo muy común pensar que un artista es quien agarra solo un pincel o un cincel con martillo. Un ejemplo contrario es Sheila Hicks, quien eligió el hilo. Ella nos demuestra que el hilo también puede ser portador de una idea, y de poder expresarlas con cada fibra que nos guarda memoria: del tiempo, del oficio y de las manos que la trenzan. A comienzos de los 70´ cuando se buscaba romper con la pintura y la escultura, buscando quizás alguna innovación; nuestra artista de interés exploró la trama de colores, texturas y tensiones que se entrelazan, creando así su propio lenguaje artístico.“Etiqueta árabe” nace de esa búsqueda. Es una obra que mezcla la técnica ancestral del telar con la mirada contemporánea de una artista que entiende la materia como portadora de historia. Ella viajó por América Latina y Medio Oriente, donde aprendió a respetar el valor simbólico de los textiles; cada nudo, cada hebra, encierra una tradición y una voz. Tejer es una manera de pensar con las manos. En esta pieza los hilos se convierten en palabras sin alfabeto: la “etiqueta” no describe, sino que sugiere; no traduce, sino que evoca. El color y la textura hablan por sí mismos, como si la artista tejiera una emoción que no puede decirse con lenguaje humano. La obra pertenece al arte contemporáneo y encarna el valor del oficio artesanal, esta corriente que une arte, materia y tiempo. Sheila reivindica lo manual frente a lo industrial, lo íntimo frente a lo masivo. Cada hilo parece contener un gesto, una respiración. Su trabajo, al igual que el de Belperron, es una forma de resistencia: una defensa de lo hecho a mano, de lo que se construye lentamente. A través de sus tejidos ella nos recuerda que crear también puede ser un acto de cuidado.

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La obra que elegí es el vestido “Grace”, diseñado por Vivienne Westwood dentro de su colección nupcial Bridal Made-to-Order 2022. Este modelo fue creado originalmente para la alfombra roja y se destaca por su estilo atemporal y elegante.
El vestido combina una falda tubo ceñida con una sobrefalda voluminosa, lo que le da movimiento y dimensión. Su corsé estructurado incluye un tirante extraíble, que permite modificar el diseño para lograr un look asimétrico. Está confeccionado en satén de viscosa elástica con certificación FSC, un material brillante y suave que cae naturalmente hasta el suelo.
La certificación FSC (Forest Stewardship Council) garantiza que la viscosa proviene de bosques gestionados de forma sostenible, protegiendo los ecosistemas y las condiciones laborales en su cadena de producción. Este enfoque refleja la filosofía de Vivienne Westwood, quien siempre promovió una moda sustentable y responsable con el medio ambiente.
El contexto de creación de esta colección apunta a una moda más consciente, donde cada pieza se diseña con dedicación artesanal y se ofrece de manera personalizada y a pedido, valorando la durabilidad y la individualidad de cada vestido.
La moda sostenible, además, busca transformar la industria textil hacia prácticas más responsables, reduciendo el impacto ambiental y fomentando el uso de materiales reciclados, orgánicos o certificados. También promueve el consumo consciente y el apoyo a la producción local y ética. En este sentido, el trabajo de Westwood se vuelve un ejemplo de cómo el diseño puede ser una forma de expresión artística y compromiso ambiental al mismo tiempo.

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Vestido de novia – Vivienne Westwood, Colección Bridal Made to Order 2022

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Vestido de novia – Vivienne Westwood, Colección Bridal Made to Order 2022

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Beksinski fue un  artista de lo más curioso, el no plasmaba su arte con intención de racionalizar movimientos artísticos ni mucho menos de conectar con las mentes de sus espectadores, el meramente buscaba el goce de dibujar sus sueños, sus fantasías y su psique a grandes saltos de pincel. Nacido en polonia en el año 1929 transcurrió una atenuante y trágica vida merodeando el cruel panorama de la segunda guerra mundial con tan solo 10 años de existencia en este mundo, eso según historiadores y críticos del arte pudo ser lo que dejó tal huella en sus obras tan macabras y espeluznantes. Entre todas ellas encontré esta Untitled de 1978, cabe mencionar que Beksinski no le colocaba nombre a sus obras por la misma razón que no buscaba poner conceptos fijos en ellas o filosofías humanistas. Solo dibujar y pintar eran sus pasiones luego de su vida. En esta obra por sentimiento mío y entendiendo el panorama de la segunda guerra mundial puedo llegar a sentir la sensación que pudo percibir este artista en los ojos ajenos de los pequeños grupos perseguidos por los nazis en dicho conflicto bélico. su temor, su muerte en vida por los rostros esqueléticos, su tanta cercanía como lejanía entre sujetos de la misma cultura. La gran soledad que estos pudieron avizorar a plena luz del día como oscuridad de la noche o quizá incluso las vidas ya perdidas y abandonadas por el recuerdo en las fogatas ya apagadas.  gran tragedia y pena metida en un lienzo por hábiles manos que buscan diversión y pasión a sus 59 años en los que hizo esta obra. Más allá de él haber estado disgustado con la idea de encapsular su arte dentro de un movimiento artístico luego de su también trágica muerte en el 2005 esa decisión pasó a manos ajenas, manos críticas e historiadores que han definido su arte como un surrealismo distópico u oscuro. no por nada claro esta ya que sus obras rebosan de cadáveres, escenarios oscuros y apocalípticos además de múltiples entidades deformadas. parecido a lo que le pudiera pasar a un niño por  la mente al ver dichas atrocidades de la guerra teniendo tanta imaginación y fantasía para deformar la realidad de esta manera y convertirlo en un tan increíble arte.

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La torre Velasca se inspira en el neoliberty, un movimiento italiano que busca representar la tradición arquitectónica nacional, su diseño refleja influencia de brutalismo, con su estructura de hormigón armado y su forma característica. Este edificio es un símbolo de reconstrucción, ya que la torre Velasca fue construida luego de la posguerra en una época de crecimiento económico en Italia, representa el espíritu de innovación. Y modernización de la época, la torre busca preservar su integridad arquitectónica y devolverle su condición de símbolo del patrimonio milanés. Fue diseñada para armonizar con el skyline histórico de Milán, no para sobresalir como un rascacielos americano, Representa una síntesis entre arte, arquitectura y memoria colectiva, uniendo el pasado histórico con la modernidad del siglo XX .Por eso se considera una obra de arte arquitectónica, no solo un edificio funcional. Año (1956-1958).

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Torre Velasca del grupo B.B.R.P.. de  Gian Luigi Banfi, Lodovico Barbiana di Belgiojos, Erico Peressutti, Ernesto Nathan Rogers

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Torre Velasca del grupo B.B.R.P.. de  Gian Luigi Banfi, Lodovico Barbiana di Belgiojos, Erico Peressutti, Ernesto Nathan Rogers

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Es una pintura al óleo realizada en 1907 por el artista austriaco Gustav Klimt - Dimensiones	80 cm × 145 cm (31 pulg × 57 pulg). Es la continuación de la obra anterior , Serpientes de agua I. Es una obra que representa a dos mujeres desnudas que se entrelazan con serpientes en un escenario subacuático. Las figuras femeninas, que las podemos interpretar como ninfas o sirenas, son representadas con una sensualidad y una gracia característica de las obras de Klimt. Las serpientes, por otro lado, simbolizan tanto la tentación como la transformación, y su presencia en la pintura sugiere una conexión entre la sensualidad y la espiritualidad. La composición de la pintura se basa en una serie de curvas y líneas que sugieren movimiento y fluidez. Las figuras femeninas y las serpientes se entrelazan, creando una sensación de unidad y armonía. Klimt empleó una amplia variedad de técnicas y materiales para esta obra incluyendo la pintura al óleo, la hoja de oro y la técnica del mosaico. El artista utilizó patrones ornamentales y geométricos para decorar tanto las figuras como el fondo, lo que añade una dimensión simbólica y conceptual a la obra.

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Título: Tea Time is Back / Artista: Silvia Levenson / Año: 2019 / Técnica: Vidrio fundido / Dimensiones: 50 x 20 x 17 cm.                                                                                              La obra Tea Time is Back es una escultura de vidrio que presenta un juego de té, compuesto por una tetera y dos tazas. Está realizada por la artista argentina Silvia Levenson en un vidrio translúcido de tono rosado (aunque se pueden encontrar versiones en otros colores). Si bien a primera vista la pieza puede transmitirnos una sensación de delicadeza y calma, esta se ve interrumpida por las pequeñas espinas que se encuentran en toda la superficie de estos objetos. Esto genera un contraste bastante fuerte, ya que la idea de cotidianeidad, tranquilidad y reunión dado por lo que es una típica escena de la hora del té, se ve alterada e inutilizada por la amenaza que inspiran las espinas, ya que tanto la tetera como las tazas no pueden ser sostenidas sin resultar lastimado. En mi opinión, el material del que está realizada la obra también juega un papel importante en el significado de la misma, ya que el vidrio trae consigo una transparencia y una fragilidad característica de este material. Puede romperse fácilmente, pero puede herir con la misma facilidad, y con su transparencia deja ver aquellas cosas que como sociedad decidimos ocultar o ignorar.El nombre de la obra en sí mismo nos sugiere cómo estos problemas no desaparecen de la sociedad, sino que terminamos viéndolo como algo “normal”, que vuelve una y otra vez. Nos hace pensar también en la violencia que se esconde en lo doméstico, detrás de las apariencias de tranquilidad, armonía y perfección que se nos presentan en un principio. Nos muestra cómo el entorno familiar y doméstico, donde uno debería sentirse seguro y protegido, muchas veces termina siendo un lugar de violencia y peligro. A través del contraste entre lo bello y lo amenazante, lo suave y lo punzante esta obra transforma un objeto doméstico en una poderosa metáfora de la fragilidad y el peligro presentes en la vida íntima.

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Tea Time is Back - Silvia Levenson, 2019.

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Tea Time is Back - Silvia Levenson, 2019.

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Autor: Cristian Dzwonik (Nik) (Argentina 2013-2023)                                                                                                                         La estatua de Gaturro es una escultura urbana ubicada originalmente en el Paseo de la Historieta de Buenos Aires, inaugurada el 21 de marzo de 2013 por el Gobierno de la Ciudad como homenaje al personaje creado por el historietista Cristian Dzwonik, conocido como Nik. Su instalación formó parte de una iniciativa cultural que buscaba reconocer a los personajes más populares del cómic argentino, como Mafalda, Isidoro y Patoruzú. Sin embargo, la figura de Gaturro pronto comenzó a tener una historia bastante particular. A diferencia de otras obras del paseo, la de Gaturro fue objeto constante de vandalizaciones e intervenciones por parte del público. En varias ocasiones fue pintada, rayada o dañada y tiempo después de su instalación tuvo que ser retirada por el Gobierno de la Ciudad para su reparación por el deterioro causado por estos actos de vandalismo. El 20 julio de 2023, se presentó una nueva versión con materiales “antivandálicos” (metal tipo grafeno, pintura lavable, cámara interna y una cerca que la rodeaba), pero a menos de 48 horas de su reinstalación, la escultura volvió a ser pintada y debió retirarse nuevamente. Lo interesante es que esta reacción colectiva convirtió a la escultura en algo mucho más complejo que una simple figura decorativa. La gente empezó a apropiarse de la obra, mediante todo lo que hacen y dicen alrededor de ella, usando la intervención como una forma de expresión o protesta. Algunos participaban como crítica política o por rechazo a Nik, quien había sido acusado varias veces de plagio por parte de otros dibujantes, también estuvo involucrado en discusiones políticas públicas, otros lo hacían por humor o por la viralización que se generaba en redes, donde las fotos de la estatua intervenida se transformaban en memes y contenido compartido. Este odio hacía él terminó proyectándose sobre la estatua. Además, muchos sectores del público perciben a Gaturro como un símbolo de la cultura comercial o masiva, lo que contrastó con el espíritu más “histórico” o artístico del Paseo de la Historieta.  Para mí este caso es un símbolo del arte urbano contemporáneo, que busca romper la distancia entre el artista y la sociedad, en lugar de un público pasivo, el arte urbano propone que la gente participe, intervenga y genere significado. Esta relación del arte urbano y contemporáneo se ve reflejado en el punto de vista artístico de la obra. Aunque la escultura fue concebida originalmente como una instalación conmemorativa, su interacción constante con la sociedad la transformó en una obra viva, donde las intervenciones del público, los debates en redes y las noticias se integran como parte del significado donde el valor estético no reside solo en el objeto físico, sino en las reacciones humanas y sociales que genera. En este caso, la comunidad, a través de sus acciones y opiniones, se convierte en coautora de la obra.Su historia demuestra que el arte público contemporáneo ya no se define únicamente por la intención del artista, sino por la manera en que la comunidad lo apropia, lo discute y lo transforma.Cada pintada, burla, crítica o restauración se volvió parte de su historia.

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La estatua de Gaturro como expresión del arte urbano contemporáneo.

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La estatua de Gaturro como expresión del arte urbano contemporáneo.

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En 1963, Marta Minujín realiza en París una de las acciones más decisivas de su carrera y del arte contemporáneo latinoamericano: La destrucción. El happening tuvo lugar en el Impasse Ronsin, un antiguo conjunto de talleres de artistas en Montparnasse, donde la artista reunió una serie de esculturas y ensamblajes construidos con materiales cotidianos —colchones, telas, maderas y desechos para luego invitar a varios colegas a intervenirlos y, finalmente, prenderles fuego frente a un pequeño público. Ese acto, breve e intenso, transformó la obra en experiencia: no quedaba un objeto tangible, sino la memoria de lo que había sido, el rastro de una combustión compartida. El fuego se convirtió en gesto poético y político a la vez. En los años sesenta Minujín venía alejándose de la pintura y la escultura tradicional para adentrarse en los lenguajes de la performance y el happening, influenciada por la efervescencia del Instituto Di Tella y las vanguardias internacionales. Con La destrucción, renunció deliberadamente a la permanencia y se rebeló contra el destino museístico de las obras, ese “cementerio del arte” donde las piezas son preservadas, pero pierden su vitalidad. En su acción, la combustión no representaba una pérdida sino una transformación: lo sólido se volvía energía, lo material se convertía en suceso. La quema era, al mismo tiempo, un ritual de desprendimiento y una crítica al mercado del arte, un modo de decir que el valor no reside en el objeto, sino en la intensidad del instante. El fuego, además, operaba como símbolo de purificación y de renacimiento; al destruir, Minujín generaba otra forma de existencia para sus obras, efímera, participativa, colectiva. En ese sentido, La destrucción puede leerse también como una metáfora emocional: un acto de ruptura necesario para poder seguir, una catarsis artística que transforma el duelo en creación. La elección del Impasse Ronsin, espacio que ya estaba en proceso de desaparición refuerza el carácter simbólico de la acción, porque aquello que ardía no era solo materia, sino también un modo de habitar y concebir el arte. Lo efímero, lo precario y lo improductivo se volvían aquí gestos de libertad. Con esta obra, Minujín inauguró una línea de trabajo que desarrollaría en las décadas siguientes, donde la experiencia y la participación reemplazan la obra como objeto estable. La destrucción es, en definitiva, un manifiesto encendido: una afirmación de vida dentro del acto de quemar, una invitación a entender el arte como tránsito, cambio y liberación.

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La Destruccion-El primer Happening de Marta Minujin

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La Destruccion-El primer Happening de Marta Minujin

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En L’Homme qui marche, Giacometti cristaliza una respiración detenida. La figura parece exhalar desde el interior del bronce, como si el metal, denso, inerte, frío, hubiera aprendido a contener su aliento silencioso. Es una respiración petrificada, suspendida entre el pulso de la vida y la inmovilidad de la materia. En ella, el escultor condensa su búsqueda incesante: hallar la esencia mínima, desnuda, que sostiene la existencia más allá de la apariencia.El caminante de Giacometti avanza sin desplazarse. Su marcha es un fenómeno estático, un vértigo detenido, su zancada no conduce a ningún lugar de este mundo. En su estaticidad hay un movimiento interior, una vibración que no pertenece al cuerpo en sí, sino a lo que lo conforman en esencia, a él y al tiempo mismo. Caminar, aquí, es un acto metafísico; el impulso de ser, el deseo de persistir en un mundo, quizás fatídico, que se deshace despacio y en silencio. La figura parece estar siempre por dar un paso, como si el bronce contuviera la inminencia del movimiento en un equilibrio imposible. La técnica de Giacometti participa de esa contradicción. Trabaja la superficie con una sensibilidad casi arqueológica: raspa, modela, corroe. El bronce conserva las huellas de la cera perdida, las marcas del trabajar manual, las irregularidades del gesto pasional de la creación. Cada rugosidad del metal actúa como una cicatriz visible del proceso, revelando la lucha constante entre la materia y el pensamiento perfeccionista. El resultado es una textura viva, orgánica, donde la luz se fragmenta y la sombra se adhiere. Allí, la frialdad del metal se encuentra con la calidez del gesto humano: la sensibilidad del artista convierte la dureza del bronce en carne espiritual, en un organismo suspendido fuera del tiempo. La figura es casi esquelética porque Giacometti busca lo que queda cuando todo ha sido retirado: la estructura esencial, la vibración pura del ser. Es el cuerpo reducido a su osamenta simbólica, a la geometría elemental del existir, el nombre verdadero de las fuerzas superadoras. No hay ornamento ni peso inútil: sólo la obstinación de la forma resistiendo la nada.Así, L’Homme qui marche se levanta  como una paradoja visible: un cuerpo hecho de vacío, un metal que respira, un movimiento que no se cumple. Giacometti logra que el bronce, aquella materia de inmortalidad, se vuelva sensible, casi vulnerable. La escultura no representa al hombre; lo invoca. Es la huella de un pensamiento que no cesa de caminar dentro de su propia inmovilidad perpetua.                                                                                                         Autor: Alberto Giacometti                                                                                   Título: L’Homme qui marche I (El hombre que camina I)                                       Año: 1961                                                                                                     Técnica: Fundición de bronce a la cera perdida                                           Dimensiones: 183 × 27 × 97 cm                                                                 Ubicación: Colección privada – Fondation Giacometti (París)                                                                                                   (Simon Iommi 6A.A.I.)

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L’Homme qui marche – La zancada petrificada - Simón Iommi

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L’Homme qui marche – La zancada petrificada - Simón Iommi

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Artista: Erica Aisen - Obra: VARIACIONES IV – Serie expansión - Hecho con hilo de coser sobre M D F Fecha de creación de la obra: 2023 - Medidas: 20x20cm. Erica Aisen puede percibir hilos de diversos colores envolviendo la madera que los soporta, pequeñas maderitas compuestas en un plano mayor. Ella utiliza la geometría para rozar con sus hilos un momento de la historia del arte y sus protagonistas y para afirmar su relación gozosa con el color. Hubo dos acontecimientos que provocaron un cambio en sus obras: La pandemia, que la invitaba a observar a través de una ventana los árboles en la calle y unos meses después la muerte de su abuela, a la que recuerda cosiendo en su máquina a pedal con las bobinas de hilos de colores que usaba. Esta artista paso del dibujo a el hilo. Las líneas tan sensibles con que la artista dibujaba cuerpos femeninos se mimetizaron con el cuerpo de los árboles y las raíces fueron creciendo, “entonces - dice Erica - la hoja no me alcanzó, la línea se extendió en el hilo y comencé a coser para que las raíces continuaran alargándose hasta el piso, sin darme cuenta que a partir de esa experiencia cambiaría los potes de pintura por aquellas bobinas de hilos de colores”. También dijo “Para mí coser es un estado de meditación. Cada puntada construye un plano de color que se convierte en composición. Descubrí el hilo en plena pandemia, al bordar raíces de arboles y hoy siento que esas raíces siguen vivas en mi obra” Erica Aisen es una artista a tener en cuenta en el incierto y cambiante panorama del mundo del arte, no solo por el oficio adquirido, sino porque sabe que a veces también es bueno perder el hilo que conduce la obra.

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Obra: VARIACIONES IV - "Serie expansión", De Erica Aisen, Artista visual.

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Obra: VARIACIONES IV - "Serie expansión", De Erica Aisen, Artista visual.

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Esta es la obra de arte conceptual llamada "$Comedian", del artista italiano Maurizio Cattelan, que se subastó por 6,2 millones de dólares en Nueva York. Este movimiento se centra en apreciar la idea, el concepto, antes que el resultado en sí...Se te trata de una obra sumamente conocida y mencionada, que además, se encuentra más presente en nuestras vidas de lo que creemos. Esta obra nos posiciona inmediatamente de un lado u otro haciendonos opinar qué "es arte" o "no es arte" lo que nos lleva a la gran pregunta "¿qué es el arte?¿como valoramos el arte?¿que significado le damos?" Etc... Basicamente, esta Banana pegada con cinta a la pared mueve y promueve el concepto del "arte" que nos invita a reflexionar una vez más sobre el "mundo de las ideas" en el que se encuentra el arte.

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Este movimiento se centra en apreciar la idea, el concepto, antes que el resultado en sí...

Se te trata de una obra sumamente conocida y mencionada, que además, se encuentra más presente en nuestras vidas de lo que creemos. Esta obra nos posiciona inmediatamente de un lado u otro haciendonos opinar qué "es arte" o "no es arte" lo que nos lleva a la gran pregunta "¿qué es el arte?¿como valoramos el arte?¿que significado le damos?" Etc... Basicamente, esta Banana pegada con cinta a la pared mueve y promueve el concepto del "arte" que nos invita a reflexionar una vez más sobre el "mundo de las ideas" en el que se encuentra el arte.

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“Tres estudios para autorretrato”, Francis Bacon 1979-80 Técnica: Óleo sobre lienzo                                            Dimensiones: 37,5 × 31,8 cm                                                       Expuesto en “The Metropolitan Museum of Art”                                                                                                                                               La obra “Tres estudios para autorretrato” (1979) de Francis Bacon realizada en óleo sobre lienzo está compuesta por tres paneles de formato chico (aproximadamente 35,5 x 30,5 cm cada uno), que conforman un tríptico. En cada uno de ellos, Bacon representa su propio rostro desde diferentes ángulos y expresiones, utilizando fondos oscuros y neutros. Actualmente, la obra pertenece a una colección privada, aunque ha sido exhibida en distintas galerías y museos del mundo. Esta colección se realizó durante la década del setenta, un período profundamente introspectivo en su vida. El artista atravesaba momentos de soledad y dolor tras la muerte de varios amigos cercanos, entre ellos el suicidio de su amante George Dyer. A diferencia de los autorretratos tradicionales, Bacon no buscaba idealizar su imagen, sino explorar su identidad de manera cruda y honesta, enfrentándose a su propio deterioro físico y emocional. En una charla con el crítico de arte David Sylvester en 1975 Francis le comenta: “Detesto mi propio rostro... He hecho muchos autorretratos, en realidad porque la gente ha estado muriendo a mi alrededor como moscas y no me queda nadie más para pintar que yo mismo”. En cuanto a la técnica, Bacon prefería trabajar a partir de fotografías en lugar de usar espejos, ya que le interesaba capturar la esencia de la imagen más que su representación literal. Su estilo combina elementos del expresionismo, la figuración y la abstracción, logrando un lenguaje visual en el que el cuerpo humano se presenta como un territorio de conflicto entre la forma y la emoción representado con formas abstractas y pinceladas violentas.

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"Tres estudios de autorretrato"- Francis Bacon

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"Tres estudios de autorretrato"- Francis Bacon

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Yaelokre es el proyecto del joven artista Keath Ósk, nacido en 2004, de origen filipino e islandés. A pesar de ser muy joven, su trabajo tiene una profundidad visual y emocional que llama la atención. Su propuesta mezcla música, arte visual, ilustración, relato y performance. Todo forma parte de un mismo universo que él creó y al que llamó Meadowlark, un mundo imaginario donde se desarrollan sus canciones y personajes. En sus obras visuales, Yaelokre combina lo simbólico y lo poético. Sus personajes aparecen con máscaras de animales y ropas antiguas, en paisajes naturales que parecen salidos de un sueño o de un cuento. Hay algo muy nostálgico en su manera de mostrar el color y la luz: usa tonos suaves, dorados, verdes y tierra que transmiten calma, pero también cierta melancolía.Sus imágenes parecen hechas a mano, aunque tienen una terminación moderna. Se nota una búsqueda muy cuidada entre lo artesanal y lo digital. En su arte visual no hay una separación entre la imagen y la música: todo forma parte de una misma historia. Cada video, cada portada o ilustración amplía el mundo que está contando.Yaelokre se inspira en muchas cosas distintas. Se nota la influencia del folclore europeo, los cuentos de hadas, el arte medieval y la fantasía clásica, pero también incorpora elementos actuales, como los videojuegos, la animación o el arte digital. Su identidad multicultural también aparece reflejada en su trabajo. Crecer entre dos culturas tan diferentes, la filipina y la islandesa, le da una mirada muy particular. Yaelokre pertenece a una generación de artistas jóvenes que no se limitan a una sola disciplina. Se mueve entre la música, la imagen y la performance como si todo fuera parte del mismo lenguaje. En redes como TikTok o YouTube comparte fragmentos de su proceso creativo, y eso también forma parte de su obra. No busca mostrar solo un producto terminado, sino construir una historia que se va desarrollando con el tiempo. Su estética tiene algo íntimo y a la vez cinematográfico. Todo está pensado para generar una experiencia sensorial, donde el espectador pueda entrar en su universo.Meadowlark es el centro de su proyecto, el espacio donde todo cobra sentido. Es un mundo inventado por él, habitado por cuatro personajes llamados The Lark, que representan distintas emociones y etapas de la vida. Ellos viajan, cantan y cuentan historias dentro de ese universo. El nombre Meadowlark (que significa “alondra de los prados”) refleja la esencia del mundo que creó: un lugar lleno de naturaleza, poesía y sentimientos. En sus canciones, estos personajes atraviesan paisajes que funcionan como metáforas de lo humano. Los prados, los bosques o los atardeceres son símbolos de emociones, recuerdos y estados del alma.Más que una simple historia, Meadowlark es una forma de expresar lo interior. Es el espacio donde el artista transforma sus pensamientos y emociones en imágenes y sonidos. Cada canción y cada ilustración es un fragmento de un mundo que no se nos presenta entero, poco a poco se cuenta la historias de ese mundo y de “The Lark”. La obra de Yaelokre se destaca por su sensibilidad y por la manera en que une diferentes lenguajes artísticos. Su forma de trabajar demuestra que se puede hacer arte desde la emoción, sin separar lo visual de lo sonoro.  Más que un músico o ilustrador, Yaelokre es un narrador visual, alguien que convierte su mundo interior en arte. Meadowlark representa justamente eso: un refugio poético donde se mezclan la fantasía, la identidad y la sensibilidad personal.Me parece importante destacar que es keath quien hace la vos de los cuatro personajes.

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Esta casa, ubicada en Naucalpan de Juárez, México, fue diseñada por el arquitecto Javier Senosiain (1948 - actualidad) nacido, criado y formado en México. Este artista fue uno de los primeros en integrar la aquitectura orgánica en su país, tomando inspiración de las obras de Frank Lloyd Wright y Antoni Gaudí, este movimiento busca llevar a cabo obras arquitectonicas que colabores o se comuniquen con el espacio en el cual están situadas, a diferencia de la aquitectura que vemos en el día a día, no allanan un prado para poden sentar una casa, si no que logran que esta forme parte de la composición visual de la naturaleza, utilizando formas y elementos de esta misma. Senosiain se caracteriza por sus construcciones con formas curvas, sus estructuras de ferrocemento y el uso de materiales locales. Esta obra en específico, realizada en 2007, toma la forma de un caracol, con paredes realizadas en ferro cemento, una técnica que permitío la movilidad y fluidez que el diseño implicaba, por dentro, se puede ver la fachada de vidrío y como estos interactúan con la luz natural del ambiente, en los espacios comúnes y habitaciones, hay zonas de vegetación y se puede ascender a las diferentes zonas de la casa siguiendo la forma del caracol. Senosiain sigue construyendo en la actualidad y logró ser reconocido como uno de los destacados arquitectos del movimiento orgánico. 

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Sara Silks es quizás la daguerrotipista y fotógrafa que más admiro y estudio. Con una práctica sin igual para los tiempos modernos, se encarga de retratar el mundo mediante el uso de técnicas de reacción fotoquímicas y digitales. Rescatando así el uso de equipos ya antiguos como Daguerrotipos, platino-paladio, gelatina de plata, lumens, cianotipo, colodión, cuarto oscuro, entre otros, junto con la intervención de herramientas digitales. Revaloriza el proceso de producción de una fotografía como parte de la propia obra. Viéndose representado más allá de las técnicas complejas de obturación de las que parte cada fotografía, sino en la intervención que Silks hace con el uso de la superposición, intervención química, aplicación de técnicas de grabado en tinta entre otras. El resultado es la obra de Sara en su totalidad; un medio donde concretar una idea que mute con el tiempo y los elementos del entorno, que falle, y que renazca.Un ejemplo de esto es la obra presente, titulada como "Encountering Isamu Noguchi" (2015). La fotografía retrata a la hija de Sara, según la idea original, la cual se posicionó frente a una escultura de granito de Isamu Noguchi. Sin embargo una vez veló la imagen e  inició el rompecabezas de capas y superposiciones, descubrió cómo los espacios negativos y positivos de luz que escapaban de la escultura, formaban geometría y formas orgánicas que comenzaban a envolver a su hija y a tomarla en su gesto de desesperación. De la tensión resultante de la luz velada, la historia de una joven atravesada por luchas y éxitos se reveló para Silks, comprendiendo una “historia universal” como ella nombra al respecto.Esta obra prácticamente da pie al nacimiento de su serie “Studies of Women” (de la cual dicha obra es parte), la cual es una serie de impresiones de platino-paladio que develan una fragilidad pictórica y material. (Vale aclarar que el sentido material es fundamental para Silks, la cual trabaja a su vez con el uso de papeles especiales japoneses que atribuyen textura y tactilidad a las ampliaciones de sus obras).Como ella describe: "Mi trabajo investiga conceptos de fragilidad, vulnerabilidad y determinación.", y Studies of Women no es menos ante esto. Siendo una serie que encarna el crecimiento, las expectativas del tiempo y el sentido de identidad. Y bajo la mirada de Silks, estos hechos humanos son palpables, evocando su presencia y una memoria onírica que me extraña ver (en el buen sentido).Si tengo que describir el don que percibo en Sara Silks, es su capacidad de retratar sueños. Sus imágenes cuentan con la disolución de lo cotidiano, de lo claro; las personas se borran, la vegetación avanza, o se incendia, los animales se refugian en la bruma, y las sombras atosigan espejos. Es una constante encarnación de imágenes que solo creería en sueños. De ahí el don de Silks de respetar al tiempo y dejar sus obras a su merced; fuera de la complejidad de la técnica y el trabajo detallista de ella, hay una idea de disposición de la obra a las reacciones que esta pueda tener con su entorno. Una obra viva, mutante en su composición y materia, como en su idea e interpretación.Recomiendo observar otras series suyas como lo son “Leaving Terra Firma”, “Warming Effects”, o “Prairiefire”, donde si bien evoca otros conceptos como lo son el cambio climatico y la transformación ambiental, el ojo de Silks ve en su entorno una mutación de color y formas.

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"Encountering Isamu Noguchi" (Studies of Women) - Sara Silks, 2015.

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"Encountering Isamu Noguchi" (Studies of Women) - Sara Silks, 2015.

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Retrato en Impresion de platino-paladio, superposición Serie perteneciente, perteneciente a la serie titulada "Studies of Women" (2017)

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Artistas: Sun Yuan (1972) y Peng Yu (1974). China.   Medios: Robot industrial Kuka, acero inoxidable y caucho, éter de celulosa en agua coloreada, rejilla de iluminación con sensores de reconocimiento visual Cognex y pared de policarbonato con marco de aluminio.                                                   Ubicación: Solomon R. Guggenheim Museum, New York.                                                           Dimensiones: Dimensiones variables generales.                                               Esta obra muestra a una máquina ubicada en el centro de una habitación cerrada y expuesta para que la gente lo observe a través de las paredes. Este robot va perdiendo un líquido viscoso de color rojo y está programado con sensores para que cuando detecte que el líquido se expande demasiado comience a tratar de retenerlo con su brazo. Antes el robot tenía tiempo de sobra e incluso se ponía a bailar, al día de hoy la máquina no consigue retenerlo y deja zonas del suelo manchadas y las paredes salpicadas, ya no teniendo tiempo para bailar si no para intentar mantenerse “vivo”.La intención de esta obra es humanizar a la máquina utilizando líquido rojo representando “su sangre” y tal vez lograr que los espectadores lleguen a sentir empatía. El deseo inicial de los artistas era explorar qué podría reemplazar la voluntad artística en la creación de una obra y cómo lograrlo mediante una máquina. La programaron para realizar 32 movimientos como «rascarse la comezón», «reverenciar y sacudir» y «mover el trasero» demostrando cómo los artistas querían “darle vida”. Estos artistas son conocidos por utilizar el humor negro para abordar temas polémicos, y la danza repetitiva e interminable del robot presenta una visión absurda y sisífica de los problemas contemporáneos relacionados con la migración y la soberanía.El otro nombre de la obra hace referencia al famosísimo mito de Sísifo, el cual, castigado por Zeus, debía empujar una enorme piedra colina arriba y cuando finalmente llegaba a la cima la piedra rodaba hacía abajo y debía de hacer todo el trabajo devuelta, haciendo que la escena se repita una y otra vez durante el resto de su vida.

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Michael Jordan realizando la pose iconica conocida como "Jumpman" durante una sesión de fotos en 1984 la obra de nike famosa por ser la inspiracion directa para el logotipo JORDAN de su marca para zapatillas. MJ debutó en la NBA vistiendo las (Jordan Nike 1) en negro y rojo, zapatillas que la liga prohibió por no cumplir con las normas de color. Este hecho generó una narrativa de rebeldía y marketing, donde jordan se manifestaba destacando de los demas el arte que llevaba en sus pies con coleres unicos en la nba y Nike pagaba las multas, convirtiendo a la zapatilla en un ícono cultural y el inicio de un imperio. Porque en ese momento la NBA ponía una estricta regla de uniformidad que exigía que las zapatillas de baloncesto fueran al menos de un 51% blancas y que combinaran con los colores del uniforme del equipo.