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Coordenação de Sala de Leitura e Bibliotecas Escolares

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Coordenação de Sala de Leitura e Bibliotecas Escolares

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Somos a Coordenação da Sala de Leitura e Bibliotecas Escolares(CSLBE) da Rede Municipal de Itaboraí. A Sala de Leitura se propõe à escolarização da literatura na rede, atuando junto às coordenações da Educação Infantil, Ensino Fundamental I e II e da EJA, oferecendo formação continuada para professores em parceria com o PROALE UFF e o LabLA UFF, oficinas ministradas pela coordenação SLBE, promove o estreitamento dos laços escritor-leitor através de conversas com os mesmos, visitas à feiras literárias e passeios culturais, além  de coordenar o trabalho dos professores articuladores dos Espaços de Leitura e Pesquisa das escolas municipais.

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Mitos sobre a Semana de Arte Moderna 100 anos depois

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Mitos sobre a Semana de Arte Moderna 100 anos depois

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Os mitos sobre a Semana de 1922, cem anos depois

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Listen to this episode from Café da Manhã on Spotify.

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"Marco oficial do Modernismo brasileiro, a Semana de Arte Moderna aconteceu em São Paulo (SP) e reuniu artistas das mais diversas áreas no Theatro Municipal de São Paulo ao longo dos dias 13 e 18 de fevereiro de 1922. Apresentações musicais e conferências intercalavam-se às exposições de escultura, pintura e arquitetura, com o intuito de introduzir ao cenário brasileiro as mais novas tendências da arte.

Influenciados pelas vanguardas europeias e pela renovação geral no panorama da arte ocidental, esses escritores, pintores, escultores, intelectuais e músicos uniram seus esforços para apresentar suas produções ao grande público. Reunião das tendências estéticas que tomavam forma em São Paulo e no Rio de Janeiro desde o início do século, a Semana de Arte Moderna também revelou novos grupos, novos artistas, novas publicações, tornando a arte moderna uma realidade cultural no Brasil."
"Resumo da Semana de Arte Moderna de 1922
Aconteceu entre 13 e 18 de fevereiro de 1922, no Theatro Municipal de São Paulo;
"Contexto histórico da Semana de Arte Moderna
Até o início do século XX, a escola artística tida como oficial no Brasil era o Parnasianismo. Caracterizado pelo rigor formal (preocupação com a forma do poema no que se refere à metrificação), pela proposta da “arte pela arte” e pelo academicismo e elevada erudição, o Parnasianismo havia sido a tendência estética dominante até então, especialmente na poesia, figurando em textos oficiais, como o Hino Nacional Brasileiro.

Como a grande maioria das escolas estéticas, o Parnasianismo foi importado da Europa. No continente europeu, contudo, vigorava outra proposta artística. As grandes reviravoltas da Revolução Industrial haviam instituído uma nova maneira de viver, modificando completamente as relações humanas. A luz elétrica e a rapidez dos automóveis e das produções fabris em larga escala transformaram a sociedade.

O advento da Primeira Guerra Mundial (1914-1918) e a destruição mortífera causada por ela também influenciaram social e filosoficamente os artistas do período. O início do século XX trouxe inúmeras mudanças ao modo de viver europeu; a arte, portanto, precisava acompanhar essas mudanças. Vinham à tona as vanguardas artísticas e, com elas, a consolidação da modernidade no âmbito da arte.

O Brasil, por sua vez, também começava a se modernizar. As primeiras indústrias começavam a se instalar na cidade de São Paulo, e a produção de café do interior paulista gerava grandiosa receita de exportação, transformando o estado em novo centro econômico brasileiro. Por esse motivo, a capital paulista foi o palco dos eventos da Semana de Arte Moderna, que contou com o patrocínio de diversos membros da burguesia industrial que ali se consolidava.

Além disso, 1922 foi o centenário da Independência do Brasil. Assim, o cenário era ideal para a renovação artística nacional, e esse foi um dos motes da Semana: a atualização intelectual da consciência nacional. O Brasil, que se transformava e se modernizava, precisava de um novo olhar artístico, sociocultural e filosófico que propusesse uma arte nacional original e atualizada, trazendo consigo um pensamento a respeito dos problemas brasileiros e da variedade cultural que se estendia por nosso vasto território.

Predecessora importante da Semana foi a Exposição de Pintura Moderna – Anita Malfatti, que ocorreu em 1917, também em São Paulo. Cinquenta e três obras da pintora foram apresentadas ao lado de obras de artistas internacionais ligados às vanguardas europeias. As telas impressionaram nomes que liderariam, depois, a Semana, como Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia e Di Cavalcanti.

A exposição também causou grande desaprovação da crítica conservadora, em especial Monteiro Lobato, que publicou uma crítica extremamente negativa, intitulada “Paranoia ou mistificação?”. Com traços expressionistas, Malfatti trouxe ao Brasil uma nova estética, em exposição considerada o primeiro “estopim” para a idealização da Semana.

As novas tendências que floresciam com as vanguardas, grande período de experimentação do início do século XX, deram aos artistas brasileiros a possibilidade de trabalhar com novas linguagens, novos materiais e novas propostas, a fim de renovar a arte nacional. Mas, diferente do Parnasianismo, não houve uma incorporação completa dessas estéticas – não se importou para o Brasil o cubismo ou o expressionismo em busca de se desenvolver aqui uma escola análoga.

Os artistas que iniciaram o Modernismo brasileiro aproveitaram-se desses novos procedimentos e técnicas, desse rompimento com o academicismo, para reelaborar o cenário artístico nacional.

“O modernismo, no Brasil, foi uma ruptura, foi um abandono de princípios e de técnicas consequentes, foi uma revolta contra o que era a Inteligência nacional.” [1]

"

Veja mais sobre "Semana de Arte Moderna de 1922" em: https://brasilescola.uol.com.br/literatura/semana-arte-moderna-1922.htm
É considerada um marco no Modernismo brasileiro;

Congregou artistas de diversas áreas: pintura, escultura, arquitetura, música, dança, literatura;

Participaram, direta ou indiretamente, nomes célebres da arte brasileira, como Graça Aranha, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Ronald de Carvalho, Mario de Andrade, Anita Malfatti, Heitor Villa-Lobos, Victor Brecheret, Di Cavalcanti, Guiomar Novais, entre outros;

Pinturas e esculturas ficaram expostas no saguão do Theatro e causaram grande escândalo ao gosto público da época;

Conferências, saraus e apresentações de dança e música aconteceram em três dias do evento;

Consolidou o ambiente propício para a publicação de diversas obras que caracterizaram a Primeira Geração do Modernismo brasileiro (Geração de 20)."
"Como foi a Semana de Arte Moderna de 1922?
Entre os dias 11 e 18 de fevereiro, o Theatro Municipal de São Paulo permaneceu aberto para visitação. Em seu saguão, instalou-se uma exposição de pintura e escultura. Obras de Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Victor Brecheret, entre outros, escandalizaram o gosto público brasileiro, nada acostumado às novas formas de representação propostas pelo modernismo.

Vaias, burburinhos e agitação geral só aumentaram ao longo da Semana. Além da exposição, o evento contou com três festivais, que envolviam apresentações de música, dança, declamações de poesia e conferências, a acontecer nos dias 13, 15 e 17 de fevereiro."
"Graça Aranha, que à época já era um aclamado escritor e intelectual brasileiro, fez as honras da abertura do festival, no dia 13, com a conferência intitulada “A emoção estética da arte moderna”. Ele foi ouvido respeitosamente pelo público e declamou versos de Guilherme de Almeida e Ronald de Carvalho, acompanhado de músicas executadas pelo maestro Ernani Braga.

Ainda no dia 13, o já citado poeta Ronald de Carvalho esteve à frente de sua própria conferência, de nome “A pintura e a escultura moderna no Brasil”, seguida de três solos de piano de Ernani Braga e três danças africanas de Villa-Lobos – compositor, aliás, tachado na ocasião de “talento ainda não cultivado o bastante”, por sua música “Privada de bom senso” e “Puramente africana”.

O dia 15 de fevereiro representou o auge da Semana, nos mais escandalosos termos. A nova literatura provocou irritação e algazarra no público presente. Destacam-se a palestra de Mario de Andrade, cujo texto depois se tornaria a publicação A escrava que não é Isaura, em que o autor defende enfaticamente o abrasileiramento da língua portuguesa, e a conferência sobre a estética moderna proferida por Paulo Menotti del Picchia, que provocou os ânimos da plateia, fazendo ecoar vaias pelos quatro cantos do Theatro.

Também nesse dia houve um sarau, que contou com a participação de diversos escritores, que tentavam falar no meio da gritaria da plateia. Nesse dia, Ronald de Carvalho leu o famoso poema “Os Sapos”, de autoria de Manuel Bandeira, que ridicularizava os parnasianos. Leia um trecho:

Os sapos

Enfunando os papos,
Saem da penumbra,
Aos pulos, os sapos.
A luz os deslumbra.

Em ronco que aterra,
Berra o sapo-boi:
— "Meu pai foi à guerra!"
— "Não foi!" — "Foi!" — "Não foi!".

O sapo-tanoeiro,
Parnasiano aguado,
Diz: — "Meu cancioneiro
É bem martelado.

Vede como primo
Em comer os hiatos!
Que arte! E nunca rimo
Os termos cognatos!

O meu verso é bom
Frumento sem joio
Faço rimas com
Consoantes de apoio.

Vai por cinquenta anos
Que lhes dei a norma:
Reduzi sem danos
A formas a forma.

Clame a saparia
Em críticas céticas:
Não há mais poesia,
Mas há artes poéticas . . .

[...]”

(Manuel Bandeira)

Mario de Andrade pronunciou também uma breve palestra, na escadaria interna do Theatro, sobre as obras de pintura. Vinte anos depois, o autor relembrou o episódio na obra O Movimento Modernista, comentando: “Como pude fazer uma conferência sobre artes plásticas, na escadaria do Theatro, cercado de anônimos que me caçoavam e ofendiam a valer?...”. A grande confusão da plateia só se acalmou com as apresentações que encerraram o dia: números de dança de Yvonne Daumerie e o concerto de piano de Guiomar Novais.

O evento de encerramento da Semana foi dedicado à música. Peças de Villa-Lobos foram executadas pelos diversos músicos participantes, com menos ruídos em vaias, mas não sem escapar às críticas ferinas dos conservadores.

Acesse também: Oswald de Andrade – um dos precursores do Modernismo no Brasil

Principais artistas da Semana de Arte Moderna de 1922
Arquitetos: Antonio Moya, Georg Przyrembel.
Escritores: Afonso Schmidt, Agenor Barbosa, Álvaro Moreyra, Elysio de Carvalho, Graça Aranha, Guilherme de Almeida, Luiz Aranha, Mario de Andrade, Menotti del Picchia, Oswald de Andrade, Ronald de Carvalho, Sérgio Millet, Tácito de Almeida.
Escultores: Wilhelm Haarberg, Hildegardo Leão Velloso, Victor Brecheret.
Músicos: Alfredo Gomes, Ernani Braga, Fructuoso Viana, Guiomar Novais, Heitor Villa-Lobos, Lucília Guimarães, Paulina de Ambrósio.
Pintores: Anita Malfatti, Antonio Paim Vieira, Emiliano Di Cavalcanti, Ferrignac, John Graz, Vicente do Rego Monteiro, Yan de Almeida Prado, Zina Aita.
Consequências da Semana de Arte Moderna de 1922
Polêmica, confusa, barulhenta, tida como “demasiado festiva” e “pouco moderna”, não se pode negar que a Semana de Arte Moderna de 1922 foi um marco, um divisor de águas no panorama artístico brasileiro. Ela escancarou as portas para uma grande liberdade no que diz respeito à produção e pesquisa estética no país, contribuindo para um florescimento intelectual e artístico. Na visão de Di Cavalcanti, o acontecimento da Semana extrapolou o campo cultural e repercutiu também na área política.

A Semana fez o papel de divulgação da arte moderna, que, por sua vez, cultivou o terreno para a consolidação de uma revolução artística e literária que tomou forma após 1922, quando foram lançados os manifestos de Oswald de Andrade e as obras fundamentais do Primeiro Modernismo brasileiro, tais como Macunaíma (Mario de Andrade), Memórias Sentimentais de João Miramar (Oswald de Andrade) e Ritmo Dissoluto (Manuel Bandeira).

Notas

[1] ANDRADE, Mário de. Aspectos da literatura brasileira. São Paulo: Martins, 1974. p. 23.

Créditos de imagem

[1]  Vinicius Bacarin / shutterstock"

Veja mais sobre "Semana de Arte Moderna de 1922" em: https://brasilescola.uol.com.br/literatura/semana-arte-moderna-1922.htm

Veja mais sobre "Semana de Arte Moderna de 1922" em: https://brasilescola.uol.com.br/literatura/semana-arte-moderna-1922.htm

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Marco oficial do Modernismo brasileiro, a Semana de Arte Moderna aconteceu em São Paulo (SP) e reuniu artistas das mais diversas áreas no Theatro Municipal de São Paulo ao longo dos dias 13 e 18 de fevereiro de 1922. Apresentações musicais e conferências intercalavam-se às exposições de escultura, pintura e arquitetura, com o intuito de introduzir ao cenário brasileiro as mais novas tendências da arte.

Influenciados pelas vanguardas europeias e pela renovação geral no panorama da arte ocidental, esses escritores, pintores, escultores, intelectuais e músicos uniram seus esforços para apresentar suas produções ao grande público. Reunião das tendências estéticas que tomavam forma em São Paulo e no Rio de Janeiro desde o início do século, a Semana de Arte Moderna também revelou novos grupos, novos artistas, novas publicações, tornando a arte moderna uma realidade cultural no Brasil.

Tópicos deste artigo

Resumo da Semana de Arte Moderna de 1922

Aconteceu entre 13 e 18 de fevereiro de 1922, no Theatro Municipal de São Paulo;

É considerada um marco no Modernismo brasileiro;

Congregou artistas de diversas áreas: pintura, escultura, arquitetura, música, dança, literatura;

Participaram, direta ou indiretamente, nomes célebres da arte brasileira, como Graça Aranha, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Ronald de Carvalho, Mario de Andrade, Anita Malfatti, Heitor Villa-Lobos, Victor Brecheret, Di Cavalcanti, Guiomar Novais, entre outros;

Pinturas e esculturas ficaram expostas no saguão do Theatro e causaram grande escândalo ao gosto público da época;

Conferências, saraus e apresentações de dança e música aconteceram em três dias do evento;

Consolidou o ambiente propício para a publicação de diversas obras que caracterizaram a Primeira Geração do Modernismo brasileiro (Geração de 20).

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Contexto histórico da Semana de Arte Moderna

Até o início do século XX, a escola artística tida como oficial no Brasil era o Parnasianismo. Caracterizado pelo rigor formal (preocupação com a forma do poema no que se refere à metrificação), pela proposta da "arte pela arte" e pelo academicismo e elevada erudição, o Parnasianismo havia sido a tendência estética dominante até então, especialmente na poesia, figurando em textos oficiais, como o Hino Nacional Brasileiro.

Como a grande maioria das escolas estéticas, o Parnasianismo foi importado da Europa. No continente europeu, contudo, vigorava outra proposta artística. As grandes reviravoltas da Revolução Industrial haviam instituído uma nova maneira de viver, modificando completamente as relações humanas. A luz elétrica e a rapidez dos automóveis e das produções fabris em larga escala transformaram a sociedade.

O advento da Primeira Guerra Mundial (1914-1918) e a destruição mortífera causada por ela também influenciaram social e filosoficamente os artistas do período. O início do século XX trouxe inúmeras mudanças ao modo de viver europeu; a arte, portanto, precisava acompanhar essas mudanças. Vinham à tona as vanguardas artísticas e, com elas, a consolidação da modernidade no âmbito da arte.

O Brasil, por sua vez, também começava a se modernizar. As primeiras indústrias começavam a se instalar na cidade de São Paulo, e a produção de café do interior paulista gerava grandiosa receita de exportação, transformando o estado em novo centro econômico brasileiro. Por esse motivo, a capital paulista foi o palco dos eventos da Semana de Arte Moderna, que contou com o patrocínio de diversos membros da burguesia industrial que ali se consolidava.

Além disso, 1922 foi o centenário da Independência do Brasil. Assim, o cenário era ideal para a renovação artística nacional, e esse foi um dos motes da Semana: a atualização intelectual da consciência nacional. O Brasil, que se transformava e se modernizava, precisava de um novo olhar artístico, sociocultural e filosófico que propusesse uma arte nacional original e atualizada, trazendo consigo um pensamento a respeito dos problemas brasileiros e da variedade cultural que se estendia por nosso vasto território.

Predecessora importante da Semana foi a Exposição de Pintura Moderna - Anita Malfatti, que ocorreu em 1917, também em São Paulo. Cinquenta e três obras da pintora foram apresentadas ao lado de obras de artistas internacionais ligados às vanguardas europeias. As telas impressionaram nomes que liderariam, depois, a Semana, como Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia e Di Cavalcanti.

A exposição também causou grande desaprovação da crítica conservadora, em especial Monteiro Lobato, que publicou uma crítica extremamente negativa, intitulada "Paranoia ou mistificação?". Com traços expressionistas, Malfatti trouxe ao Brasil uma nova estética, em exposição considerada o primeiro "estopim" para a idealização da Semana.

As novas tendências que floresciam com as vanguardas, grande período de experimentação do início do século XX, deram aos artistas brasileiros a possibilidade de trabalhar com novas linguagens, novos materiais e novas propostas, a fim de renovar a arte nacional. Mas, diferente do Parnasianismo, não houve uma incorporação completa dessas estéticas - não se importou para o Brasil o cubismo ou o expressionismo em busca de se desenvolver aqui uma escola análoga.

Os artistas que iniciaram o Modernismo brasileiro aproveitaram-se desses novos procedimentos e técnicas, desse rompimento com o academicismo, para reelaborar o cenário artístico nacional.

"O modernismo, no Brasil, foi uma ruptura, foi um abandono de princípios e de técnicas consequentes, foi uma revolta contra o que era a Inteligência nacional." [1]

Veja também: A representação do negro na literatura brasileira

Como foi a Semana de Arte Moderna de 1922?

Entre os dias 11 e 18 de fevereiro, o Theatro Municipal de São Paulo permaneceu aberto para visitação. Em seu saguão, instalou-se uma exposição de pintura e escultura. Obras de Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Victor Brecheret, entre outros, escandalizaram o gosto público brasileiro, nada acostumado às novas formas de representação propostas pelo modernismo.

Vaias, burburinhos e agitação geral só aumentaram ao longo da Semana. Além da exposição, o evento contou com três festivais, que envolviam apresentações de música, dança, declamações de poesia e conferências, a acontecer nos dias 13, 15 e 17 de fevereiro.

No início do século XX, foram os saguões e salões do Theatro Municipal que abrigaram os eventos da Semana de Arte Moderna de 1922.

Graça Aranha, que à época já era um aclamado escritor e intelectual brasileiro, fez as honras da abertura do festival, no dia 13, com a conferência intitulada "A emoção estética da arte moderna". Ele foi ouvido respeitosamente pelo público e declamou versos de Guilherme de Almeida e Ronald de Carvalho, acompanhado de músicas executadas pelo maestro Ernani Braga.

Ainda no dia 13, o já citado poeta Ronald de Carvalho esteve à frente de sua própria conferência, de nome "A pintura e a escultura moderna no Brasil", seguida de três solos de piano de Ernani Braga e três danças africanas de Villa-Lobos - compositor, aliás, tachado na ocasião de "talento ainda não cultivado o bastante", por sua música "Privada de bom senso" e "Puramente africana".

O dia 15 de fevereiro representou o auge da Semana, nos mais escandalosos termos. A nova literatura provocou irritação e algazarra no público presente. Destacam-se a palestra de Mario de Andrade, cujo texto depois se tornaria a publicação A escrava que não é Isaura, em que o autor defende enfaticamente o abrasileiramento da língua portuguesa, e a conferência sobre a estética moderna proferida por Paulo Menotti del Picchia, que provocou os ânimos da plateia, fazendo ecoar vaias pelos quatro cantos do Theatro.

Também nesse dia houve um sarau, que contou com a participação de diversos escritores, que tentavam falar no meio da gritaria da plateia. Nesse dia, Ronald de Carvalho leu o famoso poema "Os Sapos", de autoria de Manuel Bandeira, que ridicularizava os parnasianos. Leia um trecho:
Os sapos
Enfunando os papos,
Saem da penumbra,
Aos pulos, os sapos.
A luz os deslumbra.

Em ronco que aterra,
Berra o sapo-boi:
- "Meu pai foi à guerra!"
- "Não foi!" - "Foi!" - "Não foi!".

O sapo-tanoeiro,
Parnasiano aguado,
Diz: - "Meu cancioneiro
É bem martelado.

Vede como primo
Em comer os hiatos!
Que arte! E nunca rimo
Os termos cognatos!

O meu verso é bom
Frumento sem joio
Faço rimas com
Consoantes de apoio.

Vai por cinquenta anos
Que lhes dei a norma:
Reduzi sem danos
A formas a forma.

Clame a saparia
Em críticas céticas:
Não há mais poesia,
Mas há artes poéticas . . .

[...]"

(Manuel Bandeira)

Mario de Andrade pronunciou também uma breve palestra, na escadaria interna do Theatro, sobre as obras de pintura. Vinte anos depois, o autor relembrou o episódio na obra O Movimento Modernista,comentando: "Como pude fazer uma conferência sobre artes plásticas, na escadaria do Theatro, cercado de anônimos que me caçoavam e ofendiam a valer?...". A grande confusão da plateia só se acalmou com as apresentações que encerraram o dia: números de dança de Yvonne Daumerie e o concerto de piano de Guiomar Novais.

O evento de encerramento da Semana foi dedicado à música. Peças de Villa-Lobos foram executadas pelos diversos músicos participantes, com menos ruídos em vaias, mas não sem escapar às críticas ferinas dos conservadores.

Acesse também: Oswald de Andrade - um dos precursores do Modernismo no Brasil

Principais artistas da Semana de Arte Moderna de 1922

Arquitetos: Antonio Moya, Georg Przyrembel.

Escritores: Afonso Schmidt, Agenor Barbosa, Álvaro Moreyra, Elysio de Carvalho, Graça Aranha, Guilherme de Almeida, Luiz Aranha, Mario de Andrade, Menotti del Picchia, Oswald de Andrade, Ronald de Carvalho, Sérgio Millet, Tácito de Almeida.

Escultores: Wilhelm Haarberg, Hildegardo Leão Velloso, Victor Brecheret.

Músicos: Alfredo Gomes, Ernani Braga, Fructuoso Viana, Guiomar Novais, Heitor Villa-Lobos, Lucília Guimarães, Paulina de Ambrósio.

Pintores: Anita Malfatti, Antonio Paim Vieira, Emiliano Di Cavalcanti, Ferrignac, John Graz, Vicente do Rego Monteiro, Yan de Almeida Prado, Zina Aita.

Consequências da Semana de Arte Moderna de 1922

Polêmica, confusa, barulhenta, tida como "demasiado festiva" e "pouco moderna", não se pode negar que a Semana de Arte Moderna de 1922 foi ummarco, um divisor de águas no panorama artístico brasileiro. Ela escancarou as portas para uma grande liberdade no que diz respeito à produção e pesquisa estética no país, contribuindo para um florescimento intelectual e artístico. Na visão de Di Cavalcanti, o acontecimento da Semana extrapolou o campo cultural e repercutiu também na área política.

A Semana fez o papel de divulgação da arte moderna, que, por sua vez, cultivou o terreno para a consolidação de uma revolução artística e literária que tomou forma após 1922, quando foram lançados os manifestos de Oswald de Andrade e as obras fundamentais do Primeiro Modernismo brasileiro, tais como (Mario de Andrade), Memórias Sentimentais de João Miramar (Oswald de Andrade) e Ritmo Dissoluto (Manuel Bandeira).

[1] ANDRADE, Mário de. Aspectos da literatura brasileira. São Paulo: Martins, 1974. p. 23.

[1] Vinicius Bacarin / shutterstock

Por Luiza Brandino
Professora de Literatura

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Semana de Arte Moderna de 1922: como foi esse evento - Brasil Escola

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Marco oficial do Modernismo brasileiro, a Semana de Arte Moderna aconteceu em São Paulo (SP) e reuniu artistas das mais diversas áreas no Theatro Municipal de São Paulo ao longo dos dias 13 e 18 de fevereiro de 1922.

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Estes áudios originais da Rádio MEC

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Semana de Arte Moderna 100 anos - Programa 1: Origens do Moderno nas Artes

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Listen to this episode from Originais Rádio MEC on Spotify. Este primeiro programa da série especial dedicada ao centenário da Semana de Arte Moderna de 1922 fornece um panorama a respeito dos primórdios do moderno, abrangendo desde o surgimento das vanguardas artísticas europeias até a cena literária e musical do Brasil na virada do século XIX para o XX.

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Descrição do episódio

Este segundo programa da série especial dedicada ao centenário da Semana de Arte Moderna de 1922 nos fornece um panorama da cena artística no Rio de Janeiro e em São Paulo nos anos 1910. É essa cena artística que prepara terreno para a ocorrência da Semana de Arte Moderna. Este programa conta com entrevistas do maestro e professor da UNESP Lutero Rodrigues; do musicólogo, pianista e professor da UFPel, Luiz Guilherme Goldberg; da pesquisadora da Fundação Casa de Rui Barbosa, Mônica Velloso; do compositor, gestor cultural e presidente da Academia Brasileira de Música em 2022, João Guilherme Ripper;

do musicólogo da UNESP Paulo Castagna; da professora, pesquisadora e autora de “Totens e tabus da modernidade brasileira: símbolo e alegoria em Oswald de Andrade”, Lúcia Helena; do violonista e diretor do Museu Villa-Lobos por 24 anos, Turíbio Santos; do autor de “Neve na manhã de São Paulo”, José Roberto Walker; do coordenador de programação cultural da Casa Mário de Andrade, Marcelo Tupinambá; dos co-autores do livro “Semana de 22: antes do começo, depois do fim”, José e Lucas de Nicola; do compositor e autor do livro “O que se ouviu e o que não se ouviu na Semana de 22”, Lívio Tragtemberg e do autor do livro “Eu sou trezentos – Mário de Andrade, vida e obra”, Eduardo Jardim – todas concedidas à produção da nossa série.

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Semana de Arte Moderna 100 anos - Programa 2

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Listen to this episode from Originais Rádio MEC on Spotify. Este segundo programa da série especial dedicada ao centenário da Semana de Arte Moderna de 1922 nos fornece um panorama da cena artística no Rio de Janeiro e em São Paulo nos anos 1910.

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Descrição do episódio

A semana de Arte Moderna de 1922: leituras, músicas, polêmicas

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Semana de Arte Moderna 100 anos - Programa 3

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Listen to this episode from Originais Rádio MEC on Spotify. A semana de Arte Moderna de 1922: leituras, músicas, polêmicas

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Descrição do episódio

Este quarto programa da série especial dedicada ao centenário da Semana de Arte Moderna traz ao debate questões importantes como as faces do nacionalismo no Brasil, sua relação com os modernistas e alguns dos mais emblemáticos trabalhos de Villa-Lobos, Mário de Andrade e Oswald de Andrade. Este programa conta com entrevistas do maestro e professor da UNESP Lutero Rodrigues, do musicólogo da UNESP Paulo Castagna; do coordenador de programação cultural da Casa Mário de Andrade Marcelo Tupinambá; do coautor do livro Semana de 22: antes do começo, depois do fim, José de Nicola; do compositor e autor do livro O que se ouviu e o que não se ouviu na Semana de 22, Lívio Tragtemberg; do músico Lincoln Antônio; e do autor do livro Eu sou trezentos – Mário de Andrade, vida e obra, Eduardo Jardim – todas concedidas à produção da nossa série. Músicas (íntegra e citações): Urubu - Pixinguinha O Guarani - Carlos Gomes Nhô Chico - Luciano Gallet Apanhei-te cavaquinho - Ernesto Nazareth Pierrot Lunair - Schoenberg Sound Poem - Hugo Ball Choros número 10 “Rasga coração” – Heitor Villa-Lobos Dança brasileira – Camargo Guarnieri Que lindos olhos - Domínio Público / Arranjo do Guia Prático de Villa-Lobos Brasiliana – Claudio Santoro Trechos de textos dos seguintes autores: Hugo Ball – Manifesto dadaísta Oswald de Andrade – Manifesto da poesia pau-brasil Cassiano Ricardo - ladainha I Mário de Andrade – Romance Macunaíma Oswald de Andrade – Manifesto antropófago Raul Bopp - Herança Mário de Andrade – Artigo Ensaio sobre a música brasileira Carlos Drummond de Andrade - Murilo Mendes – Poema Família russa no Brasil Mário de Andrade – Conferência de 1942 Cassiano Ricardo - Vou me embora pra Brasília Semana de Arte Moderna e o modernismo no Brasil Apresentação: Alessandra Lago Locução de créditos: Raquel Ricardo Locução e narração de textos: Sidney Ferreira Produção: Carol Barreto Edição: Silas Mendes Coordenação: Adriana Ribeiro

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Semana de Arte Moderna 100 anos - Programa 4

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Listen to this episode from Originais Rádio MEC on Spotify. Este quarto programa da série especial dedicada ao centenário da Semana de Arte Moderna traz ao debate questões importantes como as faces do nacionalismo no Brasil, sua relação com os modernistas e alguns dos mais emblemáticos trabalhos de Villa-Lobos, Mário de Andrade e Oswald de Andrade.

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Descrição do episódio

O quinto e último programa da série especial da Rádio MEC dedicada ao centenário da Semana de Arte Moderna traz ecos e contrapontos do modernismo paulista na arte brasileira a partir da década de 1960. Na programação, a música de Villa-Lobos e as idéias e textos de Oswald de Andrade e Mário de Andrade são vertidos em cinema novo, tropicalismo e canção.

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Semana de Arte Moderna 100 anos - Programa 5

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Listen to this episode from Originais Rádio MEC on Spotify. O quinto e último programa da série especial da Rádio MEC dedicada ao centenário da Semana de Arte Moderna traz ecos e contrapontos do modernismo paulista na arte brasileira a partir da década de 1960.

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Se em pleno 2022 as redes sociais se tornaram o espaço privilegiado para quiproquós, altercações, textões e outras tretas, na era pré-internet a situação era um pouco mais complicada. Na falta de um celular à mão ou de um feed que instasse "No que você está pensando, fulano?", o que faziam os descontentes? Publicavam textão, mas no jornal. Ainda mais quando um dos envolvidos já era uma voz conceituada na elite pensante da época, em suma, um real influencer.

E foi isso que Monteiro Lobato fez. Em dezembro de 1917, após visitar a "Exposição de Pintura Moderna", organizada e protagonizada por Anita Malfatti, em São Paulo, o autor soltou os cachorros em sua coluna no jornal O Estado de S. Paulo para falar sobre a "arte anormal" que a artista estava trazendo para o Brasil.

Na crítica chamada originalmente de "A propósito da exposição Malfatti", mas que ficou conhecida como "Paranoia ou mistificação?", Lobato condena veementemente as 53 obras expostas, a maioria pintada por Malfatti durante uma viagem aos Estados Unidos.

Neste texto, o GUIA conta o que diz, afinal, uma das cartas abertas mais polêmicas da história da arte brasileira. Também conversamos com um professor de literatura para entender o que a reação de Monteiro Lobato diz sobre o cenário artístico, político e social do país no momento de gênese do modernismo.
+ Semana de Arte Moderna: veja como o tema pode cair no vestibular
O que está escrito em "Paranoia ou mistificação?"

O artigo começa com o autor afirmando que existem duas "espécies" de artistas. A primeira delas seria aquela "composta dos que vêem normalmente as coisas e em consequência disso fazem arte pura, guardando os eternos ritmos da vida, e adotados para a concretização das emoções estéticas, os processos clássicos dos grandes mestres".

Como foram, segundo Lobato, Rafael Sanzio, Rembrandt, Auguste Rodin, Peter Paul Rubens e Praxiteles (famoso escultor da Grécia Antiga).

A outra seria "formada pelos que vêem anormalmente a natureza, e interpretam-na à luz de teorias efêmeras, sob a sugestão estrábica de escolas rebeldes, surgidas cá e lá como furúnculos da cultura excessiva".

O autor enxerga a arte dessa segunda classe de artistas como resultado do cansaço, do sadismo e da decadência - os modernistas, para ele, estão incluídos na lista. Em sua visão, para nada mais servem do que "desnortear, aparvalhar o espectador". Seriam como "estrelas cadentes, brilham um instante, as mais das vezes com a luz de escândalo, e somem-se logo nas trevas do esquecimento".

Lobato não poupa impropérios para deixar claro o seu desprezo sobre a então nascente arte moderna. Para ele, nada a diferencia das pinturas feitas por pacientes em hospitais psiquiátricos. "A única diferença reside em que nos manicômios esta arte é sincera, produto ilógico de cérebros transtornados pelas mais estranhas psicoses", escreve, ressaltando a falta de autenticidade dos artistas modernistas.

Os responsáveis por esse movimento, segundo o autor do Sítio do Picapau Amarelo, seriam os "americanos malucos" que se deixaram levar pelas palavras da imprensa. Até mesmo a crítica especializada não ficou de fora do radar do escritor: "teorizam aquilo com grande dispêndio de palavrório técnico, descobrem nas telas intenções e subintenções inacessíveis ao vulgo, justificam-nas com a independência de interpretação do artista e concluem que o público é uma cavalgadura e eles, os entendidos, um pugilo genial de iniciados da Estética Oculta".

Nos momentos em que cita diretamente a "srta. Malfatti", Lobato expressa um teor quase paternalista. Não se acanha em dizer que a jovem possui um talento vigoroso, "fora do comum", que é "inventiva" e "original". Mas assume que ela foi "seduzida pelas teorias do que ela chama arte moderna", colocando todo o seu talento "a serviço duma nova espécie de caricatura".

Malfatti havia acabado de chegar de uma viagem aos Estados Unidos, onde estreitou suas relações com os expressionistas. A aproximação com estes artistas já havia começado em sua viagem anterior, à Berlim - roteiro diferente daqueles feitos pelos artistas brasileiros, que costumavam passar temporadas na França ou na Itália. Outras vanguardas como futurismo, cubismo e impressionismo ainda não haviam aportado com força no Brasil.

Na conclusão de sua crítica sobre a exposição de Malfatti, é possível notar que Lobato acreditava estar fazendo um favor a ela, afirmando que o "verdadeiro amigo de um artista não é aquele que o entontece de louvores, e sim o que lhe dá uma opinião sincera, embora dura".

Algumas análises apontam ainda certo machismo por parte do escritor, já que em alguns trechos afirma que se Malfatti fosse "apenas uma 'moça que pinta'", sem grandes talentos, não seria "merecedora da alta homenagem que é tomar a sério o seu talento dando a respeito da sua arte uma opinião sinceríssima". Para ele, "os homens têm o vezo de não tomar a sério as mulheres. Essa é a razão de lhes darem sempre amabilidades quando elas pedem opinião."

Caso tenha ficado curioso para saber quais obras de Malfatti estavam expostas, algumas estão reunidas neste link. Já para ler a crítica completa de Lobato à Anita Malfatti, você pode acessá-la aqui.
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A crítica de Monteiro Lobato revela uma visão conservadora com relação às artes visuais. O que pode soar estranho, já que, como escritor, desenvolveu importantes contribuições para literatura considerada modernista.

"O autor não era adepto do Modernismo, por acreditar - equivocadamente - que seus precursores e a renovação estética que se propunham afastaria as manifestações artísticas de temas de interesse dos brasileiros", explica o professor de literatura e autor do material didático do Anglo, Maurício Soares Filho.

"A principal crítica do texto 'Paranoia ou mistificação' se refere ao abandono da preocupação da artista em representar a realidade de forma tradicional", afirma. "Essa atitude soava para Monteiro Lobato como uma tentativa de imitar artistas que despontavam na Europa à época".

Para Lobato, os artistas que se nomeavam modernos no Brasil eram como bajuladores e copiadores da arte europeia vigente.

De acordo com o professor, quando Lobato menciona os artistas que "veem anormalmente a natureza, e interpretam-na à luz de teorias efêmeras, sob a sugestão estrábica de escolas rebeldes" está se referindo ao abandono da mimesis aristotélica, ou seja, da negação da necessidade de representação fiel da realidade nas artes visuais.

O curioso é que, ainda na infância, Lobato tinha o desejo de ser artista plástico. Nascido na cidade de Taubaté, interior de São Paulo, era neto de um visconde e foi impedido pela família de seguir caminho artístico, tendo se formando, então, em Direito pelo Largo São Francisco.

Qual foi a reação da "srta. Malfatti"?

Não há registros de que Anita Malfatti tenha respondido a Monteiro Lobato. Sua exposição ficou em cartaz até janeiro, mas é inegável os impactos da crítica do escritor na carreira da jovem pintora.

"A artista tinha conseguido vender algumas de suas telas na noite de abertura da exposição de 1917. Ela precisava desse dinheiro para pagar um empréstimo que fizera para custear seus estudos na Alemanha e nos Estados Unidos, mas alguns compradores desistiram da compra após a publicação da crítica no dia seguinte", conta o professor.

Além de dívidas, há quem diga que a recepção da crítica alterou a rota do trabalho de Malfatti.

"Ainda assim, alguns críticos afirmam que a aproximação de uma pintura mais realista que representasse o Brasil, se afastando das propostas das vanguardas, teria sido uma opção de Anita, apenas desencadeada pelo Monteiro Lobato", explica.

Influência para a Semana de 22

O debate levantado por Monteiro Lobato em seu texto aqueceu as discussões na comunidade artística brasileira da época.

Enquanto alguns concordaram com ele, outros agiram em defesa de Malfatti e publicaram artigos a favor da arte moderna e da pintora. Oswald de Andrade e Mário de Andrade, alguns destes defensores, futuramente também se consolidariam como grandes figuras do movimento modernista no Brasil.

"A reunião de artistas em torno de Anita em função da publicação de Monteiro Lobato foi a semente para que o diálogo sobre artes avançasse. A Semana de Arte Moderna é uma das consequências dessa aproximação de pessoas interessadas no assunto, com o apoio de uma elite aristocrata que contribuiu para realizar o evento", diz o professor.

A Semana, que ocorreu entre 13 e 17 de fevereiro de 1922, cinco anos depois do texto de Lobato, é considerada um marco referencial para a arte moderna no país.

"De forma geral, a arte moderna (aqui abordando o que se considera a 1ª fase do Modernismo brasileiro) tem a preocupação de dialogar criticamente com a realidade do país, explicitando características e contradições e convidando o público a refletir sobre essa realidade a partir da provocação apresentada tanto nas obras visuais quanto nos trabalhos literários", explica.

Anita hesitou em participar da Semana, mas cedeu aos pedidos de Mário e Oswald de Andrade.

Em 2017, o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM) realizou a exposição "Anita Malfatti: 100 anos de Arte Moderna", comemorando o centenário da polêmica exposição de 1917.

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Desavença modernista: por que Monteiro Lobato cancelou Anita Malfatti?

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Se em pleno 2022 as redes sociais se tornaram o espaço privilegiado para quiproquós, altercações, textões e outras tretas, na era pré-internet a situação era um pouco mais complicada. Na falta de um celular à mão ou de um feed que instasse "No que você está pensando, fulano?", o que faziam os descontentes?

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É possível dizer que o centenário da Semana de Arte Moderna de 1922 vem levantando debates e críticas que, de certa forma, rememoram alguns dos questionamentos que o evento recebeu quando foi realizado, mas acrescentam novos e importantes pontos à discussão.

Idealizado por artistas que se tornaram símbolo do modernismo brasileiro, o acontecimento ambicionava romper com a linguagem tradicional da época e retratar uma identidade genuinamente brasileira. Mas, já na época, foi muito questionado.

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Excludente, elitista e patriarcal: pesquisadora amplia olhar crítico sobre Semana de 22

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A escritora Márcia Camargos fala sobre o legado, a importância e as contradições do evento modernista