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Séance de projection publique le lundi 14 novembre au cinéma au Foyer Cinéma

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Séance de projection publique le lundi 14 novembre au cinéma au Foyer Cinéma

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Présentation du film en salle par Maëlle et Kylian

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Séance de projection publique lundi 5 décembre à 16h au Foyer Cinéma

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Séance de projection publique lundi 5 décembre à 16h au Foyer Cinéma

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Présentation du film en salle par Gabriel et Camille

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Critique Interdit aux chiens et aux italiens

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Critique Interdit aux chiens et aux italiens

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Lysia

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Objectif : découvrir des critiques des années précédentes

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Objectif : découvrir des critiques des années précédentes

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Objectif : découvrir les sites partenaires et aborder la critique cinématographique 

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Objectif : découvrir les sites partenaires et aborder la critique cinématographique 

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Objectif : travailler le vocabulaire de l'image et l'analyse filmique

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Objectif : travailler le vocabulaire de l'image et l'analyse filmique

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- S'engager en tant qu'acteurs et jury dans le processus de choix d'un film
- S'ouvrir à la création cinématographique contemporaine
- Développer l'esprit critique par l'échange et la confrontation à d'autres jugements

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Séance de projection publique : lundi 26 septembre à 16h au Foyer Cinéma

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Séance de projection publique : lundi 26 septembre à 16h au Foyer Cinéma

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Présentation du film en salle par Lysia et Parsa

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Séance de projection publique du lundi 24 avril

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Séance de projection publique du lundi 24 avril

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Présentation du film en salle par Arthur et Olivier

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Le prix Jean Renoir des lycéens - Définition

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Le prix Jean Renoir des lycéens - Définition

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Ressources à consulter régulièrement - Site eduscol.education.fr

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éduscol | Ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse - Direction générale de l'enseignement scolaire

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Ministère de l'Education Nationale et de la Jeunesse

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Le film “Le diable n’existe pas”, de Mohammad Rasoulof remporte le prix Jean Renoir des Lycéens 2022. Chaque année le Prix Jean Renoir des lycéens, est décerné par des lycéens qui deviennent jury de films et choisissent le lauréat parmi sept films français et européens sortis en salle dans l’année.

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Cinéma partenaire : Foyer Cinéma St Symphorien sur Coise 

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Cinéma partenaire : Foyer Cinéma St Symphorien sur Coise 

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Cinéma Foyer Cinéma, 210 rue Chanoine Pavailler, 69590 Saint Symphorien sur Coise

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Cinéma Foyer Cinéma à Saint-Symphorien-sur-Coise

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Cinéma Foyer Cinéma, 210 rue Chanoine Pavailler, 69590 Saint Symphorien sur Coise Actu ciné, avant première, évènements, découvrez toute l'actualité du cinéma Foyer Cinéma. Votre cinéma Foyer Cinéma, les salles, l'équipement, infos... Contactez votre cinéma Foyer Cinéma, formulaire de contact, plan d'accès... Haut de page

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Découvrir les critiques des lauréats de la sélection 2021-22

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Découvrir les critiques des lauréats de la sélection 2021-22

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Site Eduscol

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Site Eduscol

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Regards en vidéo sur le prix Jean Renoir

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Regards en vidéo sur le prix Jean Renoir

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Prix Jean Renoir des Lycéens by Eduscol - Dailymotion

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Watch the playlist Prix Jean Renoir des Lycéens by Eduscol on Dailymotion

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Soutien à la création cinéma, séries, TV, jeu vidéo

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Le CNC soutient la création : cinéma, séries, TV, jeu vidéo, création numérique, le CNC aide les projets, accompagne les créateurs d’aujourd’hui et de demain.

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fédération nationale des cinémas français

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Fédération Nationale des Cinémas Français

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FNCF - La Fédération Nationale des Cinémas Français

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La FNCF représente l'ensemble des salles de cinéma françaises dans toute leur diversité.

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Pour travailler le vocabulaire de l'image

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Pour travailler le vocabulaire de l'image

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Initiation au vocabulaire de l'analyse filmique (cours de cinéma en ligne)

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Un cours de cinéma en ligne, illustré par des extraits de films, des jeux et des exemples d'analyse filmique. Devenez incollable sur le vocabulaire du cinéma..

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Bande annonce : Revoir Paris d'Alice Winocour, 2022, 1h45

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Bande annonce : Revoir Paris d'Alice Winocour, 2022, 1h45

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Revoir Paris - Bande-annonce officielle HD

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Un site de critiques cinématographiques : Le bleu du miroir

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Un site de critiques cinématographiques : Le bleu du miroir

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LE BLEU DU MIROIR | Critiques cinématographiques

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LE BLEU DU MIROIR | Critiques de films, interviews, festivals...

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LE BLEU DU MIROIR : Critiques et actualités cinématographiques, festivals de cinéma, rencontres et interviews de réalisateurs et comédiens, jeux-concours...

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Un site de critiques cinématographiques : Le rayon vert

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Un site de critiques cinématographiques : Le rayon vert

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Prix Jean Renoir des lycéens 2023 : la carte postale d'Alice Winocour

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Prix Jean Renoir des lycéens 2023 : Alice Winocour explique le choix de Virginie Efira

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Prix Jean Renoir des lycéens 2023 : Alice Winocour explique en quoi le tournage a été compliqué

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Comment s'est passé la scène de l'attentat ? 

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Comment s'est passé la scène de l'attentat ? 

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Prix Jean Renoir des lycéens 2023 : Alice Winocour explique les choix pour la scène de l'attentat

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Prix Jean Renoir des lycéens 2023 : Alice Winocour explique ses choix pour l'ambiance sonore

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la lumièrePrix Jean Renoir des lycéens 2023 : Alice Winocour explique son travail sur la lumière

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Prix Jean Renoir des lycéens 2023 : Alice Winocour explique le cross-gendre dans son film

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à propos du film, Alice Winocour à la quinzaine des réalisateurs

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à propos du film, Alice Winocour à la quinzaine des réalisateurs

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20 mai 2022 sur RTS.ch

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L'invitée: Alice Winocour "Revoir Paris" en direct de Cannes

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"Revoir Paris" est le nouveau film de la réalisatrice Alice Winocour, avec Virginie Efira et Benoît Magimel. Il est présenté à la Quinzaine des Réalisateurs au Festival de Cannes 2022. "A Paris, Mia est prise dans un attentat dans une brasserie.

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Pour découvrir la biographie et la filmographie d'Alice Winocour

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Pour découvrir la biographie et la filmographie d'Alice Winocour

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Alice Winocour, née à Paris le , est une réalisatrice et scénariste française.

Après un parcours en droit (maîtrise de Droit Pénal) et des études à La Fémis en département scénario, Alice Winocour réalise trois courts métrages. Le premier, Kitchen, est sélectionné en compétition officielle à Cannes en 2005 où il reçoit le prix Gras Savoy du court métrage. Avant de réaliser son premier long métrage, Alice Winocour participe à l'écriture de Home d'Ursula Meier (Semaine de la Critique, 2008) puis co-signe le scénario du film de Vladimir Perisic, Ordinary people (sorti en 2009), sélectionné à la Semaine de la critique en 2009.

Son premier long métrage, , qui se fonde sur les relations entre le professeur Charcot et sa patiente Augustine, a été présenté au Festival de Cannes 2012 dans le cadre de la Semaine de la critique.

En 2014, elle co-écrit avec sa réalisatrice le scénario du film Mustang, présent en 2015 à la Quinzaine des réalisateurs, et qui représente la France pour les Oscars.

Depuis 2016 elle est membre de l'Académie of Motion pictures (AMPAS).

Son second long métrage, , qui réunit Diane Kruger et Mathias Schoenaerts, est en compétition dans la sélection Un certain regard au Festival de Cannes 2015 et est présenté au Festival international du film de Toronto (TIFF 2015) en séance de Gala.

En 2016, elle fait partie du jury de la Semaine de la critique lors du festival de Cannes 2016. Elle fait partie du jury de la Compétition internationale du festival international de Deauville en 2017.

En 2018, elle collabore à l'écriture du scénario de de Maïmouna Doucouré, qui a gagné le prix du scénario à Sundance.

Son troisième film, , qui réunit Eva Green et Matt Dillon, gagne une mention spéciale au Festival international du film de Toronto 2019 et le prix du Jury au Festival international du film de Saint-Sébastien 2019. Le film se veut ouvertement féministe, et la cinéaste s'en explique dans les colonnes de La Septième Obsession :

" Je voulais montrer une super-héroïne qui est aussi mère. On montre rarement ces deux aspects dans un même corps. Je voulais rendre hommage à ces femmes qui essaient de concilier leur rêve et leur vie privée. "

Elle est membre du Collectif 50/50 qui a pour but de promouvoir l' égalité des femmes et des hommes et la diversité dans le cinéma et l' audiovisuel,.

Comme scénariste

Comme réalisatrice

Sélection en Compétition officielle, Prix Gras Savoye du producteur et du réalisateur de court-métrage - Festival de Cannes 2005

Grand Prix, Turin (2005)

Prix TV5 du meilleur court-métrage francophone - Festival international du film et de la télévision de Genève (Cinéma Tous Écrans) (2005)

Meilleur court-métrage international - Festival international du cinéma francophone en Acadie de Moncton (2005)

Mention spéciale - Ludwigsburg, Biennale européenne du court-métrage (2005)

Ours d'argent - Festival des Nations d'Ebensee (2006)

Notes et références

Sur les autres projets Wikimedia :

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Alice Winocour, née à Paris le , est une réalisatrice et scénariste française. Après un parcours en droit (maîtrise de Droit Pénal) et des études à La Fémis en département scénario, Alice Winocour réalise trois courts métrages. Le premier, Kitchen, est sélectionné en compétition officielle à Cannes en 2005 où il reçoit le prix Gras Savoy du court métrage.

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Blow up, l'actualité du cinéma (ou presque) - Arte

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Blow up, l'actualité du cinéma (ou presque) - Arte

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cinéma arte télévision web culture films movies "blow up" cinema analyse

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Blow Up, l'actualité du cinéma (ou presque) - ARTE

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Blow Up, l'actualité du cinéma (ou presque) par ARTE. Retrouvez nos vidéos chaque semaine ! http://www.arte.tv/blowup

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Interview d'Alice Winocour et de Benoît Magimel - Festival de Cannes 2022

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Interview d'Alice Winocour et de Benoît Magimel - Festival de Cannes 2022

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Après le drame, se reconstruire : L'interview de Benoît Magimel & Alice Winocour — Cannes 2022

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Découvrir la biographie et la filmographie de Jean Renoir 

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Découvrir la biographie et la filmographie de Jean Renoir 

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Site cineclubdecaen.com

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L'humanisme de Jean Renoir s'accommode mal de la simplicité et réclame le mouvement pour s'accomplir.

"Le drame dans ce monde, c'est que chacun à ses raisons", constate avec mélancolie Octave, interprété par Jean Renoir, dans La règle du jeu. Rien n'est simple et l'homme, bien souvent mu par des passions mécaniques, ne peut se révéler qu'en endossant plusieurs rôles, en changeant de personnalité, en trouvant pour lui-même la personnalité qui lui convient le mieux. Chez Renoir, seuls les êtres tragiques (Emma Bovary, Etienne Lantier, von Rauffenstein...) restent enfermés en eux-mêmes.

La règle du jeu fait coexister l'image actuelle des hommes et l'image virtuelle des bêtes, l'image actuelle des vivants et l'image virtuelle des automates, l'image actuelle des personnages et l'image virtuelle de leur rôle pendant la fête, l'image actuelle des maîtres et leur image virtuelle chez les domestiques, l'image actuelle des domestiques et leur image virtuelle chez les maîtres. Tout est image en miroir, échelonnées en profondeur. La profondeur de champ assure d'abord un emboîtement de cadres, une cascade de miroirs, un système de rimes. Elle a pour fonction de constituer l'image en cristal, d'absorber le réel qui passe ainsi dans le virtuel autant que dans l'actuel. Mais, chez Renoir, la profondeur de champ ménage toujours un fond par lequel quelque chose peut fuir : la fêlure.

"Où donc commence le théâtre, où commence la vie ?" reste toujours la question posée par Renoir. Selon Renoir, le théâtre est inséparable, à la fois pour les personnages et pour les acteurs, de cette entreprise qui consiste à expérimenter et sélectionner des rôles jusqu'à ce qu'on trouve celui qui déborde du théâtre et entre dans la vie.

Pour Renoir, le théâtre est premier parce que la vie doit en sortir. Le théâtre ne vaut que comme recherche d'un art de vivre, c'est ce que comprend le couple disparate du Petit théâtre. On naît dans un cristal, mais le cristal ne retient que la mort, et la vie doit en sortir après s'être essayée. Même adulte, le professeur du Déjeuner sur l'herbe connaîtra cette aventure. La danse déchaînée à la fin de French Cancan n'est pas une ronde, un reflux de la vie dans le circuit, dans la scène de théâtre, comme chez Ophuls, mais au contraire un galop, une façon dont le théâtre s'ouvre à la vie, se déverse dans la vie entraînant Nini dans une eau courante agitée. A la fin du Carrosse d'or, trois personnages auront trouvé leur rôle vivant, tandis que Camilla restera dans le cristal, mais pour y essayer encore des rôles dont l'un lui fera peut-être découvrir la vraie Camilla.

Dans ses moments pessimistes, Renoir doute qu'il puisse y avoir un gagnant : alors il n'y a plus que les coups de feu du garde qui font exploser le cristal comme dans La règle du jeu, ou les remous de la rivière sous l'orage piquée par la pluie dans Partie de campagne. Mais, suivant son tempérament, Renoir parie pour un gain : quelque chose se forme à l'intérieur du cristal, qui réussira à sortir par la fêlure et à s'épanouir librement. C'est déjà le cas de Boudu, qui retrouve le fils de l'eau en sortant du théâtre intime et renfermé du libraire où il a essayé beaucoup de rôles. Ce sera le cas de Harriet dans Le fleuve, où les enfants abrités dans une sorte de cristal ou de kiosque hindou essaient des rôles, dont certains tournent au tragique, comme meurt tragiquement le petit frère, mais dont la jeune fille fait faire son apprentissage, jusqu'à ce qu'elle y trouve la puissante volonté de vie qui se confond avec le fleuve et le rejoint au dehors.
2- Biographie
Jean Renoir est né à Paris le 15 septembre 1894. Il est le deuxième fils du peintre Auguste Renoir (1841-1919), auquel il consacrera en 1962 un livre de souvenirs. Son frère aîné Pierre (1885-1952) sera acteur de théâtre et de cinéma (il incarnera notamment, sous sa direction, Maigret dans La nuit du carrefour et Louis XVI dans La Marseillaise ; un troisième frère, Claude (1901-1969), s'orientera vers la production; il ne faut pas confondre ce dernier avec Claude Jr (né en 1913), fils de Pierre, qui fera carrière comme opérateur de prises de vues, souvent aux côtés de son oncle mais aussi d'autres réalisateurs tels que Clouzot, Astruc, Vadim, etc. Précisons enfin que la chef-monteuse Marguerite Renoir (alias Mathieu), bien que collaboratrice fidèle de Jean pour un grand nombre de films, n'a aucun lien de parenté avec lui.

Jean Renoir eut, dès l'âge le plus tendre, la révélation du monde du spectacle en assistant aux représentations du Guignol des Tuileries sous la conduite de sa nourrice Gabrielle, un des modèles de son père. Cette vision cocasse grinçante, de l'existence, jointe à la fréquentation des milieux artistiques et à l'héritage des traditions impressionnistes (amour de la nature) conditionnera son style de cinéaste.

À partir de 1907, la famille Renoir s'installe dans le Midi, à Cagnes-sur-Mer. Jean fait des études un peu dispersées, qui seront interrompues par la guerre. Il envisage un moment une carrière militaire (à l'école de cavalerie de Saumur) mais une grave blessure au cours d'un engagement en Alsace l'en détourne.

Permissionnaire, Renoir a la révélation des premiers films de Charlot et des Mystères de New York, qui précisent sa vocation. Celle-ci sera définitivement affirmée,alors même que son père, eût préféré le voir s'orienter vers la céramique, par la découverte, vers 1923, des films de Mosjoukine et de Stroheim.

Renoir, durant cette permission, rencontre Andrée Heuschling, d'origine alsacienne, réfugiée à Nice pendant la guerre, dotée d'une beauté incomparable, "dernier cadeau de ma mère à mon père", fut, en fait, envoyée à Auguste Renoir en 1917 par Henri Matisse qui trouvait qu'elle "ressemblait à un Renoir". "Dédée" (surnom donné à l'académie de peinture) pose pour le maître (souvent nue), de 1917 jusqu'à la mort de Renoir, le 3 décembre 1919. Jean tombe amoureux de la jeune fille, qu'il épouse le 24 janvier 1920. Elle donne naissance à un fils, Alain, le 31 octobre 1921.

Andrée Heuschling adore le cinéma et particulièrement les films américains où s'illustrent, à l'époque, des stars comme Gloria Swanson, Mae Murray et Mary Pickford. " Dédée copiait leurs manières, s'habillait comme elles. Dans la rue, les passants l'arrêtaient pour lui demander s'ils l'avaient vue dans tel ou tel film, américain bien entendu. " De cette passion commune sont nés un pseudonyme à consonance anglaise, Catherine Hessling. Avec quelques amis, dont le futur producteur Pierre Braunberger, Renoir se lance dans le cinéma, en commençant par écrire un scénario pour sa jeune épouse Catherine Hessling que réalise Albert Dieudonné ( Catherine ou Une vie sans Joie , 1924)

" Moi, je n'ai jamais voulu être vedette de cinéma, jamais; C'est Renoir qui disait : j'userai s'il le faut de mon droit marital pour te faire tourner ". Jean Renoir confirme ces dires dans ses mémoires en insistant sur le fait qu'il n'a mis les pieds dans ce métier que dans l'espoir de faire de sa femme une vedette. Jean Renoir lui impose un maquillage très prononcé et vif, peu commun pour l'époque : la bouche et les yeux, d'un noir pénétrant, se détachaient violemment sur le visage recouvert d'un fond de teint blanc. Catherine Hessling qui avait l'air d'un clown noir et blanc, joue des rôles de servantes niaises, en butte à la galanterie des hommes et à la médisance du sexe faible.

Loin d'être découragés par l'échec commercial de ce premier essai, Renoir et sa femme recommencent avec La fille de l'eau, mélodrame fluvial où Catherine, interprète une jeune fille martyrisée par un oncle marinier. Avec Nana, d'après l'œuvre d'Émile Zola, Renoir est son propre producteur. Pour lancer son film, Jean Renoir vend plusieurs toiles héritées de son père. Le grand public va découvrir Catherine Hessling, grâce aux affiches qui couvrent les murs de Paris; Dans les salles, en revanche, les spectateurs sont peu nombreux pour amortir l'énorme budget d'un film qui vaut toutefois à son auteur un début d'estime du milieu intellectuel, et à sa vedette Catherine Hessling d'être comparée à Asta Nielsen et à Greta Garbo.

Catherine Hessling tourne ensuite, en 1927, avec Alberto Cavalcanti, cinéaste et ami du couple La P'tite Lili, bref mélodrame qui illustre une chanson populaire. Catherine retrouve Renoir pour La petite marchande d'allumettes, un conte d'Andersen, et Tire-au-flanc (1928), où elle ne fait que deux apparitions. Sa carrière est, déjà, pratiquement terminée. Séparée de Jean Renoir en 1931, leur divorce n'est prononcé qu'en 1943. Toute cette période de 1924 à 1931 est dionysiaque, agressive, ludique et anarchisante.

Avec La chienne, (1931), son premier film parlant et son premier grand film, il fait preuve d'une extrême virtuosité de caméra alors que le ton reste encore fortement teinté d'anarchisme et de naturalisme. Sa période réaliste commence juste après, avec La nuit du carrefour (1931) et surtout Boudu sauvé des eaux (1932). Il s'affirme comme un maître incontesté de "L'école française". La rencontre avec Michel Simon, puis les engagements successifs dans la voie d'un cinéma "de nature", cher à Pagnol, des adaptations littéraires (Flaubert, Maupassant, Zola) et des productions militantes, sous l'égide du Front Populaire, vaudront autant de chefs-d'œuvre, de La Chienne à La Bête humaine, de Boudu au Crime de Monsieur Lange.

À partir de 1932, Renoir vit avec Marguerite Houllé, monteuse, rencontrée en 1927, sur le tournage de La P'tite Lili. Militante communiste à la conscience politique très forte, celle-ci influence Renoir qui se sent alors proche du parti communiste, ce dont rendront compte, Le crime de monsieur lange (1935) et Les bas fonds (1936). En fevrier 1936, Maurice Thorès lui demande de réaliser La vie est à nous pour le parti communsite. Pendant un an et demi encore Renoir est compagnon du route du parti. Il est le parrain de la fille de Maurice Thores, il participe aux meetings, écrit dans L'humanité et réalise La Marseilleise (1937). En 1937, Renoir tourne La grande illusion, grand film pacifiste dont le retentissement sera mondial. La bête humine (1938) est aussi un grand succès.

Mais Renoir, qui est revenu de ses illusions politiques, veut entreprendre un film personnel pour lequel il est prêt à prendre tous les risques. Ce sera La règle du jeu(1939) Le film est mal reçu par son public de gauche. Les rapports entre maitres et valets sont à l'inverse de ce que l'on pouvait attendre sur l'aliénation des domestiques, sur le grand capitalisme et les grands propriétaires terriens. Ce qui intéresse Renoir c'est les rapports de séduction réciproque. Le film est aussi un echec car le ton, très nouveau, le différencie des films avec personnages sympathiques et antipathiques et où scènes gaies et scènes tristes sont clairements réparties. Ici tout est mélangé. Fin juillet 1939, Renoir qui se plaint d'être incompris en France se rend dans l'Italie de Mussolini pour préparer La Tosca qu'il ne réalise pas. Pour partir aux Etats-Unis, Renoir écrit au directeur de la radio et du cinéma de Vichy deux lettres à forte connotation antisémite.

Renoir s'embarque pour les USA

Renoir s'embarque pour les États-Unis où il a signé un contrat d'un an avec Twentieth Century Fox. Il réalise aux États-Unis certains de ses plus beaux films : L'étang tragique (1940), L'homme du sud (1945). Il y épouse, en secondes noces, la nièce du réalisateur Alberto Cavalcanti, Dido Freire, et s'y fera plus tard naturaliser.

Jean Renoir rentre en France avec Dido

Après quelques années d'activité dans les studios américains et un voyage aux Indes où il réalise Le Fleuve (1951), Renoir rentre en Europe pour tourner des films, en couleurs, de plus en plus stylisés, témoignant d'une sorte de légèreté panthéiste. Certains y voient les signes regrettables d'un déracinement, d'autres au contraire d'un affinement décisif de son talent. Le carrosse d'or, (1953), French Cancan, (1955), et Elena et les hommes (1956), composent une trilogie où Renoir rend ses lettres de noblesses à trois formes de spectacle : la commedia dell'arte, le café concert et le guignol. Le déjeuner sur l'herbe, (1959), Le testament du docteur Cordelier, (1961) comme son dernier film Le petit théâtre, (1969) mettent en garde contre l'accentuation mécanique des comportements humains et prônent la compréhension, la gentillesse et la paresse.

Après Le Caporal épinglé, Jean Renoir a un certain nombre d'idées pour d'autres films, mais aucun producteur n'est disposé à lui offrir l'aide financière nécessaire. Ironiquement, au moment où Renoir est confirmé comme une des plus grandes figures de l'histoire du cinéma, la réalité commerciale l'empêche de faire des films.

Durant ses dernières années, Renoir écrit alors des pièces de théâtre ( 0rvet, Carola), des romans ( Les cahiers du Capitaine Georges, Le cœur à l'aise, Le crime de l'anglais, Geneviève), une autobiographie ( Ma vie et mes films). Au Festival d'Arles en 1954 il met en scène Jules César de Shakespeare. La jeune critique et les cinéastes de la Nouvelle Vague l'admirent intensément. Son dernier film, en 1970, co-produit par les Télévisions française et italienne, Le petit théâtre de Jean Renoir, est un hommage ultime au Guignol de son enfance et aux contes d'Andersen. C'est l'œuvre d'un "éternel débutant" à qui, en 1975, à Hollywood se voit décerné un Oscar pour l'ensemble de sa carrière.

Le 12 février 1979, Jean Renoir meurt à Beverly Hills où il était installé depuis plusieurs années. Sensible à toutes sortes d'influences, œuvrant dans mille direction, amoureux de la vie et du spectacle sous toutes leurs formes, Renoir, comme l'a dit François Truffaut, " a tout absorbé, tout compris, s'est intéressé à tout et à tous".

3 - Vidéo- Bibliographie :

1. La joie de vivre, Jean Renoir (Claude Barma, 1957)

2. Pour tout vous dire, entretiens avec Jean Renoir et Jean Serge (archive sonore, 1958)

3. Les écrans de la ville, La règle du jeu (1965, Colette Thiriet)

4. Cinéastes de notre temps, Jean Renoir, le patron (Jacques Rivette, 1967)

5. André Bazin : Jean Renoir, éditions Champ Libre, 1971.

6. Grand écran, François Truffaut La règle du jeu (Raoul Sangla, 1972)

7. Jean Renoir, Entretiens et propos, éditions de l'étoile, 1979

8. Giles Deleuze : L'image-temps (chapitre 4 : les cristaux de temps), 1985

9. Paulette Dubost à la Ferté-Saint Aubin (Alexandre Moix, 2001)

4 - Filmographie :

1929

Le tournoi

1929
Le bled

1944

Salut à la France

(Salute to France). Avec : Claude Dauphin (Jacques Bonhomme) Garson Kanin (Joe Daws) Burgess Meredith (Tommy). 0h34.

(The diary of a chambermaid). Avec : Paulette Goddard (Célestine), Burgess Meredith (Capitaine Mauger), Hurd Hatfield (George). 1h30.

Avec : Ingrid Bergman (Éléna), Jean Marais (General Rollan), Mel Ferrer (Henri de Chevincourt).1h38.

Elena Sorokovska, veuve en exil d'un prince polonais, est une jolie femme un peu extravagante, qui vit à Paris vers la fin des années 1880. Elle est persuadée qu'elle est faite pour aider les hommes célèbres à accomplir leur destinée : son talisman est une marguerite. Pour l'heure, elle s'intéresse à François Rollan, un général très populaire, dont le gouvernement cherche à étouffer l'influence....

Avec : Jeanne Moreau (elle-même), Fernand Sardou (M. Duvallier), Françoise Arnoul (Isabelle), Jean Carmet (Féraud). 1h40.

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L'humanisme de Jean Renoir s'accommode mal de la simplicité et réclame le mouvement pour s'accomplir. "Le drame dans ce monde, c'est que chacun à ses raisons", constate avec mélancolie Octave, interprété par Jean Renoir, dans La règle du jeu.

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Bande annonce - La règle du jeu de Jean Renoir

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Bande annonce - La règle du jeu de Jean Renoir

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La Règle du jeu de Jean Renoir (Bande Annonce)

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Bande annonce - La bête humaine de Jean Renoir

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Bande annonce - La bête humaine de Jean Renoir

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LA BETE HUMAINE de Jean Renoir - Official trailer - 1938

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Bande annonce - La grande illusion de Jean Renoir

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Bande annonce - La grande illusion de Jean Renoir

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LA GRANDE ILLUSION de Jean RENOIR : bande-annonce 2012

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Un site de critiques cinématographiques : Bande à part

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Un site de critiques cinématographiques : Bande à part

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Bande à part aime le cinéma, tous les cinémas !

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Bande annonce : Mon pays imaginaire de Patricio Guzman, 2022, 1h23

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Bande annonce : Mon pays imaginaire de Patricio Guzman, 2022, 1h23

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Le film vient d'obtenir le "Grand prix" du film documentaire au 12ème festival du film de Valenciennes qui s'est déroulé du 23 au 28 septembre 2022

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Octobre 2019, une révolution inattendue, une explosion sociale. Un million et demi de personnes ont manifesté dans les rues de Santiago pour plus de démocratie, une vie plus digne, une meilleure éducation, un meilleur système de santé et une nouvelle Constitution. Le Chili avait retrouvé sa mémoire. L'événement que j'attendais depuis mes luttes étudiantes de 1973 se concrétisait enfin.

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Mon pays imaginaire Bande-annonce VO (2022) Patricio Guzmán

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Octobre 2019, une révolution inattendue, une explosion sociale. Un million et demi de personnes ont manifesté dans les rues de Santiago pour plus de démocratie, une vie plus digne, une meilleure éducation, un meilleur système de santé et une nouvelle Constitution. Le Chili avait retrouvé sa mémoire.

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Bande annonce : L'Innocent de Louis Garrel, 2022, 1h39

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Bande annonce : L'Innocent de Louis Garrel, 2022, 1h39

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Conférence de presse sur le film - Cannes 2022

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Conférence de presse sur le film - Cannes 2022

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L'INNOCENT - CONFERENCE DE PRESSE - VF - CANNES 2022

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Regard sur le film by les chroniques de Cliffhanger & co

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Regard sur le film by les chroniques de Cliffhanger & co

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SYNOPSIS: Quand Abel apprend que sa mère Sylvie, la soixantaine, est sur le point de se marier avec un homme en prison, il panique. Épaulé par Clémence, sa meilleure amie, il va tout faire pour ess…

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Biographie de Louis Garrel by "Transmettre le cinéma"

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Biographie de Louis Garrel by "Transmettre le cinéma"

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Petit fils de l'acteur Maurice Garrel, c'est devant la caméra de son père Philippe Garrel, que Louis Garrel fait ses premiers pas au cinéma en 1989, dans Les Baisers De Secours. Il a pourtant débuté à 14 ans par des cours de théâtre au collège qu'il fréquentait alors, cours qu'il a poursuivi dans le conservatoire de son quartier.

Après des études littéraires passées au Lycée Fenelon à Paris, il n'obtient pas son bac, mais intègre le conservatoire national supérieur d'art dramatique. En élève discipliné, il gravit un à un tous les échelons qui le mèneront vers son début de carrière. Entre les projets qu'il réalise au sein du conservatoire et quelques stages, comme celui effectué à la prestigieuse école de cinéma La Fémis, avec Phillipe Garrel pour maître de stage, Louis continue de s'investir dans des productions au Cinéma.

En 2001, Rodolphe Marconi lui témoigne sa confiance pour son film Ceci Est Mon Corps, où il joue aux côtés de Jane Birkin. Il enchaîne avec le tournage du film La Guerre À Paris de Yolande Zauberman en 2002. En 2003 il donne la réplique à Michael Pitt et Eva Green dans Innocents (the Dreamers), film qui retrace l'exploration sexuelle et sentimentale de trois adolescents, un frère, sa sœur et un de leurs amis venu en vacances des Etats-Unis. Ce film qui a pour fond de toile un Paris en mai 68 marque sa rencontre avec le cinéaste Bernardo Bertolucci.

En 2004, Louis Garrel est à l'affiche de Ma Mère de Christophe Honoré, aux côtés d'Isabelle Huppert et Emma de Caunes. Il y joue un adolescent qui voue un amour aveugle à sa mère. Louis se révèle comme un acteur sans complexes, qui n'hésite pas à se dénuder pour le besoin des personnages qu'il incarne. On dit de lui qu'il est un grand acteur en devenir, salué à maintes reprises par la critique.

De nouveau sous la direction de son père, Louis Garrel fait ses preuves en 2004 dans Les Amants Réguliers, film grâce auquel il reçoit en 2006 le césar du meilleur espoir masculin.
En 2006, il est à nouveau dirigé par Christophe Honoré dans le film intitulé Dans Paris aux côtés de Romain Duris et de Guy Marchand. En 2007, il joue dans Les Chansons D'Amour sélectionné en compétition officielle du festival de Cannes et dans Actrices de Valeria Bruni-tedeschi. Il tourne dans La Frontière De L'Aube de Philippe Garrel, son père.

En 2008, il réalise son premier court métrage Mes Copains. En parallèle il tourne à nouveau avec Christophe Honoré dans La Belle Personne où il interprète un professeur d'italien.

En avril 2009, Louis Garrel est lauréat du Prix Patrick Dewaere. La même année, retrouvailles avec le réalisateur Christophe Honoré pour qui il tourne dans Non Ma Fille Tu N'Iras Pas Danser avant de retrouver Julie Depardieu pour le drame sentimental Le Mariage À Trois de Jacques Doillon. En 2010, Louis Garrel retourne derrière la caméra et dirige Léa Seydoux dans le court-métrage Petit Tailleur puis l'année suivante, ne changeant pas une équipe qui gagne, Christophe Honoré le réunit avec Catherine Deneuve, Ludivine Sagnier et Chiara Mastroianni pour son film Les Bien-aimés qui lui présenté en Clôture Hors Compétition du 64ème Festival International Du Film De Cannes 2011. La même année, son père le dirige de nouveau dans Un Été Brûlant aux côtés de Monica Belluci. Puis il passe de nouveau derrière la caméra pour écrire, diriger et jouer dans le court-métrage La Règle De Trois.

En 2013, il tient un petit rôle dans la comédie déjanté Les Coquillettes avant de tomber sous le charme de Valeria Bruni-tedeschi dans son second long métrage Un Château En Italie. Il est aussi à l'affiche de La Jalousie, avec Anna Mouglalis, toujours sous la direction de son père Philippe Garrel.

L'année suivante il rejoint le biopic Saint Laurent de Bertrand Bonello aux côtés de Gaspard Ulliel et Jérémie Renier.

En 2015, il est le narrateur du dernier film de son père Philippe Garrel, L'Ombre Des Femmes avant de retourner derrière le caméra pour son premier long-métrage Les Deux Amis.

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Petit fils de l'acteur Maurice Garrel, c'est devant la caméra de son père Philippe Garrel, que Louis Garrel fait ses premiers pas au cinéma en 1989, dans Les Baisers De Secours. Il a pourtant débuté à 14 ans par des cours de théâtre au collège qu'il fréquentait alors, cours qu'il a poursuivi dans le conservatoire [...]

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Séance de projection publique lundi 9 janvier à 15h30

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Séance de projection publique lundi 9 janvier à 15h30

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Présentation du film en salle par Noémie et Maëva

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Bande annonce : Saint Omer d'Alice Diop, 2022, 2h02

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Bande annonce : Saint Omer d'Alice Diop, 2022, 2h02

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LE BLEU DU MIROIR | Critiques cinématographiques

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Rama, jeune romancière, assiste au procès de Laurence Coly à la cour d'assises de Saint-Omer. Cette dernière est accusée d'avoir tué sa fille de quinze mois en l'abandonnant à la marée montante sur une plage du nord de la France. Mais au cours du procès, la parole de l'accusée, l'écoute des témoignages font vaciller les certitudes de Rama et interrogent notre jugement.
Critique du film

Avant même sa sortie dans les salles françaises le 23 novembre, Saint Omer d' est déjà couvert de prix, mais aussi de louanges de la presse internationale. Présenté en première mondiale à la Mostra de Venise en septembre, il en est reparti avec pas moins de trois prix, dont le prestigieux Lion d'Argent, Grand prix du jury présidé par l'actrice américaine Julianne Moore. Le film a également reçu cette semaine le prix Jean Vigo dans la catégorie long-métrage, récompense qui distingue un ou une auteure, dans ce qu'elle dégage d'original et de singulier dans son regard. Saint Omer retient l'attention justement dans cette capacité à capter à la fois le regard du spectateur, mais aussi son oreille, tour de force de mise en scène qui se manifeste dans la somme des détails qui le compose. Si c'est un premier film de fiction pour Alice Diop, qui s'était distinguée jusqu'ici par la réalisation du très beau documentaire (2020) et l'adaptation d'un ouvrage du sociologue Didier Eribon, elle impressionne par sa maitrise et son ambition dès son premier essai à la fiction.

Saint-Omer, un film de procès ?

De son propre aveu, elle fut obsédée par ce fait-divers intervenu dans la petite ville du Nord de Saint-Omer, qui avait vu une jeune femme tuer son propre enfant, âgé de seulement 15 mois. La part de l'intime dans cette histoire est évidente : Laurence Coly est comme elle originaire du Sénégal, et la notion de famille est également fondamentale pour comprendre son parcours, en tant que femme mais aussi en tant qu'artiste. Une grande partie du film se déroule littéralement dans le temps du procès qui accuse Laurence Coly de l'infanticide de sa fille, et le premier constant que l'on peut dresser est la grande réussite de cette composition. Rares sont les films de ce genre correctement représentés dans le cinéma français, avec à la fois un soin particulier au détails de l'affaire, mais également à l'instruction du procès jusque dans le moindre détail. L'expérience d'Alice Diop dans le documentaire lui permet de trouver la juste distance avec ses personnages, mais démontre aussi son talent pour interroger le moindre regard, la moindre émotion palpable sur les multiples visages de l'auditoire.

Des mots et des voix

Dans sa mise en scène, Alice Diop utilise un dispositif passionnant, les voix ont leur vie propre, elles ne sont pas forcément coordonnées aux visages de ceux et celles qui les possèdent. Les phrases commencent, mais c'est un autre protagoniste que la caméra choisit de scruter, dans une " désynchronisation " qui permet de vivre ces instants avec une intensité sans cesse renouvelée. Cela rompt avec la monotonie de l'exercice du prétoire, et implique chacun et chacune. Si Laurence Coly est étonnement atone, la réalisatrice superpose ses mots à l'expression de la Présidente de la cour, à une personne présente dans le fond, à un parent. Le sentiment surgit, palpable, à la fois par ce travail merveilleux sur les voix, douce musique à part, mais aussi par les sentiments que l'on devine bouillonnants chez les témoins de cette épreuve que constitue la Cour d'Assises. Alice Diop bénéfie d'une grande alliée dans cette entreprise en la personne de Rama, autre protagoniste majeure du film et émissaire de l'auteure au sein même du film. Alice et Rama semblent si proches qu'elles sont pour ainsi dire la même personne, jusque dans les images d'archives collées entre chaque scène qui montre l'enfance.

Si l'on s'interroge sur Laurence, Rama permet véritablement au spectateur de pénétrer l'intimité de cette affaire, l'impliquant d'une autre manière en soulignant ce moment fondamental qu'est la maternité. L'expérience de Rama, qu'on questionne beaucoup au début du film, son trouble étant si grand, donne une dimension supplémentaire au film et apporte son lot de réponses sur les intentions de Saint Omer. C'est toute la thématique de la reproduction des erreurs des parents qui apparaît, comment devient-on soit même un parent libre de ses choix, non entravés par une éducation parfois lourde, un leg qui est plus aliénant que libérateur. Cette donnée universelle qui traverse le film, qu'on retrouve dans chaque séquence, participe d'une montée de l'intensité dramatique qui nappe chaque personnage. Laurence est le miroir dans lequel se regarde Rama, qui se regarde elle-même dans celui de ses mères qui les terrorisent par leur exemple et leurs vies brisées.

Cette crise existentielle si forte et prégnante, explose dans le dernier acte avec la plaidoirie de l'avocate de Laurence. Le temps de cet exposé, elle résume non pas les raisons qui rendraient innocente sa cliente, elle se sait coupable, préférant rappeler qui est cette femme et qu'elle fut sa vie à ce moment funeste. Cet argument qui appuie sur le fait qu'une simple condamnation qui exclurait toute recherche de compréhension de ce qui constitue Laurence en tant que femme, ne rendrait pas la justice attendue dans une cour. L'histoire de l'accusée devient celle de toutes les femmes, de leur charge mentale destructrice, et de ce que c'est que devenir mère. Alice Diop réussit cet exploit de faire la synthèse de ses thématiques en un monologue, permettant en cet instant à l'émotion de jaillir avec une rare justesse qui reste longtemps en tête. Cela constitue l'un des moments les plus beaux de cette année de cinéma. Le dernier défi de Saint Omer, qui a déjà conquis la critique et les festivals, devenant le représentant de la France aux prochains Oscar, est de se présenter devant le grand public, pour obtenir le triomphe populaire qu'il mérite.

Bande-annonce

23 novembre 2022 - D' Alice Diop, avec Kayije Kagame, Guslagie Malanda et Valérie Dréville.

Rédac-chef adjoint. Chroniqueur et éditeur. Cinéfou des premiers rangs, fidèle lieutenant de Plasticman.

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SAINT OMER - Critique du film d'Alice Diop

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Rama, jeune romancière, assiste au procès de Laurence Coly à la cour d'assises de Saint-Omer. Cette dernière est accusée d'avoir tué sa fille de quinze mois en l'abandonnant à la marée montante sur une plage du nord de la France.

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by filmsdulosange.com

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Séance de projection publique lundi 20 février à 15h30

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Séance de projection publique lundi 20 février à 15h30

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Présentation du film en salle par Sarah et Lana

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Bande annonce : Interdit aux chiens et aux italiens d'Alain Ughetto, film d'animation, 2022, 1h10

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Bande annonce : Interdit aux chiens et aux italiens d'Alain Ughetto, film d'animation, 2022, 1h10

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Trailer de Interdit aux chiens et aux italiens — No Dogs or Italians Allowed (HD)

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affiche interdit aux chiens et aux italiens

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Interview du réalisateur via le site Unifrance

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Interview du réalisateur via le site Unifrance

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Début du XXe siècle, dans le nord de l'Italie, à Ughettera, berceau de la famille Ughetto. La vie dans cette région étant devenue très difficile, les Ughetto rêvent de tout recommencer à l'étranger. Selon la légende, Luigi Ughetto traverse alors les Alpes et entame une nouvelle vie en France, changeant à jamais le destin de sa famille tant aimée. Son petit-fils retrace ici leur histoire.

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Interdit aux chiens et aux Italiens (2021)

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Réalisé par Alain Ughetto. Début du XXe siècle, dans le nord de l'Italie, à Ughettera, berceau de la famille Ughetto. La vie dans cette région étant devenue très difficile, les Ughetto rêvent de tout recommencer à l'étranger. Selon la légende, Luigi Ughetto traverse alors les Alpes et entame une nouvelle vie en France, changeant à jamais le destin de sa famille tant aimée.

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Bande annonce : Les bonnes étoiles d'Hirokazu Kore-eda, 2022, 2h09

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Bande annonce : Les bonnes étoiles d'Hirokazu Kore-eda, 2022, 2h09

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Bande annonce : The Fabelmans de Steven Spielberg, 2022, 2h31

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Bande annonce : The Fabelmans de Steven Spielberg, 2022, 2h31

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Maeva, Anais, Noemie, Maelle H

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LE BLEU DU MIROIR | Critiques cinématographiques

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En Corée du Sud, il existe des boîtes dans lesquelles il est possible de déposer son bébé afin que celui-ci soit adopté par une autre famille. Sang Hyeon et son collègue Dong Su trouvent de nouveaux parents pour un enfant qui a été déposé dans l'une de ses boîtes. Ils concluent un accord spécial avec eux... mais la mère biologique du bébé, Yeong So, refait surface.
La tournée internationale d' Hirokazu Kore-eda continue trois ans après , qui comportait un casting (presque) entièrement français, avec cette fois-ci une escale en Corée du Sud du coté de Busan et le littoral du pays. Les bonnes étoiles (ou Broker dans sa version internationale et coréenne), est un film qui épouse les contours d'une problématique typique de ce pays : l'adoption par le biais de " boites à bébé ". On retrouve en tête d'affiche l'un des plus grands acteurs de ces dernières années, le héros de , Song Kangho, mais aussi la très médiatique Bae Doona, et les jeunes espoirs Gang Dongwon et Lee Jieun. Cette particularité de la société coréenne sonne presque comme un motif fantastique. Les parents déposent littéralement leurs nouveaux-nés dans des boites, recueillis par des structures d'accueil avant placement dans de nouvelles familles. Sang Hyeon et Dongsoo profitent de ce système pour faire un commerce qui n'est plus ni moins que de la traite d'enfants.

Chaque personnage a un placement moral complexe : que ce soit la jeune mère qui abandonne son bébé, révélant au fil de l'intrigue un passé sulfureux et délictueux, ou ces deux hommes torturés qui sous de bonnes intentions gagnent leur vie sur un socle de malheur et de souffrances. S'il fait un film coréen, le réalisateur de Nobody Knows (2003) réinvestit ses thématiques et obsessions favorites, à savoir la recomposition familiale et les énergies qui s'en dégagent. Il y a beaucoup d'Une affaire de famille dans Les bonnes étoiles, en effet ici aussi le groupe est bricolé, de circonstance. L'accent y est même encore plus fort en cela qu'il s'improvise par surprise, là où la structure du film japonais était plus une construction de résistance à la société et ses normes. Les cinq personnages des Bonnes étoiles voient leurs destins liés l'espace de quelques jours, dans une dimension éphémère qui n'est pas sans une intensité dans leurs rapports.

Comme souvent chez Kore-eda, on apprend à découvrir les personnages au fil de l'eau, tout d'abord des pages blanches, arborant des mensonges de façade plus faciles à assumer que la vérité, ils se dévoilent quand la confiance et les aléas les rapprochent dans toutes les aspérités et difficultés qui jalonnent leur chemin. Tout le film se déploie sur cette nécessité de trouver un nouveau foyer au petit Woosung en évitant les arnaques, la police et les autres embûches liées au passé des personnages. La structure de l'intrigue est en cela un modèle du genre. D'allure simple, elle se ramifie en de multiples strates où l'on découvre l'histoire de chacun et de chacune, explicitant en creux les motivations et intentions cachées dans l'intimité de l'écriture.

Au delà de ces qualités d'écriture, le film est soutenu par son casting de premier plan, illustration à chaque niveau de l'histoire de la perfection du choix de chaque acteur. Song Kangho en patriarche cabossé qui reproduit des modèles de famille dysfonctionnels, Bae Donna dans son éternel rôle de policière dure, figure morale qui rattache chaque branches à l'arbre commun, une sorte de ciment qui permet à l'édifice de tenir le choc, même après l'éclatement inéluctable du dernier acte qui voit le petit groupe se séparer pour laisser chaque membre vaquer à son propre destin et ses choix de vie. Il est étonnant de constater que chaque nouveau film du réalisateur japonais s'imbrique parfaitement dans le corps de son œuvre, même tournés à l'étranger au sein de cultures et de problématiques plus éloignées de celles de ses premiers films.

Le soin apporté par Hirokazu Kore-eda aux détails dans ce nouveau long-métrage en fait un nouveau temps fort, un petit chef d'oeuvre de subtilité et de délicatesse où la violence et la brutalité ne sont presque jamais dans le plan, laissant la place à des analyses fines et sensibles sur les mécanismes régissant la parenté, la maternité et les traumatismes habitant les personnages. La constance de la qualité de la mise en scène du maître nippon est en cela remarquable, sans signes d'essoufflement pour ce cinéma nécessaire et sublime.

Bande-annonce

Référent éditorial. Cinéfou des premiers rangs, fidèle lieutenant de Plasticman.

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LES BONNES ÉTOILES - Critique du film Broker d'Hirokazu Kore-eda

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En Corée du Sud, il existe des boîtes dans lesquelles il est possible de déposer son bébé afin que celui-ci soit adopté par une autre famille. Sang Hyeon et son collègue Dong Su trouvent de nouveaux parents pour un enfant qui a été déposé dans l'une de ses boîtes.

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Les Bonnes Etoiles : critique au firmament

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Découvrez la critique du film Les Bonnes Etoiles de Hirokazu Kore-eda - Hirokazu Kore-eda est un habitué des festivals dits prestigieux, comme le TIFFF ou bien évidemment Cannes, où il est régulièrement invité et dont il a remporté la récompense suprême, la Palme d’or,

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Maëva, Noémie et Anaïs

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Lise, Elisa, Maëlle P

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Lise, Elisa, Maëlle P

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Arthur

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Révisions à la maison
(avant l'invasion de Mars)

De quoi The Fabelmans est-il le film ? La grande fable du génie précoce du cinéma adoubé par le maître John Ford est une fable amoindrie sur ce que peut le cinéma, le plus grand chapiteau du monde, rabattue dans la lorgnette du nombril d'Œdipe. Le cinéma de Steven Spielberg est deux fois révisionniste. On y révise en premier de la classe les grands classiques pour une révision à la baisse de leurs forces critiques. La démiurgie n'est plus disposée à l'ouverture d'un horizon (c'est pourtant la leçon fordienne), mais vouée à sa révision réductrice dans l'espace de la maison (c'est sa révision spielbergienne, sa domestication en miniature). La réduction a pour dernier trou celui, régressif, d'une analité dont le triomphe a sonné avec E.T. (1982), l'étron spécial avec pour poster une Lune publicitaire et pour étoile du berger une blague qui dit la vérité (l'E.T., d'où vient-il ? D'Uranus bien entendu !).

La révision aura connu son acmé, qui est un intolérable point de non retour, avec La Liste de Schindler (1993). Le grand spectacle s'y ingénie à accourcir le judéocide nazi en une histoire de sauvetage, de justes et de douches qui ne tuent pas et dont l'aboutissement est la fondation d'Israël en nouvelle maison des Juifs. La judéité avait déjà ce pouvoir de faire jaillir de l'Arche d'alliance les fantômes cartoonesques réduisant en bouillie les nazis. C'était en 1981 dans le premier volet des aventures d'Indiana Jones, l'André Malraux des lecteurs du journal de Mickey que nous avons été en rêvant alors de devenir archéologue. Le pilleur de tombes qui en " sauve " le trésor n'hésite jamais à en dévaster le site, pourtant aussi précieux sur le plan archéologique. Mais l'aventure n'a pas d'égard pour ce genre de précautions. C'est d'ailleurs, peu ou prou, la même chose avec un autre ami de notre enfance, Tintin, qui, dans le film d'animation que lui a consacré Spielberg et a contrario des aventures originales de Hergé, vire en gamin puéril dont le plaisir immense et régressif consiste à tout dévaster autour de lui, comme un Attila de bac à sable ( Les Aventures de Tintin : Le Secret de La Licorne, 2011). On sous-estime que, dans le titre original du premier Indiana Jones, les " Raiders of the Lost Ark " sont les agents d'un raid sur l'arche perdue du cinéma. Plus tard, l'archéologue au lasso et look de Charlton Heston dans Sous le plus grand chapiteau du monde (1952) de Cecil B DeMille, premier doudou, se confronte au Graal pour se réconcilier avec son père ( Indiana Jones et la Dernière Croisade, 1989), avant de refuser à son fils le chapeau consacrant l'autorité de qui le porte telle une couronne ( Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal, 2008). Les soucoupes volantes se seront à cette occasion invitées encore une fois à la fête, on ne se refait pas. On ne s'en débarrasse pas comme cela dès lors que les ovnis participent aussi à la métonymie des élections royales et des têtes couronnées ( Rencontres du troisième type, 1977).

Réviser c'est donc pour Steven Spielberg tout passer à la moulinette du grand spectacle à l'ère informatique. Le blockbuster fait exploser le quartier (c'est le sens même du terme) et ses ruines faramineuses ont pour destination finale la vitrine des produits dérivés, les programmes télévisés, les jeux vidéo et la collection monomaniaque des jouets. Le retour à la maison est un royaume des fils, des pères et des transmissions unilatérales parce que chacun doit rester à sa place. Alors, imaginez un peu, si maman jouit avec le meilleur ami de papa en cachette, comme dans The Fabelmans, c'est une catastrophe. Une apocalypse. C'est la tornade qui fait d'abord l'émerveillement des enfants, avant de valoir comme éclair et signe annonciateur de futures invasions martiennes ( La Guerre des mondes, 2005).

The Fabelmans est un film révisionniste et le plus terrible est que la révision a pour objet l'enfance de Steven Spielberg elle-même. L'autoportrait révisé au miroir flatteur de la fiction est un conte moral dédié à ceux qui ne sont jamais aussi bien servis que par eux-mêmes. Le film raconte en effet comment tout aura toujours réussi à son auteur, entre un père qui est un pionnier de l'âge de l'ordinateur et une mère qui aurait dû être un avatar féminin d'Arthur Rubinstein. C'est la fable des héritiers qui doivent justifier de leur héritage en le lestant de douleurs, allant jusqu'à 5.000 ans d'histoire d'une judéité revancharde quand le film amateur de la fête de relâche du lycée est un exercice vachard où la glace à la vanille devient de la fiente souillant le visage de bêtes blondes et antisémites comme revenues des Dieux du stade. Impossible de ne pas penser à Jaws : sur la plage de sable fin, rôde un requin, un monstre de matière grise qui s'apprête à engloutir les rires sous une vague de panique. Impossible aussi de ne pas songer à la fin des Aventuriers de l'Arche perdue : le film amateur c'est l'Arche d'alliance dont la lumière s'abat sur la tête des vilains. Un cinéaste de 76 ans a encore des comptes à régler avec les gros bras du lycée. Mais le ressentiment a connu pour foyer originel les parents et les comptes se doivent d'être apurés.

La cinéphilie des familles
(les nenfants de Peter Pan-pan cucul)

Pour Serge Daney, la cinéphilie est une histoire d'orphelins têtus et de familles choisies. On ajoutera que c'est aussi une histoire d'adoptions et de parentés d'élection. Il y a eu un anti-familialisme radical de la cinéphilie. La cinéphilie a été une contre-culture qui a fait un bout de chemin avec l'hypothèse d'une contre-société (le communisme), avant de se séparer quand les années 70 (la décennie du gauchisme finissant) ont mué en années 80 (la décennie de la publicité triomphante). Les cinéphiles qui cherchent dans les images les bons plans qui pourraient réarmer le bon vieux couple œdipien de papa-maman sont vraiment les nenfants légitimes de Steven Spielberg.

Avec Steven Spielberg, s'impose un tournant dont on n'a pas fini de mesurer les effets : la cinéphilie n'est plus une contre-culture critique, mais l'objet d'une normalisation culturelle qui a deux conditions, l'infantilisation du public et la famille refondée contre ses critiques. Il faut revoir à cette aune 1941 (1979) qui est son grand bide commercial, le Pearl Harbour qui a bien failli lui bousiller sa carrière, pour saisir ce que son auteur aura retenu de cet échec : 1941 est son seul vrai film des années 70, sardonique comme du Mel Brooks ou du Monty Python, ironique jusqu'à l'auto-parodie. L'erreur ne se reproduira plus. On ne révise pas l'Histoire en moquant indûment ses leçons. Alors est apparu le conservateur pieux des mémoires sacrées qui préfèrent aux violences historiques qui font mal des larmes consolatoires. Des eaux lustrales qui coulent en abondance pour tout nettoyer, jusque dans les douches d'Auschwitz-Birkenau en lieu et place du Zyklon-B ( La Liste de Schindler).

Sammy Fabelman donne au fond raison à son Gepetto qui se reconnaît en sa marionnette parce qu'il a encore une fois l'opportunité de retomber en enfance, avec en poche l'ultime doudou qu'est le syndrome de Peter Pan. Moyennant quoi, la puérilité est le crochet revanchard du Capitaine Spielberg ( Hook, 1991). Mais, cette fois-ci, dans The Fabelmans, Neverland c'est l'enfance même de Spielberg retraduite en spectacle spielbergien, le lieu d'un trauma (maman jouit sans papa et moi le fils le sais avant lui) et de sa réparation (la jouissance est la matière primordiale du spectacle et son cadrage, le scénario de sa domestication accordant à papa un pardon longtemps retardé). Parmi tous les enfants spielbergiens, on reconnaîtra sans peine Damien Chazelle, l'élève qui a retenu de son maître l'idée que le spectacle est ce monstre qui s'attrape au lasso du sublime dont l'analité est le fondement. La jouissance est sale, souterraine, hystérique ; sa sublimation, l'écran humecté de larmes pop et consensuelles. Univoque en étant purgée de ses antagonismes, l'histoire du cinéma aboutit en digest sous hégémonie hollywoodienne.

Sammy, lui, a les yeux grands ouverts. Affublé d'affreuses lentilles vertes, l'acteur Gabriel LaBelle a le regard qui tue, déjà en ne retenant des films vus que des séquences expurgées de leurs figures ( Sous le plus grand chapiteau du monde) ou réduites à des archétypes (L'Homme qui tua Liberty Valance). Un raccord de The Fabelmans claque comme le lasso : Sammy enfant porte une petite caméra ; adolescent c'est un scorpion qu'il tient entre les doigts. Sammy possède un grand pouvoir, celui de piquer au vif la vérité, des amours secrètes de sa mère à la vulnérabilité de la brute épaisse du lycée. C'est un gagne-tout qui remporte même l'Oscar du trauma enfantin dès lors qu'il récompense la résorption du cinéma en règlement narcissique des conflits scolaires et domestiques. Les nenfants de Peter Pan le saluent bien bas aujourd'hui d'avoir su tirer du cinéma un moyen spectaculaire de faire papan cucul. La dithyrambe est une gerbe offerte au premier des premiers de cordée, on patauge en pleine macronie.

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Avec The Fabelmans, Steven Spielberg raconte son secret de polichinelle et tout indique qu'il cherche à signer son chef-d'œuvre autant que son film le plus intime qui reviendrait sur ce qui a fait de lui le cinéaste le plus populaire au monde. Mais est-il ici sincère et lucide à la fois ? Ou bien assume-t-il le fait d'être un fabulateur ? Deux séquences de The Fabelmans, toutes deux liées à ce complexe d'Oedipe lourdingue que nous décrivons dans ce texte, en disent long sur un cinéaste double-révisionniste adepte du lissage.
La première scène se déroule au moment où Sam monte le film de camping. Il découvre que sa mère est amoureuse de Bennie et tire deux films, un pour le repas familial, un second cruellement destiné à sa mère. Il ne faudrait pas voir ici une référence à l'adage "un film personnel, un film pour les studios" car ce qui frappe d'abord est le dégoût que provoque la découverte de ce réel. Choqué, Sam refuse de voir ce que le cinéma, ce médium qu'il aime tant et dont il veut en faire un métier, lui a révélé. À ce moment précis, c'est comme si Steven Spielberg choisissait définitivement sa voie en refusant de faire des films qui s'encombrent de trop de réel au profit d'un cinéma lisse et divertissant principalement travaillé par le conflit oedipien et l'échec des relations parentales. Autrement dit, les films de Spielberg auront toujours quelque chose à voir, de près ou de loin, avec un sentiment d'abandon et il faudra autant que possible éviter de heurter les gens lorsqu'ils se rendront dans une salle de cinéma. Bien sûr, il signera des films plus sombres (ses meilleurs d'ailleurs), mais il sera un fabulateur-artificier, le père-responsable du blockbuster et le nigaud irresponsable d'un des films les plus insensés qui soit, La Liste de Schindler.

La seconde séquence édifiante est celle de la mère qui danse durant les vacances en camping. Bennie demande à Sam de filmer ce moment sauf que le garçon affirme "qu'il n'ya pas assez de lumière". Les phares de la voiture sont alors allumés et Sam commence à filmer cette scène centrale de The Fabelmans. Celle-ci montre que sans lumière(s), Spielberg ne saurait pas filmer. C'est logique puisque sans lumière, il serait difficile de distinguer quelque chose à l'image, mais est-ce que tout ce qui est sombre et non-éclairé doit rester hors-champ ? Voici bien une profession de foi : si rien ne peut briller dans la lumière alors tout est voué à rester dans l'ombre. Spielberg filmera peu l'ombre et c'est ce qui constituera justement les meilleurs moments de son cinéma. Spielberg est un cinéaste de la lumière (elle irrigue tous ses films, bien sûr) et des lumières (celles des OVNIS, etc). Le réel et l'ombre ne sont pas son affaire. Le divertissement et l'enjolivement sont bien plus rassurants.

G.R

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Hamelin du troisième type
(les trous d'enfance du blockbuster)

Préparer dès les années 70 aux sons et lumières de la décennie suivante, c'est à grands renforts de moyens faire l'enchantement des enfants à qui l'on glisse à l'oreille de garder la chambre gentiment. Nous avons été ces enfants, jusqu'à ce que la cinéphilie nous invite à sortir de notre chambre pour les salles obscures qui n'en sont pas l'extension avec effets de boucle rétroactive, mais l'abri d'une promesse que le monde est plus grand que nous, et désirable à ce titre. Le cinéma de Steven Spielberg, souverain d'un Hamelin d'un nouveau genre (le troisième type bien sûr, après les frères Grimm et Jacques Demy), est un monument saturé des ruines d'une enfance confinée. Ready Player One (2018) tient à cet égard de l'aveu : le monde merveilleux de la pop culture a pour réel la bidonvillisation du monde et le processus continue avec le remake de West Side Story (2021). L'espace secret du jeu vidéo est la crypte d'une image gardant le secret de son concepteur éternisé, soit un gosse zombifié par sa consommation solitaire de produits culturels à haute toxicité. Ce gosse, nous l'avons été aussi et la cinéphilie a été une cure de désintoxication qui eu pour pharmacie une cinéphilie de combat. Cette économie de l'addiction, Spielberg avoue y avoir plus que contribué et le YouTube Game en est l'un des récents développements, un espace communautaire pour monades solitaires dont on voudrait croire qu'il n'a rien à voir avec les Alcooliques Anonymes. Le Hamelin du troisième type, patelin et postmoderne, aura réussi à nous reclure dans les quartiers de notre chambre, nous les enfants confinés d'une enfance manufacturée en posters et coffre à jouets.

Il y a une histoire de Carlo Collodi qui, longtemps déjà, nous avait averti de tout cela. Mais le vrai maître de Spielberg, son maître caché qui n'est ni Ford, ni Hitchcock, ni même DeMille mais bien Disney, est le surmoi obscène qui a réduit Pinocchio au petit garçon n'ayant pas d'autre vocation que de faire la joie de son papa. Pinocchio, c'est quand même l'épisode du Pays des Jouets, celui d'une immaturité organisée et plus les enfants sont captifs, plus est rentable leur captivité. Disneyland, mon vieux pays natal (2001) d'Arnaud des Pallières a montré comment ce trésor de récits a été l'objet d'un grand rapt culturel dans les parcs de loisir, ces camps de remplacement. Revoir La Prisonnière du désert dans cette perspective orphique-là (on va en enfer pour y sauver les dragons et princesses de notre enfance), qui est aussi Homère revu par Godard et Lang avant l'heure (le monde s'offre à qui ne rentrera jamais à la maison). Un jour viendra, peut-être, où cessera l'OPA sauvage sur notre enfance. Ce jour-là appartiendra aux colonisés quand ils se soulèveront contre les industries culturelles qui, depuis tellement longtemps, font grand profit à exploiter leur imaginaire pour en épuiser la fertilité.

Le nombril d'Œdipe est moins l'ombilic du cinéma que ses limbes. Le blockbuster fait exploser le quartier mais c'est pour y déposer des trous noirs d'enfance. Le Roi pêcheur, cette figure du cycle arthurien qui hante Indiana Jones et la Dernière Croisade et Ready Player One, montre la blessure au flanc d'un souverain de terres vaines qui se refuse cependant à ce que Perceval en assure la relève ( Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal). La virtuosité et les grands moments réussis ont nourri la captivité amoureuse, jusqu'à ce que s'évanouissent ensemble le syndrome de Stockholm et celui de Peter Pan, le double crochet du capitaine. Là encore, Steven Spielberg est un cinéaste qui ne ment jamais, d'une incontestable sincérité, quand, à l'entame fracassante de West Side Story, il établit la connivence sororale de la caméra sur grue et de la boule d'un chantier de démolition, le ghetto urbain des ados délinquants en proto-parc à dinos (Jurassic Park, 1993).

Il y a un dinosaure dans la dernière séquence de The Fabelmans, c'est John Ford joué avec force par David Lynch. L'adoubement prend la forme d'une leçon donnée avec rudesse. L'horizon est intéressant quand il est filmé en haut ou en bas, jamais au milieu. Le recadrage faussement hésitant du dernier plan, avec Sammy qui part au fond du champ où rayonne déjà sa gloire, ne montre pas que la leçon a été apprise, c'est même tout le contraire. Parce que papa-maman panpan-cucul n'a jamais, mais jamais été l'horizon du cinéaste qui s'apprête alors à tourner Frontière chinoise (1966).

Le père à sa place
(pour remettre les choses en place)

Pour Serge Daney, le cinéma est le lieu du père pour autant qu'il manque. Le manque est un vide qui, sans comblement possible, peut dès lors faire place à l'autre, l'arrivée de tous les autres dont je suis l'autre - cela s'appelle le monde. Pour Steven Spielberg, le monde a été le lieu du père pour autant qu'il a manqué et le cinéma aura consisté à conjurer le trauma en le remettant à la place qui lui revient de droit. Hitchcock et Ford sont les bœufs de la charrue Disney : terreurs quotidiennes et épopées mythiques font d'abord lever les yeux, avant le retour à la chambre qui est le lieu d'une domestication des regards. La cinéphilie a été une contre-culture pour décoloniser les imaginaires. Récupérée par les industries culturelles, elle est devenue le moyen de la contre-offensive spectaculaire d'un colonialisme dont l'âge remonte quand même aux accords Blum-Byrnes en 1946.

Le garçon si doué de The Fabelmans pour accéder à la vérité des autres (la forfaiture de la mère ? Bingo ! La fragilité du gros bras du lycée ? Touché !) est celui qui s'apprête à tourner ses premiers grands succès au box-office, Duel (1971) et Les Dents de la mer (1975), premier blockbuster de l'Histoire. Le premier offre à l'Homme (le héros a Mann pour nom) l'occasion de retrouver son autorité contre la machine impersonnelle qui l'en aura privé (le camion de la modernité castratrice). On ne répétera jamais assez que Le Camion (1977) de Marguerite Duras est le contrechamp salutaire à ce Duel terriblement réactionnaire. Le second soumet son trio masculin au squale chargé de faire le tri sélectif entre le scientifique coincé dans la cage d'un savoir impuissant, le chasseur qui traque la vagina dentata digne de l'avaler et le shérif qui en triomphe afin de pouvoir rentrer chez lui, rechargé dans une autorité que même sa femmes et ses enfants lui avaient un temps disputée.

Le requin (le profond qui revient à la surface) fait suite au semi-remorque (qui tombe dans le trou) pour en naturaliser la machinerie : l'Homme qui revient à sa place est de droit un père qui remet les choses à leur place. Le travelling compensé sur Brody est devenue la signature de l'horreur à conjurer, cette jouissance qui vient du fond en remuant l'écran qui est d'abord le mur de la maison. Quand la jouissance est un trou noir et béant d'hystérie, la fuite est du troisième type, tantôt avec les monticules régressifs préparant aux gros engins de l'espace ( Rencontres du troisième type), tantôt avec la critique du contre-terrorisme israélien qui est peut-être un rival mimétique au terrorisme palestinien avant de convenir, quand même, que c'est toujours la faute aux arabes parce qu'ils ont commencé à foutre le bordel ( Munich, 2005).

Un trou noir et béant d'hystérie, c'est la maman de Sammy dans The Fabelmans. Tout l'accable. Elle enfourne de la pellicule dans ses jupes, est assise sur le trône en manquant de papier-cul, ouvre grand la bouche pour y exhiber le résultat de ses mastications, trompe son mari avec son meilleur ami, danse de manière obscène en laissant deviner sa nudité, déraille après la mort de sa mère, claque les notes de son piano avec ses ongles peints en rouge, gifle son garçon d'une grande claque dans le dos, fait l'acquisition d'un singe qui chie partout en ayant pour nom celui de l'amant, insiste pour dire à ce dernier qui l'a confondue qu'elle n'a pas commis d'adultère en se redressant avec de la terre souillant son derrière. Michelle Williams qui l'interprète en fait des tonnes. Elle est l'hystérie incarnée et les sœurs de Sammy ne sont pas loin, suivie de près par la copine du lycée dont la foi en Jésus est une foire à libido. L'hystérie marque la profonde misogynie de Steven Spielberg qui y reconnaît pourtant une nécessité quand arrive Boris. L'oncle fantasque de The Fabelmans est cet artiste de cirque qui a eu la virilité d'affronter le tigre en ressemblant au Quint des Dents de la mer. Le fauve est aussi vital au spectacle que son dompteur. Si le père a échoué dans cette tâche, son fils devra en assurer la relève.

Du chapiteau au lit d'enfant
(Neverland bordé d'excréments)

The Fabelmans : si maman c'est la jouissance, un monstre de frustration, de ressentiment et de libido (Michelle Williams est effrayante, on dirait Pennywise dans ), papa c'est celui qui a échoué à s'en faire le maître domestique (Paul Dano, trop poupin pour faire le job). Le cinéma spielbergien est la spectaculaire entreprise d'un tort à réparer, la fable est antique comme les tables de la Loi de Moïse. Il faut sauver le soldat Ryan (1998), c'est-à-dire non pas raconter l'histoire du débarquement de 1944 (ça, c'est ce qu'a fait Jean Grémillon pour de vrai), mais édifier la mémoire du vétéran américain qui les représente tous. Une figure du patriarche, voilà le soldat qu'il faudra toujours sauver. La mère juive, elle, est un gag chez Woody Allen (voir le sketch Le Complot d'Œdipe dans New York Stories en 1989). Chez Spielberg, elle est la matrice originaire d'une jouissance qui aura connu de nombreux avatars, camion, requin, dinosaures, martiens, nazis, staliniens (sans oublier le crocodile de Hook où finit Crochet, faux père de substitution et vraie mère la jouissance - Dustin Hoffman est maquillé comme une maquerelle). L'Homme en triomphe, chapeau et lasso en extensions de la caméra offerte par la mère et de la table de montage achetée par le père. Mais Rencontres du troisième type ? Là, papa peut décrocher d'un foyer d'hystérie pour décoller avec ses nouveaux copains à destination d'un nouveau Neverland, par-delà les étoiles (que François Truffaut ait joué dans ce film alors qu'il aura nourri un autre rapport à l'enfance, celui d'une maltraitance irrémédiable, laisse pantois). Pour un autre gamin qui joue aux puissances du faux, la virtuosité sert à fuir le foyer où les taches de vin sont le sang menstruel indiquant par métaphore qu'il n'aura pas été désiré par sa maman ( Arête-moi si tu peux, 2002). Sa maman qui est interprétée par Nathalie Baye, une actrice révélée par François Truffaut, décidément.

Le cinéma, selon Serge Daney, est donc le lieu du père qui manque à sa place et son vide laisse place au monde, celui d'orphelins têtus et de familles choisies, communautés d'adoptions et parentés d'élection, Moonfleet et La Prisonnière du désert, Rio Bravo et La Nuit du chasseur plutôt que Les Dix Commandements de Cecil B. DeMille (encore qu'il s'agisse là aussi d'une histoire d'adoption). Quand on repense aux personnages de ces films jalons de la cinéphilie, que voit-on alors ? Ici des enfants obligeant des adultes à l'être pour de vrai, là des adultes ayant besoin d'autres adultes pour résister aux sirènes de l'infantilisation. Le cinéma selon Spielberg est la fable des tables de la Loi brisées par la Mère (c'est le sombre fond du spectacle), avant d'être reconstruites par l'Homme dont l'héroïsme garantit la relève symbolique du Père (c'est sa morale brillant à la surface). On dira que la psychanalyse est sauvage mais tout ici tourne autour du nombril d'Œdipe, le noyau gravitationnel de la foire du trône spielbergienne, ce trou noir par où l'analité aura excrété plus du milliard de dollars.

Neverland est le nom du cinéma qui a d'abord réduit le monde à un grand chapiteau en le repliant ensuite dans un lit d'enfant, parfois souillé d'excréments, à gauche chiffonné par les débordements maternels, à droite bordé par l'Homme qui remet le père sa sa place. Si A.I. (2001) est le meilleur film de Steven Spielberg, incontestablement son plus terrifiant, c'est en repliant le bouchon, du monde au quartier et du quartier à la maison, de la maison à la chambre et de la chambre au lit d'enfant, jusqu'à son bord extrême qui est un seuil d'inhumanité : la dernière archive de l'humanité offerte à la curiosité des extraterrestres, c'est la mémoire morte d'un simulacre d'enfant programmé pour guetter le retour de sa maman. Dans 2001, l'Odyssée de l'espace (1968), HAL 9000 est l'esclave qui se soulève contre ses maîtres ayant projeté en lui le propre de leurs passions refoulées, contrôle et jalousie. Dans A.I. que voulait réaliser Kubrick, David est un mécha gentil, l'intelligence artificielle qui entretient la trahison disneyienne de Pinocchio pour un règne de deux mille ans. Tiens, Serge Daney disait de l'auteur de La Couleur pourpre qu'il tenait de l'intelligence artificielle.

Chez Spielberg, les esclaves sont des Noirs attendant que de gentils Blancs décident pour eux, en trois temps ( La Couleur pourpre, 1985 ; Amistad, 1997 ; Lincoln, 2012). Avec The Fabelmans, il n'hésite pas à soumettre sa propre enfance au maître dont il est l'esclave fier, la puérilité spectaculaire qui a pour fondement et excès les frustrations monstrueuses de la mère, et pour résolution messianique le redressement d'un père impuissant. Voilà l'horizon et il n'a rien de fordien. La domestication du cinéma est sa révision en miniature dont le plus petit trou trou est œdipien.

Jeux d'enfants pour monde perdu
(le cinéma gaga)

Quand un cinéaste étasunien se retourne sur son enfance, cela donne quoi ? Le grand contre-exemple c'est encore Brian De Palma qui nous l'aura donné, rejouant ad nauseam l'échec autobiographique à faire du cinéma le moyen d'un sauvetage du foyer en faisant vérité de ses excès, l' amor fati poussé jusqu'à se considérer stoïquement en body double d'Alfred Hitchcock. Plus récemment, d'autres ont distribué les cartes autrement : le jeu de vitesses entre le capitalisme de la séduction et la séduction comme anti-production (Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson) ; la réussite promise en assumant sa part de mauvaise conscience (Armageddon Time de James Gray).

Pour Steven Spielberg, le spectacle délivre un noyau de vérité biographique toujours bien compris, mais jamais approché d'aussi près qu'avec The Fabelmans, avec sa part monstrueuse (la mère est la matrice de la jouissance d'où surgiront tous les monstres à venir, et le premier d'entre eux aura été son amant joué par Seth Rogen) et sa part conjuratoire (le père est la Loi qui, ébranlée, se doit d'être refondée). Si l'enfant pardonne au père de ne pas l'avoir été assez, il pardonne aussi à la mère ses débordements qui ont été la boîte de Pandore des jouissances nécessaires à faire bander les bannières du barnum. L'enfant organisant la réconciliation avec ses parents, parce qu'il a autant besoin de refonder l'autorité paternelle ébranlée par le désir de la mère qu'il a compris aussi que de ses jouissances à elle pouvaient naître tous les monstres à affronter pour en triompher, fait le cinéma de l'enfoncement du monde dans un trou œdipien, piqûres d'aiguille dans la pellicule ou placard servant à la mère fautive de confessionnal avant d'en sortir, honteuse, à quatre pattes. Depuis, les enfants ont vieilli mais s'ils avaient désiré sortir de la caverne, ils auraient alors sauvé l'enfance des gâteries dont la consommation fait le lit de leur infantilisation. Infantilisme prolongé et sénescence précoce, gâtés et gâteux : cinéma gaga. Autre bon exemple, c'est le Bon Gros Géant, sommet de sénescence haut perchée ( Le BGG, 2016).

Qui se souvient de Jeux d'enfants ? Le film est méconnu, c'est pourtant l'un des films les plus exemplaires de Steven Spielberg, issu du très mauvais film à sketchs La Quatrième Dimension (1983). Là encore, on ne nous trompe pas sur la marchandise. Dans ce film qui a valeur de paradigme, un avatar quasi-pur du " magical negro " se rend dans un hospice en offrant à des vieillards le pouvoir de retomber en enfance. Tous acceptent et n'en reviendront pas, à l'exception d'un seul qui le regrettera pour le court restant de ses jours. La puérilité sinon la mort. Il se trouve que l'oncle Ben est interprété par Scatman Crothers qui jouait le cuisinier Hallorann dans Shining (1980) de Stanley Kubrick. Du réfectoire d'un dédale où le délire œdipien est un triangle encastré dans le délire pyramidal des races, à l'enfance retrouvée qui est un hospice pour fantasme raciste, puéril et sénile, il n'y a qu'un pas que d'aucuns ont allégrement franchi en y reconnaissant une même magie digne d'être célébrée. Sans voir que HAL et Hal(lorann) sont jumeaux dans l'esclavage, tantôt rouge sur fond noir (la navette spatiale, tombe mobile), tantôt rouge sur fond blanc (l'hôtel, arche immobile). Il est vrai que, chez Spielberg, l'esclavage est une condition noire ( La Couleur pourpre) qui ne devient une cause qu'en revenant aux Blancs ( Amistad) dont Lincoln est le Moïse.

Les mêmes ont fait leur une sur la disparition de Jean-Marie Straub en consacrant la suivante au nouveau film de Steven Spielberg, sans n'avoir plus rien à craindre de la contradiction. Enterrer un vieux dinosaure autorise sûrement de cesser enfin de culpabiliser dans le bruyant parc à thèmes où l'enfance gâtée prépare aux vieux gâteux, sourds à toute dialectique. Les gagas du Neverland sont les habitants d'un monde perdu.

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Des Nouvelles du Front cinématographique

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" The Fabelmans " de Steven Spielberg : Le trou noir d'Œdipe | Le Rayon Vert

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De quoi The Fabelmans est-il le film ? La grande fable du génie précoce du cinéma adoubé par le maître John Ford est une fable amoindrie sur ce que peut le cinéma, le plus grand chapiteau du monde, rabattue dans la lorgnette du nombril d'Œdipe. Le cinéma de Steven Spielberg est deux fois révisionniste.

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La chaîne youtube du prix Jean Renoir des lycéens

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La chaîne youtube du prix Jean Renoir des lycéens

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Prix Jean Renoir des lycéens 2023 : la carte postale de S. Spielberg pour "The Fabelmans"

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Lysia

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Déroulé des interventions du mardi 9 mai 2023

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Déroulé des interventions du mardi 9 mai 2023

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Article de notre rencontre avec Gilles Porte

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Article de notre rencontre avec Gilles Porte