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Anota aquí tus comentarios y sube los ejemplos sobre esta primera lectura.
Recuerda que nos estamos preguntando cómo hacer un relato de las imágenes producidas después del Fin de la Historia del Arte. ALC toma como punto de partida las referencias a la posmodernidad de Jameson, a las lecturas materialistas tecnológicas, pero también a una diversificación de los sujetos que generan aquellos relatos, partiendo especialmente de una conciencia de clase y del potencial crítico y divergente de los usos creativos (piratas, artísticos) de las tecnologías para la producción de imágenes.

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Comentario 1 Pablo Benítez. La Historia del Arte en la era Betamax

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Comentario 1 Pablo Benítez. La Historia del Arte en la era Betamax

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Adjunto mi comentario 1 . Lo comparto como archivo de Word porque de otra manera creo que ocuparía demasiado espacio.

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Benítez_Comentario 1_De quiénes son las imágenes

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La historia del arte en la era Betamax; Larissa Ellian 

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La historia del arte en la era Betamax; Larissa Ellian 

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Comentario #1: La Historia del Arte en la era Betamax.  -Jessi R. R. 

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Comentario #1: La Historia del Arte en la era Betamax.  -Jessi R. R. 

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Comentario Paddlet_La Historia del Arte en la era Betamax

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La Historia del Arte en la era Betamax; Alejandro Mejía Méndez 

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La Historia del Arte en la era Betamax; Alejandro Mejía Méndez 

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¿De quiénes son las imágenes? La Historia del arte en la era Betamax_Yammel Fernández

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¿De quiénes son las imágenes? La Historia del arte en la era Betamax

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Comentario Wendy León; "¿De quiénes son las imágenes? La Historia del arte en la era Betamax." Alberto López Cuenca.

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Comentario Wendy León; "¿De quiénes son las imágenes? La Historia del arte en la era Betamax." Alberto López Cuenca.

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“¿De quien son las imágenes_ La historia del arte en la era Betamax.” Wendy León

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Anota aquí tus comentarios sobre uno o varios de los episodios de Modos de Ver. Recuerda que nuestra intención es preguntarnos por un relato/filosofía del arte a partir de sus formas de producción y consumo a partir de la reproductibilidad técnica. ¿Qué notamos sobre las imágenes en la era de la reproductibilidad que no habíamos notado antes de Modos de Ver? ¿Qué pasa con los procesos de significación, de interiorización, de producción y consumo de las imágenes? Recuerda mantener las políticas de publicación que ya hemos acordado.

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Comentario 1. Brambila Tapia Ma. Fernanda. La historia del arte en el Betamax

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Comentario 1. Brambila Tapia Ma. Fernanda. La historia del arte en el Betamax

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Comentario Sofía - Lectura López Cuenca 

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Comentario Sofía - Lectura López Cuenca 

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1.- La imagen, y su significado, ha ido transformándose desde que existe el ser humano. Si nos remitimos a la mera idea de arte (su representación a través de la imagen) esta específicamente ha sido el recipiente dentro del cual se vierten toda clase de cambios. López Cuenca nos explica que es a partir de cierto momento en que el arte se vuelve reproductible que dejamos incluso de pensar de la historia de forma horizontal y homogénea, como si todo se tratara de meras casualidades interconectadas. Se habla del fin de la historia del arte.
Después de ello interviene la duda de si lo "aurático" sigue importando dentro del contexto en el que se reconoce una dominante cultural y, en lugar de reforzarla, se le cuestiona.
A partir de ahí se habla de la reproductibilidad sobre todo gracias al caso del Betamax, el cómo su creación aportó de gran manera a que se vieran comprometidas las ideas de exclusividad no solo en el arte, sino en el cine y la televisión. Cuestiones como el copyright, la piratería, entraron en la discusión rápidamente.
Sin embargo, y de esto habla más Benjamin, el hecho de que el arte se hiciera reproductible significaba dos cosas: el desprendimiento de una idea aurática, pura, de arte y su valor mercantil, la posibilidad de que el sistema económico se viera aún más inmiscuido en la reproducción masiva de arte y sus posibles efectos secundarios negativos.

2.- "La obra de arte había estado ligada a un uso cultual, esto es, regulado, cuando no restringido y oculto. Sin embargo, conforme las prácticas artísticas  se liberaron del abrazo ritual, se multiplicaron las condiciones para su  exhibición" (López Cuenca, 2018, p. 29). Con esta cita de López Cuenca podemos encontrar algo curioso: la obra de arte se regulaba y se escondía. Representaba un valor "irreproductible" de cierta manera, lo cual expandía la idea de que uno tenía que trasladarse para ve la obra de arte auténtica, algo que no ha cesado desde que existen las postales, pero que ciertamente cambia los papeles y mueve el arte hacia los visitantes.
Ligado a ello quizá sea posible también dar cuenta de que con la reproductibilidad de la imagen, la de la industria textil no se quedó atrás. Tenemos por un lado esa industria de la moda que hace exclusivos los productos de alta calidad, o que se venden detrás de una marca, haciéndose inaccesibles e irreproductibles. Tenemos la misma noción de esconder algo detrás de una pretensión hacia el "estatus". La ropa eventualmente empezó a producirse de manera más seriada, más inmediata. Trasladado hacia nuestros días se puede observar con empresas como SHEIN. Ropa hecha casi al instante con precios bajísimos y que representa una influencia económica gigante. Se trata de uno de los riesgos que ya corría al finalizar eso que llamaban historia del arte.

En el manga Kuragehime (2008-2017) de Akiko Higashimura, uno de los arcos finales habla precisamente sobre lo revuelta que puede ser la industria de la moda. Una compañía con la que los protagonistas (Tsukimi y Kuranosuke) se ven involucrados produce ropa de "alto estatus" con diseños sumamente simples, pero dicha empresa esconde el destino definitivo de la ropa que no produce ganancia: absolutamente todas las prendas que no logren salir al mercado o ser vendidas deben ser quemadas. La respuesta a este método es mantener una apariencia, esconder la verdad sobre una prenda que podría ser perfectamente barata, pero de ser así nadie más pagaría el precio de tienda por dicha ropa. Por ello, todo lo que sobra se quema a fin de no abaratar el producto (no perder dinero) y poder seguir vendiendo al mismo precio tan alto (producir más dinero). "Quemamos dinero para hacer más dinero", dice la personaje que le muestra a Kuranosuke el almacén lleno de ropa próxima a quemarse.

Referencias:
Higashimura, A. (2017). Kuragehime. Japón: Kodansha.

López Cuenca, A. (2018) "¿De quién son las imágenes? La Historia del Arte en la era Betamax". La Vorágine de las Imágenes. Memoria del VII Encuentro de Investigación y Documentación de Artes Visuales. México: CENIDAP.

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Comentario #2: Modos de ver.  -Jessi R. R

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Comentario #2: Modos de ver.  -Jessi R. R

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A partir del documental de Berger pude entender cierta perspectiva sobre la posesión. Desde el principio se establece una relación diferente con la obra de arte, y se menciona que esta siempre es valorada en función de qué tanto alguien puede poseerla. Si lo pensamos en la perspectiva del primer episodio, es interesante ver cuán importante es ahora poder tener reproducciones de pinturas para poderlas poseer en algún momento. En el segundo y tercer episodios esta mirada es más evidente, con el enfoque volcado precisa y primordialmente a la mujer y su disponibilidad a ser tomada. Después en la pintura como una expresión del poder que dan las posesiones materiales, lo que las pinturas ofrecen al reproducir también ciertos detalles que resaltan la importancia de que el hombre poseyera algo (tierras, artefactos, esclavos, dinero, el arte mismo). Finalmente, en el cuarto episodios, la publicidad se hace mucho énfasis en aquello que se nos proyecta como posibilidad a poseer. Los deseos que tenemos a menudo se ven impresos en revistas o escaparates, y aluden a la posesión de muchas cosas distintas. La sola idea de poder adquirir algo y que ello cambie la perspectiva del mundo hacia nosotros (ojo ahí, no es de nosotros hacia el mundo) es uno de los mayores enfoques que ha perseverado desde el óleo hasta el marketing.

Cita de John Berger: "Ahora bien, si miramos la cultura de la pintura europea al óleo de la misma manera (...) creo que encontraríamos que la pintura al óleo fue (...) un medio que exaltó las posesiones privadas. La tradición de la pintura al óleo ha sido ahora rota para siempre. En algunos aspectos la publicidad ha tomado su lugar." (Berger, 1972, Episodio 4, Ways of seeing).

Referencias:
Berger, J. (Director). Dibb, M. (Productor). (1972). Ways of seeing. [Documental]. Reino Unido: BBC.

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Comentario 2 Pablo Benítez. Modos de ver

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Comentario 2 Pablo Benítez. Modos de ver

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Alejandro Mejía Méndez

Desde mi punto de vista es interesante lo que recalca berger sobre cómo las obras arte son valoradas para alguien cuando quiera tenerla. En el primer capítulo del documental te dice que todo lo podemos ver con los ojos en el momento una sola vez, ahora la cámara a reproducido demasiado movimiento y recrea más de una obra.

Cita

Es una de los argumentos que de dice Berger que me

Gusta.

“La pintura en la pared, como el ojo humano, solo puede estar en un lugar a la vez (…) la cámara lo reproduce, haciéndola más accesible a cualquier tamaño.” (Berger, 1972, episodio 1, ways of seeing.)

Esta parte es también una idea de que el avance de la tecnología hasta haciendo que lo antiguo ya no solo sea visto una vez sino muchas veces.

En el los otros capítulos quiere expresar los detalles de poder en las obras de arte los objetos y más el que se menciona es el dinero y los objetos de valor se enfocan más tomarle fotos a las mujeres.

Referencia
Berger. J, (director), 1972. Modos de ver. (Documental)

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Modos de ver, de John Berger (Comentario 2).

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Modos de ver, de John Berger (Comentario 2).

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Valeria Martínez Hernández.

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Septiembre 2, 2022.

Modos de ver, de John Berger (Comentario 2).

A lo largo de esta serie nos vemos orillados a cuestionarnos la imagen, nos obligamos a cambiar el punto de vista que tenemos respecto a algo que nunca hemos puesto en duda, lo que podemos ver y el porqué lo vemos de determinadas formas.

A lo largo de los años, el valor que le damos a la imagen socialmente hablando ha hecho que el arte figurativo y obviamente el mimético, los cuales se encargan de retratar las cosas sin cupo para la expresión propia dentro del cuadro, limitando la imagen a la copia casi exacta de lo observado, se piense como algo sumamente importante, casi místico pues antes nos acercaba a lo que no teníamos pero que aún así, gracias a la pieza se podía, apreciar de frente; otorgándole cierto deje de “exclusividad” a quien podía hacerlo. Aún cuando ahora la obra plástica ya no es necesaria para capturar lo que el ojo aprecia, la imagen que se concibe como artística (aurática) obsesiona a todos a tal punto de hacernos sentir la necesidad de poseerla por la singularidad que emana, por la experiencia que esto implica.

Como ejemplo claro de esto tenemos a la Mona Lisa de Leonardo DaVinci, Un cuadro que retrata una mujer, cante una mirada rápida resulta común y corriente, con una estética la verdad poco innovadora, que A pesar de no tener alguna característica notoriamente cautivante todos deseamos ver, esto no sólo debido a la iconicidad de la imagen, sino al “valor social” que otorga la experiencia, de cierta forma da a quien la ha visto una clase extraña de superioridad ante los demás, decir compartiste cuarto con la Mona Lisa implica para mucho ser parte exclusiva de la historia de esta obra, a pesar de qué hoy en día no tiene mucho, esta obra cubre un poco la obsesión de poseer al menos el experiencia aurática de la imagen.

Ahora, en este nuevo periodo temporal se busca ir más allá, se habla de saber ver, de ver desde otro lado, desde el “no nosotros” y de dejar un poco a un lado el cómo se hace para poner atención en el qué dice. El arte tiene un nuevo peso en la era tecnológica y abarca más terrenos que antes, como por ejemplo, el de la publicidad y la propaganda, como se menciona a lo largo de la serie de John Berger, y toma para su ventaja la provocación previamente mencionada de “querer y poseer” pero ahora enfocada en un ambiente mercadológico, haciendo del mundo que nos rodea un objeto de deseo de consumo.

Referencias:

-Berger, J. (Director). Dibb, M. (Productor). (1972). Ways of seeing. [Documental]. Reino Unido: BBC.

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Comentario 3 Pablo Benítez. Sentido Estético

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Comentario 3 Pablo Benítez. Sentido Estético

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Comentario #3: Sentido estético. -Jessi R. R. 

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Comentario #3: Sentido estético. -Jessi R. R. 

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El sentido estético al que se refiere Jessica Jaques parece ser una especie de inteligencia sensible que nos introduce con mayor fuerza al mundo en el que estamos inmersos. Esto se debe a que cuando nuestro yo más íntimo percibe la realidad, entonces se genera un juicio que guía nuestra forma de relacionarnos particularmente con el mundo.

Esta facultad se describe como la conversión de un particular empírico en una totalidad simbólica, la cual no solo nos permite distinguir las propiedades ontológicas que hace que un objeto sea lo que es y no otra cosa, sino que además hace posible relacionarnos de forma más íntima con el objeto para así dotarlo de sentido y a nosotros mismos.

De esta forma, Jessica Jaques apunta a que a la estética le interesan las formas de percibir el mundo (ser) y asimismo decodificar las relaciones simbólicas que proporciona la experiencia estética. En otras palabras, podríamos decir que la estética estudia todo aquello que provoca un efecto en la sensibilidad humana y con ellos las formas en las que se construye sentido sobre la realidad.

Cita:

"Las diversas maneras de mirar el mundo son, según la feliz expresión de Nelson Goodman, diferentes maneras de hacer mundos" (Jaques J. 2008)

Esta cita considero que justo demuestra cómo a través la experiencia estética el sujeto se relaciona con el mundo en la medida en que lo percibe y al hacerlo construye un sentido que le permite entenderlo con mayor profundidad; sin olvidar que además en esta interrelación mundo-sujeto, el individuo de igual manera se construye a sí mismo.

De esta forma la realidad pasa de ser un mero objeto a algo con lo que nos relacionamos, algo que con lo que construimos simbólicamente y, aún más importante, algo con lo que nos construimos a nosotros mismos.

Referencias:

Jaques, J. (2008). El sentido estético. Disturbis. Disponible en: http://www.disturbis.esteticauab.org/Disturbis234/Jaques.html

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La idea del arte como posesión y su muestra en imágenes:

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Valeria Martínez Hernández.

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Septiembre 23, 2022.

Comentario #3: Sentido estético.

La mirada que tiene Jessica Jaques sobre el sentido estético me parece, en un principio y de forma muy resumida y burda, a esta frase que suele decirme mi mamá de que “ver no es lo mismo que observar”. Observar le da sentido a lo que se ve, y ayuda a encasillar al objeto en cuestión en una categoría que le califique según su nivel de estética.

Me pareció muy interesante la explicación de la palabra “sentido” dentro de “sentido estético”, pues plantear el sentir como otra clase de inteligencia inherente al humano y pensarnos así como seres increíblemente sensibles y sensoriales que, a pesar de vivir en un mundo dominado por el intelecto matemático, constantemente expresan su sentimiento en cada aspecto imaginable de la vida es algo que no me había planteado jamás, pero que suena no solo congruente sino increíblemente real. Rescato, respecto a esto, la frase del texto que dice “Actuamos sentidamente cuándo se implica nuestro yo más íntimo, somos sentimentales cuando nos emocionamos con facilidad y sentimentaloides cuando lo hacemos de modo hiperbólico” (Jaques J. 2008)

El sentir va de la mano de emitir juicios, del sentido crítico, y muchas veces dicho sentido se puede perder o nublar al pasar por placeres o dolores intensos, insensatos. Y para bien o para mal somos seres que constantemente están en busca del sentido de todo.

La sensibilidad parece jugar un papel muy extraño al momento de hablar de arte, pues éste pretende generar el sentir y esto, sobretodo en el arte contemporáneo y las diversas ramas que el mismo ha recorrido al momento de expresarse así mismo, puede resultar más confuso que otra cosa. Su apelación al sentimiento es más difícil que aquella que se consigue al ver obras que se conciben más fácilmente, de una forma popular, como arte. Pues si de por sí, este es un tema de muchas subjetividades, lo que construye a una obra de arte resulta aún más subjetivo debida a lo personal de la experiencia.

Honestamente me cuesta mucho trabajo explicar el tema en si, pero aún así y como ejemplo de todo lo que leí me atrevería a usar la famosa escena de declaración entre el señor Darcy y Elizabeth en “Orgullo y prejuicio” (Joe Wright, 2005) donde, a pesar de ver que dos personas sienten algo entre sí, los factores morales, históricos, sociales e inclusive religiosos ( mencionados en la lectura como esencialmente afines a este concepto) interfieren en el a la atribución de características estéticas que tienen del otro. Hay un momento incluso en el que el señor Darcy hace referencia a este choque entre lo cuantitativo y cualitativo que encuentra en Elizabeth, su forma de mirada sobre ella se pone en tensión.

Referencias:

Jaques, J. (2008). El sentido estético. Disturbis. Disponible en: http://www.disturbis.esteticauab.org/Disturbis234/Jaques.html

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Cuarto comentario / Gerard Vilar_Yammel Fernández

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Cuarto comentario / Gerard Vilar_Yammel Fernández

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Comentario #4: Vilar y Steyerl -Jessi R. R. 

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Comentario #4: Vilar y Steyerl -Jessi R. R. 

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Comentario Paddlet_Arte contemporaneo en Steyer y Vilar

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Dentro del texto de Gerard Vilar puedo notar varias cosas que aluden a la idea de arte contemporáneo.
La primera es esta separación entre arte y ciencias, las primeras como algo que suscitan preguntas en lugar de dar pie a repuestas, mientras que la segunda mencionada como algo que solo puede acatar verdades. Aunque entiendo la gravedad del comentario realizado por Vilard, me parece que su crítica apuntaba más hacia, precisamente, la necesidad del arte a crear dudas sobre los discursos presentados en el arte y la filosofía. El valor de ambos (si es que hubiera un valor único y estricto) no me parece apuntado desde una noción utilitarista (aunque puede haber sido desde dicha intención), pero comprendo el por qué la división tan marcada llegaría a causar conflicto. Sin embargo recordemos que no por esta división tan gruesa la unión entre ellas deja de ser posible. Además de que Vilard no parece desatinar tanto: el arte y la filosofía sí crean espacios, obras, que alzan preguntas y discusiones variadas sobre los símbolos detrás de dichas obras. Ni todos los sentidos o inferencias filosóficas, ni todas las obras de arte pueden ser entendidas de manera uniforme.
¿Qué significa esto? El arte comunica. El arte ha comunicado, desde las mismas pinturas rupestres que buscaban retrarar una realidad y cotidianidad cavernícola, hasta los museos dentro de los cuales las obras de arte son exhibidas y protegidas con el más alto nivel de seguridad. El arte sirve como una forma más de carrear símbolos, significados, intenciones, mediante sus diferentes medios o formas. Hay que también comprender la tendencia detrás de este análisis constante del arte, esto es algo que existió solo hasta el siglo XVIII, como dice Vilard. Esta necesidad de hablar del arte y lo que esta pudiera o no representar solo surge también a partir de un cambio de mirada hacia el objeto artístico.

Y dicho objeto no siempre debe llevar en sí un valor puramente relacionado con la "belleza" (otro debate gastado, ¿el arte debe sólo ser bello?). Lo anterior podría representar cierta alarma hacia la intención de un plasmo de belleza en absolutamente todo el arte. Sin embargo es lo contrario: la desaparición parcial de una intención absolutamente bella para con el arte permite, precisamente, crear nuevas formas de belleza, nuevas maneras de modificar el sentido y la mirada de "lo bello" para poder desvincularlo de la noción de obra de arte.

"Las obras de arte tienen un significado que vehiculan en un objeto, instalación o acción. Las obras de arte contemporáneo son en general enunciados en un lenguaje desordenado" (Vilard, p. 202).

Caos dentro del orden. Una idea que podría representar la confirmación de la idea "utilitarista" de Vilard, ya que si el arte representa un caos es de esperarse que no suscite verdades sino preguntas. Pero creo que puede entenderse también como la inscripción que mencionaba hace un momento: representa la posibilidad de creación dentro de un desorden, el desorden también representa cierto orden por detrás y viceversa. Utilitariamente no pienso que el arte conlleve algo, no pienso que haya sido creado por motivos utilitaristas, sino que dicho adjetivo le ha sido engrapado en su rostro como una cualidad inseparable.

Sobre dicho ejemplo de caos en el orden me viene a la mente un capítulo del manga Kakukaku Shikajika (2012-2015) de la autora Akiko Higashimura. En este manga semi biográfico, Higashimura relata su viaje en el mundo del arte y la particular relación que compartía con un profesor particular de pintura. En cierto capítulo, la autora narra una crisis que atraviesa por ser incapaz de seguir pintando tres lienzos gigantes como una entrega para la universidad. A escena entra su profesor quien, con mano dura, la obliga a terminar sus pinturas, dando como resultados tres simples autorretratos con los que Higashimura pasa exitosamente su clase. Son páginas caóticas pero graciosas, llenas de burbujas de texto gigantes y vibrantes que intentan emular los gritos y llantos de Higashimura. A pesar del caos, las acciones en página llevan orden: el profesor vierte pintura, la mezcla con un pincel, le da el pincel a Higashimura y estrella su rostro contra el lienzo, gritándole que solo debe dibujar. Es una escena que podría interpretarse hasta violenta o inadecuada, pero lleva una fuerte carga sentimental y alentadora para Higashimura.
También es de notar que aunque la página esté repleta de caos, el paneleo de un manga (rectángulos en la página que deben leerse de derecha a izquierda) exige cierto orden y distribución.

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Kakukaku Shikajika - Kakukaku Shikajika - 10 - 18

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Comentario 4 Pablo Benítez ─ Razones en el arte contemporáneo

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Comentario 4 Pablo Benítez ─ Razones en el arte contemporáneo

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Benítez_Comentario 4_Razones en el arte contemporáneo

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Es una tendencia artística que desafía las reacciones físicas y mentales del público en general sobre todo en temas como: Náuseas, vomito, nervios y piel de gallina. Se describe como el arte trasero del arte.

La fascinación por heces, esperma y menstruo constituyen uno de los fenómenos más notables del arte reciente. Desde que el Whitney Museum for American Art organizó una exposición titulada "Arte abyecto: repulsión y deseo en el arte americano", lo abominable se volvió un rasgo central en la plástica contemporánea. La exposición, sin embargo, no se limitó a mostrar piezas actuales.

(Marga van Mechelen - Abyecto)
En estas te argumento Marga señala que lo abyecto se ha vuelto una puerta del arte que no se había tocado que la repulsión también puede tener un valor artístico que no debe haber solamente un valor sino más.

En lo abyecto se platican otras ideas se caracteriza este arte también como anal, orinal y  genital diferentes partes del cuerpo humano que debes ser consideradas objetos materiales naturales.

Julia Kristeva describe la abyección como idea estética psicoanalítica del arte y también necesaria para la preparación sexual, psicológica y social de una persona. Pero también es la idea de la expulsión de ideas importantes en la vida social de la persona es sobre salir de lo que nos explican desde casa y que no solamente es los valores que se recalcan.

Mechelen, M, V. (2010). El arte abyecto.
http://www.chasque.net/frontpage/relacion/9909/signos.htm#Signos

Mandel, C. (2013). Notas sobre la categoría de  ̈lo abyecto ̈ en las artes visuales contemporáneas. (ESCENA). (p-8).
https://revistas.ucr.ac.cr/index.php/escena/article/download/14450/13744/

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Alejandro Mejía

En el texto de vilar explica muchas funciones del arte y parte las partes estéticas la pregunta de base que hace Gerald vilar abarca sobre la el arte que se trabaja el día de hoy,  solamente al hacer esta pregunta provoca muchos temas de desacuerdo. El arte tiene una razón interpretación muy funcional que genera una revolución desde lo político hasta lo social, ahí entra una idea que interpreta vilar de manera política y ética: esto expresa libertad en todos los sentidos y no se deja llevar por solo lo que digan las autonomías.

Citas

Pero en el mundo del arte de hov el curador normalmente no tiene una colección que atender, sino que es «in~iependiente», alguien a quien se le encarga puntualmente que preste sus cuidados a una exposición concreta, a una bienal o a una retrospectiva. Lo que caracteriza al curador contemporáneo es su creatividad. (Vilar, 2006, p. 213)

Esta cita explica que como yo lo analizo en que también un curador y una persona que se encarga del arte hasta artistas tienen la libertad de promover de crear ideas y arte suyo propio sin tener que ser juzgado o guiarse de lo que puedan decir ideas religiosas o políticas, sino entrar de manera democrática de hacer tu trabajo.

Vilar, G. (2006). Razones en el arte contemporáneo. En Álvarez, J. F. y Aramayo, R. (eds.) Diseño e incertidumbre (pp. 195-217). Madrid, España: editores Plaza y Valdés

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Comentario #6: Estética y política -Jessi R. R.

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Comentario #6: Estética y política -Jessi R. R.

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Comentario 6 Pablo Benítez ─ Estética y Política

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Comentario 6 Pablo Benítez ─ Estética y Política

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Valeria Martínez Hernández.

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Septiembre 23, 2022.

Comentario de lo Abyecto.

El tema del arte abyecto fue a mis favoritos, pues se habla de utilizar todo aquel material que “atente”con nuestra sensibilidad debido a lo inapropiado, repugnante e incluso amenazante que resulta, no sólo pone a prueba nuestra forma de percibir objetivamente una idea, sino que como artistas, rompe con una barrera socialmente establecida sobre hasta donde puede sacarse ventaja de la materialidad. Aquí se vuelve a comprobar que el arte va mucho más allá de ser sólo bonito, se cuestionan la repercusiones que la “pantalla-tamiz” ejerce sobre nosotros al momento de interpretar lo que se nos planta enfrente

Hasta donde yo lo entendí, ese tipo de arte está asociado sobre todo con los materiales que se utilizan para su realización, siendo estos sudor, sangre, semen, orina, heces, cabello, uñas, entre otros… pero luego hablamos del performance, y salieron temas como la matanza de animales o la masturbación pública, y todo se volvió un poco más ambiguo, vinieron a mi mente piezas como “Mierda de artista” de Piero Manzoni, pero a una parte de mí le resultó muy evidente el por qué sería abyecta esta obra, así que me puse a pensar un poco más y llegué a Jenny Saville y a sus obras basadas en el concepto de cirugía plástica.

En estas piezas, Saville logra proyectar la incomodidad al espectador al momento de apreciar escenas inmediatamente posteriores a una cirugía estética; es incómodo, es duro de ver, tal vez porque resulta casi violento y proyecta una realidad que a menudo no se muestra al hablar de este tema. Tal vez no está hecho con “materiales cuestionables”, pero logra causar este impacto sobre la estética a la que estamos acostumbrados al momento de apreciar en una obra de arte.

Referencias

Foster, H. (2017). Abyecto. En Malos nuevos tiempos (pp. 11-39). España: AKAL.

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Valeria Martínez Hernández.

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Septiembre 30, 2022.

Comentario del Arte Contemporáneo.

Durante estas lecturas nos plantean dos puntos de vista respecto al arte contemporáneo, el primero lo aborda desde una visión hasta cierto punto mercadológica donde se plantea la presencia del capitalismo debajo de la manta del arte, promocionando a este último solo como pieza de consumo comercial, que se piensa como un producto que complace a su comprador estando a su servicio y que promueve la privatización y la explotación.

Por otro lado está la visión donde el arte conserva esta parte, en mi opinión esencial, de expresarse más allá del discurso político y capitalista global, impulsando al espectador a generar ideas propias respecto a determinados temas.

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El texto de Roland Barthes es especialmente corto, pero goza de una increíble profunidad que va más allá de las pocas páginas que lo conforman. En el texto Barthes se expande sobre la importancia que ha cobrado el autor en el mundo literaria, y cómo esta nueva manera de otorgar prestigio al humano, en lugar de la obra presentada, termina por desaparecer a la figura del lector.
A los ojos de Barthes el lector debería ser la prioridad del escritor, de la obra, pues estos solo pueden convertirse en obra y en autor mientras exista un lector que los tome. el autor ya no es una entidad omnipotente y absoluta en el mundo de la literatura. El texto del autor, dice Barthes,  tampoco  puede  ser  interpretado  de  manera  unilateral  y  original,  porque para empezar no existe un concepto de originalidad puro, pues todo está compuesto de referencias anteriores que han sido combinadas. Pero siempre, siempre, aunque el autor muera, nace un lector. Y con el nacimiento del lector estamos pagando la muerte del autor.

Cita:
"...el escritor se limita a imitar un gesto siempre anterior, nunca original; el único poder que tiene es el de mezclar las escrituras, llevar la contraria a unas con otras, de manera que nunca se pueda uno apoyar en [sólo] una de ellas" (Barthes, 1968, p. 3-4).

Pienso como ejemplo en el Archive of Our Own (ao3), un portal en internet dedicado a albergar todo el fanfiction escrito desde que la práctica se volvió mucho más común en la década de 1960. Estos escritos se popularizaron gracias a la existencia de fanzines que se regalaban en convenciones del show de TV Star Trek.
A medida que se hizo más y más común encontrar escritos sobre parejas de shows de t.v., libros, películas, etcétera, cierta comunidad de personas en internet se vieron llamadas gracias a un manifiesto llamado An Archive of One's Own (en referencia al libro de Virginia Woolf), en donde un miembro con el nombre astolat (ahora conocida como la novelista Naomi Novik) escribía sobre el derecho de los lectores de contar con un espacio cibernético donde se les permitiera guardar, etiquetar y comentar todos los fanfictions que se quisieran. Nació la Organization for Transformative Works, que se encarga de mantener vivos estos portales donde se permite postear todo tipo de fanfiction, en cualquier formato, e incluso es un equipo de personas que trabajan en todo tipo de campos laborales; hay abogadas, médicas, matemáticas, escritoras, en su mayoría son mujeres que abogan por la libertad de estos escritos. Escritos que nacen desde la muerte del autor de un tipo de entretenimiento, hacen nacer al lector, y desde este mismo nace un nuevo autor que ahora es capaz de alterar la obra original para darle una nueva forma.

Referencias:
Barthes, R. (1968). La muerte del autor. Recuperado de: https://teorialiteraria2009.files.wordpress.com/2009/06/barthes-la-muerte-del-autor.pdf

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Comentario 7 Pablo Benítez ─ La muerte del autor

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Comentario 7 Pablo Benítez ─ La muerte del autor

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Benítez_Comentario 7_La muerte del autor

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Comentario #7: La muerte del autor -Jessi R. R. 

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Comentario #7: La muerte del autor -Jessi R. R. 

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La muerte del autor

Alejandro Mejía

Barthes está demostrando el poder que tiene el autor desde la literatura junto con el arte, una d ellas idea qué plantea este autor es que la escritura está en juego que provoca la desaparición de toda idea de origen formal. Lo interesante aquí es que el autor no es el importante sino que es lenguaje que tiene un su propia expresión, la lectura se cuida por sí sola y no depende del autor.

Barthes R. (1968). La muerte del autor. Cubaliteraria. https://teorialiteraria2009.files.wordpress.com/2009/06/barthes-la-muerte-del-autor.pdf

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Actividad exposición "¿Porque no existen grandes mujeres artistas?" - Jessi R. R. 

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Actividad exposición "¿Porque no existen grandes mujeres artistas?" - Jessi R. R. 

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Actividad: ¿Por qué no hay grandes mujeres artistas?; Larissa Ellian 

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Actividad: ¿Por qué no hay grandes mujeres artistas?; Larissa Ellian 

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Comentario #8: ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas? - Jessi R. R. 

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Comentario #8: ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas? - Jessi R. R. 

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?_Yammel

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?_Yammel

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?_Yammel

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Comentario 8 Pablo Benítez_ ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?

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Comentario 8 Pablo Benítez_ ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?

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Benítez_Comentario 8_Por qué no han existido grandes mujeres artistas

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Paola Cruz_ ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?

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Paola Cruz_ ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas? Alejandro Mejía

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas? Alejandro Mejía

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La lectura resalta a que la mujer se la considera ama de casa, la prohibición de la mujer al estudiar el cuerpo humano, en pocas palabras se la limitaba a la mujer negaba muchos trabajos profesionales, era la limitación y la negación a estos trabajos que era algo que más se la dejaba a los hombres.

La lectura y la idea que expresa me recuerda a mucho a la idea se tenia hace muchos años con los griegos. Y es que también ellos tenían la idea de que las mujeres debían ser un tipo de objeto para los obras en procrear y cuidar a las familias desde casa. Los hombres se preparaba para entrenar y ser grandes guerreros y traer pan a la familia  mientras que la mujer se encarga desde casa cuidar y dar cariño y motivación digamos que se repite la misma historia.

Cita

"era institucionalmente imposible para las mujeres alcanzar la excelencia o el éxito artístico en el mismo nivel que los hombres, sin importar el potencial de su llamado talento o genio" (Nochlin, 2001, p. 43)

Está frase me hace reflexionar de qué no es por qué no haya mujeres talentosas más bien es, porque no hay un registro de estas mujeres dentro del arte. Cuál era la postura que solamente los hombres tenían ese potencial yo creo que linda quería dar a conocer que todos tenemos potencial y se les debería tratar todos por igual en el arte.

La chica Danesa (2015)

Esta película es la época de los 20’s donde una pareja son artistas profesionales y hay escenas en donde la mujer esta queriendo mostrar su arte pero no es reconocida por qué lo consideraban algo ilegal y fuera del arte y el tenia más fama y reconocimiento. Y para mostrarlo él tenía que pintar o demostrar si era una artista muy profesional ante la audiencia y gente de la institución y bueno la trama en general es mucho más extensa pero ella junto con su pareja quería tener el reconocimiento de otros.

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Referencias

Nochlin, l. (1971) ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?. [PDF]

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Comentario 9 Pablo Benítez_Arte en la época de la biopolítica

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Comentario 9 Pablo Benítez_Arte en la época de la biopolítica

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Benítez_Comentario 9_Arte en la era biopolítica

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Comentario #9: Arte en la era biopolítica -Jessi R. R.

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Comentario #9: Arte en la era biopolítica -Jessi R. R.

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Comentario Paddlet_Arte en la era biopolítica

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?; Larissa Ellian 

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?; Larissa Ellian 

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Valeria Martínez Hernández.

Alma Elena Cardoso Martínez.

Universidad Iberoamericana de Puebla.

Filosofía del arte | Octubre 22, 2022.

Política y estética.

La política y la estética al mezclarse conceptualmente dan como resultado el arte político, que mediante el uso de, performances, instalaciones, cuadros o cualquier otra técnica plástica reflejan los pensamientos políticos que tiene el autor. Tomando el concepto de lo político no limitándolo al orden gubernamental en el que vivimos sino más bien abarcando en el todo aquello que tiene relación con la sociedad.

Una artista que es excelente ejemplo de esto y que estuvo muy presente al hablar de lo abyecto es Teresa Margolles y su obra que habla cuerpos en las calles, “¿De que otra cosa podríamos hablar?” (2009) dónde habla de la decisión del estado de militarizar la guerra existente en contra del narco elevando así las cifras de asesinatos en México y haciendo que no fuera necesario visitar una morgue para encontrar cuerpos, por lo que decidió empezar a trabajar en las calles, en su obra uso la sangre derramada, recolectada con agua caliente y tela, para trapear un salón de la Bienal de Venecia de ese mismo año.

“En las calles el cadaver ya era de la gente quienes al caminar se topaban con los cuerpos, el cadáver que antes era una cosa privada se convierte en una cosa pública”

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Alejandro Mejía

Boris Groys quiere encontrar en su análisis que en el arte ha pasado la idea  de desplazar su interés de hacer documentación con el arte. Aquí entra una idea que no hace al arte visible eso quiere decir que se esconde por varios métodos de documentación. Esto está haciendo suponer que últimamente el arte ha adoptado con tener su propia forma de trabajo oficial, pero también existe una falta de claridad dentro de estas imágenes para darle autonomía sin embargo tiene una dificultad para que estas imágenes puedan reproducirse de manera sola y segura.

Boris ahora dice que el arte se ha convertido en una forma de vida para las personas, se documenta como forma de vida es en esta parte donde él aclara que el arte tiene biopolitica, en reproducir y documentar las imágenes es por eso que Boris lo considera que la documentación artística puede estar dentro de la biopolitica.

“El tiempo llega cuando cada obra de arte muere, se rompe, se disuelve, se reconstruye –no necesariamente teóricamente sino sólo en el nivel material”–. (Groys, 2013, p. 26)

Aquí en esta parte Boris está haciendo referencia que el arte puede fallecer y puede volver a renacer dependiendo del tiempo es clara aquí la idea de entender sobre lo importante que es la documentación artística como parte de la forma de vida es cuando una persona se cae y puede caer más y logra levantarse para salir adelante.

Boris Groys. 2013. Arte en la era biopolítica: de la obra de arte a la documentación del Arte. México; COCOM. https://monoskop.org/images/c/c2/Groys_Boris_Antologia

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas? - Sofía Unzón

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas? - Sofía Unzón

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En el marco de las mujeres artistas no podemos ignorar que siempre hemos sido un tanto dependientes de lo que se espera de nosotras por parte de los hombres (como en casi cualquier profesión). En la lectura de Nochlin podemos observar cierta dubitación ante delimitar las mismas preguntas que ella se hace, pero no porque haya alguna preferencia por el encasillamiento que nos han dado los hombres sino porque, en realidad, el debate alrededor de las mujeres artistas puede parecer de respuestas directas, pero en realidad es sumamente complejo.
No basta con preguntarse por las mujeres artistas y relucir ejemplos de ellas, o mencionar las que son famosas. Se necesita ir más allá incluso de las mujeres artistas y reevaluar la misma condición de mujer dependiendo de la época que elijamos evaluar.
En resumen, también, el problema reside en estas instituciones que no nos permiten estudiar a estas mujeres.

Cita textual:
...la situación total de la creación artística, tanto en términos de desarrollo del creador
artístico como en la naturaleza y calidad de la obra de arte en sí, ocurren en una situación social, son elementos integrantes de esta estructura social y están mediados y determinados por instituciones sociales específicas y definidas, sean éstas academias de arte, sistemas de patrocinio, mitología de un creador divino, el artista como el hombre o proscrito social (Nochlin, 2001, p. 28).

Como ejemplo se me ocurre específicamente The Hours (2002) película que habla sobre tres mujeres en tres momentos distintos de la historia, y quienes están conectadas entre sí de alguna manera. Es interesante que la película explora también las necesidades inexploradas de estas mujeres, cómo cada inconformidad la van guardando y haciendo exclusiva, privada, para ellas solamente. Estas expresiones no exteriorizadas también devienen en un arte que puede haber sido nunca mostrado. Pero sobre todo es importante entender la forma en que nuestras expresiones artísticas también pueden incluir a otras mujeres, y que estas tengan la disposición y posibilidad de expresarse junto al motivo artístico. Solo así, cuestionando la institución y tomando espacios que reconfiguren la idea, ya no de "arte femenino" sino arte, podremos encontrar ese punto que une el ser mujer con el hacer arte.

Referencias:
Nochlin, L. (2001). ¿Por qué no han existido grandes artistas mujeres? Crítica feminista en la teoría e historia del arte. (Cordero, K. y Sáenz, I., comp.) (pp. 17-43). México, DF: CONACULTA.

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Arte en la era biopolítica - Sofía Unzón

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Arte en la era biopolítica - Sofía Unzón

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Boris Groys tiene una manera peculiar y concisa de aludir a la modernidad. Una pregunta que me quedó rondando fue, ¿desde cuándo entendemos esta serie de mecanismos, artefactos y seres computarizados como la modernidad? Creo que está claro el mencionar que la idea de modernidad no es algo que surja específicamente en nuestro tiempo, tampoco es algo que solo se entienda mediante la idea de una computadora hiper avanzada. En algún momento de la historia, la modernidad se entendió como la llegada del ferrocarril, o la invención de la rueda, o puede incluso que el fuego nos haya dado esa cualidad "moderna" desde hace millones de años. Pero al tomar a Groys en este tiempo y espacio actual, encontramos que ahora la modernidad es la máquina, lo digital, el código. Y este reemplazo de lo analógico por lo digital no significa que deje de producirse arte, al contrario, deviene en un nuevo tipo de arte que refiere a la misma forma nueva en la que realizamos documentación, archivo. El arte ahora ya no se remite a un archivo hecho pintura o retrato, ni solamente a un certificado escrito con tinta china, sino que ahora puede ser la exposición de grabaciones hechas a latidos de corazones de diferentes personas (Boltanski). El archivo moderno mismo se vuelve la obra de arte.
Ahora, habría que preguntarnos, ¿bajo qué especificación se consideraría arte en medida que es orgánico o artificial?

Cita textual:
"...una característica de la tecnología moderna es que no somos capaces de distinguir entre lo natural u orgánico y lo artificial o tecnológicamente producido" (Groys, 2013, p. 37).

El ejemplo que se me ocurre es el concepto de neurodanzas en el anime Cyberpunk: Edgerunners (2022). Estas son experiencias audiovisuales, grabaciones digitales que un usuario puede comprar y enchufarla directamente a su sistema neuronal. A través de esta grabación la persona también puede experimentar las sensaciones, acciones y emociones de la persona que grabó la experiencia. El contenido de estas neurodanzas puede ser de lo más sencillo, como un recorrido por la luna (algo que sería financiado por el gobierno) hasta el asesinato de una persona (contenido ilegal y que requiere intermediación de un contrabandista). Me pregunto si, en algún punto, dentro del mundo de Cyberpunk estas neurodanzas podrían considerarse arte archivo, pues están hechas de eso precisamente, de una captura de material digital que contiene registro de ciertas actividades.

Referencias:
Groys, B. (2013). Arte en la era biopolítica: de la obra de arte a la documentación del Arte. Boris Groys. Antología. (pp. 33-49). México; COCOM. Recuperado de: https://monoskop.org/images/c/c2/Groys_Boris_Antologia

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La muerte del Autor

“La explicación de la obra se busca siempre en el que la ha producido, como si a través de la alegoría más o menos transparente de la ficción , fuera, en definitiva, siempre, la voz de una sola y misma persona, el autor, la que estaría entregando sus confidencias”

Cuando un autor finaliza un texto deja de pertenecerle, pasa a disposición de la cultura, de la gente. Cada persona asimilará la historia de distinta forma, sufrirá diferentes interpretaciones como lectores pudiera tener.

La pregunta es quién lee y con qué motivo, qué busca el lector. Estoy de acuerdo con Roland Barthes; de algún modo siempre he pensado que se escribe para morir en los demás y morir menos en uno mismo. Lo importante son los lectores, los tipos de lector. Cada texto que leemos es una recopilación y reinterpretacion de otros anteriores.

Barthes R.(1968) La muerte del autor cubaliteraria https://teorialiteraria2009.files.wordpress.com/2009/06/barthes-la-muerte-del-autor.pdf

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¿por qué no han existido grandes mujeres artistas?

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¿por qué no han existido grandes mujeres artistas?

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Mujeres artistas

“que una mujer opte por una carrera y particularmente por una carrera artística ha requerido de un cierto rompimiento con los convencionalismos, tanto en el pasado como en el presente. Aun que la artista se rebele, o no, en contra de las actitudes de su familia o se fortalezca con ellas, debe (…)tener en su persona rica veta de rebelión para abrirse paso en el mundo del arte”

(Nochlin,p.38)

Bueno esto se me hace muy increíble ya que se sigue viviendo en la actualidad en cualquier circunstancia, que la sociedad aun no pueda crees de lo que es una mujer capaz en realidad, porque solo a lo que se tiene que dedicar y enfocar es en, buscar un hombre que la mantenga, cuidar hijos, lavar planchar, cuando eso ya hoy en día se esta acabando y digo eso porque hay aun mujeres que siguen en esa ideología y esto ha ido de generación a generación.

Se realizo una actividad muy interesante que me llamo mucho la atención yfue de mi agrado y sin querer realice una ironía.  "no creer en la capacidad de una mujer, pero si rezarle a una mujer"

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Comentario. ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?. Wendy León

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Comentario. ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?. Wendy León

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?. Wendy León

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“Arte en la era biopolítica”. Wendy León

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“Arte en la era biopolítica”. Wendy León

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“Arte en la era biopolítica”. Wendy León

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?-Fernanda Brambila

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¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?-Fernanda Brambila

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Comentario #10: Manifiesto ciborg -Jessi R. R. 

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Comentario #10: Manifiesto ciborg -Jessi R. R. 

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Arte en la era de la biopolítica; Larissa Ellian 

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Arte en la era de la biopolítica; Larissa Ellian 

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Comentario 10 Pablo Benítez_Manifiesto ciborg y arte queer

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Comentario 10 Pablo Benítez_Manifiesto ciborg y arte queer

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En la siguiente liga de canva está mi presentación :) : https://www.canva.com/design/DAFRVALpUmI/kbPvEVhY2P1XLi6RzME9ww/view?utm_content=DAFRVALpUmI&utm_campaign=designshare&utm_medium=link&utm_source=publishsharelink

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Les dejo un PDF con mi propuesta de proyecto, por cualquier cosa adjunto la liga de mi presentación: https://www.canva.com/design/DAFRPabcFHc/UVmleMnrKMR9E6Iprx7tpw/view?utm_content=DAFRPabcFHc&utm_campaign=designshare&utm_medium=link2&utm_source=sharebutton

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Dejo mi propuesta final. Como ya no se pudo explicar de manera oral, traté de exponerla lo mejor que pude en este Word. También dejo una liga con mi bitácora / libreta taxonómica. Varias imágenes son provisionales y probablemente cambien para el montaje final. Además, es muy probable que además de las fotografías presentes en la bitácora hasta ahora, agregue también otras que articulen de manera más explícita lo que expongo en mi propuesta. También agregaré material audiovisual extra. Saludos

https://www.canva.com/design/DAFRODygTEY/U65NwmIrY4FFkO3yiA3kdQ/view?utm_content=DAFRODygTEY&utm_campaign=designshare&utm_medium=link&utm_source=publishsharelink

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La idea para mi montaje es hacer un producto audiovisual que muestre de forma muy rápida (algo así como en el primer gif de Toy Story) imágenes de: la naturaleza dominada por el fin humano, del arte y la naturaleza, el arte y la mujer, la mujer en la publicidad, el monstruo del capitalismo y finalmente al ser humano en la era digital.
Esta dinámica pretende demostrar cómo estamos llenos de exceso de información al grado de que es imposible procesarla de forma crítica y consciente. Especialmente busco con las temáticas conducir el hilo de la discusión a la falta de contemplación en la otredad, siendo así que se cosifica la naturaleza, el arte, la mujer, la vida humana y las tecnologías.

Por cierto, creo que al subir la presentación de Power Point no se logran apreciar los gifs, así que les adjunto el link de la presentación en Google por si quieren apreciar bien el contenido de las imágenes jeje.
Link presentación en Google: https://docs.google.com/presentation/d/1zUq1d_E6-R7veJ5WVodbeb8u9uLRnap_ZIsJwMftAZA/edit?usp=sharing

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Comentario #11: Descolonizar la naturaleza - Jessi R. R.  

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Comentario #11: Descolonizar la naturaleza - Jessi R. R.  

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Comentario Paddlet_Descolonizar la naturaleza 

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Comentario 11 Pablo Benítez_Descolonizar la naturaleza

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Comentario 11 Pablo Benítez_Descolonizar la naturaleza

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María Fernanda Brambila Tapia

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Alejandro Mejía Méndez

Para descolonizar debemos vernos como humanos y tener la conciencia de quienes somos con el mundo en el que vivimos, lo primero que debemos entender como inicio nuestra forma de vida y los orígenes, el autor aquí habla sobre el dominio del avance tecnológico y moderno sobre la naturaleza, para el la naturaleza es controlada y explotada por temas políticos y sociales. Aquí entre también el tema del consumismo.

Propone que las personas deben entrar de manera humana y de que haya una conexión  con la naturaleza, es un énfasis es de qué tenemos naturaleza pero no sabemos cómo utilizarla sino más bien lo usamos como fines de incorrectos y más ahora con el consumo y otras cosas se manifiestan, también lo noto como pro ejemplo en las guerras aquí entra una forma destrucción de cosas naturales. Ahora bien el arte parece entrar ayudar a este tema, reestructurando la materialidad y de otras miradas de lo natural.

“Dominamos y nos apropiamos de la  [la naturaleza): tal es al filosofía que subraya la idea industrial y la llamada ciencia desinteresada, en este punto indistinguibles.

La dominación cartesiana pone en primer plano la violencia objetiva de la ciencia, la

que convierte en una estrategia perfectamente controlable. Nuestra relación esencial con los objetos con la guerra y la propiedad” (Demos, 2020. pág, 189)

Aquí está parte se me hace muy interesante y remarca las actividades del ser humano que son causantes de esta destrucción de la naturaleza y qué debe recalcar esta idea de control.