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Esta presentación se caracteriza a partir de tres componentes más importantes del arte correspondientes a cada periodo y cultura: Arquitectura, Pintura y Escultura.

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El tiempo transcurrido a partir de la aparición de los primeros homínidos, antecesores del Homo sapiens, hasta la constancia como existencia de primeros documentos escritos.
Año 35.000 al 3.000 A.C

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La arquitectura de tipo primitiva se destacó por ser sobria de gran singularidad, como también de carácter. La arquitectura prehistórica sus refugios eran temporales, sobrios en su configuración residencial y monumental en su comportamiento religioso y de culto.
Imagen: Los Stonehenge Período neolítico. Año 2200 y 3100 a.C. Inglaterra.

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Arquitectura | Concepto, Tipos y Características

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¿Cuando surgió la arquitectura prehistórica? La era prehistórica resulta muy difícil de definir, pues para esto se tiene que retroceder a decenas de miles de años. Debido a que esta era es tan extensa resulta difícil determinar los temas auténticos de su arquitectura.

Sin embargo, hay ciertas formas y conceptos fundamentales que son previos a cualquier civilización que se conozca y que son lo suficientemente significativos como para que puedan influir en los desarrollos arquitectónicos importantes de los siglos y milenios posteriores.

La arquitectura prehistórica paleolítica por lo general es difícil de representar debido a que una gran parte de los materiales que el hombre prehistórico empleaba fueron hechos con materiales fibrosos que se deterioran con el transcurso del tiempo.

Debido a que los primeros asentamientos humanos que utilizaron algún tipo de arquitectura se remontan al 40.000 A.C., existen muy pocas pruebas para poder estudiarlos y trabajar con ellas.

Una aldea paleolítica fue exitosamente explorada en Mezhirich, Ucrania, desde aproximadamente 15.000 A.C. El poblado descubrió un grupo de cabañas construidas con huesos de mamut lanudo que proporcionaban un complicado marco en las estructuras.

Las cabañas tenían un diámetro de entre 13 y 33 pies, y en algunos casos las cenizas y los huesos carbonizados indicaban la posible existencia de una hoguera en su interior.

Los antropólogos que estudiaron el origen de la arquitectura prehistórica afirman que los hombres del Paleolítico posiblemente no hayan " ideado" la arquitectura, pero sí pudieron ser los primeros en definir y estructurar progresivamente su entorno para poder crear espacios que les permitiesen comprender mejor el mundo y el lugar que ocupan en él.

Conforme los seres humanos comenzaron a crear asentamientos durante el Mesolítico y el Neolítico, la arquitectura empezó a dividirse en formas arquitectónicas más específicas.

A medida que los establecimientos humanos crecían, y las labores comunales se distribuían, la cooperación y colaboración significaban que se podían construir estructuras más resistentes. La mayor parte de las estructuras descubiertas que provienen de este período estaban hechas de madera y tenían un sistema de postes y pilares.

Por lo general, las estructuras también tenían un techo plano de madera sostenido por postes que posteriormente podían rellenarse con ramas tejidas y cubrirse con barro para conseguir una estructura de pared robusta.

No obstante, en zonas del norte de Europa, gran parte de las estructuras fueron construidas con piedra y, por consiguiente, siguen relativamente intactas hoy en día.

En Irlanda, Newgrange muchas de las rocas de construcción fueron grabadas con diseños geométricos abstractos de círculos y espirales.

Aunque había poco contenido en el diseño de interiores hace 5.000 años, los primeros artículos de diseño se enfocaban en formas geométricas simples. Este hecho se ha comprobado en los grabados mencionados, pero también en la colocación de grandes estructuras megalíticas de piedra, la más conocida de las cuales es Stonehenge en Inglaterra.

Las estructuras diseñadas de mayor antigüedad que se han conservado en Gran Bretaña son las tumbas de cámara construidas a base de piedra que forman parte de largas tumbas, construidas entre los años 3800 y 3400 a.C., a principios del período neolítico. Quizás las más antiguas sean los Megalitos de Medway, una agrupación de monumentos en Kent que incluye la Casa Coty de Kit.

Otros, como los largos túmulos de Belas Knap, Nympsfield y Uley, son parte del amplio grupo "Cotswold-Severn", y comparten un gran parecido familiar. Todos son montículos trapezoidales que recubren cámaras funerarias construidas con rocas de gran tamaño y segmentos de muros de piedra seca. Tienen espacios abiertos para las ceremonias en el extremo más ancho.

Algunas cámaras funerarias han sido expuestas cuando sus montículos se han erosionado, como Trethevy Quoit, Cornwal. Muestran de forma brillante las técnicas de ingeniería que necesitaron para construir monumentos de piedra prehistóricos.

Los distintos tipos de arquitectura prehistórica en las viviendas son casi imperceptibles en los registros arqueológicos del Neolítico y la Edad de Bronce. Algunos ejemplos poco comunes incluyen entre ellos, algunos edificios rectangulares del Neolítico temprano descubiertos no muy lejos de la Piedra de Arturo, Herefordshire, y pequeñas casas cuadradas del Neolítico tardío en las Murallas de Durrington.

Se desconoce la razón de esta falta de pruebas. Podría ser que las casas fueron construidas con madera, que hace tiempo se pudrió, o bien, puede que la gente no tuviera un estilo de vida definido.

Las primeras casas circulares se contruyeron en la Edad de Bronce, y se pueden encontrar comúnmente en los asentamientos de la Edad de Bronce media y finales de la Edad de Hierro, como el Castillo de la Doncella, Dorset, Grimspound, Devon, y Silchester, Hampshire. Algunos son edificios de madera circulares de gran tamaño, con superficies de más de 100 metros cuadrados.

En Cornualles y las Islas de Scilly, se construyó un tipo local de " casa patio" con piedra a partir de finales de la Edad de Hierro hasta el período romano-cornio.

El perfeccionamiento óptico en la arquitectura prehistórica se utilizó para comprender la visión del ojo humano y la forma en que la gente ve la escala. Cada dintel está suavemente inclinado hacia adentro, más ancho en la parte superior y angular en la parte inferior.

A determinada distancia da la impresión de ser vertical en lugar de angular. Los dinteles verticales también estaban angulados de tal manera que eran más anchos en la parte inferior y más pequeños en la parte superior.

Los dinteles no sólo se colocaron sobre los menhires, sino que se ajustaron con juntas de mortaja y espiga. Cada uno de los menhires verticales posee una espiga y cada una de las lentillas tiene dos orificios para encajar encima de la espiga y brindar estabilidad. Esto demuestra la complejidad de la construcción arquitectónica prehistórica.

En la actualidad, el sitio está fuera de servicio y la gente debe caminar por él. Se abre una vez al año en el solsticio de verano. Es bastante probable que no sea restaurado, sino que simplemente sea preservado para su conservación.

Fue un mirador al aire libre sin evidencia de que tuviera algún tipo de techo o cubierta. Se descubrieron entierros dentro del círculo y se supo de algunas cremaciones, lo que indica que también era un sitio funerario.

Además, era útil también para predecir los cambios estacionales y también pudo haber sido parte de una ceremonia o ritual de la naturaleza y el círculo de la vida. Sus múltiples usos indican funciones tanto prácticas como espirituales/religiosas.

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¿Cuando surgió la arquitectura prehistórica? La era prehistórica resulta muy difícil de definir, pues para esto se tiene que retroceder a decenas de miles de años. Debido a que esta era es tan extensa resulta difícil determinar los temas auténticos de su arquitectura.

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Las pinturas de la prehistoria eran representadas en formas de animales, sobre todo caballos y bisontes, y en menor cantidad, ciervos, leones, etc. Se mostraba como dinámicas cotidianas, de caza, recolección, domesticación, entre otros.
Imagen: Pintura cueva de Altamira. Paleolítico español.

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21-abr-2013 - Blog de artista para compartir técnicas del arte, la pintura, el dibujo, temas artísticos, conocer a otros artistas y aprender a pintar.

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La primera escultura de la que se tiene conocimiento corresponde al año 35.000 a.C. aproximadamente y se trata de tallas en forma de animales, así como pájaros, descubierta por lo general en cuevas. El arte prehistórico solía representar escenas de caza o figuras asociadas a divinidades.
Imagen: La Venus de Willendorf 27 500 y 25 000 a. C.

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El arte egipcio se caracteriza por el gigantismo en la arquitectura, es decir, de dimensiones colosales. La pintura y la escultura en relieve empleada casi siempre en templos y tumbas, con un abundante empleo de jeroglíficos ha permitido conocer con gran detalle la historia del Antiguo Egipto.
Año 2700 al 330 A.C.

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Los orígenes de esta civilización, que se desarrolló a lo largo de unos tres milenios, se remontan a fines del IV milenio a.C. Herodoto denominó a esta civilización como "el don del Nilo, y desde que el historiador griego abriera el libro de la Historia contando las maravillas de un país extraordinario, Egipto ha cautivado a todas las civilizaciones y ha hechizado y sigue hechizando a cuantos se han acercado a su civilización.
Por: Olga Ortiz, Sharit Romero, Paula Garcés, Danya Balero, Natalia Urrea y Adalberto Martínez

Nos aproximamos a su historia y un halo de misterio y de enigmas sin resolver parecen envolver su pasado, por más que sea una de las civilizaciones antiguas más y mejor estudiadas.

Pero siempre hay algo más que hace especial el Egipto de los faraones: su desarrollo cultural; su temprana civilización; sus logros de progreso como las canalizaciones o el calendario que les marcaba el propio Nilo con sus crecidas; el aislamiento de su geografía; o su riqueza extraña en medio del desierto; el secreto prolongado durante tanto tiempo de sus jeroglíficos; y sobre todo sus dioses y sus cultos funerarios, motivo de sus portentosos monumentos, que elevan la grandeza de Egipto a un verdadero mito de la Antigüedad.

Pero el arte de Egipto no se limita a la construcción extraordinaria de sus pirámides, a la obra de sus templos, y a las tumbas fabulosas que de vez en vez descubren los arqueólogos. Egipto desarrolló también en el campo de las artes plásticas una obra excepcional por su enorme variedad y su calidad técnica. No era un arte para la belleza. Ni los artistas ni sus mecenas buscaban en el arte egipcio la magia de lo hermoso, como les ocurrirá siglos después a los griegos.

El arte de Egipto es un arte práctico y utilitario, al estar íntimamente ligado a su función funeraria y al interés de la monarquía. Por ello es un arte de carácter simbólico, que además cambia muy poco a lo largo de los siglos, porque a la tradición secular que definía todas las manifestaciones de la cultura egipcia, había que añadir las propias tradiciones asumidas por artistas y talleres que eran muy difíciles de alterar.

Un arte para sus dioses, para el mundo de ultratumba y para sus faraones, principalmente, pero también un arte en el campo de las artes plásticas, que en ocasiones le hace un guiño a la vida cotidiana y a las manifestaciones más simples de la belleza. Un arte por todo ello fascinante, que nunca nos podrá dejar indiferente.

El desarrollo de esta gran civilización se puede ver en cuatro periodos o fases en las que se desarrollaron un gran número de avances artísticos con características propias de cada uno de estos:

El periodo prehistórico o Periodo Predinástico (4.500 - 3.100 AC)

Alrededor del año 3000 a.C. se produjo en el antiguo Egipto el paso de la prehistoria a la historia, con el desarrollo de una serie de importantes cambios, tales como el nacimiento de la escritura, la mejora del sistema de riego, que comportó cosechas más abundantes, y la unificación política del país, con la fusión del Alto y Bajo Egipto.

Generalmente se identifica a Narmer con el legendario Menes, que según la tradición se convirtió en el primer faraón de Egipto.

Se construyen las primeras pirámides, conocidas como "Mastabas", que eran complejos funerarios o necrópolis.

El Imperio Antiguo (2.650 - 2.150 AC)

Es durante este periodo crucial que la escritura jeroglífica alcanzó un nivel razonable de sofisticación y las técnicas artesanales lograron un nivel alto de profesionalismo.

Durante el Imperio Antiguo el Rey Djoser, construye la pirámide de Saqqara, es el primero y más famoso rey de la tercera dinastía. Es en este periodo que se establecen los canones artísticos que duraran más de tres mil años.

Los trabajos de Keops, Kefren, y Micerino, la creación de las tres pirámides en Giza representan la cresta de logros en el campo arquitectónico.

El sistema de escritura egipcio comprende tres tipos básicos de escritura: jeroglífica, hierática y demótica. Durante esta época, se registran todas las acciones del Faraón en escritura jeroglífica

El Imperio Medio (2.030 -1.640 AC)

Periodo de reavivamiento del carácter egipcio se establece la capital en Tebas.

En las expresiones artísticas, hay una tendencia hacia una representación "humanizada" de la realeza.

El arte del Imperio Medio se caracteriza por el mayor realismo en general, y en particular en los retratos, y este mismo criterio lo imitó la nobleza egipcia.

El Imperio Nuevo (1.550 - 1.070 AC)

Los monarcas reinantes de este periodo mostraron un interés genuino por el arte y la arquitectura. El arte proliferó, enriquecido por influencias asiáticas, con hermosas manifestaciones de pintura mural. La actividad arquitectónica recibió un gran empuje como consta en el templo de Amón, en Karnak, y en el templo de Luxor.

Ramsés II, fue un faraón imperial emblemático. Más que por sus conquistas territoriales, se le conoce por las abundantes construcciones colosales que legó a la posteridad, como el templo de Amón, en Karnak.

Durante este periodo que Egipto alcanzó el cenit de su gloria.

Los monarcas reinantes de este periodo mostraron un interés genuino por el arte y la arquitectura. Akhenaton, el Faraón hereje, alcanzó la cresta de innovaciones con lo que se llamó el naturalismo de Akhenaton.

Supone un desarrollo inigualable para la técnica del bajorrelieve y la de la pintura.

Ahora bien, a lo largo de todos los periodos anteriormente mencionados, la civilización egipcia logró desarrollar su arte en diferentes aspectos, tales como la arquitectura, la escultura y la pintura, dejando grandes obras y conceptos primarios de arte para todo el desarrollo de esta disciplina.

El legado de la arquitectura egipcia se consolida a lo largo de los siglos, basado en una serie de características propias: su colosalismo constructivo, su perfección técnica, y su capacidad de movilización social para la realización de grandes obras.

Cuenta además con algunos elementos formales igualmente singulares. Así, su estructura arquitrabada, la utilización frecuente de muros en talud, el aprovechamiento de la piedra como material constructivo a pesar de las dificultades de su extracción en aquel país de desierto, así como un modelo de sostén basado en grandes columnas rematadas en capiteles característicos: lotiformes, palmiformes o papiriformes, según su parentesco con las plantas que se reproducen talladas sobre la piedra.

Destacan como tipologías más características, la arquitectura funeraria, de una enorme importancia en el arte egipcio dada su íntima relación vital con el mundo de ultratumba; y los templos, reflejo también del poder de la clase sacerdotal.

Por otra parte, los egipcios desarrollaron, debido a su actividad agraria, las técnicas de la agrimensura. Ello les familiarizó con la geometría y el cálculo aritmético, conocimientos que aplicaron a la totalidad de su arquitectura, otorgándole así unas proporciones precisas adaptadas a determinados módulos.

La arquitectura funeraria es sin duda una de las expresiones más espectaculares de todo el arte egipcio, pero no hubiera sido posible sin el desarrollo profundo de una religión que le daba una importancia absolutamente trascendental al fenómeno de la muerte y la vida en el más allá.

El egipcio para poder iniciar el viaje al mundo más allá de la muerte, debía conseguir que permanecieran unidos los dos principios esenciales que constituían al ser humano: el ba, que aludía al aspecto inmaterial o alma del ser; y el ka, o fuerza vital, que se relacionaba con el cuerpo y el físico del sujeto.

De ahí el interés de los egipcios por salvaguardar la apariencia física de los fallecidos, por medio de la momificación o la realización de estatuas y máscaras funerarias, única manera de que ambos aspectos del ser no se separaran en el otro mundo. De esta forma podía el difunto acceder a la barca del dios Sol- Rah, que al llegar el ocaso lo trasladaba al mundo inferior, o de ultratumba, donde a su vez asistiría al juicio de Osiris que pesaría su alma y decidiría su futuro eterno.

Es el inmenso poder económico y social acaparado precisamente por el faraón el que permitiría obras descomunales dedicadas a su descanso eterno: primero las mastabas, que luego se convirtieron en pirámides, y posteriormente los hipogeos.

Estaban formadas por una base tronco-piramidal con muros en talud, que quedaban enterradas y mimetizadas en el paisaje. Las primeras se realizaron en ladrillo, sustituido posteriormente por sillares de piedra perfectamente escuadrados.

Al interior contaba con dos niveles: el subterráneo con la cámara sepulcral a la que se accedía a través de pozos verticales, que se cegaban después de depositar la momia; y el nivel superior, en el que estaba la capilla, que imitaba la casa del difunto, donde los familiares podían pasar para depositar ofrendas.

Contaba con una o varias "falsas puertas" decoradas con relieves, que servían para indicar al espíritu del difunto ( ba), el lugar por donde debía salir o entrar al edificio. Si la mastaba era de nobles o personajes de clase alta, al lado de esta capilla se disponía el serdab, o sala que contenía la estatua del difunto ( ka).

La pirámide es, por excelencia, la tumba del soberano, de ahí que se revista de un simbolismo especial. En primer lugar, se ha demostrado que algunas fueron concebidas bajo simbolismos numéricos, como es el caso de la de Keops, que recoge ciertas medidas astronómicas.

Al interior, la momia del difunto se disponía en un pozo excavado bajo la construcción, donde se hallaba la cámara mortuoria. También en las pirámides, por ser una evolución al fin y al cabo de las mastabas, se abría el serdab, que contenía el doble del difunto, junto a diversas

Son tumbas que corresponden al Imperio Antiguo y cuyo origen se encuentra en la superposición escalonada de mastabas, dando lugar a ejemplos como la Pirámide escalonada de Zoser. Su refinamiento y perfección dará lugar a la pirámide propiamente dicha, que tiene sus mejores ejemplos en las tumbas de los grandes faraones de la IV dinastía: Keops, Kefren y Micerinos, anteriormente mencionados.

S e desarrolló durante el Imperio Nuevo, tratándose de una construcción que como su propio nombre indica, estaba excavada dentro de una montaña, con una disposición interna que trasponía en cierto modo las estancias de las anteriores construcciones.

Son cámaras funerarias y templos subterráneos que se excavaron sobre roca, en la ladera de alguna montaña. Tienen una disposición laberíntica. Las paredes interiores solían estar decoradas con pinturas o relieves que reflejaban escenas de la vida cotidiana.

Destacan principalmente los excavados en la región de Tebas, en el enclave denominado del Valle de los Reyes.

Por otro lado, los egipcios también desarrollaron obras artísticas en cuanto a
los templos, que eran edificaciones inmensas, levantadas en honor a los dioses egipcios. En los grandes templos se distinguían una serie de partes:

La avenida, que desemboca en el templo con dos hileras de esfinges.

Grandes muros de la fachada, de forma trapezoidal y dispuestos en talud, llamados pilonos.

El patio o sala hípetra, rodeado por dos filas de columnas. Era el lugar en el que había un altar para realizar los sacrificios y al que podían acceder los fieles.

La sala hipóstila, formadas por varias hileras de columnas que se cerraban con una cubierta adintelada

Al fondo estaba una cámara donde estaba la imagen del dios, así como las dependencias sacerdotales. A esta estancia solo podía acceder el sumo sacerdote o el faraón.

El escultor en Egipto era un personaje de segunda categoría (no así el arquitecto) por dedicarse a una actividad manual y es siempre un personaje anónimo y sin iniciativa creadora. Existían unas fórmulas establecidas por el Faraón y los Sacerdotes que el artista debía acatar.

La escultura egipcia es hierática, ceremoniosa, solemne y en todas existe un evidente continuismo a lo largo de tres mil años, sólo alterado en períodos concretos (amarniense, saíta, ptolemaico), que se refleja en una serie de leyes escultóricas que son más bien tópicos de representación (no existe el concepto de belleza tal y como lo entendemos en la actualidad, sino de obra bien hecha):

La ley de la frontalidad, según la cual las esculturas, aun de bulto redondo, se presentan para ser vistas de frente (representación de los personajes de frente sin torsión en ninguna parte del cuerpo). En el caso de los relieves y la pintura la ley de la frontalidad se traduce en la representación de las figuras con cabeza de perfil, ojo de frente, torso de frente y piernas de perfil.

El principio de jerarquía, donde los personajes se representan a mayor o menor escala según su importancia. Todos se ejecutan de acuerdo con un canon de proporcionalidad cuadrangular o cúbica, según el cual la altura total de la figura es de 18 o 21 cuadrados.

Canon de perfil : las figuras se representaban con el rostro, brazos y piernas de perfil, mientras que el tronco y el ojo estaban esculpidos de frente, con un elegante criterio estético que perduro casi invariable.

Materiales : Se realizan en caliza, madera policromada y las más importantes en granito y basalto.

Buenos ejemplos son las esculturas de Zoser, Kefrén o Mikerinos; también las del príncipe Rahotep y su esposa Nofret, cuyo tratamiento policromo las dota de mayor naturalismo.

BIBLIOGRAFÍA

Gombrich, E.H. (1997). La historia del arte. Phaidon.
Merlo, C. (2006). La historia del arte: desde la prehistoria hasta nuestros días. Ediciones Robinbook. Lectura sugerida:
El arte egipcio

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LA CIVILIZACIÓN EGIPCIA Y SU APORTE ARTÍSTICO

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Los orígenes de esta civilización, que se desarrolló a lo largo de unos tres milenios, se remontan a fines del IV milenio a.C. Herodoto denominó a esta civilización como "el don del Nilo, y desde que el historiador griego abriera el libro de la Historia contando las maravillas de un país extraordinario, Egipto ha cautivado a todas las civilizaciones y ha hechizado y sigue hechizando a cuantos se han acercado a su civilización.

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Arquitectura en el periodo egipcio antiguo.

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Arquitectura en el periodo egipcio antiguo.

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La arquitectura del Antiguo Egipto se caracteriza por su monumentalidad construida con enormes bloques de piedra caliza.
Imagen: Templo de Abu- Simbel. Dinastía XIX, Ramsés II. 1264 a. C. - 1244 a. C

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La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica, funeraria y religiosa. La técnica pictórica de los egipcios se realizaba al fresco o tempera. Existe entre sus singularidades la ley de la frontalidad donde se plasma la figura humana con ojo de frente, rostro y hombros de perfil, así como las piernas y pies de perfil.
Imagen: Pintura mural de cámara funeraria. Dinastía XVIII, hacia 1500≈1450 a.C.

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La escultura del mundo antiguo egipcio se caracteriza por ser hierática en las representaciones de dioses y faraones y se distingue por la majestad y realismo que imprimen a la figura humana.
Imagen: Busto de Nefertiti 1345 A.C. Amarna Egipto.

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Diadúmeno, de Policleto (3.er cuarto del siglo V a. C.).

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El arte de La Antigua Grecia se conoce como el estilo elaborado por antiguos artistas, caracterizado por la búsqueda de la belleza ideal. 1200 A.C. hasta el 300 A.C aproximadamente.

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La arquitectura griega antigua más conocida es la de sus templos. Se caracterizó por sus tres órdenes arquitectónicos como: el orden dórico, el orden jónico y el orden corintio, teniendo efecto en la arquitectura occidental de épocas posteriores.

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El origen de la pintura griega se mantuvo con la hegemonía de la línea y el dibujo en la pintura y las masas de colores planos, también desarrolló una identidad y características propias.
Imagen: Pintura sobre vasija, hacia 500 A.C.

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La escultura griega suele dividirse en cuatro periodos históricos bien delimitados: periodo geométrico, arcaico, clásico y helenístico. El período de formación, desde aproximadamente el 620 a. C. al 540 a. C.; El período arcaico, desde el 540 a. C. al 460 a.C.; el período de perfección o clásico, hasta finales del siglo IV a.C.,como el de mayor auge. Finalmente el helenístico en tiempos de Alejandro Magno como etapa de difusión, del 323 a.C al 146 a. C.​
Imagen: La Venus de Milo 130 y 100 a. C.

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El arte desarrollado en Roma a partir del poder etrusco, bajo cuya dominación permanece hasta el 509 a.C. Poco a poco Roma se convierte en un vasto imperio que desarrolla un arte influido por culturas itálicas primitivas, por el arte etrusco y por el arte griego.

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Las arquitectura romana es una arquitectura caracterizada por la monumentalidad, no sólo por el espacio que ocupa sino también por su significado. Esto viene dado también por la idea de la inmortalidad del Imperio. Es una arquitectura utilitaria, práctica, funcional.
Imagen: El acueducto de Segovia siglo II d. C.,

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Se caracteriza por la representación de elementos ornamentales muy ligeros, apareciendo también edificios fantásticos, frisos con niños, elementos vegetales muy estilizados, figuras de animales, de humanos y también de pequeñas y delicadas escenas mitológicas. Los colores se caracterizaron por ser muy intensos.
Imagen: Pintura mural en zócalos palaciegos de Pompeya.

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La escultura de Roma se desarrolló entre el siglo VI a. C. y V d.C. Se caracterizó por los bustos tipo retratos cuyos materiales más utilizados fueron el bronce y el mármol.
Imagen: Busto de Marco Porcio Cato Uticense, Circa 80 a. C.

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El arte precolombino o arte prehispánico se conoce como el conjunto de obras artísticas e intelectuales por los nativos del continente americano durante el período antes de la invasión europea.
2500 a.C al siglo XVI d.C.

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Colón jamás imaginó que con el descubrimiento del Nuevo Mundo, se despertaría el interés de la corona por las riquezas de las tierras vírgenes habitadas por civilizaciones deslumbrantes, que la historia terminó llamando cultura precolombina. Un concepto que engloba a todas las sociedades originarias que vivían en el continente americano antes de la colonización europea. Aunque esta etapa de conquista, se produjo años después del primer desembarco del navegante genovés.

Los historiadores dividen a la cultura precolombina por zonas geográficas básicas como:

Mesoamérica

Andina

Caribe

Determinada por el área que ocupan actualmente Panamá, norte de Colombia, Venezuela, las Antillas y el Amazonas. Básicamente dominada por las tribus caribe, wayúu, arawak, darién, chiriquí y tainos.

Pese a esta distribución, los estudios han demostrado que en la cultura precolombina existió una importante interrelación entre las civilizaciones que la conformaron.

La arqueología ha dado pistas importantes para determinar las etapas de desarrollo de la cultura precolombina, en base a ello, se distinguen los siguientes períodos:

Paleoindio (40000 - 8000 A.C.)

Comprende desde la llegada de los primeros pobladores a América, de diversas procedencias, hasta su distribución a lo largo del continente. Se trataba de pequeñas tribus nómadas, especializadas en la caza de grandes animales, extintos hoy en día, como el mamut o mastodontes.

Arcaico (8000 - 1500 A.C.)

adaptación de los grupos humanos a los cambios climáticos que marcaron la desaparición de los enormes mamíferos. Con ello se inició la actividad agrícola, particularmente con el maíz y otros cultivos como la papa, yuca, frijoles, tomates o aguacates. Lo que condujo al establecimiento de lugares de asentamientos fijos.

Formativo (1500 - 300 D.C)

sociedades más complejas con mayores niveles de especialización. El progreso de la agricultura dio origen al desarrollo de la confección de tejidos, cerámica, cestería y orfebrería. Surgen los centros ceremoniales con sofisticadas técnicas de construcción. Resaltando la escultura olmeca, la arquitectura chavín y la cerámica mochica.

Clásico (300 - 900 D.C.)

Durante este período se genera un importante desarrollo del conocimiento indígena y a la par el desarrollo de ciudades-estados. Caracterizándose por una gran diversidad de manifestaciones artísticas y la diferenciación entre clases sociales. Las culturas más representativas fueron la maya, teotihuacana, nazca y tiahuanaco.

Postclásico (900 - aproximadamente 1519 D.C.)

Las ciudades-estados de la etapa anterior decaen, formándose nuevos imperios, mejor estructurados y con una hegemonía sobre el resto de los pueblos. Crecimiento que cesó por el choque contra la conquista europea. Sobresalieron los Imperios azteca e inca.

A pesar del fuerte impacto de la conquista, muchas civilizaciones prehispánicas se resistieron y fueron derrotadas, mientras otras se adaptaron a las nuevas condiciones.

Primordialmente las civilizaciones prehispánicas eran agrícolas, donde el cultivo del maíz se convirtió en el alimento principal de Mesoamérica, y la papa de la zona Andina. Sin embargo en ambas regiones, las condiciones de la fertilidad de la tierra estaban condicionadas por sus creencias. Al igual que gran parte de la arquitectura estaba relacionada con la astronomía, a través de las cuales se establecían las épocas propicias para sembrar o recoger una cosecha.

Adicionalmente a las actividades desarrolladas durante la cultura precolombina para el sustento de la colectividad, como la agricultura, caza, pesca, hay claros ejemplos de cómo el desarrollo político permitió satisfacer las necesidades de la población.

Uno de ellos fue el modelo inca, mediante el uso de centros regionales administrativos de distribución de alimentos y bienes. Otro fue el mercado de Tenochtitlán, un activo centro comercial donde miles de mesoamericanos realizaban transacciones.

en otras zonas de la cultura precolombina se establecieron pequeños reinos, no llegaron a constituirse en organizaciones complejas, como los taínos, aymaras, guaraníes, quimbayas y taironas.

En la cultura precolombina se desarrollaron dos tipologías urbanas, una era el centro ceremonial, constituida por edificios religiosos y administrativos. Donde vivían los gobernantes y personalidades importantes de la sociedad. La otra tipología, eran ciudades, con calles que separaban a las distintas clases sociales, contando con templos, edificios administrativos y plazas centrales.

Al momento que los conquistadores llegaron a América, se toparon con antiguos panteones indígenas y una tradición que combinaba la literatura oral con los códices y estelas escritos. Igualmente, con una mitología común, es decir, los dioses mayas, chimúes, teotihuacanos, aztecas e incas se parecían mucho entre sí. Entonces, entre el politeísmo, animismo, plantas alucinógenas, rituales y sacrificios se adoraban dioses como Viracocha o Tezcatlipoca como creador, Inti o Ak Kin que representaban el sol, Mama Sara, Cinteotl o Yum Kaax manifestaban el maíz.

la visión cosmogónica de la cultura precolombina, generalmente separaba a el mundo de arriba o cielo, el de abajo o reino de los muertos y el que habitaban o de los vivos. En ella se explicaba el origen del universo y de las diferentes civilizaciones, a través de diversos relatos míticos. Existiendo siempre un vínculo entre la creación del mundo, los héroes mitológicos con la vida material y espiritual.

Las civilizaciones prehispánicas con un complejo entramado religioso, que parecieran independientes entre sí, finalmente se entrelazan, porque constituyen una sucesión de culturas a lo largo del tiempo. Las mismas se fueron perfeccionando y desarrollando, a tal punto que, cuando llegaron los conquistaron debieron asombrarse del enorme potencial de estas poblaciones y sus similitudes.

Entre las civilizaciones prehispánicas más importantes se encuentran:

Maya

Localizada en Guatemala, Belice, El Salvador, Honduras y los estados mexicanos de Yucatán, Quintana Roo, Tabasco, Campeche y Chiapas. No constituyó un estado unificado, sino organizado en varias ciudades-estados independientes. Las cuales compartían las mismas creencias y se sometían a gobernantes casi divinos, cuyo poder provenía de los conocimientos religiosos. Los mayas desarrollaron las matemáticas, astronomía, arquitectura e ingeniería, además crearon el calendario, la escritura jeroglífica y predecían eclipses. Sus legados van desde el Popol Vuh, Templo del Gran Jaguar, hasta de lugares históricos como Palenke o Chichen Itzá. Cuando los conquistadores llegaron la civilización Maya ya no existía.

Azteca

Establecidos en el valle de México, fundaron la impresionante ciudad de Tenochtitlán sobre el lago Texcoco. Construyeron un poderoso imperio militar, llegando a dominar a muchos pueblos. Fueron grandes conocedores de la astronomía, medicina, matemáticas, arquitectura y fabricación de armas. Convirtieron a su dios Quetzalcóatl, en la divinidad más adorada por las civilizaciones prehispánicas de Mesoamérica. El Imperio Azteca dejó de existir con los combates contra la colonización.

Inca

Ubicando su capital en Cuzco, edificaron un enorme imperio que abarcó Perú, Bolivia, Ecuador, Chile y Argentina. Desde donde gobernaron un estado multiétnico que se mantenía unido por una compleja estructura administrativa y una red de caminos. Unos de los vestigios del Imperio Inca. es la cuidad de Machu Pichu, construida en la Cordillera de los Andes, con fines religiosos y militares. Se destacaron por su organización político-administrativa, arquitectura, cerámica, matemáticas, comercio, astronomía. Fueron derrotados por los conquistadores cuando el gobernante Atahualpa fue capturado y decapitado.

Artesanía

cultura precolombina son habitualmente de formas geométricas con representación de elementos de la naturaleza. Siendo el común denominador los objetos relacionados con lo fúnebre, teniendo una función más utilitaria o ceremonial que decorativa. Entre estos están:

Las fabricaciones iban desde el moldeado a mano hasta el uso de moldes, posteriormente pintados y decorados en diversos estilos. La mayor parte de la cerámica de la cultura precolombina era pintada en uno o dos colores.

objetos y adornos corporales con metales preciosos como el oro, plata, platino, bronce y estaño. Usando las técnicas del martillado, repujado, recortado, soldadura e incluso el moldeado en cera pérdida y la tumbaga.

esculturas de las civilizaciones prehispánicas como figurillas de barro o arcilla en forma de vasija pertenecen al área Andina. En cambio, las esculturas de piedra son más frecuentes en Mesoamérica.

Textiles

Arquitectura

Utilizando más herramientas de piedra que de metal, construyeron pirámides, palacios, tumbas y templos con basamentos escalonados. Los principales exponentes de la arquitectura de la cultura precolombina fueron los mayas, aztecas e incas.

Finalmente, se puede concluir que la cultura precolombina con su profusa variedad de aspectos, constituyó una maravillosa herencia para la humanidad.

Autor: Redacción

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CULTURA PRECOLOMBINA " Un extraordinario legado a la humanidad

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Colón jamás imaginó que con el descubrimiento del Nuevo Mundo, se despertaría el interés de la corona por las riquezas de las tierras vírgenes habitadas por civilizaciones deslumbrantes, que la historia terminó llamando cultura precolombina. Un concepto que engloba a todas las sociedades originarias que vivían en el continente americano antes de la colonización europea.

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Historia de la arquitectura precolombina

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Fueron numerosos los elementos arquitectónicos que caracterizaron a las construcciones precolombinas de enormes edificios tipo pirámides y sistemas de estructuras urbanas perfectamente diseñadas.
Imagen: Ciudad prehispánica de Teotihuacán. 100 a. C. y 600 d. C./650 d. C.

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Milea de años antes de que los europeos clamasen el Nuevo Mundo, las tierras de América Central y del Sur fueron hogar de grandes civilizaciones cuyo legado arquitectónico provoca fascinación aún en nuestros días.
Las más grandes y conocidas fueron los mayas, aztecas e incas, pero también existieron los olmecas, zapotecas, teotihuacanos, toltecas, moches y nazca. Estas culturas establecieron sus propias normas y estilos de construcción. Los olmecas por ejemplo, quienes habitaron en el sur de México desde 1500 a 800 a.C. introdujeron el primer calendario jerogrlífico escrito en el hemisferio occidental. La civilización teotihuacana que floreció entre el 300 a.C. y el 500 a.C. ocupó la mayoría de Mesoamérica creando la sensacional ciudad de Teotihuacán cerca de México DF.
Los mejores monumentos fueron el Templo de los Guerreros en Chichén Itzá o el Palacio de los Gobernadores en Uxmal que eran grandes e impresionantes diseños y estructuras.
Fueron numerosos los elementos arquitectónicos que caracterizaron a las construcciones precolombinas como cabezas de serpientes en columnas, máscaras de piedra, pirámides, decoración geométrica en espiral, aperturas trapezoidales, muros de piedras cortadas entre otros.
La historia Maya comienza cerca del 1500 a.C. llegando a su cenit entre el 300 y 900 a.C. se evidenció por las grandes pirámides de piedra y templos y por sus logros en matemáticas y astronomía que fueron grabadas en jeroglíficos.
Los más grandes constructores fueron los teotihuacanos. Su capital, Teotihuacán, la calle principal, tenía 2 km. de largo y estaba rodeada por casas construidas en terrazas de piedra y dos grandes pirámides dedicadas al sol y a la luna. La ciudad fue abandonada durante la invasión tolteca en el siglo 900 a.C.

Estos son algunos hechos de la arquitectura precolombina ordenados en forma cronológica.

Siglo 100 a.C. Se levanta la ciudad monumental de Teotihuacán y prospera en el valle de México

Siglo 1. El Mirador de Guatemala, la más grande de las ciudades mayas está en su apogeo

Siglo 50. Florece la cultura Nazca en la costa de Perú y se crean las líneas de Nazca, unos patrones vastos y misteriosos en el suelo que solo pueden ser interpretados desde el aire

Siglo 150. La cultura Mogollon se desarrolla en el sudoeste de Estados Unidos. Es conocida por la cerámica que produce.

Siglo 250. El clásico período Maya comienza en Guatemala, Honduras y en el sur de México.

Siglo 378. La rivalidad entre las ciudades Tikal y Uaxactún termina en la victoria de Tikal

Siglo 500. La cultura Hopewell en el norte de los Estados Unidos construyen monumentos funerarios, terraplenes y armas de acero.

Siglo 700. Al este de Arizona las personas viven en casas por encima del suelo por primera vez

Siglo 750. Se estima que fue el colapso de la civilización de Teotihuacán en México

Siglo 900. Colapsa la civilización Maya y muchas ciudades son abandonadas

Siglo 1000. Leif Ericson el explorador vikingo llega a Norte América

Siglo 1100. Se levanta el Imperio Inca en Perú

Siglo 1250. Hay un revivir Maya seguido del colapso de Chichén Itza y la nueva capital se construye en Mayapán

Siglo 1325. Los aztecas encuentran la ciudad de Tenochtitlán en dos pequeñas islas en el lago Texcoco.

Siglo 1440. En un despliegue de poder y destreza los Incas construyen un gran fuerte en Cuzco

Año 1468. La muerte del emperador Moctezuma I quien conquistó numerosas areas del este de México

Año1492. Llegada de Cristobal Colón a República Dominicana por encargo de la reina Isabel II de Castilla

Siglo. 1500. Los Incas comenzaron a expandir su imperio a través de los Andes centrales

Año 1521. Hernán Cortés el soldado y explorador español llega a México durante el imperio Azteca

Año 1531. Francisco Pizarro, soldado español llega a Perú y descubre el imperio Inca.

Referencias, créditos & citaciones APA: www.arkiplus.com. Portal especializado en temas de arquitectura, construcción, paisajismo y arte con más de 2300 artículos publicados a la fecha. Título del artículo: "Historia de la arquitectura precolombina". Fecha de publicación: . Autoría del artículo: Equipo de redactores de Arkiplus.com. Consultado el 18/09/2022, desde la url: https://www.arkiplus.com/historia-de-la-arquitectura-precolombina/

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Historia de la arquitectura precolombina - Arkiplus

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Milea de años antes de que los europeos clamasen el Nuevo Mundo, las tierras de América Central y del Sur fueron hogar de grandes civilizaciones cuyo legado arquitectónico provoca fascinación aún en nuestros días. Las más grandes y conocidas fueron los mayas, aztecas e incas, pero también existieron los olmecas, zapotecas, teotihuacanos, toltecas, moches y nazca.

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La pintura del arte precolombino fue desarrollado con colores que se usaban para pintar, en especial las las cerámicas provenían de fuentes naturales.

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Muy ligada a la arquitectura, las pinturas aztecas figuran como uno de los estilos artísticos más importantes del arte mesoamericano, destacando así por su creatividad en la creación de personajes de carácter religioso y un impresionante simbolismo.

Algunos aspectos de las pinturas aztecas.

Generalmente, las pinturas aztecas eran plasmadas en las paredes de los templos, tejidos, vasijas de barro y hojas de maguey, con representaciones de escenas de la vida cotidiana, batallas, rituales e imágenes de personajes importantes, entre ellos, muchos dioses.

Las personas que se encargaban de desarrollar este arte eran llamados tlacuilos o artistas de élite, quienes con diversos estilos y diferentes tipos de tintas, crearon una belleza comúnmente infantilizada llena de una intensa policromía, enfatizando siempre la representación de una historia sobre su cultura, además, apoyándose en algunas ocasiones con símbolos, como se pueden observar en la mayoría de los códices.

Este arte fundamentalmente estaba al servicio del estado, en este sentido, conformaba una especie de lenguaje utilizado para transmitir su visión del mundo, reforzando su propia identidad frente a otras culturas. Al respecto, su esencia expresaba un fuerte componente político-religioso con toques de violencia, pero a la vez, dejaba entrever un grado de sensibilidad.

El estilo artístico de las pinturas aztecas.

En el arte pictórico de la cultura azteca, la representación de figuras se simplificaba con contornos lineales precisos, permitiendo aumentar el número de elementos decorativos que acompañaban a la imagen principal, que en su conjunto, teniendo un sentido plano, abstracto, sin profundidad y con formas redondeadas, generaban un equilibrio.

También, el color como elemento primordial de las pinturas aztecas, sirvió para dar un contraste y aumentar el significado de lo representado, es decir, un colorido fuerte y vivo, sin matices ni sombras, le imprimía pasión y fuerza a las figuras. Con respecto a este punto, los mexicas usaron dos gamas diferentes de tonos, una que se limitaba a cinco colores como el rojo, ocre, azul, blanco y negro, muy usada en la pintura mural, y otra con diecinueve matices diferentes que fueron empleados en la escritura azteca, como por ejemplo, los códices.

Por otra parte, este estilo generándose a partir de una ideología muy arraigada, usó técnicas muy sencillas en sus composiciones, pero con figuras complejas que implicaban una simbología. Así, llegaron a representar a sus dioses, personajes notables, animales, plantas y hechos de su vida cotidiana.

Concretando, se puede decir que las pinturas aztecas estando cargadas de grandes significados, hoy en día constituyen una rica fuente de información acerca esta cultura.

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PINTURAS AZTECAS " Significado y rasgos de esta expresión artística

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Muy ligada a la arquitectura, las pinturas aztecas figuran como uno de los estilos artísticos más importantes del arte mesoamericano, destacando así por su creatividad en la creación de personajes de carácter religioso y un impresionante simbolismo. Algunos aspectos de las pinturas aztecas. Generalmente, las pinturas aztecas eran plasmadas en las paredes de los templos, ...

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La escultura se representó a través de figuras humanas y grandes altares, cuyo diseño contiene mensajes de los primeros pobladores de América donde se encuentran estatuas de monstruosas divinidades, esfinges, relieves simbólicos, entre otros.
Imagen: Esculturas en piedra, cultura San Agustín Colombia. siglo XXXIII a.C al siglo VII a.C.

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Arte precolombino y escultura | Educación Continua

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I. Análisis, búsqueda y ejecución de símbolos gráficos nativos, de objetos nativos y de la pintura suramericana. II. Ejecución de temas por fase. III. Trabajos ejecutados en reciclaje y pintura IV. Tres temas en el semestre: a. Diseño gráfico precolombino. b. Utilización y aplicación de objetos nativos de uso común a ready- mades, expresión libre c.

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Correspondiente al arte medieval, es la máxima expresión de la mentalidad de su época. A través de estas representaciones se pretendía acercar y educar a las poblaciones a un nuevo Dios, con el surgimiento y expansión del Cristianismo. El arte se convirtió en la Biblia de los iletrados. La mayoría de las obras son anónimas y marcan un punto clave en la historia del arte y de la humanidad. Siglo V al XIII d.C.

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El arte gotico comenzo en francia. El termino se una por primera vez en el siglo XVI con el define el oscuro arte de la edad media y se comi...

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Arquitectura románica, bizantina y gótica

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Arquitectura románica, bizantina y gótica

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La arquitectura románica S XI al XIII. Como toda la cristiana medieval, es fundamentalmente religiosa, creó un tipo de templo abovedado muy uniforme, lejos del puramente basilical, que, evolucionando, pervivió a través del gótico hasta el Renacimiento. Se caracterizó por su horizontalidad.
La arquitectura gótica S. XII al S. XV era conocida durante el período como la arquitectura vertical. Sus rasgos característicos son el arco apuntado, la bóveda de crucería y el arbotante.
La arquitectura bizantina S. VI al XIV. d.C.  Se caracteriza por el uso del ladrillo en las iglesias, que sustituyó a la piedra, utilizada en la época romana, por una interpretación más libre de los órdenes clásicos y por el uso de mosaicos que sustituyen a las esculturas como elementos decorativos.

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Arte Románico y Gótico (Realizado por Guille)

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Arte Románico y Gótico en la Edad Media. Realizado por Guillermo Soto, alumno de 5º de primaria

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Se caracteriza por frescos de vivos colores y líneas marcadas, con gran expresividad y esquematismo. La característica fundamental de la escultura y la pintura románicas es su falta de realismo. Sus representaciones son rígidas y con pocos detalles. Por eso resultan inexpresivas.
Imagen: Icono de San Antipas de Pérgamo, Monasterio de Santa Catalina del Monte Sinaí, siglo XIII.

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En la escultura los temas predominantes tienen que ver con la religión: figuras en bulto redondo de Cristos, Vírgenes y santos para el culto.La gran mayoría de las piezas escultóricas fueron labradas sobre piedra.
Imagen: Pórtico de la Gloria de la catedral Santiago de Compostela, (1168-1188).

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Renacimiento. La Creación por Miguel Ángel. Capilla Sixtina. Roma

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El Renacimiento se identifica con un estilo lineal, una forma cerrada y una organización tipo piramidal, mientras que en el manierismo se empleó la serpentina, las composiciones se volvieron complejas y tensas con un manejo espacial forzado, con iluminaciones y cielos de gran extrañeza. Con el manierismo se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio. Se vuelve subjetivo e inestable.
Manierismo 1520. Renacimiento se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI.​

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¿Qué fue el Renacimiento?

El Renacimiento fue un movimiento artístico-cultural que, desde Italia, se extendió por Europa Occidental a partir del siglo XV.

Fue la manifestación cultural de un cambio en la mentalidad europea que pasó de una concepción de mundo teocéntrica, propia del periodo medieval, a una antropocéntrica. Este cambio, manifestado en la corriente intelectual, cultural y filosófica conocida como Humanismo, se considera el inicio de la Edad Moderna. El pensamiento antropocéntrico ponía énfasis en la facultad humana para acceder al conocimiento del mundo a través de la razón. En este sentido, las personas del Renacimiento se consideraban herederas de los valores de la cultura griega y romana.

El concepto de "renacimiento" hace referencia a la recuperación de esos valores clásicos luego de la Edad Media.

Se suele dividir el Renacimiento artístico en dos momentos:

El Quattrocento, o Primer Renacimiento: desde 1400 hasta 1480 aproximadamente, tuvo como centro a la ciudad de Florencia.

El Cinquecento, o Alto Renacimiento: desde 1480 hasta 1520, que se centró en Roma desde donde se extendió por Europa.

Características del Renacimiento

Entre las principales características del Renacimiento podemos destacar las siguientes:

Se desarrolló un espíritu crítico con pretensión de conocer científicamente la realidad. Esto se manifestó en todas las artes y en el modo de concebir la relación de las personas con el mundo.

Se inició en la ciudad italiana de Florencia y desde ahí pasó primero a las demás ciudades italianas, especialmente a Roma y Venecia y luego al resto de Europa.

Adquirió gran importancia el concepto de individuo. Se manifestó mediante la búsqueda de trascendencia personal a través de las propias obras ya sea como creador, en el caso de los artistas; o como protector y brindando apoyo material a los artistas en el caso de los mecenas.

El arte fue al mismo tiempo naturalista e idealista. Los artistas pretendían representar el mundo real tal como se veía, pero al mismo tiempo querían mostrar solo su belleza

Para lograr representar sobre la superficie plana del cuadro o la pared la tridimensionalidad del mundo real desarrollaron técnicas, como la perspectiva que daba sensación de espacio y el claroscuro, que permitía dar volumen a los cuerpos.

Los artistas se transformaron en intelectuales con conocimiento de matemática, geometría y óptica para resolver los problemas de la perspectiva; de anatomía para representar el cuerpo humano; así como de literatura, filosofía y teología para darle interés a los temas de sus obras.

En literatura, se tomaron temas y personajes propios de la antigüedad clásica. Al mismo tiempo, las formas adquirieron tanta importancia como los temas los temas tratados.

Origen del Renacimiento

Su origen se remonta a Florencia, Italia, al año 1400 en donde se gestó una intención de transformar y evolucionar el arte en Europa, el cual para este momento conservaba el estilo medieval.

De esta manera, el arte renacentista dejaría de presentar en sus obras tan solo el material religioso y comenzaría a plasmar el arte en torno al ser humano, a sus deseos, sentimientos y deleites. Este movimiento artístico generó un nuevo abanico de estilos, tales como la creación de retratos, las obras al desnudo y los cuadros de mitología y paisajes.

El Renacimiento dio lugar a una nueva era artística pero también a una nueva era cultural, ya que desde aquel momento se empezaron a construir palacios, universidades y ayuntamientos, cuando anteriormente tan solo se construían iglesias.

Aunque sus cambios fueron lentos y rigurosos, finalmente se logró el cometido y hubo un cambio significativo en el arte, transformación que brindó innovación y progreso, consecuentemente, al campo social y científico.

Causas del Renacimiento

Entre las causas que impulsaron la aparición y la difusión del Renacimiento se pueden mencionar:

La expansión del comercio a partir el siglo XIII favoreció el desarrollo urbano y el surgimiento de una rica burguesía comercial, financiera e industrial, muy interesada en la adquisición de conocimientos y en el consumo de obras de arte.

La prosperidad de las ciudades italianas, que se manifestó en la construcción de nuevos edificios y monumentos.

La aparición de los mecenas. Estos eran personas poderosas y adineradas que protegían a los artistas y les daban apoyo económico. En el período renacentista los mecenas más importantes fueron la Iglesia católica, los banqueros y grandes comerciantes italianos y, fuera de Italia, los reyes y sus cortes.

El desarrollo de las universidades que estimularon la recuperación del pensamiento grecolatino y la difusión del humanismo.

La invención de la imprenta, que facilitó la difusión de las ideas humanistas.

Artistas del Renacimiento

Entre los principales artistas protagonistas del movimiento artístico renacentista se encuentran los siguientes:

Filippo Brunelleschi (1377-1446): arquitecto florentino. Se lo considera el inventor de la perspectiva matemática.

Sandro Botticelli (1445-1510): pintor italiano nacido en Florencia. Algunas de sus obras más reconocidas son "El nacimiento de Venus" y "La primavera".

Leonardo Da Vinci (1452-1519): pintor, arquitecto, escultor, ingeniero, inventor y destacado por su conocimiento de la ciencia. Entre sus obras se destaca "La última cena" ubicada en el refectorio del convento de Santa María de las Gracias en Milán.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564): arquitecto, pintor y escultor italiano. Desarrolló su carrera en Florencia y Roma. Entre sus obras se destacan la bóveda y una de las paredes de la Capilla Sixtina, el diseño de la cúpula de la Basílica de San Pedro en el Vaticano, las esculturas de David y varias versiones de La Piedad.

Alberto Durero (1471-1528): pintor, dibujante y grabador alemán.

Tiziano Vecellio (1477/1490-1576): pintor veneciano.

Rafael Sanzio (1483-1520): arquitecto y pintor italiano. Es considerado uno de los grandes maestros del período renacentista.

Principales obras del Renacimiento

Algunas de las principales obras del Renacimiento son:

Gombrich, E. H. La historia del arte. London, Phaidon Press Limited, 17.° ed. 1997.

Hauser, Arnold. Historia social de la Literatura y el Arte. Buenos Aires, Debate. 2006.

Johnson, Paul. El Renacimiento. Buenos Aires, Mondadori. 2005.

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¿Qué fue el renacimiento? - Resumen y características

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Información de que fue el Renacimiento, resumen con características, origen, causas, relación con el Humanismo, artistas y obras y más

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Las características principales de la arquitectura del Renacimiento son la utilización de los órdenes clásicos, medidas matemáticas precisas para calcular la altura y la anchura para de esta forma alcanzar simetría, proporción y armonía. Se retoma principios grecorromanos en los detalles y estilos arquitectónicos.

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License & Copyright

Based on Wikipedia content that has been reviewed, edited, and republished. Original image by Wolfgang Stuck. Uploaded by Mark Cartwright, published on 18 November 2020. The copyright holder has published this content under the following license: Public Domain. This item is in the public domain, and can be used, copied, and modified without any restrictions. Please note that content linked from this page may have different licensing terms.

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Stuck, W. (2020, November 18). Saint Peter's Basilica, Rome. World History Encyclopedia. Retrieved from https://www.worldhistory.org/image/13128/saint-peters-basilica-rome/

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Stuck, Wolfgang. " Saint Peter's Basilica, Rome." World History Encyclopedia. Last modified November 18, 2020. https://www.worldhistory.org/image/13128/saint-peters-basilica-rome/.

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Based on Wikipedia content that has been reviewed, edited, and republished. Original image by Wolfgang Stuck . Uploaded by Mark Cartwright, published on 18 November 2020. The copyright holder has published this content under the following license: Public Domain. This item is in the public domain, and can be used, copied, and modified without any restrictions.

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La pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre sus artistas, gracias a la adquisición de nuevas sensibilidades y técnicas artísticas.
Imagen: La Escuela de Atenas, pintada por el artista italiano Rafael Sanzio 1510 y 1512.

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La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Se utilizaron piedra, madera, terracota, bronce y mármol, logrando con ellos gran perfección técnica. Hay un gran interés por las texturas de las superficies, con acabados muy pulidos y tersos y en ocasiones muy expresivo.
Imagen: La Piedad del Vaticano, Miguel Ángel Buonarroti. 1498-1499.

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El arte Barroco se entiende el estilo realizado en los siglos XVII y parte del XVIII (1600 a 1750), caracterizado por la profusión de adornos en contraposición con el estilo sobrio del Renacimiento clásico. Permite la búsqueda del contraste en las diferentes disciplinas artísticas, revela un gusto por el contraste, y en las artes plásticas se expresa por medio del claroscuro. . Mientras que en el Rococó fue un movimiento artístico europeo de origen francés que se caracterizó por su estilo alegre y provocador, y el gusto por la decoración excesiva. Se manifestó en la pintura, la arquitectura, las artes decorativas y la escultura de gran exuberancia y exageración ornamentativa. 1730 y 1760

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La arquitectura Barroca  es un estilo artístico europeo desarrollado en el siglo XVII y en la primera mitad del siglo XVIII. La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en puntos, curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se interceptaban unas con otras.
Imagen: Capilla de Rosario, Iglesia de Puebla México. S. XVII.

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18-abr-2016 - Qué hacer en México, donde viajar, lugares turísticos, donde ir, que hay, atractivos turísticos, iglesias, museos, arte, cultura, tours, paisajes, parques, viaja, Centro histórico, Mercados Tradicionales, Programa Destinos México

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La arquitectura rococó se destacó por fachadas simples, aunque con amplios jardines e interiores extravagantes. La ornamentación era recargada, con columnas en forma de espiral y sobrecargadas de ornamentación. Se desarrolló durante el siglo XVIII en París, entre las décadas de 1730 y 1760, como reacción en contra de la grandeza, la simetría y las estrictas regulaciones del Barroco.
Imagen: Palacio de Catalina, San Petersburgo, Rusia. 1717.

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La pintura barroca reflejó la importancia de la religión en los países católicos, a la par que del gusto burgués en los protestantes, y se caracterizó por el realismo, la riqueza e intensidad de los colores, así como un fuerte contraste entre luces y sombras.
La pintura del rococó se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco. Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado.
Imagen: Las Meninas. Diego Velázquez 1656.

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La escultura barroca se caracteriza por el sentido de movimiento, energía, tensión, composición asimétrica con predominio de las diagonales y los escorzos, fuertes contrastes de luces y sombras que realzan los efectos escenográficos y el naturalismo.
En la escultura del rococó, se caracteriza por el predominio de la porcelana, el mármol, el bronce, el hierro y la madera. Tiene continuidad con el Barroco, si bien con composiciones más delicadas, sin buscar la simetría. Abunda la desnudez, la sensualidad y el erotismo.
Imagen: El rapto de Proserpina por Gian Lorenzo Bernini. 1621 y 1622. Arte Barroco.

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ARTE DEL NEOCLASICISMO ROMANTICISMO Y REALISMO

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ARTE DEL NEOCLASICISMO ROMANTICISMO Y REALISMO

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Neoclasicismo 1800: Gusto por lo estético y reacción contra el rococó. Romanticismo 1825: Gusto por lo sobrenatural, romántico y emotivo. Realismo 1850: Gusto por lo cotidiano, capitalismo y explotación laboral, artistas bohemios con sus propias reglas. Naturalismo: Gusto por lo marginal.
Imagen: La libertad conduciendo al pueblo. Eugène Delacroix  en 1830.

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La arquitectura neoclásica es un estilo arquitectónico occidental que produjo el movimiento neoclásico que comenzó a mediados del siglo XVIII, rescataron las formas clásicas y manieristas.
Imagen: Templo de la Gloria de la Grande Armeé, Pierre Alexandre Vignon, 1806. Iglesia de la Madeleine, París Francia.

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El Romanticismo es un movimiento cultural que se originó en Alemania y en Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos.
La pintura romántica apela al subjetivismo y la originalidad. En cuanto la expresión, utiliza con frecuencia fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro).
Imagen: Dramatismo en El naufragio en un mar helado, pintado en 1798 por Caspar David Friedrich de Hamburgo.

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Como reacción contra la frivolidad del decorativismo del rococó, surgió la escultura neoclásica inspirada en la antigua tradición greco-romana, adoptando principios de orden, claridad, austeridad, equilibrio y propósito, con un fondo de moralización.
Imagen: Perseo con la cabeza de Medusa, 1800, de Antonio Canova. Museos Vaticanos.

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El impresionismo se produce a partir de 1875, es un estilo pictórico que se caracteriza por su persistente experimentación con la iluminación (similar al luminismo). El manejo de la luz se considera como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura.
El post impresionismo también llamado "Neo impresionismo" es un movimiento artístico que nace en Francia, es representado como continuación y contraposición al Impresionismo, toma elementos de este, pero a la vez rechaza de las limitaciones que supone.

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IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO. El nacimiento de la fotografía. Dagerrotipo experimental, Daguerre 1837. Teoría de los colores Chevreul. http://www.echalk.co.uk/amusements/OpticalIllusions/colourPerception/colourPerception2.html. Sin tubos no habría habido impresionismo . Slideshow...

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El término postimpresionismo nace en 1910, cuando se hace la muestra de cuadros de Van Gogh, Gauguin, Seurat y Cezanne. Los postimpresionistas no pintaron siguiendo a la academia o tendencias grupales. Más bien se esmeraron en encontrar un estilo plástico único que no solo los expresara sino los distinguiera individualmente. Expresar la subjetividad a través de las formas trajo consigo la liberación del estilo artístico.
Imagen: La Noche Estrellada de de Vincent Van Gogh. 1889

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ART NOUVEAU, FAUVISMO Y EXPRESIONISMO ALEMÁN

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ART NOUVEAU, FAUVISMO Y EXPRESIONISMO ALEMÁN

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Art Nouveau, un estilo artístico que surge entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Busca representar la unión entre bellas artes y artes aplicadas.
Fauvismo fue un movimiento francés de escasa duración entre 1904 y 1908. Revoluciona el concepto del color en el arte contemporáneo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al colorido y al dibujo de trazo muy marcado.
El Expresionismo fue un movimiento surgido en Alemania a comienzos del siglo XX. Se entiende como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano.
Imagen: El Grito de Edvard Munch.  Noruega 1893

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El grito es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1843.​ Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó también una litografía con el mismo título.​

En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción policial doce semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de una de las versiones expuestas en el Museo Munch. Dos años después, el 31 de agosto de 2006 la policía noruega anunció la recuperación de la pintura, en buen estado.

La versión que llevaba 70 años en manos del noruego Petter Olsen, cuyo padre había sido vecino, amigo y luego mecenas de Munch, fue subastada el 2 de mayo de 2012 por 119,9 millones de dólares, en la casa Sotheby's de Nueva York, convirtiéndose así en la obra más cara vendida en una subasta.​​

Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la de Leonardo da Vinci.

El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.

La fuente de inspiración para El grito podría encontrarse quizás, en la atormentada vida del artista, un hombre educado por un padre severo y rígido que, siendo niño, vio morir a su madre y a una hermana de tuberculosis. En la década de 1890, a Laura, su hermana favorita, le diagnosticaron un trastorno bipolar y fue internada en un psiquiátrico. El estado anímico del artista queda reflejado en estas líneas, que Munch escribe en su diario hacia 1892:

Paseaba por un sendero con dos amigos; el sol se puso. De repente, el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio: sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad. Mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad. Sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.

Versión litográfica del cuadro aparecida en La Revue Blanche en 1895

Munch inmortalizó esta impresión en el cuadro La desesperación, que representa a un hombre con un sombrero de copa, de medio lado, inclinado sobre una barandilla y en un escenario similar al de su experiencia social.

No muy contento con el resultado, Munch pinta un nuevo cuadro, esta vez con una figura más andrógina, de frente, mostrando el rostro, y con una actitud menos contemplativa y más activa y desesperada. Lo mismo que la anterior, esta primera versión de El grito, se llamó La desesperación. Según detalla Robert Rosenblum (un especialista de la obra del pintor), la fuente de inspiración para esta estilizada figura humana podría haber sido una momia peruana que Munch vio en la Exposición Universal de París en 1889.​

El cuadro fue expuesto por primera vez en 1893, formando parte de un conjunto de seis piezas titulado Amor. La idea de Munch era la de representar las distintas fases de un idilio, desde el enamoramiento inicial a una ruptura dramática. El grito representaba la última etapa, envuelta en angustia.

La obra fue muy bien acogida por la crítica, y el conjunto Amor fue clasificado como arte demente (más tarde, el régimen nazi clasificó a Munch de artista degenerado y retiró todos los cuadros que había en una exposición en Alemania). Un crítico consideró el conjunto, y en particular El grito, tan perturbador, que aconsejó a las mujeres embarazadas que no visitaran la exposición. La reacción del público fue discrepante y el cuadro se convirtió en motivo de discusión y por primera vez se hace mención de El grito en las críticas y reportajes de la época.

Munch realizó cuatro versiones de El grito. El original de 1893 (91 x 73,5 cm) con una técnica mixta de óleo y pastel sobre cartón, está expuesto en la Galería Nacional de Oslo. La segunda (83,5 x 66 cm) en témpera sobre cartón se exhibió en el Museo Munch de Oslo hasta que fue robado en 2004. La tercera pertenece al mismo museo y la cuarta es propiedad de un particular. Para responder al interés del público, Munch realizó también una litografía (1895) que permitió imprimir el cuadro en revistas y periódicos. El 31 de agosto del 2006 la policía de Oslo anunció que la segunda versión de la obra fue recuperada, junto con la , otra obra de Edvard Munch también robada en el 2004.​

El grito en la Galería Nacional de Noruega (2006)

El grito exhibida en 2018 en la Galería Nacional de Noruega

El 12 de febrero de 1994, El grito de la Galería Nacional de Oslo fue robado en pleno día por una banda de ladrones que estaba conformada por los más buscados en la época. En principio se pensó en un grupo antiabortista activo en Noruega,​ luego se comprobó que había sido una banda encabezada por el ladrón de arte más famoso de Noruega, Pål Enger; tardaron 50 segundos en realizar la operación; él mismo reconoció en su declaración policial escrita que había tenido el cuadro escondido entre las tablas de la mesa del comedor​ que se permitieron dejar esta nota: "Gracias por la falta de seguridad". Tres meses después los ladrones se dirigieron al gobierno noruego solicitando, por la entrega del cuadro, un millón de dólares estadounidenses. El gobierno rechazó la oferta. El 7 de mayo se recuperó el cuadro en una acción conjunta efectuada por la policía noruega en colaboración con Scotland Yard y el museo Getty.

El 22 de agosto de 2004, la versión expuesta en el Museo Munch fue robada a mano armada por tres hombres enmascarados, junto con la Madonna del mismo autor. El museo esperó una petición de rescate pero ésta nunca llegó. Además se ofreció una recompensa de 97 millones de euros. Según el periódico sueco Svenska Dagbladet, el cuadro habría sido quemado a fin de eliminar pruebas. Los dos cuadros fueron recuperados el 31 de agosto de 2006 por la policía noruega, dos años después de su robo, y en relativo buen estado. Sin embargo, el 20 de diciembre del mismo año se reveló que los expertos del Museo Munch llegaron a la conclusión de que el daño hecho a El grito era irreparable. El deterioro, debido a la humedad en la zona baja de la pintura, causó una decoloración que impide que el cuadro pueda ser completamente restaurado a su perfección original.

La publicación en La Revue Blanche en diciembre de 1895 de la versión litográfica de El grito, de 1895, marcó el inicio de la estrecha identificación del pintor con esta obra.​

A finales del siglo XX, El grito adquirió estatus de icono cultural que comenzó en el período post- Segunda Guerra Mundial. En 1961 la revista utilizó El grito en la portada de su edición dedicada a los complejos de culpa y a la ansiedad. Entre 1983 y 1984, el artista pop Andy Warhol realizó una serie de estampaciones en seda sobre las obras de Munch, que incluían El grito. La idea fue desacralizar la pintura convirtiéndola en un objeto de reproducción en masa.

Característico del arte posmodernista es el irónico e irreverente tratamiento que realiza Erró de la obra cumbre de Munch, en sus acrílicos El segundo grito (1967) y Ding dong (1979).

La reproducción de la obra en toda clase de productos, desde camisetas hasta tazas de cerámica, pósteres, llaveros, etcétera da testimonio de su estatus como icono, así como de la completa desacralización para el público actual. En esa misma línea, se puede comparar con otras obras de arte, convertidas también en iconos, como La Gioconda de Da Vinci. El grito es una obra con gran fuerza emocional, y la banalización de la imagen en la cultura popular se puede interpretar como el intento de desactivar el sentimiento de incomodidad que inevitablemente provoca en el espectador.

El muralista estadounidense Robert Fishbone descubrió un filón en el mercado cuando, en 1991, comenzó a vender muñecas hinchables con la figura central de la obra. Su compañía con sede en San Luis, On The Wall Productions, vendió cientos de miles. Los críticos señalan que, al sacar la figura de contexto, Fishbone ha destruido la unidad de la obra de Munch, neutralizando, de este modo, su fuerza expresiva.[cita requerida]

El pintor mexicano Mauricio García Vega también tiene una versión de "El Grito" en blanco y negro.

Récord de venta en subasta

La versión al pastel sobre tabla de 1895 de la obra, propiedad del empresario noruego Petter Olsen, se vendió en Sotheby's de Londres por un precio récord de casi 120 millones de dólares en subasta el 2 de mayo de 2012.​​ La puja comenzó en 40 millones de dólares y duró más de 12 minutos cuando el empresario estadounidense Leon Black por teléfono dio la oferta final de 119.922.500 dólares, incluyendo la prima del comprador.​ Sotheby's dijo que la obra era la más colorida y vibrante de las cuatro versiones pintadas por Munch y la única cuyo marco fue pintado a mano por el artista para incluir su poema, detallando la inspiración de la obra.​ Tras la venta, el subastador de Sotheby's Tobias Meyer dijo que la obra "valía cada centavo", añadiendo: "Es uno de los grandes iconos del arte en el mundo y quien lo haya comprado debe ser felicitado"."​

El anterior récord de la obra de arte más cara vendida en una subasta lo tenía Desnudo, hojas verdes y busto de Picasso, que se vendió por 106,5 millones de dólares en Christie's dos años antes, el 4 de mayo de 2010.​ En 2018, este pastel sigue siendo el cuarto precio nominal más alto pagado por un cuadro en subasta.​

1. (en inglés) Vogel, Carol (2 de mayo de 2012). "'The Scream' Is Auctioned for a Record $119.9 Million". The New York Times.

2. Redacción BBC (3 de mayo de 2012). "Un grito millonario: el precio del arte en tiempos de recesión". BBC.

3. "Edvard Munch y la Momia de un sarcófago de la Cultura Chachapoyas". ResearchGate.

4. "La policía encuentra 'El grito' y 'Madonna' de Munch dos años después de su robo." , 31/8/2006

5. ""Antiabortistas noruegos se atribuyen el robo del cuadro 'El grito'." , 18/02/1994.

6. "Es el ladrón de arte más conocido de Noruega". 25 de septiembre de 2008. El Mundo.

7. com/2012/05/03/arts/design/the-scream-sells-for-nearly-120-million-at-sothebys-auction.html "'El grito' se subasta por un récord de 119,9 millones de dólares". The New York Times. 3 de mayo de 2012.

8. "Top 10 Most Expensive Painting Ever Sold". NewsFlashing. com. Archivado desde el original el 27 de febrero de 2021.

9. Crow, Kelly (11 de julio de 2012). "Munch's "The Scream" Sold to Financier Leon Black". The Wall Street Journal. (requiere suscripción)

10. Carol Vogel (17 de septiembre de 2012). "'Scream' to Go on View at MoMA". The New York Times.

11. "La icónica obra de arte El grito de Edvard Munch vendida por 120 millones de dólares". BBC News. BBC. 3 de mayo de 2012.

12. Michaud, Chris (3 de mayo de 2012). com/article/entertainment-us-thescream-auction-idUSBRE84200M20120503 ""El grito" se vende por el récord de 120 millones de dólares en una subasta". Reuters.

13. Carol Vogel, nytimes.com/2013/11/13/arts/design/bacons-study-of-freud-sells-for-more-142-million.html?smid=fb-nytimes&WT.z_sma=AR_BSO_20131112&_r=0 At $142.4 Million, Triptych Is the Most Expensive Artwork Ever Sold at an Auction, The New York Times, 12 de noviembre de 2013

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El grito - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El grito es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1843.​ Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular.

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El Art Nouveau fue un estilo artístico de alcance masivo identificado también con la denominación Modern Style (arte nuevo o estilo moderno). Era agradable a la vista y despertaba en el espectador evocaciones fantasiosas.
Los materiales utilizados son los vitrales, la madera y el hierro. Los vitrales se usan en ventanales, que transforman el interior por los colores y la iluminación que ofrece al ambiente. Los trabajos en hierro tienen formas sinuosas o curvas. Los arcos y los marcos de las puertas también son curvos y excéntricos.
Imagen: Casa Batlló. Antonio Gaudí. Barcelona 1904-1906

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El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgió en el siglo XX, entre 1907 y 1914. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético debido a que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía.
El Dadá o dadaísmo es más bien un antiarte, es decir, es un planteamiento, un concepto, un posicionamiento, lo cual lo convierte, sobre todo, en un modo de actuar sobre la realidad y no en un lenguaje pictórico o literario específico.
Imagen: Retrato de Picasso por Juan Gris 1912.

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El dadaísmo fue un movimiento cultural y artístico creado con el fin de contrariar las artes, que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich.
Imagen: Marcel Duchamp. Fuente. 1917.

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Arte Surrealismo, propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad, el arte y el hombre por medio de la revolución. El mas reconocido exponente es Salvador Dalí, en sus obras son muy notorias la influencia del imaginario onírico, es decir, del mundo de los sueños.
Imagen: La tentación de San Antonio. Salvador Dalí. 1946.

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El muralismo de 1920, fue un movimiento artístico iniciado en México a principios del siglo XX, creado por un grupo de pintores intelectuales mexicanos después de la Revolución Mexicana, reforzado por la Gran Depresión y la Primera Guerra Mundial.
Imagen: Detalle Mural de Diego Rivera en el Palacio Nacional de México : Tierra y libertad 1929-1935.

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09-jul-2013 - Detalle Mural de Diego Rivera en el Palacio Nacional de México : Tierra y libertad http://livecolorful.com/wp-content/uploads/2011/12/diego_rivera_terra_e_liberdade.jpg

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Cara del músico David Bowie, hecha por Gil Zetbase.

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EXPRESIONISMO ABSTRACTO, POP ART, OP ART, ARTE CONTEMPORÁNEO

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El expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción. El término se había utilizado por primera vez en Alemania en 1919 en la revista Der Sturm, sobre el expresionismo alemán.
Con el Pop Art o Arte popular es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en el consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine.
Op art corresponde a un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.​