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Angry Rocket had a conflict with Draxd in the bar

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[BANDE RYTHMO] Buzz l'Éclair - La fuite de Buzz

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Ce n'est pas le bon extrait mais vous avez les voix des deux personnages

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Ce n'est pas le bon extrait mais vous avez les voix des deux personnages

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Buzz l'Éclair - Extrait : La rencontre avec Sox | Disney

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Retrouvailles - Court-métrage d'animation (VF) | Overwatch

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The Super Mario Bros. Movie Mario Meets Peach

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[BANDE RYTHMO] The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom - Un combat perdu d'avance

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Can You Feel the Love Tonight (End Title/ From "The Lion King"/Soundtrack Version)

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Can You Feel the Love Tonight (End Title/ From "The Lion King"/Soundtrack Version)

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Il était une fois un rêve - La production de La belle au bois dormant (Making Of)

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London Grammar - Nightcall [Official Video]

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Qu’est-ce qu’un blind test ? De l’anglais « test à l’aveugle », il s’agit de faire écouter différentes musiques et le but est de reconnaitre la musique et les artistes le plus rapidement possible.

Pour cette séquence, vous aurez 6 musiques en rapport avec les musiques de film à connaitre pour l’évaluation.
Mais quand est-ce que cette évaluation aura lieu ? Il n’y aura pas de date fixée pour faire évaluation. Dès lors que vous avez en possession la liste des musiques, l’évaluation peut tomber chaque semaine sans que je ne prévienne. Il faut connaitre pour l’évaluation, le/les artiste(s), le titre et la date.

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Musique de film

Presentation

Lecture

Chant

Bonus 2

Prologue

Pour aller plus loin

Musique de film

Episode 1

Episode 2

Episode 3

Bonus 1

index

Prologue

Inception

Dom Cobb (Léonardo Di Caprio) est un espion industriel capable d'extirper des informationssecrètes enfouies dans le subconscient de ses cibles à travers leurs rêves. Mais Cobb estégalement recherché à travers le monde et ne peut revoir ceux qui lui sont chers. Jusqu'au jouroù il se voit confier une mission qui lui permettrait de rentrer au pays. Cependant, sa missionest proche de l'impossible : on ne lui demande pas de voler une idée mais de l'implanter dansle cerveau d'un puissant homme d'affaire. Aidé d'une équipe recrutée pour l'occasion, Cobbdevra faire face à une menace aussi imprévisible que redoutable.Dans cette musique de film, le compositeur Hanz Zimmer a choisi un thème récurrent(leitmotiv) pour le passage entre le monde rêvé et le monde réel. Ce passage est annoncé parl'arrivée du Thème extrait d'une chanson d'Edith Piaf non je ne regrette rien.

La Belle au Bois Dormant

La Belle au Bois Dormant estune œuvre de Charles Perrault nourriede l'imaginaire médiéval légendaire,chevaleresque et courtois.L'histoire décrit une jeune princesse dunom de Aurore qui se voit jetée un sortpar la sorcière Maléfique. Elle s'endortdans un profond sommeil dont seul lebaiser d'un prince peut la réveiller. Sesmarraines, les fées Pimprenelle, Flora etPâquerette unissent leurs pouvoirsmagiques pour aider le prince Philippe àcombattre Maléfique sous sa forme dedragon.

L'attaque des titans

L'histoire est centrée autour d'un personnage central nommé Eren Jäger.Les différentes saisons se déroulent dans un monde où l'humanité vit entourée d'immenses murs pour se protéger de créatures gigantesques, les Titans.Le récit raconte le combat mené par l'humanité pour reconquérir son territoire, en éclaircissant les mystères liés à l'apparition des Titans, du monde extérieur et des évènements précédant la construction des murs.Une adaptation en série télévisée d'animation de vingt-cinq épisodes produits par Wit Studio est diffusée initialement entre avril et septembre 2013 sur la chaîne MBS au Japon. Une deuxième saison de douze épisodes est diffusée entre avril et juin 2017. Une troisième saison, divisée en deux parties, est diffusée entre juillet 2018 et juillet 2019 sur NHK General TV. Une quatrième et dernière saison produite par MAPPA est diffusée depuis décembre 2020 sur NHK General TV.

Bonus 1

Bonus 2

Chant

Nightcall

Pour aller plus loin

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Musique de film by laudinecharrier on Genially

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Musique de film Presentation Lecture Chant Bonus 2 Prologue Pour aller plus loin Musique de film Episode 1 Episode 2 Episode 3 Bonus 1 index Prologue Inception Dom Cobb (Léonardo Di Caprio) est un espion industriel capable d'extirper des informationssecrètes enfouies dans le subconscient de ses cibles à travers leurs rêves.

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London Grammar - Nightcall - Karaoke - Lyric Video

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Shrek (2001) - Now I'm a Believer Scene (10/10) | Movieclips

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Shrek (2001) - Now I'm a Believer Scene (10/10) | Movieclips

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Elton John - Can You Feel the Love Tonight (From "The Lion King"/Official Video)

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Kavinsky - Nightcall (Drive Original Movie Soundtrack) (Official Audio)

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J'ai perdu le nord (De "La Reine des Neiges 2"/Bande Originale Franaise)

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J'ai perdu le nord (De "La Reine des Neiges 2"/Bande Originale Franaise)

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Donald Reignoux - J'ai perdu le nord (De "La Reine des Neiges 2")

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Mission Impossible (dal Film Mission Impossible)

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Film Orchestra - Film Oscar Vol. 3 Cover Version (MP3 Album)

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Film Oscar Vol. 3 Cover Version (MP3 Album)

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Mission Impossible (dal Film Mission Impossible)

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Titanic - My Heart Will Go On (Music Video)

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My Heart Will Go On (Love Theme from "Titanic")

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My Heart Will Go On (Love Theme from "Titanic")

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Lady Gaga, Bradley Cooper - Shallow (from A Star Is Born) (Official Music Video)

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Edith Piaf - Non, je ne regrette rien (Officiel) [Live Version]

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Shrek (2001) - Now I'm a Believer Scene (10/10) | Movieclips

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III) Etude du dessin animé "La Belle au Bois Dormant" des studios Disney

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III) Etude du dessin animé "La Belle au Bois Dormant" des studios Disney

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Tchaikovsky - The Sleeping Beauty: Valse N°6 

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Tchaikovsky - The Sleeping Beauty: Valse N°6 

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Tchaikovsky - The Sleeping Beauty: No. 6 Valse (Garland Waltz)

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Version de la valse n°6 reprise pour la chanson "J'en ai rêvé"

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Version de la valse n°6 reprise pour la chanson "J'en ai rêvé"

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La Belle au bois dormant - J'en ai rêvé I Disney

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Linked Horizon - Shinzo wo Sasageyo! (LIVE) | Attack on Titan Opening 3

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Opening saison 2

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Attack on Titan Season 2 Opening | Shinzou wo Sasageyo!

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Vidéo explicative sur le succès de la story music

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Vidéo explicative sur le succès de la story music

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Crier « Sasageyo » va provoquer l’impensable | Shingeki No Kyojin Opening

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Les feuilles sont données en classe à vos camarades lorsque vous êtes absents. Vous DEVEZ rattraper ce qu'il vous manque.
Vous trouverez l'ensemble du cours dans ce padlet ainsi que les musiques et vidéos que nous avons visionnées en classe.

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Vous trouverez des fichiers et autres liens pour vous aider si vous avez choisi "Inception" pour l'oral du brevet.

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Edith Piaf - Vinyl Vault Presents Edith Piaf and Maurice Chevalier

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Vinyl Vault Presents Edith Piaf and Maurice Chevalier

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Attention ce n'est pas la musique étudiée mais vous pouvez trouver des informations intéressantes

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Attention ce n'est pas la musique étudiée mais vous pouvez trouver des informations intéressantes

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https://composer-sa-musique.fr/les-techniques-de-composition-dhans-zimmer-analyse-de-time/

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Composée par Hans Zimmer, la chanson Time est la bande originale du film Inception. Quels sont les secrets se cachant derrière cette oeuvre? Quelles ont été les techniques de composition utilisées par Zimmer? Et de façon générale, quels sont les procédés utilisés par cet immense compositeur? Découvrez-le dans la suite de l'article.

. Note: Cet article a été rédigé à l'aide de Clément, fondateur du site lecompositeur.com et auteur du Petit manuel du compositeur inspiré. Merci à lui pour son intervention. Grâce à son aide, j'ai ainsi pu me libérer davantage de temps pour aller boire des cocktails sur les plages de Bora Bora travailler sur mes projets hyper secrets qui arriveront très bientôt sur le blog ! Sur ce, je vous laisse entre ses bonnes mains. Bonne lecture les amis.

Tout d'abord, je tenais à remercier Alex de m'inviter sur son site. Cet article est le fruit de notre collaboration. J'espère sincèrement qu'il vous plaira et que vous allez y apprendre plein de choses.

Dans ce post, nous allons analyser ensemble la bande originale du film Inception: "Time" de Hans Zimmer. En plus d'en connaître un peu plus sur cette œuvre majeure, cet article a pour but de vous exposer quelques-unes des techniques de composition de Zimmer: un artiste aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands compositeurs de musique de films. Nous verrons ce qui fait sa force, son style, et ce qui permet à ses compositions d'être aussi grandioses. En d'autres termes, nous allons entrer dans sa tête (nous allons lui faire une inception ), afin de percer à jour tous ses secrets. Enfin, nous profiterons de cette occasion pour dégager quelques grands principes de composition de musique de films.

Alors certes, l'article est très long, mais je pense qu'avec Alex vous en avez l'habitude. Toutefois, je vous conseille de bien le lire jusqu'au bout, car voilà ce que vous allez y apprendre:

Comment traduire une idée ou une émotion en musique

Deux ingrédients pour rendre votre mélodie plus efficace et dynamique

Une technique ninja pour hypnotiser vos auditeurs et rendre votre composition envoûtante

Un moyen sûr de casser la monotonie de votre composition

Quelques grands principes d'orchestration

Et bien entendu, le secret derrière le succès des compositions d'Hans Zimmer (si si, on a réussi à le découvrir !)

Hans Zimmer approuve ce programme
1) L'auteur: "Monsieur Hans Zimmer"

Même si je pense que vous le connaissez déjà (ou du moins par l'intermédiaire de ses œuvres), voici une rapide présentation du bonhomme:

Hans Zimmer est un compositeur né allemand et naturalisé américain. À 3 ans, il s'essaye au piano mais n'y adhère pas vraiment. Il laisse donc tomber, n'étudie pas le solfège, et apprend la musique en pur autodidacte. Dans les années 1970, vers 25 ans, il s'intéresse à la musique électronique alors naissante, et intègre le groupe The Buggles, mondialement connu pour son titre Video Killed The Radio Star. Oui oui, cette chanson c'est bien lui. Vous pouvez d'ailleurs l'apercevoir dans le clip de ladite chanson vers 2'30''. (C'est le mec habillé en noir qui se tient derrière le piano).

Il commence ensuite sa carrière de compositeur de musique de films en tant qu'assistant. Après 18 OST en tant que co-compositeur, il commence à se faire repérer du grand public grâce à la bande originale du film Rain Man qui sera nominée aux Oscars.

Après ça, c'est l'ascension. Mister Zimmer devient très convoité et travaille avec de plus en plus de réalisateurs majeurs. Il accumule alors les récompenses: Oscars, Grammy Awards, Golden Globe, tout y passe.

A ce jour, il compte plus de 150 bandes originales à son actif rien que pour le cinéma. Ajoutez à cela les productions qu'il a signées pour la TV et le jeu vidéo, et vous comprendrez pourquoi il est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands compositeurs de sa génération.

2) La chanson: Time

Si vous ne connaissez pas Time, je ne vous en veux pas, mais pas loin. Voici une chance de vous rattraper rapidement:

Cette musique est la composition phare du film Inception sorti en 2010. Sur ce projet, Hans Zimmer a travaillé avec le réalisateur Christopher Nolan. Et c'est déjà leur troisième collaboration après Batman Begins et The Dark Kight.

Pour ceux qui n'auraient pas encore vu Inception, en voici rapidement le synopsis. (C'est important de connaitre le contexte scénaristique de l'œuvre. Ça vous aidera à mieux comprendre les choix artistiques d'Hans Zimmer pour la composition de sa bande son).

"Dom Cobb est un voleur expérimenté, le meilleur qui soit dans son domaine :l'extraction. Sa spécialité consiste Alors qu'il est recherché par la police américaine, on lui offre une chance de retrouver son ancienne vie en échange d'un travail considéré comme impossible: l'inception. À l'inverse de l'extraction, il s'agit de l'implantation d'une idée étrangère dans le subconscient d'un sujet qui la considérera à son réveil comme étant l'une des siennes... "à s'approprier les secrets les plus précieux d'une personne en les tirant de son subconscient pendant qu'elle rêve.

Voici également la bande annonce du film :

1) Qu'est-ce que l'intention artistique?

Quand on a pour mission d'habiller un film musicalement, il y a quelque chose de particulièrement important à maîtriser: l'intention artistique.

Qu'est-ce que l'intention artistique? Il s'agit tout simplement des choix de l'artiste. Ce sont toutes les décisions esthétiques et conceptuelles qu'il aura à prendre en fonction de la thématique qui lui est imposée. Pour le dire plus simplement, c'est sa patte. C'est ce qu'il va apporter personnellement à l'œuvre audiovisuelle.

2) L'intention artistique de Nolan

Dans le cadre d'une musique de film, l'intention artistique n'est pas propre au compositeur. Le réalisateur peut également avoir son mot à dire sur l'orientation artistique de la chanson à composer. Christopher Nolan a ainsi souhaité qu'Hans Zimmer utilise d'une manière ou d'une autre la chanson Non, je ne regrette rien d'Edith Piaf pour composer son OST. (Pour les non-initiés, OST c'est l'acronyme " d'Original Soundtrack " pour " bande son originale ").

Hans Zimmer a donc réutilisé certains passages de Non, je ne regrette rien dans sa composition. Il a d'ailleurs révélé que toute la bande originale du film était basée sur cette chanson. Selon ses propres termes, toute la musique de la bande-son est faite de subdivisions et de multiplications du tempo de la chanson d'Édith Piaf.

3) L'intention artistique de Zimmer

Maintenant, quelle a été l'intention artistique d'Hans Zimmer? Quelles ont été ses volontés à lui pour composer Time? Pour le comprendre, il faut avant tout remettre la composition dans son contexte. En effet, puisqu'il s'agit d'une musique de film, il faut avant tout savoir ce que le film raconte pour comprendre les intentions de Zimmer.

C'est là toute la différence avec une composition "libre". Car dans une composition libre, vous pouvez exprimer absolument tout ce que vous voulez, et de la façon dont vous le voulez. Mais puisqu'une bande originale a pour but d'habiller un film, elle a déjà un cadre préétabli. Le compositeur devra donc forcément s'en inspirer pour créer son œuvre. En d'autres termes, les intentions artistiques d'Hans Zimmer vont prendre racine dans le scénario d'Inception.

Ce film est lié à la thématique du rêve. Zimmer a donc voulu retranscrire l'ensemble de cet univers au sein de sa composition. C'est ça son intention artistique: évoquer le rêve et susciter l'émotion. On retrouve d'ailleurs ces intentions tout au long de la chanson. Par exemple, dans la légèreté de la mélodie composée (que nous analyserons plus tard), ou encore dans l'utilisation systématique de la reverb (c'est-à-dire de l'effet d'écho sur les instruments).

4) Comment exploiter cette notion d'intention artistique dans vos compositions?

Comme nous l'avons vu, la notion d'intention artistique est capitale pour les musiques à l'image, afin que la chanson puisse convenablement soutenir le propos de la production audiovisuelle. (Voir même le sublimer).

Mais qu'en est-il des compositions libres? Car à la maison, vous n'avez aucune contrainte à respecter. Votre composition n'a pas à servir le propos d'un réalisateur. Alors à quoi bon lui définir un cadre?

Eh bien il peut être intéressant de faire tout ce travail d'intellectualisation au préalable, car vous arriverez ainsi plus facilement à vos fins. En effet, en définissant clairement vos intentions artistiques dès le départ, vous obtiendrez un fil rouge à exploiter durant toute la durée de votre processus de composition. Il vous sera alors plus facile de faire des choix entre plusieurs idées de développement musical, entre plusieurs grilles d'accords, entre plusieurs idées de mélodies etc...

Pensez-y pour la prochaine fois! Cette simple astuce vous aidera grandement à développer vos chansons en intégralité.

Dans le cas de Time, la grille harmonique est très simple:

La Mineur / Mi Mineur / Sol Majeur / Ré Majeur

Et c'est tout! Ces quatre accords seront grosso modo répétés tout au long de la chanson. Notons que l'on est en présence d'une alternance entre deux accords mineurs et deux accords majeurs. C'est très bien joué de la part d'Hans Zimmer qui nous fait vraiment hésiter quant à l'émotion ressentie. Ce n'est ni purement joyeux (majeur) ni purement triste (mineur).

Autre chose intéressante, cette suite d'accords peut revêtir deux tonalités différentes. On est entre du Mi mineur et du Sol Majeur :

Ce qui a pour effet de rendre flou le centre tonal de la composition. On ne peut pas établir de tonalité définitive. Hans Zimmer ajoute ainsi encore plus d'ambiguïté quant au sentiment ressenti à l'écoute de sa compo. (Pour être tout à fait juste dans cette analyse, il convient de signaler que nous sommes en fait ici en présence d'un mode dorien. Nous aurons l'occasion de revenir sur cette notion de mode dans un prochain article). Ce choix musical est encore une fois logique par rapport au scénario du film. Car les scènes habillées par le thème de Time sont plutôt émotionnellement tristes, alors que la conclusion du film (où la compo est vraiment entièrement exposée) reflète quant à elle une émotion positive.

Que peut-on retenir de tout ceci? Tout d'abord qu'il faut toujours que votre composition soit en accord avec vos intentions artistiques. Le choix de vos accords ne doit pas être anodin: il doit refléter l'émotion que vous souhaitez transmettre. Ensuite, qu'il est très facile de mettre en place un sentiment d'ambiguïté au sein d'une chanson. Pour cela, utilisez des accords appartenant simultanément à plusieurs tonalités, et alternez entre accords majeurs et mineurs. Et quand faut-il amener de l'ambigüité dans ses compostions? Tout simplement lorsque vous souhaitez exprimer un sentiment complexe, ou créer une atmosphère mystérieuse. Il peut également être intéressant d'utiliser cette technique pour composer des sections musicales telles que le pont. Car le pont est par définition une section plus propice aux changements et aux expérimentations. Pour plus d'informations sur ce sujet, je vous invite grandement à consulter l'article d'Alex "La structure d'une chanson".

1) Analyse de la mélodie

Passons à la mélodie! La voici:

A l'image des accords, cette dernière est aussi extrêmement épurée. La mélodie est dépourvue d'ornements et suit simplement la grille harmonique.

Il est également intéressant de noter que la mélodie est entièrement construite en piochant des notes de l'accord. Par exemple, la première note de la mélodie est un Do, elle est issue de l'accord de La m (La, Do, Mi), qui est joué en même temps. Par contre, aucune des notes de la mélodie ne correspond à la tonique de l'accord (c'est-à-dire à sa première note). Ce choix n'est pas anodin: cette technique permet en effet d'accentuer encore plus la sensation d'ambiguïté quant à la tonalité du morceau.

On remarque aussi que la mélodie est un pattern de quatre notes qui se répètent. (Il y a juste un petit changement avec le Sol qui devient Si à la sixième mesure). Ceci est une excellente illustration de la technique de variation / répétition qu'Alex vous avait déjà présentée au sein de son article "Les 5 secrets d'une mélodie réussie".

Enfin, en suivant l'articulation de la mélodie, on se rend compte qu'il ne s'agit que d'une succession de mouvements ascendants. Je dirai même plus: il ne s'agit que d'une succession de quintes ascendantes (en jaune) et de septièmes ascendantes (en rouge).

Utiliser des intervalles ascendants permet d'insuffler davantage d'énergie à votre composition. Vous allez vers le haut, donc c'est plus dynamique (logique). Et les intervalles de quintes et de septièmes sont justement les plus efficaces pour renforcer la sensation de grandeur et de plénitude. Essayez au sein de vos compositions et vous verrez. Effet garanti!

2) La simplicité, le secret de Hans Zimmer

Toute cette simplicité est déconcertante pour une œuvre aussi puissante que Time, vous ne trouvez pas? La grille harmonique et la mélodie sont très épurées et pourtant, elles fonctionnent parfaitement. Pourquoi? Eh bien justement, c'est grâce à cette simplicité.

Attention toutefois: si la grille harmonique et la mélodie peuvent sembler très simples, elles ne sont pas simplistes pour autant. Soyons clairs, je fais une très nette différence entre simplicité et simplisme.
"Pourquoi jouer tant de notes alors qu'il suffit simplement de jouer les meilleures?"
La simplicité pourrait se définir comme le caractère d'une chose qui exprime tout ce qu'elle a à exprimer, mais dans une forme la plus épurée possible. Tout est dit, avec le moins d'ornements possibles. Le reste n'est que superflu. Quand j'explique ce concept de simplicité, j'ai pour habitude de citer Miles Davis qui nous le résume parfaitement bien en une seule phrase:

Le simplisme au contraire, c'est le caractère d'une chose trop simple. C'est une œuvre dans laquelle il manque des choses. Tout n'a pas été dit. L'œuvre omet quelque chose de primordial dans ce qu'elle exprime, ce qui affadit sensiblement son propos.

Si on écoute d'autres thèmes d'Hans Zimmer (Je pense entre autres à The Dark Knight, Interstellar, The Da Vinci Code, ou plus récemment The Crown), on remarque aussi cette forme récurrente de simplicité au niveau de la grille d'accords et de la mélodie. Cette approche est directement issue du mouvement minimaliste. Et soyons clair, c'est une recette qui fonctionne très bien, car la simplicité de l'œuvre lui permet d'être accessible au plus grand nombre (et c'est bien là le but d'un blockbuster).

À ce propos, voici quelques questions à vous poser si vous souhaitez apporter de la simplicité à vos compositions, sans pour autant tomber dans le simplisme.

Demandez-vous si l'effet / l'ornement / la variation / ou la "complication" géniale que vous venez de trouver apporte réellement quelque chose à votre musique. Est-ce qu'il y a une vraie valeur ajoutée ? Si non, zappez l'idée. Si oui, passez au point suivant:

Quelle est l'essence de cette nouvelle idée? Qu'est ce qui fait qu'elle fonctionne? Essayez d'en garder uniquement l'élément central et supprimez le reste.

Regardez maintenant votre œuvre musicale dans son ensemble. Qu'est-ce que ça change si vous simplifiez tel ou tel un élément musical? Par exemple, si vous retirez cet arpège, cette nappe supplémentaire, ou ce coup de cymbale... La compo s'en trouve-t-elle dénaturée pour autant? Essayez de passer en revue tous les éléments qui composent votre chanson avec cette approche (accords, mélodie, rythme, orchestration etc...).

1) Qu'est-ce que l'ostinato?

L' ostinato, c'est une technique de composition musicale consistant à répéter obstinément une formule rythmique, mélodique ou harmonique. Cette formule est généralement courte, et s'étend tout au long du morceau. Pour le dire autrement, dès que vous avez une certaine forme de répétition au sein de votre morceau, vous êtes en présence d'un ostinato. C'est finalement assez similaire à la notion de " hook" qu'Alex vous avait déjà présentée au sein de son article "Rendez vos chansons inoubliables grâce au hook".

2) Les ostinatos au sein de Time

Concentrons-nous maintenant sur les différentes formes d'ostinato se cachant dans Time.

Tout d'abord, il y a un ostinato au niveau de la grille harmonique. Il y a en effet les quatre mêmes accords qui se répètent tout au long de la chanson.

Ensuite, il y a un ostinato au niveau de la mélodie. Car comme nous l'avons vu, la mélodie est formée d'un pattern de quatre notes qui se répètent.

Il y a également un ostinato rythmique au niveau des percussions puisque ces dernières jouent uniquement à la croche

Et enfin, à partir de la deuxième minute de la chanson, il y a un motif arpégé à la guitare qui se répète

Toutes ces répétitions prenant la forme d'ostinatos superposés, ont pour effet de d'apporter à la chanson une dimension hypnotique. Si on est autant captivé en l'écoutant, ce n'est pas pour rien: c'est justement grâce à tous ces éléments cachés qui agissent directement sur notre subconscient. (Quel fourbe ce Zimmer...). Ce procédé est très courant en composition (en particulier dans l'électro et le trip hop), et permet à la chanson de nous toucher plus profondément. La chanson s'adresse en effet directement à notre inconscient, ce qui la rend plus envoûtante et mémorable. (D'ailleurs, les techniques d'hypnose reposent exactement sur le même principe).

1) L'équilibre entre simplicité et complexité

Il est très difficile de parler de la musique d'Hans Zimmer sans faire allusion à son travail magistral d'orchestration. C'est sa plus grande force. C'est d'ailleurs cette orchestration si importante qui justifie cette ultra simplicité dans l'écriture harmonique, mélodique, et rythmique de ses musiques.

Je souhaite vraiment attirer votre attention sur ce concept d'équilibre entre simplicité et complexité. C'est un schéma que l'on peut retrouver dans beaucoup de genres. Par exemple chez Chopin qui n'utilise dans ses études qu'un piano seul comme matière musicale, et nous décoche des phrasés monumentaux d'une grande virtuosité, ou bien chez Meshuggah pour qui le groove djent est si déstabilisant, qu'il ne suffit que d' un riff réduit à 2 ou 3 notes pour le souligner. Ou même encore dans le rock, où la distorsion des guitares enrichit tellement le timbre, que les accords s'en trouvent à être réduits à de simples simples power chords (un power chords étant un accord auquel on a retiré la tierce).

Lorsque vous écrivez une chanson, essayez également de respecter ce principe. Par exemple, si vous venez de trouver une suite d'accords très élaborée (pleine d'arpèges, de variations etc...) contrebalancez là avec une mélodie simple (notes tenues). Si vous décidez de caler un solo de guitare au milieu de votre morceau, faites en sorte que les autres instruments jouent quelque chose de simple etc. Votre composition doit absolument respecter cette notion du yin et du yang pour être homogène.

2) La structure orchestrale
Intro
Maintenant, intéressons-nous à l'orchestration de Time à proprement parler. Je vous propose de lire cette section en écoutant la musique en même temps, histoire de bien comprendre ce qui y est développé.
30 secondes
Description : L'intro donne l'impression que la pièce commence avec un piano seul. Alors qu'en fait, ce piano est déjà accompagné d'une basse (très basse) qui pulse doucement à la croche et d'un pad/soundscape très discret qui fait écho au piano. Tous ces choix ne sont pas anodins: le piano est l'instrument romantique par excellence, ce qui renvoie à la chanson " Je ne regrette rien", et la basse et le pad sonnent de façon très légère de manière à accentuer la thématique du rêve.
Ce que vous pouvez en retirer: On retrouve une nouvelle fois ici les intentions artistiques de Zimmer au sein de son orchestration. Pour réussir votre orchestration, faites donc bien attention au choix de vos instruments. Ces derniers doivent pouvoir communiquer efficacement vos intentions artistiques.
1 minute 01
Description: Après 30 secondes d'une simple exposition du thème, Hans Zimmer continue de le répéter jusqu'à la première minute avec des cordes qui doublent à l'unisson le thème principal. On note également l'apparition en fond d'une pulsation rythmique dans les graves qui accompagne la basse.
Ce que vous pouvez en retirer: Ici, Zimmer fait entrer les instruments progressivement. Cette technique est un classique en composition, car elle permet de casser la monotonie d'un motif répété. On retrouve souvent cette technique en électro: une boucle est jouée, mais l'oreille ne se lasse pas car cette dernière est enrichie au fur et à mesure par de nouveaux instruments.
1 minute 31
Description: A partir de là, tout va peu à peu s'accentuer en volume et en timbre. Les violoncelles et les cors entrent doucement pour donner plus de corps à l'harmonie. Les violons I entrent aussi pour doubler les altos à l'octave et renforcer le thème principal, ce qui procure une sensation de puissance.
Ce que vous pouvez en retirer: Si vous souhaitez apporter plus de puissance à votre composition, n'hésitez pas à utiliser cette technique: doublez le thème joué à l'octave (que ce soit avec le même instrument ou un autre).
2 minutes 03
Description: Tout s'intensifie progressivement. On monte encore d'un cran dans l'émotion. La dynamique passe vers mezzo-piano ou mezzo-forte. Les violons II jouent une contre-mélodie discrète en noires pour dynamiser un peu le rythme.
Ce que vous pouvez en retirer: Le travail des nuances est très important dans l'orchestration. Jouer la même mélodie de plus en plus forte peut suffire pour faire monter la composition en intensité.
2 minutes 33
Description: Les perçus rythmiques s'assument enfin et introduisent le passage. Une guitare électrique un peu crunchy et lointaine s'introduit et joue un arpège. Cet arpège a pour avantage de dynamiser rythmiquement la musique qui n'était presque qu'une succession d'accords plaqués jusqu'alors. Les cors prennent maintenant un peu plus de place et s'articulent plus puissamment.
Ce que vous pouvez en retirer: Jouer une grille harmonique d'une manière différente (par exemple en arpèges) est un bon moyen d'apporter de la diversité à sa composition.
3 minutes 03
Description: On y est. L'intensité commence à se faire sentir. Les cors ne sont plus les seuls cuivres, des trombones rythment la marche en stac. Les cordes sont encore plus intenses, l'articulation s'approfondit. Et l'orchestration s'élargit encore.
Ce que vous pouvez en retirer: Plus vous ajoutez d'instruments à votre morceau, et plus vous en accentuez l'intensité. Vos passages les plus intenses doivent donc être ceux qui contiennent le plus d'instruments.
3 minutes 33
Description: Rien ne change mais ça monte encore ! Toujours plus intense. Toujours plus profond. Plus d'instruments vers les aigus et vers le forte. Les cors se lâchent et complètent le thème avec une espèce de mélodie sur les temps faibles. On atteint le climax de l'œuvre. Le point culminant de l'intensité.
Ce que vous pouvez en retirer: Il est très important de définir un point culminant dans votre chanson. Non seulement ça vous aidera à communiquer davantage d'émotions, mais ça rendra également votre composition plus mémorable (de la même manière que vous vous souviendrez mieux d'un film si une de ses scènes vous a marqué). Comment créer un point culminant dans sa chanson? Alex vous donne de nombreuses pistes pour y arriver dans son article "Rendre son refrain mémorable: mode d'emploi".
4 minutes 03
Description: Et d'un coup... ça s'efface. Quelques notes de la mesure précédente tardent à s'éteindre et nous offrent ainsi une transition douce. On se retrouve à l'essentiel de la musique, cette basse qui pulse, ce piano esseulé et ces violons qui respirent. La boucle est bouclée.
Ce que vous pouvez en retirer: On retrouve une nouvelle fois la notion d'équilibre entre simplicité et complexité. Le yin et le yang. Après les passages intenses, les passages épurés.
Conclusion
Description: Il ne reste plus que le piano enrobé dans une reverb un peu flottante. Le tout s'estompe au fur et à mesure pour se conclure sur une note finale à 4'33.
Ce que vous pouvez en retirer: C'est la fin de la chanson.

A travers cette orchestration, on se rend compte que la structure de Time est en crescendo: la chanson monte en intensité au fur et à mesure. Mais puisque la chanson en elle-même est simple et répétitive, tout ce travail de montée en puissance se fait par l'intermédiaire de l'orchestration.

L'orchestration constitue donc une seconde manière de s'exprimer musicalement, et c'est là où se situe toute la force d'Hans Zimmer.

Toutes les techniques que nous avons vues ici peuvent déjà vous aider à bien débuter votre travail d'orchestration. Mais si vous voulez en apprendre plus sur le sujet, je vous conseille l'excellent livre " Principles of Orchestration " de Rimsky-Korsakov (attention, c'est en anglais). Vous pouvez également aller jeter un œil au tutoriel vidéo d'Alex sur le sujet: "Orchestrer son morceau".

Pour terminer en beauté cet article, je vous propose un rapide résumé de toutes les techniques que nous avons vues, et qui ont été utilisées par Hans Zimmer pour composer Time. Bien entendu, je vous encourage plus que chaudement à réutiliser ces techniques au sein de vos propres compositions.

Il peut être intéressant de définir vos intentions artistiques avant même de composer votre chanson. Définissez vos objectifs en termes de composition: que souhaitez-vous exprimer à travers votre chanson? Ce travail vous aidera à obtenir le fil rouge de votre composition.

Pour instaurer un sentiment d'ambigüité, créez une grille harmonique composée d'accords provenant simultanément de plusieurs tonalités. Vous pouvez également alterner entre accords majeurs et mineurs.

Pour composer une mélodie, utilisez des notes issues des accords d'accompagnement. Usez également de répétitions (motif de plusieurs notes qui se répètent) pour en favoriser la mémorisation. Enfin, pour créer une mélodie entraînante, faites en sorte que les intervalles qui la composent soient ascendants. (Et au contraire, si vous souhaitez composer une mélodie triste, privilégiez les mouvements descendants).

Pensez simplicité pour décupler l'impact de vos compositions. Essayez de réduire les éléments qui composent votre chanson (mélodie, accords, orchestration) à leur strict minimum. Dégagez simplement l'essentiel de votre composition.

Si vous voulez captiver votre audience, hypnotisez-les en utilisant des ostinatos au sein de votre chanson. Ces ostinatos peuvent être harmoniques, mélodiques, ou rythmiques.

Lorsque vous composez, gardez à l'esprit la notion d'équilibre entre complexité et simplicité. Si vous composez quelque chose de complexe, contrebalancez-le par quelque chose de plus simple. Si vous composez une section intense, enchaînez-la avec une section plus calme pour en souligner encore plus l'effet.

Prenez un soin particulier pour choisir les instruments de votre orchestration. Ces derniers doivent véhiculer vos intentions artistiques de façon optimale.

Pour casser la monotonie d'une de vos compositions, n'hésitez pas à faire entrer plusieurs instruments au fur et à mesure. Vous pouvez également jouer une section musicale d'une autre manière. Par exemple, au lieu de faire des accords plaqués, faites des arpèges.

Pour faire monter votre composition en intensité, vous pouvez: doubler l'un de vos thèmes à l'octave, jouer sur les nuances, ou augmenter le nombre d'instruments.

Enfin, construisez vos compositions de manière à ce qu'elles atteignent un point culminant.

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Et voilà pour cette analyse ! Si elle vous a plu, je vous propose defaire un tour sur mon site Vous y trouverez entre autres :

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Des méthodes de travail pour vous organiser et composer de grosses œuvres plus facilement

De quoi améliorer vos techniques d'écriture pour créer des musiques qui résonnent avec votre public

De quoi avoir un regard neuf sur les choses et débloquer votre inspiration

Des astuces pour mieux faire de la MAO

Quant à l'analyse, bien sûr avec Alex nous n'avons pas la science infuse. Nous avons tenté de nous projeter au mieux dans l'esprit de Zimmer, mais nous savons pertinemment qu'il reste encore plein de choses à dire sur son œuvre. Alors, auriez-vous des idées à ajouter? Quel est votre avis sur cette composition? Cet article vous a-t-il plu? Dites-nous tout dans les commentaires !

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Et pour découvrir d'autres secrets de composition...

Vous avez ma méthode "Composer sa Chanson de A à Z". 231 pages vous expliquant de A à Z et étape par étape, le processus de composition d'une chanson. Et apparemment, il paraîtrait que ce serait le livre de chevet de Léonardo Di Caprio et Hans Zimmer eux-mêmes (à moins que ce ne soit qu'un rêve ?).
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Les techniques de composition d'Hans Zimmer analyse de Time

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Composée par Hans Zimmer, la chanson Time est la bande originale du film Inception. Quels sont les secrets se cachant derrière cette oeuvre? Quelles ont été les techniques de composition utilisées par Zimmer? Et de façon générale, quels sont les procédés utilisés par cet immense compositeur? Découvrez-le dans la suite de l'article.

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