# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pablo Picasso nel 1962 Premio Stalin per la pace 1950
Premio Lenin per la pace 1962

Pablo Ruiz y Picasso, semplicemente noto come Pablo Picasso ( Malaga, 25 ottobre 1881 - Mougins, 8 aprile 1973), è stato un pittore, scultore e litografo spagnolo, tra i più influenti del XX secolo.

Snodo cruciale tra la tradizione ottocentesca e l' arte contemporanea, Picasso è stato un artista innovativo e poliedrico, che ha lasciato un segno indelebile nella storia dell'arte per esser stato il fondatore, insieme a Georges Braque, del Cubismo. Dopo aver trascorso una gioventù burrascosa, ben espressa nei quadri dei cosiddetti periodi blu e rosa, a partire dagli anni venti del Novecento conobbe una rapidissima fama; tra le sue opere universalmente conosciute vi sono Les demoiselles d'Avignon (1907) e (1937).

Pablo Picasso nacque a Malaga, nel sud dell' Andalusia, il 25 ottobre 1881, in Plaza de la Merced. Era il primogenito di Don José Ruiz y Blasco (1838-1913), pittore di modesta levatura che lavorava come insegnante di disegno alla Scuola delle Belle Arti e conservatore del Museo della città, e Maria Picasso y López de Oñate (1855-1939), donna di origine genovese con il cui cognome, Picasso, secondo del pittore secondo la legge spagnola, diverrà conosciuto. Al giovane Pablo, in ogni caso, furono imposti numerosissimi nomi, tutti in onore a vari santi e parenti: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, dei quali gli ultimi due tratti dal padre e dalla madre, ai sensi della regola del "doppio cognome" vigente in Spagna.

La scrittrice Gertrude Stein ricorda la famiglia di Picasso con queste parole:

A Malaga e A Coruña

Picasso rivelò precocemente uno spiccato talento artistico: secondo la madre, le sue prime parole furono "piz, piz", abbreviazione di lápiz, che in spagnolo significa " matita". La formazione del giovane Pablo avvenne sotto la guida del padre Don José, che valorizzò il precoce talento del figlio introducendolo all'esercizio della pittura e allo studio dei grandi maestri. Picasso si avviò al mestiere di pittore durante il proprio apprendistato presso il padre, realizzando già nel 1888-89 il suo primo dipinto, Il picador: ne seguirono molti altri, tutti caratterizzati da un'eccezionale abilità tecnica che si dice abbia spinto uno sbalordito Don José, ormai superato dal giovane allievo, a rinunciare alla tavolozza e ai pennelli.

Nel 1891 la famiglia di Picasso si trasferì a A Coruña, in Galizia, dove Don José aveva accettato l'impiego più redditizio di insegnante nella scuola d'arte locale, l'Istituto da Guarda. "Sebbene mio padre fosse disperato, per me il viaggio a A Coruña era come una festa": Pablo, a differenza del padre, ricorderà con molta gioia il soggiorno quadriennale nella città galiziana, dove ebbe modo di perfezionare le proprie doti artistiche frequentando, a partire dal 1892, i corsi di disegno della Scuola di Belle Arti. Picasso, in questo stesso periodo, diede prova del suo talento anche attraverso l'ideazione e la raffigurazione di riviste con nomi puramente di fantasia, quali La torre de Hercules, La Coruna, e Azul y Blanco.

Ramon Casas, Ritratto di Pablo Picasso (1900); olio su tela, 69 × 44,5 cm, Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Intanto, la madre María ebbe altre due figlie: Dolores (detta Lola) nel 1884, e Concepción (detta Conchita) nel 1887, destinata a morire nel 1895 di tubercolosi, a soli sette anni di età. Nell'ottobre dello stesso anno, inoltre, Don José venne nominato professore a La Llotja, e la famiglia Ruiz si trasferì a Barcellona, proprio nello stesso periodo nel quale l'ingegner Ildefons Cerdà stava realizzando l' Eixample. Pablo approdò insomma in una metropoli ricca di suggestioni culturali, animata dai nuovi fermenti del Modernismo catalano e da una sostanziale "indipendenza politica, stabilità economica e prosperità artistica".

Nel 1896, riconoscendo il suo talento, con l'aiuto del padre Picasso aprì un atelier a Calle de la Plata. Da questo studio, condiviso con l'amico Manuel Pallarès, uscirono diversi quadri che conobbero tutti una calda accoglienza: L'enfant de choeur (1896), La prima comunione (1895-96) e Scienza e carità (1897), guadagnandosi con quest'ultima tela anche una menzione d'onore alla mostra nazionale di Belle Arti a Madrid e, successivamente, un premio a Malaga. Incoraggiato sia dal successo ottenuto, sia soprattutto dai crescenti attriti con il padre, che lo voleva a Monaco di Baviera (a suo giudizio, "città dove si studia seriamente la pittura senza occuparsi delle mode come il pointillisme e tutto il resto"), Picasso decise di imprimere un più decisivo impulso alla propria formazione artistica trasferendosi a Madrid. Nella città madrilena il giovane pittore venne rapidamente ammesso ai corsi dell'Accademia Reale San Fernando, e visitò assiduamente il museo del Prado, dove venne a contatto con le opere di Velázquez, El Greco, Zurbarán e Goya. La permanenza madrilena di Picasso, tuttavia, si protrasse per un solo, duro inverno, dopo il quale venne colto da un feroce attacco di scarlattina che lo costrinse, nella primavera del 1898, a trascorrere ben otto mesi a Horta de Ebro presso i genitori di Pallarès, per poi finalmente fare ritorno a Barcellona.

L' Els Quatre Gats ("i quattro gatti") era un locale aperto nel 1897 nella modernista Casa Martí, sul modello dei cabaret parigini. Il gestore della taverna era Pere Romeu che, sedotto dall'atmosfera di Le Chat noir a Parigi, decise di imitarne il concept di birreria al contempo frequentata da artisti e intellettuali. La sua idea fu vincente, tanto che Els Quatre Gats divenne rapidamente uno dei ritrovi preferiti della "Rinascenza catalana", ospitando un cospicuo numero di artisti, politicanti, poeti e vagabondi che diffondevano la musica di Wagner, il pensiero di Nietzsche, l'arte dello Jugendstil e dei Preraffaelliti inglesi.

Tra la scapigliata barcellonese che bazzicava per Els Quatre Gats vi era anche un giovane Picasso che, nel pieno delle sue tendenze ribelli, a partire dal 1897 cominciò a frequentare assiduamente la taverna, divenendo rapidamente uno dei membri maggiormente in vista. Qui, oltre ad ascoltare le lunghe riunioni di artisti come Ramon Casas, Miquel Utrillo e Santiago Rusiñol, si legò di stretta amicizia con Carlos Casagemas, un poeta e buon pittore figlio di un diplomatico; nella sala delle rappresentazioni teatrali della taverna, addirittura, si inaugurò nel febbraio 1900 la sua prima mostra personale, con l'esposizione di diversi suoi disegni (perlopiù ritratti di amici). Come riferito da Sabartés, la generazione artistica catalana voleva "che il pubblico sapesse che un altro artista oltre a Casas disegnava, che Casas non era il ritrattista di tutti e che le sue mostre non rappresentavano la sola arte esistente [...] ]". "Noi volevamo soprattutto [...] far arrabbiare il pubblico", avrebbe poi aggiunto.

La bohème di Parigi

Frattanto, Picasso maturò il desiderio di andare a Parigi, incoraggiato dal contagioso entusiasmo dei suoi amici dell' Els Quatre Gats che ne decantavano lo status di capitale delle arti e delle mode. Fu per questo motivo che, malgrado un iniziale interesse a visitare Londra per studiare i Preraffaelliti, Pablo nel 1900 si recò nella Ville Lumière, nel pieno del fermento per l'appena inaugurata Esposizione Universale, dove tra l'altro era esposto un suo dipinto, nelle collezioni del padiglione della Spagna.

Il giovane Pablo, in compagnia dell'amico Carlos Casagemas, arrivò nella capitale francese in una brumosa mattina d'autunno di fine settembre 1900, alla Gare d'Orsay, indossando grosse scarpe e un feltro da moschettiere e trasportando con sé un cavalletto, una tavolozza e una scatola di colori. Picasso fu entusiasta di Parigi, non frequentata da "pittori locali" che dipingono "quadri idioti" (a differenza di Barcellona), bensì segnata da una grandiosa abbondanza di stimoli artistici, animati dalle mostre retrospettive su Delacroix, Courbet e Ingres, dalla gigantesca collezione del museo del Louvre, e dalle strade brulicanti di botteghe e gallerie. In una lettera datata 25 ottobre 1900, data del suo diciannovesimo compleanno, Picasso descrive a un suo amico catalano la vita che conduce nella capitale francese, le sue intenzioni di esporre al Salon, la vita notturna trascorsa tra i caffè-concerto e i teatri:

Il soggiorno francese di Picasso, tuttavia, non fu di lunga durata. L'amico Casagemas, infatti, aveva vissuto un amore tragico e non ricambiato con Germaine Gargallo, una bella ragazza in cerca di fortuna, e Pablo si affrettò a ritornare insieme con lui a Malaga, sperando che la mitezza del clima iberico potesse giovargli; i due arrivarono in Andalusia il 30 dicembre del 1900.

Picasso fu totalmente deluso dall'infelice esito del Capodanno a Malaga: nessuno dei suoi parenti, dallo zio Salvador a don José, parve felice di rivederlo, e soprattutto Casagemas non trovò ristoro nei caldi raggi del sole mediterraneo, affogando la propria disperazione negli alcolici, per poi fare nuovamente ritorno a Parigi. Fu per questo motivo che Picasso, in un accesso di scoraggiamento, decise nel 1901 di recarsi per una seconda volta a Madrid, dove ebbe l'idea di fondare insieme all'amico anarchico Francisco de Asís Soler una rivista intitolata Arte Joven [Arte giovane]. Il primo numero di questa pubblicazione, che si proponeva di instaurare a Madrid il movimento modernista catalano, venne pubblicato il 10 marzo 1901; ma la rivista morì dopo cinque numeri, e per questo motivo Picasso ritornò nuovamente a Barcellona.

Fu proprio in questo periodo, inoltre, che Pablo decise di adottare il cognome materno - Picasso - come nome d'arte, forse perché era meno comune di Ruiz, ma soprattutto per ribadire la propria indipendenza artistica nei confronti del padre. In ogni caso, egli spiegò la propria scelta in questi termini:

Ambroise Vollard fotografato davanti all'opera Evocación, realizzata da Picasso nel 1901.

Quand'era ancora in Spagna, Picasso fu colto da un grave lutto: l'amico Casagemas, reso folle dalla consapevolezza dei tradimenti messi in atto dall'amata Germaine, proprio il 17 febbraio 1901 si uccise con un colpo di pistola alla tempia destra, mentre stava cenando a Parigi in un ristorante di Boulevard de Clichy. Pablo, rimanendo profondamente scosso dalla tragica notizia, incominciò a tormentarsi e per colmare il proprio vuoto tornò ossessivamente sul dramma di Carlos, in quadri malinconici e inquieti che fanno ricorso a un impianto monocromatico azzurro. È l'inizio del cosiddetto periodo blu, che si protrasse dal 1901 al 1904.

Dopo il trapasso di Carlos, Picasso si recò di nuovo a Parigi, stavolta in compagnia di Jaume Andreu Bonsons, altro habitué dell'Els Quatre Gats. In quest'occasione il giovanissimo Pablo venne prontamente notato da un disinvolto mercante d'arte, Ambroise Vollard, già amico di Degas, Sisley, Pissarro e Cézanne; fu nella galleria di Vollard, al civico 37 di rue Laffitte, che il ventenne Picasso ebbe la soddisfazione di esporre ben sessantaquattro suoi dipinti, tra raffigurazioni di corride, scene di costume e di vita notturna.

La mostra, tuttavia, non fu un successo ("non vi fu nel pubblico accoglienza migliore per l'artista", affermò Vollard), e Picasso - segnato da sofferenze e dalle pressanti condizioni economiche - da questo momento in poi fece continuamente la spola tra Parigi e Barcellona. Si trattò di un lasso di tempo di afflizione e depressione nel quale Picasso approfondì e sviluppò i temi del periodo blu, che culminarono nella primavera del 1903 con la realizzazione de La Vita, opera di difficile interpretazione (per via della simbologia lasciata volutamente oscura) che pare alluda all'impotenza creativa che affliggeva l'artista in quel periodo.

Nell'aprile 1904 Picasso si recò per la quarta volta a Parigi e vi si stabilì definitivamente, affittando per quindici franchi mensili una vecchia fabbrica di Montmartre riconvertita nel 1889 in atelier per artisti: era il Bateau-Lavoir al civico 13 di rue Ravignan (soprannome coniato da Max Jacob in riferimento alla curiosa sagoma della costruzione, mentre tra i locali era nota come la "casa del Cacciatore di pellicce").

Grazie alla carismatica presenza di Picasso, lo studio di rue Ravignan fu frequentato assiduamente da diverse personalità di spicco. Di là dai vari esponenti della colonia catalana a Parigi, al Bateau-Lavoir l'artista incontrò Fernande Olivier, una giovane fanciulla di proverbiale bellezza che stette al suo fianco per i sette anni successivi; ma della pittoresca bande à Picasso, come venne rapidamente soprannominata, facevano parte anche André Derain, Maurice Denis, Max Jacob, André Salmon e l'inseparabile Guillaume Apollinaire, del quale godette l'amicizia per il comune interesse nella poesia (tanto che Picasso scrisse sulla porta dello studio "qui si incontrano i poeti").

Nonostante la cronica carenza di soldi, e il perenne stato di indigenza, questo fu per Picasso un periodo assai felice. Insieme con gli altri componenti della bande l'artista andaluso si dilettava a frequentare i cabaret di Montmartre, con una speciale predilezione per Au Lapin Agile, che accettava anche quadri come forma di pagamento; si dilettavano a "fare Degas" (cercando di imitare il suo temperamento collerico) e si abbandonavano occasionalmente ai folli piaceri dell' oppio. Si respirava, in ogni caso, un'aria di allegria e di spensieratezza: fu per questo motivo che i blu di Picasso incominciarono gradualmente a perdere d'intensità, sino a divenire di una tenue tonalità rosata. Questo periodo è definito periodo rosa dagli storici dell'arte.

Les demoiselles d'Avignon

Nel frattempo, Picasso si recò nell'estate 1905 nei Paesi Bassi, per fare visita all'amico Schilperoort che viveva a Schooredam. Esattamente un anno dopo, in compagnia di Fernande, visitò un villaggio spagnolo incastonato lungo i Pirenei, Gósol, dove venne a contatto con la statuaria iberica preromana, che non badava né alle proporzioni, né alla prospettiva e all'armonia; si trattò di una scoperta assai feconda, in quanto presagì la nascita di un nuovo concetto estetico, il cubismo.

Fu così che, nella primavera del 1907, nacque un'opera colossale, destinata a inaugurare la stagione cubista di Picasso: si tratta de Les demoiselles d'Avignon. Il soggetto dell'opera è l'interno di un bordello barcellonese nel quale figurano cinque donne nude, realizzate però con un linguaggio clamorosamente innovativo: le forme e i volumi del dipinto, infatti, sono scomposti, e le singole figure sono costruite secondo il criterio della visione simultanea da più lati, presentando in questo modo un aspetto che ignora qualsiasi legge anatomica.

Les demoiselles d'Avignon suscitò scandalo ed espose l'artista all'incomprensione: nessuno, da Leo Stein e Matisse all'amico Apollinaire, riusciva a comprendere il senso della nuova strada intrapresa da Picasso.

Henri Rousseau, Autoritratto, 1903.

Era da qualche anno che al Salon des Independants venivano esposti i dipinti di un piccolo uomo di nome Henri Rousseau, soprannominato da Apollinaire "il Doganiere" per via del suo precedente lavoro di impiegato del dazio. Picasso conosceva e apprezzava le opere di Rousseau dal 1906, rimanendone affascinato per la pregnante tensione onirica e per l' ingenuismo quasi folclorico.

Fu per questo motivo che, nel novembre 1909, Picasso decise di organizzare al Bateau-Lavoir un leggendario banchetto in onore del Doganiere, invitando oltre alla bande à Picasso anche Leo e Gertrude Stein. La festa, in un clima di bonaria allegria e sfrenata convivialità, culminò quando Apollinaire in preda ai fumi dell'alcol recitò una poesia-burla teoricamente improvvisata (ma in realtà accuratamente preparata):

Rousseau ne fu estremamente lusingato, tanto che alla fine della serata - con immenso candore e orgoglio - confidò a Picasso: "Tu e io siamo i due più grandi pittori del mondo, tu nel genere egiziano e io in quello moderno". Quest'evento fu di grande importanza sia per il Doganiere sia per Picasso: se Rousseau vide finalmente consacrata la propria fama, per Picasso si chiuse definitivamente tutto un periodo di vita.

Altri due eventi, infine, segnarono in questo periodo la carriera artistica di Picasso: innanzitutto il breve soggiorno presso La Rue-des-Bois, un paesino tra la foresta di Hallatte e il fiume Hoise, dove eseguì dipinti dal sapore cezanniano, e poi il sodalizio con Georges Braque. I paesaggi di Braque, infatti, presentavano notevoli affinità con le opere picassiane, tanto che Matisse li stigmatizzò in quanto "composte da piccoli cubi"; successivamente, anche il critico Louis Vauxcelles - riprendendo il tagliente commento matissiano - parlò di "bizzarrie cubiste". Fu così che venne coniato il termine "cubismo", a indicare quella corrente pittorica della quale Picasso sarà uno dei principali animatori.

Juan Gris, La tenda del sole, 1914.

Dopo un'ulteriore vacanza a Horta de Ebro nell'estate 1909, Picasso una volta ritornato a Parigi decise di allontanarsi dal pur pittoresco squallore di Montmartre e di affittare - insieme con Fernarde e il loro gatto siamese - un appartamento al numero 11 di boulevard de Clichy, nei pressi di place Pigalle. Qui si dedicò con assoluta e piena dedizione ai propri quadri cubisti, dando vita a opere quali La femme assise (1909) e Ragazza con mandolino (1910) e i ritratti effigianti Georges Braque (1909), Ambroise Vollard (1909-10) e Daniel-Heinrich Kahnweiler (1910). Con queste tele Picasso, meditando sulla lezione di Cézanne, intendeva studiare il rapporto tra forma e spazio mediante il trattamento schematico dei piani e la scomposizione dei volumi: da queste premesse prese forma una fase che i critici d'arte definiranno " cubismo analitico ".

Nel frattempo, nonostante i dissidi iniziali, il cubismo incominciò a riscuotere consensi, soprattutto grazie alla pubblicazione di diversi saggi ( Du Cubisme e Les peintres cubistes fra tutti) e all'azione divulgatrice di Kahnweiler, fiero sostenitore dell'arte d'avanguardia che organizzò mostre internazionali a Monaco, Colonia, e Berlino. Picasso, insomma, vide finalmente la propria fama consolidarsi, ma malgrado ciò questi non furono anni assai felici: ai sospetti che volevano l'artista essere l'autore del furto della Gioconda nell'agosto 1911, si aggiunsero dei gravi problemi di salute e alcuni contrasti con Fernande, che lo lasciò nel 1912. Picasso avrebbe poi intrecciato un'altra relazione sentimentale con Eva Gouel, destinata a morire precocemente di tubercolosi nel 1915, lasciando il pittore nello sconforto.

Ma se le vicende private di Picasso erano piuttosto burrascose, lo stesso non si può dire per quelle artistiche. Picasso e Braque, infatti, scettici dei primi esiti cubisti, approdarono al cosiddetto cubismo sintetico, caratterizzato da un ammorbidimento del rigore geometrico delle forme del cubismo analitico, e dall'impiego pressoché sistematico dei papier collé e dei .

La prima guerra mondiale colse Picasso mentre era in vacanza ad Avignone; furono anni difficili, in quanto egli dovette separarsi dai suoi numerosissimi amici francesi, tutti mobilitati per lo scoppio del conflitto. Fu così che i vari componenti della bande à Picasso si smembrarono: se Braque e Derain vennero entrambi arruolati sotto le armi, Apollinaire partì volontariamente per il fronte (morirà nel 1918), mentre Gertrude Stein e Kahnweiler, appena sorpresi dalla tragedia bellica, si rifugiarono rispettivamente in Inghilterra e in Italia.

Picasso, essendo cittadino spagnolo, rimase invece a Parigi: fu qui che conobbe un giovane Jean Cocteau, che coinvolse l'artista nella realizzazione di sipari, scene e costumi per Parade, il balletto che stava realizzando per la famosa compagnia dei Balletti russi di Sergej Pavlovič Djagilev. Il 17 febbraio 1917 i due partirono alla volta di Roma, dove la compagnia stava dando le prove per il balletto; nell'Urbe Picasso ebbe l'opportunità di conoscere i futuristi e gli artisti della Secessione e di venire a contatto con l'arte rinascimentale e classica, e fu anche a Napoli (dove si accostò all'arte pompeiana e alla tradizione iconografica della maschera di Pulcinella), Firenze e Milano. Nel frattempo, si invaghì di una delle ballerine del Balletto, Ol'ga Khochlova, figlia di un colonnello dell'esercito imperiale russo, con la quale si sposò. Il matrimonio, celebrato il 17 luglio 1918 nella chiesa russa di Parigi, fu anche coronato nel febbraio 1921 dalla nascita di un figlio maschio, Paulo.

La commedia dell'arte e la pittura italiana avvicinarono Picasso a una nuova svolta stilistica, verso il cosiddetto "periodo neoclassico": echi di quest'esperienza sono riscontrabili nei quadri della prima metà degli anni venti, caratterizzati da immagini sintetiche, rese volumetriche monumentali e composizioni molto equilibrate (degni di nota, in tal senso, La lettura della lettera e Il flauto di Pan).

Sogni e menzogne di Franco

Negli anni successivi, Picasso incominciò a godere di una solidissima notorietà: numerosissime furono le esposizioni tra il 1930 e il 1939 (quando, sotto il regime di Hitler, l'artista cominciò a essere denigrato come fautore di un'" arte degenerata"). Tra le esposizioni degne di nota, vi furono quelle a New York, Parigi, e in Inghilterra e Spagna.

Otto Abetz, nazista: "[in riferimento a Guernica] È lei che ha fatto questo orrore, maestro?"
Pablo Picasso: "No, è opera vostra!"

Nel frattempo, nel 1934, Picasso fece ritorno in Spagna, e questo nuovo contatto con la terra nativa vivificò in lui le sue vecchie passioni, quali la corrida, la lotta coi galli e le tradizioni popolari. Il clima politico che si respirava in Spagna, tuttavia, non era più quello della sua gioventù: dal luglio del 1936 al marzo del 1939, infatti, la Spagna fu teatro di una sanguinosa guerra civile che vide scontrarsi le truppe fedeli al governo repubblicano con le milizie nazionaliste di Francisco Franco, il quale sarebbe riuscito a imporre alla Spagna un regime dittatoriale ispirato al fascismo, durato fino al 1975.

Picasso, che per un periodo fu anche direttore, in absentia, del Museo del Prado (dal 1936 al 1939), fu intimamente scosso dalla tragedia patria, e denunciò spietatamente la sollevazione militare di Franco nel 1937 incidendo un pamphlet intitolato Sogni e menzogne di Franco ( Sueños y mentiras de Franco), dove il generale diventa un mostro senza vita e umanità che compie azioni grottesche e raccapriccianti.

Fuggito prudentemente dalla Spagna nel 1936 a causa della guerra civile, ritornò in Francia dove venne incaricato, nel 1937, della realizzazione di una sua grande opera per rappresentare la Seconda Repubblica Spagnola al posto di onore del Padiglione Spagnolo nell' Esposizione Universale di Parigi del 1937. L'ispirazione per l'opera arrivò nell'aprile del 1937 quando venne colto dalla notizia dello sterminio della popolazione della città di Guernica, cinicamente rasa al suolo dalla furia distruttrice di un bombardamento aereo nazista, inteso come un semplice esperimento terroristico.

Picasso non volle mai entrare nella disputa della guerra civile allora combattuta in Spagna da Francisco Franco anche se la sua arte era considerata dal fascismo come "arte degenerata", ma venne drammaticamente turbato dal feroce crimine verso l'umanità e assorbito nella volontà di denunciare le atrocità belliche a tutto il mondo, così che velocemente stese Guernica, un'opera presentata al mondo nell'Esposizione Universale di Parigi e destinata a diventare un'icona del '900. Ricorrendo a un monocromo giocato esclusivamente sui toni del grigio, eco delle foto in bianco e nero che documentavano la tragedia, Picasso racconta la drammaticità del bombardamento raffigurando una stanza nella quale figurano volti deformi, corpi sfatti e cavalli moribondi, restituendoci una delle opere che meglio incarnano il suo impegno morale e civile.

I mesi successivi alla redazione di Guernica furono assai intensi: nell'autunno 1937 Picasso visitò a Berna Paul Klee, e l'anno successivo stette per qualche mese a Mougins in compagnia del poeta surrealista Paul Éluard, che si guadagnò le simpatie del maestro andaluso con la pubblicazione della lirica Vittoria di Guernica.

Nel frattempo, Picasso incominciò a essere afflitto sia dai numerosi attacchi di sciatica sia dall'imminenza della seconda guerra mondiale: giudicando ormai inutile rimanere a Parigi, città dove non si faceva che parlare del conflitto incombente, decise di trasferirsi a Royan, cittadina situata nel dipartimento della Charente Marittima che venne poi occupata dall'esercito nazista. Picasso decise di allontanarsi da Royan quando si seppe della stipula del secondo armistizio di Compiègne: non trovando altri motivi per proseguire quello che sostanzialmente era un esilio volontario, l'artista fece ritorno nella Parigi occupata. Le milizie naziste non infastidirono né molestarono Picasso, malgrado fosse "il più degenerato degli artisti"; l'unico divieto che gli venne imposto fu quello di esporre le sue opere al pubblico.

Nel 1945, quando finalmente terminò il conflitto, Picasso sentì l'improvviso bisogno di evadere da Parigi, dove si sentiva oppresso, e di lasciarsi la guerra alle spalle: fu così che si ritrovò ad Antibes, rinomato centro turistico delle Alpi Marittime francesi. In questa cittadina l'artista, ormai universalmente acclamato, si sentì pervaso da un arcadico senso di joie de vivre, che si riflette pure nelle opere realizzate in questo periodo: degna di nota è Pastorale, dove un fauno e una ninfa danzanti, realizzati con colori festosi e solari, diventano emblemi del desiderio di vita, libertà, e amore. Successivamente, Picasso si trasferì nella città di Vallauris dove venne avviato alla modellazione della ceramica, coltivando una fruttuosa collaborazione con il laboratorio di Suzanne Ramié.

Ciò malgrado, Picasso non trascurò affatto l'arte grafica: tra le opere di maggiore respiro realizzate a Vallauris vi è infatti il monumentale quadro La Guerra e la Pace, sempre per accusare la guerra e la violenza.

Rimase inoltre distante dal movimento indipendentista catalano, benché durante gli anni giovanili esprimesse un generale supporto e amicizia a numerosi dei suoi attivisti. Nessun movimento politico sembrava coinvolgerlo in grande misura, ciò nonostante si iscrisse al partito comunista francese. Dopo la seconda guerra mondiale Picasso si reiscrisse al partito comunista francese e partecipò a una conferenza internazionale per la pace in Polonia. Le critiche del partito rivolte a un suo ritratto di Stalin ritenuto insufficientemente realistico raffreddarono tuttavia il suo impegno politico, anche se rimase membro del partito fino alla sua morte.

Nel 1949, recandosi a Roma per l'assemblea della presidenza mondiale del movimento dei Partigiani della pace, in una celebre colazione ritrasse con uno schizzo a matita il volto "splendente" di Rita Pisano (anch'ella presente in quell'occasione, e componente di spicco del comitato dei pacifisti), e lo intitolò La jeune fille de Calabre. L'opera è oggi conservata nella collezione privata che apparteneva a Carlo Muscetta.

Durante i suoi soggiorni romani frequenta l' Osteria Fratelli Menghi, intorno alla quale si ritrovano tutti gli artisti di Roma, pittori, poeti, ma anche attori, registi e sceneggiatori.

In seguito, Picasso si dedicò con assoluta dedizione alla rivisitazione dell'immenso patrimonio artistico dell'Occidente; fu così che nacquero Las Meninas, esplicitamente desunto dal celebre dipinto di Velázquez, Le donne di Algeri (in un confronto diretto con la tela di Delacroix), e personali interpretazioni di opere di diversi altri artisti tra i quali Cranach, Poussin, Rembrandt, David, e Courbet. Serbò in particolare una speciale predilezione per la Colazione sull'erba di Manet, sulla quale plasmò diversi disegni e varianti dipinte. A testimonianza del suo valore artistico, nel 1963 venne istituito a Barcellona il Museo Picasso, con dipinti, sculture e opere grafiche picassiane donate da Jaime Sabartés; lo stesso artista donerà poi alla città catalana circa mille opere tra disegni, incisioni e dipinti.

Pablo Picasso muore a Mougins l'8 aprile 1973, stroncato da un edema polmonare acuto, alla veneranda età di 91 anni. Fu sepolto nel parco del castello di Vauvenargues, nel sud della Francia.

Nel 2003 viene inaugurato a Malaga, sua città natale, il Museo Picasso, che raccoglie in esposizione permanente oltre 200 opere dell'artista spagnolo.

Partendo dal 1901 lo stile pittorico di Picasso incominciò a presentare tratti originali e nuove soluzioni artistiche; in quell'anno, infatti, ha inizio il cosiddetto "periodo blu", che si protrae sino alla primavera del 1904. Questa fase artistica picassiana, come già accennato, scaturì in seguito alla morte suicida dell'amico Carlos Casagemas, come affermato dallo stesso maestro andaluso:

I dipinti appartenenti al periodo blu sono dominati da toni freddi e spenti, affidati all'utilizzo monocromatico del colore blu, in tutte le sue sfumature possibili: Picasso scelse il blu, colore allo stesso tempo bello e spietato, in ragione della sua forza espressiva, ma soprattutto per la sua pregnante valenza psicologica, che consente di trascendere dalle naturalistiche descrizioni. È in questo modo che Picasso, colorando le proprie opere di blu e riducendo al minimo gli elementi decorativi, denuncia la progressiva decadenza del mondo intorno a sé, trattando temi quali la miseria, la malattia, la vecchiaia, e l'infermità.

Le opere del periodo blu "rivelano una malinconia sottile e poetica e una malcelata inquietudine personale" (RestaurArs) e sono popolate da personaggi senza speranza, perlopiù poveri ed emarginati: esiliati, disperati, arlecchini, detenuti e mendicanti sono figure che Picasso indaga impietosamente, caricandole di una matrice patetica e di un alone di mistero e di tristezza.

A partire dalla tarda primavera del 1904 fino al 1906, Picasso smise di usare il blu, considerandolo freddo e impersonale, e adottò una tavolozza composta da gradazioni più calde e delicate, dando così inizio a quello che i critici definiscono periodo rosa. Il colore qui impiegato, come si può facilmente dedurre, è il rosa nelle sue sfumature più tenere e chiare, che danno vita a un'atmosfera ingenua, fanciullesca, quasi dolcificata, enfatizzata dalla morbidezza e dall'eleganza del disegno.

Il passaggio dal periodo blu a quello rosa non interessa solo l'apparato cromatico, reso con tinte pastello, diafane, sospese, ma coinvolge anche i motivi. L'atmosfera decadente del periodo blu, infatti, qui cede il posto al mondo del circo, popolato da agili acrobati, bambini, pagliacci corpulenti, equilibristi vestiti in guaina arlecchina e fragili ballerine; si viene così a creare un mondo dall'atmosfera idilliaca, sospesa tra realtà e fantasia, in linea con la tensione onirica delle opere naïf di Henri Rousseau, che Picasso avrebbe poi conosciuto e apprezzato. Il maestro andaluso, in questo modo, intendeva esprimere una visione maggiormente ottimistica del mondo, libera della componente tragica del periodo blu, ma ancora carica di un senso di infinita malinconia, come notato dalla Stein:

Pablo Picasso in una foto di Paolo Monti del 1953 in occasione della mostra organizzata a Palazzo Reale a Milano.

Per superare ogni forma tradizionale di rappresentazione del mondo, sino ad allora ritratto rispettando le dinamiche della visione ottica umana, al principio del Novecento, Picasso - meditando sulle ricerche artistiche di Cézanne, Gauguin, Van Gogh e Manet, che pure tentarono di abbandonare le norme accademiche - ideò un nuovo modo di dipingere, cristallizzato nella definizione di " cubismo ".

Quello cubista è stato un modo di dipingere totalmente inedito e originale. Picasso e Braque, infatti, dipingono oggetti della realtà quotidiana (chitarre, violini, boccali, frutta) frammentandoli in diverse schegge di realtà, viste tutte da angolazioni diverse, e poi finalmente sovrapposte in un nuovo ordine. Questo per mostrare lo scorrere del tempo e le diverse sensazioni e percezioni che si hanno di fronte a uno stesso oggetto in due momenti diversi, facendo riferimento alle teorie del filosofo francese Henri Bergson.

In questo modo si giunge a una rappresentazione delle cose nella loro interezza, in profonda antitesi con la pittura tradizionale, che avrebbe dipinto lo stesso oggetto frontalmente, trattando in questo modo una sola dimensione. Nel 1954 Picasso espose nella Mostra del disegno e dell'incisione contemporanea insieme con Ibrahim Kodra, Modigliani, Rouault e Dufy a Chiavari.

L'impegno politico

A partire dagli ultimi anni della Seconda Guerra mondiale, a seguito della liberazione di Parigi in particolare, Picasso non nascose la sua vicinanza ideologica al comunismo.

Il 24 ottobre 1944 annuncia la sua adesione al Partito Comunista Francese.

Nel 1953, alla morte di Stalin, il poeta Louis Aragon chiese all'artista un disegno per la prima pagina delle Lettres françaises e Picasso gli consegnò lo schizzo "Alla tua salute Stalin!", realizzato nel 1949 in occasione del compleanno del leader comunista; il disegno scatenerà una polemica in seno al Partito Comunista e segnerà il distacco definitivo di Picasso dal partito.

Importante è l'impegno di Picasso per il movimento pacifista: è infatti dovuta a lui la diffusione della colomba come simbolo internazionale della pace, già presente con questo stesso significato nel dipinto di del '37.

Van Renoir tot Picasso, regia di Paul Haesaerts (1948)

Bezoek aan Picasso, regia di Paul Haesaerts (1949)

, regia di Luciano Emmer (1954)

Il mistero Picasso (Le Mystère Picasso), regia di Henri-Georges Clouzot (1960)

, regia di Charles Eames e Ray Eames (1967)

Picasso, regia di Edward Quinn (1969)

Picasso: The Man and His Work, regia di Edward Quinn (1976)

Picasso: A Painter's Diary, regia di Perry Miller Adato (1980)

Guernica - Pablo Picasso und die Politik, regia di Klaus Figge e Gert Kairat (1981)

Le Cantique des créature: Pablo Picasso pintor, regia di Frédéric Rossif (1982)

Picasso, regia di Didier Baussy (1985)

O Picasso, regia di Gilles Carle e Camille Coudari (1985)

Pablo Picasso: Réminiscences, regia di Fabienne Strouve (1989)

, regia di Sharon Maguire (1994)

Matisse-Picasso, regia di Philippe Kohly (2002)

Victoria Charles, Pablo Picasso, in Great Masters, Parkstone International, 2014, ISBN 1-78042-265-2.

Fina Duran Riu, Piccola storia di Picasso, Editorial Mediterrània, 2011, ISBN 84-9979-292-8.

Francesco Galluzzi, Picasso, in Vita d'artista, Giunti, 2002, ISBN 88-09-02840-6.

Ingo F. Walther, Picasso, Taschen, 2000, ISBN 3-8228-5970-2.

John Richardson, A life of Picasso, vol. 1, 1991, ISBN 0-394-53192-2.

Pier Carlo Santini, Forme per il cemento - Sculture dal 1920 a oggi , Istituto Nazionale di Studi Romani con Jean Arp, Jean Dubuffet, Marco Fioramanti e Joan Miró, 1988.

Gérard-Georges Lemaire, Picasso, in Art Dossier, vol. 19, Giunti, 1987, ISBN 88-09-76036-0.

Roland Penrose, Picasso, His Life and Work , University of California Press, 1981, ISBN 0-520-04207-7.

Christian Zervos, Catalogue raisonné des œuvres de Pablo Picasso, Paris, éditions Cahiers d'Art, 1978.

Lael Tucker Wertenbaker, The world of Picasso (1881- ) , Time-Life Books, 1967.

Christian Zervos, Dessins de Picasso 1892-1948, Paris, éditions Cahiers d'art, 1949

Picasso, Pablo , su Treccani.it - Enciclopedie on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

Pablo Picasso , su BeWeb, Conferenza Episcopale Italiana.

Opere di Pablo Picasso , su openMLOL, Horizons Unlimited srl.

(EN) Pablo Picasso / Pablo Picasso (altra versione) , su Internet Broadway Database, The Broadway League.

(DE, EN) Pablo Picasso , su filmportal.de.

(EN, ES, FR) Online Picasso Project , su picasso.shsu.edu.

Costantino D'Orazio, Pablo Picasso (da Wikiradio di Radio3, in onda il 25/10/2011)

E. Marianini, Guernica di Picasso Analisi dell'opera , su youtube.com., prodotto da Curiosità d'arte di Elisa Marianini

# data[].attributes.attachment_link.description
Pablo Ruiz y Picasso, semplicemente noto come Pablo Picasso ( Malaga, 25 ottobre 1881 - Mougins, 8 aprile 1973), è stato un pittore, scultore e litografo spagnolo, tra i più influenti del XX secolo.

# data[].attributes.body
Les Demoiselles d'Avignon (Le signorine di via Avignone) è uno dei più celebri dipinti di Pablo Picasso, realizzato ad olio su tela tra la fine del 1906 e il luglio del 1907. Fu il primo quadro cubista dell'artista, appartenente al suo cosiddetto periodo africano, immediatamente successivo alla sua fase nota come periodo rosa ed è conservato al MoMA di New York. È considerato il manifesto del Cubismo, nonché l'opera che ne segnò l'avvio.

# data[].attributes.body
Guernica è un dipinto di Pablo Picasso. L'ispirazione per l'opera, improvvisa e all'ultimo minuto, arrivò solo dopo il bombardamento di Guernica (26 aprile 1937). Picasso compose il grande quadro in soli due mesi e lo fece esporre nel padiglione spagnolo dell'esposizione universale di Parigi (maggio-novembre 1937)[1]. Guernica fece poi il giro del mondo, diventando molto acclamata, ma soprattutto servì a far conoscere la storia del conflitto fratricida che si stava consumando nel Paese iberico.

Guernica viene generalmente considerato uno dei maggiori capolavori di Picasso.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Guernica è un dipinto di Pablo Picasso. L'ispirazione per l'opera, improvvisa e all'ultimo minuto, arrivò solo dopo il bombardamento di Guernica (26 aprile 1937). Picasso compose il grande quadro in soli due mesi e lo fece esporre nel padiglione spagnolo dell' esposizione universale di Parigi (maggio-novembre 1937). Guernica fece poi il giro del mondo, diventando molto acclamata, ma soprattutto servì a far conoscere la storia del conflitto fratricida che si stava consumando nel Paese iberico.

Guernica viene generalmente considerato uno dei maggiori capolavori di Picasso.

Il 26 aprile 1937, gli aerei tedeschi e italiani, in appoggio alle truppe nazionaliste del generale Francisco Franco contro il governo legittimo repubblicano di Spagna, rasero al suolo, con un bombardamento terroristico, la cittadina basca di Guernica. L'attacco fu opera della Legione Condor, corpo volontario composto da elementi dell'armata aerea tedesca con il supporto della Aviazione Legionaria, unità volontaria e non ufficiale della Regia Aeronautica italiana, in una terrificante dimostrazione di forza contro la popolazione civile. È ormai storicamente accertato che la distruzione della città fu causata dal bombardamento italo-tedesco, mentre la tesi riportata dai franchisti, di essere stata provocata da miliziani anarchici in ritirata, è stata abbondantemente smentita nel corso degli anni.

Quando il Governo Repubblicano spagnolo commissionò all'artista un dipinto che rappresentasse la Spagna durante l' esposizione mondiale di Parigi del 1937, Pablo Picasso era già un artista molto famoso nel mondo, e direttore del Museo del Prado di Madrid con uno stipendio di 15.000 pesetas all'anno. È noto che, dopo un pagamento iniziale di 50 000 franchi, Picasso ricevette dalla Repubblica Spagnola un secondo pagamento di 150 000 franchi come rimborso spese, una cifra complessiva pari ad un valore di circa € 140.000 del 2021. Una nota firmata da Max Aub, in data 28 maggio 1937, e indirizzata all'ambasciatore Luis Araquistáin, conferma questo pagamento. Secondo tale nota, il pittore rifiutò di accettare qualsiasi importo, e il pagamento fatto era destinato a coprire i costi sostenuti da Picasso. Secondo altre fonti l'importo pagato fu invece ben più sostanzioso, pari a 300.000 pesetas, il cui valore equivalente nel 2021 è calcolabile tra oltre un milione e quasi cinque milioni di euro. È stata quindi anche messa in discussione la natura esclusivamente simbolica della somma indicata che, secondo De la Puente, ammonta al "15% del costo totale del padiglione spagnolo, circa nove volte più del prezzo massimo che fino a quel momento Picasso era riuscito a essere pagato per il meglio della sua arte." Ad ogni modo, fu il ricevimento di tale pagamento che decenni dopo sarebbe stato utile a consentire al governo spagnolo di rivendicare la proprietà del dipinto. Dopo l'esposizione, quando il governo repubblicano era ormai caduto, Picasso non permise che il suo dipinto più famoso venisse esposto in Spagna, dichiarando esplicitamente che avrebbe potuto tornarvi solo dopo la fine del franchismo.

Dopo l'incarico Pablo Picasso non toccò la tela per tre mesi e mezzo. Solo dopo una visita al padiglione spagnolo, il 19 aprile, una settimana prima del bombardamento, il direttore delle Belle Arti della Spagna Repubblicana, Josep Renau, lo convinse ad accettare. I 27 m² di tela in iuta grezza, da riempire, vennero portati nel suo nuovo studio al primo piano in Rue des Grands Augustins a Parigi, frequentato da Dora Maar, una delle sue tanti amanti, e dai fratelli Laballette che lavorando nel padiglione spagnolo lo usavano come deposito attrezzi. La genesi, l'evoluzione e l'ispirazione del capolavoro sono ancora oggi oggetto di dibattiti; comunque l'opera, dedicata alla commemorazione delle vittime del bombardamento aereo dell' omonima città basca durante la guerra civile spagnola avvenuto il 26 aprile 1937, venne terminata entro la fine di giugno, appena in tempo per l'Esposizione Internazionale.

Secondo una tesi minoritaria, il quadro in realtà non rappresenterebbe la tragedia di Guernica ma la morte di un torero, il celebre José Gómez Ortega, opera commissionata a Picasso nel 1935 dalla città di Malaga; l'opera, dal titolo Lamento en muerte del torero Joselito, sarebbe quindi stata "riciclata" e modificata dall'artista a causa della ristrettezza dei tempi imposta dal committente. Infatti secondo una testimonianza oculare di George Steer (corrispondente di guerra inglese), Picasso iniziò a lavorare sull'opera nel gennaio 1937, mesi prima del bombardamento di Guernica (avvenuto il successivo 26 aprile), lasciando poi perdere il progetto iniziale per creare tanti disegni per decidere le dimensioni del quadro.

L'opera venne esposta per la prima volta il 12 luglio 1937, all'apertura del padiglione espositivo spagnolo, ma nonostante la grande attesa tra gli intellettuali, diversi dei quali erano stati invitati da Picasso nel suo studio per assistere alle fasi della lavorazione ebbe un successo molto limitato durante il periodo dell'esposizione, sia per la concorrenza di numerosissime altre opere, alcune di contenuti simili, esposte in un affollatissimo padiglione, dinamico e chiassoso, in cui quadri e sculture si mescolavano a teatro, cinema, collage fotografici, artigianato, poesia, propaganda, musica e danza, sia per la posizione infelice in cui era stato esposto, lontano dall'entrata, parzialmente coperto da una fontana di Alexander Calder e, come sottolineato da Le Corbusier, sulla parete opposta al palco sui quali si susseguivano gli spettacoli, attirando l'attenzione del pubblico che aveva quindi per la maggior parte del tempo l'opera alle proprie spalle. Critiche anche severe furono rivolte ai meriti artistici del dipinto, tra cui quella del presidente basco José Antonio Aguirre, che fece sapere di non essere affatto interessato all'opera, che Picasso gli aveva offerto per il popolo basco.

L'ordine con cui deve essere letta l'opera d'arte è da destra a sinistra, poiché il lato destro era vicino all'entrata del luogo per cui è stata progettata, cioè il padiglione della Repubblica Spagnola all' Esposizione internazionale di Parigi. È un dipinto di protesta contro la violenza, la distruzione e la guerra in generale. La presenza della madre con il neonato in braccio, di un cavallo, che somiglia a un asino, simbolo dell'irrompere della brutalità, e di un toro, simbolo del sacrificio nella corrida ricorda la composizione del presepe natalizio, che risulta però sconvolto dal bombardamento. La colomba a sinistra, richiamo alla pace, ha un moto di strazio prima di cadere a terra; il toro rappresenta la follia della guerra, mentre il cavallo, trafitto da una lancia, simboleggia la Spagna.

La violenza, lo stupore, l'angoscia e la sofferenza sono deducibili esplicitamente guardando, sulla sinistra dell'opera, la madre che grida al cielo disperata, con in grembo il figlio ormai senza vita; da contraltare ad essa l'altra figura apparentemente femminile a destra, che alza disperata le braccia al cielo. In basso nel dipinto c'è un cadavere che ha uno stigma sulla mano sinistra come simbolo di innocenza, in contrasto con la crudeltà nazi-fascista, e che stringe nella mano destra una spada spezzata, (simbolo della sconfitta e dell'inutile martirio), da cui sorge un pallido fiore, quasi a dare speranza per un futuro migliore. La gamma dei colori è limitata; vengono, infatti, utilizzati esclusivamente toni grigi, neri e bianchi, così da rappresentare l'assenza di vita, oltre a conferire all'opera una più intensa drammaticità. Inoltre la scelta del bianco e nero è dovuta ad una precisa scelta dell'artista che, non essendo stato testimone oculare della strage, volle riferirsi solo ai reportage riportati dai giornali dell'epoca che erano, appunto, in bianco e nero. La carta stampata è citata una seconda volta nel cavallo, il cui corpo picchiettato di segni neri ricorda la carta stampata. L'alto senso drammatico nasce dalla deformazione dei corpi, dalle linee che si tagliano vicendevolmente, dalle lingue aguzze che fanno pensare ad urli disperati e laceranti, dall'alternarsi di campi bianchi, grigi, neri, che accentuano la dinamica delle forme contorte e sottolineano l'assenza di vita a Guernica. Questo quadro doveva rappresentare una sorta di manifesto che esponesse al mondo la crudeltà e l'ingiustizia delle guerre. I colori del quadro sono il bianco e nero perché, secondo Picasso la guerra è sofferenza, ma nell'opera, se si guarda bene, c'è una lampadina che simboleggia la speranza.

Terminata l'Esposizione Internazionale di Parigi il dipinto venne smontato e nel 1939 trasferito a New York per sostenere le raccolte fondi del Comitato Profughi Spagnoli. Allo scoppio della Seconda Guerra mondiale venne custodito, su richiesta di Picasso, nel Museum of Modern Art, assieme ad altre sue opere, dove rimase esposto per molti anni. Riconsegnato al governo spagnolo, giunse per la prima volta in Spagna il 10 settembre 1981, a otto anni dalla morte dell'autore e sei da quella di Francisco Franco, passando prima per il Casón del Buen Retiro (ovvero il Salone da ballo dell'antico Palazzo Reale) di Madrid, poi per il Museo del Prado, infine per il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dal 1992.

Quando giunse a Madrid al Cason del Buen Retiro, a pochi passi da Museo del Prado, due studiosi, Jose Maria Cabrera e Maria del Carmen Garrido, esaminarono la tela al microscopio. Scoprirono che era di iuta grezza e deliberatamente preparata con una tecnica antiquata per renderla più resistente agli spostamenti e rendere al quadro una luminosità da vetrata a piombo con qualità riflettenti simili al rivestimento posteriore di uno specchio.

Durante gli anni settanta fu un simbolo per gli spagnoli sia della fine del regime franchista che del nazionalismo, così come lo era stato prima, per tutta l'Europa, della resistenza al nazionalsocialismo.

La copia del dipinto esposta all'ONU

Nel 1955 Nelson Rockefeller commissionò un arazzo che riproduceva il dipinto originale di Pablo Picasso e nel 1985 lo offrì in prestito alle Nazioni Unite. Realizzato dall'atelier francese di Jacqueline de la Baume-Durrbach sotto la supervisione dell'artista, fu installato nel corridoio che si trova davanti alla sala del Consiglio di Sicurezza dell'ONU il 13 settembre 1985 alla presenza della moglie di Rockefeller e di altri membri della sua famiglia.

Durante i lavori di ristrutturazione dell'edificio delle Nazioni Unite iniziati nel 2009, l'arazzo è stato restituito alla Fondazione Rockefeller per la custodia. È stato reinstallato nel settembre 2013 quando i lavori di ristrutturazione sono stati completati. All'inizio di febbraio 2021 l'arazzo è stato restituito a Nelson A. Rockefeller Jr., che nel frattempo lo aveva ereditato. Poi a febbraio 2022 l'arazzo di Guernica ritorna all'ONU, dove ancora oggi è conservato.

Negli anni in cui si discuteva di un'eventuale guerra "preventiva" in Iraq, i vertici ONU non hanno ritenuto opportuno farsi riprendere con un tale manifesto dello scempio della guerra e l'arazzo è stato quindi coperto da un drappo blu. Il commento di Fred Eckhard (portavoce dell'ONU) in merito è stato che il misto di bianchi, neri e grigi dell'arazzo produceva un effetto di confusione visiva.

1. ^

"Esta mañana llegué a un acuerdo con Picasso. A pesar de la resistencia de nuestro amigo a aceptar subvención alguna de la Embajada por la realización del "Guernica", ya que hace donación de este cuadro a la República española, he insistido reiteradamente en transmitirle el deseo del Gobierno español de reembolsarle al menos los gastos en que ha incurrido en su obra. He podido convencerle y de esta suerte le he extendido un cheque por valor de 150 000 francos franceses, por los que me ha firmado el correspondiente recibo. Aunque esta suma tiene más bien un carácter simbólico, dado el valor inapreciable del lienzo en cuestión, representa, no obstante, prácticamente una adquisición del mismo por parte de la República. Estimo que esta fórmula era la más conveniente para reivindicar el derecho de propiedad del citado cuadro."

"Questa mattina giunsi a un accordo con Picasso. Nonostante la resistenza del nostro amico ad accettare sovvenzione alcuna dell'Ambasciata per la realizzazione del "Guernica", giacché fece donazione di questo quadro alla Repubblica spagnola, ho insistito reiteratamente nel trasmettergli il desiderio del Governo spagnolo di rimborsare almeno i costi in cui è incorso per la sua opera. Ho potuto convincerlo e in questo modo ho compilato un assegno del valore di 150 000 franchi francesi, per i quali mi ha firmato la corrispondente ricevuta. Anche se questa somma ha più un carattere simbolico, dato il valore inestimabile della tela in questione, rappresenta, tuttavia, praticamente una acquisizione della medesima da parte della Repubblica. Ritengo che questa formula fosse la più conveniente per rivendicare il diritto di proprietà del citato quadro."

Lettera di Max Aub a Luis Araquistáin sul pagamento del Guernica e bilancio delle spese di propaganda, riprodotta in: Gérard Malgat, Max Aub y Francia o la esperanza traicionada. Renacimiento, 2007. ISBN 84-8472-292-9. Pagina 61.

2. ^ Virginia Monteleone, La truffa Guernica e la guerra di Joselito , su ecointernazionale.com, Eco Internazionale, 26 maggio 2018. URL consultato il 3 maggio 2019 (archiviato il 3 maggio 2019).

3. ^ () Edith M. Lederer, Iconic tapestry of Picasso's 'Guernica' is gone from the UN , in Associated Press, 26 febbraio 2021. URL consultato il 26 febbraio 2021.

4. ^ L'arazzo di Guernica torna all'ONU, rainews, 5 febbraio 2022

Rudolph Arnheim, Guernica: genesi di un dipinto, Feltrinelli, 1964.

(EN) Alicja Zelazko, Guernica , su Enciclopedia Britannica, Encyclopædia Britannica, Inc.

Angelo d'Orsi, Il "Guernica" di Pablo Picasso .

Approfondimenti sulla Guernica di Picasso , su artglobe.it.

(ES) L'opera nel sito ufficiale del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid.

Guernica (Tapestry after 'Guernica' by Pablo Picasso) , su static.un.org. URL consultato il 26 febbraio 2021 (archiviato dall'url originale il 26 febbraio 2021)., descrizione dell'arazzo nella sezione dedicata alle donazioni sul sito ufficiale delle Nazioni Unite.

Lettera al Vittorio Messori, Guernica? La parola a Vittorio Messori , in Corriere della Sera, 25 marzo 1996, p. 31. URL consultato il 22 settembre 2012 (archiviato dall'url originale il 1º gennaio 2016).

# data[].attributes.attachment_link.description
Guernica è un dipinto di Pablo Picasso. L'ispirazione per l'opera, improvvisa e all'ultimo minuto, arrivò solo dopo il bombardamento di Guernica (26 aprile 1937). Picasso compose il grande quadro in soli due mesi e lo fece esporre nel padiglione spagnolo dell' esposizione universale di Parigi (maggio-novembre 1937).

# data[].attributes.attachment_link.title
opera d'arte di pablo picasso - Google Search

# data[].attributes.body
Il Sogno è uno dei quadri più celebri di Pablo Picasso, realizzato nel 1932. L’opera appartiene a una serie di dipinti realizzato dall’artista spagnolo raffiguranti donne addormentate, in questo caso distaccandosi dal suo solito stile e, probabilmente, ispirandosi maggiormente alla pittura fauves di Henri Matisse.

Un’altra opera di Picasso a cui viene accostata frequentemente è Ragazza di fronte allo specchio: è molto interessante notare, infatti, come rientri molto di più entro gli stilemi della sua fase cubista, da cui si discosta nel momento in cui cambia il soggetto.

Il dipinto è un omaggio alla sua musa ispiratrice, Marie-Thérèse Walter, che è l’oggetto di una rappresentazione ‘dolce’.

Il sogno di Picasso, descrizione e analisi

Ne Il Sogno, la rappresentazione di Marie -Thérèse Walter si discosta dalle forme di composizione tipica del cubismo. Queste sono più morbide e tondeggianti e vengono messe in risalto dallo spazio circostante, come si può notare dalla poltrona su cui è seduta la donna. La modalità di rappresentazione cubista, tuttavia, non è del tutto assente: il volto è diviso in due parti, per permetterne la visione frontale e laterale allo stesso tempo.

I colori sono molto intensi: in tutta la composizione dominano il giallo e il rosso, scelta stilistica non frequente da parte del pittore.

La figura femminile è centrale: la donna, addormentata, si trova con la testa poggiata sullo schienale della poltrona, con le braccia inclinate e con le mani che si uniscono verso il bacino. I seni della donna vengono messi in rilievo delicatamente. In questo dipinto Picasso offre un nuovo tipo di rappresentazione alla figura femminile rispetto a quello composto fino a quel momento nelle sue opere.

IL SOGNO DI PICASSO, DOVE SI TROVA?

Il Sogno di Picasso è stato battuto all’asta nel 2013 per la cifra di 155 milioni di dollari, diventando allora l’opera d’arte più costosa della storia (oggi superata dalla vendita di Marilyn di Andy Warhol, 195 milioni di dollari). L’opera è stata comprata da Steven Cohen, magnate della finanza e collezionista, e al momento fa parte della sua collezione privata. Prima di essere acquistata da Cohen, l’opera ha sempre fatto parte di diverse collezioni private.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Deodato Arte Intermediazioni | Intermediazione Opere d'Arte: Compra-Vendita Opere d'Arte, Quotazioni Opere d'Arte con Battute d'Asta 2021

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pablo Picasso è probabilmente uno degli artisti più famosi al mondo. La sua produzione artistica una delle più varie e più prolifiche. Per tutti gli anni della sua carriera infatti, attraverso i suoi numerosi cambiamenti stilistici, conosciuti come " periodi", Picasso ha indubbiamente dimostrato di essere un'artista poliedrico capace di confrontarsi con qualsiasi espressione artistica, ma anche quanto l'arte di ogni artista sia di fatto connessa alle personali esperienze di vita.
"A tredici anni dipingevo come Raffaello. Ci ho messo tutta una vita per imparare a dipingere come un bambino". P.P.
Nel 1900 il primo viaggio a Parigi gli permette di conoscere tutte le grandi personalità della scena artistica parigina e di dare inizio alla sua carriera artistica. Il suo primo periodo "famoso" però risale al 1901 quando, tornato a Barcellona, viene a conoscenza del suicidio commesso dal suo amico Carlos Casagemas. Il momento di sconforto causato da questo evento segna infatti l'inizio del "periodo blu". Durante il periodo blu Picasso da forma, attraverso le sue opere, a tutto il suo dolore, alla malinconia e alla perdita di fiducia verso il mondo che stava vivendo in quel momento. Si tratta di un periodo cupo, dove i soggetti rappresentati sono i suoi amici ma anche i poveri, gli anziani, coloro che hanno abbandonato ogni speranza nei confronti della vita. La tavolozza si limita alle sfumature di toni del blu, con qualche accenno di bianco e di nero; la composizione si fa semplice. Abbandona i temi della colorata vita parigini appena scoperta per esprimere e dare una voce alla sua sofferenza. In più, nonostante la sua fama stesse crescendo, nel 1902 Pablo Picasso attraversa un momento di povertà, che incide ulteriormente su questo periodo di depressione.

Il periodo blu termina storicamente nel 1903, quando le opere di Picasso iniziano a mutare, i colori si fanno meno cupi, i soggetti cambiano. Nel 1904 poi il trasferimento definitivo a Parigi e il passaggio al "periodo rosa". Per Picasso "periodo rosa" è la rinascita dopo un momento di crisi, il trasferimento in una nuova città che in quel periodo era il fulcro dell'arte internazionale, una vita e una serenità ritrovata. I toni sono chiari e caldi, quelli del rosa; i temi e i personaggi quelli del circo, i saltimbanchi e le maschere.

Un periodo tuttavia breve, che nel 1906 comincia ad essere influenzato da un nuovo interesse dell'artista. Definibile anche come periodo africano, Picasso inizia a scoprire "l'arte negra", derivante dalla cultura africana e polinesiana. Ai suoi occhi, questa era da una parte un'arte semplice, spontanea, svincolata dai condizionamenti sociali, dall'altra era carica di tutte quelle forme, sfaccettature e angoli che tanta parte avranno nel successivo periodo cubista di Picasso.

Da questo momento in poi, inizia infatti un momento di sperimentazione che darà forma alle più celebri creazioni di Picasso: opere come, ad esempio, "les Demoiselles d'Avignon" e "Guernica". Nel 1907, le forme scoperte durante "l'epoca negra" vengono riproposte all'interno di una struttura pittorica completamente nuova. Il quadro de "Les Demoiselles d'Avignon" raffigura un gruppo di donne dipinte in modo frammentato, che lascia riconoscere le forme dei corpi e dei volti, riproponendoli tuttavia in un modo "sbagliato", quasi deforme.

Tra i quadri di Picasso, questo racchiude tutte le sue future ricerche formali.

Infatti, per Picasso periodo cubista equivale alla sperimentazione di un metodo di pittura capace di rappresentare contemporaneamente tutte le facce di un oggetto. La figura viene "aperta" e appiattita così da poterne mostrare tutti i lati contemporaneamente: profondità e struttura dell'immagine non vengono più date dalla prospettiva classica, ma dalla possibilità dell'occhio di poter osservare tutte le parti di un oggetto nello stesso momento.

Con il cubismo Picasso e Braque (altro artista fondatore del movimento) ribaltano completamente tutte le regole dell'arte creata fino al quel momento. I primi anni del XX secolo sono anni pieni di innovazioni, scoperte e nuovi movimenti artistici. E Picasso e Braque sono tra i primi a rispondere a questi anni di fermento. Tuttavia anche il periodo cubista di Picasso è relativamente breve, concludendosi intorno al 1914 con gli inizia della prima Guerra, anche se la frammentazione e la raffigurazione "scorretta" delle parti rimarranno aspetti fondamentali della sua arte.

Tra il 1914 e 1918 si può notare un periodo di transizione. Sono gli anni della guerra, e se da una parte Picasso continua a sperimentare, dall'altro è visibile un ritorno ad una pittura più tradizionale. Tale ritorno non è assolutamente casuale ma, come tutta la produzione artistica di Pablo Picasso, è legato ad accadimenti contingenti. Complice infatti è un viaggio in Italia che l'artista compie nel 1917, dove l'artista scopre la storia artistica del paese e il suo legame con l'antica arte classica: fattori che lo riportano appunto ad una rappresentazione tradizionale e monumentale.

Tuttavia anche questo periodo classico finisce quando, nel 1925, l'artista entra in contatto con il movimento Surrealista, altra influenza fondamentale: da questo momento la frammentazione formale diventa anche chiave di espressione per sentimenti ed emozioni. Se infatti per Pablo Picasso l'arte è sempre stato un modo per rendere visibile il suo modo di vedere e di sentire, lo studio psicologico ed onirico portato avanti dal movimento surrealista porta l 'arte di Picasso ad un livello successivo, in cui la forma diventa veicolo di sensazioni.

La celebre opera di Picasso "Guernica" fornisce un esempio perfetto per notare questo nuovo legame tra arte e vita, forma e sentimento. "Guernica" fu realizzata nel 1937 e rappresenta il bombardamento e la distruzione della piccola città spagnola (Guernica) avvenuta il 26 aprile dello stesso anno. Un'opera di denuncia contro le atrocità della guerra, il dolore, la perdita di umanità che il mondo stava vivendo in quegli anni. L'opera è sui toni cupi del bianco e nero ed è realizzata secondo una struttura cubista, spezzata, in cui lo sfondo si annulla per dare visibilità a tutti i frammenti. Innumerevoli soggetti si accavallano, rappresentando le parti coinvolte nello scontro. Ma ciò che veramente colpisce è l'incredibile dolore trasmesso dal dipinto. In quest'opera la frammentazione e la distorsione sembrano quasi trasmettere fisicamente la sofferenza dei personaggi. Le gambe e le braccia spezzate dipinte in posizioni innaturali, gli occhi troppo vicini e le bocche troppo sproporzionate sono ciò che, paradossalmente, rendono reale questo dipinto. Picasso, attraverso la distorsione delle forme, fa sentire sulla pelle delle sensazioni reali.

Questo è visibile anche nelle opere successive: per esempio in "Donna che piange" si nota come la distorsione del visto trasmetta tutto lo strazio della donna; oppure come, nelle opere "Donna con i capelli biondi" o "Il sogno", l'innaturale braccio che parte dai capelli- nel primo caso- o la scorretta posizione di spalla e collo -nel secondo- rendano in realtà la sensazione di rilassatezza e comodità durante il sonno.
"Ognuno vede se stesso a modo suo, non è forse vero? Le deformazioni semplicemente non esistono. Daumier e Lautrec vedevano i volti diversamente da Ingres o Renoir, e questo è quanto. Per quanto mi riguarda, io la vedo così."
Questo legame tra figura e sensazione è da interpretare anche in senso più esteso. I sentimenti trasmessi dei personaggi delle opere sono si dei personaggi stessi, ma sono anche riflessi dell'artista. Come il periodo blu era stato il frutto di una perdita e della sua metabolizzazione, o "Guernica" il risultato di una scelta morale e politica, così l'evoluzione dello stile pittorico, soprattutto negli ultimi decenni, rispecchia quasi pedissequamente lo stato, fisico e morale, di crescita e decadimento di Picasso stesso nel corso degli anni. Nelle opere più tarde si può vedere un imbruttimento crescente delle figure rappresentate, una spigolosità maggiore delle forme... di nuovo lo specchio di un uomo che stava invecchiando.

Con la sua arte Pablo Picasso ha voluto dare la sua personale lettura del mondo; non tanto un'interpretazione, quanto la rappresentazione di come le persone e gli eventi apparivano ai suoi occhi. Un'arte strettamente connessa con ciò che l'artista viveva e provava. Un'arte a prima vista quasi astratta che però, attraverso forme e figure, è riuscita e ancora riesce a trasmettere emozioni che trascendono il mondo fisico del reale.

# data[].attributes.attachment_link.title
I periodi di Pablo Picasso | Deodato Arte Intermediazioni

# data[].attributes.attachment_link.description
Pablo Picasso è probabilmente uno degli artisti più famosi al mondo. La sua produzione artistica una delle più varie e più prolifiche. Per tutti gli anni della sua carriera infatti, attraverso i suoi numerosi cambiamenti stilistici, conosciuti come " periodi", Picasso ha indubbiamente dimostrato di essere un'artista poliedrico capace di confrontarsi con qualsiasi espressione artistica, ma anche quanto l'arte di ogni artista sia di fatto connessa alle personali esperienze di vita.