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L’Espressionismo tedesco è un movimento cinematografico che emerse nella Germania degli anni ’20. È caratterizzato da un linguaggio visivo che trasmette un senso di ansia, paura ed inquietudine con angoli acuti, ombre marcate e recitazione spigolosa.

Questo movimento rifletteva spesso il senso di disorientamento, alienazione e caos dell’epoca fiorendo a causa dell'instabilità politica, sociale ed economica della Prima Guerra Mondiale.

Un'altra caratteristica che fece la storia del cinema espressionista è l'uso del primo piano con effetti demoniaci e persecutori o viceversa vittimistici e perseguitati. Venivano usati angoli di ripresa insoliti e movimenti di macchina espressivi per enfatizzare lo stato d'animo dei personaggi e l'atmosfera generale.

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Il cinema narrativo classico si riferisce ad un periodo cinematografico che si estende dagli anni ’20 fino agli anni ’60. È caratterizzato da una struttura narrativa ben definita, in cui la storia è raccontata in modo lineare, con un inizio, uno sviluppo e una conclusione.

Nel 1914 David Wark Griffith, considerato il padre del cinema narrativo, prese spunto da quanto fatto da Pastrone e D'Annunzio e schematizzò le tecniche di montaggio in maniera da ottenere la massima leggibilità della storia e, all'occorrenza, creare particolari effetti drammatici.
Questa struttura  ha messo in risalto la narrazione della storia e la personalità dei personaggi.

Inoltre, il cinema narrativo classico è spesso associato a generi specifici come il melodramma, il noir, il western e il musical.

In questo periodo si usavano attrezzature minimaliste come macchine da presa cioè dispositivi meccanici che catturavano le immagini sulla pellicola attraverso l'obiettivo ottico. Spesso si utilizzavano luci naturali e microfoni portatili evitando luci artificiali. Possiamo vedere la nascita della transizione incrociata utilizzata per far capire che c'è stato un cambiamento di tempo.

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Il cinema, nato alla fine del XIX secolo, è stato interessato da incredibili innovazioni e trasformazioni. Le sue radici risalgono all'invenzione del Kinetoscopio cioè un apparecchio prodotto da Thomas Edison.

Si trattava di una sorta di grande cassa sulla cui si trovava un oculare; lo spettatore poggiava l'occhio su di esso, inseriva una moneta, girava la manovella e poteva guardare il film montato nella macchina su rocchetti .

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Successivamente, nel 1895, i fratelli Lumière inventarono il cinematografo che ha segnato l’avvio ufficiale di proiezioni pubbliche di film. Il cinematografo è una macchina da presa che veniva usata come proiettore cinematografico composto da un'apertura nella parte anteriore che accoglie la lente, un'altra nella parte posteriore  che permette l'introduzione di una manovella, che mette in movimento il meccanismo. L'intero meccanismo era collegato ad un otturatore circolare con apertura regolabile.

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I primi film dei fratelli Lumière erano in realtà brevi sequenze di vita quotidiana e facevano parte del cinema muto e pionieristico che rappresenta la fase iniziale della storia del cinema caratterizzato dall'assenza di suoni sincronizzati con le immagini.

A causa dell’assenza dei dialoghi, l’espressione visiva era fondamentale nella comunicazione di messaggi, emozioni o semplicemente per raccontare lo svolgimento della trama.

Durante il periodo del cinema muto, molti registi hanno sperimentato nuove tecniche cinematografiche e narrativa visiva, introducendo effetti speciali, montaggi innovativi e racconti non convenzionali.

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L'uscita dalle fabbriche Lumière [III, II, I] (Louis Lumière, 1895) | HD

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George Méliès. è stato un regista cinematografico, attore e illusionista francese.  È universalmente riconosciuto come il padre degli effetti speciali. Scoprì accidentalmente il trucco della sostituzione nel 1896 e fu uno dei primi registi a usare l'esposizione multipla, la dissolvenza e il colore (dipinto a mano direttamente sulla pellicola). Uno dei cortometraggi più importanti che lo portò anche alla sua rovina è "Il viaggio sulla Luna": È uno dei primi film di fantascienza e presenta i primi effetti speciali della storia del cinema. Si tratta di un cortometraggio che segue un gruppo di scienziati in un viaggio sulla Luna a bordo di un proiezione spaziale sparato da un enorme cannone.

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Viaggio sulla Luna (1902) Georges Méliès

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Il gabinetto del dottor Caligari (1920) di Robert Wiene, è uno dei film più significativi di questo movimento. La trama racconta la storia di un ipnotizzatore che utilizza un sonnambulo per commettere omicidi.

Il film è celebre per le sue scenografie surreali, con ambientazioni oniriche e distorte che riflettono lo stato psicologico dei personaggi. L’uso innovativo delle scenografie e delle luci ha contribuito a rendere questo film un’icona dell’Espressionismo tedesco, influenzando notevolmente il linguaggio visivo del cinema.

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“Via col vento” (1939) di Victor Fleming, è basato sul romanzo di Margaret Mitchell, il film è ambientato durante la Guerra Civile Americana e segue la storia di una Rossella O’Hara, una donna determinata che cerca di sopravvivere agli stravolgimenti della guerra e dei cambiamenti sociali. Il film rappresenta un esempio classico del cinema narrativo

classico, ha una trama ben strutturata, una progressione lineare ed un focus sui personaggi e le loro sfide emotive. È celebre per la sua grandezza visiva, per le performance degli attori e per l’epica durata del film. Via col vento è diventato un’icona del cinema hollywoodiano classico, rappresentando la magnificenza e la maestria narrativa tipica del periodo.

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Il Neorealismo italiano è un movimento cinematografico emerso in Italia nel dopoguerra, negli anni ’40 e ’50. Si distingue per la sua attenzione alla rappresentazione realistica della vita quotidiana delle persone comuni, molto spesso utilizzando attori non professionisti e girando in location reali anziché in set cinematografici. Le attrezzature usate erano simili a quelle del cinema narrativo classico

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"Ladri di biciclette" è un film del 1948 diretto da Vittorio De Sica, considerato uno dei capolavori del Neorealismo italiano. La trama segue le vicende di un uomo disoccupato che cerca disperatamente di recuperare la sua bicicletta rubata, fondamentale per il suo lavoro. Il film offre uno sguardo crudo e realistico sulla vita quotidiana e sulle difficoltà affrontate dalle classi lavoratrici durante il dopoguerra italiano.

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La Nouvelle Vague francese, traducibile con “Nuova onda francese”, è un movimento cinematografico che emerse in Francia negli anni ’50 e ’60. Questo movimento, guidato da giovani registi, ha rivoluzionato il linguaggio cinematografico, sfidando le convenzioni

tradizionali e abbracciando nuovi approcci alla regia, alla sceneggiatura e alla produzione.

In questo periodo si utilizzavano macchine da presa leggere, scenografie minimaliste e luci naturali.

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Il Cinema d’Autore ed il New Hollywood rappresentano due movimenti distinti ma

collegati nel panorama cinematografico. Il Cinema d’Autore si riferisce ad un approccio alla regia in cui il regista viene considerato l’autore principale del film, esercitando un forte controllo creativo sulle opere cinematografiche. Nel contesto del New Hollywood, che è emerso negli anni ’60 e ’80, i registi hanno goduto di una maggiore libertà creatività,

producendo o pere più audaci e sperimentali.

Si iniziano ad usare telecamere di alta qualità con luci e set di illuminazione, microfoni e mixer per catturare dialoghi ben chiari e suoni ambientali coinvolgenti.

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Il cinema Moderno e Contemporaneo rappresenta il periodo più recente nella storia del cinema, caratterizzato da una vasta gamma di stili, generi e approcci alla produzione cinematografica. Questo periodo ha visto l’avvento delle nuove tecnologie, l’espansione delle possibilità narrative visive, insieme ad un’ampia diversità culturale e tematica nei

film prodotti.

Nel cinema contemporaneo si usano telecamere digitali avanzate, apparecchi di illuminazione Led, droni, macchine da presa virtuali e tecnologia 3D e 4D

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“Taxi Driver” (1976) di Martin Scorsese, è uno dei film più significativi del Cinema d’Autore e del periodo New Hollywood. Il film segue la storia di un alienato veterano del Vietnam (interpretato da Robert De Niro) che diventa tassista. La narrazione si concentra sul suo deterioramento mentale, la sua solitudine e la sua disillusione verso la società.

Taxi Driver rappresenta l’espressione di un autore, Martin Scorsese, che esplora temi

sociali, psicologici e morali, offrendo una visione cruda e provocatoria della società

urbana. Il film è noto per la sua regia innovativa e per la performance immemorabile di de Niro.

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“Avatar” (2009) di James Cameron. La grandiosità visiva e gli effetti speciali innovativi hanno reso Avatar un punto di riferimento nel panorama cinematografico moderno. È stato un notevole successo di pubblico ed ha contribuito in modo significativo all’evoluzione delle tecnologie cinematografiche, specialmente per l’uso innovativo della tecnologia 3D e delle immagini generate al computer (CGI).

è un film di fantascienza che si svolge sul pianeta Pandora, dove un ex marine si unisce a una missione scientifica umana che coinvolge creature aliene chiamate Na’vi. Il film esplora temi ambientali di sfruttamento delle risorse e di conflitto tra culture.

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“I 400 colpi” (1952) di Francois Truffaut è considerato uno dei film più significativi della Nouvelle Vague. La pellicola narra la storia di un giovane che cresce in un ambiente difficile e conflittuale. Il film offre uno sguardo autentico e commovente sulla gioventù, mettendo in evidenza le sfide, le aspirazioni e le disillusioni del protagonista. Truffaut utilizzò tecniche innovative come l’uso della macchina mano.

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Il cinema d’avanguardia e sperimentale è un movimento cinematografico che si è concentrato sulla sperimentazione visiva e concettuale, è spesso provocatorio e simbolico

e porta lo spettatore in scenari lontani dalla realtà. Fa largo uso di sperimentazione riguardo al montaggio.

Come nell'espressionismo tedesco le attrezzature prevedevano l'uso di telecamere sperimentali ad esempio camere con obiettivi speciali o dispositivi di distorsione ottica. Inoltre si faceva uso di editing sperimentale.

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“Un cane andaluso” (1929) di Luis Bunuel e Salvador Dalì, è un cortometraggio sperimentale iconico del cinema surrealista. Il film presenta una serie di immagini strane, oniriche e spesso disturbanti. La trama del film non segue un filo logico, Brunuel e Dalì hanno esplorato l’inconscio, l’irrazionale, utilizzando immagini surreali e simboliche per creare uno stato di incertezza emotiva nel pubblico.