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Lo que mas me gustan son los títulos de sus obras,  son muy originales y dicen mucho.

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Me di cuenta que las obras que elegí de Beatriz eran todas  reinterpretaciones de obras clásicas.
Siempre me ha gustado mucho las obras abstractas y de color. Que sea solo color, incluso cuando pinto lo que hago es color y creo que es el punto en común que veo en estas obras. Lo que mas me llamo la atención son los colores que usaban en estas obras. Sin embargo eso no quiere decir que no me guste sus obras originales al contrario, me encanta la obra de Beatriz González, pero esta vez quise detenerme mas en sus apropiaciones que en su obra misma que ya la he visto en otras ocasiones.

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100 metros de Renoir
Artista: Beatriz González
Año: 1977
Oleo sobre lienzo

Esta es otra obra clásica apropiada por Beatriz. Si no hubiera leído el titulo no hubiera pensado que es una reinterpretación de una obra de Renoir. Sin embargo, al leer el título pude identificar de que escena de Renoir se trataba. En lo personal, me encanta esta apropiación, me encanta la paleta de colores, como lo combina. Me parece que el rosado va muy bien con esos azules y verdes, resalta mucho, dándole mucha vida.  De las obras que mas me gusto de ella.

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Tìtulo: Piñanona 1

Creador: Gabriel Orozco
Año: 2013

""Difuminando así los límites entre lo racional y lo orgánico" . (sacado de la pagina del Guggenheim).

Elegí las fotos antes de leer sobre los artistas, cuando estaba buscando las fichas técnicas me di cuenta que había elegido dos obras del mismo artista.  " Astroturf Constellation" y esta ambas por Gabriel Orozco, un artista Mexicano.
Me pareció curioso como uno siempre es atraído por cierto tipo de cosas y al final no sabes que es exactamente lo que te mueve, pero a veces uno vuelve a las mismas cosas, a los mismos artistas que te atraen y uno no sabe que es, porque un movimiento, obra o artista te captura mas que otros . ¿Qué tiene que te gusta de ellos?. Uno vuelve y vuelve.

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Título: Decoración de Interiores
Artista: Beatriz González
Año: 1981
Técnica:  Serigrafía sobre tela una tinta

Acá podemos ver  otro característica de Beatriz González, el aplanamiento de las figuras.

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Lo que mas me impresiona de la exposición fue la escala de algunas obras que nunca me imagine que llegaran a ser tan grandes. Se siente una gran majestuosidad.

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Museo de Arte Miguel Urrutia - MAMU- / Mayo 11

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Museo de Arte Miguel Urrutia - MAMU- / Mayo 11

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Vista del Museo de Arte Miguel Urrutia -MAMU-

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En esta sala un gran tema recurrente de sus obras, referencias de ambientes domésticos y ambientes locales.

"Sus composiciones demuestran una ironía autoconsciente y una crítica a las nociones de clase media sobre el gusto, la clase, el género y la etnia" (sacado de la pagina de la exposición)

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Título: Telón de la móvil y cambiante naturaleza
Artista: Beatriz González
Año: 1978
Técnica:  Acrílico

Otra  reinterpretación de una obra, "Luncheon on the Grass" de Édouard Manet en 1863.

En la exposición esta es otra obra que Beatriz González se apropia de grandes obras de la historia del arte occidental.  Es una obra apropiada de la obra "Luncheon on the Grass" de Édouard Manet.

Descripción Formal:  En la obra podemos ver las tres figuras, igual que en la obra original. Dos hombres de vestidos elegantes y una mujer desnuda. En cuanto a la composición las tres figuras están sentadas en la hierba como en forma de circulo y parecen estar teniendo una conversación.  Hay dos figuras al lado izquierdo y una al lado derecho. La figura del lado izquierdo esta de medio lado mirando a las otras dos figuras y por la posición de su mano pareciera estar hablándoles. Al otro lado (al lado izquierdo) esta la figura en el fondo de un hombre y mas cerca la mujer desnuda. Ambos están mirando hacía el espectador.   Es una cuadro plano en cuanto a figuras, fondo y color. En cuanto al fondo no nos muestra que hay detrás, solo la insinuación de  un árbol y lo demás son manchas de colores.  Por otro lado aunque Édouard Manet se le conoce como el primero que rompió con ese academicismo clásico con su cuadro de la Olympia por hacer una simplificación de la figura humana, acá podemos ver una simplificación aun mayor de la figura humana y las caras son casi caricaturescas.  En esta obra Beatriz González usa colores planos, no difumina sino que utiliza grandes manchas de color.  La pincelada es pareja y en una sola dirección, no se puede visualizar el trazo del pincel ,sin dinamismo ni movimiento.  Por ultimo no hay claro oscuro ni ninguna proyección de la luz.

Nota: Me encanta que convirtiera esta gran obra clásica en un telón.

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Título: Billares Bochica
Artista: Beatriz González
Año:  1980
Técnica: Acrílico sobre tela de mesa de billar.

Otro tema recurrente es la apropiación de imágenes asociadas con la historia del arte occidental. Apropiándose de obras clásicas pero con su toque de paleta de colores. En el caso de esta obra le añade un elemento local como es el hombre caminando al lado del billar y el titulo da mucho que decir de elementos locales. Por ultimo me parece impresionante la versatilidad de la artista en el uso de soportes, sobretodo en este caso pintar sobre una tela de mesa de billar. La tela de mesa de billar le da un toque perfecto de ese verde de la obra original de Van Gogh mezclado con la nueva paleta que elige Beatriz que queda muy bien con el verde de la tela dando el toque perfecto entre Van Gogh y el toque propio de ella.

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Es muy característico en Beatriz González  una paleta de color fuerte, que  hace alusión a la publicidad comercial, de medios de comunicación masiva. En esta sala pude sentir exactamente eso. Sentí que era una sala con elementos muy "Pop".  Como un  "Pop Art" muy local.

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Me parece que el espacio curatorial esta muy bien logrado.   Siento que fue muy bien pensado la cronología, los momentos creando una estética singular muy propia en cada sala.  Cada sala tenia elementos que caminaban y hablaban entre ellos, había una gran coherencia.  En el caso de esta foto me parece que el piso de madera juega muy bien con los elementos expuestos y también la forma circular de la plataforma donde están expuestos los objetos le da cierta movilidad y dinamismo.

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Mural Para una Fabrica Socialista / Mayo 11

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Mural Para una Fabrica Socialista / Mayo 11

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Titulo: Mural para una fabrica socialista
Artista: Beatriz González
Año: 1981
Técnica:  Esmalte sintético sobre tablex
Proporción: 224 x1220

Me encanta esta obra y me sigue asombrando su tamaño. Me encanto la paleta de colores que elige Beatriz González. Le logra dar mucha vida a los cuadros y elige unos colores perfectos para el la adaptación del Guernica . Creo que tal vez otros colores no le hubieran quedado. Por otro lado, le tengo mucho aprecio a esta obra desde que estuve en una charla en una clase de Lucas Ospina donde llevo a Beatriz González como invitada y nos conto todo el proceso de creación de esta obra. Fascinante.

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Me gustaron mucho los telones, me parece una gran trabajo pintar sobre esa tela y hacerlo a esa escala. Obra elegida como portada de la exhibición.
versatilidad.

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Exposición Virtual Beatriz González: Una retrospectiva.

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Exposición Virtual Beatriz González: Una retrospectiva.

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Esta exposición es un recorrido por la obra de Beatriz González a lo lardo de mas de seis décadas.

Curada por Mari Carmen Ramírez y Tobias Ostrander esta exposición organizada por el Museum of Fine Arts de Houston, (MFAH) y el Pérez Art Museum de Miami (PAMM) en asocio con el Banco de la República.

La exposición muestra un gran recorrido cronológico por sus obras yendo desde  pintura, dibujo y grabado.

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Título: Sam (Ground Zero)

Artista: Ryan McGinley
Año: 2001

En esta fotografía me capturó el aire de cultura callejera, hedonista y de rebelión.  Me parece tan diciente esta imagen que es casi como si uno pudiera oler el ambiente con la espontaneidad de la foto y su paleta de color. Investigue un poco mas sobre el fotógrafo porque me gusto mucho y lo que leí fue que precisamente la intención de sus imágenes son exactamente lo que sentí al verla. Ryan McGinley quería capturar imágenes sinceras de su estilo de vida y de su amigos,  que precisamente  era una vida de cultura callejera rodeado de "skaters," , artistas de grafiti y músicos independientes. Captura la  cultura juvenil en un contexto urbano con  un ambiente de clubs y calle.

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Titulo: Dash (Supermarket)

Artista: Ryan McGinley
Año: 2000

Me parece que Ryan McGinley tiene un estilo muy único,  siento que son imágenes sinceras y todas me dan la sensación que tiene una historia que contar y que hay una gran historia detrás. Seguiré buscando mas sobre este artista y su trabajo.

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En lo personal no hubo muchas obras que me gustaran  de esta exhibición del Guggenheim. Solo las obras que elegí acá son sobretodo estas fotografías de Ryan McGinley.  Me parece que es de esas fotografías que con muy pocos elementos y ser explicito cuenta una historia.  Cuando estaba haciendo el recorrido, apenas pase por esta sala pare de inmediato, me capturo inmediatamente. Hay algo muy interesante en los personajes,  la espontaneidad del momento,  la calidez y paleta de las fotografías con una estética muy artística y análoga.

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Me parece que el espacio curatorial es muy plano y no tiene nada especial. Las obras están expuestas en una pared blanca y sin mucha gracia. Sin embargo creo que esa es la única opción de este museo ya que al ser redondo y puedes ver todas con vista interior, puedes visualizar todas la obras desde cualquier ángulo, si no fuera así de plano se podría llegar a ver muy sobrecargado.  Creo que esa es la diferencia entre verlo presencial y verlo virtualmente, ya que el dinamismo hace parte de la experiencia de verlo 360 grados, algo que no se siente igual en la virtualidad.

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Título: Untitled in the Rage (Nibiru Cataclysm)

Creador: Juliana Huxtable
Año: 2015

Descripción Formal: Para empezar, esta obra no es una pintura sino una auto fotografía de la artista y editada por ella.  En la composición de la obra se puede ver una figura situada en el centro del cuadro.  Es una mujer desnuda, arrodillada, su posición esta entre medio lado y de espaldas. El espectador tiene total vista de su parte de atrás, una rodilla y parte de un busto, podemos ver su perfil y su cabeza que esta inclinada hacía un lado.  Las facciones de su cara y las trenzas que lleva en el pelo le dan un toque étnico de rasgos africanos. Sin embargo, en esta obra la mujer tiene la piel de color verde y el pelo amarillo.    En cuando a la proporción, el cuerpo  esta acomodado de forma proporcionada dentro del cuadro.  La mujer parece estar arrodillada en la arena y en el fondo hay unas nubes pero al nivel muy bajo. Da la sensación en vez de ser una tormenta de arena, una tormenta de nubes que se avecina.  En la parte superior derecha hay una gran circulo blanco un poco fuera de proporción, aunque no es muy naturalista podemos deducir que el circulo es la luna. Aunque es una fotografía editada hay rastro de luz en la nube y en partes del cuerpo. Este esta iluminado en la parte izquierda como si la luz viniera de esa dirección.

Nota: Esta obra me llamo mucho la atención y me gusto mucho, hay algo intrigante en la mujer y en general la obra tiene una aire místico. Así que me puse a investigar mas sobre esta obra.

La artista Juliana Huxtable combina y reinventa historias culturales, cuestionando la presentación y percepción de la identidad en obras de arte utilizando su propio cuerpo.
La obra hace referencia a las culturas nubia y egipcia mezclando elementos de estilos de comunidades afroamericanas y como dice en el articulo " destacando un retrato aspiracional y triunfante de la identidad negra" (Elephant, junio 2020)
https://elephant.art/iotd/juliana-huxtable-untitled-in-the-rage-nibiru-cataclysm-2015/

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Título: Astroturf Constellation
Creador: Gabriel Orozco
Fecha de creación: 2012

Esta obra me pareció muy curiosa. Me gusto ver los objetos con detenimiento y da gran satisfacción a simple vista el hecho de que esté clasificada por colores.  Se que no tiene nada que ver pero me acordó de como exhiben las artesanías en la calle en Colombia. En mi opinión la obra tenia algo llamativo y relajante a la vez.

Sin embargo lo que mas me gusto fue la descripción del museo, me hizo agregarle valor a la obra.

Descripción:  " La obra  invoca varios de los motivos recurrentes de Gabriel Orozco, incluyendo rastros de erosión, encuentros poéticos con materiales mundanos, y la tensión siempre presente entre la naturaleza y la cultura." (Museo Guggenheim, 2021)

"También amplifica la práctica sutil del artista de someter el mundo a sistemas personales e idiosincráticos. " (Museo Guggenheim,  2021)

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El arquitecto de este edificio fue  Franz Lloyd Wright y su construcción duro 16 años desde 1943 hasta 1959, año en el que se abrió al público.

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En lo que puede leer acerca del edificio es que la intención de esta estructura en espiral ascendente es que da la sensación de subir hacía el cielo.

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Al recorrer el museo presencialmente uno va subiendo progresivamente ya que es un suelo continuo. Uno va subiendo como en una rampa desde al primera planta hasta la ultima en forma de un remolino. Sin embargo hacer este recorrido de forma virtual se me hizo un poco confuso por que no sabia en que piso estaba ni de donde venia.

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Me parecio que el encanto del museo es poder ir en círculos y poder ver todo el museo con una visión 360 grados desde cualquier punto. Por mas de que los museos tengan una curaduría, una idea conjunta que conjuga todas las obras sea por linealidad, temática u otra razón. Me parece una experiencia interesante ver todas las obras como un conjunto.

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Algo diferente
En esta foto podemos observar como la arquitectura de curvas orgánicas del edificio contrasta con las calles y edificio cuadriculados de Nueva York.

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El museo Guggenheim fue fundado por la Fundación Solomon R. Guggenheim en 1937. Inicialmente llamado el "Museo de Pintura Abstracta".

El museo y la fundación se dedican
a promover la comprensión y apreciación del arte, principalmente de los períodos modernos y contemporáneos, a través de exposiciones, programas educativos, iniciativas de investigación y publicaciones.

El museo no solo esta interesado en arte, también en arquitectura y diseño.

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Nueva York, Estados Unidos

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En 1946 Diego Rivera le pidió a Juan O'Gorman que construyera el estudio de Frida.

Este fue un a espacio que realmente me hizo sentir muchas cosas, me hizo devolverme a un lugar muy intimo mío. Me llevo años atrás cuando mi abuelo todavía vivía y pintaba en su estudio de la finca.  Era un espacio muy parecido, con una mesa casi idéntica y un ventanal igual de grande que daba a ese mismo tipo de vegetación. Él pintaba acuarelas y yo siendo muy pequeña me sentaba junto a él a pintar, admiraba mucho lo que él pintaba, me encantaba pintar con él y su compañía. Me di cuenta muchos años después que fue en esos momentos que empezó mi relación y amor por el arte.

Es muy curioso como hay cosas y momentos sin menos esperártelo, te pueden hacer conectar muchísimo con cosas tan intimas y remotas del pasado. Solo me dio mas ganas de poder ver el museo en persona.

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Tema recurrente en sus obras. / Abril 28 

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Tema recurrente en sus obras. / Abril 28 

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Debido a este accidente podemos ver como la marco y la formación de su complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras.

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Piezas prehispánicas, un toque personal/ Abril 28

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Piezas prehispánicas, un toque personal/ Abril 28

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Al hacer el recorrido de La Casa Azul me pareció que era una casa llena de vida  no solo por lo colorida sino por todos objetos que hablan de una personalidad y un ambiente, lleno de color, arte popular y piezas prehispánicas. Una de las piezas que me llamo la atención fue  una pieza prehispánica, "Eva en el paraíso" de Mariano Silva Vandeira  colgada en una de las habitaciones.  Esta obra que habla mucho de Frida y Diego como personas , lo cual muestra su admiración por los pueblos y culturas de México tan presentes en sus vidas, ideales y sobre todo en sus obras.  Me parece un toque muy intimo y se siente cierto aire como si todavía la casa estuviera habitada.

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Las apariencias engañan
Frida Kahlo
1934

En este autorretrato Frida nos muestra un tema recurrente en su obras, su accidente y el dolor, problemas de salud e incapacidad que este le generaron.  En este retrato podemos ver a Frida desnuda con la columna rota y todos los aparatos, que utilizaba para poder mantenerse, debajo de la silueta de un vestido.
Me parece que el titulo de la obra nos dice mucho, no habla que debajo del vestido y las apariencias eso es lo que hay un cuerpo fracturado y con dolor.

Por otro lado me pareció muy interesante una de las descripciones del museo de esta obra:  "Su pierna izquierda está cubierta de mariposas, lo que recuerda la cita "Pies, para qué los quiero si tengo alas para volar".

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Influencia de las Vanguardias / Abril 28

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Influencia de las Vanguardias / Abril 28

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Esta pintura me llamo mucho la atención ya que debido a la época a la que perteneció Frida, donde surgieron las vanguardias. La temática del cuadro  se podría pensar en una gran influencia del surrealismo y haciendo alusión a los relojes de Dalí. Sin embargo, alguna vez leí una entrevista donde ella declaraba "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad". Lo cual pienso que sigue haciendo cierta alusión a su accidente y que la afecto de tal manera que no podía desligarse de eso, así pintara consciente o inconscientemente de una u otra forma terminaba manifestándose en sus pinturas.

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Influencia de las vanguardias / Abril 28

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Influencia de las vanguardias / Abril 28

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Mujer sentada (Mujer con cuerpo de guitarra)

Diego Rivera
1915

Aunque Frida declaró que nunca fue surrealista, tanto Frida como Diego se vieron en pleno furor de las vanguardias por lo tanto es evidente que mas allá del muralismo y el pueblo y cultura mexicana, las vanguardias también tuvo un gran influencia en ellos como es en este caso el cubismo.

Descripción Formal: En el cuadro se ve una simplificación de la figura humana, por el cual por el titulo podemos deducir que es una mujer. La figura de la mujer en la obra se reduce a unas líneas y formas representadas por una guitarra. En la parte inferior del cuadro se puede ver el contorno de sus piernas como si estuviera sentada y encima de ellas esta un gato acostado.  La obra es bastante abstracta y es difícil reconocer mas figuras. La obra tiene tonos grises, azules y blancos. También tiene tonos tierra como el amarillo ocre en la parte superior izquierda del cuadro.

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Frida y la cesárea (inconcluso)

Frida Kahlo
1931

Descripción Formal:  En la composición de la  obra Frida se ubica a si misma desnuda en el centro de la pintura, haciéndonos entender que es la figura central y donde en general la atención se dirige.  La figura desnuda es una simplificación de la figura humana y  aunque si podemos ver su cabeza por las líneas, la figura no tiene rostro, al igual que las demás figuras que aparecen en el cuadro.  En la parte lateral izquierda de la figura central esta otra figura sin rostro y con un traje blanco que pareciera ser una enfermera.  En la parte superior izquierda esta una figura en una camilla  y cinco figuras con traje blanco que por la posición y el titulo de la obra podemos deducir que le están haciendo una intervención, una cesárea.  En la parte lateral izquierda esta la figura de lo que parece ser un hombre que podría ser Diego y mas abajo del él esta el bebé.  En la parte superior derecha lo que parece ser una mesa y encima unas botellas que podrían estar retratando los medicamentos.   En la parte inferior podemos ver un pie de cama como si significara la vista que tenia Frida al ser intervenida mientras observaba y sentía todo los demás que esta pintado en el cuadro.   Por el titulo de la obra podemos entender que la razón por la cual las figuras no tienen rostros es porque la obra esta inconclusa y no por un elemento simbólico. Es un cuadro plano en cuanto al fondo,  es una mezcla de rojo con azul y es como una forma de unir todos los elementos sueltos del cuadro. En cuanto a la pincelada, es una pincelada pareja.  En cuanto al color tiene tonos piel y blancos que van con el rojo y azul del fondo, creando una armonía cromática en la obra;  por otro lado la saturación de los colores es muy baja.  En cuanto a la luz, esta es difusa no parece haber contraste, ni nos muestra una fuente directa de donde proviene la luz y tampoco esta reflejada.  Por ultimo en cuanto a las proporciones, no hay proporción solo elementos sueltos que por tamaño podemos pensar la jerarquización e importancia del rol que juega en la obra.

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A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó que la dejo incapacitada por mucho tiempo.
En esta foto podemos observar todos los mecanismos, los corset y prótesis que tenia que utilizar. Que ocultaba bajo sus famosos vestidos.

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Título: Fotografía panorámica de la exposición "Las apariencias engañan: Los vestidos de Frida Kahlo"
Fotógrafo: Miguel Tovar

Después de ver esta exposición tuve una mirada distinta a los vestidos de Frida. Siempre los considere un elemento único, autentico e icónico tan propio de ella. Frida no es solo reconocida por sus obras, también por sus estilo y toda su estética. Sin embargo  que estos vestido estaban expuestos bajo el nombre "Nada es lo que parece", mas allá de esta autenticidad había mucho dolor y ella misma reconocía los vestidos como una apariencia. Esto lo podemos ver una obra donde esta se retrata bajo un vestido transparente y debajo podemos ver su columna rota y precisamente esta obra esta bajo el nombre "Las apariencias engañan"

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Me pareció muy interesante que dejara el interior de la casa casi intacto. Aunque  muchos museos exponen de esta manera en cuanto a exhibir los objetos personales, acá se siente realmente íntimo y se puede incluso tener  casi un viaje en el tiempo como si todavía estuviera habitada, entrando a un ambiente muy íntimo.

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Me pareció muy doloroso la forma en que pintaba en esa silla de ruedas después de ver el tema recurrente de sus obras acerca de del accidente que sufrió a los 18 años y todo el dolor, incapacidad  y problemas de salud que este le produjo a lo largo de su vida.

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La casa de Frida llamada La Casa Azul fue el lugar donde Frida Kahlo, nació, vivió toda su vida, donde creo toda sus obras y murió.
El edificio, se construyo en 1904, Hoy en día tiene un edificio de 800 m2 rodeado de una propiedad de 1200 m2. . La construcción sufrió dos modificaciones importantes.

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Nació el  6 de julio de 1907, en Coyoacán, Ciudad de México y murió el 13 de julio de 1954.

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“Pies para qué los quiero,
si tengo alas pa’ volar”

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Ciudad de México

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Relación Monet y Renoir

Me parece muy interesante la relación de Monet y Renoir y como mas de una vez Renoir retratado a Monet en sus obras. Ver la amistad de estos pintores, moviéndose en los mismos círculos, creando un movimiento que seria muy importante e histórico para la historia del arte. Este cuadro me parece muy curioso y llamativo porque aunque no sabemos con exactitud que estaba pintando Monet, es como capturar un momento donde salió una de sus grandes obras pero a través de la obra de otro gran artista.

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No parece Van Gogh
Al ver esta pintura no pensé que fuera de él, Van Gogh tiene un estilo, una paleta y una pincelada muy reconocible. Sin embargo, en esta pintura la cara de la mujer es muy distinta a como el suele pintar rostros y no tiene su pincelada fuerte, corta, dinámica, pesada que tanto lo característica. Sin embargo su paleta lo delata, es algo que si esta presente en el cuadro, el amarillo del fondo combinado con el azul de la silla donde la mujer esta sentada. Si pasara muy rápido por el museo no pensaría que es de Van Gogh, tiene elementos distintos a lo que el pinta.

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Young Girls at the Piano
Pierre- Auguste Renoir
1892

Infancia

Este es un cuadro que siempre ha estado cerca de mi  y no sabia que estaba expuesto en este museo. Es una cuadro que esa en la casa de mis primas donde pasaba mucho tiempo y tengo recuerdos muy lindos de infancia. También la música siempre ha estado muy presente en mi familia, siempre tocábamos juntos y con mis primas íbamos a una escuela de música. Al ver este cuadro me trajo muchos recuerdos de infancia y simbolismo y  que justo estuviera en un lugar donde compartí tanta música. Al ver el cuadro me recorrió una sensación de familiaridad, calidez y felicidad. Siempre he oído decir que la música te acompaña en tu vida y te puede transportar, no sabia que un cuadro podía crear la misma sensación.

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Country Dance
Pierre- Auguste Renoir
1883

Me pareció muy asertivo y bien pensado poner estas dos obras de Renoir una al lado de la otra. Ya que las dos obras tienen una misma temática de dos parejas bailando, son del mismo autor y las dos son alargadas. Me pareció muy bien logrado en términos estéticos y armónicos y exhiben estas dos obras en el centro de la sala en una pared alargado jugando así con el formato de la obra y dándole protagonismo.

Leyendo un poco de las obras, decía que a Renoir le gustaban las escenas de baile y esto  se puede ver ya que tiene varias de ellas.  Me pareció llamativo que estas dos obras fueran diseñadas en pareja y las figuras son casi de tamaño real.

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El edifico tiene una estructura de hierro la cual ayuda a la adaptación museística. Se vació la estructura de la gran nave central de la estación  y dentro de la nave se construyeron salas pensadas en un recorrido lineal. El edificio se divide en tres plantas y esta ordenado de forma cronológica.

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Azul

Me parece muy interesante que las veces que he visto las obras de Van Gogh expuestas siempre han estado sobre un fondo azul.  Ahora que lo miro en detalle la paleta de Van Gogh es muy especifica, distintiva y reconocible.  Aunque cada cuadro es único, si se puede reconocer un patrón en la paleta de colores, el azul claro, azul cerúleo, azul cobalto, verde  vejiga, verde con blanco y un amarillo fuerte un poco quemado. Al ver varias pinturas como la de la foto (abajo) Van Gogh utiliza muchos tipos de azul y verdes entonces se puede entender que el azul combina  de manera armónica muy bien con sus obras y puede se por eso que varios museos elijan una pared azul como fondo para exponer los cuadros. Por otro lado otro color muy característico en Van Gogh también utiliza mucho el amarillo por lo tanto también funciona muy bien el fondo azul creando oposición y contraste.

Hace unos años me leí el libro de las cartas de Van Gogh a su hermano Theo. En sus cartas el escribía con gran pasión sobre sus mezclas elegidas y sus composiciones, en una parte escribía “Sólo el color debe hacerlo todo". Por otra parte me parece muy interesante como sus paleta de colores refleja su estado de animo.

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Claude Monet

Pierre-Auguste Renoir
1875
Descripción Formal:  En la obra Renoir retrata al también pintor Claude Monet.  Monet lleva barba, una chaqueta azul, un sombrero negro, un pincel en la mano derecha y su paleta de mezclar colores en la mano izquierda. Esto nos hace pensar que probablemente Renoir retrato a Monet mientras el también estaba pintando, como lo ha hecho Renoir en otras ocasiones. En cuanto a la composición de la obra Renoir sitúa a Monet en el centro del cuadro y en una postura ladeada con los ojos un poco hacia abajo como si estuviera mirando su cuadro.  En el fondo hay una pared de color verde, una ventana que llega hasta la mitad de la pared y una cortina de azul con verde y alguna flores rojas.  La figura de Monet no es abstracta, no es una simplificación de la figura humana sin embargo tampoco es Naturalista como las figuras de la época del academicismo clásico, pero es claro y podemos reconocer que es Monet.  En cuanto a la pincelada de Renoir es rápida,  y dinámica, en algunas parte esta mas difuminada y en otras esta mas fragmentada.  Se alcanza a visualizar la pincelada en la obra y podemos ver claramente la influencia del impresionismo.  En cuanto a la luz no hay un claro oscuro sin embargo podemos ver ciertas partes que hace la alusión de estar mas iluminadas, como es el caso de la ventana en el fondo y la parte izquierda del rostro de Monet como si precisamente la luz que le entra a Monet y que esta reflejada en su rostro proviene de la ventana.  En cuanto la paleta de color de la obra son predominantes los azules y los verdes con pequeños puntos de  amarillos y rojos en la paleta que Monet tiene en la mano y  en la flores de la cortina del fondo .

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Me parece que el espacio museal es muy armónico, sencillo de recorrer, claro, y organizado. Me parece que la forman como están divididas las salas es muy claro y organizando donde uno como espectador puede entender la linealidad y también la organización por autores.

Lo que me llamo la atención del museo fueron los detalles, todas los cuadros están pensados para la pared, alguno cuadros largos estaban en paredes largas y en algunas paredes los cuadros estaban unos a lado de otros y en otras ocasiones unos encima de otros generando movimiento y dinamismo en las salas, y todos dispuestos de la misma manera.

En 2009 se hizo una renovación del museo, pintando las paredes de la sala de diferentes colores. Este aspecto del museo me gusto mucho pienso que lo colores que eligieron para pintar las paredes en algunos casos rojos, en otros azules están pensando en la obra que va a estar expuesta encima en su paleta y técnica  haciendo que en conjunto se vea muy armoniosa la sala y que la obras resalten mas.

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1.  Obra de la Izquierda
Arearea
Paul Gauguin
1892

2. Obra de la derecha
Et l’or de leur corps
Paul Gaugin
1901

Otro claro ejemplo en mi opinión de que el color de las paredes hace resaltar mas los cuadros  casi como si las obras estuvieran pensadas para ese color de pared. La paleta de color va muy bien, los tonos azules, verdes, amarillos y rosados resaltan mucho con el color azul oscuro de la pared.

Por otra parte también me gusta mucho la obra de Gauguin, Me gusta su paleta, su técnica y sus temáticas de historia locales y antiguas tradiciones.

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El museo de Orsay es un museo dedicado a solo obras de carácter pictórico enfocado en el Siglo XIX y mas concreto del período de 1814 - 1914.   El museo expone y recoge la mayor colección de obras impresionistas del mundo.

Me gusto el concepto de que el museo de Orsay es un puente cronológico en la historia del arte entre los maestros antiguos que están expuestos en el Louvre y el arte moderno y contemporáneo expuesto en el centro de Pompidou.

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El edificio donde esta actualmente el museo de Orsay se edificó entre finales del Siglo XIX y principios del XX. Diseñada por los arquitectos franceses Émile Bénard, Victor Laloux y Lucien Magne durante la Belle Époque de París.

Era una estación y un hotel que duro 39 años activo hasta 1970. El Estado Francés le encargo el proyecto a la Dirección de Museos de Francia a establecer un museo en la estación de ferrocarril de Orsay, de ahí el nombre del museo.

Las obras para acondicionar la estación duraron cinco años, desde 1881 hasta 1886. A finales de 1886 se inauguró el museo.

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París, Francia.

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Autorretrato, Vincent van Gogh, 1887, cartulina, h 42cm × w 34cm × d 8cm

Descripción Formal: En la obra Van Gogh se ubica a si mismo en el medio de la pintura y ocupando todo el cuadro y pinta su mirada mirando hacia el frente dando la sensación de que observa al espectador de la obra.  Es un cuadro plano en cuanto al fondo, no nos muestra nada de lo que hay detrás y es de un solo color. Sin embargo, en cuanto a la pincelada es corta, fuerte, rápida, rítmica y van dirigidas  hacia varias direcciones  creando el dinamismo y movimiento en el fondo,  expresión en la cara y la textura en cuanto a la barba y la ropa. Los tonos que utiliza azules, verdes y cafés, no son tonos fuertes per si son llamativos.  En cuanto a la luz, nos hace ver en que partes de sus rostro está siendo proyectada la luz sin embargo no hay una fuente de luz directa.

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Al hacer el recorrido de esta sala más concretamente, esa pared llamó mucho mi atención. Los colores de los cuadros hablan entre ellos, combinando. La pared también  juega un papel fundamental en esta relación teniendo una conversación  armoniosa y estética con los cuadros  y a la vez los hace resaltar más.  Por otro lado los cuadros  hablan por sí solos hay algo en lo personal que me transmite como si tuvieran algo que contar. Al decir esto, me refiero a esa emoción tan propia de Van Gogh que habla en todas sus pinturas. De alguna u otra forma logran expresar todo lo que sentía, así nunca sepamos con exactitud qué era y este abierto a interpretaciones pero esta ahí, hablándonos de un paisaje tanto exterior como interior.  Alguna vez leí que Van Gogh escribió "Quiero llegar al punto en que la gente diga de mi trabajo: ‘Este hombre siente profundamente’” y es precisamente eso lo que siento que transmite en todas sus pinturas, todo su sentimiento. Al llegar a esta sala algo me capturó, me intrigo  y me hizo sentir, paré y me quedé a ver con detenimiento.

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Espacio Museal- Arquitectura / Abril 20, 2021

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Espacio Museal- Arquitectura / Abril 20, 2021

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En 1885, el Rijksmuseum se trasladó al edifico de hoy en día, diseñado por el arquitecto holandés Petrus JH Cuypers. Este edificio tiene un estilo bastante holandés y fue construido  de estilo neo-gótico con elementos del renacentistas y su material fundamental es piedra caliza.  Todo el interior esta iluminado con luz natural Su gran combinación de estilos y su arquitectura ha logrado unir lo antiguo y lo nuevo sin mucho contraste.

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Amsterdam, Países Bajos

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El Rijksmuseum significa en español: El Museo del Estado. Este museo existe desde hace mas de 200 años y hoy pertenece a la lista de los museos más impresionantes del mundo. Abrió sus puertas por primera vez en el año 1800.  Desde que se fundo ha pasado por varios edificios hasta el año 1885 que se trasladó al edificio en el que esta hoy en día. Durante su existencia, el museo pasó por muchas transformaciones