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Il s’agit d’une peinture qu’appartient au mouvement du surréalisme s’appelé « LE CADRE » mais son nom original en espagnol est « EL MARCO » cette peinture est un portrait de Frida qu’a été réalisée en 1938 par des artisans mexicains a l’Etat d’Oaxaca au Mexique.

Cette peinture c’est l0’nique peinture en relation avec l’artiste mexicaine en France, et se trouve au centre artistique Pompidou.

Frida Kahlo est née au Mexique en 1907, ce tableau est présente lors de sa première exposition personnelle à New York, en 1938, le tableau est acheté par l’état Français en 1939 a l’occasion d’une exposition de l’artiste mexicaine à Paris.

L’autoportrait est peint sur une fine feuille d’aluminium griffée de sorte que son visage s’insère au centre d’un fixe-sous-verre de production artisanale mexicaine, destine à encadrer soit un miroir, soit un portrait photographique, soit une image pieuse.

Le visage de l’artiste apparait dans une percée du décor luxuriant dont l’exubérance chromatique et ornementale renvoie aux accessoires et aux objets précolombiens omniprésent dans l’univers de Frida Kahlo.

Cette peinture provocateurs, audacieux, gigantesque, signe ici la beauté et l’audace de l’artiste mexicaine. Les artisans mexicains ont choisi deux présentations : au centre il y a un authentique autoportrait d’un aplat bleu peint sur une feuille d’aluminium et un fixe-sous- verre c’est-à-dire une peinture au revers d’une plaque de verre.

Aussi il y a une chatoyante composition florale qui encadre le visage. On peut voir le visage d’une Frida renaitre entre passe et présent, infidélités qui peuvent transformer les souffrances de l’artiste dans cette peinture,

Malgré son accidente Frida a cherché quelque manière pour peintre er da fascination « peintre soi-même ».

Ces artistes ont fait un travail excellent en transmettant toute la beauté de cette magnifique artiste mexicaine.

Guadalupe Yadira Montalvo Molina

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Martial Raysse, Made in Japan – La Grande Odalisque

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Martial Raysse, Made in Japan – La Grande Odalisque

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Mayra Esparza
Le portrait de la journaliste Sylvia Von Harden
Ce que Dix veut dépeindre, c'est son ambiguïté, qui a brisé tous les stéréotypes féminins classiques.  Une femme fumant et buvant, avec la chute des médias, avec un aspect masculin puisqu'à Berlin c'était une époque où les hommes ressemblaient à des femmes, et les femmes ressemblaient à des hommes.
On peut voir l'auteur de l'oeuvre pas trop peinte d'éléments, pour ne pas se laisser distraire par notre regard sur la présence de la femme, qui essaie de la présenter telle qu'elle regardait l'époque, la couleur rouge du tableau l'associe à la personnalité  de la femme.  Je pense que ce que l'auteur a l'intention de représenter est la perception exagérée et simplifiée avec peu de détails que l'on a sur une personne ou un groupe de personnes qui partagent certaines caractéristiques, qualités et capacités, qui cherche à justifier ou à rationaliser une certaine conduite par rapport à  certaine catégorie sociale.
Il vise également à représenter les idées ou les croyances enracinées dans la société liées à ce qui est ou devrait être le rôle des hommes et des femmes.  Ils n'ont aucune justification scientifique ou démographique et sont généralement dictés inconsciemment.  Je pense également que c'est quelque chose que nous pouvons apprécier à cette époque où la diversité sexuelle est beaucoup plus libre et où les stéréotypes ont été laissés pour compte.

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Marc Chagal est considéré comme l'un des pères du modernisme puisque ses œuvres sont encadrées dans une gamme de styles modernes, en particulier le surréalisme et le cubisme.

Il a vécu pendant la première et la seconde guerre mondiale, pendant cette période, il a été contraint de fuir aux États-Unis car il était considéré comme une cible nazie, pour son art et pour son origine juive. Quand il a fini, il a pu retourner en France où il a vécu le reste de ses jours.

Ses œuvres sont particulières, elles sont riches en idées insolites et en décors magiques. Je vais parler aujourd'hui d'un portrait spécifique intitulé "Les maries de la Tour Eiffel" Créé au XXème siècle qui représente complètement le tournant que prend l'histoire de la peinture, avec un nouveau profil plus expressionniste.

Cette peinture a été réalisée par Chagal après la Première Guerre mondiale et un peu avant la Seconde Guerre mondiale, quelque chose que l'artiste avait déjà pressenti et grâce à cela il capture certains éléments de son travail comme la couleur rouge qui symbolise le sang sur la chef du coq en représentant de la France.

Avec cette peinture, l'artiste peint sa propre vision du monde qui l'entoure, influencée par son esprit, ses sentiments et son humeur. Nous pouvons le voir dans le monde plein d'amour que son mariage avec Bella représente et comment, sur un plan totalement différent, il aborde la guerre à venir.

Les émotions qu'il parvient à capturer avec ses couleurs intenses et différents éléments qui représentent des situations contradictoires l'ont amené à mériter le nom de "Le plus poète des peintres".

Daniela Cerón Sánchez

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“Les raboteurs de parquet”
Technique: Huile sur toile
Auteur: Gustave Caillebotte, 1875
Style: Impressionnisme
Taille: 102cm × 146,5cm

Il s´agit d´une peinture qu´appartient au mouvement du réalisme, cette peinture est connue comme « Les raboteurs de parquet » réalisé en 1875. Cette peinture est au Musée d´Orsay à Paris. Est une representation du prolétariat urbain. Les impressionnistes voulaient montrer la vie parisienne moderne, qui battait son plein. L´ouvre est inspiré à Caillebottepar la réfection de son parquet.
Cette peinture est comparé aux repasseuses et aux blanchisseuses Degas (Degas est aussi l'observateur attentif au monde du travail, aux ateliers de modistes ou de repasseuses).  L'artiste Caillebotte  a dessiné une à une toutes les parties de son tableau, avant de les reporter au carreau sur la toile.  Le torse nu des raboteurs est celui de héros antiques.

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Muñoz Santos Ana Karen.

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Titre: Le radeau de la méduse

Auteur: Géricault, Theodore (1791-1824)

Chronologie: 1819

Style: Romantisme français

Technique: Oléo

Support: Toile (4,91 x 7,16 m)

Lieu: Musée du Louvre (Paris)

Le radeau de la méduse de Théodore Géricault a été peint en 1819, cette œuvre est une oléo sur toile de 491 cm × 717 cm. Cette œuvre d'art est au musée du Louvre à Paris

Le radeau de la méduse est un travail plein de passion et de force qui représente l'incompétence d'un capitaine qui a laissé 147 personnes de son équipage à la dérive dans un radeau construit à la hâte, des 147 personnes, seulement 15 ont survécu, faisant 132 morts.

L’équipage a été à la dérive pendant 13 jours, au cours de ces 13 jours, il a souffert de la faim, de la déshydratation, de la folie et a même eu recours au meurtre et au cannibalisme.

L’auteur a décidé de capturer cette scène gore avec réalisme, ce qui était très controversé, Dans l’ouvre on peut voir le désespoir des naufragés, la résignation à une mort presque certaine. À mon avis, la personne qui se tient au sommet avec la couverture rouge symbolise l'espoir, en bas c'est la mort, mais ce radeau représente la lumière et la vie des naufragés.

López Torres Alondra Nayeli

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Nuit étoilée sur le Rhône- Vincent Van Gogh

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Nuit étoilée sur le Rhône- Vincent Van Gogh

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Landa Petronilo Janeile Jesed

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La persistance de la mémoire est certainement une œuvre iconique du surréalisme, nous pourrions comparer l’œuvre de Dali avec "La colonne brisée" de Frida Kahlo, mais toute peinture surréaliste n’a pas de comparaison, puisque, aucune de ces œuvres représente la même chose, Dans le surréalisme, il n’y a pas de règles.

Cette œuvre acclamée par de nombreux critiques est pour beaucoup la meilleure, celle-ci a été réalisée en moins de 5 heures, l’expression du temps dans cette œuvre est très marquée par l’auteur, ainsi la représentation de la théorie de la relativité, Comme critiquer la peinture de manière négative quand techniquement il n’y a pas d’erreur dans les rêves ?.

Salvador Dalí:
Dalí naît le 11 mai 1904, à Figueras, dans la région de l'Empordà. Cette région d'Espagne va inspirer Dalí, présente en filigrane tout au long de son œuvre. C'est lors d'une visite sur le port de Cadaqués qu'il découvre la peinture. Il commence à suivre des cours de gravure, et c'est à cette époque qu'il réalise ses premières toiles, en 1922, il part étudier à Madrid et entre à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando.
Salvador Dalí découvre la peinture surréaliste à Paris
Exclu de l'Académie des Beaux-arts de Madrid(Par son mauvais comportement), Salvador Dalí part visiter Paris en 1927. Il y fait la rencontre de Pablo Picasso, qu'il admire et considère comme un modèle, doublé d'un rival. Vivant entre Figueras et Paris, Dalí continue à gagner en maturité artistique. En 1929, grâce à son ami catalan Joan Miró, il rencontre et intègre le cercle des artistes du mouvement surréaliste. Il y fait la connaissance d'André Breton, René Magritte, Paul Éluard et d'autres grands noms de la peinture, Dalí tombe fou amoureux de la femme de Paul Éluard, Gala, en 1930, Dalí et Gala acquièrent une petite maison, en cette période, Salvador Dalí trouve son style personnel surréaliste.

Avec son expérience, Dalí parvient à peindre la persistance de la mémoire en moins de cinq heures, l'œuvre la plus représentative a été peinte avec une grande technique, c'est sans aucun doute un exemple clair du temps, les couleurs nous transmettent la tranquillité et en même temps ils nous font être à l'intérieur du tableau, ce tableau est très expressif et en même temps froid, nous ne devons pas oublier l’inspiration dans le fromage.
Tellez Vergara Claudia Andrea

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Critique du tableau “La chambre à Arles » Par Vincent Van GoghVan gogh a été un artiste très connu par ses œuvres dans lesquelles on peut remarquer l’utilisation « scandaleuse » comme les personnes appelaient à ce nouveau mouvement artistique appelé « Postimpressionnisme » étant donné que avant de cet mouvement les artistes avaient une ordre pour les couleurs dans leurs œuvres.Chambres à Arles fait un peu l’exception de ne pas avoir d’ordre. On va découvrir ensemble ce que l’auteur veut partager avec cette peinture.Chambre à Arles c’est un peinture que l’auteur a peint pendant son séjour à Arles où comme on peut percevoir il n’a pas une chambre luxueuse, fait qu’il même a dit dans une lettre qu’il a envoyé à son frère theo que comme on sait, le frère a été qui a pratiquement soutenu son frère au cours de ses dernières années, vu que l’auteur vivait en pauvretéPremièrement on veut qualifier à l’ateur avec un 10 à son but de transmettre un sentiment avec la réalisation de cette peinture.Le principal sentiment que cette peinture évoque quand on la regarde, c’est un sentiment de chaleur que la chambre nous transmet, un sentiment de paix, tranquillité, il semble même qu’il n’y a pas des bruits dans la chambre, un lieu où vous pouvez profiter d’un peu de solitude, d’y pouvoir réfléchir . Et dans cette même lettre envoyé à theo, Vincent dit qu’il se sent vraiment en calme dans cette chambre, donc le sentiment que l’auteur transmet c’est le même que nous évoque quand on observe l’œuvre.On va voir les couleurs.Dans cette partie on croit que la qualification donné est 9. Contrairement aux autres œuvres de l’auteur, dans chambre à Arles, on peut pas voir l’utilisation étonnante des couleurs, ce mélange de couleurs qu’on aperçoit, par exemple sur  peintures comme la nuit étoilée, un de ses tableaux le plus connu ou comme on aperçoit sur champ de blé aux corbeaux. Ici sur chambre à Arles dans un premier regard on dirait que c’est une peinture très simple, on dirait même que c’est le dessin d’un enfant, mais qu’on on mate encore une fois et plus attentivement on peut contempler l’utilisation impressionnante de détails sur tout le tableau , c’est vrai que dans les peintures qu’on a dit avant, il existe une utilisation plus complexe par Vincent. En champ de blé aux corbeaux Van gogh utilise de couleurs vives comment le fait en chambre à Arles, contrairement en la nuit étoilée, l’auteur utilises plus de couleurs froids, cependant le sentiment que cette peinture évoque est magnifique et de jois, pas de tristesse. Beaucoup de fois les couleurs froids évoquent sentiment négatif comme tristesse, mélancolie, nostalgie, désespoir, etc.Pour cette raison on donne une 9 à l’artiste, parce qu’on remarque l’absence d’un mélange comme on a remarqué sur autres tableaux. Comme on sait Van gogh a vécu en pauvreté et ouf ses derniers jours, et après de ca morte, les tableaux d l’artiste ont gagné la reconnaissance qu’ils méritaient. Mais grâce à ses travaux comme d’autres artistes on peut adorer et remarquer les extraordinaires choses qu’on comme d’êtres humains peut faire, simplement avec un peu de talent et persistance. 

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Critique du tableau “La chambre à Arles » Par Vincent Van GoghVan gogh a été un artiste très connu par ses œuvres dans lesquelles on peut remarquer l’utilisation « scandaleuse » comme les personnes appelaient à ce nouveau mouvement artistique appelé « Postimpressionnisme » étant donné que avant de cet mouvement les artistes avaient une ordre pour les couleurs dans leurs œuvres.Chambres à Arles fait un peu l’exception de ne pas avoir d’ordre. On va découvrir ensemble ce que l’auteur veut partager avec cette peinture.Chambre à Arles c’est un peinture que l’auteur a peint pendant son séjour à Arles où comme on peut percevoir il n’a pas une chambre luxueuse, fait qu’il même a dit dans une lettre qu’il a envoyé à son frère theo que comme on sait, le frère a été qui a pratiquement soutenu son frère au cours de ses dernières années, vu que l’auteur vivait en pauvretéPremièrement on veut qualifier à l’ateur avec un 10 à son but de transmettre un sentiment avec la réalisation de cette peinture.Le principal sentiment que cette peinture évoque quand on la regarde, c’est un sentiment de chaleur que la chambre nous transmet, un sentiment de paix, tranquillité, il semble même qu’il n’y a pas des bruits dans la chambre, un lieu où vous pouvez profiter d’un peu de solitude, d’y pouvoir réfléchir . Et dans cette même lettre envoyé à theo, Vincent dit qu’il se sent vraiment en calme dans cette chambre, donc le sentiment que l’auteur transmet c’est le même que nous évoque quand on observe l’œuvre.On va voir les couleurs.Dans cette partie on croit que la qualification donné est 9. Contrairement aux autres œuvres de l’auteur, dans chambre à Arles, on peut pas voir l’utilisation étonnante des couleurs, ce mélange de couleurs qu’on aperçoit, par exemple sur  peintures comme la nuit étoilée, un de ses tableaux le plus connu ou comme on aperçoit sur champ de blé aux corbeaux. Ici sur chambre à Arles dans un premier regard on dirait que c’est une peinture très simple, on dirait même que c’est le dessin d’un enfant, mais qu’on on mate encore une fois et plus attentivement on peut contempler l’utilisation impressionnante de détails sur tout le tableau , c’est vrai que dans les peintures qu’on a dit avant, il existe une utilisation plus complexe par Vincent. En champ de blé aux corbeaux Van gogh utilise de couleurs vives comment le fait en chambre à Arles, contrairement en la nuit étoilée, l’auteur utilises plus de couleurs froids, cependant le sentiment que cette peinture évoque est magnifique et de jois, pas de tristesse. Beaucoup de fois les couleurs froids évoquent sentiment négatif comme tristesse, mélancolie, nostalgie, désespoir, etc.Pour cette raison on donne une 9 à l’artiste, parce qu’on remarque l’absence d’un mélange comme on a remarqué sur autres tableaux. Comme on sait Van gogh a vécu en pauvreté et ouf ses derniers jours, et après de ca morte, les tableaux d l’artiste ont gagné la reconnaissance qu’ils méritaient. Mais grâce à ses travaux comme d’autres artistes on peut adorer et remarquer les extraordinaires choses qu’on comme d’êtres humains peut faire, simplement avec un peu de talent et persistance. 

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GARCIA PONCE ERNESTO

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Vega Bustamante Janet Alejandra

Bal du moulin de la galette de Pierre August Renoir

Comme on a déjà vu Pierre August Renoir, a été un artiste iconique et très important pour la culture française.

De la même manière que Monet, van Gogh ou Caillebotte aussi artiste français, le style de Renoir est l’impressionnisme.

Les artiste d’avant critiquaient beaucoup l’impressionnisme que ce mouvement commençait à gagner beaucoup de reconnaissance par autres artiste, étant donné que sur l’impressionnisme parait ne pas avoir une symétrie dans leurs peintures. Il parait qu’il n’y a pas d’ordre dans les couleurs que les impressionnistes utilisent.

Mais après d’un temps ce désordre parait que c’est l’âme des peintures impressionnistes, et c’est le plus attirant ce mélange de couleurs sans aucune symétrie, qui transforme l'impressionnisme en œuvres bien connues.
Les couleurs bien utilisé et mélangés par Renoir ici, nous donne un sentiment admirable, si on fait attention aux couleurs, on peut voir comme les artiste d’avant disaient il n’y a pas d’ordre mais, ce désordre c’est la belle partie du tableau.  On peut voir beaucoup de combinaison de couleurs ici qui font une peinture avec beaucoup de détails que Renoir a mis ici pour faire cette peinture.

Un point   aussi que mérite de le voir c’est en haut où se trouvent les arbres le mélange que Renoir fait ici, les vert, le blanc et même une nuance bleu est remarqué ici.

Renoir a été un du premier artiste que commençaient avec l’impressionnisme et je qualifié avec 5 étoiles ces travaux.

Par exemple dans sa peinture Lise à l’ombrelle On peut voir des couleurs plus vives, on peut évoquer des sentiments comment la joie, l’admiration, la paix. Mais ici même si l’auteur utilise couleurs froids telles comme le noire, vert et bleu obscure le sentiment est positif et en plus avec l’histoire qu’il y a au fond de ce tableau, qu’il était un lieu où les français allaient pour y danser et manger des galettes, en somme à l’histoire on peut sentir des sentiments positifs.

Alors comme j’ai déjà dit Renoir c’est un artiste que mérite être bien connu et bien exploré, grâce à son talent et aux peintures qu’il a donné à la culture française.

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L'École d'Athènes est une fresque du peintre italien Raphaël (il a signé dans le cou d'un des personnages, Euclide). Réalisée entre 1509 et 1512, elle possède des dimensions impressionnantes : 770 sur 440 cm, dont une partie arrondie de 770 sur 250 cm. Elle est exposée dans la chambre de la Signature des musées du Vatican. Les couleurs dominantes sont l'ocre, le beige et le pastel. L'orange et le bleu sont complémentaires dans cette peinture. L'utilisation de la lumière et de l'ombre est , à l'époque, une particularité.

Place dans la chambre de la Signature

La Stanza était l'endroit, au début du siècle, où le pape signait ses brèves et ses bulles d'où le nom de «Chambre de la Signature». Puis, toujours dans les premières années du siècle, était, selon Cuzin et de nombreux historiens de l'art, la bibliothèque privée du pape. D'ailleurs, la construction et la distribution de la chambre s'inscrivent idéalement dans la tradition des bibliothèques de l'époque. La tradition voulait que sur chaque mur de la pièce soient représentées les idées platoniciennes. L'ambition de Raphaël était de composer une vaste synthèse sur l'idéologie antique et profane, et la pensée chrétienne de la Renaissance. L'École d'Athènes, qui symbolise la philosophie et la recherche du Vrai, est en opposition avec la fresque La Dispute du Saint-Sacrement, elle aussi peinte par Raphaël et qui représente la victoire de la théologie sur la pensée antique. Le troisième mur est consacré à la Justice alors que la dernière paroi symbolise la poésie.

Jules II se pensait en effet investi des missions temporelles et spirituelles et il voulait ainsi célébrer l'accord entre la Foi et la Raison, ou alors la victoire de la première sur la seconde.

Cette illustration de la Philosophie autorise Raphaël de rassembler les figures majeures de la pensée antique à l'intérieur d'un temple parfait, inspiré du projet de Bramante pour la réalisation de la basilique paléochrétienne de Saint-Pierre à Rome. Il les incarne par les illustres artistes de son temps (et de lui-même) faisant ainsi de la Rome moderne l'équivalent de la Grèce antique.

La peinture compte cinquante-huit personnages qui se regroupent aux premier et deuxième plans. On peut diviser cette fresque en cinq grandes parties : trois niveaux horizontaux et deux verticaux.

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« Minotaure assis avec un poignard » par Pablo Picasso.

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« Minotaure assis avec un poignard » par Pablo Picasso.

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Galicia Contreras Areli Gabriela

Il s'agit d'une œuvre d'art, réalisée par le peintre Pablo Picaso

J´ai choisi cette œuvre d´art parce qu´il vient du courant surréaliste et c'est un courant qui me semble très intéressant car il reflète les idées inconscientes et irrationnelles des artistes et que chacun a son propre style.

Tout d´abord, l'inspiration de Picasso pour commencer à peindre un minotaure est venue de quand quand il était jeune et il assistait aux courses de taureaux en compagnie de son père à Malaga en Espagne.

Installé par la suite dans le sud de la France, Picasso alla souvent en Arles voir toréer Luis Miguel Dominguin dont il appréciait la compagnie comme celle de son épouse : l’actrice italienne Lucia Bosé.
Puis, Picasso continue à communiquer en France et dans son œuvre avec un fond ancestral : la tauromachie.

Vers l’Age de neuf ans déjà il exécute une peinture intitulée « le picador ». Picasso dira d’ailleurs un jour à Dominguin que s’il n’avait pas été peintre il aurait aimé être picador.

Entre 1933 et 1936, Picasso associe le minotaure à des orgies et des bacchanales dans nombre de ses œuvres. La tauromachie évoque la fête et la transgression. Ainsi une eau forte est intitulée : « Minotaure une coupe à la main et jeune femme ». La coupe c’est le calice, le vin associé à l’eucharistie.

En résumé et pour terminer Picasso fait ressortir les mythes archaïques et sombres de la Grêce antique.
Le thème du minotaure c’est la naissance de l’homme à partir de l’animalité. Il existe pour Bataille un lien profond entre les deux.

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L´affiche rouge.

Delgado Gutierrez Deborah Alexandra 8L.

Le document existe sous forme d'affiche et de tract. Il y a donc différentes dimensions. Is se trouve dans le musée de l´armée à Paris et a été créé par les services de propagande allemands en France, pendant l´occupation nazie.

L´image est organisée en trois parties. Le haut, le centre et le bas de l´affiche. On trouve dans le haut la question : « Des libérateurs ? » et sa réponse dans le bas : « La libération ! Par l´armée du crime » ça montre explicitement le message que veulent faire passer ses auteurs.

A le centre haut nous trouvons dans un triangle rouge figurent la photo, le nom, l´origine et les actions menées par dix résistants du groupe Manouchian.

A le centre bas il y a six photos (attentats, armes ou destructions) représentent enfin la menace qu´ils constituent à travers certains des attentats qui leur sont reprochés.

Cette affiche placardée dans Paris et dans certaines grandes villes françaises le 22 février 1944 a raison d´évoque l´exécution de 23 membres du réseau Manouchian supposés terroristes.

Nous comprenons que l´affiche entend d´abord présenter les membres du réseau comme de dangereux terroristes. La couleur rouge, dominante, évoque leur appartenance politique mais aussi le sang qu´ils ont versé. La présentation de photos évoque une iconographie criminelle.

Je suis sûre que cet affiche provoque de la tristesse, rend nostalgique en particulier aux Français parce que alors que les actes de résistance se multiplient, les autorités allemandes entendent ainsi persuader les citoyens du danger que ces hommes font courir au pays. Loin de libérer la France, ils menacent au contraire de la livrer au chaos et aux puissances néfastes venues de l´extérieur.

C´est pourquoi il est nécessaire de connaitre notre histoire pour ne pas répéter les mêmes erreurs.

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"Portrait de la journaliste Sylvia Von Harden" - Otto Dix 1926

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"Portrait de la journaliste Sylvia Von Harden" - Otto Dix 1926

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Fernanda Flores García