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Se usaba la sangre de animales o frutos secos.

Pintaban con las manos.

Representaban imágenes de cacería, y a veces dejaban marcas de sus manos.

Lo más común eran imágenes de luchas, danzas y escenas relacionadas con la ganadería y agricultura.

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Hombre yace frente a un bisonte. Cueva de Lascaux, Périgord, Francia.

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Los temas mas importantes eran los animales.

A veces hombres de rasgos grotescos y órganos sexuales muy detallados.

En algunas ocaciones, Se les añaden rasgos de animales.

La figura femenina es mucho más abundante, las llamadas Venus paleolíticas, mujeres desnudas, con atributos sexuales muy marcados.

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Venus de Lespugue.

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Pintura rupestre, similar al paleolítico, con movimiento representa escenas en el  exterior  de acantilados y rocas.

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Estilo esquemático , figura humana simple  y un solo color, representación de danzas rituales, caza.

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La figura humana estaba regulada por unas estrictas proporciones donde se tienen a la mano y al brazo como módulo de las demás medidas.

Estos aplicaban la ley de la torsión o frontalidad, es decir la cabeza, brazos y piernas de perfil; ojos, hombros, vientre y pies de frente.

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Es una imagen del altar en el Museo Egipcio de El Cairo que representa al faraón Akhenaton, su reina Nefertiti y sus tres hijos.

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REPRESENTABA  DIOSES FIGURAS  DESPROPORCIONADAS.

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Panel de la guerra del Estandarte de Ur, c. 2900 a. C.

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Panel de la guerra del Estandarte de Ur, c. 2900 a. C.

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Los griegos pintaban figuras imperfectas pero que aun así mostraban expresión y vida.

La figura humana pintada se caracterizaba por ser simple y estilizada.

En cambio las esculturas eran sumamente detalladas logrando alcanzar la perfección del ser humano.

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Aquiles y Ayax jugando a los dados

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En esta época el arte era mayoritariamente de carácter religioso.

En el siglo XV la figura humana se hace más naturalista y los rostros se convierten en auténticos retratos.

Las características de las obras en esta época se pueden apreciar en vírgenes, ángeles, santos, reyes, profetas, etc.

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La geometría, vitral del medallón del rosetón del transepto norte de la Catedral de Laon; comienzos del siglo XIII.

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En este momento la belleza es la armonía de partes, pero también es brillo, se gozaba de la objetividad y de la naturaleza espiritual.

Se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revelaba los grandes conflictos del alma.

La figura fue pintada o esculpida con tanta perfección que difícilmente se puede ver un desperfecto.

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En las representaciones se buscaba capturar el momento de mayor dramatismo.

Dentro de la figura humana barroquista el artista muestra un gran sentido de movimiento, energía y tensión.

Una intensa espiritualidad se mostraba con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.

Las principales características eran: Movimiento, teatralidad, claroscuro y patetismo.

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Cena en Emaús, pintado en 1601 por Caravaggio.

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En el romanticismo el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas.

La figura en el estilo del romanticismo contiene líneas suaves y onduladas haciendo así la pintura un poco con más sentimiento.

Existía una libertad de expresión.

La figura humana en este movimiento es transmitida en el pasado medieval, en la historia nacional y en culturas del lado oriente.

Era importante lo que el artista quería expresar.

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Los movimientos de vanguardias de fines del siglo XIX y principios del XX, llevan nombres como cubismo, dadaísmo, surrealismo, pop art, etc.

La figura humana se representa con figuras muy geométricas.

La figura humana es totalmente abstracta y queda a la imaginación de quien ve la obra.

La figura humana puede llegar a ser un elemento de atención en las obras pero con cierta simbología.

Usaba la figura humana como personajes populares para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad.