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Esta historia combina vivencias personales con situaciones que pueden verse en personas de esta generación. Tiene que ver con la estabilidad, las situaciones empleo que implican mudarse constantemente, así como las problemáticas de vivienda que implican tener que alquilar y buscar constantemente lugar donde vivir. Además, la situación actual donde adquirir una casa se hace cada vez más difícil. También tiene que ver con la búsqueda de uno mismo y atender al pasado, por más dolorosa que sea.

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Este primer capítulo muestra la línea teórica que plantea la obra. Puede decirse que es un posicionamiento crítico en contra de la visión "hollywoodcentrista" de esta historia. Sobre esto, rescato la contundente alusión que hace el autor al considerar clásicas a las películas de esta industria. Entrando en materia, es interesante la forma en que se van agregando poco a poco más elementos que vuelven complejo el relato de manera paulatina, y permiten visualizar al cine como un arte que se desarrolló a partir de decisiones innovadoras que son retomadas y mejoradas por otros realizadores.

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Este capítulo aborda movimientos de los años 20 del siglo XX, aunque también involucra obras de la década anterior y posterior. Cousins llama a este periodo la edad dorada del cine. Se ve caracterizada por una fuerte experimentación, con lo cual hace un repaso por lo que él define como 8 propuestas que se alejan de lo que se venía haciendo en Hollywood. Este episodio genera un gran valor para el lector, ya que dedica un espacio grande a revisar con detalle una serie de creaciones que muestran cómo desde los primeros años del cine, este fue utilizado con maestría artística por diversas personas. También permite ir comprendiendo los procesos que llevaron a una consolidación del esquema hollywoodense por sobre el cine del mundo, pero también enseña cómo muchos de estos autores influyeron en los directores del cine estadounidense industrial. Como el primer capítulo, este es muy rico en información, tanta que hace necesario varios repasos para poder asimilar todo lo que brinda.

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Este capítulo se enmarca en el descubrimiento del sonido. Es interesante cómo el cine evoluciona no solo a nivel de nuevas estrategias de los creadores, sino también de cambios profundos a nivel tecnológico que lo impactan de manera definitiva introduciendo categorías que se vuelven indispensables. Esto provocó la incorporación del sonido, como lo haría posteriormente el color. De acuerdo con lo presentado, este avance permite el desarrollo de los géneros cinematográficos, algunos de los cuales ya se venían trabajando. Pero también le permiten a autores europeos y asiáticos continuar con su experimentación y cine inclasificable. Además, muestra el surgimiento de uno de los más grandes cineastas, que combina, si se quiere, ambas tradiciones y es Hitchcock. Cousins sigue despertando el interés por conocer mejor las genialidades que se han realizado en otros lados del planeta.

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En esta ocasión se muestra cómo lo que pasa en el mundo afecta al cine, como ocurrió con los desastres de la guerra. El arte ha sido siempre una respuesta del ser humano al dolor y con esta forma reciente de arte, no se da una excepción. Por ejemplo, con el surgimiento del cine negro o el neorrealismo italiano. Orson Wells es una figura de mucha relevancia para llevar al cine estadounidense una serie de elementos que mejoraran su calidad, tomados de referentes europeos, como el expresionismo, o del cine japonés, como la profundidad de campo de Mizoguchi.

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Se abordan los años 60, con una renovación surgida del seno de Europa occidental, donde aparece lo que se podría llamar el cine de autor, es decir, la obra como una muestra íntima del creador, algunas podrían decirse biográficas, donde se presentan las inquietudes personales de los directores sobre la vida, dios, la infancia. Además, empiezan a aparecer directores que estudian el cine desde el punto de vista académico, intelectual, y producen siguiendo estas inquietudes. Estos son los representantes de la Nouvelle Vague. Además, en Italia aparecerá una serie de directores que serán trascendentes para el desarrollo del cine. El que más impacto tendrá en el cine estadounidense será Sergio Leone. En otros países como España y Grecia, los autores seguirán estas visiones íntimas, que ven el cine como producto intelectual.

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Este capítulo vuelve al viaje a través del mundo. Películas que innovan y se crean para responder a las realidades de Europa del Este, a tal punto que son polémicas y censuradas, en Polonia, Hungría, Checoslovaquia, la URSS. Es un cine poético, con largos planos, donde predominan las imágenes potentes. Esto hace que sea un cine difícil de digerir para muchos.

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Vuelve a concentrarse en el cine estadounidense. Aquí se ve la influencia del cine de autor europeo. Se revisan tres géneros. La sátira, donde se presenta la sociedad al revés que se vive en ese momento, sobre todo a partir de la locura que representa la guerra. Aquí se ven nombres como Altman, Nichols, Milos Foreman. Otros creadores se dedicarían a las obras disidentes con relación a la forma de hacer cine en EEUU, sobre todo en contra de los grandes géneros, como el western. Aquí se ubican Hopper, Coppola y Socorsese. Otros autores optarían por adaptarse a las formas holywoodenses, pero creando piezas importantes a partir de esto. Este periodo es fundamental para el cine que se hace en la actualidad, ya que permite que se siga produciendo con calidad a pesar de todo el cine fácil que se empezó a generar en masa para esta época y subsiguientes.

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Explora el último cine con celuloide en los años 90. Es un cine que trabaja el realismo, pero lo hace de una manera muy distinta a como se ha venido haciendo hasta ahora. Puede verse el ejemplo del cine iraní, donde se trabaja desde una metarrealidad, en la cual se combina el documental con la ficción, a través de la reconstrucción que involucra tanto a personajes que participaron en los eventos como actores para representarlos. También está en esta línea el cine de horror japonés, que tendrá un impacto muy grande en el género a través del mundo. El cine hongkonés también verá un repunte, luego de la comercialización extrema en la que había caído. Todos estos cines plasman distintas formas de ver la realidad. Es interesante recalcar cómo el paso de lo análogo a lo digital supuso esos cambios que si bien son técnicos, impactan directamente en la forma de hacer cine, desde el punto de vista artístico. Lo mismo ocurrió con la introducción del sonido y la colorización.

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Este capítulo se centra en el cine digital así como en la transición que se dio para los mismos años 90, solo que enfocado en Estados Unidos. Este es el momento en que el cine lleva sus posibilidades al infinito, ya que a través de la computadora puede crearse cualquier escenario, cualquier elemento, sin necesidad de filmarlo directamente. Incluso, se crean películas completamente en forma digital. Los grandes directores que aparecen en esta época, Tarantino, Hermanos Cohen, recurren mucho al pasado, citan películas clásicas como fundamentales de otras latitudes.

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En este video se profundiza en el momento de creación del cine y los primeros autores encargados de realizaron hitos. Se rescata la idea del autor de que desde el fundamento del cine, comenzaron a surgir los primeros géneros cinematográficos. Este recorrido hace más énfasis en los personajes que en los aspectos técnicos. De esta manera, permite completar el esquema que brinda "Historia del cine: Una odisea".

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Este es uno de los movimientos que más ha impactado la historia del cine, principalmente a nivel estético. Una serie de autores alemanes, que se desarrollaron sobre todo en el cine de terror, a través de la narración de historias clásicas del siglo XIX, como otras más tradicionales de la cultura nórdica medieval, así como relatos más actuales de ciencia ficción, en el caso de Metrópolis. Marcaron una forma de construir escenografía, de hacer uso de las sombras y manejar el suspenso. Algunos de sus representantes terminaron trabajando en Hollywood y su influencia en el cine de la época dorada estadounidense es ineludible. También influyeron directamente en el género de terror.

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Corresponde a la disposición de elementos en una escena. Incluye al escenario, la iluminación y que permite dar al espectador un contexto geográfico, temporal, psicológico, entre otros. En "The Sting", la ambientación y el vestuario buscan dar la impresión que se está en la primera mitad del siglo XX, aunque la película es de los 70.

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The Sting, George Roy Hill, 1973

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Son los encargados de mover la historia, existen distintos tipos. El video propone una clasificación en función de su papel en la narración. En la película "No Country For Old Man", el personaje de Chigurh, interpretado por Javier Bardem, es terrorífico por su vestimenta negra, su rostro pálido, un peinado risible y un halo de misterio que lo envuelve; pero sobre todo, da terror su sadismo con quien se mete en su camino.

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No Country for Old Man, Joel & Ethan Cohen, 2007.

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Es un recurso cinematográfico que consiste en no mostrar algún evento con distintas finalidades. La más común es omitir todas los sucesos que llevarían de un punto temporal a otro, en la vida real. Pero también para generar suspenso, ocultar información al espectador, o porque es posible manejarlo en la trama sin mostrarlo. En The Graduate, se hace un juego de este tipo, y se observa cuando el protagonista se lanza sobre el flotador en la piscina y aparece sobre su amante, pero al mirar de nuevo, vuelve a la piscina. Aquí se representa como es su vida diaria sin necesidad de mostrar cada uno de los días que pasa.

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The Graduate, Mike Nichols, 1967

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Los planos se corresponden con los encuadres, es decir, son los que guían la mirada del gran espacio que ocupa al mundo de la filmación, en lo que la misma película nos deja ver. Existen de varios tipos, según lo que se desee mostrar. En Blue Velvet, un plano detalle muestra la icónica toma de la oreja sobre el pasto.

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El color es otro avance técnico del cine, así como el sonido, con capacidad para afectar la forma en que el mismo cine se hacía. Si bien se piensa en color policromático, en el cine a blanco y negro también aplican se debe hacer manejo del color, por ejemplo a través de la escala de grises. Existe una psicología asociada al color que permite comunicar distintos mensajes a partir del que se utilice. En la película Her, el color rojo es el color predominante y queda perfecto para una película que trata del amor en muy diversas formas, que acaban todas en dolor.

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Her, Spike Jonze, 2013

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Un elemento que transformó el cine, sobre todo en cuanto a la incorporación de la voz y el diálogo. Los efectos de sonido son un recurso creativo fundamental y la música, también puede ser  trascendente si se utiliza bien, con propósito. Un ejemplo del uso del sonido, es la película Roma, basta ver su imagen inicial para entender todo lo que se puede contar con una imagen fija y sonidos que se perciben alrededor, hasta llegar a intervenir el recuadro.

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Roma - Opening Credits | The Cinematic Scenes 014

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Roma, Alfonso Cuarón, 2018.

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El ritmo marca la velocidad e intensidad con la que se percibe la película. Para manipularlo, se pueden usar los cortes, el sonido, el diálogo, la narración, y otros efectos. En Old Boy, la escena de la pelea en el pasillo hace un juego con el ritmo, parece inicialmente rápido, y posteriormente se detiene, avanza y retrocede, transmitiendo en cierto punto la sensación de cansancio del protagonista, por una luca que no parece acabar.

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Old Boy, Park Chan-wook, 2003.

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Tesis, Alejandro Amenábar, 1996.

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El fuera de campo permite realizar acciones sin que aparezcan en el encuadre, pero que se sugieran por el sonido o por lo que ocurre. También son parte del fuera de campo, situaciones que no se observan pero que son parte fundamental de la narración. Este recurso se puede apreciar en la película Tesis, cuando los protagonistas ven la primera cinta de snuff. Solo se escuchan los sonidos y se ven las reacciones, sin que sea necesario que el espectador observe la violencia que ocurre en pantalla, con lo que los creadores se ahorran recursos y evitan llevar la película a un punto que pueda considerarse censurable.

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Otro recurso propio del cine, que recurre propiamente al aparato que lo crea, la cámara. Es un elemento técnico que sirve para distintas finalidades de la narración. En el caso de Soy Cuba, es muestra el funeral de uno de los estudiantes revolucionarios, comenzando por su rostro, para luego ver una calle vacía y seguir con todo el desfile, que es seguido por los techos de las casas. Se utiliza aquí el zoom out, el travelling y el tilt.

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Soy Cuba, Mijaíl Kalatózov, 1964.

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Recurso propio del cine que permite mostrar lo que sucede de forma simultanea en un lugar y en otro. En Minority Report, se utiliza el lenguaje paralelo para mostrar cómo funciona el sistema para detectar los homicidios que se van a generar. Mientras se da la explicación, el protagonista atiende un caso en donde predice lo que va a ocurrir. Luego se aprecia el operativo mientras el esposo celoso se dirige a acabar con su esposa y el amante.

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El video narra el comienzo de la industria cinematográfica estadounidense como se le conoce al día de hoy. Resulta interesante ver que los disidentes de una época terminaron marcando la hegemonía posterior. Sin lugar a dudas, Edison tuvo un papel importantísimo en el desarrollo del cine, no solo por sus inventos, sino por la influencia que generó su batalla legal a partir de las patentes para explotar su producto. También se debe rescatar el papel de los migrantes, quienes se encargaron de levantar a Hollywood y que después contribuirán con distintas innovaciones y grandes obras cinematográficas.

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Minority Report, Steven Spielberg, 2002.

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Luis: Hombre joven que ha vivido en muchas casas, sobre todo en su infancia. Tiene una obsesión con ir a todas para ver qué le despiertan.
María: Pareja de Luis, se preocupa por el estado de ánimo que tiene después de visitar las casas y lo insta a dejar de hacerlo.
Casas: Son espacios que interactúan con Luis, lo hacen sentir nostálgico, cómodo, reflexivo, según el caso.

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Ficción.

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Drama sobre la vida propia.

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Sonido: Voces. Voz de los personajes y voz en off. Música: Música instrumental. Sonidos: Sonidos de algunos objetos para dar mayor énfasis.
Color: Tonos rojizos, naranjas y amarillos, para dar sensación de choque con la realidad.
Iluminación: Luz natural tanto en exteriores como interiores.

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Esta es la época donde se consolidan los grandes géneros que marcarán el cine estadounidense. Principalmente se destacan el cine negro y los westerns. El cine negro es la evolución de otras formas que venían dándose con anterioridad, como el cine de gánsters. Además, tiene una profunda influencia del expresionismo alemán. Es un cine profundo, que trata problemas complejos de la individualidad. También consolidó avances cinematográficos que se habían asomado en el cine europeo y asiático. Ciudadano Kane es la película más representativa en este sentido. Los Westerns marcarán el cine estadounidense por excelencia, y su impacto se siente hasta el día de hoy. Directores como Tarantino afirman que siguen haciendo westerns.

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Es una de las corrientes que nace a partir de la II Guerra Mundial, para oponerse al cine propagandístico que fomentaba el gobierno de Mussolini. Se interesa por mostrar la forma en que vive la gente común, es decir, la mayoría de la población en Italia. Tiene tintes de cine documental. Además, acude a recursos oníricos, poéticos y fantásticos en algunos casos, por lo que no se trata de una mera realidad sino que existen elementos artísticos en ella. Es una de las corrientes que más ha influenciado el cine posterior en todo el mundo.

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Movimiento producido en Francia, ante una apatía en contra del cine que se venía haciendo. Sus directores son pensadores del cine, cinéfilos, que se desarrollaban mediante la crítica en Cahiers du cinèma. Constituye el fortalecimiento de una visión académica del cine y el cine de autor. Fue un movimiento determinante en el cine independiente de gran calidad.

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Esta es la época de reinicio de de esta industria como meca del cine. Influenciado por las corrientes europeas que proponían un cine de autor, surgió una generación dispuesta a hacer verdaderas obras de arte dentro del mundo industrializado. Los grandes directores que surgen en esta época marcarán el resto del cine, no solo por las películas de culto que salieron, sino por los nombres, donde quiza el Scorsese sea el que más transcendió, creando obras maestras en cada década que siguió.

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Es un cine rodado con independencia de grandes estudios. En los 90 aparecieron grandes directores independientes, algunos de los cuales terminaron asociándose con grandes estudios. Son fundamentales en esta época el Festival de Sundance y la productora Miramax. Son películas que abordan temas como violencia, sexo, y muerte. Poco a poco incluyó producciones más grandes y con actores famosos. Así, los grandes estudios comenzaron a tener incluso subsidiarias dedicadas a las producciones "independientes". Este cine dio fuerza al cine independiente actual que compite con las grandes producciones, a las que supera en términos de calidad.

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El nuevo cine hollywoodense no solo potenció el cine como arte, también lo hizo como industria. Es el comienzo de grandes producciones taquilleras de la actualidad, aunque por ser populares no tuvieron menos calidad. Se dio un retorno a los géneros, como el terror, la comedia, la ciencia ficción, los grow up films, la acción. Cada uno de estos géneros estrenará éxitos que van a definir la mayoría del cine que se siguió haciendo, hasta la actualidad. Podría decirse que se sigue haciendo ese cine como cine comercial.

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The Piano, Jane Campion, 1993. Mad Max: Fury Road, George Miller, 2015.

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The Piano, Jane Campion, 1993. Mad Max: Fury Road, George Miller, 2015.