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Década del 70 en Francia. Influenciado por los avances técnicos, científicos y culturales, este movimiento renovó los procedimientos de la pintura y la visión del mundo exterior. Da gran protagonismo a la luz y el color, con un menor uso del negro y reivindica el plenairismo, buscando plasmar la variación cromática y formal de acuerdo a la luz en la impresión visual. Su principal tema es la representación de la vida moderna, en contra del realismo. En escultura, pretende aproximaciones reales de la naturaleza, como el erotismo. Exponentes: Claude Monet, Auguste Rodin,Edgar Degas, Edouard Manet, entre otros.

Del impresionismo derivan el Puntillismo  y el Postimpresionismo.

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1884 en Francia. Busca representar la variación luminosa mediante la yuxtaposición de puntos de colores puros de tamaño similar que la óptica integra a la distancia. Emplea principalmente paletas sintéticas de colores primarios y algunos secundarios.

Representantes: George Seurat, Paul Signac.

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Años ´80-’90 en Francia. Buscaban una representación subjetiva de la realidad. Entre sus principales características se encuentran el uso de colores vivos y pinceladas marcadas. Alcanzó también a la escultura.

Exponentes: Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Henri de Toulouse- Lautrec.

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1880 en Francia. Abarca también a la literatura. Su premisa es representar la realidad intangible, alejada del industrialismo de la época y más cercana a la espiritualidad, a través de alusiones y símbolos. Rompe con el academicismo y busca imponer un nuevo lenguaje para la representación de sueños y fantasía mediante paletas luminosas de colores vivos y pinceladas sueltas.  Exponentes: Gustave Moreau, Puvis de Chavannes, Paul Gauguin.

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1890 en Europa y América (difiere en nombre según región). Reacción al academicismo. Involucra la pintura, escultura, arquitectura y a las artes decorativas y se vincula al diseño y al Arts & Crafts. Tiene influencias del japonismo. Su principal tema es la imagen femenina y la naturaleza. En su vertiente arquitectónica es un estilo típicamente urbano ornamentado y refinado, con implementación de nuevos materiales. Representantes: Alphonse Mucha,  Henri de Toulouse- Lautrec, Eugene Grasset, Jules Chéret, Otto Wagner.

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1904 en Francia. De la palabra “fauve” (fiera) que alude a cierto salvajismo. Reacción contra el racionalismo. Uso de la simplificación de formas y el color vivo, con altos contrastes y saturaciones para expresar emociones. La luz y a profundidad quedan relegadas. Exponentes: Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck.

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1907 en España y Francia. Los artistas cubistas aplicaron a géneros clásicos como el retrato, el paisajes y bodegones la representación desde varios puntos de vista. Significó una verdadera revolución del espacio y el volumen, con la incorporación de la simplificación geométrica y de colores arbitrarios. Plantea una nueva relación con el espectador. Se divide en dos fases: el Cubismo Analítico, centrado en la descomposición y la ordenación de las figuras en múltiples partes, y el Cubismo Sintético, para el cual las formas se reducen a su fisonomía esencial y aparece la incorporación del collage. Con un gran antecedente en Cézanne, entre los principales representantes del cubismo se encontraban: Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque.

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1911 en Alemania e imperio austro-húngaro. Marca el camino de la figuración a la abstracción. Propone una deformación de la realidad, de acuerdo a la expresión personal del artista, sus sentimientos y emociones. En general se trata de temas oscuros u oníricos que buscan despertar la emotividad. Cabe destacar las vertientes alemanas  Die Brücke (“El puente”) y  Der Blaue Reiter (“El jinete azul”). Referentes: james Ensor, Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner, Vasili Kandinsky, entre otros.

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1909 en Italia. Movimiento artístico, literario y también político, pro-guerra. Un arte moderno, anticlasicista, orientado al futuro. Entre sus características destacan la energía, el dinamismo y el movimiento agresivo. Sus temas son las máquinas, la deshumanización. El movimiento es representado mediante el simultaneísmo y las líneas cinéticas. Involucra también la arquitectura, la escultura y la fotografía. Exponentes: Luigi Russolo, Carlo Carrà, Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni y Gino Severini.

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1911 en Italia. Comparte características del surrealismo. El principal tema era la representación de atmósferas oníricas en emplazamientos italianos. Utiliza la yuxtaposición de objetos sacándolos de contexto.  Representantes: Giorgio de Chirico, Carlo Carrá, Filippo de Pisis.

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1913 en Rusia. Tiene como premisa romper con las estructuras del pasado. Se interesan en representar con trazos de color los rayos de luz que producen las formas espaciales. Referentes: Mijail Larionov, Natalia Goncharova.

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1914 en Rusia. Se trata de una celebración a la tecnología con un fuerte sentido político. Arte como propaganda del comunismo y su comunicación a las masas. Incorpora el cine. Principalmente en escultura y arquitectura, combina la estética de máquinas con componentes metálicos y de madera y cristal. Referentes: Naum Gabo, Vladimir Tatlin, Antoine Pevsner.

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1915 en Rusia. Reivindica las formas puras en contra de la figuración. Se caracteriza por la sencillez, la geometrización plana y los colores puros. Supremacía del sentimiento. Máximo referente Kasimir Malevich.

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1916 en Zurich, Suiza. Surge como reacción contra la primera guerra mundial. Se trata de un movimiento anti-todo, antiliterario, antiartístico, etc., una negación a las tradiciones y las instituciones. Promueven un cambio en la concepción del arte. Es el espectador el que valoriza y le da sentido a una obra. Cualquier objeto y material puede ser arte y cualquier persona puede ser artista. Incorporación del Ready-made. Un arte polémico y provocativo. Involucran lo irónico, lo absurdo, lo satírico, el caos prima por sobre el orden. Representantes: Jean Arp, Marcel Duchamp, Tristan Tzara.

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1917 en Holanda. Impulsada por Piet Mondrian como reconstrucción en la posguerra. Busca sintetizar la realidad a formas geométricas y paletas limitadas de colores puros. Con gran importancia en arquitectura y escultura, con la interrelación de masas y vacíos. Un arte colectivo asociado a la vida a través de la abstracción, armonía y rigor con los elementos plásticos. Representantes: el mencionado Mondrian,  Theo van Doesburg, Georges Vantongerloo.

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1919 en Alemania. Escuelas para la producción de obras funcionales, y el estudio de nuevos materiales y procedimientos innovadores, con gran influencia en el diseño gráfico. Impulsores: Walter Gropius, Joost Schmidt, Herbert Bayer, Johannes Itten.

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1924 en París, Francia. Con influencias del simbolismo, esta corriente propone un arte nuevo en la posguerra. Relacionado a las teorías de Freud, ahondando en lo profundo de la psiquis humana, revaloriza el subconsciente, lo onírico, lo oculto y el erotismo. Las obras se producen a partir del automatismo. Se divide en dos vertientes: la figurativa y la abstracta. Destacan René Magritte, Salvador Dalí, Joan Miró.

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Años ‘40 en Suiza. A partir de la obra de Max Bill se trata de un arte anti-impresionista, matemático y construido con elementos clásicos puros, libre de naturalismo y lo figurativo. Pregona la simplicidad, la claridad y la armonía para llegar a un arte universal.

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Años ‘40 en Europa. Con influencias de Paul Klee, surge como reacción al arte concreto. Defiende una abstracción más gestual y espontánea. Lo intuitivo y orgánico por sobre lo racional-matemático. Representantes: Alberto Magnelli, Nicolas de Staël.

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Años ‘40 en Europa. Movimiento más extremista en su reacción contra el concretismo. Propone imágenes gestuales y orgánicas sin significado concreto. Incorpora la caligrafía y trazos a las pinceladas. Ausencia de todo racionalismo. Sus principales defensores son  Georges Mathieu, Wols y Hans Hartung.

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Años ‘50 en Europa. Siguiendo la línea de la abstracción gestual, es un movimiento en contra de la forma. Su principal característica es el empleo de materiales poco convencionales y obras matéricas. Arte provocativo y polémico en contra de la noción de belleza artística. Representantes: Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Manolo Millares.

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Años ‘50 en las capitales de Dinamarca, Bélgica y Países Bajos. Reacción a la abstracción geométrica. Destacan la exuberancia del trazo y la espontaneidad. Buscaba reconciliar abstracción y figuración, surrealismo y realismo. Desprendidos de toda regla. Lo prehistórico, los dibujos infantiles y el deseo como fuentes inspiradoras. Exponentes: Guillaume Cornelis van Beverloo, Pierre Alechinsky, Asger Jorn, Karel Appel.

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Años ‘50 en Estados Unidos con epicentro en Nueva York. Con la influencia de artistas europeos exiliados, se buscaba crear un movimiento libre e independiente de Europa. Surge como rechazo al surrealismo, constructivismo y expresionismo de la pasada década. Busca imponer nuevas ideas y modelos y dotar a las obras de un valor emblemático y simbólico. Se caracteriza por la inmediatez de ejecución. Incorporan nuevas técnicas como la pintura all over, el dripping, y la pintura plana. Mayor importancia al proceso por sobre el resultado. Máximo exponente: Jackson Pollock.

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Años ‘60 en Estados Unidos. Obras compuestas de figuras geométricas y líneas para conseguir la sensación de movimiento. En lo pictórico busca la representación plástica del movimiento con el uso de espacios positivos y negativos, colores saturados y altos contrastes. Uso amplio del espacio y la profundidad en escultura. Interviene la óptica del espectador, cuyo punto de vista cambia con el desplazamiento. Representantes: Alexander Calder, Victor Vasarely, Jesús Soto.

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Años ‘60 en Estados Unidos. Estilo de arte abstracto basado en la composición pictórica para producir ilusiones ópticas.  Utiliza altos contrastes cromáticos y la repetición de figuras geométricas en entramados complejos para representar la sensación de movimiento.  Representantes: Bridget Riley, Victor Vasarely, Yaacov Agam,

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A partir de las vanguardias cambia la concepción de arte tradicional hacia una democratización. Hay una vinculación más activa con el hecho artístico por parte del público en general cuando antes era para sectores considerados selectos y cultivados. Se rompe con las tradiciones, los oficios, las instituciones, métodos y materiales clásicos, buscando que el arte alcance cierta modernidad y universalidad. Cualquier objeto puede ser arte y cualquier persona puede producir arte, con públicos más participativos de la experiencia artística. Aún así el mercado logra adaptar el arte a nuevas formas de consumo.