# data[].attributes.headline
(조은비) 빈센트 반 고흐-별이 빛나는 밤에

# data[].attributes.subject
(조은비) 빈센트 반 고흐-별이 빛나는 밤에

# data[].attributes.body
반 고흐의 별이 빛나는 밤에는 감상적이고 풍요롭다.
마음이 뻥 뚤리는 느낌이들고
또한 엄청이쁜 밤하늘이다.

# data[].attributes.headline
[나하담]빈센트 반고흐- 해바라기

# data[].attributes.subject
[나하담]빈센트 반고흐- 해바라기

# data[].attributes.body
인상주의의 대표적인 화가인 반 고흐는 꽃의 섬세함을 포착하면서도 자신이 본 것을 그대로 재현하기보다는 빛과 색채를 통한 감각과 감정을 표현하고자 하였기 때문에 이 그림을 선택 하였다.

# data[].attributes.attachment_link.title
빈센트 반 고흐 이미지

# data[].attributes.headline
(강민영) 레오나르도 다빈치-모나리자

# data[].attributes.subject
(강민영) 레오나르도 다빈치-모나리자

# data[].attributes.body
이그림은 레오나르도 다빈치의 걸작으로 세계에서 유명한 그림이다.누구를그린건지는 알려진것이 없다.15세기경에 그려졌으며종류는 유채화,기법은 페널에 유체다.현재는 르부르방물관에 전시를하고있고 2018년기준 6억5000만달러 한와로 약 7735332619원이다

# data[].attributes.headline
(지솔민) 빈센트 반 고흐-해바라기

# data[].attributes.subject
(지솔민) 빈센트 반 고흐-해바라기

# data[].attributes.body
빈센트 반 고흐(Vincent Van Gogh,1853 ~ 1890) 고흐는 '해바라기의 화가'로 불릴 만큼 해바라기를 즐겨 그렸다. 노란색으로 되어있는 해바라기를 그린 이유는 고흐가 고갱의 방을 장식해주기 위함이었다. 고갱은 이런 고흐의 해바라기 그림을 좋아했다.

# data[].attributes.headline
(이주원) 빈센트 반 고흐-해바라기

# data[].attributes.subject
(이주원) 빈센트 반 고흐-해바라기

# data[].attributes.body
빈센트 반 고흐의《해바라기》는 색채, 특히 노란색에 대한
열망으로 가득 찬 작품이다. 반 고흐에게 노랑은 무엇보다 희망을 의미하며, 당시 그가 느꼈던 기쁨과 설렘을 반영하는 색이다. 더불어 대담하고 힘이 넘치는 붓질은 그의 내면의 뜨거운 열정을
드러내 보여준다.
후기 인상주의의 대표적인 화가인 반 고흐는 꽃의 섬세함을 포착하면서도 자신이 본 것을 그대로 재현하기보다는 빛과 색채를 통한 감각과 감정을 표현하고자 하였다. 반 고흐의 《해바라기》는 이글거리는 태양처럼 뜨겁고 격정적인 자신의 감정을 대변하는 영혼의 꽃으로 그의 짧고 비극적인 삶과 예술을 거울처럼
반영하고 있다.
해바라기 (naver.com)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
요약 후기 인상주의의 대표적인 화가 빈센트 반 고흐의 작품으로 아를에서의 시기에 그려졌으며, 해바라기는 태양처럼 뜨겁고 격정적인 자신의 감정을 대변하는 영혼의 꽃이라 할 수 있다.

해바라기

빈센트 반 고흐(1853∼1890)는 1888년 프랑스 파리에서 남부 아를(Arles)로 거처를 옮겼다. 그곳에서 그는 동료 화가인 폴 고갱과 함께 작업하기를 기대하면서 고갱을 위해 작은 집을 빌려 노란색으로 페인트를 칠한 후 해바라기 꽃을 그린 그림으로 장식하였다. 이 작품은 그때 그려진 《해바라기》연작 가운데 하나로 반 고흐에게 '태양의 화가'라는 호칭을 안겨준 중요한 작품이다.

반 고흐는 동생 테오에게 보내는 편지에서 노란색 꽃병에 꽂힌 열두 송이의 해바라기에 대해 언급하며 "이것은 환한 바탕으로 가장 멋진 그림이 될 것이라 기대한다"고 쓰고 있다. 《해바라기》는 색채, 특히 노란색에 대한 열망으로 가득 찬 작품이다. 반 고흐에게 노랑은 무엇보다 희망을 의미하며, 당시 그가 느꼈던 기쁨과 설렘을 반영하는 색이다. 더불어 대담하고 힘이 넘치는 붓질은 그의 내면의 뜨거운 열정을 드러내 보여준다.

후기 인상주의의 대표적인 화가인 반 고흐는 꽃의 섬세함을 포착하면서도 자신이 본 것을 그대로 재현하기보다는 빛과 색채를 통한 감각과 감정을 표현하고자 하였다. 반 고흐의 《해바라기》는 이글거리는 태양처럼 뜨겁고 격정적인 자신의 감정을 대변하는 영혼의 꽃으로 그의 짧고 비극적인 삶과 예술을 거울처럼 반영하고 있다.

고갱에 대한 열광적인 환영의 의미로 그린 이 작품이 완성되고 몇 달이 지난 후 반 고흐는 고갱과의 불화로 자신의 귀를 자르며 정신발작의 멍에를 짊어지게 된다. 그토록 고대하던 고갱과의 동거는 두 달이 채 되지 못했다.

# data[].attributes.attachment_link.description
후기 인상주의의 대표적인 화가 빈센트 반 고흐의 작품으로 아를에서의 시기에 그려졌으며, 해바라기는 태양처럼 뜨겁고 격정적인 자신의 감정을 대변하는 영혼의 꽃이라 할 수 있다. 빈센트 반 고흐(1853∼1890)는 1888년 프랑스 파리에서 남부 아를(Arles)로 거처를 옮겼다. 그곳에서 그는 동료 화가인 폴 고갱과 함께 작업하기를 기대하면서 고갱을 위해 작은 집을 빌려 노란색으로 페인트를 칠한 후 해바라기 꽃을 그린 그림으로 장식하였다.

# data[].attributes.headline
(최유림) 빈센트 반 고흐 - 꽃 피는 아몬드 나무

# data[].attributes.subject
(최유림) 빈센트 반 고흐 - 꽃 피는 아몬드 나무

# data[].attributes.body
푸른 하늘을 배경으로 드리운 꽃봉오리가 만개한 나뭇가지는 반 고흐가 가장 좋아하는 주제 중 하나였다. 이른 봄에 개화하는 아몬드 나무는 새로운 인생의 시작을 상징한다. 반 고흐는 이 그림의 주제, 대담한 윤곽선 그리고 나무의 구도를 일본의 판화에서 빌려왔다.

# data[].attributes.attachment_link.description
푸른 하늘을 배경으로 드리운 꽃봉오리가 만개한 나뭇가지는 반 고흐가 가장 좋아하는 주제 중 하나였다. 이른 봄에 개화하는 아몬드 나무는 새로운 인생의 시작을 상징한다. 반 고흐는 이 그림의 주제, 대담한 윤곽선 그리고 나무의 구도를 일본의 판화에서 빌려왔다. 이 그림은 얼마 전 조카 빈센트 빌럼을 출산한 동생 테오와 그의 아내 조를 위한 선물로 그려졌다.

# data[].attributes.headline
(하지윤) 레오나르도 다 빈치 - 모나리자

# data[].attributes.subject
(하지윤) 레오나르도 다 빈치 - 모나리자

# data[].attributes.body
이 초상은 눈썹이 없는 것으로 유명한데, 이에 대해서는 당시 넓은 이마가 미인의 전형(典型)으로 여겨져, 여성들 사이에 눈썹을 뽑아버리는 일이 유행하였기 때문이라는 설, 미완성작이라는 설, 원래 눈썹이 그려졌으나 복원 과정에서 지워졌다는 설 등이 있다. 또 2009년에는 프랑스의 미술전문가가 240메가픽셀의 특수카메라를 사용하여 분석한 결과, 다 빈치는 이 그림을 3차원으로 표현하기 위하여 유약으로 여러 겹을 특수처리하였고, 가장 바깥에 그려졌던 눈썹이 수백 년의 세월이 흐르는 동안 화학반응을 일으켜 사라지거나 떨어져나간 것이라는 주장을 제기하기도 하였다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
요약 레오나르도 다 빈치가 피렌체의 부호(富豪) 프란체스코 델 조콘다를 위하여 그 부인을 그린 초상화.

유채(油彩) 패널화로 크기는 세로 77㎝, 가로 53㎝이다. 프랑스 루브르박물관에 소장되어 있으며, 라 조콘다(La Gioconda)라고도 한다. 모나리자의 모나는 이탈리아어로 유부녀에 대한 경칭, 리자는 피렌체 의 부유한 상인 조콘다의 부인 이름이다. 조 콘다부인은 G.포지의 조사를 통하여 피렌체의 안토니오 마리아 디 놀드 게라르디니의 딸임이 판명되었다. 따라서 본명은 리사 게라르디니(Lisa Gherardini)이다.

이 작품은 부인의 나이 24~27세 때의 초상이며, 레오나르도가 프랑스의 프랑수아 1세의 초청을 받았을 때 이 미완성의 초상화 를 가지고 갔었는데, 왕에게 4,000에큐에 팔려 퐁텐블로성(城)에 수장되었다. 때때로 세정(洗淨)도 하고, 광택용 니스를 바르기도 한 관계로 전체에 균열이 생겨 제작 당시의 시원스럽고 여유 있는 필치는 볼 수 없다.

이 초상은 눈썹 이 없는 것으로 유명한데, 이에 대해서는 당시 넓은 이마가 미인의 전형(典型)으로 여겨져, 여성들 사이에 눈썹을 뽑아버리는 일이 유행하였기 때문이라는 설, 미완성작이라는 설, 원래 눈썹이 그려졌으나 복원 과정에서 지워졌다는 설 등이 있다. 또 2009년에는 프랑스의 미술전문가가 240메가픽셀의 특수카메라를 사용하여 분석한 결과, 다 빈치는 이 그림을 3차원으로 표현하기 위하여 유약으로 여러 겹을 특수처리하였고, 가장 바깥에 그려졌던 눈썹이 수백 년의 세월이 흐르는 동안 화학반응을 일으켜 사라지거나 떨어져나간 것이라는 주장을 제기하기도 하였다.

다 빈치는 이 작품을 그리기 위하여 악사와 광대를 불러 부인의 심기(心氣)를 항상 즐겁고 싱그럽게 함으로써 정숙한 미소를 머금은 표정, 편안한 손 등 신기(神技)를 표현할 수 있었다고 한다. 전기(傳記)작가 바사리에 따르면, 이 그림은 4년이 걸리고도 미완성인 채로 끝났다고 하는데, 레오나르도 다 빈치의 원숙기인 제2피렌체시대에 해당하는 1503∼1506년의 작품으로 추정된다.

'모나리자의 미소'는 보는 사람에게 신비성을 느끼게 하여 많은 풍설(風說)과 함께 '모나리자의 수수께끼'로서 오늘날도 적지 않은 문학적 관심거리이다. 요컨대 이 그림은 레오나르도 다 빈치의 인간에 대한 오묘한 감정과 관능의 표현인 것이다. 이 그림의 역사적 경로에는 불분명한 점이 많아 모나리자에 대한 신비성의 깊이를 더하고 있다. 일찍이 《모나리자》가 대낮에 루브르박물관에서 도난당하여 세상을 놀라게 한 사건도 있었다. 그로부터 2년 후, 범인이 피렌체의 미술상 A.골리에게 팔러 나갔을 때, 골리의 기지로 다시 햇빛을 보게 되었다. 이 그림만큼 친근감을 주면서 많은 문제를 제시하는 작품도 드물다.

# data[].attributes.attachment_link.description
레오나르도 다 빈치가 피렌체의 부호 프란체스코 델 조콘다를 위하여 그 부인을 그린 초상화. 유채(油彩) 패널화로 크기는 세로 77㎝, 가로 53㎝이다. 프랑스 루브르박물관에 소장되어 있으며, 라 조콘다(La Gioconda)라고도 한다. 모나리자의 모나는 이탈리아어로 유부녀에 대한 경칭, 리자는 피렌체의 부유한 상인 조콘다의 부인 이름이다. 조 콘다부인은 G.포지의 조사를 통하여 피렌체의 안토니오 마리아 디 놀드 게라르디니의 딸임이 판명되었다.

# data[].attributes.headline
(박새봄) 레오나르도 다 빈치 - 모나리자

# data[].attributes.subject
(박새봄) 레오나르도 다 빈치 - 모나리자

# data[].attributes.body
레오나르도 다 빈치의 걸작, <모나리자>는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다.
왜냐하면 레오나르도가 작품에 서명을 하지
않았고, 기록들이 전해지고 있지 않기 때문이다.
따라서 미술사가들은 이 작품에 대해 서술하고 있는 가장 이른 기록인 바자리의 저작, 『미술가 열전 』에 근거하여 작품 속 여인의 신원을 추정했다.

여인의 미소를 묘사하기 위해 레오나르도는 ‘스푸마토’라는 기법을 사용했다. ‘스푸마토’란 이탈리아어로 ‘흐릿한’ 또는 ‘자욱한’을 뜻하는 말로, 인물의 윤곽선을 일부러 흐릿하게 처리해 경계를 없애는 방법이다. 레오나르도는 특히 여인의 입 가장자리와 눈 꼬리를 스푸마토 기법으로 묘사함으로써 여인의 미소를 모호하지만 부드럽게 보이도록 만들었다

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다.

레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다. 이는 레오나르도가 작품에 서명을 하지 않았고, 기록들, 예를 들어 주문서와 같은 것도 전해지고 있지 않기 때문이다. 따라서 미술사가들은 이 작품에 대해 서술하고 있는 가장 이른 기록인 바자리(Giorgio Vasari, 1511- 1574)의 저작, 『미술가 열전 (Le Vite de Piu Eccelenti Pittori. Scultori et Architeili Italiani)』(1550)에 근거하여 작품 속 여인의 신원을 추정했다.

이 책에서 바자리는 시터(sitter), 즉 초상화의 모델이 피렌체의 부유한 상인인 조콘도(Francesco del Giocondo, 1465-1538)의 부인 리자(Lisa del Giocondo, 1479-1551 또는 1552년경)라고 기록하고 있다. 이에 근거하여 이 작품은 '리자 부인'이라는 뜻의 <모나 리자(Monna Lisa, 여기서 '모나'는 '마돈나(Madonna)'의 준말로, '부인'을 뜻함)>라 불리게 되었다. 그러나 이 초상화가 왜 주문자에게 인도되지 않고 작가의 소장품으로 남아 있다가 후일 프랑스 왕실 소장품이 되었는지는 여전히 수수께끼로 남아 있다.

신원이 명확히 밝혀지지 않은 작품 속 여인의 신비로움은 그의 미소에 의해 더욱 고조된다. 여인의 미소를 묘사하기 위해 레오나르도는 '스푸마토(sfumato)'라는 기법을 사용했다. '스푸마토'란 이탈리아어로 '흐릿한' 또는 '자욱한'을 뜻하는 말로, 인물의 윤곽선을 일부러 흐릿하게 처리해 경계를 없애는 방법이다. 레오나르도는 특히 여인의 입 가장자리와 눈 꼬리를 스푸마토 기법으로 묘사함으로써 여인의 미소를 모호하지만 부드럽게 보이도록 만들었다.

이러한 모호함과 신비로움은 여인의 미소뿐만 아니라 배경에서도 드러난다. 레오나르도는 인물 뒤 풍경을 묘사하면서 대기원근법(aerial perspective)을 사용하고 있는데, 대기원근법이란 사물들 간의 관계를 기하학적으로 계산해 배치하는 선원근법(linear perspective)과 달리, 색채의 조정을 통해 대기의 효과를 묘사함으로써 공간감을 표현하는 방식이다. 이 작품에서 레오나르도는 가까운 곳의 풍경은 붉은 색조를 사용해 비교적 명확하게 묘사한 반면, 먼 곳의 풍경은 청색조를 사용하고 윤곽선을 흐릿하게 묘사함으로써 작품 속에서 공간이 뒤로 물러나는 듯 보이게 하는 효과를 거두고 있다.

두 손을 앞으로 모으고 화면 밖을 주시하고 있는 여인의 상체는 화면에서 안정적인 삼각형 구도를 이루고 있다. 그러나 여인의 몸은 약간 오른쪽으로 틀어져 있어서 관람자가 보는 위치에 따라 조금씩 달라 보이는 듯한 느낌을 준다. 이러한 느낌은 배경에 묘사된 풍경에 의해 더욱 강화되는데, 이는 인물 좌우의 풍경 속 지평선이 서로 다른 것처럼 보이도록 그려졌기 때문이다. 레오나르도는 강이 흘러나가는 물길을 표현하면서 마치 인물 오른쪽의 지평선이 더 높은 것과 같은 착각을 불러 일으키도록 묘사함으로써 그림의 왼편에서 인물을 관찰할 때와 오른편에서 인물을 관찰할 때의 느낌이 다르도록 만들었다.

이러한 풍경은 이상화된 관념적인 자연의 모습이 아니라, 실제 자연에서 관찰되는 지리학적인 특징들을 충실히 반영한 것이다. 그러나 레오나르도는 풍경을 구성하는 요소들과 머리카락과 의복의 선과 같은 인물을 묘사하는 요소들을 서로 조화되도록 배치함으로써 배경과 인물을 통합하고 있다.

# data[].attributes.attachment_link.description
15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다. 주제 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다.

# data[].attributes.headline
(김채은)레오나르도 다 빈치-모나리자

# data[].attributes.subject
(김채은)레오나르도 다 빈치-모나리자

# data[].attributes.body
이그림은 레오나르도 다 빈치의 걸작으로 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만,언제,누구를 모델로하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다. 왜냐하면 레오나르도가 작품에 서명을 하지 않았고,기록들이 전해지고 있지 않기때문이다. 표현기법으로는 스푸마토,대기원근법,선원근법을 사용하고있다

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다.

레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다. 이는 레오나르도가 작품에 서명을 하지 않았고, 기록들, 예를 들어 주문서와 같은 것도 전해지고 있지 않기 때문이다. 따라서 미술사가들은 이 작품에 대해 서술하고 있는 가장 이른 기록인 바자리(Giorgio Vasari, 1511- 1574)의 저작, 『미술가 열전 (Le Vite de Piu Eccelenti Pittori. Scultori et Architeili Italiani)』(1550)에 근거하여 작품 속 여인의 신원을 추정했다.

이 책에서 바자리는 시터(sitter), 즉 초상화의 모델이 피렌체의 부유한 상인인 조콘도(Francesco del Giocondo, 1465-1538)의 부인 리자(Lisa del Giocondo, 1479-1551 또는 1552년경)라고 기록하고 있다. 이에 근거하여 이 작품은 '리자 부인'이라는 뜻의 <모나 리자(Monna Lisa, 여기서 '모나'는 '마돈나(Madonna)'의 준말로, '부인'을 뜻함)>라 불리게 되었다. 그러나 이 초상화가 왜 주문자에게 인도되지 않고 작가의 소장품으로 남아 있다가 후일 프랑스 왕실 소장품이 되었는지는 여전히 수수께끼로 남아 있다.

신원이 명확히 밝혀지지 않은 작품 속 여인의 신비로움은 그의 미소에 의해 더욱 고조된다. 여인의 미소를 묘사하기 위해 레오나르도는 '스푸마토(sfumato)'라는 기법을 사용했다. '스푸마토'란 이탈리아어로 '흐릿한' 또는 '자욱한'을 뜻하는 말로, 인물의 윤곽선을 일부러 흐릿하게 처리해 경계를 없애는 방법이다. 레오나르도는 특히 여인의 입 가장자리와 눈 꼬리를 스푸마토 기법으로 묘사함으로써 여인의 미소를 모호하지만 부드럽게 보이도록 만들었다.

이러한 모호함과 신비로움은 여인의 미소뿐만 아니라 배경에서도 드러난다. 레오나르도는 인물 뒤 풍경을 묘사하면서 대기원근법(aerial perspective)을 사용하고 있는데, 대기원근법이란 사물들 간의 관계를 기하학적으로 계산해 배치하는 선원근법(linear perspective)과 달리, 색채의 조정을 통해 대기의 효과를 묘사함으로써 공간감을 표현하는 방식이다. 이 작품에서 레오나르도는 가까운 곳의 풍경은 붉은 색조를 사용해 비교적 명확하게 묘사한 반면, 먼 곳의 풍경은 청색조를 사용하고 윤곽선을 흐릿하게 묘사함으로써 작품 속에서 공간이 뒤로 물러나는 듯 보이게 하는 효과를 거두고 있다.

두 손을 앞으로 모으고 화면 밖을 주시하고 있는 여인의 상체는 화면에서 안정적인 삼각형 구도를 이루고 있다. 그러나 여인의 몸은 약간 오른쪽으로 틀어져 있어서 관람자가 보는 위치에 따라 조금씩 달라 보이는 듯한 느낌을 준다. 이러한 느낌은 배경에 묘사된 풍경에 의해 더욱 강화되는데, 이는 인물 좌우의 풍경 속 지평선이 서로 다른 것처럼 보이도록 그려졌기 때문이다. 레오나르도는 강이 흘러나가는 물길을 표현하면서 마치 인물 오른쪽의 지평선이 더 높은 것과 같은 착각을 불러 일으키도록 묘사함으로써 그림의 왼편에서 인물을 관찰할 때와 오른편에서 인물을 관찰할 때의 느낌이 다르도록 만들었다.

이러한 풍경은 이상화된 관념적인 자연의 모습이 아니라, 실제 자연에서 관찰되는 지리학적인 특징들을 충실히 반영한 것이다. 그러나 레오나르도는 풍경을 구성하는 요소들과 머리카락과 의복의 선과 같은 인물을 묘사하는 요소들을 서로 조화되도록 배치함으로써 배경과 인물을 통합하고 있다.

# data[].attributes.attachment_link.description
15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다. 주제 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다.

# data[].attributes.headline
(김도윤) 피트 몬드리안-구성 A

# data[].attributes.subject
(김도윤) 피트 몬드리안-구성 A

# data[].attributes.body
피트 몬드리안의 유명한 작품인 구성 A (composition A) 는
삼원색의 직사각형과 선을 유채물감으로 캔버스에 입혀 1920년에 그려낸 작품이다.
'차가운 추상'의 대표적인 화가이지만 처음엔
이런 방식의 그림을 그리지 않았다. 그러나
1911년에 입체파의 그림을 접하며 화풍이 많이 바뀌어 이런 그림을 그리게 된다.

# data[].attributes.headline
(오채원) 피에르 오귀스트 르누아르-피아노 치는 소녀들

# data[].attributes.subject
(오채원) 피에르 오귀스트 르누아르-피아노 치는 소녀들

# data[].attributes.body
피에르의 주제는 문학에서도 벗어나 있다. 이것이 1890년대 상징주의의 젊은 비평가들이 그의 그림에 열광한 까닭이다. 젊음의 무고함과 찬란함은 그의 작품의 중심 테마이다. <피아노 치는 소녀들>은 그의 주제를 가장 효과적으로 드러낸 작품 중 하나인 것이다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
<피아노 치는 소녀들>은 1892년 초, 르누아르가 프랑스 정부로부터 뤽상부르크 미술관에 전시할 그림으로 요청을 받아 완성한 작품이다. 당시 그림 구매를 담당한 문화부 공무원 앙리 루종(Henri Roujon)은 르누아르와 친분이 있는 시인이자 비평가인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé, 1842-1898)와 로제 막스(Roger Marx, 1859-1913)에게 선택을 의뢰했으며, 이들이 주고 받은 편지는 오늘날까지 남아 있어 <피아노 치는 소녀들>의 제작 과정이 상세히 알려지게 된 것이다.

르누아르는 같은 주제로 파스텔화 한 점과 다섯 점의 유화, 총 6개의 대작을 완성했다. 그는 마지막 순간까지 시퀀스를 추가하는 등 작품활동 후반부에 의뢰 받은 프로젝트에 혼신의 힘을 다했다. 1892년 4월 20일 정부는 여섯 작품 중 하나를 선택했고, 5월 2일 4000프랑에 그림을 인도받았다. 그림이 전시될 뤽상부르크 미술관이 그 해 말까지 닫을 예정이었기 때문에, 루종은 르누아르가 뒤랑 뤼엘(Durand-Ruel)에서 5월에 단독 전시를 할 수 있게 도왔다.

이 그림은 매우 섬세한 필치로 그려졌다. 부드럽고 자유롭게 인물의 옷과 머리모양을 표현하는 것은 르누아르 후기 작품의 대표적인 특징이기도 하다. 이러한 표현은 그림 전체 분위기를 리드미컬하고, 흐르는 듯하고 부드러운 서로 맞물리도록 하는데 효과적이다. 갈색머리에 분홍색 옷을 입은 소녀와 금발에 흰 옷을 입고 있는 소녀는 때때로 다른 버전의 그림에서는 서로의 옷이 바뀌기도 하지만, 소녀들은 모두 뒤의 커튼과 그들 앞에 놓인 화병과도 잘 어우러진다. 화면이 꽉 찬 구성은 관람자로 하여금 피아노 치는 소녀들에 모든 시선이 가도록 이끈다. 그림 전체적인 분위기를 따뜻하고 부드럽게 만드는 금빛의 사용은 같은 시대의 또 다른 프랑스 화가 카이유 보트(Gustave Caillebotte, 1848-1894)를 연상시킨다.

또한 그림의 주제는 프라고나르(Jean-Honoré Fragonard, 1732-1806)의 <음악교실(music lesson)>(1769)과 비슷하다. 그러나 르누아르의 작품들은 당시 유행했던 '사랑과 이성간의 교제'라는 친근한 주제와 벗어나 있는데, 그의 작품에는 동시대 다른 화가들과는 달리 어떠한 알레고리도 정확한 주제의 프로그램도 찾아볼 수 없다. 나아가 그의 주제는 문학에서도 벗어나 있다. 이것이 1890년대 상징주의의 젊은 비평가들이 그의 그림에 열광한 까닭이다. 젊음의 무고함과 찬란함은 그의 작품의 중심 테마이다. <피아노 치는 소녀들>은 그의 주제를 가장 효과적으로 드러낸 작품 중 하나인 것이다.

# data[].attributes.attachment_link.description
제작배경 <피아노 치는 소녀들>은 1892년 초, 르누아르가 프랑스 정부로부터 뤽상부르크 미술관에 전시할 그림으로 요청을 받아 완성한 작품이다. 당시 그림 구매를 담당한 문화부 공무원 앙리 루종(Henri Roujon)은 르누아르와 친분이 있는 시인이자 비평가인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé, 1842-1898)와 로제 막스(Roger Marx, 1859-1913)에게 선택을 의뢰했으며, 이들이 주고 받은 편지는 오늘날까지 남아 있어 <피아노 치는 소녀들>의 제작 과정이 상세히 알려지게 된 것이다.

# data[].attributes.headline
(최시연) 장 프랑수아 밀레-만종

# data[].attributes.subject
(최시연) 장 프랑수아 밀레-만종

# data[].attributes.body
장 프랑수아 밀레는 프랑스의 농부를 가장 프랑스적으로 묘사한 화가라는 평가를 받은 화가다.농촌 출신인 그는 풍경이 주가 되고 인물을 그리더라도 작게 점경으로 처리하던 다른화가들과 다르게 밀레는 농민을 주로 그렸다.이그림은 살바도르달리라는 미술가들에게 숭배의대상이였지만 1932년 한정신이상자에게 찟기는 수난을 당한 역사도 가지고 있다

# data[].attributes.attachment_link.description
어린이/학생백과, 동물/식물, 건강, 역사, 자연과학, 인문과학, 미술작품, 비주얼사전 등 전문가들이 정리한 지식을 제공하는 종합백과서비스

# data[].attributes.headline
(김아정)로버트 라우센버그-침대

# data[].attributes.subject
(김아정)로버트 라우센버그-침대

# data[].attributes.body
침대는 작가의 출세작이다. 캔버스 살 돈이 없을 정도로 가난해 침대 보를 걷어내 완성한 작품으로, 라우센버그의 존재감을 확실하게 각인시킨 대표작이다. 추상표현기법에서 팝아트 기법으로 옮겨 가는 경계선 상에 위치한 작품으로 평가받고 있다. 이 같은 미술 작법을 '아상블라주(Assemblage)' 또는 '컴바인 페인팅(combine painting)' 기법이라고 한다.

# data[].attributes.headline
(오성현) 빈센트 반 고흐 -아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

# data[].attributes.subject
(오성현) 빈센트 반 고흐 -아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

# data[].attributes.body
산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 ‘아를르(Alres) 시기’는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 '아를르(Alres) 시기'는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다.

반 고흐는 아를르의 포룸 광장(Place du Forum)에 자리한 야외 카페의 밤 풍경을 담은 이 작품을 그리던 무렵부터 밤 중에 작업하기를 즐겼다고 전해진다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>를 그리기 얼마 전에는 3일 밤에 걸쳐 자신이 즐겨 찾던 카페 드 라 가르(Café de la Gare)의 실내 정경을 표현한 <아를르의 밤의 카페(The Night Café in Arles)>를 완성했다. 현재 파리 오르세 미술관이 소장하고 있는 <론 강의 별이 빛나는 밤(Starry Night Over the Rhone)>(1888) 역시 이 작품과 같은 달에 그린 것이다. 이와 같은 일련의 밤 풍경화는 9개월 후, 생 레미(Saint-Rémy)의 요양소에서 그린 <별이 빛나는 밤(Starry Night)>(1889)에서 절정을 이루게 된다.

동생에게 쓴 편지에서 반 고흐는 이 그림을 다음과 같이 묘사하고 있다. "푸른 밤, 카페 테라스의 커다란 가스등이 불을 밝히고 있어. 그 위로는 별이 빛나는 파란 하늘이 보여. 바로 이 곳에서 밤을 그리는 것은 나를 매우 놀라게 하지. 창백하리만치 옅은 하얀 빛은 그저 그런 밤 풍경을 제거해 버리는 유일한 방법이지. ... 검은색을 전혀 사용하지 않고 아름다운 파란색과 보라색, 초록색만을 사용했어. 그리고 밤을 배경으로 빛나는 광장은 밝은 노란색으로 그렸단다. 특히 이 밤하늘에 별을 찍어 넣는 순간이 정말 즐거웠어." 이어서 그는 "기 드 모파상(Guy de Moupassant, 1850-1893)의 소설 『벨 아미(Bel Ami)』(1885)는 대로의 밝게 빛나는 카페들과 함께 파리의 별이 빛나는 밤에 대한 묘사로 시작되는데, 이 장면은 내가 방금 그린 것과 거의 같은 거야"라고 덧붙이기도 했다.

반 고흐의 회화의 여러 특징들 가운데 하나는 색채가 형태나 구성에 종속되지 않고 개인의 감정이나 대상의 아름다움을 직접적으로 전달한다는 점이다. 그는 눈 앞에 있는 것을 똑같이 재현하기 보다는 자신의 감정을 강하게 표현하기 위해서 주관에 따라 색채를 사용하였다. 이 작품의 경우에도 검은색을 전혀 사용하지 않고 밤 풍경을 표현하고 있으며, 레몬 빛깔에 가까운 노란색으로 카페의 차양을 채색하고 있다. 또한 테라스의 가스등에서 퍼져 나오는 황금색의 불빛은 마치 보호벽처럼 사람과 주변을 노랗게 물들이고 있고, 벽돌 바닥을 따라 늘어진 카페의 파사드는 푸른빛으로 가스등의 빛을 반사한다. 이처럼 짙은 파란색과 밝은 노란색의 강렬한 색채대비는 물리적 세계에서 느껴지는 주관적인 감정을 가장 중요하게 여겼던 그의 철학을 엿보게 해준다.

나아가 거리의 집들을 묘사할 때에 원근의 법칙에 얽매이지 않는다든지 실제보다 형태를 과장되게 묘사하는 점, 그리고 두꺼운 물감으로 서둘러 그린 듯한 인물의 표현법 또한 눈에 띈다. 이를 통해 반 고흐가 독자적인 색채 사용과 개성적인 형태를 통해 자신이 사랑했던 것들과 그의 격정적인 내면 세계를 가장 적절하게 드러낼 수 있는 새로운 회화의 법칙을 찾고자 했음을 짐작할 수 있다. 무엇보다 그가 색채나 선 같은 여러 조형 요소를 표현하는 방식에는 회화의 2차원적 특징이 고스란히 드러난다. 이는 그가 앞선 화가들이 중요하게 여겼던 환영적인 공간 묘사에 대한 압박에서 벗어나 회화가 개인의 생각이나 심리적 상태를 보다 자유롭게 표현해주는 수단이 될 수 있다는 것을 인식하고 있었음을 알려준다.

# data[].attributes.attachment_link.title
아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

# data[].attributes.attachment_link.description
제작배경 및 주제 산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다.

# data[].attributes.headline
(안규빈) 빈센트 반 고후-아를의 반 고흐의 방

# data[].attributes.subject
(안규빈) 빈센트 반 고후-아를의 반 고흐의 방

# data[].attributes.body
반 고흐는 《반 고흐의 방》이라는 이름으로 세 작품을 그렸다. 가장 오래된 버전은 1888년 10월 중순에 아를에서 그려진 것으로, 반 고흐가 ‘남프랑스 아틀리에’라는 예술가 공동체 구성을 위한 프로젝트를 준비하면서 고갱이 오기를 애타게 기다리던 시기이다. 반 고흐는 10월 17일 고갱에게 보낸 편지에서 본인의 전반적인 회화 구성에 대해 묘사하며 자신은 공간을 기묘하게 변형시켜 모티프에 적용한다고 강조했다. 하지만 안타깝게도 고갱과 반 고흐의 만남은 비극적으로 끝나고 말았으며, 그로부터 얼마 후 반 고흐는 요양원 생활을 하게 되었다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
반 고흐는 《반 고흐의 방》이라는 이름으로 세 작품을 그렸다. 가장 오래된 버전은 1888년 10월 중순에 아를에서 그려진 것으로, 반 고흐가 '남프랑스 아틀리에'라는 예술가 공동체 구성을 위한 프로젝트를 준비하면서 고갱이 오기를 애타게 기다리던 시기이다. 반 고흐는 10월 17일 고갱에게 보낸 편지에서 본인의 전반적인 회화 구성에 대해 묘사하며 자신은 공간을 기묘하게 변형시켜 모티프에 적용한다고 강조했다. 하지만 안타깝게도 고갱과 반 고흐의 만남은 비극적으로 끝나고 말았으며, 그로부터 얼마 후 반 고흐는 요양원 생활을 하게 되었다. 이후 일어난 홍수로 인해 작업실에 방치해 두었던 최초의 《반 고흐의 방》 일부가 손상되었다. 이 최초의 작품은 현재 암스테르담의 반 고흐 미술관에 소장되어 있다. 이후 1889년에 생레미 요양원에서 나온 그는 같은 주제로 두 점의 작품을 더 그렸다.

이중 하나는 원본과 동일한 크기로 현재 시카고 미술관에 보존되어 있으며, 어머니와 여동생 윌을 위해 그린 나머지 하나는 현재 오르세 미술관에 소장되어 있다. 친구이자 화가인 에밀 베르나르에게 보낸 편지를 모은 서신집의 554번째 편지에서 반 고흐는 이 작품을 그릴 수 밖에 없었던 이유에 관해 설명했다. 그는 색채의 상징주의를 이용하여 고요함을 표현하고, 방의 간결하고 단순한 모습을 부각시키고 싶었다고 말하며 다음과 같이 묘사했다. "나는 흐린 남보라색 벽과 금이 가고 생기 없어 보이는 붉은색 바닥, 적색 느낌이 감도는 노랑색 의자와 침대, 매우 밝은 연두색 베개와 침대 시트, 진한 빨강의 침대 커버, 오렌지색 사이드 테이블, 푸른색 대야, 녹색 창문과 같은 다양한 색조를 통해 절대적인 휴식을 표현하고 싶었다". 그는 이렇게 다양한 색조를 표현하기 위해 일본풍 채색 비단의 모티프와 판화 기법을 참고했지만, 실상은 본인이 의도했던 일본식 단순함과는 거리감이 있다.

이 작품의 세 가지 버전에서는 문, 창문, 의자, 침대 같은 주요요소가 모두 동일한 위치에 그려졌지만, 세부적인 부분에서는 차이를 보인다. 가장 쉽게 차이점을 알아볼 수 있는 부분은 오른쪽 벽에 걸린 그림들로서, 특히 캔버스 프레임 바로 아래에 있는 초상화 두 개와 침대 머리맡 위에 걸린 풍경화에 변화를 주었다. 여인의 초상화에 대해서는 뭐라고 단정적으로 말하기 힘들지만, 그 옆에 있는 초상화의 경우 인물의 특징으로 보아 반 고흐 자신의 초상을 그려 넣은 것처럼 보인다.

시카고 미술관에 전시된 작품의 경우, 인물의 수염과 붉은색 머리카락, V자 네크라인의 옷으로 미루어 보아 1889년 9월에 생레미에서 그린 자화상인 것으로 짐작된다. 반면 오르세 미술관에 전시된 작품에서는 머리의 위치, 깨끗하게 면도된 얼굴, 차이나 칼라의 상의로 보아 동일 시기에 그려진 또 다른 자화상과 유사하다는 것을 확인할 수 있다. 이 두 개의 자화상은 거의 비슷한 시기에 완성했으면서, 작품 속에는 왜 다른 모습으로 그렸는지, 그리고 거의 유사한 두 점의 작품에 왜 이 자화상들을 그려 넣었는지 그 이유는 불가사의다. 또한 1889년 9월 들라크루아의 작품을 주제로 그린 《피에타》에 나타난 예수 그리스도의 얼굴이 반 고흐의 자화상과 비슷하다는 사실도 앞선 의문과 일맥상통하며, 이 의문에 대한 해답이 수수께끼를 푸는 중요한 열쇠가 될 것이다.

# data[].attributes.attachment_link.description
반 고흐는 《반 고흐의 방》이라는 이름으로 세 작품을 그렸다. 가장 오래된 버전은 1888년 10월 중순에 아를에서 그려진 것으로, 반 고흐가 '남프랑스 아틀리에'라는 예술가 공동체 구성을 위한 프로젝트를 준비하면서 고갱이 오기를 애타게 기다리던 시기이다. 반 고흐는 10월 17일 고갱에게 보낸 편지에서 본인의 전반적인 회화 구성에 대해 묘사하며 자신은 공간을 기묘하게 변형시켜 모티프에 적용한다고 강조했다.

# data[].attributes.headline
(박빛나)피에르 오귀스트 르누아르-피아노 치는 소녀들

# data[].attributes.subject
(박빛나)피에르 오귀스트 르누아르-피아노 치는 소녀들

# data[].attributes.body
이 그림은 매우 섬세한 필치로 그려졌다. 부드럽고 자유롭게 인물의 옷과 머리모양을 표현하는 것은 르누아르 후기 작품의 대표적인 특징이기도 하다.이러한 표현은 그림 전체 분위기를 리드미컬하고, 흐르는 듯하고 부드러운 서로 맞물리도록 하는데 효과적이다

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
<피아노 치는 소녀들>은 1892년 초, 르누아르가 프랑스 정부로부터 뤽상부르크 미술관에 전시할 그림으로 요청을 받아 완성한 작품이다. 당시 그림 구매를 담당한 문화부 공무원 앙리 루종(Henri Roujon)은 르누아르와 친분이 있는 시인이자 비평가인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé, 1842-1898)와 로제 막스(Roger Marx, 1859-1913)에게 선택을 의뢰했으며, 이들이 주고 받은 편지는 오늘날까지 남아 있어 <피아노 치는 소녀들>의 제작 과정이 상세히 알려지게 된 것이다.

르누아르는 같은 주제로 파스텔화 한 점과 다섯 점의 유화, 총 6개의 대작을 완성했다. 그는 마지막 순간까지 시퀀스를 추가하는 등 작품활동 후반부에 의뢰 받은 프로젝트에 혼신의 힘을 다했다. 1892년 4월 20일 정부는 여섯 작품 중 하나를 선택했고, 5월 2일 4000프랑에 그림을 인도받았다. 그림이 전시될 룩상부르크 미술관이 그 해 말까지 닫을 예정이었기 때문에, 루종은 르누아르가 뒤랑 뤼엘(Durand-Ruel)에서 5월에 단독 전시를 할 수 있게 도왔다.

이 그림은 매우 섬세한 필치로 그려졌다. 부드럽고 자유롭게 인물의 옷과 머리모양을 표현하는 것은 르누아르 후기 작품의 대표적인 특징이기도 하다. 이러한 표현은 그림 전체 분위기를 리드미컬하고, 흐르는 듯하고 부드러운 서로 맞물리도록 하는데 효과적이다. 갈색머리에 분홍색 옷을 입은 소녀와 금발에 흰 옷을 입고 있는 소녀는 때때로 다른 버전의 그림에서는 서로의 옷이 바뀌기도 하지만, 소녀들은 모두 뒤의 커튼과 그들 앞에 놓인 화병과도 잘 어우러진다. 화면이 꽉 찬 구성은 관람자로 하여금 피아노 치는 소녀들에 모든 시선이 가도록 이끈다. 그림 전체적인 분위기를 따뜻하고 부드럽게 만드는 금빛의 사용은 같은 시대의 또 다른 프랑스 화가 카이유 보트(Gustave Caillebotte, 1848-1894)를 연상시킨다.

또한 그림의 주제는 프라고나르(Jean-Honoré Fragonard, 1732-1806)의 <음악교실(music lesson)>(1769)과 비슷하다. 그러나 르누아르의 작품들은 당시 유행했던 '사랑과 이성간의 교제'라는 친근한 주제와 벗어나 있는데, 그의 작품에는 동시대 다른 화가들과는 달리 어떠한 알레고리도 정확한 주제의 프로그램도 찾아볼 수 없다. 나아가 그의 주제는 문학에서도 벗어나 있다. 이것이 1890년대 상징주의의 젊은 비평가들이 그의 그림에 열광한 까닭이다. 젊음의 무고함과 찬란함은 그의 작품의 중심 테마이다. <피아노 치는 소녀들>은 그의 주제를 가장 효과적으로 드러낸 작품 중 하나인 것이다.

# data[].attributes.attachment_link.description
제작배경 <피아노 치는 소녀들>은 1892년 초, 르누아르가 프랑스 정부로부터 뤽상부르크 미술관에 전시할 그림으로 요청을 받아 완성한 작품이다. 당시 그림 구매를 담당한 문화부 공무원 앙리 루종(Henri Roujon)은 르누아르와 친분이 있는 시인이자 비평가인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé, 1842-1898)와 로제 막스(Roger Marx, 1859-1913)에게 선택을 의뢰했으며, 이들이 주고 받은 편지는 오늘날까지 남아 있어 <피아노 치는 소녀들>의 제작 과정이 상세히 알려지게 된 것이다.

# data[].attributes.headline
(장성빈)장 프랑수아-이삭 줍는 사람들

# data[].attributes.subject
(장성빈)장 프랑수아-이삭 줍는 사람들

# data[].attributes.body
1857년에 그려진 장 프랑수아 밀레의 대표작 중 하나다. 밀레는 쿠르베와 마찬가지로 그림의 주제에 대한 정치적 관점을 분명하게 드러냈다. 농부의 일상을 빈번하게 표현한 것은 이런 까닭에서였다. 상류층을 비판하기 위해 전원적 풍경과 농부의 노동을 즐겨 그린 것이다. <이삭 줍는 사람들>은 이런 밀레의 세계관을 잘 보여준다. 전경을 차지하고 있는 여인들은 열심히 일을 하고 있다. 이들의 등을 밝히는 햇빛은 마치 카라바조의 그림에서 그렇듯이, 신의 가호를 의미한다. 자연은 이처럼 신의 의지를 내포하는 현상으로 밀레의 그림에서 암시된다. 노동하는 여인들의 모습은 대지의 색조에 가까운데, 이를 통해 밀레는 상류층보다 이들에게 신의 축복이 내리고 있다는 사실을 넌지시 보여주고 있다. 원경에 보이는 저택과 말을 탄 사나이는 상류층을 상징한다고 할 수 있다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
1857년에 그려진 장 프랑수아 밀레의 대표작 중 하나다. 밀레는 쿠르베와 마찬가지로 그림의 주제에 대한 정치적 관점을 분명하게 드러냈다. 농부의 일상을 빈번하게 표현한 것은 이런 까닭에서였다. 상류층을 비판하기 위해 전원적 풍경과 농부의 노동을 즐겨 그린 것이다. <이삭 줍는 사람들>은 이런 밀레의 세계관을 잘 보여준다. 전경을 차지하고 있는 여인들은 열심히 일을 하고 있다. 이들의 등을 밝히는 햇빛은 마치 카라바조의 그림에서 그렇듯이, 신의 가호를 의미한다. 자연은 이처럼 신의 의지를 내포하는 현상으로 밀레의 그림에서 암시된다. 노동하는 여인들의 모습은 대지의 색조에 가까운데, 이를 통해 밀레는 상류층보다 이들에게 신의 축복이 내리고 있다는 사실을 넌지시 보여주고 있다. 원경에 보이는 저택과 말을 탄 사나이는 상류층을 상징한다고 할 수 있다.

이들의 형상은 정확하게 나타나지 않는데, 노동하는 농민에게 강조점을 부여함으로써 밀레는 사회 비판적인 메시지를 간접적으로 부각시키고 있는 것이다. 멀리 쌓여있는 노적가리에 비해 여인들이 줍고 있는 이삭은 무척 소박하게 보인다. 이런 형상화를 통해 밀레는 궁핍한 삶을 살아갈 수밖에 없는 농민과 노동자의 처지를 보여주고자 했다. 밀짚을 잔뜩 실은 수레는 중세의 도상학으로 해석하자면, 덧없는 물질성을 뜻한다. 원래 건초 수레는 만인을 위한 신의 선물을 의미했지만, 후일 덧없는 인간의 육체나 물질성을 뜻하게 되었다. 이 그림은 근대적 풍경을 담고 있지만, 여전히 도상학적 해석의 여지를 남겨두고 있다는 점에서 흥미를 끈다. 수확한 곡식을 나누어 갖지 않고 혼자 독차지하는 상류층에 대한 비판은 중세에도 존재했는데, 밀레는 이런 비판의 구도를 근대적 관점에서 재구성하고 있는 것이라고 할 수 있다.

글

이택광/경희대 영미문화전공 교수, 문화 평론가
부산에서 자랐다. 영문학을 공부하다가 문화연구에 흥미를 느끼고 영국으로 건너가 워릭대학교에서 철학석사학위를, 셰필드대학교에서 문화이론을 전공해서 박사학위를 받았다. 1999년 영화주간지 에 글을 발표하면서 본격적으로 문화비평을 쓰기 시작했다. 시각예술과 대중문화에 대한 분석을 통해 정치사회문제를 해명하는 작업에 많은 관심을 갖고 있다. 현재 경희대학교 영미문화전공 교수로 재직하면서 문화비평가로 활동하고 있다.

# data[].attributes.attachment_link.description
1857년에 그려진 장 프랑수아 밀레의 대표작 중 하나다. 밀레는 쿠르베와 마찬가지로 그림의 주제에 대한 정치적 관점을 분명하게 드러냈다. 농부의 일상을 빈번하게 표현한 것은 이런 까닭에서였다. 상류층을 비판하기 위해 전원적 풍경과 농부의 노동을 즐겨 그린 것이다. <이삭 줍는 사람들>은 이런 밀레의 세계관을 잘 보여준다. 전경을 차지하고 있는 여인들은 열심히 일을 하고 있다.

# data[].attributes.headline
(신재민) 에드바르 뭉크 - 절규

# data[].attributes.subject
(신재민) 에드바르 뭉크 - 절규

# data[].attributes.body
"절규"는 표현주의 그림으로 , 핏빛의 하늘을 배경으로 괴로워하는 인물을 묘사했습니다.  화가의 절망적인 심리 상태를 역동적으로 움직이는 것처럼 보이는 붉은 구름으로 나타내었으며, 화면 하단에서 비명을 지르고 있는 인물은 마치 유령과 같은 모습을 하고 있는데, 뭉크는 깊은 좌절에 빠진 사람을 극적으로 표현하기 위해 이와 같은 형태의 왜곡을 하였다고 합니다.
2012.5.2에 미국 뉴욕 소더비 경매에서 약 1354억원에 낙찰되었다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
절규

<절규>는 표현주의 그림으로, 핏빛의 하늘을 배경으로 괴로워하는 인물을 묘사했어요.

화가의 절망적인 심리 상태를 역동적으로 움직이는 것처럼 보이는 붉은 구름으로 나타내었으며, 화면 하단에서 비명을 지르고 있는 인물은 마치 유령과 같은 모습을 하고 있는데, 뭉크는 깊은 좌절에 빠진 사람을 극적으로 표현하기 위해 이와 같은 형태의 왜곡을 하였다고 해요.

"친구 둘과 함께 길을 걸어가고 있었어요. 해질 녘이었고 나는 약간의 우울함을 느꼈어요. 그때 갑자기 하늘이 핏빛으로 물들기 시작했어요. 그 자리에 멈춰선 나는 죽을 것만 같은 피로감으로 난간에 기댔어요. 그리고 핏빛 하늘에 걸친 불타는 듯한 구름과 암청색 도시와 피오르에 걸린 칼을 보았어요. 내 친구들은 계속 걸어갔고, 나는 그 자리에 서서 두려움으로 떨고 있었어요. 그때 자연을 관통하는 그치지 않는 커다란 비명 소리를 들었어요."뭉크가 1892년 1월에 남긴 이 글은 매우 유명해요.

뭉크는 클로드 모네와 같은 인상파 화가들의 영향을 받았어요. 특히 삶과 죽음에의 극적이고 내면적인 그림을 많이 그렸죠. 이후 인간 존재의 근원에 존재하는 고독, 질투, 불안 등을 응시하는 인물을, 인물화를 통해 표현했어요.

# data[].attributes.attachment_link.description
1. 작품 설명] <절규>는 표현주의 그림으로, 핏빛의 하늘을 배경으로 괴로워하는 인물을 묘사했어요. [ 2. 명화 이야기] 화가의 절망적인 심리 상태를 역동적으로 움직이는 것처럼 보이는 붉은 구름으로 나타내었으며, 화면 하단에서 비명을 지르고 있는 인물은 마치 유령과 같은 모습을 하고 있는데, 뭉크는 깊은 좌절에 빠진 사람을 극적으로 표현하기 위해 이와 같은 형태의 왜곡을 하였다고 해요.

# data[].attributes.headline
(이유정) 장 프랑수아 밀레-봄

# data[].attributes.subject
(이유정) 장 프랑수아 밀레-봄

# data[].attributes.body
"봄" 이라는 작품은 장 프랑수아 밀레 라는 작가가 그리셨다.
장 프랑수아 밀레 작가의 국적은 프랑스이며
제작 연도는 19세기경 이다.
작품의 종류는 유화이며, 기법은 캔버스의 유채이다.
무지개가 걸려 있는 납빛의 하늘을 통해 방금 소나기가 내렸음을 알 수 있는데,
이 잠깐의 소나기 덕분에 작품 속의 자연 풍경 전반에 생기가 넘쳐 흐르고 있으며,
분할된 붓 터치를 이용하여 다양하게 표현된 녹색의 톤들이 이 생동감을 극대화하고 있다.    생동감은 요란한 소리와 함께 퍼부은 소나기가 지나간 후에 꽃이 만개한 나무들과 숲의 녹음이 빛을 발하며 새롭게 뿜어내는 투명한 신선함이라고 할 수 있다.
물기를 흠뻑 머금은 땅의 흙들은 마치 앞으로 다가올 여름의 풍요로움을 상징하는 듯하다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
"나는 봄의 소나기를 바라보고 있다. 그리고 지금 이 순간, 내 눈은 봄비가 내리는 풍경만을 위하여 존재한다. 파릇파릇 돋아나는 초록의 잎들과 꽃이 만발한 나무들이 있는 풍경 속의 비와 무지개만을 내 눈이 느낄 수 있게 하기 위함이다." 「봄」은 프레데릭 하트만이 주문한 '사계(四季)'를 주제로 그린 네 점의 연작 중 하나이다. 프랑스 동부의 알자스 지방에서 온, 목화 공장을 운영하던 이 사업가는 바르비종의 유명한 화가인 테오도르 루소의 후원자였다. 루소가 하트만으로부터 작업비를 받고 작품을 제작하다가 완성하지 못한 채로 1867년에 사망하자, 그는 이 미완성 작품들을 밀레에게 마무리해 줄 것을 부탁하였다.

또한, 하트만은 밀레가 자신의 후원가들 중 한 명을 위하여 그렸던 파스텔화를 우연히 보고 큰 감동을 받았는데, 이에 1868년 3월 밀레에게 '사계' 연작을 주문했던 것이다. 밀레는 주문을 받자마자, 그 즉시 연분홍색 준비용 캔버스 세 개와 「겨울」을 위해 사용할 황토색 준비용 캔버스를 구입했다. 그러나 1870년까지 그는 이 연작을 간헐적으로 그렸을 뿐, 본격적으로 완성시키지는 못했다. 사실 밀레는 '여름'이나 '가을', '겨울'의 주제를 하트만이 감탄했던 파스텔화로 이미 이전에 그렸던 적이 있었다. 그리고 밀레가 가장 주의를 기울였던 이 작품 「봄」은 1873년 5월 18일이 되어서야 유화로 완성될 수 있었다.

「여름, 밀을 타작하는 사람들」(뉴욕, 메트로폴리탄 미술관 소장)과 「가을, 건초더미」(보스턴 미술관 소장)은 이후 1874년에 완성되어 하트만에게 전달되었지만, 「겨울, 고독 - 눈 덮인 소들의 출입문」(필라델피아 미술관 소장)은 결국 밀레가 사망할 때까지 완성되지 못한 채, 그의 유품들이 판매되기 직전, 하트만이 소장하게 되었다. 그러나 하트만 역시 이 네 점의 그림을 모두 소장한 지 얼마 되지 않아 사망하게 되었고, 이 사계 연작은 1881년 5월 7일에 그가 소장했던 다른 소장품들과 함께 팔리고 말았다. 이후 하트만 부인은 이 네 점의 유화 작품들을 다시 구입했고, 몇 년 후에 이를 프랑스 정부에 기증했다.

'사계' 연작 중 두 점인 「봄」과 「가을」은 밀레가 1865년부터 풍경에 특별한 관심을 기울였던 덕분에 풍경이 작품 전반에 있어서 지배적인 모티프를 차지하고 있다. 한편, 다른 두 작품에서는 풍경보다는 인물이 작품의 전체를 지배하는 모티프로 사용되었음을 알 수 있다. 하지만 이 작품 「봄」 안에 인물 모티프가 전혀 배제되어 있는 것은 아니다. 작품 중앙의 원경 부분에 그려진 나무 밑으로 비를 피하고 있는 농부의 작은 형상이 그려져 있음을 확인할 수 있기 때문이다. 동시에 길과 울타리, 과수원, 그리고 왼쪽에 그려진 접붙이기를 한 나무 등 사람의 손에 의해 가공된 자연의 모습이 잘 정돈되어 있다.

이미 1857년의 《살롱전》에서 밀레는 「나무 접붙이기를 하는 농부」를 출품했었는데, 이 작품 속에 그는 아내와 아이와 함께 있는 남자의 모습을 그려 넣음으로써, 접붙이기를 하는 농부의 '창조자'적인 모습과 더불어 한 가정의 '아버지'로서의 모습을 대등하게 표현했었다. 밀레가 바르비종에 있는 정원에서 즐겨 관찰했던 전경으로부터 영감을 받아 그린 이 풍경화 속에는 꽃이 만발한 사과나무들이 심어진 과수원의 안쪽으로 나 있는 흙길이 보이고, 왼쪽에는 채소밭이, 그리고 원경에는 숲이 우거진 작은 언덕이 보인다.

무지개가 걸려 있는 납빛의 하늘을 통해 방금 소나기가 내렸음을 알 수 있는데, 이 잠깐의 소나기 덕분에 작품 속의 자연 풍경 전반에 생기가 넘쳐 흐르고 있으며, 분할된 붓 터치를 이용하여 다양하게 표현된 녹색의 톤들이 이 생동감을 극대화하고 있다. 이 생동감은 요란한 소리와 함께 퍼부은 소나기가 지나간 후에 꽃이 만개한 나무들과 숲의 녹음이 빛을 발하며 새롭게 뿜어내는 투명한 신선함이라고 할 수 있다. 물기를 흠뻑 머금은 땅의 흙들은 마치 앞으로 다가올 여름의 풍요로움을 상징하는 듯하다.

작품 속의 길을 알록달록하게 장식하는 꽃들의 묘사에서 느낄 수 있듯이, 자연을 성실하게 관찰하는 것을 즐겼던 밀레는 이 작품을 통하여 루이스달이나 존 컨스터블과 같은 화가에 대한 동경을 표현했을 뿐만 아니라, 자연이 보여주는 어둠, 그리고 갑자기 나타나는 빛에 대한 자신의 애정을 일종의 '낭만주의적 시선'으로 표현했다. 또한, 그는 놀랍도록 신선한 색채를 통해 찰나의 순간을 화폭 안에 담고자 했다. 이러한 그의 노력은 바르비종을 자주 드나들며 나이 든 스승의 작품 세계를 예찬했던 모네와 시슬레, 바지유와 같은 젊은 화가들에게 전해졌다.

쇠라와 반 고흐로부터 깊은 사랑을 받았고, 특히 반 고흐로부터는 "밀레는 회화에 있어서 나의 아버지다."라고 언급할 정도의 큰 존경을 받았던 밀레, 평론가 뒤랑티로부터 '근대 농촌의 호메로스'라는 칭호를 받기도 했던, 농촌 화가이자 철학가인 밀레는 일상의 피곤함에 젖어 있지만 겸허함을 간직하고 있었던 농촌 사람들의 삶의 모습을 조명함으로써, 회화에 있어서의 확실한 윤리 의식을 구현했던 화가이다.

# data[].attributes.attachment_link.description
"나는 봄의 소나기를 바라보고 있다. 그리고 지금 이 순간, 내 눈은 봄비가 내리는 풍경만을 위하여 존재한다. 파릇파릇 돋아나는 초록의 잎들과 꽃이 만발한 나무들이 있는 풍경 속의 비와 무지개만을 내 눈이 느낄 수 있게 하기 위함이다." 「봄」은 프레데릭 하트만이 주문한 '사계(四季)'를 주제로 그린 네 점의 연작 중 하나이다.

# data[].attributes.headline
(이동하) 빈센트 반 고흐-별이 빛나는밤

# data[].attributes.subject
(이동하) 빈센트 반 고흐-별이 빛나는밤

# data[].attributes.body
그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

글

황주영/서울대 환경계획연구소 연구원/서양 미술사
이화여대에서 불문학과 영문학을 공부하고, 동대학 대학원 미술사학과에서 서양미술사를 공부했다. 풍경화와 정원에 대한 공부를 더 하러 간 파리에서는 어학원보다는 거리와 미술관, 공원과 정원을 더 열심히 다녔다. 서울대학교 협동과정 조경학 과정을 수료하고 번역과 원고 기고, 강의 등으로 생계를 꾸리고 있다.

# data[].attributes.attachment_link.description
빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

# data[].attributes.headline
(김효림) 빈센트 반 고흐-아이리스

# data[].attributes.subject
(김효림) 빈센트 반 고흐-아이리스

# data[].attributes.body
이 그림은 색상을 입힌 습작으로서의 의미를 지녔다. 강렬한 색상의 대조를 이루기 위해 그린 작품으로, 보라색 꽃을 노란 배경 위에 그림으로써 장식적 요소가 더욱 부각되도록 했다.
아이리스는 본래 보라색으로 칠해졌다. 그러다 시간이 지나 빨간 안료가 희미해지면서 파란색으로 변한 것으로 보인다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
이 그림은 반 고흐가 생 레미의 정신 병원에서 그린 정물화이다. 고흐에게 이 그림은 색상을 입힌 습작으로서의 의미를 지녔다. 강렬한 색상의 대조를 이루기 위해 그린 작품으로, 보라색 꽃을 노란 배경 위에 그림으로써 장식적 요소가 더욱 부각되도록 했다. 아이리스는 본래 보라색으로 칠해졌다. 그러다 시간이 지나 빨간 안료가 희미해지면서 파란색으로 변한 것으로 보인다. 반 고흐는 이 부케를 주제로 두 개의 그림을 그렸는데 또 하나의 정물화에서는 보라색과 분홍색을 초록색과 대조시켰다.

# data[].attributes.attachment_link.description
이 그림은 반 고흐가 생 레미의 정신 병원에서 그린 정물화이다. 고흐에게 이 그림은 색상을 입힌 습작으로서의 의미를 지녔다. 강렬한 색상의 대조를 이루기 위해 그린 작품으로, 보라색 꽃을 노란 배경 위에 그림으로써 장식적 요소가 더욱 부각되도록 했다. 아이리스는 본래 보라색으로 칠해졌다. 그러다 시간이 지나 빨간 안료가 희미해지면서 파란색으로 변한 것으로 보인다.

# data[].attributes.headline
(황지효) 빈센트 반 고흐  - 별이 빛나는 밤

# data[].attributes.subject
(황지효) 빈센트 반 고흐  - 별이 빛나는 밤

# data[].attributes.body
빈센트 반 고흐  - 별이 빛나는 밤
국적: 네덜란드
출생-사망: 1853년~1890년
빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는
<별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있
을 때 창문으로 내다보이는 밤 하늘을 그린 것이다.
고흐는 이 작품말고도 밤하늘에 관련된《밤의 카페 테라스》나 《론 강 위로 별이 빛나는 밤》에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.
나는 밤하늘을 좋아하는데 《밤의 카페 테라스》《론 강 위로 별이 빛나는 밤》<별이 빛나는 밤> 이 작품들을 볼때마다 많은 생각이 드는 것 같다

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

# data[].attributes.attachment_link.description
빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

# data[].attributes.headline
(이동현)  빈센트 반 고흐-아를의 별이 빛나는 밤

# data[].attributes.subject
(이동현)  빈센트 반 고흐-아를의 별이 빛나는 밤

# data[].attributes.body
아를의 별이 빛나는 밤 왼쪽에 그려진 두 척의 배는 작업 첫 번째 단계의 마지막에 그려졌는데, 이 사실은 돛대를 이루고 있는 수직의 긴 선이 아래쪽 물감이 채 마르기 전에 그려졌다는 흔적을 통해 확인되었다. 또한 물에 비친 빛을 표현한 가로 방향의 붓 터치들을 흩어 놓는 살짝 긁힌 흔적들도 발견되고 있는데, 이 효과는 반 고흐가 가지고 있었던 값비싼 도구였을 붓의 자루, 혹은 갈대에 의해 구현되었을 것으로 추측할 수 있다.

# data[].attributes.attachment_link.title
아를의 별이 빛나는 밤

# data[].attributes.attachment_link.description
빈센트 반 고흐가 주고 받았던 서신들을 살펴보면, 그가 얼마나 ‘밤의 효과’에 매료되어 있었는지를 잘 알 수 있다. 그는 프랑스 남부 지방의 아름다운 밤 풍경과 별이 무수히 빛나는 하늘을 무척 좋아했다. 1888년 9월, 아를에서 작성한 편지 속에서 그는 ‘별을 그리기 위해 밖으로 나갈 것’이라고 적기도 했다. ‘캄캄한 어둠이지만 그조차도 색을 가지고 있는’ 밤의 풍경을 화폭에 담기 위하여 반 고흐는 일종의 예술적인 도전을 시도하게 되었다. 그는 론 강가에서 밤의 빛, 그리고 빛이 투영된 물그림자를 통해 단순하면서도 복잡한 구성…

# data[].attributes.headline
(김재우) 작가 미상-물가풍경무늬 정병

# data[].attributes.subject
(김재우) 작가 미상-물가풍경무늬 정병

# data[].attributes.body
정병은 맑은 물을 담아두는 병으로, 본래 승려가 지녀야 할 열 여덟 가지 물건 중 하나였으나 점차 불전에 바치는 깨끗한 물을 담는 그릇으로 사용되었다. 불교의식을 할 때 쇄수게(灑水偈)를 행하면서 의식을 인도하는 승려가 솔가지로 감로수를 뿌림으로써 모든 마귀와 번뇌를 물리치도록 할 때 사용되기도 한다. 고려시대의 정병은 대체로 몸체가 계란형이며, 매끈하게 빠진 긴 목 위로 뚜껑 형태의 둥근 테가 놓인다. 그 위로 다시 대롱형의 물을 넣고 빼는 첨대(尖臺)가 솟아 있으며, 몸체 한쪽에는 중간을 잘록하게 좁힌 비녀처럼 생긴 귀때[注口]가 튀어나와 있다.

# data[].attributes.attachment_link.title
청동 은입사 물가풍경무늬 정병 | 국보·보물 검색

# data[].attributes.attachment_link.description
국립중앙박물관,정병은 맑은 물을 담아두는 병으로, 본래 승려가 지녀야 할 열 여덟 가지 물건 중 하나였으나 점차 불전에 바치는 깨끗한 물을 담는 그릇으로 사용되었다. 불교의식을 할 때 쇄수게(灑水偈)를 행하면서 의식을 인도하는 승려가 솔가지로 감로수를 뿌림으로써 모든 마귀와 번뇌를 물리치도록 할 때 사용되기도 한다. 고려시대의 정병은 대체로 몸체가 계란형이며, 매끈...

# data[].attributes.headline
(김도연) 빈센트 반고흐_별이 빛나는밤

# data[].attributes.subject
(김도연) 빈센트 반고흐_별이 빛나는밤

# data[].attributes.body
<별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다.수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

# data[].attributes.attachment_link.description
빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

# data[].attributes.body
이 작품은 수 많은 점으로 그려진 독립된 그림 두 점(작품)으로 구성되었다. 각기 분리된 별개의 공간이 완벽한 하나의 우주를 형성하도록 구성함으로써 더욱 완벽한 [우주 Universe]가 탄생할 수 있었다.
2019.11.24 크리스티 홍콩 경매에서 약 132억에 낙찰되어, 한국 미술품 경매 최고가 기록을 갖고 있다.

# data[].attributes.attachment_link.description
어린이/학생백과, 동물/식물, 건강, 역사, 자연과학, 인문과학, 미술작품, 비주얼사전 등 전문가들이 정리한 지식을 제공하는 종합백과서비스