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Michel Hubert Descours (1707-1775): "Joueuse de flûte", 1775.

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Michel Hubert Descours (1707-1775): "Joueuse de flûte", 1775.

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L’iconographie des femmes flûtistes est extrêmement rare, la flûte étant considérée au XVIIIe siècle comme un instrument « masculin »!….

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Le flûtiste Xavier Lozano joue une flûte construite avec...une barricade de rue!

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La flûte irlandaise ☘️  : l’interview d’Anna Besson par Alice Kron

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Concert filmé du 6 février 2021, point final des 3 samedis d’ateliers animés par Maholy Saholiariliva

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Version instrumentale + chant + mouvement de danse "épervier"

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version chant et instruments

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Berceuse  "Iny hono izy ravorana" (Groupe 3) - version choeur d'enfants, guitare et valiha

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Berceuse  "Iny hono izy ravorana" (Groupe 3) - version choeur d'enfants, guitare et valiha

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Groupe de flûtistes traditionnels malgaches

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Groupe de flûtistes traditionnels malgaches

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Flûtistes animant tout type de fêtes, en route vers un évènement!
(La musique commence à 1'19)

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Ankaratra 31 Aogositra 2016 Tarika Rakotoarimanana Sodina sy Dihy mirindra

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Afindrafindrao (groupe 1) - explications

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Afindrafindrao (groupe 1) - explications

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(Attention, les pas ne sont pas toujours synchro avec la musique, et la qualité du son est aléatoire), mais vous y trouverez quelques informations

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le quadrille, danse traditionnelle de MADAGASCAR.

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Afindrafindrao (groupe 1) - exemple dansé avec variations

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Afindrafindrao (groupe 1) - exemple dansé avec variations

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Danse malagasy Afindrafindrao par les débutants du club de danse de l'Alliance française de Tamatave

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Afindrafindrao (Groupe 1) - Danse emblématique de Madagascar - Version Valiha avec variations

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Afindrafindrao (Groupe 1) - Danse emblématique de Madagascar - Version Valiha avec variations

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Chant du matin (groupe 1)  - version flûte et guitare

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Chant du matin (groupe 1)  - version flûte et guitare

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Chant du matin (version flûte et guitare)

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Chant du matin (Groupe 1) -version chorale

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Chant du matin (Groupe 1) -version chorale

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Mandihiza Rahitsikitsika (groupe 2) - avec les paroles!

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Mandihiza Rahitsikitsika (groupe 2) - avec les paroles!

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Mandihiza rahitsikitsika - Chanson à gestes africaine (avec paroles)

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Medley avec les mélodies des danses des groupes 2 et 3

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Medley avec les mélodies des danses des groupes 2 et 3

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Mandihiza Rahitsikitsika/Diavolana Fenomanana + homme déclamant des nouvelles!

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VAMM - Mandihiza Rahitsikitsika Official Video

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Une journée à Madagascar

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Köhler, sérénade orientale , page 2

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Köhler, sérénade orientale , page 1

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Passacaille en do m de Bach, orchestrée par Respighi ; Insula Orchestra (sur instruments historiques, avec votre prof au piccolo 😇)

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J. S. Bach, Passacaille en do mineur - extrait

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On révise son flutebox avec Ludivine, qui est déjà venue 2 fois donner des masterclasses! Vous vous souvenez de tout? C’est parti!

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On travaille son ternaire avec la Romance de Beethoven

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Leçon 11 n.8: petite sonate op 13 n.4 de Boismortier

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Leçon 7 n.9 : premier concert: Variation 2

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Leçon 7 n.9 : premier concert: Variation 1

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Une mine d’accompagnements au piano ou orchestre du répertoire de la flûte!

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Une mine d’accompagnements au piano ou orchestre du répertoire de la flûte!

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Avec la partition qui défile sur l’écran!

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Flute Orchestral Backings & Piano accompaniments

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Orchestral backgrounds,Piano accompaniments for Flutists..professional recordings,Performance & Practice version for students ..

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Les anges dans nos campagnes à jouer une octave au dessus!

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Leçon 7 n.9 : premier concert: le thème

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Jingle bells 🔔

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We wish you a merry Christmas

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Une polka entraînante pour les 2C1/2C2

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Danse hongroise n.5 de Brahms

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✨Bon dimanche avec le concertino de Cécile Chaminade!

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Cécile Chaminade : Concertino (M. Calderini, G. Bellom)

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On prépare dès maintenant le concert familial de Noël 🤶 !

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Le petit poney de B. Fleurette

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On prépare dès maintenant le concert familial de Noël 🎄

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Un peu de folie avec le quintette Ouranos dans la 1ère Bagatelle de Ligeti; à la flûte Mathilde Calderini !

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[TEASER] Ensemble Ouranos - G. Ligeti - Bagatelle n°1

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Les conseils d’Emmanuel Pahud à propos du double et du triple détaché

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Double and Tripple Tonguing Emmanuel pahud

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Rencontre avec Romain Rancurel, facteur corse de flûte en corne de chèvre

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Les journaflûtistes #1
L’interview de Cosma Wang

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Oh danny Boy par le grand James Galway

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Reconnaissance de flûtes
Sauras-tu dire à quelle période appartient chaque flûte de la photo?

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La passeggiata del cagnolino

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Écossaise

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Le jardin des tuileries

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Scarborough fair au tin whistle (flûte irlandaise)

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Two guitars (airs traditionnels russes)

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Pavane des feuilles mortes d’Yves Henry

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La flûte selon Ana de la Vega

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😈 Connaissez vous l’intervalle du diable? 

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😈 Connaissez vous l’intervalle du diable? 

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La légende est célèbre dans l'histoire de la musique : il existerait un accord musical capable d'invoquer le Diable : le triton. Surnommé le " Diabolus in musica ", il fut totalement interdit par l'Eglise. Mais qu'en est-il réellement ?

La légende du " Diabolus in musica ", le diable dans la musique, © Getty / Grafissimo

L'histoire du " Diabolus in musica " est l'une des plus grandes légendes de la musique. Derrière l'ordre et la beauté divine de la musique, parfaitement établie depuis Pythagore, se cacherait le Diable. Pour invoquer cet être maléfique il suffirait ainsi de faire sonner un accord précis : le triton (quarte augmentée ou quinte diminuée).

En France, la légende du triton est parfaitement résumée par Alexandre Astier et Alain Kappauf dans l'épisode La Quinte Juste de Kaamelott :

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Mais ce fameux " Diabolus in musica ", fut-il réellement interdit par l'Eglise ?

Couvrez ce triton que je ne saurais entendre !

Selon la légende, l'intervalle du triton était si intolérable pour les oreilles des membres du clergé qu'il fut surnommé le " Diabolus in musica " et immédiatement proscrit par l'Eglise. Mais que dire donc des chants grégoriens tels que le Graduale: Misit Dominus qui portent en eux plusieurs tritons ?

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On trouve également le célèbre triton dans le Dum Sigillum Summi Patris de Perotin, issu de l'Ecole de Notre Dame de Paris, dans Amours me fait désirer de Guillaume de Machaut et le Se la mia Morte Brami de Gesualdo. Le triton apparait même dans la musique de Jean-Sébastien Bach, cette dissonance marquante incarne Judas dans la Passion selon Saint Jean. Comment expliquer que le triton a priori proscrit se trouve dans de si nombreuses œuvres musicales médiévales, de la renaissance et de la musique baroque ?

Parce qu'il n'existe en réalité aucune preuve écrite d'une interdiction formelle du triton, et encore moins d'une punition ou menace d'excommunication pour tout compositeur ou musicien qui oserait faire sonner un tel accord dans la Maison de Dieu.

Si l'Eglise exerce à l'époque un pouvoir social et politique alors inégalé, elle ne se permet pourtant pas d'interdire un accord musical. Lors du Concile de Trente, concile œcuménique de 1545 à 1563, plusieurs aspects musicaux sont en effet déterminés et décidés, mais le concile cherche seulement à mieux transmettre la parole de Dieu à travers la musique. La polyphonie musicale est ciblée pour avoir rendue - à leur sens - inintelligible cette parole dans les œuvres religieuses. Le Concile de Trente ne se concentre pas sur les règles de la composition musicale mais plutôt sur l'amélioration de l'adoration et de la révérence pendant la messe.

Ainsi, le " diabolus " ne fut pas chassé de la musique ni proscrit, mais plutôt évité pour sa complexité harmonique, qui pouvait aller à l'encontre de la pureté de la parole de Dieu. Sans parler de la difficulté pour les chanteurs de chanter un triton correctement, alors que l'oreille musicale tend vers la résolution des harmonies pures de la quarte ou de la quinte.

" Mi contra fa est diabolus in musica "

Le triton, proscrit ? Non. Dissonance à éviter ? Oui. Dès l'arrivée de la polyphonie dans la musique, le danger de la dissonance est fermement décrié, et ce dès le XIe siècle par le moine et pédagogue musical Guido d'Arezzo. Par son système de notation " Hexacorde ", il accorde à chaque note une position musicale absolue. Selon ce nouveau système, la musique vocale est ainsi divisée en trois hexacordes différents :

Afin d'éviter la dissonance du triton, Guido d'Arezzo déconseille strictement de faire sonner le mi de l'hexacorde naturale contre le fa du molle, ainsi que le mi du durum contre le fa du naturale (mais aussi le mi du durum contre le fa du molle).

Les bases établies par d'Arezzo sont ensuite approfondies au XVIe siècle par le polymathe Suisse et théoricien de la musique Glaréan. Dans son ouvrage majeur de 1547, Dodekachordon, il retrace l'utilisation des modes musicaux de la monophonie à la polyphonie. Il cite également deux modes " théoriques ", Locrien et Hypolocrien, jugés inutilisables en raison d'un triton naturel qui se trouve uniquement dans ces modes : ( si-do- ré-mi- fa-sol-la-si).

Ce n'est qu'en 1702 que le diable musical est cité pour la première fois, dans les écrits du compositeur et théoricien Andreas Werckmeister : " mi contra fa est diabolus in musica ", en référence au système de Guido d'Arezzo. Cependant, Werckmeister attribue le surnom de " Diabolus " aux " anciennes autorités ", menant à croire que l'expression était déjà en circulation depuis plusieurs siècles. D'autres compositeurs et théoriciens feront référence au " Diabolus " au début du XVIIIe siècle, dont Johann Joseph Fux en 1725, Georg Philipp Telemann en 1733 et Johann Mattheson en 1739.

Diabolus in musica, un phénomène culturel romantique

Malgré l'absence de proscription ecclésiastique, l'histoire s'est emparée de l'idée du " Diabolus in musica " et de ses pouvoirs maléfiques. Bien des siècles après l'époque médiévale, l'association au diable fut le fruit de l'imaginaire romantique du XIXe siècle, qui prend à la lettre le nom de " Diabolus in musica " pour y faire ressortir une connotation littéraire jusqu'alors ignorée. De dissonance musicale désagréable, le triton se voit accorder le pouvoir maléfique de littéralement représenter le Diable lui-même.

La tension progressivement acceptée et même recherchée dans la musique, les compositeurs romantiques font du triton un élément récurrent de la musique du XIXe siècle, souvent utilisé pour sa couleur mystérieuse et sa tension innée. D' Après une lecture du Dante : Fantasia quasi Sonata de Liszt à La Damnation de Faust et la Symphonie Fantastique de Berlioz, en passant par la Sonate des trilles du Diable de Tartini et notamment la Danse Macabre de Saint-Saëns qui fait sonner dès son ouverture un triton grinçant violemment martelé par le violon, le triton devient littéralement le " Diabolus " dans la musique.

Du diable dans la musique à la musique endiablée

Si le triton est largement évité jusqu'au XIXe siècle pour sa sonorité désagréable et sa complexité, il est accueilli à bras ouverts dans la musique moderne . On peut l'entendre dans Purple Haze de Jimi Hendrix, Black Sabbath de Black Sabbath, Enter Sandman de Metallica, dans l'air " Maria " de West Side Story de Leonard Bernstein et même dans le thème de Les Simpsons. Il existe cependant un genre précis dans lequel le triton deviendra l'un des piliers harmoniques fondamentaux, sans aucune connotation diabolique : le jazz.

Dans la théorie harmonique du jazz, le triton assiste à la substitution tritonique, technique de substitution d'accords permettant de remplacer la dominante diatonique par la dominante chromatique du fait que ces deux partagent le même triton.

Technique de composition couramment utilisée dans la musique classique depuis plusieurs siècles (sous le nom de sixte augmentée allemande), le triton trouvera finalement sa place dans les œuvres aux modulations frénétiques du jazz telles que Giant Steps de John Coltrane.

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La légende du " Diabolus in musica ", le diable dans la musique

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La légende est célèbre dans l'histoire de la musique : il existerait un accord musical capable d'invoquer le Diable : le triton. Surnommé le " Diabolus in musica ", il fut totalement interdit par l'Eglise. Mais qu'en est-il réellement ?

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La danse de la chèvre d’Arthur Honegger
Avec Mathilde Calderini, flûte solo de l’orchestre philharmonique de Radio France

La faunothèque explore le répertoire inspiré des animaux. Aujourd’hui c’est la flûte, qui pour une fois n’est pas un oiseau mais... une chèvre 🐐 !

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Arthur Honegger : La Danse de la chèvre - La Faunothèque

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Instrument de torture utilisé au Moyen Âge pour punir...les mauvais musiciens ! Alors...à vos gammes!!!

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La flûte de la honte était la terreur des musiciens au Moyen-Âge, et elle fait encore frémir aujourd'hui quand on la voit. Il s'agit d'un instrument de torture destiné à humilier notamment les joueurs de flûtes considérés comme mauvais.

La flûte de la honte vient des Pays-Bas

Il s'agit d'une invention curieuse. Cet appareil, utilisé au Moyen-Âge, avait pour but de châtier les mauvais musiciens. L'objet, une lourde clarinette en fer, était enchaîné au cou. Le malheureux avait les doigts attachés aux touches, ce qui les empêchait de bouger et les broyait même. Il est donc impossible de sortir un son dans cette flûte, l'objectif étant de seulement donner l'impression que le musicien joue. Mais cette douleur ne suffisant apparemment pas, il devait aussi défiler en ville, sur la place publique, cible de jets de légumes et de fruits pourris.

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Même si cette pratique est terrifiante, elle obligeait certainement les musiciens à passer quelques heures supplémentaires à travailler leurs gammes. Cette invention, que le célèbre barde Assurancetourix n'a heureusement pas connue, tire son origine des Pays-Bas. On peut d'ailleurs trouver ces fameux objets au Musée du crime médiéval de Rothenburg ou encore au Musée de la torture d'Amsterdam.
Antoine Mouly

La flûte de la honte était une torture réservée aux mauvais musiciens. Principalement pratiquée à Amsterdam, au Moyen Âge, la flûte était fixée au cou par un collier en fer et les doigts du musicien étaient coincés à l'instrument, la punition faisait extrêmement souffrir. pic.twitter.com/z3GTzXmwbQ

- Bouteflikov ™ 📚 (@Bouteflikov) November 25, 2019

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Il s'agit d'une invention curieuse. Cet appareil, utilisé au Moyen-Âge, avait pour but de châtier les mauvais musiciens. L'objet, une lourde clarinette en fer, était enchaîné au cou. Le malheureux avait les doigts attachés aux touches, ce qui les empêchait de bouger et les broyait même.

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Un peu d’humour!
10 cauchemars en déchiffrage! (En anglais et au violon, mais très facile à comprendre et surtout très drôle!)

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C’est en anglais, mais ça permet de bien entendre cette flûte en bambou!

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Intro Bamboo Flute Lesson with Dora Wang

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Bonjour Johanne, pourrais-tu mettre musique mongole et les bergers mongoles ?merci beaucoup ! Cosma

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WALCKIERS, rondo auvergnat , extrait des Délassements du flûtiste , par Anna Besson
« Un auvergnat, plein de cette douce chaleur qu’on achète chez le marchand de vin, embouche sa musette, et fait résonner un chant de son pays. Au moment où notre virtuose s’abandonne à toute sa verve, arrivent les chiens du quartier ; attirés par cette musique burlesque, ils viennent mêler leur voix à ses accents. Quoi qu’habitué à cette sorte d’accompagnement, notre Auvergnat la trouve peu de son goût ; aussi, ses accents sont devenus moins vifs, moins animés ; ils sont même plaintifs. Bientôt, cependant, narguant le chagrin, il reprend gaiement son refrain, sur lequel il s’éloigne lentement. »

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Variations on Folk Songs - Beethoven, Kuhlau & Doppler

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Concerto pour flûte en Sol M , page 3

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Concerto pour flûte en Sol M , page 2

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Quantz, Concerto pour flûte en Sol M , page 1

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Bonne humeur et énergie solaire, voici de la très belle flûte dans un très beau concerto: j’ai nommé Joséphine Olech dans le concerto en SolM de Quantz!
Pour les plus grands, la partition est dans l’onglet cycle 3!

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J.J. Quantz, Flute Concerto in G Major - Joséphine Olech

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Novembre 2020, le grand défi du 2ème confinement!

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Novembre 2020, le grand défi du 2ème confinement!

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Devenez journaflûtiste!
Et si nous créions un journal de la classe de flûte?
Écrivez en commentaire des idées d’articles que vous souhaiteriez rédiger, des rubriques, des illustrations, des interviews de compositeur.trice.s ou de grand.e.s flûtistes ? Des articles historiques ? De fausses publicités humoristiques ? Une découverte de flûtes du monde? Une rencontre avec un luthier ou un facteur de flûte ?
A vos idées et à vos plumes!

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Tico tico no Fubá par l’Orchestre des jeunes de Bahia

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NEOJIBA - Orquestra Juvenil da Bahia - Tico Tico no Fubá (Realização: IDSM/Governo da Bahia/SJDHDS)

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Le pouvoir expressif et affectif des tonalités

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Do majeur est-il " gai et guerrier " comme l'affirme Marc-Antoine Charpentier en 1690 ? Mi majeur convient-il " aux chants tendres et gais, ou encore au grand et au magnifique " comme écrit Jean-Philip Rameau en 1722 ? Lorsque Ludwig van Beethoven compose son opéra Fidelio, ses tonalités sont sélectionnées avec soin. Il accorde ainsi à Pizarro, personnage complexe, un accord en sol dièse majeur (tonalité avec six dièses et un double dièse), afin d'exprimer musicalement la complexité de son caractère.

Pour d'innombrables compositeurs et théoriciens depuis la Grèce antique jusqu'au début du XXe siècle, chaque tonalité exprime une émotion précise. Mais si le pouvoir affectif des tonalités est un fait remarqué par de nombreux compositeurs, ces mêmes tonalités évoquent différents avis quant aux émotions exprimées.

En 1739, par exemple, le théoricien et compositeur Johann Mattheson affirme que la tonalité de mi majeur représentait le désespoir absolu, alors que pour Hector Berlioz, près d'un siècle plus tard, la tonalité est des plus brillantes, splendides et nobles. Qu'en est-il donc du pouvoir expressif des tonalités ?

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L'origine de l'affect des tonalités

L'idée d'une capacité expressive et affective des tonalités est intrinsèquement liée à l'histoire et l'évolution du tempérament. Même avant l'arrivée des tonalités entre les XVIe et XVII siècles, les modes de la musique de la Grèce antique, nommés " harmoniai ", portaient déjà leurs propres pouvoirs affectifs.

Dans La République, Platon avisait même contre l'usage de certains " harmoniai " auprès des jeunes, par peur de corrompre leur comportement ainsi que leur morale. Les soldats, quant à eux, devaient éviter la musique avec des " harmoniai " sans virilité comme le lydien, le mixolydien ou l'ionien.

Au cours des XVIe et XVIIe siècles, de nombreuses évolutions artistiques, technologiques, et philosophiques mènent la musique vers la tonalité, une nouvelle forme de conception conçue afin de s'éloigner de l'austérité médiévale de la musique modale. Le tempérament selon la quinte pure, jusqu'alors vénéré dans la musique modale depuis Pythagore et Boèce, est remplacé par un tempérament qui favorise la tierce majeure pure (en réduisant l'intervalle de la quinte), le tempérament mésotonique.

Si ce nouveau tempérament, développé par Pietro Aaron et Gioseffo Zarlino, permet aux compositeurs d'employer des différentes tonalités et d'explorer une musique instrumentale aux harmonies progressivement plus complexes, il est inégal dans la pureté de ses intervalles entre chaque demi-ton. Ainsi, certaines tonalités sont considérées plus " pures " que d'autres, ce qui mène de nombreux théoriciens et compositeurs à percevoir une variété de couleurs et d'émotions parmi les différentes tonalités.

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L'inégalité variable de ce nouveau tempérament crée une variété d'accordages uniques tels que Werckmeister, Kirnberger, Neidhardt et Vallotti : chaque tonalité et manière d'accorder ont leur propre couleur, que les compositeurs tels que Charpentier, Rameau, Rousseau, Bach, Haendel, Mozart, et Beethoven prétendent ressentir et exploitent consciemment.

Par leurs différences micro-tonales d'intervalles, source importante des caractéristiques pour chacune des tonalités, le tempérament inégal offre aux compositeurs une variété essentielle afin d'enrichir les capacités expressives de leur musique.

Prenons pour exemple : les 48 Préludes et Fugues de Johann Sebastian Bach. Faussement qualifiée d'œuvre à tempérament " égal ", du fait que les 12 tonalités soient jouables sur le même instrument, les préludes et fugues de Bach sont en réalité une démonstration des caractéristiques uniques de chaque tonalité, jouées l'une après l'autre sur un seul instrument sans avoir à accorder ce dernier et en évitant les diverses complications de modulations de tonalités.

Emotion innée, convention, ou psychologie ?

Mais d'où proviendrait ce mystérieux pouvoir affectif des tonalités? L'une des possibilités proviendrait de l'usage de certains instruments. L'association de ré majeur à la puissance et à la gloire religieuse serait liée à la puissance majestueuse des trompettes naturelles, souvent accordées en ré. Du côté des instruments à cordes, les tonalités à cordes ouvertes (sol majeur, ré majeur et la majeur) sont naturellement plus brillantes et ainsi plus puissantes.

L'affect des tonalités serait également le fruit d'une association de certains sentiments avec des tonalités précises par le biais d'œuvres majeures précédentes : Beethoven aurait-il choisi la tonalité de ré majeur pour sa Missa solemnis après avoir découvert les Gloria, Credo et Sanctus en ré majeur de la Messe en si mineur de Bach, le Messie de Haendel (et son puissant Hallelujah en ré majeur), ainsi que la Missa Brevis en ré majeur de Mozart ? Plutôt que par un pouvoir " inné ", la conception de l'affect serait ainsi en partie le fruit de fortes impressions reçues par les compositeurs et des publics.

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Malgré ces explications concrètes, l'envie au XIXe siècle de trouver une réponse au mystère de l'affect des tonalités poussent de nombreux théoriciens vers un raisonnement ancré dans la psychologie. Ainsi, les tonalités majeures sont naturellement joyeuses et brillantes, alors que les tonalités mineures sont sobres et sombres. A cela s'ajoute les altérations harmoniques : le dièse rend une tonalité plus brillante et le bémol, inversement, encore plus sombre (une idée déjà évoqué depuis la fin du XVIIe siècle par Charpentier et Rousseau).

Quel "la" choisir ?

Les différentes tonalités sont en effet uniques et distinctes, mais comment accorder cela avec les différentes fréquences du même ton utilisées pour accorder des instruments, non seulement à travers l'Europe mais également au sein d'un seul et même pays ?

Jusqu'à la fin du XIXe siècle, aucun accordage unique n'est partagé entre les différents pays européens. Aujourd'hui réglé à 440 Hz (une onde à 440 cycles par seconde), le la en Angleterre au début du XVIIIe siècle se trouve autour de 380 Hz, alors que le la des orgues de Johann Sebastian Bach à Hamburg, Leipzig et Weimar est réglé à 480 Hz, soit une différence de presque 4 demi-tons.

Peut-on parler d'un affect lié aux différentes tonalités si ces tonalités ne sonnent pas de la même façon d'un pays à l'autre ? Si les mêmes notes ne sont pas accordées de la même manière entre chaque pays, les relations entre les tons selon les tonalités restent les mêmes : ainsi, les couleurs de chaque tonalité ne sont pas impactées.

1917 : le tempérament égal, ou la fin du pouvoir affectif des tonalités

Le début du XXe siècle signale un changement majeur dans l'histoire de la musique : l'implémentation du tempérament égal, une répartition des douze demi-tons de l'octave en intervalles chromatiques complètement égaux. Basé sur les gammes pythagoriciennes construites autour des quintes, le tempérament égal est déjà en circulation depuis des siècles, si ce n'est de manière jusqu'alors mathématiquement imprécise, par manque de moyen de mesurer correctement la fréquence des intervalles.

Ce n'est qu'en 1917 que le tempérament égal est finalement maîtrisé, avec la publication de l'ouvrage " Modern Piano tuning and Allied Arts including Principles and Practice of Piano Tuning " de William Braid White (1878-1959), théoricien et technicien-accordeur de pianos. Ayant développé une méthode scientifique capable de mesurer les battements d'ondes entre chaque intervalle, White permet ainsi au piano d'être accordé de manière " égale " entre chacun des tons.

L'ère du tempérament égal est arrivé, et remplace progressivement les tempéraments inégaux du XIXe siècle, qui donnent selon White " un caractère précis à chaque tonalité " mais qui empêchent le pianiste de moduler librement vers toutes les tonalités.

L'adoption progressive du tempérament égal au début du XXe siècle implique une homogénéisation des différentes tonalités afin que chacune puisse être jouée de manière similaire. Mais cette homogénéisation efface également les différentes couleurs et nuances affectives associées aux différentes tonalités.

Cependant, si ce nouveau tempérament efface certaines nuances, il en présente d'autres. Maintenant parfaitement maîtrisé, le tempérament égal mène la musique vers de nouveaux horizons et une modernité musicale loin de l'expression affective, notamment la polytonalité, la musique atonale, le dodécaphonisme, la tonalité symétrique et même le jazz pour piano.

Aussi, le tempérament égal ne serait qu'un tempérament parmi plusieurs, adapté aux répertoires modernes du XXe siècle mais inapproprié selon certains pour la musique des siècles passés, au risque d'effacer ses pouvoir affectifs.

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Le pouvoir expressif et affectif des tonalités

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Depuis la musique modale de la Grèce antique et à travers l'histoire de la musique classique, les différentes tonalités musicales expriment prétendument des sentiments uniques de manière innée. Les 24 tonalités musicales possèderaient-elles réellement des pouvoirs expressifs et affectifs ?

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Les contre-faiseurs de Corrette

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Jouer aussi la basse
J’en ai assez de jouer tout.e seule? Et si je m’enregistrais la basse de mon morceau à la flûte (oui, oui, en clé de Fa!) pour m’accompagner ?

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Pour quel public aurais-tu envie de jouer?

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Musique en famille
Une famille très talentueuse, une mélodie pleine de tendresse et de douceur, la beauté à l’état pur!

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🌓 Au clair de lune d’Ernesto Köhler
Vidéo dans la colonne « vidéo du jour »

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Un concert !
Je choisis quelques partitions qui me plaisent et je les glisse (avec ma flûte !) dans ma valise.
Je prépare un petit concert pour ma famille.
Pour pimenter un peu le défi,  pourquoi pas essayer de donner une aubade publique au marché du village, dans un jardin ou devant une fontaine ?

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pas de la flute

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Regardez La flute enchantée - aluman59 sur Dailymotion

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Beaucoup de concentration pour cette flûtiste!!!!

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Lundi 15 septembre 2014 dans la salle de concert d'Odense au Danemark pendant un concours international de flûte, un papillon s'est posé sur le visage de la flûtiste japonaise Youkie Ota. La flûtiste imperturbable a continué à jouer la Sonatine de Sancan à la flûte traversière. Je crois que ce papillon est mélomane.

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Un papillon se pose sur le nez d'une flûtiste en plein concert!

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Lundi 15 septembre 2014 dans la salle de concert d'Odense au Danemark pendant un concours international de flûte, un papillon s'est posé sur le visage de la flûtiste japonaise Youkie Ota. La flûtiste imperturbable a continué à jouer la Sonatine de Sancan à la flûte traversière. Je crois que ce papillon est mélomane.

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Une autre jeune fille talentueuse
...de la part de ROSE

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Fanny joue "Badinerie" & "Le vol du bourdon" à la flûte traversière - Prodiges 2

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Comment faire les doigté à la flûte traversière

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Une jeune fille très talentueuse
...de la part de Rose

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Au clair de lune ☾ Ernesto KÖHLER pour flûte traversière solo

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La flûte, comment ça marche?
...de la part de Rose

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La flûte traversière, comment ça marche ? Naïssam Jalal - Culture Prime

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Nerini, Romance sans parole - page 3

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Nerini, Romance sans parole - page 2

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Nerini, Romance sans parole - page 1

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Karg-Elert, Impressions exotiques, 1.Idylle champêtre

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La douceur d’un soir d’été...
Corrette, Sonate pour flûte op13a n.4
Ensemble baroque Le Damier

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ENSEMBLE LE DAMIER // CORRETTE, Sonate pour flûte et basse continue Op.13a n°4, Largo

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Danse française

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Le coucher du soleil 🌞