# data[].attributes.headline
TP7 - La création musicale par les technologies

# data[].attributes.subject
TP7 - La création musicale par les technologies

# data[].attributes.body
Travail réalisé avec "Groove Pizza" et "Soundtrap"

# data[].attributes.headline
Document : Trucs et astuces pour une gestion de classe efficace

# data[].attributes.subject
Document : Trucs et astuces pour une gestion de classe efficace

# data[].attributes.headline
Document : Trucs et astuces lors des suppléances

# data[].attributes.subject
Document : Trucs et astuces lors des suppléances

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La gestion de la classe est à mes yeux l'élément le plus important à maîtriser comme enseignant. Une gestion de classe efficace favorise l'apprentissage, crée un environnement sécurisant et réduit le nombre d'interventions disciplinaires. Je vous partage ici 10 trucs pour avoir une bonne gestion de classe.

Les nouveaux enseignants d'aujourd'hui entrent dans un système d'éducation où l'on favorise les échanges, la collaboration et l'aménagement flexible. Sans avoir de prime abord une gestion de classe solide, ces initiatives qui sont supposées enrichir l'environnement d'apprentissage viendront y nuire. De là vient l'importance d'instaurer des routines et des règles claires avec vos élèves dès le début de l'année.

Ma carrière jusqu'à présent s'est déroulée dans une école secondaire auprès de préadolescents de 12 et 13 ans. J'ai développé ces stratégies au fil des ans (j'enseigne depuis plus de dix ans), certaines venant de ma tête, d'autres de livres, de formations ou de mes collègues. Les opinions dans le texte sont les miennes et ne conviendront pas nécessairement au style d'enseignement ou aux valeurs scolaires de tous. Utilisez ce qui vous sera utile. Ma clientèle viendra aussi teinter les stratégies que je vous présenterai. Il sera donc nécessaire pour vous d'adapter certains astuces selon le groupe d'âge auquel vous enseignez.

10 stratégies incontournables pour une gestion de classe efficace

1. Créer un lien positif avec ses élèves

Que se soit en les accueillant à la porte lorsqu'ils entrent dans votre classe, en vous intéressant à leurs intérêts ou en les laissant personnaliser leur espace de travail, vous démontrez à vos élèves qu'ils sont importants et qu'ils sont respectés. J'aime demander aux élèves de décorer mon babillard en début d'année et j'y affiche aussi des photos de mes groupes. Ils se sentent chez eux dans mon local. Commencer le cours en leur souhaitant la bienvenue ( Bon matin! Bon après-midi!) et en leur demandant s'ils vont bien crée un environnement bienveillant. Un élève qui se sent accueilli, écouté et respecté sera plus motivé à respecter votre façon de fonctionner et vos règles de vie.

2. Marcher la classe

On nous apprenait cette stratégie en formation lors de mon entrée en poste en 2007. Et comme elle est précieuse! La proximité règle plusieurs problèmes de discipline. Marcher dans le local pendant que vous parlez ou donnez des consignes garde les élèves alertes. Ils vont tourner la tête ou même tout le corps pour vous suivre des yeux. Durant un temps de travail au siège (seul ou en équipe), circuler entre les pupitres vous permet de voir si les élèves sont à la tâche et fera en sorte que les plus bavards se forceront d'avoir au moins l'air de travailler lorsque vous arriverez à proximité. Si un élève dérange, vous approcher de lui ou vous placer à côté de sa chaise pour donner vos consignes suffira souvent pour qu'il arrête... sans même que vous ayez prononcé son nom.

3. Insister sur le droit de parole

Lorsque vous élaborez vos règles de vie en début d'année, assurez-vous d'adresser le droit de parole. Un enseignant qui a le droit de parole ne devrait pas se faire interrompre par un élève. Si un élève choisit de parler lorsqu'il n'a pas le droit de parole, je m'arrête, je le regarde et je lui pose la question suivante : Qui a le droit de parole?. Habituellement, c'est suffisant pour qu'il se taise.

J'utilise aussi le non verbal pour démontrer à un élève qu'il parle sans avoir le droit de parole. Les élèves aiment poser des questions sans lever la main. Si un élève m'adresse la parole sans avoir levé la main, je le regarde, sans rien dire, et je lève ma main (pour lui indiquer qu'il devait lever sa main avant de parler). Je porte ensuite mon attention vers un autre élève qui a la main levée, pour finalement revenir au premier élève s'il a compris qu'il devait lever sa main.

Une enseignante lors de mon premier stage en enseignement m'avait démontré l'importance de ne pas répondre aux commentaires gratuits des élèves (si un élève parle sans avoir levé la main où lors d'un moment inapproprié). J'avais constaté à quel point je répondais souvent aux élèves qui n'avaient pas le droit de parole, surtout à ceux qui commentaient ou posaient des questions au sujet du travail. Cela ne faisait que confirmer aux autres que le droit de parole n'était pas important et que tout le monde pouvait parler quand il le souhaitait. En faisant cette prise de conscience, j'ai pu ajuster ma façon de faire et j'ai vu des résultats positifs.

4. Limiter les déplacements

J'ai une règle claire en classe : tu restes assis à ta place lors des instructions et pendant les capsules d'enseignement. Si un élève doit se lever durant ce temps, il doit lever la main et demander la permission. Durant les temps de travail au siège, je permets aux élèves de se lever pour se moucher, tailler leur crayon, aller chercher une ressource ou me poser une question.

Par contre, dans un groupe plus turbulent ou lors d'une journée plus mouvementée, ma règle change un peu et les élèves doivent demander la permission de circuler même durant ces moments. Si l'enseignant marche la classe, il peut facilement répondre aux questions des élèves sans qu'eux aient à les trouver, enlevant le besoin de se lever.

Avec mes préados, une classe peut facilement devenir un zoo si nous ne limitons pas les déplacements. Un attroupement devant le taille crayon, une chorale de nez qui se mouchent près de la poubelle, une bataille de manuels scolaires près des étagères, un ordinateur échappé par terre... Gardez en tête que j'enseigne des cours de 60 minutes après lesquels mes élèves ont 7 minutes de pause pour socialiser et se rendre à leur prochain cours. Je leur permet tout de même de circuler durant des transitions (entre les travaux), parfois un petit groupe à la fois selon les élèves. De plus, si je sens mes élèves plus agités que la norme une journée, je mets une bonne chanson et ils peuvent se lever, s'étirer et (pour les braves) danser.

5. Être conséquent

L'élève doit comprendre l es règles d'or de la classe. Faites-y référence souvent (affichez-les!). Il doit aussi comprendre quelle conséquence se rattache à ses mauvais choix. Parlez-en et soyez constants. Chaque mauvais choix a sa conséquence et celle-ci est appliquée de façon constante, peu importe l'élève, à chaque fois qu'il se produit. Cela demande beaucoup de concentration et d'énergie de votre part, surtout en début d'année, mais ça en vaudra le coup une fois votre gestion de classe établie. Vous vous féliciterez en février lorsque vos élèves seront encore à l'ordre et respectueux.

Au lieu de toujours punir les élèves pour leurs mauvais choix, récompensez-les pour leurs bonnes actions. J'utilise un système de renforcement depuis 2008 qui fonctionne à merveille avec mes élèves. Vous savez, plus ils sont tannants, plus ils ont besoin de renforcement positif (et d'amour). Félicitez-les lorsqu'ils font un bon coup.

6. Communiquer avec les parents

Une communication ouverte entre l'école et la maison est essentielle. Établissez un premier contact le plus tôt possible, que ce soit à une soirée d'information ou dans une lettre de bienvenue. Communiquez avec eux lorsqu'il y a un problème ou lorsque vous avez des inquiétudes. Selon moi, un parent devrait être avisé si son enfant manque de respect en classe ou s'il peine à compléter ses travaux. Savez-vous quel est mon truc avec les élèves difficiles? Je communique avec les parents de façon régulière, en faisant un effort de souligner les bons coups. J'ai un élève en tête justement, à qui j'ai enseigné il y a quelques années qui était assez problématique. À force de le féliciter et d'envoyer des courriels positifs à ses parents lorsqu'ils avaient une belle journée, j'étais devenue sa meilleure alliée. Essayez-le, vous verrez la différence!

7. Donner des consignes claires

Avant de mettre les élèves à la tâche, assurez-vous que vos consignes soient claires. Écrivez-les au tableau (numérotez-les, c'est encore mieux). Affichez les référentiels qu'ils peuvent utiliser pour avoir plus d'information à l'écran ou à l'aide d'une aimant sur le tableau. Ils pourront les retrouver plus facilement dans leur cartable. Si vous avez oublié de donner une consigne et que vous voulez interrompre leur temps de travail, assurez-vous d'avoir le silence et l'attention de tous avant de parler. Sinon vos propos risquent d'être compris seulement par quelques uns.

Au lieu de lever la voix ou d'éteindre les lumières lorsque je veux leur attention une fois qu'ils travaillent en équipe, j'utilise ma phrase du silence : Si tu m'entends, lève la main. Je la répète deux ou trois fois et, habituellement, j'ai l'attention de tous. Je dois par contre parfois ajouter la phrase suivante : Si tu as la main levée, garde la bouche fermée.

8. Utiliser une minuterie

Pour être engagés et rester à la tâche, un élève doit connaître les deux choses suivantes :
1. Qu'est-ce que je dois faire?
2. Combien de temps ai-je pour le faire?

Une fois vos consignes données et inscrites au tableau, affichez une minuterie à l'écran ou utilisez un sablier pour délimiter le temps de travail. Ce truc est fantastique lors des travaux d'équipe. Les élèves ont plus de chances d'avoir un produit final s'ils ont reçu une contrainte de temps. Sans contrainte, ils risquent de socialiser et votre travail, aussi intéressant qu'il soit, passera au deuxième plan.

Je mesure parfois le temps de travail en chansons au lieu de minutes : Vous avez deux chansons pour corriger votre dictée.Par contre, avec mes groupes plus agités ou plus facilement distraits, j'évite de le faire trop souvent. La musique pour certains est une distraction qui fait aussi augmenter le volume du bruit dans le local.

9. Aménager la classe selon votre style d'enseignement et vos besoins

Un nouvel enseignant, selon moi, devrait premièrement établir une gestion de classe solide avant de s'aventurer dans l'aménagement flexible. Il n'y a rien de mal à placer les pupitres de façon plus traditionnelle le temps d'apprendre à connaître vos élèves. Des pupitres collés deux par deux ou même placés en rangées aideront les élèves à éviter les distractions, à être mieux attentifs durant les consignes et à rester concentrés durant les tâches individuelles. Les meubles peuvent facilement être déplacés temporairement pour une activité de groupe. L'aménagement de la classe n'empêche pas les activités pédagogiques qui peuvent y avoir lieu.

Faire la gestion de classe lorsque nos élèves sont assis en groupes de quatre, ou encore lorsqu'ils n'ont pas tous un pupitre, est un grand défi, même pour les enseignants chevronnés. Pensez-y bien. Optez peut-être pour un aménagement plus flexible après les vacances de Noël lorsque les élèves comprendront mieux vos normes de fonctionnement ou lors d'activités spéciales durant l'année. À chacun son style. Découvrez le vôtre avant de vous aventurer dans de gros projets.

Faites la tournée de ma salle de classe pour voir comment j'assigne les places lors des premières semaines d'école.

Il est aussi une bonne idée d'assigner des places. Celles-ci peuvent changer à chaque mois si vous le voulez. Toutefois, un préadolescent sociable doit comprendre que choisir son espace de travail est un privilège. Le but premier de la salle de classe est l'apprentissage. C'est le rôle de l'enseignant de choisir un plan de classe qui facilitera la concentration et favorisera l'apprentissage de ses élèves. S'asseoir avec son ami n'est probablement pas le meilleur choix. En ayant des places assignées, vous assurerez aussi un meilleur suivi avec vos suppléants lors d'une absence. Vous pourrez aussi utiliser le choix de place comme récompense durant l'année (journées spéciales, fin de mois, activités en équipes, etc.).

10. Planifier les débuts et les fins de cours

Lorsqu'un élève entre dans ma classe, il sait ce qu'il fera durant la période grâce au menu du jour. Il sait aussi ce qu'il doit faire au son de la cloche puisque j'inscris une consigne au tableau sous une grosse image de cloche. Cette consigne est assez simple, demandant aux élèves de sortir une feuille, d'aller chercher leur ordinateur ou même de continuer un travail déjà entamé. On peut aussi afficher des activités relais ou des énigmes qu'ils peuvent compléter dans un cahier à cet effet ou sur des cartes. Choisissez ce qui vous convient le mieux. Chose certaine, cette pratique fait en sorte que le cours commence par lui-même, sans que vous ayez eu à demander à vos élèves de se taire. Pour renforcer cette routine de début de cours, j'utilise mon système de récompense. Les élèves s'habituent durant les premières semaines scolaires.

Ayez aussi des activités pour vos élèves lorsqu'ils finissent un travail, sinon, certains se feront un plaisir de déranger les autres. J'ai un cahier d'activités (mots croisés, sudoku, dessin, énigmes, etc.), des revues et des mini-romans à cet effet. J'encourage aussi les élèves à s'avancer dans leurs devoirs ou à faire de la lecture personnelle. J'indique souvent l'activité de fin de cours au tableau, à la suite de mes consignes pour un travail. Cette stratégie est particulièrement importante lors d'une évaluation, pour vous assurer que les plus rapides soient occupés et silencieux jusqu'à la fin du temps alloué.

Bref, nous avons tous un style d'enseignement différent. Comme jeune enseignante en début de carrière, c'était mon organisation, ma fermeté et ma constance qui m'ont permis de survivre. Je n'étais pas parfaite et je suis loin de l'être encore aujourd'hui. Je m'adapte à chaque groupe et aux changements dans le système scolaire. Certains jours je suis moins patiente, d'autres je suis moins conséquente (surtout si j'ai soigné un enfant malade une grande partie de la nuit). Cependant, les élèves seront plus stables et profiteront moins de moi ces jours là s'ils connaissent et respectent déjà mes normes de fonctionnement. Parce que, dans le fond, c'est ce qu'on cherche à établir dans notre salle de classe : le respect. Grâce à une gestion de classe gagnante, nous allons créer un environnement où règne le respect, pour nos élèves, mais pour nous aussi.

# data[].attributes.attachment_link.title
Le fabuleux destin d'une enseignante: 10 stratégies incontournables pour une gestion de classe efficace

# data[].attributes.attachment_link.description
Ressources en enseignement. Activités pour les enseignants primaire, intermédiaire, secondaire. Stratégies, technologie, francophonie.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Quand vient le temps de gérer sa classe, on a souvent l'habitude d'instaurer un système d'émulation ou des règles et de supporter toutes ces règles par des punitions. Très vite, on apprend que ça fonctionne (du moins partiellement !), mais ça a le vicieux défaut de devoir demander une vigilance constante de la part de l'adulte en plus de miner considérablement l'apprentissage de l'autonomie de la part des élèves. De plus, ça réduit les comportements qu'on veut voir disparaître, sans toutefois les enrayer définitivement. Résultat : On s'épuise et on s'endort en réfléchissant sur comment on pourra mieux contrôler le lendemain...
Il y a d'autres voies ( ?), moins visibles et surtout moins bruyantes (faisant partie du gain de l'autonomie de la pédagogie 3.0), mais combien plus payantes sur le long terme! Voici quelques trucs que j'ai mis sur pied et où je vous invite à comparer avec vos méthodes!

P.S. Sachez que ces méthodes prennent plus de temps pour démontrer leurs avantages alors persévérez!

1-Le respect commence dès l'entrée en classe.

Chaque matin, personne ne peut me déranger lorsque les élèves entrent dans la classe. Je me place dans l'antre de la salle et je salue chacun par son prénom. Ça me permet d'ausculter la prunelle de mes jeunes, de m'assurer que je les ai tous bien vus et de bien commencer la journée. Ainsi, je peux prendre le " pouls " et si l'un me semble plus triste qu'à l'habitude, je prendrai aussi quelques instants plus tard dans la journée afin d'ouvrir une discussion.

Si un collègue ou même la direction vient me parler à ce moment, je demande un rendez-vous plus tard, car ce moment m'est très précieux.

L'avantage pour les jeunes, c'est aussi de voir que peu importe comment a été la veille (je parle ici des tannants), ils ont droit au même accueil et au même sourire que les autres. Ça envoie un puissant message de bienvenue tout en rappelant à chacun qu'il aura une nouvelle opportunité aujourd'hui pour se montrer sous son meilleur jour. Ainsi, une portion de complicité se tisse avec le bonjour matinal.

2.La porte individuelle.

Je crois que cet objet dans la classe est mon meilleur outil de gestion de classe. Les élèves peuvent toujours sortir lorsqu'ils sentent la vapeur monter ou encore, lorsque je les invite pour avoir une discussion qui n'aurait pas lieu d'être devant toute la classe. Ainsi, dans le calme du corridor, les échanges peuvent se faire dans le plus grand respect. Les élèves apprécient beaucoup le fait d'être ainsi invités à l'extérieur pour régler des situations qui seraient normalement "traitées" devant les autres élèves. Que ce soit un comportement qu'on veuille voir disparaître, un élève particulièrement excité ou encore pour parler 2 minutes avec l'élève qui semblait triste à la rentrée, le corridor est un lieu d'échange entre eux et moi.

Parfois aussi, on peut retrouver 12 élèves hors de la classe. C'est ce qui se produit quand je veux dire des choses seulement à certains, comme par exemple à ceux qui n'ont pas fait leurs devoirs. Parfois aussi, je sors ceux qui sont " corrects " en ne gardant que les autres afin de toujours démontrer et appliquer que je ne punirai pas un groupe pour des individus, peu importe le nombre d'élèves dérangeants.

Je m'y prends toujours de la même manière : j'invite un élève à l'extérieur et je vais le rejoindre 2-3 minutes plus tard, le temps que j'organise le reste de la classe (ou d'un brouhaha productif, tout dépend du moment) . Je laisse toujours la porte entrouverte et les élèves dans la classe voient mon bras et ma jambe qui restent dans la classe. Ainsi, ils savent que je ne suis pas complètement sorti. J'ai donc la discussion avec l'élève que je veux voir et cette discussion dure rarement plus de 2 minutes. Si ça semble dépasser ce temps, je demande à ce que l'on poursuive l'échange plus tard dans la journée. Normalement, à la seconde rencontre, l'élève a eu le temps de réfléchir et le tout est facilité.

En agissant ainsi, aucun cri n'est lancé dans la classe, l'élève qui se fait inviter à l'extérieur apprécie de ne pas se faire réprimander devant ses pairs et ces derniers travaillent dans une atmosphère de classe agréable.

3. CHUCHOTEZ

Les cris de la part des adultes ne devraient être réservés qu'aux situations physiquement dangereuses pour les élèves et encore. La dernière fois que j'ai crié dans une classe, c'était le 6 juin 2004. Je m'en rappelle et je me rappelle aussi que c'était le premier cri de ma part cette année-là et la dernière fois que j'ai ainsi " agressé " la classe avec un ton inutilement agressif.

Étrangement, lorsque vous avez à faire une intervention musclée auprès d'un élève ou d'un groupe d'élèves (ou de vos enfants), essayez donc de le faire en chuchotant, mais avec un ton ferme. En fait, faites comme si vous étiez en train de crier après votre jeune, mais le " volume " de votre voix n'est qu'un chuchotement. Vous verrez, vos élèves (ou vos enfants) seront beaucoup plus " assommés " par cette manière de faire, aucun stress n'apparaîtra (ou insécurité) après ce genre d'intervention et le message que vous voulez passer passera avec une efficacité insoupçonnée et sera réalisé dans le respect des élèves.
4. La porte en groupe

Lorsqu'une discussion ou une "chicane" ne s'adresse qu'à certains élèves de la classe, il est primordial de sortir ceux qui n'ont pas à entendre ledit message. Par exemple, 6 élèves n'ont pas fait signer leurs parents pour une troisième semaine consécutive. Il est important que vous interveniez, toutefois le reste de la classe n'a vraiment rien à voir dans cette intervention. Nommez donc les 6 principaux intéressés, demandez-leur de venir à l'extérieur de la classe et au besoin, utilisez le truc 3, soit d'avoir un ton très ferme mais en chuchotant. L'impact sera très grand auprès de ces derniers et le message passera beaucoup mieux que si vous les aviez nommés devant toute la classe.

Toujours dans le même ordre d'idée, un autre truc est de sortir les plus forts lors d'un résultat à un examen pour ne garder que ceux qui n'ont laissé aucune trace de leurs stratégies dans le test. Par exemple, en début d'année, la majorité de mes élèves doivent encadrer les mots d'action d'une question et souligner les aspects importants. Dans des résolutions de problèmes, c'est très pratique. Si j'ai des élèves qui obtiennent de mauvais résultats et qu'en plus, ils n'ont pas démontré ces stratégies, alors je les garde dans la classe et demande à ceux qui ont fait les stratégies ou qui ont eu de bonnes notes de sortir. Ensuite, je ferme la porte et chuchote auprès des élèves qui n'ont pas fait lesdites stratégies. Ainsi, certains élèves ayant eu de mauvais résultats, mais qui ont fait un effort dans la démonstration des stratégies sont exemptés de ce discours, car mon objectif est de les outiller au niveau des méthodes de travail efficaces et non de les " chicaner " pour de mauvais résultats.

5. La règle des 3 minutes.

Étrangement, sans que je ne puisse l'expliquer, c'est inévitable, dans les 3 minutes qui suivent une consigne, un élève enfreindra automatiquement ladite consigne. Ce n'est pas un secret, pourtant les enseignants débutants ne connaissent pas cette grande vérité. On les entendra dire : " Tout allait bien dans la classe et tout d'un coup, le bordel a pris ". L'oeil expérimenté pourrait alors voir qu'après 2 minutes, untel a enfreint la consigne, ensuite, 2 autres l'ont fait, car ils ont remarqué que le premier n'a pas été vu par l'enseignant et ensuite, c'est l'effet domino. Ainsi, peu importe ce que vous demandez (de ne pas dépasser une certaine ligne dans la cour d'école, de respecter le silence lors d'une évaluation individuelle, de rester assis, de venir prendre le rang, de sortir les devoirs...) un ou des élèves seront immuablement attirés vers le côté obscur de l'obéissance. Il est alors primordial que vous attrapiez le premier qui le fera afin de montrer dans votre non verbal que vous renforcez la consigne mentionnée plus tôt. Ainsi, les 3 minutes qui suivent une consigne pourraient être seulement dédiées à tenter de trouver qui n'est pas capable de la suivre. Déjà, vous augmenterez beaucoup votre capital de respect auprès des élèves. L'idée n'est pas ici de faire des esclaves de vos élèves en les " arrosant " constamment de consignes et de conséquences pour finalement leur apprendre à n'avoir aucune initiative, mais bien de vous assurer que certaines règles d'or puissent être conservées. Donc si dans une journée vous réduisez le nombre des consignes et augmentez votre capacité à nommer ceux qui ne la respectent pas, vous gagnerez beaucoup de respect et vous vous sentirez bien moins épuisé en fin de journée.

Outre quelques exceptions dans une carrière, la très grande majorité des élèves qui font une "mauvaise action" savent qu'ils en font une. Fréquemment, il n'est pas surprenant de voir qu'avant de réaliser son mauvais coup, l'élève en question regarde si le prof n'est pas en train de le regarder (dans la classe ou dans la cour). Souvent aussi, après son mauvais coup, il regardera autour pour voir si quelqu'un le regardait. S'il croise à ce moment votre regard, vous n'avez qu'à maintenir son regard pour que tout passe (sauf en maternelle). Vous serez surpris de voir que vous pourrez éviter de devoir parler pour une douzaine d'interventions par jour simplement en appliquant cette méthode.

De plus, lorsque vous faites une intervention auprès d'un petit groupe d'élèves dans la cour de récréation (par exemple, des 6 e qui vont parler dans une partie réservée à un autre niveau), il est quasiment certain que dans les 2-3 minutes qui suivent votre intervention, ils retourneront là où ils n'ont pas le droit. Souvent, avant d'enfreindre la règle, une des personnes du groupe vous regardera (c'est inévitable) et si vous les regardez du coin de l'œil, votre seul regard sur eux fera le reste. Outre les cas d'exception, ils ne seront pas capables de continuer à faire "leur mauvais coup" en sachant consciemment que vous les regardez.

En agissant ainsi, les élèves apprennent qu'ils ne peuvent pas "vous en passer" et se le communiqueront entre eux (les rumeurs courent plus vite que l'Internet dans une école). De plus, ils sauront plus vous écouter avec respect, car ils sauront qu'avec vous, ils ne se font pas nommer devant le groupe en entier.

Si le comportement se répète (un élève se lève dans la classe à un moment inopportun ou parle dans la bibliothèque...), que vous réintervenez par le regard et que le tout se répète encore une fois, à ce moment, il gagne une discussion dans le corridor. Je lui nomme ensuite les 2-3 fois où j'ai eu un contact visuel pour le rappeler à l'ordre, lui mentionne que je compte ça comme étant des rappels et que j'ai choisi de ne pas le nommer devant le groupe pour le "protéger" par rapport aux autres. Toutefois, puisque l'élève ne semble pas comprendre ma méthode respectueuse, la prochaine fois qu'il refera ce comportement, je ne me gênerai pas pour le nommer tout haut. L'élève alors comprend... S'il ne comprend pas, il entrera dans la classe et refera le mauvais comportement dans les 3 minutes suivantes. Vous vous devrez alors de faire une intervention devant tous simplement en nommant son nom sans rien ajouter. Vous serez les deux seuls à connaitre la nature de votre intervention, et vous aurez respecté votre entente en lui démontrant que vous suivez ce que vous avez dit que vous étiez pour faire. Si 70% des tannants se calment avec le regard, 20% se calmeront avec l'intervention dans le corridor. Il vous restera un 10% de coriaces qui vous testeront (ou qui sont tout simplement surexcités cette journée-là) et exigeront de vous une intervention devant les autres. Qu'à cela ne tienne, vous avez quand même été tout à fait respectueux et l'élève ne peut pas être surpris de se faire nommer tout d'un coup ainsi dans la classe. Vous aurez laissé toute la chance à l'élève de se reprendre et il verra que malgré tout, vous restez constant, ce qui le sécurisera sur le long terme.
7.L'humour

Comme le mentionne Pierre Poulin dans sa conférence Tedx (à 9min57 http://www.youtube.com/watch?v=QrSo_18JTQw) l'humour est un des éléments qui décharge les pires situations, mais qui, lorsque mal employé, peut avoir des effets néfastes. M. Poulin parle ici du sarcasme qu'on peut parfois avoir et qui, en fin de compte, n'est drôle pour personne : " Bien oui Philippe, tout le monde le sait bien que 2 + 3 donne 6 " (réplique du prof à une mauvaise réponse de Philippe).

L'exagération est une bonne manière d'avoir de l'humour. Toutefois, il faut que ça soit disproportionné afin de ne pas induire un message imprécis. Par exemple, voici une intervention auprès d'une élève qui refuse d'attacher ses lacets : " Bon disons que tu dois éviter de toute urgence un camion de pompier qui a manqué de freins et qui percute le mur de la classe pendant qu'en même temps, le plafond rempli de neige s'affaisse et que tu dois sauter par-dessus 4 pupitres et plonger par la fenêtre de la classe pour éviter le pire, penses-tu qu'avec tes souliers ainsi attachés, tu y arriverais ? " L'élève ne commencera pas à argumenter, car c'est trop irréel comme situation et il risque fortement de rire... Sinon, on en rajoute et ça fera le travail. Il sera par contre important d'ajouter le point 8 pour s'assurer que le message passe bien.

Celles qui payent le plus restent les blagues positives, mais qui peuvent par contre être porteuses d'un message. Du genre, mon tannant est sur le bord de m'épuiser et de me faire perdre mon sourire. J'ai mis en pratique les points 1 à 7 précédents sans succès... On sait que la majorité des tannant(e)s ont un besoin criant d'attention et qu'ils ne savent le demander autrement qu'en attirant une attention principalement négative de l'adulte en présence. C'est pourquoi si on réussit à nourrir ce besoin de manière positive, ils n'auront d'autres choix que d'être apaisés. Ce n'est donc pas rare de me surprendre dans la classe en train de " courir ", les bras grands ouverts vers un de ces numéros. Je dis alors " Viens ici mon ..., tu as besoin d'un câlin ". La majorité du temps, l'élève se sauve et on peut alors demander à d'autres de l'intercepter (encore à la blague), ce qui fait que la classe rit, sans qu'on ait insulté ou blessé la personne qui n'arrivait pas à se calmer. Toutefois, si l'élève veut ledit câlin, il est certain qu'on le fera en gardant notre distance... Les contacts entre les adultes et les mineurs sont toujours à éviter. On se doit par contre d'ajouter l'élément du point 8 si on veut s'assurer qu'une blague pédagogique puisse quand même avoir une portée au niveau du comportement.

8. "On se comprend"

Il est très important, lorsqu'on utilise l'humour, d'ajouter un "On se comprend" ensuite. On s'assure ainsi d'envoyer un message clair et l'élève qui trouve ça drôle saura qu'il vient d'obtenir une belle chance de se reprendre. Ainsi, en ajoutant le "On se comprend" (après les exemples du point 7), on rappelle à l'élève qu'on vient de lui laisser une chance, on lui rappelle qu'on tient à la règle omise et du même coup, on a renforcé le lien de complicité avec l'élève! Ce point fonctionne aussi avec les élèves qui ne vous connaissent pas (un messager qui court dans le corridor pour aller porter les absences...).

9. Éviter les mots assassins suivants : toujours, encore, jamais...

Ces mots, lorsqu'employés avec d'autres, blessent. On se retrouve ensuite avec un élève plus frustré ou bousculé, plutôt qu'avec un élève qui a vraiment compris l'information que l'adulte voulait transmettre... " On le sait bien, Philippe n'apporte JAMAIS ses devoirs " ou " Julie a ENCORE oublié ses souliers " ou " Faut-il ENCORE que je te répète de ne pas..." et "T'es TOUJOURS en retard"... Ces mots gagnent aussi à être enseignés auprès des élèves pour qu'ils évitent de les utiliser entre eux. Les conseils de coopération et les débats en classe peuvent être un bel endroit pour mettre en pratique ces méthodes " d'hygiène relationnelles ", comme disait Jacques Salomé. Ils peuvent toutefois être remplacés par souvent, régulièrement ou rarement. Bien que ce soit des subtilités, ça laisse plus de place aux chances de progrès que les mots assassins.

10.Mettre un délai dans la réponse à un comportement.

Parfois, trop de choses se passent en même temps ou encore, on n'a pas d'idées sur comment résoudre une situation problématique quand elle arrive. Par exemple, lors d'un travail d'équipe, une ne travaille pas. On ne veut pas sortir avec elle dans le corridor, car on sait très bien que d'autres arrêteront de travailler si on agit de la sorte. Ne rien faire auprès de cette dernière risque d'envenimer l'atmosphère la première fois, car les équipes 2 et 3 vont peut-être voir que l'équipe 1 ne fait rien sans rien recevoir de la part de l'enseignant... Bref, ne faites rien jusqu'à la récré (si vous ne surveillez pas).

Quand la cloche sonne, nommez clairement les personnes de l'équipe en question et dites calmement que ces derniers doivent rester pendant la récré, car ils n'ont pas besoin d'aller se reposer étant donné qu'ils l'ont déjà fait pendant la période. Ainsi, vous venez de communiquer à toute la classe que ce n'est pas parce que vous n'intervenez pas sur le champ que vous n'interviendrez pas dans le temps.

Il m'est aussi arrivé de me rendre compte le soir que j'avais oublié d'intervenir auprès d'un élève. Qu'à cela ne tienne, le lendemain, soyez certain qu'il était appelé de l'autre côté de la porte pour se faire rappeler ledit événement. C'est certes plus essoufflant au mois de septembre que d'engueuler l'élève devant la classe, toutefois, la complicité et le respect ainsi tissés payeront le restant de l'année.

Fait cocasse : J'ai déjà mentionné à un élève de rester à la récréation (pendant une période de travail). Lorsque la récré est arrivée, j'ai oublié et lui aussi... Le soir, le souvenir m'est revenu alors le lendemain matin, je l'ai convoqué à l'extérieur pour lui rappeler qu'il avait oublié de rester à la récréation et que comme conséquence, il devrait rester à la récréation et m'expliquer pourquoi il avait agi de la sorte la veille. Sans lui laisser le temps de parler, je l'ai invité à entrer dans la classe. Une fois la récré arrivée, il m'a expliqué tant bien que mal... Quelques semaines plus tard, le même scénario se reproduit, soit que je l'invite à rester à l'intérieur à la pause. Lorsque celle-ci arrive, je vais reconduire mes élèves à l'extérieur en l'oubliant (je dormais peu, car je travaillais tard la nuit sur le projet Super Bolide). Quelle ne fut pas ma surprise de le trouver dans la classe à mon retour! J'allais le gronder en lui disant qu'il devait être avec les autres lorsqu'il me dit qu'il était resté parce qu'il voulait m'expliquer ce qui était survenu plus tôt!
11.Faire des rencontres silencieuses

Vous avez demandé à Philippe de rester à la récré. Vous sortez les autres élèves et revenez à Philippe en vous disant combien vous êtes autant puni que ce dernier, car vous auriez grand besoin aussi de cette pause pour vous-même. Toutefois, vous savez qu'en investissant ainsi du temps, ce sera un jour payant. En arrivant dans la classe, ce dernier vous regarde. La logique normale voudrait que vous entamiez et dirigiez l'entretien de A à Z, en mettant parfois même les mots dans la bouche du jeune pour "accélérer" le processus... Philipe n'en est toutefois pas à sa première intervention et sait très bien que s'il répète les mots du prof, il lui fera alors croire qu'il a compris, et pourra s'éclipser plus rapidement... Toutefois, si l'enseignant s'assoit devant Philippe et le regarde sans rien dire, Philippe devra prononcer les premiers mots et ainsi, involontairement, s'investir dans la solution. Et hop, le tour est joué! Certes, il commencera par se plaindre des autres du style : " Ce n'est pas de ma faute, c'est Pierre qui m'a parlé et vous n'avez grondé que moi "... S'il est 2-3 minutes à se faire regarder sans rien dire de votre part, il commencera à vraiment chercher ce qu'il a fait de mal. Après tout, il n'aime pas ça être là et tentera de trouver ce qu'il faut pour que vous parliez. Dès que Philippe s'accordera un peu de responsabilités, vous pourrez parler, mais dès qu'il reviendra dans des accusations (soit essentiellement qu'il est victime d'une grande injustice, ça se résume souvent à ça), vous rentrerez dans le silence.

Le succès de ces rencontres est renversant. Lorsqu'il semblera vouloir répéter le même comportement, vous n'aurez qu'à lui rappeler que la conséquence sera une rencontre silencieuse de votre part et vous le verrez changer drastiquement comme si vous lui offriez la pire des conséquences inimaginables alors qu'en fait, vous n'aurez " rien " fait!
12. avoir des périodes moins "directives"

Dans la pédagogie 3.0, les cas problèmes sont beaucoup moins apparents que dans une pédagogie plus traditionnelle, car mon "leadership" change d'une période à l'autre. Dans ma journée, il y a une période où je suis plus directif, une autre où je laisse les élèves travailler ensemble, une autre où c'est du travail individuel, une où je suis dans la position d'un guide (permanence) et finalement une où je suis quasiment effacé (Pangéa). J'ai remarqué le tout, car mes élèves turbulents le sont beaucoup moins en ma présence qu'avec les autres, et la raison en est bien simple... Un tannant est un expert pour réagir à une consigne. C'est ainsi qu'il obtient ce qui lui manque le plus, soit de l'attention. Or, lors d'une période où l'enseignant est moins directif, il a alors moins de raisons de contredire et nécessairement, il voit bien qu'il doit plus travailler. De plus, s'il arrête de travailler avec l'intention inconsciente d'avoir ainsi votre attention, il devra recevoir des conséquences naturelles pour le " traiter " une fois pour toutes, comme perdre une récré à cause de son comportement qui a mené à un travail incomplet ou encore à prendre du retard l'empêchant ainsi de participer à des étapes plus stimulantes d'un projet.

En positionnant votre rôle clairement au début de chaque période, vous indiquez clairement vos attentes aux élèves de même que le travail qu'ils auront à accomplir, ce qui aura pour conséquence de calmer l'atmosphère. Par exemple : " Lors de cette période, je suis un guide, vous trouverez les étapes en page X de tel cahier ", à un autre moment : " Lors des prochaines 10 minutes, je vais démontrer comment résoudre tel numéro, ceux qui comprennent, je vous invite à débuter les exercices ", ou encore un autre tantôt : " Lors de cette période, je vais être présent pour répondre aux questions des élèves qui afficheront un carton jaune sur leur pupitre ".

13. Approchez-vous sans rien faire d'autre.

Dans la cour, vous suspectez un groupe de préparer un mauvais coup. Pas besoin de vous égosiller, faites seulement vous coller sur le groupe. Dans la classe, une équipe s'éparpille. Prenez ce que vous êtes en train de faire et allez continuer à le faire, mais en vous assoyant près de cette équipe. Pas besoin de rien faire d'autre, c'est drôle et ça fonctionne. Sinon, on ajoute un " On se comprend " et on repart.

Voilà, dans le prochain article, vous découvrirez comment :
Voici une première suite : Les 9 ajustements de septembre! Voici un article sur la gestion de classe de la place des élèves : Le "post-it" qui supporte l'autonomie!
Au plaisir!

Un énorme merci à Amélie G. Choinière que je ne connais pas personnellement, mais qui a quand même pris le temps de faire la révision linguistique de ce très long article. Merci beaucoup Amélie!

Stéphane Côté

# data[].attributes.attachment_link.title
13 trucs de gestion de classe qui instaurent le respect.

# data[].attributes.attachment_link.description
Quand vient le temps de gérer sa classe, on a souvent l'habitude d'instaurer un système d'émulation ou des règles et de supporter toutes ces règles par des punitions. Très vite, on apprend que ça fonctionne (du moins partiellement !), mais ça a le vicieux défaut de devoir demander une vigilance constante de la part de l'adulte en plus de miner considérablement l'apprentissage de l'autonomie de la part des élèves.

# data[].attributes.body
Rythme

# data[].attributes.headline
Jeu-Questionnaire en lien avec le Boléro de Maurice Ravel

# data[].attributes.subject
Jeu-Questionnaire en lien avec le Boléro de Maurice Ravel

# data[].attributes.headline
Document : La pédagogie de la musique selon plusieurs spécialistes

# data[].attributes.subject
Document : La pédagogie de la musique selon plusieurs spécialistes

# data[].attributes.headline
Site internet pour les élèves du primaire

# data[].attributes.subject
Site internet pour les élèves du primaire

# data[].attributes.body
En plus de la guitare, le ukulélé et les percussions sont les instruments présents dans les exercices proposés par ce site. Chaque activité permet de mettre la théorie en pratique. Les élèves peuvent pratiquer les accords, les rythmes, etc. en s'enregistrant à leur instrument. Par la suite, ils peuvent s'autocorriger. Des jeux ludiques sont aussi disponibles pour créer et apprécier de la musique.

# data[].attributes.headline
Application qui permet de créer des partitions pour plusieurs instruments

# data[].attributes.subject
Application qui permet de créer des partitions pour plusieurs instruments

# data[].attributes.attachment_link.title
L'éditeur collaboratif de partitions de musique en ligne - Flat

# data[].attributes.attachment_link.description
Créez, composez, écoutez, imprimez et partagez vos partitions de musique grâce au plus simple et au plus intuitif des éditeurs de partitions.

# data[].attributes.headline
Partition : « Boléro - Thème » de Maurice Ravel

# data[].attributes.subject
Partition : « Boléro - Thème » de Maurice Ravel

# data[].attributes.headline
Fichier MIDI : « Boléro - Thème » de Maurice Ravel

# data[].attributes.subject
Fichier MIDI : « Boléro - Thème » de Maurice Ravel

# data[].attributes.attachment_link.title
Partition Boléro - Thème (mélo + accompagnement)

# data[].attributes.body
Compositeur (mélodie) : Maurice Ravel
Compositrice (accompagnement (clarinette basse en si bémol, violoncelle et percussions)) : Aurélie Carrée
Interprète (mélodie au violon) : Aurélie Carrée

# data[].attributes.attachment_link.title
Boléro - Thème (mélodie et accompagnement)

# data[].attributes.attachment_link.description
Aurélie Carrée - Album de Aurélie Carrée

# data[].attributes.attachment_link.metadata.title
Boléro - Thème (mélodie et accompagnement)

# data[].attributes.headline
Application permettant principalement d'interpréter des œuvres musicales

# data[].attributes.subject
Application permettant principalement d'interpréter des œuvres musicales

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
YOUSICIAN te permet d'apprendre et de maîtriser rapidement et en t'amusant le piano, la guitare, la basse, le ukulélé et le chant. Joue des milliers de chansons sur ton VRAI INSTRUMENT !
(pour instruments acoustiques et électriques)

Yousician est ton tuteur personnel de musique ! L'appli t'écoute jouer et évalue instantanément ta précision et ton timing. Notre programme, fait par des professeurs de musique experts, aide les musiciens de tous niveaux à s'améliorer, de débutant à professionnel.

Des vidéos pas à pas t'aident à passer chaque cours. Le jeu suit tes progrès et te motive à t'entraîner. Tu seras étonné par la vitesse à laquelle tes aptitudes évolueront. Attrape ta guitare, ta basse ou ton ukulélé, assieds-toi devant ton piano ou ton clavier, ou bien échauffe-toi pour faire de la musique dès maintenant !

Pour qui
* Chanteurs, pianistes, guitaristes, bassistes et joueurs de ukulélé
* Débutants
* Musiciens avancés et professionnels
* Professeurs de musique

Ce qui est inclus
* Plus de 1 500 missions, cours et exercices avec des centaines de vidéos sur les aptitudes dont tu as besoin : lecture à vue des partitions, des chansons pop et classiques pour le piano, la guitare, la basse et le ukulélé. Tu apprendras les accords, la gratte, les mélodies, le solo, le jeu au doigt et plus encore. Découvre si ta voix est en phase avec tes chansons préférées !
* Yousician t'apprend aussi la théorie musicale et offre des exercices spécifiques pour chaque aptitude et accord.
* Un défi hebdomadaire grâce auquel tu peux te mesurer à tes amis et des millions de Yousiciens dans le monde entier.

Comment ça fonctionne
* On t'écoute chanter ou jouer du piano, de la guitare, de la basse ou du ukulélé
* On évalue instantanément ta performance
* On te fait jouer de super chansons avec des tutoriels pas à pas selon ton niveau
* Tu apprends en t'amusant avec des jeux, exercices et défis stimulants

AUTODIDACTES,
Yousician a été développé avec les professeurs de musique les plus créatifs et expérimentés du monde. L'app convient parfaitement aux autodidactes ou pour un complément d'apprentissage avec un professeur. Grâce aux tutoriels pas à pas et à l'évaluation continue, tu seras toujours assuré de bien jouer avec ta guitare, ton piano, ton ukulélé ou ta basse.

JOUE AVEC UN INSTRUMENT : PIANO / GUITARE / BASSE / UKULÉLÉ / VOIX
Yousician s'utilise avec un vrai instrument et ne requiert aucun équipement supplémentaire. Le micro de ton téléphone t'écoute jouer et l'app te dit où tu en es. Cela fonctionne aussi pour le chant donc tu ne feras jamais de fausses notes au karaoké !

ABONNEMENT PREMIUM
Abonne-toi pour avoir un temps illimité de jeu sur toutes les plateformes.
Les types d'abonnements sont soit à l'année et facturé tous les mois, soit à l'année et facturé en une fois, soit mensuel. Les prix peuvent varier selon les pays.
Les abonnements sont automatiquement renouvelés lorsqu'il arrivent à échéance sauf si le renouvellement automatique est désactivé dans ton compte Yousician sur yousician.com. Si tu utilises un compte Google Play, tu peux annuler l'abonnement depuis celui-ci.

CE QU'ON EN PENSE
" Yousician est un cadeau de la technologie moderne pour l'éducation musicale. C'est une application qui t'apprend à maîtriser la guitare plutôt qu'à manier une manette de jeu en plastique. " - Guitar World
" Yousician est un endroit merveilleux pour apprendre le piano, la guitare, le ukulélé ou la basse. Yousician permet d'apprendre les techniques de jeu de base et la notation musicale en te lançant un défi, puis en écoutant ce que tu joues en live. " - New York Times

À PROPOS DE YOUSICIAN
Yousician est l'éducateur de musique le plus répandu dans le monde entier. Nous sommes convaincus que la musicalité peut et devrait être aussi importante que l'alphabétisation.

Télécharge GuitarTuna, l'app d'accordage de guitare n°1 dans le monde
https://play.google.com/store/apps/details?id=com.ovelin.guitartuna&hl=en

# data[].attributes.attachment_link.title
Yousician, ton prof de musique ‒ Applications sur Google Play

# data[].attributes.attachment_link.description
YOUSICIAN te permet d'apprendre et de maîtriser rapidement et en t'amusant le piano, la guitare, la basse, le ukulélé et le chant. Joue des milliers de chansons sur ton VRAI INSTRUMENT !(pour instruments acoustiques et électriques) Yousician est ton tuteur personnel de musique ! L'appli t'écoute jouer et évalue instantanément ta précision et ton timing.

# data[].attributes.headline
Sorties scolaires et ateliers culturels à l'école

# data[].attributes.subject
Sorties scolaires et ateliers culturels à l'école

# data[].attributes.body
Organiser des activités culturelles

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le programme La culture à l'école du ministère de l'Éducation a pour objectif de former des citoyens actifs sur le plan culturel en multipliant les expériences offertes aux élèves de l'éducation préscolaire, de l'enseignement primaire et secondaire, de la formation professionnelle et de la formation générale des adultes. Ces expériences sont rendues possibles grâce à la collaboration de ressources culturelles inscrites au Répertoire culture-éducation.

Volet Ateliers culturels à l'école

Ce volet permet aux ressources culturelles inscrites au Répertoire culture-éducation de se rendre dans les classes et de présenter aux élèves leur démarche créatrice dans le cadre d'un atelier de courte durée. Voir les conditions d'admissibilité, les dépenses admissibles et les formulaires nécessaires pour présenter un projet au volet Ateliers culturels à l'école.

Volet Culture scientifique

Ce volet permet à des représentants d'organismes inscrits sur la Liste des organismes de culture scientifique du ministère de l'Économie et de l'Innovation de présenter aux élèves, lors d'ateliers en classe ou en visioconférence (sous certaines conditions), leurs démarches associées à la science ou à la technologie. Il permet également aux élèves d'effectuer des sorties scolaires pour visiter des organismes de culture scientifique. Voir les conditions d'admissibilité, les dépenses admissibles et les formulaires nécessaires pour présenter un projet relatif au volet Culture scientifique.

Volet Une école accueille un artiste ou un écrivain

Ce volet consiste à offrir aux élèves de participer à un travail d'expérimentation artistique de moyenne ou de longue durée. Il donne également la possibilité à des artistes ou à des écrivains professionnels de vivre une expérience de résidence en milieu scolaire et de s'en inspirer pour créer une œuvre personnelle. Voir les conditions d'admissibilité, les dépenses admissibles et les formulaires nécessaires pour présenter un projet au volet Une école accueille un artiste ou un écrivain.

Volet Thématiques et interdisciplinarité

Ce volet permet aux élèves de participer à des projets interdisciplinaires sur des thèmes proposés à chaque édition, en collaboration avec des partenaires culturels. Voir les conditions d'admissibilité, les dépenses admissibles et les formulaires nécessaires pour présenter un projet au volet Thématiques et interdisciplinarité.

Admissibilité au programme

Sont admissibles au programme les projets issus d'établissements d'enseignement menés avec des élèves de :

l'éducation préscolaire;

l'enseignement primaire;

l'enseignement secondaire;

la formation professionnelle;

la formation générale des adultes.

# data[].attributes.attachment_link.description
Le Répertoire culture-éducation est la source d'information par excellence pour toute personne ou organisme désirant organiser des activités culturelles. Il compte près de 2000 fiches d'artistes, d'écrivains et d'organismes qui offrent des ateliers artistiques ou des sorties culturelles couvrant plusieurs disciplines artistiques et genres littéraires.

# data[].attributes.body
Contenu :
-Époques musicales
-Contexte socio-historique et socio-culturel
-Compositeurs
-œuvres musicales

# data[].attributes.body
-Familles des instruments
-Caractéristiques des instruments et de l'orchestre
- Informations supplémentaires en lien avec les instruments

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Depuis les débuts de la colonisation au XVIIe siècle, la musique autochtone n'a que peu d'influence sur l'évolution des courants musicaux dominants.

Musique, histoire de la

Origines
La musique existe en Amérique du Nord depuis l'époque où les Amérindiens et les Inuits s'y sont installés, il y a de cela des millénaires. La première mention historique de cette musique ne remonte pourtant qu'au début du XVII e siècle, à l'arrivée des premiers observateurs français, dont Marc LESCARBOT, le père Paul LE JEUNE et le père Gabriel Sagard, pour qui la fascination qu'exerce son exotisme rivalise avec la difficulté qu'ils éprouvent à la décrire et à l'analyser. Il faut attendre la fin du XIX e siècle pour voir apparaître des chercheurs avertis, dont Franz BOAS, Ernest GAGNON et Alexander T. Cringan, et ce n'est que 50 ans plus tard que des compositeurs commenceront à intégrer des éléments de la musique autochtone à certaines de leurs oeuvres.

Depuis les débuts de la colonisation au XVII e siècle, la musique autochtone n'a que peu d'influence sur l'évolution des courants musicaux dominants. Les premiers colons apportent leurs chansons, leurs danses et leurs chants religieux, et les vagues successives d'immigrants renforcent les traditions de l'Ancien Monde. L'importation de partitions, la venue de professeurs de musique, les tournées de virtuoses, puis le disque et la radio, façonnent le goût du public et étouffent ou, à tout le moins, ralentissent l'expression originale.

L'évolution de la musique au Canada suit les grands courants stylistiques européens, du baroque au classique, puis au romantique et à la musique moderne. Cependant, les tentatives de transplanter les schèmes de pensée européens au Nouveau Monde, peu peuplé et où les agglomérations sont éloignées les unes des autres, se soldent le plus souvent par un échec. La production d'opéras, de symphonies et d'autres manifestations musicales d'envergure exigent des mécènes et des ressources professionnelles pratiquement inexistantes au pays. Les musiciens immigrants ou canadiens qui entreprennent une carrière au Canada après une formation en Europe sont coupés des derniers développements en composition et cessent donc d'évoluer.

De jeunes musiciens audacieux cherchent à leur tour de l'inspiration chez les compositeurs étrangers, dont l'influence prend presque toujours le pas sur celle des générations canadiennes précédentes jusqu'au milieu du XX e siècle. Toutefois, le milieu canadien commence imperceptiblement à s'affirmer, à commencer par le domaine de la musique populaire. On se met à adapter des paroles de chansons au contexte local et à écrire des chansons originales : les Canadiens français et irlandais échangent des airs de danse; de 1850 à 1920, amateurs et professionnels rivalisent d'ardeur dans la création de chants patriotiques; et on finit par préférer les danses sociales nord-américaines aux pas de danse européens.

Des institutions comme les concours-festivals, les examens qui se tiennent dans les petites villes sous la supervision du conservatoire local ou d'un comité d'examinateurs, les orchestres itinérants, les congrès annuels dans diverses spécialités et les réseaux de radiodiffusion sont autant de moyens typiquement canadiens de diffuser l'expérience artistique et d'échanger des idées. Nous passons ainsi progressivement de l' " histoire de la musique au Canada ", nourrie de l'extérieur, à l' " histoire de la musique canadienne ", qui croît de l'intérieur grâce à l'originalité de nos musiciens, la qualité de nos institutions et la solidité de nos systèmes de COMMUNICATIONS.

Sous le régime français

On possède peu de documents sur la musique en NOUVELLE-FRANCE. Ce sont, pour la plupart, de brèves mentions dans un journal intime, dans le récit d'un voyage d'exploration ou dans le rapport d'un missionnaire à ses supérieurs en Europe. Les premières mentions sont celles de Jacques CARTIER, qui parle d'une messe chantée à Brest (port de Bonne-Espérance) le 14 juin 1534 et de " trompettes et autres instruments de musique " entendus à HOCHELAGA (Montréal), un an plus tard. Au cours du siècle suivant, les missionnaires traduisent régulièrement les textes religieux dans les langues autochtones, le chant s'étant avéré un outil efficace pour convertir les Indiens au catholicisme.

À Québec, dès 1630, on enseigne aux enfants français et autochtones à chanter et à jouer des instruments européens. Violes, violons, guitares, flûtes traversières, tambours, fifres et trompettes sont parmi les instruments mentionnés dans les écrits que nous connaissons, mais on aurait tort de conclure que tous ont été enseignés continuellement sous le régime français.

En 1661, la chapelle des Jésuites de Québec possédait un orgue. L'église paroissiale reçoit le sien en 1663, et un artisan, Paul Jourdain, sera engagé pour en effectuer la restauration 60 ans plus tard. On n'a guère besoin de musiciens professionnels - du moins M gr de LAVAL semble préférer l'enseignement des beaux-arts à celui de la musique religieuse -, mais certains prêtres exercent leur talent ou mettent à profit leur formation européenne en dirigeant la partie musicale des offices religieux en tant que grands chantres ou en touchant l'orgue. Un prêtre né en France, René Ménard, compose des motets vers 1640, et on attribue au deuxième prêtre né au Canada, Charles-Amador Martin, le plain-chant composé vers 1700 sur le texte Sacrae familiae felix spectaculum pour la fête de la Sainte-Famille.

Les premiers écrits canadiens font mention d'autres compositions religieuses, mais " composer " ne signifie peut-être ici que choisir la musique d'un office ou y ajouter des paroles. Des éditions de motets, de messes et de cantates de Bournonville, de Campra, de Morin et d'autres compositeurs français publiées au début du XVIII e siècle et dont quelques exemplaires ont subsisté jusqu'à aujourd'hui témoignent du fait qu'on pratiquait sans doute à cette époque l'art difficile du chant polyphonique. La pratique de la musique instrumentale est confirmée par la découverte, en 1980, d'un manuscrit comprenant près de 400 oeuvres pour clavier, apporté à Montréal (où le premier orgue est installé vers 1700) par Jean Girard en 1724 ( voir MUSIQUE RELIGIEUSE).

Il n'y a probablement pas encore de concerts organisés à cette époque, mais des administrateurs de la colonie et des explorateurs s'intéressent à la musique. L'explorateur Louis JOLLIET touche l'orgue à l'église; l'intendant Jacques RAUDOT encourage le chant et la musique instrumentale; un de ses successeurs, Claude-Thomas DUPUY, possède même une musicothèque de partitions d'opéra. Malgré le peu de sources primaires sur le sujet, des recherches récentes démontrent la place qu'occupe dans la vie quotidienne de la Nouvelle-France un autre genre de musique : des centaines de chansons folkloriques françaises, qui rappellent le pays natal, accélèrent les durs travaux et rythment la danse; l'accompagnement peut se faire au violon ou au tambour ou encore, à tout le moins, par le frappements des mains et des pieds ( voir MUSIQUE FOLKLORIQUE). La vie musicale au Canada prend donc des formes diverses dès les débuts de la colonie, mais, hormis la musique religieuse, ses manifestations ne sont en rien officielles.

Vie musicale dans les villes (1750-1830)

Les immigrants qui affluent dans le territoire compris entre l'Atlantique et le lac Huron et les corps de musique régimentaires britanniques stationnés dans les villes de garnison contribuent à intensifier et à façonner la vie musicale pendant la seconde moitié du XVIII e siècle. Nos connaissances à ce sujet doivent beaucoup à l'arrivée de la presse d'imprimerie au Canada (Halifax, 1751), qui ouvre la voie à la venue des JOURNAUX , qui commencent bientôt à annoncer les concerts et à publier les réclames des professeurs et des commerçants. À cela s'ajoutent les mentions occasionnelles dans des comptes rendus de voyages qui, pour la plupart, notent combien les Canadiens français aiment chanter et danser. On admire tout spécialement le chant des VOYAGEURS .

Les fanfares ou harmonies militaires, formées peut-être d'une douzaine de bois et de cuivres, animent les défilés, participent aux fêtes et jouent des menuets et des danses campagnardes dans les soupers et les bals. Il y a une " salle de concert " à Québec dès 1764, et, dès 1770, on y vend des abonnements à des séries de concerts donnés probablement par des musiciens de fanfare et de bons amateurs. Les programmes des concerts donnés à Québec et à Halifax dans les années 1790 révèlent qu'on y joue de la musique de chambre et d'orchestre de Haendel, de J.-C. Bach, de Haydn, de Mozart et de Pleyel.

Ce n'est qu'à une époque plus récente que la nouvelle musique arrive au Canada avec moins de retard. Après le Padlock de Dibdin, présenté à Québec en 1783, des ballades et des opéras-comiques sont joués à Halifax, à Montréal et à Québec, le plus souvent par des comédiens-chanteurs itinérants; ces spectacles sont montés aux États-Unis par des artistes européens, mais ce sont parfois aussi des amateurs locaux, comme ceux du Théâtre de société, fondé en 1789 à Montréal, qui les mettent en scène. Cette troupe présente notamment, en 1790, Colas et Colinette, paroles et musique de Louis-Joseph QUESNEL. Les parties vocales, comme celles de Lucas et Cécile, également de Quesnel, ont été conservées, mais on a perdu la musique de la pantomime The Enchanters de John Bentley, présentée à Montréal en 1786, et de son ode en l'honneur de la création du Haut et du Bas-Canada en 1791.

À la fin du XVIII e siècle et au début du XIX e siècle, la seule façon de vivre de la musique est de toucher à tout : savoir jouer de plusieurs instruments, les réparer, diriger des harmonies, enseigner, importer des partitions et composer des marches, des danses ou de la musique d'église pour les occasions spéciales. Parmi ces musiciens à tout faire, mentionnons les Allemands Frederick Henry Glackemeyer, Jean-Chrysostome Brauneis père et Théodore F. Molt, le Belge Guillaume Mechtler, le Français Louis Dulongpré (également peintre) et les Anglais Bentley et Steven Codman. Des États-Unis viennent des professeurs de chant itinérants (comme le sont aussi les portraitistes et les compagnies théâtrales) qui enseignent les rudiments de la notation musicale et du chant choral dans des " écoles de chant " établies pour quelques semaines ou quelques mois dans une localité, le tout se terminant par un concert. Ce mouvement, parti des Maritimes, s'étend vers l'Ouest à partir de 1800 et contribue pendant plus de 100 ans à améliorer les choeurs d'église.

En général, jusqu'au milieu du XIX e siècle, seules les grandes églises catholiques et anglicanes peuvent se permettre le luxe d'un orgue et de bons musiciens; d'autres se contentent d'une contrebasse, d'un serpent ou d'un basson qui " donne le ton " des cantiques. Certaines confessions désapprouvent toute musique raffinée. La musique d'église est également favorisée par la publication d'anthologies de cantiques et d'hymnes liturgiques. Le Graduel romain (catholique, 1800), première publication de musique au Canada, Union Harmony (méthodiste, 1801) et The Colonial Harmonist (interconfessionnel, 1832) sont les premiers recueils publiés respectivement au Québec, au Nouveau-Brunswick et en Ontario.

Époque victorienne

L'invention du bateau à vapeur et du chemin de fer, la croissance urbaine, l'émergence d'une classe moyenne prospère et le principe du sont autant de catalyseurs de l'innovation musicale à partir de 1840. C'est à cette époque, en effet, que sont jetées les bases des institutions et des relations sur lesquelles s'appuie la vie musicale actuelle. Le chanteur anglais John Braham est, en 1841, le premier artiste reconnu à venir se produire au Canada. En 1858, les violonistes Ole Bull et Henri Vieuxtemps, la cantatrice Jenny Lind et le pianiste Sigismond Thalberg ravissent déjà leurs auditoires et établissent les normes que les artistes canadiens doivent chercher à égaler. De nombreux musiciens relèvent le défi et travaillent avec acharnement pour l'amour de la bonne musique bien exécutée. En créant des écoles, en préparant des concerts avec leurs chorales paroissiales, en regroupant les instrumentistes en " sociétés philharmoniques " ou en " unions musicales ", en ouvrant des magasins de musique et des maisons d'édition, ces musiciens suscitent l'émergence de nombreux talents naturels et d'un goût pour " les belles choses de la vie ". Les obstacles sont nombreux : la vanité de la classe commerçante nouvellement enrichie se révèle dans son manque de goût, et la moindre entreprise musicale est rendue précaire par les rivalités entre musiciens, la difficulté de trouver certains types d'instrumentistes et le faible appui des auditoires.

Si quelques-uns des premiers musiciens professionnels nés au Canada, dont le directeur d'harmonie Charles Sauvageau, le professeur Jean-Chrysostome Brauneis fils et le musicien d'église Jean-Baptiste Labelle, réussissent à gagner raisonnablement leur vie au pays, ceux qui aspirent à une grande carrière doivent s'expatrier. Certains, exceptionnellement doués, réussissent à merveille, notamment Joseph B. Sharland, professeur de musique à Boston; Hugh A. Clarke, professeur à l'U. de Pennsylvanie; Samuel P. Warren, organiste virtuose qui s'établit à New York; Calixa LAVALLÉE, compositeur de l'hymne national Ô Canada, qui fait une belle carrière de pianiste et de compositeur à Boston; Solomon Mazurette, pianiste à Detroit. La plus exceptionnelle est peut-être Emma Lajeunesse, la grande soprano qui, sous le nom d' ALBANI, est la première musicienne canadienne à se faire connaître de par le monde. De nombreux musiciens européens s'installent au Canada en qualité de professeurs, d'organistes ou de directeurs de sociétés musicales, dont James P. v CLARKE à Toronto, Antoine DESSANE à Québec, Gustave Smith à Ottawa, Frederick Herbert Torrington à Montréal ainsi qu'à Toronto, et le violoniste de formation Frantz JEHIN-PRUME à Montréal.

Au nombre des premières sociétés musicales apparaissent la New Union Singing Society de Halifax, fondée en 1809; la Société harmonique de Québec, fondée en 1820; les chanteurs et le corps de musique de The Children of Peace de Sharon, dans le Haut-Canada, qui démontrent à quel point une direction inspirée peut faire fleurir la musique, même dans un petit village; l'harmonie municipale de York, à Toronto, fondée en 1824; et la Société philharmonique de Saint-Jean, au Nouveau-Brunswick, fondée aussi en 1824. Lorsque l'Ouest du pays s'ouvre à la colonisation, le développement de la musique s'accélère. Souvent, une société musicale voit le jour dès la fondation d'une nouvelle agglomération. Victoria a sa société philharmonique en 1859; Calgary et Winnipeg ont chacune leur harmonie civile dans les années 1870, et des concerts ont lieu à Regina et à Saskatoon dans les années 1880. Après la Confédération, chaque ville et chaque village a plusieurs sociétés musicales, formées habituellement à partir du noyau d'une chorale. On forme des orchestres à l'occasion de concerts spéciaux avec l'aide de musiciens d'harmonie, de professeurs de musique et d'amateurs. Les plus importantes et les plus durables sont les sociétés philharmoniques de Toronto (1872-1894) et de Montréal (1875-1899), dont les principaux directeurs sont respectivement Torrington et Guillaume COUTURE, et le septuor Haydn (1871-1903), ensemble instrumental de Québec dirigé par Arthur Lavigne.

Les programmes vont de l'assortiment disparate d'ouvertures pour harmonie, de pièces pour piano seul, d'hymnes nationaux et de pièces chorales (le " grand concert de musique vocale et instrumentale ") à l'oratorio et à l'opéra donné en version de concert (par ex. Le Messie, La Création, Le Vaisseau fantôme et la Neuvième Symphonie de Beethoven). Dans le domaine de l' OPÉRA, les Canadiens dépendent surtout des troupes en tournée, mais des amateurs montent parfois quelques représentations dans leur localité, et la Holman English Opera Troupe est basée à Toronto et à London pendant quelques années. Le grand opéra italien et français remplace peu à peu les opéras légers du XVIII e siècle. L'opéra, qui connaît au milieu du siècle des versions tronquées accompagnées par une poignée de musiciens, devient une forme de représentation fréquemment offerte par des troupes professionnelles, parmi lesquelles, vers la fin de l'époque victorienne, des troupes de New York. De Vancouver à Yarmouth, en Nouvelle-Écosse, chaque ville a sa " salle d'opéra ", mais la plupart de ces salles sont inadéquates, à l'exception du MASSEY HALL, inauguré à Toronto en 1894.

Dans le domaine de la musique populaire, la chanson de tradition orale cède de plus en plus le pas aux ballades et aux danses à la mode (valses, quadrilles, galops, polkas) diffusées par l'importation de partitions. Il y a pourtant un contre-courant au Québec, où des chansons comme À la claire fontaine et Vive la Canadienne ont presque le statut d'hymnes nationaux, et où de nouvelles chansons patriotiques comme Un Canadien errant (paroles, 1842) et Le Drapeau de Carillon (1858) connaissent une grande popularité. L'anthologie Chansons populaires du Canada (1865-1867) d'Ernest Gagnon redonne vie à une centaine de chansons en les faisant connaître aux citadins et aux musiciens raffinés. Gagnon lui-même harmonise des chansons folkloriques pour choeur, et la compositrice ontarienne Susie F. Harrison s'inspire également du folklore pour ses Trois esquisses canadiennes, en 1859, et son opéra Pipandor, comme le font plusieurs compositeurs étrangers, dont sir Alexander Mackenzie dans sa Rhapsodie canadienne pour orchestre (vers 1905). James P. Clarke réussit à saisir l'essence du Canada dans son groupe de chansons Lays of the Maple Leaf (1853), mais la plupart des compositeurs de musique populaire ou de concert s'alignent aveuglément sur les tendances stylistiques en vogue à Paris ou à Leipzig lorsqu'ils y ont étudié.

La plupart des compositions canadiennes de l'époque victorienne conservées jusqu'à maintenant sont spécialement conçues pour les besoins des églises, des harmonies municipales, des salles de danse, des rassemblements patriotiques et des nombreux pianistes et chanteurs de salon. C'est généralement de la musique bien faite et joliment tournée, sans plus, mais elle vaut bien la musique du même genre composée ailleurs. Ouverture - Patrie (1874), de Calixa Lavallée, Rêverie (1875) de Couture, la Suite (1888) de W.O. Forsyth et 3 Shakespeare Overtures (vers 1899) de Clarence Lucas figurent parmi les rares oeuvres orchestrales de l'époque. La nature des ressources musicales disponibles sur place pousse plutôt les compositeurs vers la cantate et l'opéra-comique. Les plus remarquables sont la Cantate en l'honneur du prince de Galles (1860) de Charles W. Sabatier; Cantate : la Confédération (vers 1867) de J.-B. Labelle; The Widow (1880) et TIQ (The Indian Question / Settled at Last, publié en 1883), opéras-comiques de Lavallée présentés aux États-Unis; Leo the Royal Cadet (1889), " opéra militaire canadien " de F. Telgmann, qui connaît plus de 150 représentations; la Messe de Noël (1859-1865) de J.-J. Perreault; et Torquil (publiée en 1896), légende dramatique de Charles A.E. HARRISS.

Pendant que l'exécution et la composition s'affirment, la facture d'instruments, l'édition musicale et l' ENSEIGNEMENT DE LA MUSIQUE prennent de l'importance. La facture de pianos, d'orgues et d'harmoniums, entreprise vers 1910 dans de petits ateliers par des artisans allemands et américains, devient avant la fin du siècle une industrie importante, tandis que la lutherie demeure artisanale ( voir MUSIQUE, INSTRUMENTS DE). Les plus importants sont les facteurs d'orgues Samuel R. Warren et CASAVANT FRÈRES LTÉE, le fabricant de pianos T.A. Heintzman ( voir HEINTZMAN & CO LTD.), et les luthiers de la famille Lyonnais. R.S. Williams & Sons et Whaley, Royce and Co Ltd sont parmi les principaux fabricants et marchands d'instruments.

Après la publication des recueils de musique d'église ( voir HYMNES), les journaux et les périodiques commencent en 1831 à publier de la musique, et la musique en feuilles apparaît après 1839. La musique de danse, les marches et la musique de salon pour le piano ou la voix constituent l'essentiel des oeuvres publiées, qui comprennent aussi des cantates et des opéras-comiques. Il y a chez les éditeurs à peu près autant d'oeuvres canadiennes qu'étrangères. A. et S. Nordheimer, Arthur Lavigne, A.J. Boucher et Whaley, Royce & Co Ltd comptent parmi les maisons les plus actives. Il n'existe pas encore de bibliothèques publiques ou universitaires, mais les sociétés musicales montent des collections à l'usage de leurs membres.

À partir de 1850 environ, les écoles publiques inscrivent la musique au programme de leurs activités. Alexander T. Cringan est l'un des instigateurs de ce mouvement, et le Petit Séminaire de Québec a déjà son orchestre d'école en 1833. En 1846, le King's College (qui deviendra plus tard l'U. de Toronto) décerne à James P. Clarke un baccalauréat en musique, et le Trinity College de Toronto confère un doctorat en musique à George W. Strathy en 1858. Toutefois, il faut attendre la fin du siècle pour voir les universités instaurer des programmes d'examens pour l'obtention d'un diplôme tout en laissant aux conservatoires la responsabilité de l'enseignement. Les conservatoires, dont celui de Toronto, fondé en 1886 et qui ne tarde pas à s'imposer, dispensent un enseignement individuel ( voir CONSERVATOIRE ROYAL DE MUSIQUE).

Âge d'or et transition (1900-1940)

Le grandiose - l'expression de la richesse et du pouvoir - est une caractéristique universelle du tournant du XX e siècle qui se manifeste aussi dans la vie musicale. Des oeuvres comme Caïn (1905), d'Alexis CONTANT, et Jean le Précurseur (publié en 1914), de son collègue montréalais Guillaume Couture, sont des oratorios avec grand orchestre d'une envergure jusqu'alors inégalée au Canada. Joseph Vézina, directeur d'harmonie à Québec, compose trois opéras-comiques. En 1903, C.A.E. Harriss met sur pied le Cycle des festivals de musique du Dominion du Canada, auquel participent plus de 4000 chanteurs et instrumentistes dans 15 villes, de Halifax à Victoria. Les grandes villes sont dotées de plusieurs choeurs de centaines de chanteurs, et Toronto se voit attribuer à un moment le titre de " capitale du chant choral en Amérique du Nord ", en grande partie grâce au TORONTO MENDELSSOHN CHOIR, fondé par A.S. VOGT.

Montréal est le cadre de l'ambitieuse Compagnie d'opéra de Montréal, devenue plus tard la Compagnie nationale d'opéra du Canada (1910-1913 et 1913-1914), et des troupes invitées présentent, bien qu'exceptionnellement, des oeuvres gigantesques comme Tristan et Isolde, Parsifal, L'Anneau des Nibelungen et Otello. Pour ce qui est de la musique orchestrale, même les grandes villes se fient aux ensembles invités, qui viennent pour la plupart du Nord des États-Unis accompagner les oratorios ou se produire indépendamment. Cependant, des orchestres semi-professionnels voient le jour à Québec, à Montréal, à Toronto, à Halifax et à Calgary ( voir MUSIQUE ORCHESTRALE).

Les fabricants de piano font des affaires d'or ( voir PIANO, FABRICATION DE), et Émile Berliner, développeur de l'enregistrement sur disque pour la reproduction de musique commerciale, établit sa fabrique de gramophones à Montréal. Des conservatoires surgissent un peu partout et des comités d'examen sont formés, dont l'Académie de musique de Québec en 1868, l'Associated Board (société britannique dont les opérations au Canada s'échelonnent de 1895 à 1953), le collège Dominion de Montréal et le Conservatoire de Toronto. Après des années d'isolement, les Canadiens découvrent la vie musicale des autres villes du pays grâce à des périodiques comme Le Passe-Temps (1895-1935 et 1945-1949), le Canadian Music Trades Journal (1900-1933) et le Musical Canada (1906-1933).

La Première Guerre mondiale donne lieu à l'éclosion de nombreux chants patriotiques, mais elle décime aussi les orchestres, les choeurs et bien d'autres entreprises. Après la guerre, la vie musicale ralentit avec l'arrivée des nouvelles techniques d'enregistrement et de diffusion radiophonique ( voir MUSIQUE, DIFFUSION DE). Les importations reprennent la plus grande part du marché, et la musique populaire américaine et la musique de concert européenne envahissent les demeures, ne laissant qu'une place fort modeste aux compositeurs et aux interprètes canadiens. Ce changement, accentué par la Crise des années 30, entraîne le déclin de l'industrie des instruments de musique et une crise de l'emploi chez les musiciens. C'est pourtant une époque fertile en innovations importantes : des facultés et des écoles de musique voient le jour à l'U. de Toronto en 1918, à McGill en 1920 et à Laval en 1922. Les orchestres, dont un petit nombre a survécu à la guerre, se reforment, et on en fonde de nouveaux, notamment à Toronto en 1922, à Montréal en 1930 et en 1934 et à Vancouver en 1930 ( voir ORCHESTRE SYMPHONIQUE DE MONTRÉAL; ORCHESTRE SYMPHONIQUE DE TORONTO; ORCHESTRE SYMPHONIQUE DE VANCOUVER).

Les studios d'enregistrement emploient des musiciens pour les émissions musicales et dramatiques. La radio diffuse la musique des orchestres, des choeurs et des solistes d'un océan à l'autre et jusque dans les communautés sans salle de concert. En plus des orchestres, des ensembles de marque figurent au programme : le choeur Elgar de la Colombie-Britannique, établi à Vancouver, le choeur Bach-Elgar à Hamilton, le Mendelssohn Choir à Toronto, le choeur de voix d'hommes Arion à Victoria, le choeur Schubert et le Canadian Choir à Brantford, le Winnipeg Male Voice Choir, les Disciples de Massenet à Montréal, le quatuor Dubois et le QUATUOR À CORDES HART HOUSE, respectivement de Montréal et de Toronto, et la Société canadienne d'opérette de Montréal, puis les Variétés lyriques, qui lui succèdent. La production de récitals se fait avec l'appui de sociétés comme les clubs musicaux féminins.

Les groupes populaires les plus célèbres à l'époque sont les DUMBELLS, troupe de vaudeville née dans les tranchées de la Première Guerre mondiale; Guy LOMBARDO and his Royal Canadians, orchestre de danse qui finit par s'établir aux États-Unis; et les Bytown Troubadours, un quatuor de voix d'hommes. Les provinces de l'Ouest canalisent leur énergie musicale dans les festivals-concours, qui prennent naissance à Edmonton, en 1908. À la fin du siècle, ces manifestations réunissent encore des milliers d'enfants et de mélomanes venus mesurer leurs talents et recevoir les conseils du jury ( voir PRIX ET CONCOURS DE MUSIQUE).

L'entre-deux-guerres produit également le premier musicien de réputation nationale et le seul musicien canadien à être fait chevalier, sir Ernest MACMILLAN. D'autres musiciens s'établissent une réputation nationale ou internationale, dont, par ordre chronologique, les chanteurs Marie Toulinguet, Rodolphe PLAMONDON, Béatrice LA PALME, Edward JOHNSON, Louise Edvina, Florence Easton, Pauline DONALDA, Eva Gauthier, Sarah FISCHER, Frances James et Raoul JOBIN; l'organiste Lynnwood Farnam; les pianistes Paul Doyon, Emiliano Rénaud, Mona Bates, Léo-Pol MORIN, Ernest Seitz, Ellen Ballon et Muriel Kerr; les violonistes Kathleen PARLOW et Frederick Grinke; les chefs d'orchestre Luigi von Kunits, Wilfrid PELLETIER, Reginald Stewart, Geoffrey WADDINGTON et Jean-Marie BEAUDET; les chefs de choeur Herbert A. Fricker, Bruce Carey et Charles Goulet; les chefs d'harmonie John Slatter, Charles O'Neill et J.J. Gagnier; et le carillonneur Percival PRICE.

Les enregistrements sur place, les dépôts d'archives et la publication de musique folklorique et autochtone réalisés notamment par Marius BARBEAU, W. Roy Mackenzie et Helen CREIGHTON mettent au jour et préservent des quantités insoupçonnées de musique traditionnelle et d'oeuvres locales. La série de festivals d'arts traditionnels organisée pour le Canadien Pacifique par J.M. Gibbon de 1927 à 1934 (en particulier à Québec et à Banff) fait connaître la musique folklorique au grand public et incite des compositeurs tels W.H. Anderson, Claude CHAMPAGNE, Hector Gratton, Alfred LaLiberté, MacMillan, Oscar O'Brien, Léo Roy, Alfred Whitehead et Healey WILLAN à écrire de nouveaux arrangements et à composer des oeuvres originales. C'est une opinion très répandue que l'émergence d'une musique typiquement canadienne repose essentiellement sur l'établissement d'un fonds d'idiomes folkloriques régionaux. Toutefois, si la Suite canadienne de Champagne et Two Sketches for Strings de MacMillan deviennent des classiques canadiens, la plupart des compositeurs adoptent une orientation plus internationale.

Les compositeurs canadiens-anglais qui enseignent leur art tels Douglas Clarke, MacMillan, Leo Smith, Whitehead et Willan s'imprègnent de l'esthétisme du tournant du siècle et se réclament généralement de la tradition des églises britanniques. Dans l'ensemble, les Canadiens français comme Champagne, LaLiberté, Rodolphe MATHIEU et Morin représentent des influences plus modernes, qui vont de Scriabine à Debussy. Mathieu et Colin McPhee, qui étudiera par la suite la musique balinaise, sont presque les seuls à explorer les techniques contemporaines. Les compositions sont le plus souvent des chansons, des arrangements pour choeur ou de courtes pièces pour le piano. Le plus souvent, on écrit une symphonie, un quatuor à cordes ou une cantate comme examen pour l'obtention d'un diplôme, cependant on voit aussi un compositeur, Willan, s'attaquer à presque toutes les formes d'écriture (ballade, opéra radiophonique, symphonie, pièces pour orgue et musique chorale).

Le contenu de l'enseignement à l'université et au conservatoire, tout comme le répertoire de concert, demeure conservateur. De toute façon, le public canadien n'a pas encore fini de se familiariser avec les chefs-d'oeuvre de Bach, de Mozart, de Brahms et de Debussy. En l'absence d'une avant-garde musicale, l'évolution des compositeurs et des auditoires ne peut que ralentir considérablement.

Expansion depuis la Deuxième Guerre mondiale, 1940-1984

Au cours des années 40, l'activité musicale connaît une expansion rapide, presque une explosion. Les progrès survenus par la suite ne sont rien moins que spectaculaires et ralentissent à peine pendant les restrictions économiques des années 70 et 80. Ces progrès se reflètent dans l'émergence d'interprètes et d'ensembles de calibre international, dans une kyrielle de compositeurs professionnels, et aussi dans l'assimilation par les mélomanes d'un vaste répertoire de musiques nouvelles et anciennes, venues de partout et présentées régulièrement dans des salles de concert toutes neuves et de nouveaux centres d'arts, dans les festivals, sur disque et sur les ondes ( voir DISQUE, INDUSTRIE DU).

Cette croissance coïncide avec la nouvelle fierté des Canadiens envers leurs réalisations et avec leur désir conscient de se donner une identité culturelle durable. De meilleurs programmes de musique dans les écoles, de nouvelles institutions destinées aux études avancées et à la recherche, des techniques nouvelles dans le domaine des communications, voilà autant de facteurs de croissance. Les organismes nationaux fixent des normes, coordonnent les ressources, font la promotion du talent, protègent les droits des artistes et se font entendre des gouvernements. L'agitation qui secoue l'ensemble du milieu des arts est pour une bonne part à l'origine des nouvelles formes de soutien financier que prodiguent les organismes publics (particulièrement le CONSEIL DES ARTS DU CANADA ) et, dans une moindre mesure, le secteur privé. L'aide directe provient de diverses formes de subventions ( voir FINANCEMENT DES ARTS, DU PATRIMOINE ET DES INDUSTRIES CULTURELLES), et la proportion de contenu canadien imposée aux séries de concerts et aux émissions de radio et de télévision aide indirectement la production nationale.

Il existe déjà avant la Deuxième Guerre mondiale quelques associations nationales de musique (dont nous ne donnons ici que le nom le plus récent) : l'Association des compositeurs, auteurs et éditeurs du Canada Ltée (CAPAC), fondée en 1925, la Canadian Band Directors' Association, fondée en 1931, et la Fédération canadienne des associations de professeurs de musique, fondée en 1935. Parmi les plus récentes, mentionnons la Société canadienne des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SOCAN), issue de la fusion en 1990 de la CAPAC et de la Société des droits d'exécution du Canada limitée (1940-1990), la LIGUE CANADIENNE DE COMPOSITEURS (1951), le CENTRE DE MUSIQUE CANADIENNE (1959), l'Association canadienne des éducateurs de musique (1959), la Société de musique des universités canadiennes (1965), l'Association des orchestres canadiens (1972), et d'autres encore pour la musique folklorique, les musicothèques, les éditeurs de musique, les producteurs de disques et autres spécialistes.

Après la Deuxième Guerre mondiale, l'enseignement de la musique commence à s'améliorer avec la fondation par le gouvernement du Québec du CONSERVATOIRE DE MUSIQUE DU QUÉBEC en 1942, établi d'abord à Montréal, puis dans sept villes de la province, et la mise sur pied à l'U. de Toronto, en 1946, de cours destinés aux interprètes professionnels et aux professeurs de musique à l'école. Le nombre de facultés de musique dans les universités canadiennes passe d'une poignée dans les années 30 à plus d'une trentaine de nos jours. Les nouvelles installations de recherche comprennent des studios de musique électronique; des archives de musique folklorique et autochtone au MUSÉE CANADIEN DES CIVILISATIONS, à l'U. Laval et ailleurs; de même que la collection musicale de Canadiana, établie en 1970 à la BIBLIOTHÈQUE NATIONALE DU CANADA. L'Orchestre national des jeunes, fondé en 1960, permet à l'élite des jeunes instrumentistes d'acquérir de l'expérience, tandis que les JEUNESSES MUSICALES DU CANADA, fondées en 1949 par Gilles Lefebvre, la CAMMAC (Canadian Amateur Musicians / Musiciens amateurs du Canada), fondée en 1953, ainsi que de nombreux camps musicaux d'été attirent un large éventail de mélomanes.

Des périodiques comme The Canadian Music Journal (1956-1962), Opera Canada (fondé en 1960) et Les Cahiers canadiens de musique (1970-1976) encouragent la formation musicale et la critique. L' ENCYCLOPÉDIE DE LA MUSIQUE AU CANADA (publiée en anglais en 1981 et en français en 1983) témoigne de l'intérêt croissant pour l'histoire et l'état actuel de la musique au Canada. L'intensité et la variété de l'interprétation musicale ont pris des proportions impressionnantes. On n'a qu'à penser à la centaine d'orchestres professionnels ou communautaires, aux troupes d'opéra de Toronto ( voir COMPAGNlE D'OPÉRA CANADIENNE), de Montréal (Opéra du Québec, auquel a succédé l'Opéra de Montréal), de Vancouver, d'Edmonton, de Calgary (Southern Alberta Opera Association), de Winnipeg (Manitoba Opera Association) et d'ailleurs, au phénomène, dans les années 60, des chansonniers et des boîtes à chansons, aux FESTIVALS d'été, aux groupes rock ou à la musique diffusée à la radio ( voir MUSIQUE POPULAIRE). Nous devons nous contenter de nommer les plus importants.

Les années 50 sont l'âge d'or de la musique à la Société Radio-Canada (SRC), qui a son orchestre symphonique, sa troupe d'opéra et L'Heure du concert (au réseau français de télévision), mais la SRC se limite maintenant à la diffusion de concerts présentés en salle. Les principaux festivals se tiennent d'abord à Montréal (1936-1965), à STRATFORD, en Ontario (depuis 1953), à Vancouver (1955-1968), à Ottawa (au CENTRE NATIONAL DES ARTS, 1971-1983). Le Festival international de Lanaudière (depuis 1978) et le Festival international de jazz de Montréal (depuis 1980) attirent un large public, tout comme les célébrations gigantesques qui se tiennent à Montréal, dans le cadre d' EXPO 67 , et à Toronto, pour fêter son 150 e anniversaire en 1984. Des ensembles comme le QUATUOR À CORDES OXFORD (fondé en 1965), les FESTIVAL SINGERS OF CANADA (1954-1979), le CANADIAN BRASS QUINTET (fondé en 1970), le groupe rock GUESS WHO (1965-1975) et bien d'autres ( voir MUSIQUE DE CHAMBRE) s'acquièrent une réputation internationale. On trouve dans les grandes villes des ensembles qui jouent de la musique du Moyen-Âge et de la Renaissance sur des instruments d'époque, de même que des sociétés de musique actuelle, dont la Société de musique contemporaine du Québec, fondée à Montréal en 1966.

Au nombre des artistes canadiens de renommée mondiale figurent les chanteurs Maureen FORRESTER, Lois MARSHALL, Louis QUILICO, Léopold SIMONEAU, Teresa STRATAS, Jon VICKERS, Paul FREY, Ben HEPPNER et Edith Wiens ( voir CHANT); les pianistes Glenn GOULD, Anton KUERTI, André Laplante, Ronald Turini, Louis LORTIE et Janina Fialkowska; les violonistes Ida HAENDEL et Steven STARYK; les violoncellistes Lorne Munroe et Zara Nelsova; le claveciniste Kenneth GILBERT et les musiciens de JAZZ Maynard FERGUSON (trompette) et Oscar PETERSON (piano). Mireille Lagacé et Hugh McLean sont parmi les meilleurs organistes; Alberto Guerrero, Lyell Gustin, Yvonne Hubert et Lubka Kolessa sont des professeurs de piano renommés; et la liste pourrait s'allonger dans bien d'autres disciplines.

Parmi les grands chefs d'orchestre canadiens de cette période, on compte John AVISON, Mario BERNARDI, Alexander BROTT et Boris BROTT, Victor FELDBRILL et Pierre HÉTU, de même que plusieurs immigrants de haut calibre. Le Canada a aussi d'excellents musicologues, dont Rika Maniates ( voir MUSICOLOGIE); Conrad Laforte est un éminent chercheur en chanson folklorique, comme le fut Edith FOWKE (1913-1996); Nicholas Goldschmidt (festivals), Gilles Lefebvre (Jeunesses musicales du Canada) et Arnold WALTER (enseignement) sont des organisateurs de grand talent. Dans les rangs des chanteurs populaires et folkloriques et des chansonniers, on trouve Paul ANKA, Édith Butler, Félix LECLERC, Monique LEYRAC, Gordon LIGHTFOOT, Alan Mills, Joni MITCHELL, Anne MURRAY, Gilles VIGNEAULT, Céline Dion et Bryan Adams.

L'essor que connaît la composition vers le milieu du siècle se manifeste sous trois aspects : l'établissement de la composition en tant que profession, l'enseignement des techniques contemporaines à l'école de musique et le rapprochement des compositeurs canadiens avec l'avant-garde de la musique occidentale. L'internationalisme et la diversité règnent. Les compositeurs se familiarisent avec le dodécaphonisme, le néoclassicisme et les nouveaux procédés techniques, notamment l'électronique ( voir MUSIQUE ÉLECTROACOUSTIQUE). Plusieurs jeunes Canadiens affinent leur art à Paris, à Rome ou à Darmstadt. Plus d'une trentaine étudient avec la célèbre Nadia Boulanger. Barbara PENTLAND, John WEINZWEIG et Jean PAPINEAU-COUTURE prennent la tête de l'aile " radicale ". Weinzweig et Papineau-Couture, professeurs très influents, sont également les deux premiers présidents de la Ligue canadienne de compositeurs.

Compte tenu de la diversité des genres, des techniques et des styles représentés dans les oeuvres de ces compositeurs et de nombreux autres, peut-on relever des traits distinctifs régionaux ou nationaux? Certains critiques établissent un parallèle entre les paysages désolés au climat rigoureux et le vocabulaire austère de certains compositeurs, d'autres nient toute corrélation du genre. Les idiomes folkloriques, les sujets historiques (dans l'opéra Louis Riel de Somers, par exemple) et le mélange de la musique du temps des pionniers avec des techniques modernes (comme dans certaines oeuvres de Beckwith) présentent eux aussi une identité distinctive. Une prise de conscience de nos " paysages sonores " amène Schafer à réaliser des expériences originales.

Il serait futile de vouloir éliminer toute influence internationale. La musique canadienne prendra forme d'elle-même, sous l'influence de compositeurs qui, comme tous les autres Canadiens, sont des produits de la société canadienne et réagissent à leur environnement d'une façon qui ne diffère des autres pays que de façon très subtile. Parmi ces compositeurs, il s'en trouvera quelques-uns, et il s'en trouve peut-être déjà, dont le talent et l'originalité façonneront ce qu'on appellera la musique canadienne.

# data[].attributes.attachment_link.description
Depuis les débuts de la colonisation au XVIIe siècle, la musique autochtone n'a que peu d'influence sur l'évolution des courants musicaux dominants. Origines La musique existe en Amérique du Nord depuis l'époque où les Amérindiens et les Inuits s'y sont installés, il y a de cela des millénaires.

# data[].attributes.body
Édition du printemps 2022 de l'Ostinato

# data[].attributes.body
Contenu :
- Partitions disponibles
- Solfèges rythmiques et mélodiques
-Exercices en lien avec les termes musicaux, les instruments, les compositeurs et bien d'autres

# data[].attributes.attachment_link.description
La boutique Métronimo permet d’acheter des produits sur le thème de la musique : livres, stickers, posters, mugs, tapis de souris, vêtements, sous-verres, horloges, jeux, trousses à crayons, boites, papier à musique...Cliquez ici pour visiter la boutique.

# data[].attributes.body
Les impacts positifs des arts dans l'éducation des jeunes.

# data[].attributes.attachment_link.description
Culture et école vont main dans la main. Nous avons eu le goût de mettre en lumière les initiatives de tous ceux - profs, artistes, intervenants, etc. - qui sont animés par un désir d'éveiller les consciences à la culture, au sens large. Bonne lecture. ­­­

# data[].attributes.attachment_link.title
Initiation à la musique du XXe siècle – Circulation de la musique

# data[].attributes.attachment_link.description
Pour paraphraser Marguerite Yourcenar (1983): «Le temps, ce grand sculpteur», on dira que l’Histoire sculpte l’image ou la représentation musicale d’une époque, laissant tomber bien des œuvres pour construire un portrait global d’une époque représentant particulièrement les «canons», c’est-à-dire le…

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Opéra, XVIIe siècle

Chez les Grecs de l'Antiquité, la poésie se déclame ou se chante accompagnée de la lyre. C'est pourquoi, en Occident, l'expression "art lyrique", au sens large, a fini par désigner l'art du chant classique. D'ailleurs, on retrouve déjà dans la Grèce antique les racines des trois axes les plus importants de la musique vocale moderne, soit le théâtre chanté, la poésie chantée et le chant sacré.

Au Moyen Âge, on met en scène ce qu'on appelle des "jeux", dans lesquels des chanteurs costumés font vivre aux spectateurs des histoires d'amour ou des épisodes des Écritures ou de la vie des saints. D'autre part, les bardes, puis les troubadours et les trouvères, plus raffinés, perpétuent la tradition des aèdes grecs, chantant l'amour, la nature et la guerre.

À la fin de la Renaissance, les madrigaux flamands, italiens et anglais traduisent les émotions les plus intimes comme jamais auparavant. Parallèlement, la Camerata Fiorentina, un cercle humaniste de poètes, de musiciens et de nobles esthètes florentins, s'inspire du théâtre grec antique et met au point l'opéra.

À l'aube de l'ère baroque, en 1607, Claudio Monteverdi (1567-1643) crée à Mantoue son Orfeo, considéré comme le premier véritable chef-d'œuvre de l'histoire de l'opéra. Dès lors, la folie de l'opéra se répand à travers l'Europe comme une traînée de poudre! Et jusqu'au début du XX e siècle, il constitue le moyen d'évasion par excellence avant d'être concurrencé par le cinéma. Outre Monteverdi, les grands de l'opéra baroque comprennent Lully, Purcell, Vivaldi, Haendel et Rameau. Rapidement, l'opéra se conjugue en plusieurs sous-genres, depuis la tragédie lyrique jusqu'à l' opéra-comique, en passant par la pastorale et l' opéra-ballet. Les voix de castrats sont en vogue, et la virtuosité vocale éblouit les foules. L'évolution se poursuit à l'époque classique avec Gluck, et surtout Mozart (1756-1791), le premier à écrire des chefs-d'œuvre qui se maintiennent dans le répertoire courant.

Récital de chant (Renée Lapointe, mezzo-soprano; Eliane Reyes, pianiste). Crédit photo: François Nadeau

Au cours du siècle romantique (le XIX e), l'opéra évolue de la stylisation du bel canto de Rossini, Bellini et Donizetti vers un éclairage de plus en plus fouillé de l'âme humaine chez Gounod, Bizet et Verdi. Avec Wagner (1813-1883), l'opéra se fait cérémonie initiatique. En Russie et en Bohême, en Espagne et en Angleterre, on crée des styles nationaux bien typés, tandis que les opérettes d'Offenbach, de Gilbert & Sullivan et de Johann Strauss fils font rire et rêver. À la fin du XIX e siècle, le verismo de Mascagni et de Puccini touche les cœurs.

La musique vocale, c'est également l'univers intime des lieder et des mélodies. Le mot allemand lied - ou lieder au pluriel - signifie littéralement "mélodie".

Un lied peut se définir comme la mise en musique d'un poème sous la forme d'une pièce courte pour chant et piano. C'est la réalisation d'une fusion entre la poésie et la musique, celle-ci mettant en valeur la signification des paroles. Le piano fait plus qu'accompagner, il participe activement au climat poétique. Les compositeurs de lieder s'efforcent de choisir des poèmes de haute qualité littéraire. Ainsi puisent-ils souvent chez Goethe, Schiller, Rückert, et d'autres grands poètes.

La grande tradition du lied romantique ne débute vraiment qu'avec Schubert (1797-1828), puis se poursuit jusqu'à Richard Strauss (1864-1949), en passant par Schumann, Brahms, Wolf et Mahler, pour ne nommer que les plus essentiels. Il arrive que d'autres instruments, comme le cor ou la clarinette, se joignent au piano. À partir de la fin du XIX e siècle, l'orchestre symphonique prend souvent la place du piano.

L'opéra contemporain explore de nouvelles avenues intégrant les plus récentes technologies (Chants Libres). Crédit photo: Yves Dubé

En tant que genre, la mélodie apparaît en France vers le milieu du XIX e siècle. Elle découle de la "romance" du XVIII e siècle. Comme celle-ci, la mélodie se définit par la recherche de raffinement, de charme et d'élégance. À ces caractéristiques s'ajoute l'influence du lied germanique: rôle actif de "l'accompagnement" et souci de qualité littéraire. Aussi, on met en musique les Lamartine, Verlaine, Rimbaud, Apollinaire et Éluard, par exemple. Parmi les maîtres, on compte Berlioz, Fauré, Debussy, Ravel, Poulenc et Duparc. Le genre de la mélodie sera repris notamment en Russie, en Bohême, en Angleterre, en Italie et en Espagne.

Un large pan de la musique vocale classique se trouve aussi dans la musique sacrée qui, dans les innombrables cantates baroques, les motets, les oratorios et les messes, renferme d'inépuisables trésors.

Au XX e siècle, l'opéra se fait tour à tour impressionniste avec Debussy, expressionniste avec Berg et minimaliste avec John Adams. C'est en effet le siècle des expériences esthétiques les plus éclatées. Des compositeurs tels que Cage, Ligeti, Kagel, Berio, Penderecki et Vivier élargissent le spectre expressif de la voix humaine en y incluant onomatopées, chuchotements, soupirs, cris et langues inventées. Ce " théâtre musical " s'écarte des traditions de l'opéra pour explorer de nouveaux sentiers.

# data[].attributes.attachment_link.title
Initiation à la musique vocale - Circulation de la musique

# data[].attributes.attachment_link.description
Chez les Grecs de l'Antiquité, la poésie se déclame ou se chante accompagnée de la lyre. C'est pourquoi, en Occident, l'expression "art lyrique", au sens large, a fini par désigner l'art du chant classique. D'ailleurs, on retrouve déjà dans la Grèce antique les racines des trois axes les plus importants de la musique vocale moderne, soit le théâtre chanté, la poésie chantée et le chant sacré.

# data[].attributes.headline
Site internet pour le préscolaire et le primaire

# data[].attributes.subject
Site internet pour le préscolaire et le primaire

# data[].attributes.body
Encyclopédie de la musique, œuvres et exercices

# data[].attributes.attachment_link.title
Histoire de la musique - La Quinte Juste

# data[].attributes.headline
Application permettant de composer des œuvres musicales

# data[].attributes.subject
Application permettant de composer des œuvres musicales

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Remixlive 6.5 is out! Connect any MIDI controller to your device and map it in minutes. You can then use your MIDI device to control the Remixlive App.

Remixlive is a simple, intuitive music composition and performance app.

This music creation tool features a professional looper, drum pad, step-sequencer & song mode perfect for producers, live performers and DJs.

Grids:
Loop -> Play with loops synced to the tempo on a 8x6 grid
Drum -> Jam live with drum, synth and guitar sounds
Seq -> Create sequences using your own patterns
Song -> Arrange sounds on the timeline to create a track

The uniqueness of Remixlive comes from the rich feature set available across all devices: mobile, tablet and Mac, as well as the large collection of 200+ professional sample packs, featuring a wide selection of musical genres. New packs are added every week!

Remixlive is a professional software that allows you to import samples from your local library (MP3, WAV, AAC, M4A, AIFF, 16/24 bits). The app also has MIDI compatibility, you can map your favorite MIDI controllers and start performing in minutes.

Not only has Remixlive become the go-to app for music producers, the integration of Ableton Link and the Live Set functionality has made it the ideal addition to your live setup.

The app has received praise from press and artists alike:
"A very intuitive way to make professional-sounding tracks on portable devices." - DJ Mag

"I integrated Remixlive to my DJ sets and it offers a lot of creative potential. I would suggest Remixlive to any artist out there, because it's very simple, you can create a lot of fun and inspiring things!" - T78

Everything you need, from launching fully-synced loops to adding FX, packed in an all-in-one remix app. Let your creativity flow!

All of our packs are royalty-free, which means you can share your recordings everywhere on social media!

Follow us on Instagram: @remixliveapp #remixliveapp

TECHNICAL SPECIFICATIONS:
* Create your own unique patterns, melodies, rhythms, and tracks using our powerful step sequencer
* Shape your sound in real-time with many DJ-style FXs: beat repeat, filter, delay, reverb...
* Edit your samples in-depth (Play Mode, Quantize, Gain, Pan, Reverse...)
* Toggle the Live Set mode and combine samples from different projects to build a unique live performance
* Control FXs, levels, filters, Mute/Solo and 3-band EQ on each channel
* Create new packs by mixing and matching samples from existing packs.
* Record live input through the microphone and capture any sound, voice or instrument
* Export your songs in multiple individual tracks (stems)
* Ableton Link: ​sync Remixlive with Cross DJ Pro, any Link-compatible iOS apps or with Ableton Live

PREMIUM SUBSCRIPTION PLANS:
The app offers Monthly and Yearly subscription plans that give you access to all sound packs and features.

Payment will be charged to iTunes Account upon confirmation of purchase. Subscription automatically renews unless auto-renew is turned off at least 24-hours before the end of the current period. Account will be charged for renewal within 24-hours prior to the end of the current period, and identify the cost for the renewal. Subscriptions may be managed by the user and auto-renewal may be turned off by going to the user's Account Settings after purchase.

Please go to our website for more information:
Terms of use: http://www.mixvibes.com/terms
Privacy policy: http://www.mixvibes.com/privacy

Version 6.5.5

We keep improving Remixlive to make sure you have the best experience possible when creating and composing!

Remixlive comes with a lot of new cool features!

If you like Remixlive, make sure to rate the app and follow us on Instagram @remixliveapp

Version 6.5:
The new update includes:
* Brand new MIDI controller functionality with user mappings (create, import, export custom MIDI mappings)
* Addition of master clock (full-screen) paused state
* Various bug fixes & enhancements

perfect fertilizer for your tasty beet garden!

Love this! I have my iPhone only and still works amazingly well alone or by savig my files to two different cloud storage apps (one for backup) and import those files to other musical apps to tweak a little more, smoothen or add sounds or change up the we (this is all simple done within Remixlive as well). I highly suggest this for everybody body. If you've never made a beat in your life start here. If you have been making beats for years. Go here.

Yet something changed; I used to be able to hit record and start my loops up and (< 3 minutes without the special) jam out. Once I ended my tune I'd stop the recording and save.
---now I hit record and the recorder goes to one pad only and records my voice or drum pads or something. And I haven't figured out how to record a song full of my chosen loops and sounds.

My friends and I "who can't make music" are having a blast playing with it as well as collaborating with the help of the almighty cloud.

The new recording feature though, I would love some direction as to how this works!

Great work on this team! You've truly gotten me hooked and back to making deliciously fresh beets!

Close to 5 star but I paid a lot and get nags to buy more

It's a great app very useful. The new ver is amazing but the file keeping is clunky. I can't delete a project unless I open another project then go delete the first? The swipe function duplicates. Would like to be able to swipe one direction to duplicate and other to delete. Takes a lots of steps to get anything done...but once set up it's great and responsive. I wished it had midi more than ableton link. Even a desktop link for file management and setup would be great. So many pads and samples that it takes forever to get everything ready...using your own samples of course. Using the pre-made is easy, just not much control after they load. Still a great app. The sequence and song mode are great. Almost a DAW minus detail control and management. Also. I bought all the upgrades...a lot of money....STOP THE NAG screens trying to get me to try another app!!! That's why I gave it 3 stars. Not very professional to try to sell your rapping app. I'm not a rapper. People who use this type of app are more EDM and dance, Ect. I pad. Stop nagging me. I can see trying to use LIVE and getting interrupted by nag screens. Dev. You have a great app. Act professionally stop with the greed! A good app will make you plenty of money. Uuuuggggg

PLEASE READ AND RESPOND!

So I really, really like this app. I am an aspiring singer, and I love creating tracks on this app and singing along. It's a wonderful app, but I have a few suggestions. One: lets say i record a track on the future beat pack, and then i record a different sounding track on the same pack, the tracks end up sounding exactly the same, which means that if i want to record a track using sounds from a pack I've already recorded in, i have to create a new pack and add those songs, which gets really annoying because i have to keep creating new packs with the same sounds in it. Please fix this!!! Another suggestion I have is maybe a couple times a week can we maybe watch a video to get a new pack? Right now the app is very limited, especially because of my recording problem. I think if you fix this the app will be PERFECT!

The developer, MIXVIBES, indicated that the app's privacy practices may include handling of data as described below. For more information, see the developer's privacy policy.

Data Not Linked to You

The following data may be collected but it is not linked to your identity:

Privacy practices may vary, for example, based on the features you use or your age. Learn More

Information

Compatibility

iPhone

Requires iOS 11.0 or later.

iPad

Requires iPadOS 11.0 or later.

iPod touch

Requires iOS 11.0 or later.

Mac

Requires macOS 10.15 or later.

Languages

English, French, German, Italian, Japanese, Portuguese, Russian, Simplified Chinese, Spanish

Family Sharing

With Family Sharing set up, up to six family members can use this app.

# data[].attributes.attachment_link.description
‎Remixlive is a simple, intuitive music composition and performance app. This music creation tool features a professional looper, drum pad, step-sequencer & song mode perfect for producers, live performers and DJs. Grids: Loop -> Play with loops synced to the tempo on a 8x6 grid Drum -> Jam live wi...

# data[].attributes.body
Cette vidéo s'adresse aux élèves du préscolaire ainsi qu'à ceux du premier et du deuxième cycle du primaire.

# data[].attributes.attachment_link.title
Tuto : fabriquer une Guitare avec une boîte de conserve (Hellokids)

# data[].attributes.body
Cette vidéo s'adresse aux élèves du préscolaire ainsi qu'à ceux du premier et du deuxième cycle du primaire.

# data[].attributes.attachment_link.title
Bricolage enfant. Fabriquer une flûte de pan

# data[].attributes.headline
Document : Les incontournables afin que la suppléance se déroule dans les règles de l'art

# data[].attributes.subject
Document : Les incontournables afin que la suppléance se déroule dans les règles de l'art

# data[].attributes.body
Contenu : Guide pour les suppléants/es et exercices pour les élèves

# data[].attributes.body
Contenu : Théorie musicale et exercices

# data[].attributes.attachment_link.description
portée, note, clé, diapason, altération, ton, degré, intervalle, gamme, figure de note, figure de silence, signe de durée et mesure sont décrits de façon claire et précise dans cette théorie de la musique en ligne.

# data[].attributes.headline
Document : Mots mystères en lien avec la musique

# data[].attributes.subject
Document : Mots mystères en lien avec la musique

# data[].attributes.headline
Application permettant d'apprécier des pièces musicales

# data[].attributes.subject
Application permettant d'apprécier des pièces musicales

# data[].attributes.body
Contenu des minis-tests : Après chaque extrait entendu, identifier le/la compositeur/ice, le titre de l'œuvre musicale et l'époque qui leur est associée.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
QuizMus est un quizz de musique qui vous permet de connaitre les compositeurs des chefs-d'œuvre de musique classique : Vivaldi, Mozart, Chopin, Bach, Beethoven, Verdi ...

Téléchargez QuizMus maintenant et devinez les compositeurs des meilleurs airs de musique classique.
QuizMus est la meilleure façon de tester et d'étendre vos connaissances en musique classique. QuizMus vous permet de :
***** profiter d'un Quiz musical de 6 niveaux avec 30 extraits de musique classique d'environ 2mn chacun : c'est simple, écoutez et devinez le compositeur pour chaque extrait musical.
***** vous cultiver en vous amusant : un court descriptif est fourni par compositeur et par extrait de musique. Savez-vous par exemple que Mozart a donné son premier concert public à l'âge de 6 ans ? Ou que Schubert a laissé plus de mille œuvres à sa mort à l'âge de 31 ans ?
***** défier vos amis en les invitant à jouer à ce Quiz musical.
***** réécouter les extraits via un écran dédié pour les mémoriser et apprendre à les reconnaître.
***** jouer et écouter les extraits de musique n'importe où et n'importe quand : pas besoin d'être connecté à Internet pour jouer, seul le défi de vos amis via Facebook, WhatsApp et Twitter nécessite une connexion.

Ce Quiz de musique classique convient à tous les âges et vous offre un contenu de qualité. Il vous permettra de connaître les compositeurs de plusieurs chefs d'œuvre de musique classique.

Plus qu'un Quiz musical, QuizMus est un outil d'apprentissage qui vous permet de passer des moments agréables en famille et avec vos amis.

Vous pouvez accéder aux 10 premières questions de QuizMus gratuitement. Et si vous aimez le concept, vous pouvez débloquer toutes les fonctionnalités de QuizMus via un seul achat intégré. Testez notre quiz musical maintenant.

QuizMus, le Quiz musical qui rend moderne la musique classique.
N'attendez plus et téléchargez maintenant QuizMus !

Conditions d'utilisation et engagement de confidentialité : http://www.quizmus.fr

L'utilisation des fonctionnalités d'envoi de messages à vos amis via l'écran "Défie tes amis" peut impliquer des frais de transfert de données ou d'envoi de SMS selon le type de contrat qui vous lie avec votre opérateur Télécom.

Version 0.0.16

Minor modification (composers update)

Le développeur IEF Groupe a indiqué que les pratiques de l'app en matière de confidentialité peuvent comprendre le traitement des données comme décrit ci‑dessous. Pour en savoir plus, consultez la politique de confidentialité du développeur.

Données non liées à vous

Les données suivantes peuvent être recueillies, mais ne sont pas liées à votre identité :

Les pratiques en matière de confidentialité peuvent varier selon les fonctionnalités que vous utilisez ou selon votre âge. En savoir plus

Détails

Compatibilité

iPhone

Nécessite iOS 8.0 ou une version ultérieure.

iPad

Nécessite iPadOS 8.0 ou une version ultérieure.

iPod touch

Nécessite iOS 8.0 ou une version ultérieure.

Mac

Nécessite macOS 11.0 ou une version ultérieure et un Mac avec une puce M1 d'Apple.

Langues

Français, Allemand, Anglais, Chinois simplifié, Chinois traditionnel, Coréen, Espagnol, Hindi, Japonais, Russe, Turc

Achats intégrés

Version complète de QuizMus 0,99 $

Partage familial

Si vous avez activé le partage familial, vous pourrez partager cette app parmi six membres de votre famille.

# data[].attributes.attachment_link.description
‎Téléchargez QuizMus maintenant et devinez les compositeurs des meilleurs airs de musique classique. QuizMus est la meilleure façon de tester et d'étendre vos connaissances en musique classique. QuizMus vous permet de : ***** profiter d'un Quiz musical de 6 niveaux avec 30 extraits de musique classiq...

# data[].attributes.body
Techniques des instruments, jeux et vidéos pédagogiques, normes et modalités etc.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Bonjour chers élèves et parents!

Vous retrouverez sur ce site une bonne partie des notions vues au cours de musique, des liens audio et vidéos pour la pratique personnelle des élèves, ainsi que des informations supplémentaires liées à la logistique des cours (règlements, normes et modalités, compétences du MELS, etc.)

Bienvenue sur le site et bonne visite!

Mélody Clermont

# data[].attributes.attachment_link.description
Bonjour chers élèves et parents! Vous retrouverez sur ce site une bonne partie des notions vues au cours de musique, des liens audio et vidéos pour la pratique personnelle des élèves, ainsi que des informations supplémentaires liées à la logistique des cours (règlements, normes et modalités, compétences du MELS, etc.)