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Les mouvements dans la peinture : Orphisme - arts

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Sommaire: 1 CONTEXTE 2 CARACTÉRISTIQUES 3 ARTISTES 3.1 France 3.2 Robert Delaunay 3.3 Sonia Delaunay-Terk 3.4 Allemagne 3.5 États-Unis 4 OEUVRES 4.1 La Couverture 4.2 Une fenêtre 4.3 Taureau couché 4.4 Abstraction à partir du spectre 5 Vidéo : Les mouvements dans la peinture : Orphisme CONTEXTE en 1…

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Tout au long du XXe siècle, plusieurs styles d'art avant-gardiste ont contribué à façonner l' art moderne. Alors que bon nombre de ces genres - y compris le surréalisme inconscient et l'expressionnisme abstrait énergique - privilégiaient surtout la peinture, le mouvement Bauhaus englobait un large éventail de médiums, de matériaux et de disciplines.

De la peinture et du graphisme à l'architecture et aux intérieurs, l'art Bauhaus a donné de nombreux débouchés de l'art expérimental européen au cours des années 1920 et 1930. Bien qu'il soit le plus étroitement associé à l'Allemagne, il a attiré et inspiré des artistes de tous les horizons. Aujourd'hui, son influence se retrouve dans l'art et le design du monde entier, que ce soit dans les murs d'un musée ou dans une rue de banlieue.

Qu'est-ce que le Bauhaus?

Bauhaus - littéralement traduit par " maison de construction " - est une école d'art allemande du début du XXe siècle. Fondée par Walter Gropius, l'école a fini par se transformer en un mouvement d'art moderne, caractérisé par une approche unique de l'architecture et du design. Aujourd'hui, le Bauhaus est réputé pour son esthétique unique qui allie de manière inventive les beaux-arts à l'artisanat et son influence durable sur l'art moderne et contemporain.

Le logo du Bauhaus (Photo: via Wikimedia Commons)

Histoire du Bauhaus

En 1919, l'architecte allemand Walter Gropius fonde Staatliches Bauhaus, une école qui réunit sous un même toit toutes les branches de l'art. L'école a servi de plaque tournante pour les créations les plus expérimentales d'Europe, avec des artistes renommés comme Josef Albers, Wassily Kandinsky et Paul Klee qui ont offert leur expertise comme instructeurs.

Le Bauhaus en tant qu'établissement d'enseignement existait dans trois villes: Weimar (1919-1925), Dessau (1925-1932) et Berlin (1932-1933), jusqu' à ce qu'il soit fermé en raison des pressions croissantes exercées par les nazis. Cependant, même après avoir été confrontée à une fermeture définitive, l'influence et l'esthétique de l'école ont persisté et ont culminé dans le mouvement du Bauhaus.

Style du Bauhaus

Le style du Bauhaus est communément caractérisé comme une combinaison du mouvement Arts and Crafts avec le modernisme, comme en témoigne l'accent mis sur la fonctionnalité et, selon la Tate, son " objectif de remettre l'art en contact avec la vie quotidienne " , c'est ainsi que les dessins typiques du Bauhaus - qu'ils soient présents dans la peinture, l'architecture ou le design d'intérieur - se caractérisent par une petite ornementation et un accent sur des formes équilibrées et abstraites.

Bauhaus Art

Dans l'art, cet accent mis sur la fonction transparaît dans les compositions équilibrées de peintures abstraites d'artistes du Bauhaus comme Wassily Kandinsky et Paul Klee. S'inspirant sans doute de l'architecture, les peintures du Bauhaus associent typiquement des plans plats aux formes superposées pour suggérer la dimensionnalité.

Jaune-rouge-bleu (1925) par Wassily Kandinsky (Photo: Musée national d'art moderne via Wikimedia Commons)

Red Balloon (1922) de Paul Klee (Photo: Timothy Armstrong)

En plus des peintures, les artistes du Bauhaus produisaient souvent des sculptures abstraites, des collages avant-gardistes et des affiches modernistes avec une typographie audacieuse et des blocs de couleurs.

Affiche d'exposition du Bauhaus (1923) (Photo: iv toran)

Architecture du Bauhaus

Tout comme l'art du Bauhaus, l'architecture de ce style se caractérise par des formes géométriques harmonieuses et équilibrées et par l'accent mis sur la fonction.

Photo: KlausHausmann

Doté de plans ouverts et de beaucoup de verre, il s'inspire de l'aspect simple mais raffiné du mouvement American Arts and Crafts, un genre popularisé par le maître architecte et pionnier de la Prairie School Frank Lloyd Wright.

Fallingwater par Frank Lloyd Wright (Photo: Carol M. Highsmith via Wikimedia Commons)

De plus, ce mouvement d'architecture moderne a fortement inspiré l'aspect des maisons modernes du milieu du siècle, qui empruntent aux lignes épurées et au design fonctionnel des bâtiments du Bauhaus.

Photo: MichaelGaida

Aménagement intérieur du Bauhaus

Les intérieurs Bauhaus sont réputés pour leur simplicité et leur ouverture. Minimalement ornés de meubles emblématiques - y compris la chaise Wassily, un modèle du nom de Kandinsky- et d'accents simples, ils font écho parfaitement à leurs extérieurs.

Photo: Spyrosdrakopoulos via Wikimedia Commons

Photo: PeterDrews via Wikimedia Commons

Photo: pyrosdrakopoulos via Wikimedia Commons

Héritage

Aujourd'hui, le Bauhaus est souvent considéré comme le catalyseur de l'architecture et du mobilier modernes et comme une influence importante sur la peinture et la sculpture du milieu du XXe siècle. Certains bâtiments du Bauhaus - dont le Bauhaus Dessau, site du patrimoine mondial de l'UNESCO - ont été transformés en destinations touristiques et abritent des musées, tandis que de nombreux grands musées d'art moderne intègrent des œuvres d'art du Bauhaus dans leurs expositions permanentes et populaires.

Bauhaus Dessau (Photo: Mewes via Wikimedia Commons)

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Owdin.live : Bauhaus: Comment le mouvement avant-gardiste a transformé l'art moderne

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Tout au long du XXe siècle, plusieurs styles d'art avant-gardiste ont contribué à façonner l'art moderne. Alors que bon nombre de ces genres - y compris le surréalisme inconscient et l'expressionnisme abstrait énergique - privilégiaient surtout la peinture, le mouvement Bauhaus englobait un large éventail de médiums, de matériaux et de disciplines.

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Dossiers pédagogiques - Collections du Musée
Un mouvement, une période
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Le Nouveau Réalisme

Daniel Spoerri, Repas hongrois
César, Ricard
Arman,Chopin's Waterloo

Le Nouveau Réalisme : un recyclage poétique du réel

Les artistes et leurs Œuvres
Arman, Chopin's Waterloo, 1962 César, Ricard, 1962
Raymond Hains, Panneau d'affichage, 1960
Yves Klein, Monochrome bleu (IKB 3), 1960
Daniel Spoerri, Repas hongrois, tableau-piège, 1963
Martial Raysse, Soudain l'été dernier, 1963
Niki de Saint Phalle,Crucifixion, 1963
Jean Tinguely, Baluba, 1961-1962

Texte de référence
Chronologie Bibliographie sélective CONTACT

Ce dossier s'inscrit dans une série * Ces dossiers sont réalisés autour d'une sélection d'œuvres des principaux mouvements ou tendances représentés dans les collections du Musée national d'art moderne.* S'adressant en particulier aux enseignants ou aux responsables de groupe, ils ont pour objectif de proposer des points de repères et une base de travail pour faciliter l'approche et la compréhension de la création au 20e siècle, ou pour préparer une visite au Musée*.Chacun de ces dossiers comporte :Pour en savoir plus sur les collections du Musée : Un mouvement, une période, qui sera régulièrement augmentée dans cette partie du site.

- une présentation générale permettant de définir et de situer le mouvement dans un contexte historique, géographique et esthétique,

*À NOTER
Les collections du Musée comportent plus de 65 000 œuvres. Régulièrement, le Musée renouvelle les œuvres présentées dans ses espaces situés aux 4e et 5e niveaux du Centre Pompidou. Les dossiers pédagogiques sont réalisés en lien avec ces accrochages.
www.centrepompidou.fr/musee
- une sélection des œuvres des collections du Musée les plus représentatives, traitées par fiches comportant une notice d'œuvre, une reproduction et une biographie de l'artiste,
- un ou plusieurs textes de référence apportant en complément une approche théorique,
- une chronologie,
- une bibliographie sélective.

Le Nouveau Réalisme : un recyclage poétique du réel

Le Nouveau Réalisme a été fondé en octobre 1960 par une déclaration commune dont les signataires sont Yves Klein, Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques de la Villeglé ; auxquels s'ajoutent César, Mimmo Rotella, puis Niki de Saint Phalle et Gérard Deschamps en 1961.

Ces artistes affirment s'être réunis sur la base de la prise de conscience de leur " singularité collective ". En effet, dans la diversité de leur langage plastique, ils perçoivent un lieu commun à leur travail, à savoir une méthode d'appropriation directe du réel, laquelle équivaut, pour reprendre les termes de Pierre Restany, en un " recyclage poétique du réel urbain, industriel, publicitaire " ( 60/90. Trente ans de Nouveau Réalisme, édition La Différence, 1990, p. 76).

Leur travail collectif, des expositions élaborées ensemble, s'étend de 1960 à 1963, mais l'histoire du Nouveau Réalisme se poursuit au moins jusqu'en 1970, année du dixième anniversaire du groupe marquée par l'organisation de grandes manifestations.

Pour autant, si cette prise de conscience d'une " singularité collective " est déterminante, leur regroupement se voit motivé par l'intervention et l'apport théorique du critique d'art Pierre Restany, lequel, d'abord intéressé par l'art abstrait, se tourne vers l'élaboration d'une esthétique sociologique après sa rencontre avec Klein en 1958, et assume en grande partie la justification théorique du groupe.

Le terme de Nouveau Réalisme a été forgé par PierreRestany à l'occasion d'une première exposition collective en mai 1960. En reprenant l'appellation de " réalisme ", il se réfère au mouvement artistique et littéraire né au 19 e siècle qui entendait décrire, sans la magnifier, une réalité banale et quotidienne. Cependant, ce réalisme est " nouveau ", de même qu'il y a un Nouveau Roman ou une Nouvelle Vague cinématographique : d'une part, il s'attache à une réalité nouvelle issue d'une société urbaine de consommation, d'autre part, son mode descriptif est lui aussi nouveau car il ne s'identifie plus à une représentation par la création d'une image adéquate, mais consiste en la présentation de l'objet que l'artiste a choisi.

C'est aussi à Pierre Restany que l'on doit d'avoir défendu le Nouveau Réalisme sur la scène internationale face à l'émergence d'un art américain, lePop Art, soutenu économiquement par un réseau de galeristes et de collectionneurs.

* Lien dossier Pop Art

Les artistes et leurs Œuvres

La plupart de ces textes sont extraits ou rédigés à partir des ouvrages La Collection, Musée national d'art moderne, Ed. du Centre Pompidou, Paris, 1987, etLa Collection, Acquisitions, 1986-1996, Ed. du Centre Pompidou, Paris, 1996.
Arman
1928, Nice - 2005, New York

Morceaux de piano fixés sur panneau de bois Arman, Chopin's Waterloo, 1962

186 x 302 x 48 cm

Parmi les objets utilisés par Arman, ce sont indéniablement les instruments de musique qui ont donné lieu aux plus nombreuses manipulations : colères, coupes, accumulations, combustions, tirages en bronze et assemblages.
Arman explique d'ailleurs par une expérience personnelle négative de l'univers musical son agressivité envers les instruments de musique. Ainsi Chopin's Waterloo fut-il réalisé à l'occasion d'une exposition intitulée Musical Rage à la galerie Saqqarah de Gstaad en 1962. Lors du vernissage, Arman réalisa devant le public la destruction d'un piano droit à coups de masse et en fixa sur un panneau préparé à l'avance les éléments.

Succédant à la réalisation, l'année précédente, d'une colère de contrebasse, lors du tournage d'un film pour la télévision américaine, et à la destruction publique d'un mobilier Henri II à l'occasion du Premier Festival du Nouveau Réalisme en 1961, cette action illustre le développement des happenings dans les milieux de l'avant-garde et en particulier leur influence sur les Pop'artistes américains et les Nouveaux Réalistes européens.
Toutefois, comme l'a noté Jan van der Marck, " on doit se rappeler que l'action était secondaire, ce qui intéressait Arman étant le résultat ". Il a été conservé en tant qu'œuvre, comme une aventure figée, à la manière des tableaux-pièges de Spoerri.

Selon Arman, la structure formelle des objets détruits dans les colères détermine l'esthétique de l'œuvre et lui accorde un caractère baroque ou cubiste selon qu'y prédominent les courbes ou les droites. Chopin's Waterloo appartient ainsi à la série des œuvres " cubistes ", rappelant, au-delà des matériaux utilisés, la filiation dont Arman s'est toujours montré soucieux entre son œuvre et celle des inventeurs du papier collé et de l' assemblage.

Biographie
Armand Fernandez entreprend des études artistiques à l'École des arts décoratifs de Nice en 1946, puis à l'École du Louvre, à Paris, de 1949 à 1951. Entre temps, il se lie d'amitié avec Yves Klein, rencontré dans un cours de judo : celui-ci introduit Arman auprès du critique Pierre Restany pour former le groupe des Nouveaux Réalistes en 1960.

Ses premières peintures, les Cachets, composent des images abstraites à partir d'empreintes d'objets trempés d'encre, jusqu'au jour où il prend conscience que l'objet lui-même peut être encore plus signifiant que son image ainsi reportée.
C'est le début de son travail d'Accumulations qui rassemble de grandes quantités d'objets identiques fondus dans du plexiglas. L'accumulation préside au principe de la série desPoubelles, dont certaines parviennent à assumer le rôle de portrait, par exemple celui d'Yves Klein, personnalisé par la présence d'objets bleus.
Ce procédé de l'accumulation de déchets est porté à son paroxysme lors de l'exposition du Plein, à la Galerie Iris Clert en 1960 : toujours très proche de son ami Klein, Arman répond ici à l'opération du Vide, exécutée dans la même galerie, deux ans auparavant.

Parallèlement aux Accumulations d'objets quotidiens, et à la constitution d'une vaste collection d'art africain, une autre démarche artistique est associée au nom d'Arman : lesColères, actes de vandalisme souvent exécutés en public dont les reliques sont rassemblées pour constituer un tableau.
Depuis les années 70, l'art d'Arman s'illustre par la réalisation de sculptures monumentales, commeLong Term Parking, réalisée en 1982 pour le parc de la Fondation Cartier de Jouy-en-Josas, œuvre composée de soixante voitures empilées dans une gangue de béton.

* Pour en savoir plus sur Arman

César
1921, Marseille - 1998, Paris

Compression dirigée d'automobile César, Ricard, 1962
153 x 73 x 65 cm

En insistant sur " la découverte de la nature industrielle et urbaine ", sur l'appartenance de ces œuvres à l'univers technologique, Pierre Restany occultait la dimension formaliste de ces masses parallélépipédiques qui préfigurent, deux ans à l'avance, les recherches des sculpteurs minimalistes.
C'est en effet à la forme de laCompression, c'est-à-dire à son rapport de proportions et à sa " peau " que va s'attacher César en mettant au point, à partir de 1961, la notion de Compression dirigée à laquelle appartient Ricard.

Par le choix des matériaux qui composent la charge, leur nature, leur couleur et la connaissance du processus de compression, il parviendra en effet rapidement à prévoir les effets obtenus par la machine et à réintroduire dans un mécanisme, apparemment impersonnel, la conscience du créateur.
Comme ces Compressions, issues de la découverte fortuite d'une presse américaine chez un ferrailleur de Gennevilliers où César se fournissait en déchets pour la réalisation de ses sculptures, lesExpansions naîtront de la découverte d'un processus chimique expérimenté lors des essais de réalisation des empreintes humaines.

Biographie
César Baldaccini est successivement élève à l'Ecole des Beaux-arts de Marseille et à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris jusqu'en 1948 où il est formé aux techniques traditionnelles de la sculpture. Après sa scolarité, rompant avec les techniques académiques pour des raisons initialement économiques, il réalise ses œuvres à partir de ferrailles qu'il assemble au moyen de la soudure à l'arc. Ces sculptures, exposées pour la première fois en 1954, constituent la première exposition personnelle de César à la Galerie Lucien Durand à Paris.

Plus emblématiques de son œuvre, les Compressions sont réalisées à partir de 1958, tout d'abord en utilisant des plaques de métal indifférenciées, puis à partir de voitures qu'il compresse en blocs rectangulaires. Cette opération aléatoire qui efface la subjectivité de l'artiste au profit de l'anonymat de la machine, ainsi que la référence aux " ready-mades " de Duchamp quant au matériau de base de l'œuvre, font de lui un des protagonistes du Nouveau Réalisme à sa création. Toutefois, César maîtrise très vite la technique des Compressions, ce qui lui permet de diriger ses travaux, pour aboutir au célèbre parallélépipède remis à la cérémonie des Césars du cinéma.

Parallèlement aux Compressions, César, au cours des années 60, revient à la technique du bronze pour réaliser des figures humaines ou bien des parties du corps humain, comme le Pouce.
En contrepoint aux Compressions, il réalise en 1967 sa première Expansion : il s'agit de laisser librement se répandre une mousse de polyuréthane qui se solidifie rapidement.

Raymond Hains
1926, Saint-Brieuc - 2005, Paris

Affiches lacérées sur panneau de tôle galvanisée Raymond Hains , Panneau d'affichage, 1960
200 x 150 cm

Cette pièce, constituée d' une tôle et de lambeaux d'affiches lacérées, est un panneau d'affichage. Titre et objet recouvrent la même réalité matérielle, où le " non-faire " de l'artiste opère par choix et désignation : " Mes œuvres existaient avant moi, mais on ne les voyait pas parce qu'elles crevaient les yeux ". " L'époque des tôles " suit la découverte par Hains en 1958 de l' entrepôt Bompaire où celles-ci étaient stockées. Tôle ou palissade, il est saisi par le support d'origine qui fait irruption à la surface, modifiant la perception motif/fond : " Ça me plaisait au niveau des couleurs. J'aime assez le gris de la tôle galvanisée (...). J'étais plus proche de la peinture informelle que lorsque je ramassais des affiches. "

Panneau d'affichage se réfère également à d'autres sources. Objet détourné, il évoque les ready-mades de Duchamp. Le geste négatif de la lacération qui procède, à l'inverse de la peinture, par soustraction de matière dans une même saisie de la couleur et de la forme, évoque les papiers découpés de Matisse. Panneau d'affichage rappelle également le dispositif employé par Hains pour réaliser ses photographies abstraites : " Déjà la tôle chromée sur laquelle se glacent les épreuves incite à découvrir de nouvelles apparences aux choses (...). Il est possible de pousser la déformation jusqu'à ce qu'on ne puisse plus discerner l'objet ". La poétique analogique de Hains compose ici l'une de ses énigmes perceptives, illustration littérale du moment où " la photographie devient l'objet ".

Plus généralement, la pratique et les thèmes de Hains renvoient à la photographie. Ainsi Lyrisme à la sauvette ou Flagrant Dali miment Henri Cartier-Bresson et La France déchirée (collection d'affiches politiques lacérées par les passants) utilise le mode du reportage.

Biographie

Raymond Hains entre à l'École des beaux-arts de Rennes en 1945 pour étudier la sculpture, mais n'y reste que six mois, le temps d'y rencontrer Jacques de la Villeglé, autre futur affichiste du groupe des Nouveaux Réalistes. Il commence alors à réaliser des photographies à l'aide de lentilles déformées qui donnent de l'objet une image éclatée. Exposées en 1947, ces photographies constituent sa première exposition personnelle, à la Galerie Colette Allendy, à Paris.

Dans les années qui suivent, Hains réutilise ce procédé pour réaliser des films expérimentaux ; et c'est à l'occasion d'un tournage en 1949, où il se propose de filmer des affiches collées sur des murs de rues, que naît l'idée de se les approprier.
En compagnie de Jacques de la Villeglé, il collecte des affiches publicitaires usées par des mains anonymes dans les rues de Paris. Mais ce n'est qu'en 1957 qu'ils présentent le résultat de leurs trouvailles, toujours à la Galerie Colette Allendy, dans une exposition intitulée Loi du 29 juillet 1881, titre qui fait référence à la législation du droit de l'affichage public.

Après la création du groupe des Nouveaux Réalistes en 1960, Hains continue d'exposer des affiches lacérées, en compagnie des affichistes Villeglé, Dufrêne et Rotella.
Parallèlement, dès 1959, il récolte des affiches sur leur support d'origine, bois et métal, qui lui permettent d'instaurer un dialogue entre le fond et les couleurs de l'image.

* Raymond Hains : " Mon Encyclopédie Clartés " site réalisé à l'occasion de l'exposition Raymond Hains, présentée au Centre Pompidou, du 27 juin au 3 septembre 2001

Yves Klein
1928, Nice - 1962, Paris

Pigment pur et résine synthétique sur toile marouflée sur bois Yves Klein, Monochrome bleu (IKB 3), 1960

199 x 153 cm

" Le bleu n'a pas de dimension, il est hors dimension, tandis que les autres couleurs, elles, en ont. Ce sont des espaces pré-psychologiques... Toutes les couleurs amènent des associations d'idées concrètes... tandis que le bleu rappelle tout au plus la mer et le ciel, ce qu'il y a après tout de plus abstrait dans la nature tangible et visible. "

La mise au point chimique de cette nuance, le bleu breveté par l'artiste sous le nom International Klein Blue, inaugure son " Epoca blu ". La variété de supports, de formats, de textures des quelque 194 monochromes réalisés par Klein de 1955 à 1962 permet de situer dans sa spécificité la toile IKB 3. Ses dimensions la font participer à la série des 15 monochromes IKB de " 2m x 1m50 ", peints entre 1960 et 1961.

Par leurs dimensions inhabituelles, " à peine plus hautes que la moyenne des spectateurs et d'une largeur inférieure à l'envergure des bras ", " ces toiles sont parmi les peintures les plus plates jamais réalisées ". Klein a recourt ici à un procédé qui opère par envahissement et captation tactile du regard. Le bleu d' IKB 3 atteint à un degré de pulvérulence pigmentaire à la fois compact et sensible au moindre souffle : il vire à des phosphorescences violacées et matérialise la " couleur de l'espace-même ", que seul pourra concurrencer " le vide ".

Biographie

Bien que ses parents aient été tous deux plasticiens, Yves Klein ne s'oriente pas immédiatement vers une carrière artistique. S'il peint spontanément durant son adolescence, c'est en subordonnant cette pratique à ses autres activités.

En 1947, il s'initie au judo, méthode d'éducation intellectuelle et morale visant la maîtrise de soi. À l'occasion d'un de ses premiers cours, il rencontre Armand Fernandez, le futur Arman. En 1952 il part se perfectionner au Japon d'où il revient ceinture noire quatrième dan, grade qu'aucun Français n'a atteint à cette époque, avec l'objectif d'enseigner son art. La Fédération Française de Judo refusant de reconnaître son diplôme, il ouvre en 1955 sa propre école qu'il décore de monochromes. À court d'argent, il la ferme l'année suivante.

En 1947, Yves Klein avait également découvert la mystique des Rose-Croix. Dès cette date, il peint des monochromes pour en faire des objets de culte, lit régulièrement la Cosmogonie, texte fondateur de l'ordre qui enseigne la connaissance par l'imagination, considérée comme la plus puissante des facultés humaines. C'est pourquoi en 1958, à la lecture de L'Air et les songes du philosophe Gaston Bachelard, Klein décèle dans cet ouvrage un écho à sa propre pensée.

En 1955, il expose au Club des solitaires, à Paris, des monochromes de différentes couleurs, sous le titreYves, peintures. Il rencontre le critique d'art Pierre Restany : sa carrière de peintre est lancée. En 1957, il entame son " époque bleue ", choix de couleur que confirme sa découverte, lors d'un voyage à Assise, des ciels de Giotto, en qui il reconnaît le précurseur de la monochromie bleue : uniforme et spirituelle. Le bleu trouvé par Klein est officialisé en 1960 lorsqu'il dépose le brevet de sa formule sous le nom de l' IKB.
À partir de cette date, il devient un artiste de renommée mondiale, ce qui lui permet de co-fonder le Nouveau Réalisme, tout en poursuivant ses recherches personnelles.

* Dossier pédagogique Yves Klein dans les collections du Musée
* Dossier pédagogique Yves Klein. Corps, couleur, immatériel, exposition

Daniel Spoerri 1930, Galati, Roumanie

Daniel Spoerri, Repas hongrois, tableau-piège, 1963
Assemblage
Métal, verre, porcelaine, tissu sur aggloméré peint
103 x 205 x 33 cm

Le Repas hongrois est le résultat d'une manifestation singulière, l'" exposition "723 ustensiles de cuisine, organisée par Spoerri à la Galerie J, à Paris du 2 au 13 mars 1963. Dans la galerie convertie en restaurant, les plats préparés par Spoerri, qui est par ailleurs un grand cuisinier, ont été servis par de célèbres critiques. Une fois repus, les convives ont confectionné leurs propres tableaux-pièges en collant les restes de leur repas.

Le repas hongrois a été servi par le critique d'art Jean-Jacques Lévêque le 9 mars 1963. Les reliefs ont été fixés sur la table où il a été consommé, puis la table, devenue un tableau-piège, a été fixée au mur.
C'est la première tentative d'une œuvre d'art collective de dimension métaphorique et sacrée, humoristique et morbide : " l'artiste aux fourneaux et le critique servant la soupe ", communion autour du repas pascal... L'expérience des banquets et des repas s'est répétée de nombreuses fois, happenings produisant autant d'œuvres d'art.

Initiateur de ce qu'il nomme Eat Art, Spoerri a multiplié autour de ce concept différents types d'œuvres (les produits d'épicerie garantis œuvres d'art par un tampon, les objets en pâte de pain...) dont les tableaux-pièges forment l'expression la plus récurrente et la plus surprenante.

Biographie

Daniel Isaak Feinstein, plus tard Daniel Spoerri du nom de son oncle, passe son enfance en Suisse où, très jeune, il se lie d'amitié avec Jean Tinguely. Il commence d'abord une carrière de danseur à Zürich, Paris et Berne où il est danseur-étoile jusqu'en 1957.

En 1960, alors qu'il collecte des ferrailles pour Tinguely, il a l'idée de coller les objets rassemblés en vrac sur un support qu'il redresse à la verticale, fixant ainsi dans la durée le dispositif d'un instant dû au hasard. C'est la naissance de ses tableaux-pièges qui, principalement, immortalisent des reliefs de repas, comme c'est le cas pour le Repas hongrois et autres dîners de l'exposition 723 ustensiles de cuisine. Cette entreprise culmine avec l'ouverture d'un restaurant permanent par Spoerri à Düsseldorf en 1968.

Parallèlement aux tableaux-pièges, Spoerri développe l'idée dedétrompe-l'œil, œuvres dans lesquelles il combine un tableau classique illusionniste, un " chromo ", avec des objets ayant pour fonction de démystifier cette image, de la reléguer parmi les objets de la banalité.
Daniel Spoerri vit actuellement en Toscane, où il a ouvert sa propre fondation dotée d'un parc de sculptures.

* Le site de Daniel Spoerri

Martial Raysse 1936, Golfe - Juan

Assemblage : photographie peinte à l'acrylique et objets Martial Raysse, Soudain l'été dernier, 1963

100 x 225 cm

Le thème de la baigneuse apparaît dès 1960 dans l'œuvre de Martial Raysse. Etalage-Hygiène de la vision n°1 installait pour la première fois une photo grandeur nature de jeune fille en maillot de bain, tenant un parasol au sommet d'un présentoir de produits solaires et jouets de plage. De 1962 à 1965, Raysse réutilise fréquemment ce " cliché visuel " où il s'efforce de montrer ce que le " mauvais goût " (ce " rêve d'une beauté trop voulue ", dira-t-il) peut receler de magie insoupçonnée et d'émotion.

Opérant par restructuration en plans décalés, par coloration – au vaporisateur et au pinceau – en teintes factices de zones arbitrairement délimitées, par adjonction, enfin, d'objets réels (ici un chapeau de paille et une serviette de bain), Raysse soustrait son motif à l'illusionnisme photographique, à l'espace perspectif, comme au discours représentatif qu'ils impliquent.

Ce nettoyage par le vide des conventions figuratives libère dans l'image des forces latentes : monumentalisée, articulée, déployée dans les trois dimensions (les objets réels l'arriment avec humour à la réalité), la baigneuse de Raysse reçoit une nouvelle vie empruntée et nostalgique, que le titre, référence à Tennessee Williams, accentue encore. Au rythme vif de ses fluorescences acides, elle se fait rayonnement et idéal objet de désir.

Biographie
Après des études littéraires, Martial Raysse réalise dès 1959 ses premiers assemblages en enfermant dans des boîtes transparentes de petits jouets, des objets de toilette, pour mettre en scène, sans façon, la charge d'émotion et d'intensité visuelle de ces bibelots froids.

En 1960, ses Etalages-Hygiène de la vision d'ustensiles de ménage accrochés autour d'un balai-brosse, ou de produits solaires et de jouets de plage surmontés d'une effigie publicitaire, font entrer dans l'univers de l'art " un monde neuf, aseptisé et pur ", celui des supermarchés et des publicités de la société de consommation.
Cette réappropriation d'objets de la plus grande banalité le rapproche de la recherche d'Arman, Spoerri, Tinguely, avec qui il fonde en 1960 le groupe des Nouveaux Réalistes. Considéré bientôt comme le jeune créateur français le plus proche du Pop Art américain, Raysse participe de 1961 à 1966 à de nombreuses manifestations artistiques à travers l'Europe et l'Amérique.

Après 1968, Raysse opère une mutation qui l'amène à rompre brusquement avec le circuit des marchands et des galeries et à se retirer dans le Midi. Au sein d'une communauté qu'il crée avec quelques amis, il produit des œuvres à l'aide de techniques artisanales, pour revenir ensuite à la peinture la plus traditionnelle.

Niki de Saint Phall e 1930, Neuilly-sur-Seine - 2002, San Diego, Californie

Tissus encollés sur armature de grillage et objets divers collés Niki de Saint Phalle, Crucifixion, 1963
240 x 150 x 60 cm

Cette femme crucifiée, aux bras coupés et au visage extatique, exprime toute l'ambiguïté que Niki de Saint Phalle décèle dans la condition féminine. Elle est à la fois une mère, comme l'indiquent les jouets qu'elle porte sur sa poitrine ; une putain dont les jambes écartées laissent apparaître un pubis de laine noire ; et encore une " mémère " avec ses bigoudis dans les cheveux.
Peut-être qu'avec cette œuvre Niki de Saint Phalle propose une image de la femme comme martyre inconnu.

Toutefois, la tonalité macabre de cette pièce est contrastée par les tissus de patchwork vivement colorés qui habillent le personnage comme un mannequin. Ce " travail de dame ", comme le dit Pierre Descargues, critique d'art et ami de Niki de Saint Phalle, annonce l'apparition prochaine des célèbresNanas, qui, comme la Crucifixion ou La Mariée (Mnam), superposent la fragilité et la coquetterie de la femme à son caractère d'ogresse.

Biographie

Niki de Saint Phalle passe son enfance à New York, pour ne revenir à Paris qu'en 1951. À cette époque, elle peint des toiles naïves proches de l'art brut, dans le but thérapeutique de surmonter de graves crises psychologiques.
Après sa rencontre avec Jean Tinguely, elle rejoint le groupe des Nouveaux Réalistes en 1961 et inaugure un tout autre aspect de son œuvre : elle fabrique des objets en plâtre auxquels sont accrochés des sachets de peinture sur lesquels le public est invité à tirer à la carabine ; les œuvres sont ainsi colorées en fonction de l'habileté (ou non) des tireurs, la violence sous-jacente à cette entreprise parodiant celle de l'Expressionnisme abstrait, et en particulier l' Action Painting de Pollock. La première de ces expériences, à laquelle participent ses amis américains Jasper Johns et Robert Rauschenberg, est organisée à la Galerie J sous le titre Feu à volonté en 1961.

En même temps, elle commence à construire des figures humaines en assemblant des déchets, comme La Mariée ou Crucifixion : en se servant d'objets communs, elle participe à l'esprit des Nouveaux Réalistes, mais sa sensibilité l'incline à utiliser les objets comme moyen d'exprimer une réalité psychologique refoulée par les contraintes sociales.
En 1964, reprenant l'iconographie essentiellement féminine de ses figures humaines, elle produit ses premières Nanas en papier-mâché ou en plastique, peintes de couleurs extrêmement vives et parfois monumentales. En collaboration avec Tinguely, elle construit par exemple pour le Moderna Museet de Stockholm en 1966 une Nana couchée longue de plus de 25 mètres dans laquelle les visiteurs peuvent entrer pour voir des installations ou des films.
Par la suite, elle construit un grand nombre de sculptures destinées à des espaces publics, en variant leurs thèmes parfois proches de la culture pré-colombienne ou indienne, comme c'est le cas avec laFontaine Stravinski qu'elle a réalisée en 1982 avec Tinguely.

* Pour en savoir plus sur Niki de Saint Phalle

Jean Tinguely 1925, Fribourg (Suisse) - 1991, Berne (Suisse)

Installation avec du mouvement Jean Tinguely, Baluba, 1961-1962
Métal, fil de fer, objets en plastique, plumeau, baril, moteur
187 x 56,5 x 45 cm

Peu après la fondation du groupe des Nouveaux Réalistes, Tinguely crée la série des Baluba, où il emploie toutes sortes d' objets quotidiens, tels que des jouets en plastique, des fourrures d'animaux ou des déchets de ferraille.

Ces œuvres participent d'une ambiance esthétique comparable à celle des Tableaux-pièges de Spoerri ou des Poubelles d' Arman. Tinguely en fait une sorte de parodie de la sculpture classique, puisqu'il utilise en guise de socle des bidons industriels et dispose soigneusement les éléments, qu'il coiffe ici du plumeau comme d'un couvre-chef.

Mais lorsque le spectateur agit sur la pédale de commande et que la sculpture se met en branle, il assiste à une fête joyeuse où tous ces éléments suspendus sont secoués en tous sens. Ce qui, immobile, paraissait inachevé et peu satisfaisant devient, une fois animé, une sorte d'enchantement absurde, comme le sera peu après une autre œuvre essentielle de Tinguely : Le Ballet des pauvres.

Biographie
Après une scolarité de 1941 à 1945 à l'Ecole des arts décoratifs de Bâle, Jean Tinguely commence à construire des sculptures en fil de fer, proches de l'esprit surréaliste. En 1951, il épouse le sculpteur Eva Aeppli. Ayant fait la connaissance de Daniel Spoerri, alors danseur, il crée en 1953 un décor cinétique pour l'un de ses ballets. Ce travail annonce la fabrication de tableaux composés de reliefs peints dont certaines parties sont mobiles, que Tinguely expose pour la première fois à Paris, en 1954, à la Galerie Arnaud. Peu à peu, il introduit dans ses compositions des objets mobiles, comme des marteaux, qui procurent une dimension sonore à son travail.

Installé à Paris, il rejoint le groupe d'artistes cinétiques de la Galerie Denise René, et fait la connaissance d'Yves Klein avec lequel il conçoit une exposition à la Galerie Iris Clert en 1958, Vitesse pure et stabilité monochrome. C'est par le biais d'Yves Klein qu'il participe au Nouveau Réalisme, entraînant avec lui Spoerri.

À partir de 1959, il se lance frénétiquement dans la conception de machines, notamment des machines à dessiner ou à peindre abstrait, parodiant à sa façon la " rage de l'expression " revendiquée par une partie de l'abstraction. Mais la machine qui l'a rendu mondialement célèbre reste la gigantesque construction auto-destructrice, L'Hommage à New York, installée dans le jardin du Museum of Modern Art en mars 1960 ; ce fut l'occasion pour Marcel Duchamp de composer un de ses plus beaux aphorismes :

" Si la scie scie la scie
Et si la scie qui scie la scie
Est la scie que scie la scie
Il y a Suissscide métallique.&nbsp"

Tout en prenant part aux activités collectives des Nouveaux Réalistes, il répond de plus en plus à des commandes publiques monumentales que l'on peut voir, par exemple en forêt de Fontainebleau ( Le Cyclop), à Genève, à Bâle, ou encore à Paris avec la Fontaine Stravinski, réalisée en collaboration avec sa compagne Niki de Saint Phalle.

* Le site du Musée Tinguely à Bâle
* Sur Le Cyclop projet monumental en Forêt de Fontainebleau

Texte de référence

Pierre Restany, À 40° au-dessus de DADA, préface au catalogue de l'exposition, Galerie J, 8 rue Montfaucon, Paris 6 e, du 17 mai au 10 juin 61.

" Dada est une farce, une légende, un état d'esprit, un mythe. Un mythe bien mal élevé, dont la survie souterraine et les manifestations capricieuses dérangent tout le monde. André Breton avait tout d'abord pensé lui faire un sort en l'annexant au surréalisme. Mais le plastique de l'anti-art a fait long feu. Le mythe du NON intégral a vécu dans la clandestinité entre les deux guerres pour devenir à partir de 1945 avec Michel Tapié la caution d'un art autre.

La négativité esthétique s'est changée en doute méthodique grâce auquel allaient enfin pouvoir s'incarner des signes neufs. Table rase à la fois nécessaire et suffisante, le ZERO dada a constitué la référence phénoménologique du lyrisme abstrait : ce fut la grande coupure avec la continuité de la tradition, par où déferla le flot bourbeux des recettes et des styles, de l'informel du nuagisme.

Contrairement à l'attente générale, le mythe dada a fort bien survécu aux excès du tachisme ; ce fut la peinture de chevalet qui accusa le coup, faisant s'évanouir les dernières illusions subsistantes quant au monopole des moyens d'expression traditionnels, en peinture comme en sculpture.

Nous assistons aujourd'hui à un phénomène généralisé d'épuisement et de sclérose de tous les vocabulaires établis : pour quelques exceptions de plus en plus rares, que de redites stylistiques et d'académismes rédhibitoires ! À la carence vitale des procédés classiques s'affrontent – heureusement – certaines démarches individuelles tendant, quelle que soit l'envergure de leur champ d'investigation, à définir les bases normatives d'une nouvelle expressivité. Ce qu'elles nous proposent, c'est la passionnante aventure du réel perçu en soi et non à travers le prisme de la transcription conceptuelle ou imaginative. Quelle en est la marque ? L'introduction d'un relais sociologique au stade essentiel de la communication. La sociologie vient au secours de la conscience et du hasard, que ce soit au niveau de la ferraille compressée, du choix ou de la lacération de l'affiche, de l'allure d'un objet, d'une ordure de ménage ou d'un déchet de salon, du déchaînement de l'affectivité mécanique, de la diffusion de la sensibilité chromatique au-delà des limites logiques de sa perception.

Les nouveaux réalistes considèrent le Monde comme un Tableau, le Grand Œuvre fondamental dont ils s'approprient des fragments dotés d'universelle signifiance. Ils nous donnent à voir le réel dans des aspects de sa totalité expressive. Et par le truchement de ces images spécifiques, c'est la réalité sociologique toute entière, le bien commun de l'activité des hommes, la grande république de nos échanges sociaux, de notre commerce en société qui est assigné à comparaître.

Dans le contexte actuel, les ready-made de Marcel Duchamp (et aussi les objets à fonctionnement de Camille Bryen) prennent un sens nouveau. Ils traduisent le droit à l'expression directe de tout un secteur organique de l'activité moderne, celui de la ville, de la rue, de l'usine, de la production en série. Ce baptême artistique de l'objet usuel constitue désormais le "fait dada" par excellence. Après le NON et le ZERO, voici une troisième position du mythe : le geste anti-art de Marcel Duchamp se charge de positivité. L'esprit dada s'identifie à un mode d'appropriation de la réalité extérieure du monde moderne. Le ready-made n'est plus le comble de la négativité ou de la polémique, mais l'élément de base d'un nouveau répertoire expressif.

Tel est le nouveau réalisme : une façon plutôt directe de remettre les pieds sur terre, mais à 40° au-dessus du zéro de dada, et à ce niveau précis où l'homme, s'il parvient à se réintégrer au réel, l'identifie à sa propre transcendance, qui est émotion, sentiment et finalement poésie, encore. "

Chronologie

1955
Pierre Restany, critique d'art, rencontre Yves Klein au Club des Solitaires à Paris où est organisée la première exposition personnelle de l'artiste : il y montre des monochromes de différentes couleurs.
Klein lui présente Arman, un ami d'enfance, puis Hains, Tinguely

1958
À la galerie Iris Clert, Yves Klein propose l'exposition du Vide : aucune œuvre n'est montrée, seules les cimaises blanches de la galerie invitent à méditer " la spatialisation de la sensibilité ". La préface du catalogue est rédigée par Pierre Restany. À cette manifestation répondra l'exposition du Plein par Arman en 1960 : la vitrine de la galerie Iris Clert sera cette fois-ci remplie de détritus.

1960
En mai, à la galerie Apollinaire de Milan, Pierre Restany organise la première exposition collective qui réunit Arman, Hains, Dufrêne, Yves le Monochrome (Klein), Villeglé, Tinguely. À cette occasion, il rédige un texte qui préface le catalogue intitulé " Les Nouveaux Réalistes " : c'est la première fois que ce terme apparaît sous la plume de Restany. On considère ce texte comme le premier manifeste du groupe (il y en aura trois).
Le 27 octobre, au domicile d'Yves Klein, Arman, Dufrêne, Hains, Raysse, Restany, Spoerri, Tinguely et Villeglé signent en neuf exemplaires la déclaration constitutive du groupe des Nouveaux Réalistes, affirmant par là leur " singularité collective ".
César et Rotella, conviés à la réunion, n'ont pu s'y rendre, tandis que Niki de Saint Phalle et Deschamps rejoindront le groupe en 1961.

1961
Jeannine Restany ouvre la Galerie J qui sera désormais le lieu d'exposition privilégié du groupe. Dès l'ouverture, Pierre Restany y organise l'exposition À 40° au-dessus de Dada, dont la préface du catalogue, où il établit une filiation entre les Nouveaux Réalistes et le non-art de Dada et de Duchamp, est considérée comme le second manifeste du mouvement.
En juillet, à Nice (d'où sont originaires Klein et Arman) a lieu le 1er Festival du Nouveau Réalisme, avec une exposition collective, des actions-spectacles en public et un récital des poèmes phonétiques de Rotella.
Exposition The Art of Assemblage, au Museum of Modern Art de New York, à laquelle participent Arman, Dufrêne, Hains, Rotella, Villeglé, Spoerri.

1962
Le 6 juin, Yves Klein meurt d'une crise cardiaque.
En octobre, la galerie Sidney Janis de New York organise l'exposition The New Realists, dans laquelle les artistes européens nouveaux réalistes sont présentés comme les précurseurs imparfaits d'une démarche artistique qui ne s'épanouit pleinement qu'avec les artistes du Pop Art.

1963
À Munich, a lieu le 2e Festival du Nouveau Réalisme, au cours duquel Christo se joint au groupe. La préface du catalogue que rédige Pierre Restany, " Le Nouveau Réalisme ? Que faut-il en penser ? " est considérée comme le troisième et dernier manifeste du mouvement.
À la 4e Biennale de San Marino est présentée la dernière des activités collectives du groupe (mise à part la commémoration de la naissance du Nouveau Réalisme qui aura lieu en 1970).

1964
Le grand prix du jury de la 34e Biennale de Venise est décerné à Robert Rauschenberg, signe de la nouvelle prédominance de l'art américain sur l'art européen. Une salle est consacrée aux œuvres de Rotella.

1970
À Milan, les Nouveaux Réalistes organisent une série de manifestations pour fêter leur dixième anniversaire, avec une exposition Les Nouveaux Réalistes 1960/1970, des actions-spectacles en ville et, enfin, un banquet funèbre pour lequel Spoerri a confectionné pour chaque membre du groupe une représentation comestible de son travail.

Bibliographie sélective

- Pierre Restany, Essais sur le Nouveau Réalisme :
Manifeste des Nouveaux Réalistes, éd. Dilecta, Paris, 2007.
- Catherine Francblin, Les Nouveaux Réalistes, éditions du Regard, Paris, 1997.
- Jean-Paul Ameline, Les Nouveaux Réalistes, éditions du Centre Georges Pompidou, Paris, 1992
- Pierre Restany, 60/90, Trente ans de Nouveau Réalisme, La Différence, Paris, 1991.
- Pierre Restany, Le Nouveau Réalisme, Union générale d'éditions, collection 10/18, Paris, 1978.

Catalogues d'exposition :
- Le nouveau réalisme, les cinquante ans, 1960-2010, Galerie Agnellini Arte Moderna, Brèche, 2009
-Jacques Villeglé, la comédie urbaine, Centre Georges Pompidou, 2008-2009
- Nouveau Réalisme, Galerie nationale du Grand Palais, Paris, 2007
-Yves Klein. Corps, couleur, immatériel, Centre Georges Pompidou, 2006 - 2007
- Restaurant Spoerri : maison fondée en 1963, 1, Place de la Concorde, Paris 75008, Galerie nationale du Jeu de Paume, 2002
- César : l'instinct du fer, 1946-1966, des premiers fers aux compressions, Musée d'art moderne et d'art contemporain, Nice, 2002
- Arman : passage à l'acte, Musée d'art moderne et d'art contemporain de Nice, 2001
-Raymond Hains, J'ai la mémoire qui planche, Centre Georges Pompidou, 2001
- Raymond Hains, œuvres récentes, Musée d'art moderne et d'art contemporain, Nice, 2000.
- Gérard Deschamps, Homo accessoirus, Fondation Cartier pour l'art contemporain, 1998
- Arman, Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris, 1998
- De Klein à Warhol. Face à face France/Etats-Unis, Musée d'art moderne et d'art contemporain de Nice, novembre 1997-mars 1998
- César, Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris, 1997
- Niki de Saint Phalle, Rétrospective, Musée d'art moderne de la ville de Paris, 1993
- Raymond Hains, Centre Georges Pompidou, Paris, 1990
- Daniel Spoerri, Centre Georges Pompidou, Paris, 1990
- Tinguely, Centre Georges Pompidou, Paris, 1989
- 1960, les Nouveaux Réalistes, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 1986
- Yves Klein, Centre Georges Pompidou, Paris, 1983
- Martial Raysse : 1970-1980, Centre Georges Pompidou, 1981.
- Paris-New York, Centre Georges Pompidou, Paris, 1977

Liens internet :
- Pour voir toutes les oeuvres de ces artistes appartenant aux collections du Mnam

DOSSIERS PEDAGOGIQUES
- L'objet dans l'art du XXe siècle
- Pop Art
-Yves Klein. Corps, couleur, immatériel. Exposition octobre 2006 - février 2007
-Jacques Villeglé, la comédie urbaine. Exposition septembre 2008 - juin 2009
- Los Angeles 1955- 1985, naissance d'une capitale artistique. Exposition mars - juillet 2006
- Public handicapé : Yves Klein, le météore. Vidéo en langue des signes sous-titrée en français

Pour consulter les autres dossiers sur les collections du Musée national d'art moderne
En français
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Conception : Florence Morat
Documentation, rédaction : Vanessa Morisset
Mise en page : Adeline Aubry, Grégory Couderc
Mise à jour : Aleth Vinchon, 2005 ; Florence Thireau, 2010
Coordination : Marie-José Rodriguez, responsable éditoriale des dossiers pédagogiques

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Dossiers pédagogiques - Collections du Musée Un mouvement, une période > English text Le Nouveau Réalisme Daniel Spoerri, Repas hongrois César, Ricard Arman,Chopin's Waterloo Le Nouveau Réalisme : un recyclage poétique du réel Les artistes et leurs Œuvres Arman, Chopin's Waterloo, 1962 César, Ricard, 1962 Raymond Hains, Panneau d'affichage, 1960

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En Europe comme en Amérique, de jeunes artistes tels que Hugo Ball (écrivain), Marcel Duchamp (plasticien), Tristan Tzara (écrivain et poète) et Marcel Janco (peintre et architecte) remodèlent l'art en effectuant à travers leurs œuvres une véritable recherche de la liberté, de la légèreté et de l' humour.

Par maints jeux de langage, les artistes Dada, adolescents durant la guerre, désirent donner une connotation positive à tous les mots, pour faire table rase avec le langage et la logique du monde, instaurer une vision et des valeurs nouvelles, plus proches de leurs idéaux.

Les origines du Dada

Le Dada, ou dadaïsme est un mouvement intellectuel et artistique, apparu pour la première fois à Zurich en 1916.

Lors d'une soirée de février, au cabaret Voltaire de Zurich, plusieurs acteurs du monde des arts contemporains de l'époque, dont Hugo Ball, Tristan Tzara, Emmy Hennings et Marcel Janco, donnent naissance au mouvement.

Les artistes du Cabaret Voltaire

Désireux de s'évader de l'ambiance lourde qui règne à l'époque sur le monde, des jeunes artistes de Zurich se réunissent au Cabaret Voltaire pour présenter et assister à diverses manifestations d'art, autant littéraire que musical ou visuel.

Devant l'absurdité de la guerre, les artistes Dada croient à un art frivole, ludique et léger. Par la destruction, ils veulent faire table rase et recréer un monde nouveau, animé par une philosophie et un art dépassant toutes les limites.

Le mouvement grandit très vite et sort du Cabaret Voltaire pour s'épanouir en Allemagne, puis dans toute l'Europe. S'opposant à l'expressionnisme et à l'art abstrait, le mouvement, qui n'a pas vraiment de chef de file, intrigue et attire les foules.

Au niveau esthétique, Dada est marqué par la spontanéité de la création : les artistes se plaisent à exécuter des performances devant public, explorant la part de hasard qu'amène l'art de performance.

Devant l'absurdité de la guerre, les artistes Dada croient à un art frivole, ludique et léger.

La mission de Dada

La mission de Dada est de réagir aux horreurs de la Première Guerre mondiale, en rappelant qu'il existe toujours, en dehors des désastres causés par les affrontements, une vie, et, comme le dit Ball, " des hommes et des femmes qui vivent d'autres idéals ".

Le terme Dada

Le terme Dada est issu d'un jeu de hasard : les fondateurs se munissent d'un dictionnaire, y insèrent un coupe-papier et donnent à leur nouveau-né le premier mot sur lequel ils tombent.

Dada, terme qui se prononce et se lit dans pratiquement toutes les langues, représente bien les désirs d'internationalité et de mixité que veulent aller chercher les fondateurs du groupe.

En encourageant les artistes de tous milieux et en acceptant des propositions de toutes natures, Dada réunit les avant-gardes et se développe en de multiples branches, qui donneront naissance à plusieurs mouvements artistiques, dont le surréalisme d'André Breton.

La mission de Dada est de réagir aux horreurs de la Première Guerre mondiale.

Des représentations spontanées

Dada est ambitieux dès ses premiers pas. D'abord simple terme ludique qui réunit des artistes et intellectuels aux idéaux communs, il évolue vite en revue, puis en galerie, qui ne durent pas longtemps, ni l'une, ni l'autre, mais témoignent quand même d'une volonté des fondateurs de répandre leurs idées le plus largement possible.

Les fondateurs de Dada encouragent les représentations spontanées au Cabaret Voltaire, ce qui donne naissance à plusieurs performances éphémères et va même jusqu'à influencer l'œuvre de certains chorégraphes contemporains, tels que Sophie Taeuber.

Le dadaïsme et l'érotisme

Le Dada et l'érotisme sont très liés l'un à l'autre. En ce sens, l'Américaine Clara Tice, peintre caricaturiste et poétesse, stupéfie le chaste peuple américain en publiant sa propre version des Fables de La Fontaine.

Cette version choque puisqu'elle contient les illustrations habituelles, mais de façon érotique. Bien entendu, ses oeuvres furent confisquées par les autorités.

Par ailleurs, Beatrice Wood, célèbre artiste peintre américaine que l'on surnommait " Mama of Dada ", s'est elle aussi illustrée en réalisant des oeuvres évoquant l'érotisme.

Emmy Hennings, compagne de Hugo Ball et co-fondatrice du Cabaret Voltaire à Zurich devint par ailleurs figure " emblématique " du cabaret en assumant l'animation des soirées par le chant ou la danse, et ce en toute sensualité.

Il s'agit aussi d'une époque significative pour la libération de la femme dans le monde artistique. Elles obtiennent enfin la reconnaissance méritée dans ces vocations qu'elles occupent d'ores et déjà à part entière : la peinture, la danse et l'art graphique.

Dès 1920, Tristan Tzara nomme des " Dada 's girls ", jeunes femmes libres et frivoles qui deviennent en quelque sorte les ambassadrices Dada. Ces jeunes femmes sont anticonformistes, originales, désinvoltes. Elles suscitent les réactions et provoquent sans cesse dans leur art, mais aussi par les mouvements ou la danse en solo.

Le dadaïsme et l'humour

Dada et humour ne font qu'un. Le mouvement fut d'abord et avant tout créé dans le but de briser toutes les conventions imposées dans l'art par l'irrévérence et la dérision.

L'humour s'allie donc d'emblée à la pensée dadaïste.

La mise en relief de l'esprit d'enfance est visible dans toutes les sphères artistiques du dadaïsme. Les artistes adhérant au mouvement se sont employés à inventer des langages hétéroclites, extravagants, en jouant avec les mots, leur donnant ainsi une connotation plus joyeuse.

Cette volonté d'incongruité était en fait causée par la jubilation d'être encore en vie, suite aux années infernales que la Première Guerre mondiale venait d'occasionner. Les jeunes gens sentaient le besoin de scander leur bonheur haut et fort, et ce avec raison.

L'expansion du mouvement Dada

Le mouvement Dada s'étend en Allemagne, à Paris, et même aussi loin qu'aux États-Unis !

Une telle expansion ne peut qu'entraîner la diversification du mouvement : alors que les fondateurs de Dada prônaient une liberté d'expression totale et une violence certaine.

Dans l'optique de détruire le monde, d'en balayer les débris et de le rebâtir de zéro, la branche dadaïste allemande se tourne vers le politique, s'opposant à la fois aux arts abstraits, mais aussi à l'expressionnisme militant, alors que la branche parisienne donnera naissance au surréalisme.

Le désir des dadaïstes est de se défaire de l'ambiance lourde et mortifère qui règne sur le monde, de faire table rase afin de rebâtir un monde qui ressemble à la jeune génération adulte.

La branche américaine, à toute une panoplie d'arts contemporains désacralisant les images saintes, utilisant des objets usuels en tant qu'objets d'art, et exploitant, plus qu'ailleurs, le côté psychédélique de l'image.

Dada en France

Si Dada naît à Zurich, il connaît à Paris une effervescence sans pareil.

Lorsque Tristan Tzara y met les pieds, il tombe sur trois jeunes auteurs, André Breton, Louis Aragon et Philippe Soupault, qui ont lu son manifeste Dada et qui adhèrent à ses idées.

Scission entre Dada et surréalisme

Le jeune trio trouve dans les idées de Tzara une étincelle qui ravive leur ferveur intellectuelle, perdue lors de la guerre dans les affres de la désillusion.

Cependant, Breton, Aragon et Soupault déchantent vite : en 1921, une nette scission est déjà en train de s'établir, la moitié des dadaïstes suivant Tzara dans ses idées destructrices et son admonestation de l'action gratuite, alors que l'autre, qui deviendra le surréalisme, suit André Breton sur une voie plus douce, qui vise à canaliser l'énergie destructrice en un cheminement plutôt qu'une fin explosive.

La fin du dadaïsme de Tristan Tzara se produit à l'occasion du procès fictif de Maurice Barrès.

La fin du dadaïsme

En 1921, la revue belge Ça ira ! annonce la mort de Dada dans un numéro spécial.

André Breton, auparavant sympathisant du mouvement, se prononce tout d'un coup radicalement contre son renouvellement, déclarant qu'il tourne en rond.

La fin du dadaïsme de Tristan Tzara se produit à l'occasion du procès fictif de Maurice Barrès, auteur nationaliste, que les auteurs Dada considèrent comme un danger pour la liberté intellectuelle.

Cependant, la faction Dada, tellement déchirée par des désaccords internes, finit par s'accuser elle-même, et le procès ne vient jamais à terme.

Confinée à la littérature par l'effervescence des avant-gardes dans les autres courants artistiques, le Dada parisien compte parmi ses figures de proue des littéraires obsédés par les questions de langage tels que Breton, mais aussi Paul Éluard, Jean Paulhan et Erik Satie. Ces artistes, conservant le caractère subversif de Dada, choisiront quand même d'aller de l'avant et de plonger dans le surréalisme, jugeant que l'école de Tzara a duré trop longtemps.

Malgré tout, Dada a produit à Paris de grands artistes, notamment Marcel Duchamp et Francis Picabia, qui feront la grande majorité de leur carrière aux États-Unis.

Dada en Europe

Très vite après sa fondation, le mouvement Dada s'étend partout en Europe, dépassant même les frontières du vieux continent pour aller s'installer en Amérique et au Japon.

Les fondateurs de Dada, de provenances diverses, partagent un idéal commun : celui de débarrasser le monde de l'esprit de la guerre pour y installer une mentalité et un art nouveau.

Les artistes en Europe

En Allemagne, Jean Arp (poète) et Max Ernst (peintre et sculpteur) connaissent un succès retentissant.

À Paris, un jeune écrivain et critique littéraire d'avant-garde, André Breton, encourage le mouvement Dada au moyen d'articles et de connexions dans le monde littéraire.

Le rapport de Breton au dadaïsme est ambigu : ses manifestations artistiques créent le chaos et suscitent le scandale, plongeant bien vite leur auteur dans le doute. Ce doute mènera, au début du surréalisme.

Allemagne

L'une des effervescences les plus puissantes se produit en Allemagne, où, au lieu de s'opposer radicalement aux balises et préconçus de l'art de l'époque, les dadaïstes revenus de Zurich prennent une toute autre tangente : celle de la révolution politique.

Lorsqu'il revient à Berlin, Richard Huelsenbeck ne perd pas une seconde : en 1918, il prononce son premier discours Dada et fait paraître, dans l'année suivante, un manifeste.

Les activités divergent bien vite des manifestations spontanées et chaotiques du Cabaret Voltaire, et deviennent un outil de propagande et de satire anti-nazi.

Les artistes européens semblent désireux de se joindre à un mouvement qui propose de faire table rase.

Première exposition Dada à Berlin

Berlin voit la première exposition internationale de Dada, en 1920, qui présente, entre autres, les œuvres d'Hannah Höch, Francis Picabia, Jean Arp, Max Ernst. Lors de cette exposition, les pièces sont entourées de slogans révolutionnaires, anti-nazis, qui positionnent de manière explicite les artistes quant au gouvernement.

Ailleurs en Europe, comme en Géorgie, au Pays-Bas, en Russie et en Yougoslavie, des artistes, principalement des poètes, organisent les lignes de front Dada.

Se concentrant autour de l'œuvre subversive de Tzara, de Ball et de Hausmann, les artistes européens, tous affectés par l'esprit sinistre qui terrasse l'Europe après la Première Guerre mondiale, semblent désireux de se joindre à un mouvement qui propose de faire table rase.

Dada aux États-Unis

À la moitié de la décennie 1910, Marcel Duchamp, Man Ray et Francis Picabia s'installent aux États-Unis pour y exposer leurs œuvres. Malgré de premières œuvres qui causent un certain remous dans les bonnes mœurs américaines, dont le Nu descendant un escalier de Duchamp, le mouvement acquiert rapidement une certaine notoriété.

L'avant-garde américaine, un peu stagnante à l'époque, trouve dans l'arrivée en sol américain d'artistes européens, de nombreuses idées qui insufflent un vent de renouveau à toute une génération.

Malgré de maintes expositions et le lancement de la revue 291, ils sont forcés de conclure que Dada n'est pas fait pour vivre en sol américain, malgré le succès relatif des ready-mades de Duchamp. Cependant, des artistes telles que Béatrice Wood (peintre) et Clara Tice (peintre et poétesse) continuent à faire vivre le mouvement aux États-Unis, lui donnant un tournant un peu plus érotique.

Tice produit même, au courant des années 20, une version frivole des Fables de la Fontaine où les animaux sont remplacés par des femmes nues, qui ne manque pas de provoquer les réactions les plus négatives chez les Américains.

Les dadaïstes américains

En sol américain, Dada s'est beaucoup plus étendu sur l'art plastique que sur la littérature, contrairement à la branche européenne du mouvement, qui, avec des figures comme Tristan Tzara, Paul Éluard, Hugo Ball ou André Breton, est surtout resté parmi les lettres et les jeux de langage.

Les dadaïstes américains se font moins tapageurs que leurs comparses français, mais ont tout autant d'impact sur le monde intellectuel et artistique les environnant, semant des idées qui mèneront plus tard au Pop Art et au conceptualisme.

En sol américain, Dada s'est beaucoup plus étendu sur l'art plastique que sur la littérature.

Dada à New York

Le peintre, photographe et réalisateur Man Ray est l'un des premiers à se joindre à Duchamp et à Picabia dans leur effort de faire vivre Dada à New York.

Se frottant sans cesse à la critique, notamment dans le cadre de l'exposition de l'œuvre Fontaine de Duchamp en 1917, les trois artistes sont bien vite forcés de reprendre la route du vieux continent, Man Ray concluant que " Dada ne peut vivre à New York ".

Contre toute attente, entre 1945 et 1957, Dada connaît un réel essor à New York. La fin de la Deuxième Guerre mondiale fait ressortir le mouvement, et l'avant-garde américaine, si elle ne se revendique pas exactement de l'idéologie dadaïste, y puise plusieurs concepts.

John Cage, le compositeur contemporain, pourrait par exemple y avoir tiré son intérêt pour le hasard dans la musique ; des plasticiens tels que Jeff Koons et même Andy Warhol, utiliseront à leur tour, dans la veine de Duchamp, des objets usuels placés hors contexte, comme une conserve de soupe ou une bouteille de whisky, pour questionner la définition d'œuvre d'art.

Galerie d'oeuvres Dadaïstes

Artistes Dada célèbres

Tristan Tzara

Tristan Tzara est largement considéré comme le père de Dada, et son chef de file.

En compagnie de Marcel Janco et d'Hugo Ball, il pose, en 1915, les fondations de ce mouvement étrange et sans pareil. Tzara œuvre surtout en poésie et en dramaturgie : sa pièce la plus connue, Le Cœur à gaz, a causé une émeute lors de la première représentation.
Voir la biographie de Tristan Tzara
Marcel Duchamp

Marcel Duchamp est sans doute le dadaïste le plus connu.

Durant sa carrière, il invente le concept du ready-made, qui va avoir une large influence sur les artistes du Pop Art. Il s'agit de la technique qui consiste à sélectionner un objet du quotidien, en dehors du paradigme de l'œuvre d'art, et à l'élever comme tel.

Le ready-made le plus connu du Duchamp est Fontaine, qu'il tente d'exposer en 1917. Cet urinoir, banal en apparence, cause bien des remous dans le monde des arts, ouvrant à nouveau le débat sur le rôle de l'artiste et la nature d'une œuvre d'art.
Voir la biographie de Marcel Duchamp
Artistes issus du dadaïsme

Jean (Hans) Arp

Sculpteur, peintre et poète dadaïste. Il participe à la fondation de Dada dès 1916. Arp illustra par ailleurs plusieurs ouvrages de la collection portant sur le mouvement. Il était l'époux de Sophie Taeuber, elle aussi artiste issue de mouvement.

Hugo Ball

Écrivain et poète allemand. Cofondateur du Cabaret Voltaire avec sa compagne Emmy Hennings, qu'il épousa en 1920.

André Breton

Essayiste, poète et écrivain français dont l'oeuvre littéraire, particulièrement ses critiques et théories portant sur les arts plastiques, eut un impact majeur sur l'art au XXe siècle.

Erwin Blumenfeld

Peintre et photographe allemand, participant au mouvement Dada en Hollande.

Paul Citroen

Peintre, photographe et illustrateur allemand ayant participé au mouvement Dada en Allemagne au début des années 1920.

John Covert

Peintre américain. Après ses études en Europe, il fait un retour dans son pays d'origine et s'inspire de l'oeuvre de Marcel Duchamp, célèbre Dada. Son oeuvre est considérée comme étant la plus proche de l'esprit dadaïste new-yorkais vers la fin de la Première Guerre mondiale.

Marcel Duchamp

Peintre et sculpteur franco-américain. Inventeur des ready-made. Duchamp a eu un grand impact sur le dadaïsme.

Suzanne Duchamp

Peintre dadaïste française et soeur de Marcel Duchamp. Elle acheva sa première oeuvre Dada en 1919.

Max Ernst

Peintre et sculpteur allemand. En 1920, il fonde avec Jean (Hans) Arp le groupe Dada de Cologne, en Allemagne.

Otto Freundlich

Sculpteur et artiste peintre juif allemand. En 1919, il organise avec une poignée d'acolytes, dont Max Ernst, la première exposition Dada en Allemangne.

Elsa Von Freytag-Loringhoven

L'inspiratrice et artiste visuelle surnommée " Dada baroness " fut une figure de proue du mouvement dadaïste par son excentricité démesurée.

George Grosz

Peintre allemand et membre influent du mouvement Dada en Allemagne. Il organise la première foire Dada à Berlin, en 1920.

Emmy Hennings

Danseuse, poétesse et écrivaine allemande. Cofondatrice du Cabaret Voltaire, à Zurich, avec son compagnon Hugo Ball.

Richard Huelsenbeck

Écrivain, poète et musicien allemand. L'un des fondateurs de Dada et responsable de son implantation en Allemagne. Il est l'un des organisateurs de la première foire Dada en Allemagne en 1920.

Raoul Hausmann

Artiste autrichien, co-fondateur du groupe Dada-Berlin en 1918. Il invente le photomontage. Compagnon de Hannah Höch.

Hannah Höch

Artiste plasticienne allemande, compagne de Raoul Hausmann. Elle est la seule femme ayant participé de façon active aux manifestations Dada de Berlin.

Marcel Janco

Peintre et architecte roumain. Il est l'un des peintres principaux lié au mouvement dadaïste.

Clément Pansaers

Artiste multidisciplinaire belge, ayant principalement porté son art vers la sculpture, la gravure, la peinture ainsi que la poésie. Il est l'un des principaux représentants dadaïstes en Belgique.

Francis Picabia

Sympathisant Dada français, peintre, graphiste et écrivain. Implanta Dada à Paris avec André Breton.

Man Ray

Peintre, photographe et réalisateur de films parisien, adapte de dadaïsme. Il forma la première branche Dada à New York puis se replia sur l'Europe en 1920, n'ayant pas obtenu le succès escompté. Il déclara que " Dada ne peut pas vivre à New York ".

Hans Richter

Peintre et cinéaste Dada d'origine allemande. Se joignit au mouvement dès 1916.

Kurt Schwitters

Chef de file du mouvement Dada dans sa ville natale d'Hanovre, il est un peintre et poète non conventionnel et anarchiste. Fondateur du " Metz ", mouvement parallèle au dadaïsme en Allemagne.

Sophie Taeuber-Arp

Peintre, danseuse et sculpteure suisse, compagne de Jean (Hans) Arp, qu'elle épousa en 1922. Ses talents de danseuse lui ont permis de faire ses premiers pas au Cabaret Voltaire, à Zurich. Son compagnon ainsi qu'elle-même sont très impliqués dans le mouvement Dada suisse.

Tristan Tzara

Poète, écrivain et essayiste roumain. L'un des fondateurs de Dada.

Beatrice Wood

Peintre américaine liée au dadaïsme. On la surnomma d'ailleurs " Mama of Dada ". Impliquée dans les tentatives d'implantation du mouvement à New York, peu avant la fin des années 1910.

Curieux pour en apprendre plus ? Voici les livres essentiels sur le Dadaïsme!

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Donc, si vous êtes du genre créatif, je vous invite à consulter nos guides complets sur les différents types pinceaux et de peinture que vous pouvez vous procurer en ligne. Si vous aimez plutôt admirer les oeuvres d'art, découvrez nos guides des plus beaux musées d'art à voir absolument lors de votre prochain voyage.

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En Europe comme en Amérique, de jeunes artistes tels que Hugo Ball (écrivain), Marcel Duchamp (plasticien), Tristan Tzara (écrivain et poète) et Marcel Janco (peintre et architecte) remodèlent l'art en effectuant à travers leurs œuvres une véritable recherche de la liberté, de la légèreté et de l' humour.

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Sonia, Blaise Cendrars (auteur du texte),Aquarelle, gouache et plume sur texte typographié sur papier, MAH Musée d’art et d’histoire,Ville de Genève,200x35.6 cm

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Sonia Delaunay - La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France, Paris - 1913

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Sonia Delaunay - La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France, Paris - 1913

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L'art informel s'épanouit en Allemagne dans les années cinquante et soixante. Sous cette appellation se regroupent ensuite différentes formes d'abstraction, de constructions éclatées : la calligraphie, le tachisme, l'art brut et l'art japonais Gutaï. En 1951, le critique d'art Michel Tapié organise une exposition à Paris sur le thème " Tendances extrêmes de la peinture non figurative ". Il qualifie d'" informelle " l'" improvisation " psychique, ce qui n'a pas de forme déterminée et possède encore des connotations surréalistes. Le terme " informel " désigne un certain type de peinture contemporaine (excepté l'art de Kandinsky), qui ne doit rien au passé et ne subit aucune influence contemporaine ni par le sujet ni par la représentation. André Malraux est l'un des écrivains qui a soutenu avec intérêt l'art informel. Ce courant s'étend en France puis en Espagne.

CARACTERISTIQUES

Les premiers tableaux informels sont des petits formats et des dessins rehaussés d'aquarelle sur papier. Le format détermine la décomposition de l'œuvre et les artistes optent très rapidement pour de grandes toiles. La peinture à l'huile, épaisse, est posée au pinceau, à la spatule, au couteau ou sort directement du tube. L'artiste refuse toute figuration explicite et privilégie les taches, les traces et les matières enchevêtrées. Il détruit volontairement la forme par la matière et la couleur au fur et à mesure qu'elle apparaît. Réaliser une toile revient à laisser surgir une forme de la matière. Le trait devient convulsif, les couleurs s'agglutinent, coulent, se recroquevillent. La matière donne une vie à la couleur.

Wols (Wolfgang Schulze, dit, 1913-1951), d'origine allemande, montre l'expression pathétique de son existence. Entre expressionnisme et surréalisme, son écriture serrée, ses lignes denses, ses formes rigoureuses sur des fonds aquarellés et impalpables se colorent de teintes pâles, roses, bleues et jaunes.

Jean Fautrier

(1898-1964) est en 1945 le principal initiateur de l'art informel avec l'Allemand Wols. Ses œuvres sont insolites, constituées de papiers recouverts d'enduits de matériaux hétérogènes. La masse decouleurs délavées, grises, empâtées, atomisées évoquent souvent les massacres nazis (la série Otages).

Jean Dubuffet

(1901-1985) (-" ART BRUT) peint " des graffitis hâtifs, forcément incisés dans l'épaisseur d'une pâte informelle (...) " (Jean- Pierre Greff, historien de l'art).

Camille Bryen

(1907-1977), sur des fonds de toiles badigeonnés, réalise des signes et des tracés violents, des projections et des coulures à la peinture à l'huile.

Georges Mathieu

(né en 1921) réalise des œuvres de très grand format composées de taches de couleurs parcourues de filets de lumière. De ses tubes de couleurs pures, sortent ses " écritures " sur des fonds unis. Il intervient aussi avec la brosse, le pinceau et même la main. Malraux voyait chez Mathieu " le calligraphe de l'occident " (voir ci-dessous les CALLIGPAPHES).

Frédéric Benrath

(né en 1930), figure du NUAG1SME (1953-1966), soutenu par le critique Julien Alvard, s'abandonne au mouvement cosmique, à la nature, aux quatre éléments par une approche philosophique orientale. Après les atmosphères transparentes de Turner, de Monet et des peintres chinois, viennent celles des nuagistes. Ils privilégient les teintes fluides et diffuses à dominantes bleues et grises. Benrath, René Duvillier, Pierre Graziani, René Laubiès, Marcelle Loubchansky et Nasser Assar exposent en 1953, grâce à Alvard, sous le titre explicite : " D'une nature sans limites à une peinture sans bornes ". Jiro Yoshihara (1905-1972) crée le groupe GUTAÏ (incarnation) en 1955. Le mouvement s'éteint à la mort de son initiateur.

Henri Michaux

(1899-1984) est un artiste parfois surréaliste, parfois informel. Dans ses aquarelles, gouaches, huiles, apparaissent de grandes taches confuses qui se prolongent par des éclaboussures d'encre. Par ailleurs ses graffitis nerveux ou idéogrammes, proches de la calligraphie orientale, deviennent signe.

Hans Hartung

(1904-1989) réalise des aquarelles colorées, des gouaches, des pastels, des craies, des fusains, des encres de Chine, des œuvres au crayon de couleur sur papier et des huiles sur toile. Il s'exprime par des traces graphiques énergiques, souvent noires. Sut ses toiles récentes il utilise l'acrylique, dans des tons dominants de bleu, vert, jaune, presque toujours animés de traces noires.

(1913-1960), artiste fasciné par la matière picturale, réalise des empâtements de couleurs rayées, frottées.

Pierre Soulages

(né en 1919) choisit presque exclusivement le noir (peinture à l'huile ou brou de noix) en de larges aplats comme principal moyen d'expression. De larges traces alignées ou enchevêtrées, réalisées en un geste bref, fixent le plein instant dans une œuvre " monolithique et indivisible " (Dora Vallier), réalisée au pinceau, au couteau. àla brosse et à la spatule. Plus tard il introduit les couleurs ocre, bleu e: rouge sombre.

Gérard Schneider

(1896-1986), peintre d'origine suisse, affirme que " le peintre libère ce qui est en lui, mais n'a pas de nom ".Toutes ses toiles s'intitulent Opus et se composent de noir et de couleurs vives ou au contraire éteintes.

Olivier Debré

(1920-1999) aborde l'abstraction en 1943. Il peint de larges aplats modelés au couteau puis des monochromes ponctués de rares traces épaisses et colorées.

Antoni Tapies

(né en 1923) réalise des recherches de matière avec empâtements et " grattages ". Il mêle aux couleurs à l'huile du marbre pulvérisé, du sable, des couleurs en poudre pour représenter de vieux murs délabrés dans une matière dense, imperméable, plissée, ridée, rayée, lourde, prête à couler.

Antonio Saura

(1930-1998), Rafael Canogar (né en 1935), Manolo Millarès (1926-1972), Luis Feito (né en 1929) et le critique José Ayllon constituent le noyau du GROUPE EL PASO (en espagnol " le pas " ou " le passage "). Actifs à Madrid entre 1957 et 1960, ils privilégient l'esthétique informelle et l'ouverture internationale dans une Espagne franquiste. Saura, impulsif dans sa peinture, représente ses émotions brutes et primitives dans des teintes noires, brunes et blanches (Ecorché I). Millarès travaille la toile par froissage, perforation, boursouflage, coutures, puis la peint en noir, rouge ou blanc.

Sam Francis

(1923-1994) est le principal représentant du TACHISME. De vigoureuses taches de couleurs, décidées par le hasard, claires ou foncées, créent des espaces mouvants imprégnés de spontanéité et d'une vie intense. À la fin des années soixante, il sépare les taches de couleurs qu'il repousse vers les bords de la toile pour faire " éclater la forme ouverte " du blanc.

Jean-Paul Riopelle

(1923-2002), peintre canadien de paysages abstraits, utilise la technique tachiste puis s'intéresse à 1'" égoutture dirigée " qui aboutit à l'usage direct de la peinture qui sort du tube, étalée au couteau. Il traduit un jeu de mosaïques enchevêtrées et colorées. Plus tard, il introduit la calligraphie, des lignes souples, mauves et noires.

(1890-1976), dans les années trente, s'initie à la philosophie zen, à la calligraphie orientale et à la signification spirituelle, universelle et cosmique du parcours ininterrompu de la ligne calligraphique dans l'espace. Il privilégie l'encre de Chine et le lavis. Il aboutit à 1'" écriture blanche ", multitudes de traits souples ininterrompus ou non. Presque tout l'espace de la toile est habité par ces traits posés avec une rapidité extrême qui construisent la forme, totalement abstraite et purement rythmique. Selon des écrits anciens de la dynastie chinoise Song, les traits verticaux doivent être " comme des aiguilles ", les cercles " comme des gouttes de rosée ", les courbes " comme des éclairs qui jaillissent ", les obliques " comme des oiseaux qui prennent leur envol ".

Julius Bissier

(1893-1956) réalise de larges traits au lavis et à l'encre de Chine qui traduisent ses angoisses face au nazisme. Plus tard il peint dans la tradition zen des " Miniatures " aux couleurs délicates. Il invente une nouvelle technique, la tempera à l'œuf et à l'huile. Il lave une couleur ou l'enrichit après l'avoir posée sur la toile.

Jean Degottex

(1918-1988) évolue entre la calligraphique d'inspiration zen, les toiles incisées, brûlées, estampées, etc., et son gigantesque monochrome blanc où une seule couture est visible.

La Grenade bleue

Wols, 1946, Musée national d'Art moderne,
Centre Georges-Pompidou, Paris.

Tête d'otage n° 11

Fautrier, 1944, collection Galerie Limmer, Fribourg-en-Brisgau.

Les Capétiens partout

Mathieu, 1954, Musée national d'Art moderne, Centre Georges-Pompidou, Paris.

Figure jaune, personnage sur fond sépia

Michaux, 1948,Musée d'Art moderne de la Ville, Paris.

Composition 1935-1

Hartung, 1935, Musée national d'Art moderne, Centre Georges-Pompidou, Paris.

Atlan, 1958, musée d'Art moderne de la Ville, Paris.

Soulages, 1948, Musée national d'Art moderne,Centre Georges-Pompidou, Paris.

La Grande Équerre

Antoni Tapies, 1962, musée de l'Art abstrait espagnol, Cuenca.

In Lovely Blueness I

Francis, 1955-1957, musée d'Art moderne de la Ville, Paris.

Tobey, 1936 Metropolitan Muséum of Art, New York.

Vidéo : Les mouvement dans la peinture : Art informel

Vidéo démonstrative pour tout savoir sur : Les mouvement dans la peinture : Art informel

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Les mouvement dans la peinture : Art informel - arts

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Sommaire: 1 CONTEXTE 2 CARACTERISTIQUES 3 ARTISTES 3.1 LES INFORMELS 3.2 France 3.3 Jean Fautrier 3.4 Jean Dubuffet 3.5 Camille Bryen 3.6 Georges Mathieu 3.7 Frédéric Benrath 3.8 Les abstraits 3.9 Henri Michaux 3.10 Hans Hartung 3.11 Jean Atlan 3.12 Pierre Soulages 3.13 Gérard Schneider 3.14 Olivier Debré 3.15 Espagne 3.16 Antoni Tapies 3.17 Antonio ...

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Apparue au début des années 1980, remplie d'énergie et gonflée de couleurs, la Figuration Libre met en lumière un art extravagant et étonnant.

FIGURATION LIBRE

Père de la figuration libre, Robert Combas déclare "Comment vous expliquer la Figuration Libre moi qui l'ai inventée ? Je citerai un auteur, Michel Zoom : "La scène : deux hommes se rencontrent, l'un des deux dit à l'autre - j'ai attrapé la maladie de l'œuf ! L'autre répond tout étonné : - tiens, qu'est-ce donc ? Le premier de lui rétorquer : - rien j'ai envie d'être malade !" Pour moi une toile peut être influencée par des publicistes naïfs Africains, par l'illustration de livre d'école primaire, mélangée à Pablo Picasso ou à Joan Miro ou alors, un dessin genre bande dessinée, plus de fausses écritures arabes, plus une peinture brute très Dubuffet. La Figuration Libre est une peinture qui ne renie pas ses instincts primitifs et une volonté de culture. Comme Jules Verne, sans sortir de chez moi, je suis à Tombouctou."
(Robert Combas La voiture de Maria)
UN ART SANS DISTINCTION DE SOURCES

La Figuration Libre est un mouvement majoritairement français qui est apparu au début de la décennie 1980. Si initialement cette peinture aurait du s'appeler "peinture fun", c'est l'artiste niçois Ben qui donna le nom de Figuration Libre, devant l'agacement de Robert Combas d'y apposer un nom anglais. Il en fixa même les principales caractéristiques "30% provocation anti-culture, 30% Figuration Libre, 30% art brut, 10% folie. Le tout donne quelque chose de nouveau".

Au sein de plusieurs pays, des groupes de jeunes peintres suivent la même voie figurative et colorée : les Nouveaux Fauves en Allemagne, Trans Avant-Garde en Italie ou encore Bad Painting aux Etats-Unis. Survenu en réaction à l'art minimaliste et conceptuel des années 1960 et 1970, le mouvement de la Figuration Libre regroupe notamment Robert Combas, Hervé Di Rosa, François Boisrond ou encore Rémi Blanchard. Comme le cubisme s'était ouvert à l'Art africain et océanien, comme le surréalisme aux dessins enfantins et à l'Art des fous ou comme le pop art à la publicité et à la bande dessinée, animés par aucune forme de nostalgie, les artistes de la Figuration Libre ont, au travers de leurs œuvres, pris les libertés de faire figurer toutes les formes d'art sans distinction. Ils n'ont jamais cherché à hiérarchiser la qualité de leurs sources et accordent autant d'importance à une bande dessinée qu'à un tableau de Maître.

HUMOUR ET PROVOCATION

Le principal leitmotiv des peintres de la figuration libre réside principalement dans la volonté de se démarquer totalement de l'Art conceptuel en plaçant l'humour comme levier de la création. Inspirés de toutes parts, leurs peintures sont débridées et explosives, les couleurs sont criardes et les traits parfois grossiers mais elles ne sont jamais dissociées d'un grand sens de la provocation.

Brassant tous azimuts avec appétit et vitalité dans la totalité des domaines artistiques existants sans aucune limite, la Figuration Libre a déployé, après des décennies marquées par une rigueur artistique importante, une fougue et une impétuosité riche et positive.

BRIGITTE LOVISA-FOUCHÉ, LE PLAISIR CONTAGIEUX

Originaire de Dax, Brigitte Lovisa-Fouché, diplômée de l'Ecole Nationale Supérieurs des Arts Appliqués et des Métiers d'Art (ENSAAMA) de Paris, s'est tout d'abord spécialisée dans l'art mural et notamment le vitrail. Elle a restauré, les vieux vitraux de la Cathédrale de Sens dans l'Yonne, avant de plonger avec appétence dans la peinture sur bois ou toile. Inspirée par la Figuration Libre et les artistes très urbains comme Andy Warhol, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat ou Alechninsky, elle travaille mêlant acrylique, collages et recyclage de cannette ou boîtes de conserves dans une ambiance très "cartoon".

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Qu'est-ce que la figuration libre dans l'art ?

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Apparue au début des années 1980, remplie d'énergie et gonflée de couleurs, la Figuration Libre met en lumière un art extravagant et étonnant. Père de la figuration libre, Robert Combas déclare "Comment vous expliquer la Figuration Libre moi qui l'ai inventée ?

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Sérigraphie couleur et collage, sur papier aquarelle Fedrigoni 300 gr

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Faïence peinte et peinture à l’huile, 36 × 48 × 61 cm, Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa, 10 reproductions, Urinoir en porcelaine manufacturée

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La Figuration narrative est un mouvement pictural né en France au début des années 60, opposé à l’abstraction et aux expérimentations des Nouveaux Réalistes, et prônant un retour à la ...

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Peter Klasen -Corrosif/5F/Manette Verte - 1935

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Peter Klasen -Corrosif/5F/Manette Verte - 1935

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Les œuvres d'Art Brut sont réalisées par des créateurs autodidactes, des marginaux retranchés dans une position d'esprit rebelle ou imperméables aux normes et valeurs collectives, qui créent sans se préoccuper ni de la critique du public ni du regard d'autrui. Sans besoin de reconnaissance ni d'approbation, ils conçoivent un univers à leur propre usage. Leurs travaux, réalisés à l'aide de moyens et de matériaux généralement inédits, sont indemnes d'influences issues de la tradition artistique et mettent en application des modes de figuration singuliers.

C'est au peintre français Jean Dubuffet que l'on doit le concept d'Art Brut. Il constitue dès 1945 une collection d'objets créés par des pensionnaires d'hôpitaux psychiatriques, des détenus, des originaux, des solitaires ou des réprouvés. Il perçoit dans cette création marginale une " opération artistique toute pure, brute, réinventée dans l'entier de toutes ses phases par son auteur, à partir seulement de ses propres impulsions ". La notion d'Art Brut repose ainsi sur des caractéristiques sociales et des particularités esthétiques.

Définition de l'Art Brut par Jean Dubuffet

" Nous entendons par là [Art Brut] des ouvrages exécutés par des personnes indemnes de culture artistiques, dans lesquels donc le mimétisme, contrairement à ce qui se passe chez les intellectuels, ait peu ou pas de part, de sorte que leurs auteurs y tirent tout (sujets, choix des matériaux mis en œuvre, moyens de transposition, rythmes, façons d'écritures, etc.) de leur propre fond et non pas des poncifs de l'art classique ou de l'art à la mode. Nous y assistons à l'opération artistique toute pure, brute, réinventée dans l'entier de toutes ses phases par son auteur, à partir seulement de ses propres impulsions. De l'art donc où se manifeste la seule fonction de l'invention, et non celles, constantes dans l'art culturel, du caméléon et du singe".

Jean Dubuffet, tiré de L'Art Brut préféré aux arts culturels, Paris, Galerie René Drouin, 1949.
Bibliographie sur l'Art Brut - Une sélection proposé par la Collection de l'Art Brut.

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Collection de l'Art Brut - Qu'est-ce que l'Art Brut?

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Les œuvres d'Art Brut sont réalisées par des créateurs autodidactes, des marginaux retranchés dans une position d'esprit rebelle ou imperméables aux normes et valeurs collectives, qui créent sans se préoccuper ni de la critique du public ni du regard d'autrui. Sans besoin de reconnaissance ni d'approbation, ils conçoivent un univers à leur propre usage.

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Peinture et objets divers comme galets, grains de café, fragments de vaisselle sur bois - 141 × 141 × 10 cm

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Niki de Saint Phalle - Autoportrait - vers 1958-1959

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Niki de Saint Phalle - Autoportrait - vers 1958-1959

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Jeanne Claude & Christo - Wall of Oil Barrels – The Iron Curtain - Assemblage - Art Environnemental - 1962 - Paris

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Jeanne Claude & Christo - Wall of Oil Barrels – The Iron Curtain - 1962

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Jeanne Claude & Christo - Wall of Oil Barrels – The Iron Curtain - 1962

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Kurt Schwitters - Merzbild Rossfett - 1919

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Kurt Schwitters - Merzbild Rossfett - 1919

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Assemblage bois et peinture - 20.4 x 17.4 cm - Genève, Musée d'art et d'histoire

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Assemblage, Objets divers collés sur bois - 123 x 123 cm - Centre Georges Pompidou, Paris 

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Daniel Spoerri - Mettre le paquet  II - 1965 

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Daniel Spoerri - Mettre le paquet  II - 1965 

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Daniel Spoerri- mettre le paquet 1965 - 2  

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Le Pop art est né en Grande-Bretagne durant les années 50 et se réfère à l'intérêt d'un certain nombre d'artistes pour les images des médias de masse, de la publicité, des bandes dessinées et des produits de consommation.

Les années 50 furent une période d'optimisme. et après de la guerre, on vit un grand boom dans la consommation de ces produits.

Qu'est-ce que le Pop art ?

Le Pop art est l'un des mouvements artistiques principaux du 20e siècle. Le concept du Pop art est représenté par les artistes dans l'attitude donnée à l'oeuvre plutôt que par l'oeuvre d'art elle-même.

Concept pop art

Le Pop art a contesté les traditions en affirmant que l'utilisation d'éléments visuels de la culture populaire produits en série est contiguë avec la perspective des beaux-arts depuis que le Pop art enlève le matériel de son contexte et isole l'objet, ou le combine avec d'autres objets, pour la contemplation. Le concept du Pop art se présente plus dans l'attitude donnée à l'oeuvre que par l'oeuvre elle-même.

Le Pop art est caractérisé par des thèmes et des techniques tirés de la culture de masse populaire, tels que la publicité, les bandes dessinées et les objets culturels mondains. Le Pop art est largement interprété comme une réaction aux idées dominantes de l'expressionnisme abstrait.

Le Pop art, comme la musique pop, vise à utiliser des images populaires par opposition à la culture élitiste dans l'art.

Techniques pop art

Soulignant ainsi ironiquement les éléments banaux ou " kitsch " de n'importe quelle culture donnée. Le mouvement a été défini aussi par l'utilisation de moyens mécaniques et de techniques de reproduction par les artistes.

La plupart des oeuvres du Pop art sont considérées incongrues, car les pratiques de conception qui sont employées rendent difficile pour certains leur compréhension. Le Pop art et le minimalisme sont considérés comme les derniers mouvements artistiques modernes et, ainsi, les précurseurs de l'art post-moderne, voire même des exemples, tôt, de l'art post-moderne.

Origines du pop art

Le Pop art tire ses origines principalement de Grande-Bretagne, mais est grandement influencé par la culture américaine de ce temps. Plusieurs artistes influents du Pop art proviennent d'Amérique.

Les origines du Pop art en Amérique et en Grande-Bretagne se sont développées légèrement différemment. En Amérique, le Pop art a marqué un retour à la composition plus " hard-edged " et à l'art représentatif par les artistes employant la réalité mondaine, l'ironie et l'impersonnel pour répandre le symbolisme personnel et le relâchement de l'expressionnisme abstrait.

En revanche, l'origine du mouvement en Grande-Bretagne d'après-guerre était plus académique, avec un focus sur la figuration dynamique et paradoxale de la culture populaire américaine. Ils utilisaient l'ironie et la parodie pour illustrer ce dispositif symbolisant la puissance et la manipulation qui affectaient le style de vie d'une société, tout en améliorant la prospérité de celle-ci.

Le début du Pop art en Grande-Bretagne était une question d'idées, alimentées par la culture populaire américaine vue de loin, alors que les artistes de l'Amérique étaient inspirés par les expériences de la vie, directement dans cette culture.

Influences des mouvements artistiques précédents

Cependant, le Pop art était également la suite de certains aspects de l'expressionnisme abstrait, tel qu'une croyance dans les possibilités de l'art, particulièrement pour le dessin à grande échelle. Par le fait même, le Pop art était une prolongation et un reniement du dadaïsme. Tandis que le Pop art et le dadaïsme exploraient certains sujets pareils, le Pop art a remplacé les impulsions destructives, satiriques et anarchiques du mouvement Dada par l'affirmation détaché des objets façonnés de la culture de masse.

Une partie des artistes les plus influents incluait Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, et Man Ray, notamment.

Influences du pop art

Le Pop art fut influencé par les images vues dans les oeuvres d'art de l'artiste Eduardo Paolozzi, durant une exposition, en 1953, à l'Institut des Arts Contemporains. Il fut aussi influencé par des artistes américains tels que Jasper Johns et Robert Rauschenberg et des artistes britanniques tels que Richard Hamilton et le Groupe indépendant qui visait un style d'art moins académique.

Hamilton a aidé à organiser l'exposition " Man, Machine and Motion ", de 1955, et " This is Tomorrow " avec son oeuvre historique " Just What is it that makes today's home so different, so appealing? "

Influencé par la société de consommation

Le mouvement artistique s'est établi par vagues, mais l'ensemble de ses adhérents dont Joe Trilson, Richard Smith, Peter Phillips, David Hockney et RB Kitaj ont partagé un intérêt commun pour l'expérience de consommation des temps modernes.

Le pop art et la musique

Le Pop Art a donc coïncidé avec le phénomène de la musique pop des années 50 et 60 en plus de prendre place dans l'image de la mode à Londres. L'artiste Pop art Peter Blake a par exemple conçu des couvertures d'album pour Elvis Presley et les Beatles. Il a aussi utilisé des images de stars du cinéma telles que Brigitte Bardot, de la même manière que Andy Warhol a immortalisé Marilyn Monroe.

Pop art en Amérique

Bien que le pop art fut originaire de la Grande-Bretagne, ce mouvement artistique a explosé en Amérique dans les années 50.

Bien qu'originaire de la Grande-Bretagne, le pop art a véritablement explosé aux États-Unis. Ce mouvement, en rupture avec l'abstraction, dénonce la société de consommation. Retour sur un courant iconoclaste.

Tandis que les Britanniques voyaient la culture populaire américaine d'une perspective légèrement détachée, leur point de vue était souvent traduit avec des traits romantiques, sentimentaux et pleins d'humour. En revanche, les artistes américains étant bombardés quotidiennement par une multitude d'objets de production de masse, ils travaillaient généralement avec plus d'agressivité.

Reproduire la culture populaire américaine

Deux des peintres les plus importants du Pop art américain étaient Jasper Johns et, en particulier, Robert Rauschenberg. Tandis que les peintures de Rauschenberg ont des rapports évidents avec les premiers travaux de Kurt Schwitters et d'autres artistes dadaïstes, son souci était avec la société actuelle. Son approche pour unifier des matériaux éphémères et des événements typiques de la vie en Amérique a donné à son travail une qualité unique.

La naissance du pop art américain

Commençant vers la fin des années 50, le Pop art en Amérique a donné sa plus grande impulsion pendant les années 60, principalement à New York. Les Américains vivaient à cette époque dans une opulence d' objets de consommation produits en masse. À cette heure, la publicité américaine avait adopté beaucoup d'éléments de l'art moderne et fonctionnait à un niveau très sophistiqué. En conséquence, les artistes américains ont dû chercher plus profondément pour trouver des sujets dramatiques qui distanceraient l'art des objets commerciaux bien réalisés et pensés.

Les artistes de l'époque se sont alors approprié les images de la publicité, du cinéma, de la bande dessinée et de la télévision sans avoir sous un premier abord avoir subit de transformation pour les présenter en tant qu'œuvre d'art. Les réactions ne se sont pas faites attendre. Les critiques étaient tout d'abord scandalisés de cette sublimation du quotidien que les artistes avaient réalisée, mais le public a très vite été conquis.

À noter également que, tandis que le mouvement artistique britannique Pop art précurrence le mouvement américain, il y a un certain artiste américain qui a utilisé l'icône populaire dans ses techniques. Pendant les années 20, les artistes américains Gerald Murphy, Charles Demuth et Stuart Davis ont créé des peintures, avant le Pop art, qui contenaient des images de la culture " pop " tels que les objets mondains cueillis des produits commerciaux.

Les artistes représentatifs

Parmi les artistes les plus connus du pop art américain on retrouve bien entendu le représentant majeur : Andy Warhol.

Il utilise, à l'aide de sérigraphies, les objets de la production de masse et les représente sous forme de séries. Il produit également plusieurs portraits des célébrités de l'époque comme Elvis Presley, Marilyn Monroe ou Jackie Kennedy et les représente comme des icônes, mais aussi comme des objets de consommation. Il est alors persuadé que tout le monde peut avoir un moment de célébrité.

Roy Lichtenstein est aussi un artiste qui illustre le pop art. Il exécute des peintures des produits de consommation en utilisant les codes de la publicité, avec une touche d'humour.

On citera également d'autres artistes comme Wesselmann, qui réalise des collages d'objets sur des toiles qui donnent ainsi un aspect trompe l'œil, ou encore Jasper Johns, Jim Dine, David Hockney, ou Robert Rauschenberg.

Pop art en Angleterre

Né en Angleterre dans la Grande-Bretagne, le pop art a révolutionné le monde de l'art. Plusieurs artistes et groupes d'artistes étaient purement britanniques.

Le pop art est un courant artistique à part entière qui a révolutionné le monde l'art. Issu de la contraction de "Popular Art" faite par John McHale en 1954, le pop art, même s'il a littéralement explosé aux États-Unis, est pourtant né en Grande-Bretagne.

Un mouvement purement britannique

Le pop art est à l'origine d'un groupe d'artistes appelé " Independant Group ", en 1952. Le groupe nommé " The Independent Group " (IG), fondé à Londres en 1952, est considéré comme le précurseur au mouvement Pop art. Ils étaient un regroupement de jeunes peintres, sculpteurs, architectes, auteurs et critiques qui contestaient les approches modernistes actuelles de la culture aussi bien que les points de vue traditionnels des beaux-arts.

Le groupe est composé des artistes peintres anglais Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, du couple d'architectes Alison et Peter Smithson et du critique d'art Lawrence Halloway.

Le groupe se réunit et discute de leur vision de l'art, qui est dominée par l'abstraction, de leur regard sur la technologie et la société de consommation et du monde de la publicité. Les domaines auxquels ils s'intéressent sont le design, le cinéma, la publicité, la bande dessinée et la science fiction. Ils brisent les codes de l'art de l'époque.

Première exposition

Lors de la première réunion de groupe indépendant en 1952, l'artiste et sculpteur Eduardo Paolozzi a présenté une conférence utilisant une série de collages intitulés " Bunk " (couchette !), qu'il avait assemblé durant son passage à Paris entre 1947-1949.

Ce matériel était composé d'objets tels que des publicités, des personnages de bande dessinée, des couvertures de magazines et divers éléments graphiques de produits de série qui, la plupart du temps, représentaient la culture populaire américaine. Une des images dans cette présentation était le collage de Paolozzi " I was a Rich Man's Plaything " (j'étais un jouet d'homme riche), qui inclut la première utilisation du mot " Pop ", celle-ci apparaissant dans un nuage de fumée émergeant d'un revolver.

Après la présentation séminale de Paolozzi en 1952, le groupe s'est concentré principalement sur le langage figuré de la culture populaire américaine, plus particulièrement sur la publicité de masse.

Autres expositions

C'est lors de l'exposition This is Tomorrow, à la Whitechapel Gallery de Londres, où Richard Hamilton présente son collage intitulé Just what is it that makes today's homes so different, so appealing ?, en référence à une publicité et représentant un homme bodybuildé au milieu d'un salon moderne, que le pop art prend son essor.

Ce collage est considéré comme le manifeste du pop art. Le pop art est un mouvement proche de la société qui démocratise l'art auparavant réservé aux élites et qui allie l'humour et la dérision de la consommation de masse tout en dénonçant cette explosion de consommation à outrance de la société d'après-guerre.

Première apparition du terme pop art

L'invention du terme complet " Pop art " a été faite par John McHale pour la présentation suivante, en 1954. Le terme spécifique Pop art est apparu pour la première fois dans un article écrit par les membres Alison et Peter Smithson dans Arc, en 1956.

Cependant, le terme est souvent crédité au critique d'art/conservateur britannique Lawrence Alloway, dans un essai de 1958 intitulé Les arts et les médias. Bien que le terme qu'il emploie soit " culture de masse ", Alloway était l'un des principaux critiques à défendre la culture de masse et le Pop art comme forme d'art légitime.

Des sujets du quotidien

La particularité de ce courant est de présenter en tant qu'œuvres d'art des objets et des illustrations ordinaires de la vie quotidienne, appréciés par les masses, afin de les regarder sous un autre angle.

Les principales techniques du pop art sont la sérigraphie et le collage.

Les artistes représentatifs

Les principaux acteurs du pop art britannique sont Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi. Ils ont une vue particulièrement affutée de la société de consommation. Leurs productions se veulent éphémères, bon marché, fascinantes et astucieuses tout en étant proches de la culture populaire, permettant ainsi aux amateurs d'en identifier facilement les codes et d'en apprécier l'esthétisme.

Paolozzi est le premier à effectuer des photomontages, mais ce sera Richard Hamilton qui inclura pour la première fois le mot " pop " dans son œuvre. Il continuera son travail en y incluant des images de pin-ups et des images de voitures comme sujet d'étude, introduisant le fétichisme, élément majeur du pop art.

D'autres artistes viendront ensuite alimenter le courant britannique comme David Hockney ou Peter Blake.

Nouveau réalisme : pop art en France

Au-delà d'un simple mouvement en France, les caractéristiques du nouveau réalisme se trouvent toutes dans la définition du pop art.

Si le pop art naît d'abord en Angleterre dans les années cinquante par le travail de Richard Hamilton et d'Eduardo Paolozzi pour ensuite exploser aux États-Unis, la France n'est pas restée en arrière non plus.

Nouveau réalisme et pop art

Le nouveau réalisme est apparenté au pop art et, comme lui, s'inspire de la réalité quotidienne et du monde de la publicité en réalisant des assemblages et des collages pour prendre l'abstraction à contre-pied.

Si les deux mouvements peuvent être associés, le nouveau réalisme n'est cependant pas une adaptation française du mouvement anglophone. Les deux courants apparaissent à la même époque, dans les années soixante.

La genèse

Le nouveau réalisme est un groupe d'artistes rassemblés sous l'idée d' Yves Klein, artiste peintre, et de Pierre Restany, critique d'art.

L'appellation " Nouveau réalisme " naît sous la plume de Restany pour qualifier une exposition à Milan regroupant des artistes comme Arman, Tinguely ou Yves Klein. Pierre Restany publiera le manifeste du nouveau réalisme le 16 octobre de la même année de l'exposition. Ce manifeste est signé par les artistes présents lors de l'exposition de Milan.

L'année suivante est publié un second manifeste intitulé " 40° au-dessus de Dada " et d'autres artistes rejoindront le mouvement comme Christo ou César, par exemple. Néanmoins, Klein se retirera du groupe en refusant l'influence dadaïste revendiquée par Restany.

Le groupe sera véritablement actif de 1960 à 1963, mais ne sera dissoudra qu'en 1970.

Un mouvement qui recycle le réel

Le groupe utilise des objets de consommation de la vie quotidienne et les utilise comme matériel pour en faire des symboles, pour les voir sous un autre jour. Les matériaux utilisés sont des composants beaucoup moins raffinés que lors des courants antérieurs. Ils utilisent du béton, de la tôle, du ciment et d'autres matériaux industriels.

Le groupe veut appréhender le réel de manière nouvelle.

Le travail du groupe sera souvent réalisé de manière collective, mais avec des techniques différentes. Accumulation, compression, lacérations d'affiches, assemblage d'objets courants ou encore sculptures autodestructives ; les techniques d'approche du nouveau réalisme sont variées.

Quelques artistes du nouveau réalisme

Parmi les nombreux artistes qui font partie du nouveau réalisme, on trouve notamment Arman qui accumule des objets ou encore ses Colères qui sont des manifestations de destructions de matériel souvent réalisées en public dont il assemblera les restes dans un tableau.

Parmi les plus connus, et bien qu'il se détache du groupe très tôt, Yves Klein est un des fondateurs du nouveau réalisme. Son œuvre la plus connue est le Monochrome bleu qu'il transforme en objet de culte et dépose même un brevet de sa couleur bleue sous le nom d'IKB.

Jean Tinguely, lui, crée des sculptures en assemblant des objets du quotidien comme des jouets et des objets en plastique possédant une pédale de commande qui, lorsqu'elle est déclenchée, agite en tout sens la sculpture. Un véritable pied-de-nez aux sculptures classiques.

L'impact du pop art

Ailleurs dans le monde, le Pop art aura également une influence considérable sur plusieurs mouvements artistiques.

En France, le Pop art inspire le mouvement, beaucoup plus politisé, du Nouveau Réalisme, qui rassemble des artistes tels que Yves Klein, Arman, Gérard Deschamps, Raymond Hains.

Au Japon, le Superflat, d'inspiration surréaliste, postmoderne et Pop art, a toujours actuellement un grand impact sur la culture, en particulier sur la jeunesse. Les artistes du groupe Kaikai Kiki, inventeurs du Superflat, sont reconnus principalement pour leur production massive.

Chronologie du Pop Art

Découvrez les événements importants du Pop art à l'aide de notre frise chronologique.

Eduardo Paolozzi inclut le mot Pop dans une œuvre.

L'artiste écossais, illustrateur et co-fondateur du Groupe Indépendant Eduardo Paolozzi est le premier à développer un nouveau style artistique dans I Was a Rich Man's Plaything (" J'étais le jouet d'un homme riche "), tableau composé d'images découpées d'une pin-up, du logo Coca-Cola, d'une tarte aux cerises et du mot Pop. Ce travail est souvent désigné comme le précurseur du mouvement Pop Art.

Paolozzi présente Bunk ! à Peter Blake et Richard Hamilton

Paolozzi présente une conférence au GI à l'Institut d'Art Contemporaine (IAC) de Londres, avec une série de collages intitulés Bunk ! Cette œuvre est composée d'objets trouvés comme les publicités, des personnages de comics, des couvertures de magazines et autres images diverses produites en nombre qui témoignent de la culture populaire américaine. Le groupe est constitué de Peter Blake, Richard Hamilton, William Turnbull et le critique d'art Lawrence Alloway.

Les critiques et les artistes commencent à utiliser le mot Pop

John McHale, également cofondateur du GI et du IAC, aurait inventé la phrase Pop Art, bien que plusieurs pensent qu'il s'agirait en fait d'une invention du critique d'art Lawrence Alloway. Les artistes du GI et les critiques utilisent le mot Pop au milieu des années 50 pour décrire le mélange de la culture populaire de masse avec les beaux-arts dans l'idée de produire une nouvelle esthétique en réponse à la commercialisation de la culture occidentale.

Peter Blake crée On The Balcony (" au balcon ")

Le tableau, qui à première vue ressemble à un collage, représente des personnages tenant des chefs d'œuvres connus. On The Balcony devient une œuvre emblématique du canon Pop Art, à présent exposée au Tate Britain.

Le collage Pop emblématique de Richard Hamilton est exposé.

Le collage d'Hamilton What is that Makes Today's Home So Different and So Appealing ? (" Qu'est-ce qui fait qu'aujourd'hui la maison semble tellement différente et attirante ? ") est présenté à la galerie d'art Whitechapel à Londres. L'esthétique Pop Art est née.

La galerie Whitechapel à Londres tient l'exposition : This is tomorrow

Une exposition qui s'inspire de la culture populaire (ex : Marilyn Monroe et publicité de film)

Hamilton définit le Pop.

" Populaire (conçue pour le grand public) ; éphémère (solution à court terme) ; consommable (aisément oublié) ; bon marché ; produit en masse ; jeune (à destination de la jeunesse) ; insolent ; sexy ; fantaisiste ; séduisant ; et qui rapporte gros. "

Ouverture de la galerie de Leo Castelli à New York

La galerie de Castelli fait la promotion d'oeuvres Pop Art

Lawrence Alloway consacre le Pop Art

" Le terme, d'origine anglaise selon moi, est une description des communications de masse, particulièrement, mais pas uniquement, celles qui sont visuelles. " Le critique d'art Lawrence Alloway publie l'essai Arts et Médias de Masse, qui utilise la phrase " art populaire de masse ".

La Galerie de Leo Castelli à New York tient une exposition Pop Art

Une exposition des oeuvres de Robert Rauschenberg et Jasper Johns

Le Pop Art arrive aux États-Unis.

Les artistes américains néo-dada et amants Jasper Johns et Robert Rauschenberg lancent le Pop Art américain, en utilisant l'imagerie de masse, l'iconographie, les objets trouvés et en employant des techniques telles que la gravure, la sérigraphie et le collage.

Premières peintures par l'artiste Andy Warhol

Des oeuvres qui s'inspirent de bandes dessinées, telles : Dick Tracy et Superman

Roy Lichtenstein crée ses premières œuvres Pop Art.

" Le Pop Art est l'utilisation de l'art commercial en tant que sujet en peinture. Il était difficile de trouver un tableau suffisamment ignoble pour que personne ne veuille le suspendre au mur - tout le monde suspendait n'importe quoi. La seule chose que tout le monde détestait, c'était l'art publicitaire ; et apparemment, il n'était pas suffisamment détesté non plus. ". Roy Lichtenstein.

La galerie Daniel Cordier de Paris tient une exposition de l'artiste Rauschenberg.

La BBC diffuse Pop Goes the Easel.

L'émission d'art vedette de la BBC, Monitor, diffuse Pop Goes the Easel, un documentaire magnifique sur les jeunes artistes Pop britanniques du moment, dont Sir Peter Blake et Pauline Boty.

La galerie Leo Castelli tient une exposition de Roy Lichtenstein

Les oeuvres exposées sont produites à partir de bandes dessinées

Andy Warhol fait sa première exposition solo.

La première exposition dédiée entièrement à Andy Warhol présente les maintenant très connus 32 tableaux des boîtes de soupe Campbell's, une pour chaque saveur. Le style visuel du Pop Art est maintenant établi ; des couleurs vives, souvent primaires, une imagerie emblématique tirée des médias quotidiens et de la publicité, l'utilisation de collages, de sérigraphie, de toiles de grande taille et l'utilisation de l'ironie, de la parodie et de l'insolence. Le dictionnaire Collins décrit le Pop Art comme " un mouvement dans l'art moderne qui imite les méthodes, les styles, et les thèmes de la culture populaire et des médias de masse, comme les bandes dessinées, la publicité et la science-fiction. "

Warhol présente le Diptyque Marilyn.

La première exposition solo d'Andy Warhol à New York présente le Diptyque Marilyn, quelques mois à peine après la mort de l'actrice. L'œuvre sera au centre de l'exposition Andy Warhol au Tate Liverpool.

Un symposium sur le Pop Art se tient au Musée d'Art moderne de New York.

Le symposium introduit le terme Pop Art à la communauté de l'art. Warhol et Duchamp font partie de l'audience.

Le Guggenheim présente l'exceptionnel Pop Art Show.

Organisé par Lawrence Alloway du GI, Six Painters and the Object (" Six peintres et l'objet ") marque l'apogée du Pop Art avec des œuvres par Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist et même Andy Warhol.

Whaam ! de Lichtenstein est exposé.

Whaam ! est exposé à la galerie de Leo Castelli dans la ville de New York. L'œuvre incarne le style de Lichtenstein, des motifs de comics, des couleurs vives et primaires, un format large, une forme stylisée et pleine d'humour. La Tate Gallery achète le tableau en 1966 pour 3940 livres sterling et il est à présent exposé de façon permanente au Tate Modern de Londres.

Andy Warhol, inaugure le studio de création Factory à New York.

Warhol crée Silver Car Crash (Double Disaster) (" Accident de voiture argentée (double désastre) ")

Cette œuvre va devenir l'œuvre la plus chère de Warhol, vendue pour.... 105 millions de dollars.

Le magazine Life met en doute le Pop Art.

Le magazine publie un article sur Lichtenstein avec pour titre " Est-il le pire artiste aux États-Unis ? " qui provoque le doute et la remise en question des artistes du Pop Art en les faisant paraître comme des imitateurs et des profiteurs.

Rauschenberg reçoit un grand prix à la Biennale de Venise, ce qui laisse prétendre une certaine prédominance de l'art américain sur l'art européen.

Warhol amplifie son rythme de création dans the Factory.

Avec l'aide de très nombreux assistants à son studio new-yorkais, The Factory, Warhol maximise sa productivité.

Warhol réalise une oeuvre pour illustrer la pochette de disque du groupe Velvet Underground.

Lichtenstein abandonne le Pop Art.

Laissant derrière lui son style Pop Art emblématique, Lichtenstein travaille sur ses séries Peintures Modernes et Sculptures Modernes.

Peter Blake conçoit la jaquette de l'album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Les Beatles lancent leur 8ème album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band avec un travail graphique par Peter Blake et son épouse Jann Haworth. Cette œuvre deviendra une pièce représentative du Pop Art britannique.

La féministe radicale Valerie Solanas tire sur Andy Warhol, ce qui changera le reste de sa vie.

The Factory renforcera étroitement sa surveillance et Warhol ne s'en remettra jamais complètement, devant porter un corset chirurgical pour le restant de ses jours. La fin du Pop Art est proche.

Musée d'art Moderne de New York tient une rétrospective de l'œuvre d'Oldenburg.

Warhol réalise une oeuvre pour illustrer la pochette du disque Sticky Fingers pour les Rolling Stones.

Terminologie Pop Art

Voici quelques termes et concepts que vous pourriez rencontrer en faisant des recherches sur le Pop Art.

Pop Art

Mouvement artistique réputé pour sa tendance à délaisser les notions habituelles des beaux-arts pour se concentrer sur ou parodier les médias de masse et la culture populaire. Le Pop Art peut se retrouver dans tous les arts visuels, dont la peinture, la sculpture, le dessin, le cinéma ou les installations d'art.

Artiste Pop art

Un artiste dont le travail est inspiré, ou parodie ou vient en commentaire sur la culture populaire, et dont les œuvres tendent à reproduire le style et les techniques du mouvement Pop Art. Parmi quelques exemples, on peut citer Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Richard Hamilton.

Soupe en boîte Campbell's

Plusieurs œuvres par Andy Warhol sont composées d'une nature morte, une simple boîte de soupe Campbell's. La plus célèbre de ces œuvres est Campbell's Soup I, qui représente une boîte de soupe à la tomate plus précisément.

Œuvres d'art Pop Art

Art sous n'importe quelle forme, sculpture, peinture, installation, etc., qui tombe dans le domaine du mouvement Pop Art. D'habitude, ce genre d'œuvres se concentre sur les expériences banales et l'imagerie populaire du quotidien, plutôt que sur le style classique beaux-arts.

Les œuvres mélangent ou parodient souvent la culture populaire ou les objets du quotidien que nous pouvons croiser dans la vie de tous les jours. Par exemple, les Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol représentaient des objets communs que la plupart des gens connaissaient.

Culture populaire

Les idées, habitudes, valeurs et expériences communes d'un groupe de personnes donné, généralement la culture de la plus vaste majorité. Cela contraste avec des sous-cultures qui correspondent à des portions plus petites d'une culture populaire plus large et qui peuvent être très différentes dans les valeurs et les opinions.

Le terme " culture populaire " se réfère tout particulièrement à l'imagerie commune et au symbolisme que tout le monde comprend, comme ceux des films, livres, séries télé, publicités et journaux quotidiens. Cela s'oppose à une conception plus élitiste de la culture, telle que comprise par une minorité intellectuelle.

Collages

Type de technique artistique dans les arts visuels, qui implique de placer ensemble plusieurs pièces dépareillées pour former un ensemble plus grand. Le collage sera souvent composé de pièces de travaux antérieurs - par exemple de photos de magazines ou d'images et formes créées par d'autres artistes - pour créer une nouvelle œuvre composée de tous ces éléments préexistants.

Sérigraphie

Aussi connue sous le nom d'impression à écrans, il s'agit d'une technique artistique qui implique de faire passer de l'encre à travers un tamis très fin (un écran) vers le support final, comme un vêtement. Cela fonctionne comme une sorte de pochoir, dans le sens où une partie du maillage sera bloqué et l'encre peut couler uniquement à travers les zones ouvertes, créant ainsi une image particulière sur le support.

Cette technique fut popularisée par Andy Warhol pour son utilisation artistique. C'est devenu ensuite une technique plus courante, utilisée pour l'impression de tee-shirts et encore en usage de nos jours.

Questions sur le Pop Art

Voici une Foire Aux Questions (FAQ) sur le mouvement Pop Art.

Qu'est-ce que le mouvement Pop Art ?

Le Pop Art est un mouvement culturel né dans le milieu du 20e siècle en Angleterre, d'où il s'est répandu outre-mer en quelques années vers les États-Unis. Le Pop Art se concentre sur la culture populaire plutôt que les beaux-arts plus élitistes et honore les expériences paraissant banales du quotidien, en s'appropriant des commentaires sur les médias de masse, les comics et autres supports communs.

Quelle fut l'œuvre d'art si controversée qu'elle fut enlevée de son emplacement initial ?

Tilted Arc, par Richard Serra, fut d'abord commandé pour être placé en face d'un bâtiment officiel, mais fut finalement enlevé après une controverse due à des raisons pratiques - la sculpture gênait la vue et le passage - aussi bien qu'esthétiques - elle était vue comme une horreur, car pour l'essentiel composée d'une pièce de métal courbée coupant le passage en deux. Elle fut retirée en 1989.

Quand s'est terminé le mouvement Pop Art ?

Bien qu'habituellement associé avec les artistes les plus célèbres des années 50 et 60, le mouvement Pop Art est toujours en vogue et les artistes pop sont encore présents au 21ème siècle.

Qui est le plus célèbre artiste Pop ?

Andy Warhol est probablement l'artiste pop le plus connu et son travail, comme sa fameuse représentation des boîtes de soupe Campbell's, est immédiatement reconnaissable par la plupart des Américains de nos jours.

Qui a créé le Pop Art ?

Comme la plupart des mouvements artistiques, le mouvement Pop Art a commencé avec quelques vagues fondateurs. Le Groupe Indépendant, un collectif d'artistes en Angleterre au début des années 1950 est souvent crédité comme l'influence fondatrice du Pop Art moderne.

Qui sont les artistes connus du Pop Art ?

Quelques-uns des artistes pop les plus connus sont Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton et James Rosenquist, bien qu'il y en ait bien plus puisque le mouvement est large et dure depuis plusieurs dizaines d'années.

Qui est Andy Warhol ?

Andy Warhol est l'un des artistes pop les plus connus et influents. Né aux États unis d'immigrants d'Europe de l'Est, il créa plusieurs œuvres de Pop Art célèbres qui sont encore reconnues de nos jours. Il fut prolifique et donna naissance à de nombreuses peintures, sculptures, films et installations. Il est mort en 1987.

Qui est Roy Lichtenstein ?

Roy Lichtenstein est un artiste pop américain dont le style fut grandement influencé par les comics populaires à son époque. Il est considéré comme l'un des artistes pop originels majeurs des années 50. Il est mort en 1997.

Qui est Richard Hamilton ?

Richard Hamilton est un artiste pop anglais, connu pour être un fondateur majeur du mouvement. Quelques-unes de ses œuvres sont considérées comme les premiers exemples du Pop Art. Il est mort en 2011.

Quelle est la plus célèbre peinture d'Andy Warhol ?

Le plus célèbre tableau d'Andy Warhol est probablement son interprétation d'une banale boîte de soupe à la tomate, appelée Campbell's Soup I.

Qu'est-ce que le Groupe Indépendant ?

Le Groupe Indépendant était une organisation de plusieurs peintres, sculpteurs et autres artistes en Angleterre, qui furent les fondateurs des premiers développements du mouvement Pop Art.

Citations Pop art

Voici quelques unes des citations tirées des plus grands artistes du mouvement artistique du Pop art dont Roy Lichtenstein, Andy Warhol et son ami Jean Michel Basquiat.

Citations de Andy Warhol

Citations de Jean Michel Basquiat

Citations de Roy Lichtenstein

Oeuvres pop art

Galerie d'art dédiée spécialement au pop art et à l'originalité des oeuvres d'art produites par ses artistes. Entrez dans l'univers pop art grâce à ce tour guidé en photos.

Artistes célèbres du pop art

Roy Lichtenstein

Le peintre américain Roy Lichtenstein a produit plusieurs oeuvres Pop art, ayant été fortement influencé par la publicité populaire et le modèle de la bande dessinée.

Roy Fox Lichtenstein (27 octobre 1923 au 29 septembre 1997) était un artiste américain du Pop art ayant été fortement influencé par la publicité populaire et le modèle de la bande dessinée. Il a décrit lui-même le Pop art comme " n'étant pas une peinture américaine, mais une peinture industrielle ".
Voir la biographie de oy Lichtenstein
Richard Hamilton

L'artiste Richard Hamilton, originaire de Londres, a produit plusieurs oeuvres d'art appartenant au mouvement artistique Pop art. Certaines sont même considérées comme les premières oeuvres du Pop art.

Richard Hamilton (né en février 1922) est un artiste anglais du mouvement artistique Pop art.
Voir la biographie de Richard Hamilton
Andy Warhol

Andy Warhol est une figure centrale du Pop art. L'artiste a produit des oeuvres qui ont marqué l'histoire de l'art (Marilyn Monroe, Campbell's Soup, etc.) et sa biographie ne laisse personne indifférent.

Andrew Warhola (6 août 1928 au 22 février 1987), connu sous le nom d'Andy Warhol, était un artiste américain et une figure centrale dans le mouvement artistique du Pop art. Après une carrière réussie en tant qu'illustrateur commercial, Warhol est devenu célèbre dans le monde entier pour son travail en tant que peintre, réalisateur de films avant-gardistes, producteur de musique et auteur.
Voir la biographie d'Andy Warhol
Curieux pour en apprendre plus ? Voici les livres essentiels sur le pop art!

P.-S. Savez-vous que au-delà de l'histoire de l'art, Guide Artistique c'est aussi des conseils sur le matériel d'artiste et un guide des meilleurs musées et galeries d'art à visiter !

Donc, si vous êtes du genre créatif, je vous invite à consulter nos guides complets sur les différents types pinceaux et de peinture que vous pouvez vous procurer en ligne. Si vous aimez plutôt admirer les oeuvres d'art, découvrez nos guides des plus beaux musées d'art à voir absolument lors de votre prochain voyage.

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Pop art | Tout sur le mouvement artistique international

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Découvrez les caractéristiques des oeuvres du pop art et les biographies d'artistes qui en ont fait le mouvement artistique le plus important de l'histoire de l'art contemporain.

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huile, graphite, carton et collage de papier sur masonite - 144,7 x 144,7 cm

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Larry Rivers - Lions sur le Fonds Dreyfus IV - 1964

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Larry Rivers - Lions sur le Fonds Dreyfus IV - 1964

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Collage sur papier - 73,5 x 108 cm - collection privée, Bruxelles

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Hervé Télémaque - Nouvelles de France - 1989 (Série B. V)

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Hervé Télémaque - Nouvelles de France - 1989 (Série B. V)

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impression pigmentaire sur toile, 97 x 142 cm

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Gérard Fromanger - En Chine, à Hu-Xian - 1974 

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Gérard Fromanger - En Chine, à Hu-Xian - 1974 

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John Heartfield - The Sunny Land -  1919

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John Heartfield - The Sunny Land -  1919

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Huile et collages sur toile, technique peinture et collages, 110 x 88 cm, mouvement Nouvelle Objectivité, Neue Nationalgalerie, Berlin (Allemagne)

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Otto Dix - Die Skatspieler (Les Joueurs de skat) - 1920

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Otto Dix - Die Skatspieler (Les Joueurs de skat) - 1920

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De 1907 à 1914, Pablo Picasso et George Braque, en compagnie d'une poignée d'autres artistes, dont Robert Delaunay et Fernand Léger, développent le cubisme, l'un des mouvements les plus innovateurs de l'histoire de l'art contemporain.

Mouvement de très courte haleine, le cubisme n'a pratiquement duré que le temps de la carrière de son principal acteur, Pablo Picasso. Proche du futurisme, de l'orphisme et du constructivisme russe, le cubisme a eu une remarquable influence sur l'histoire de l'art moderne.

Histoire du cubisme

En 1907, lorsque Guillaume Apollinaire présente George Braque à Pablo Picasso, il ne se rend pas compte qu'il vient d'allumer l'un des plus importants flambeaux de l'histoire de l'art.

Les deux peintres, déjà bien établis dans le milieu de l'art parisien de l'époque, se lient immédiatement d'amitié. Picasso montre alors à Braque la toile sur laquelle il travaille : Les Demoiselles d'Avignon. Bien que les experts de l'histoire de l'art ne s'entendent pas tous sur ce point, il semble que cette toile, peinte en 1907, soit la toute première œuvre cubiste.

À partir de ce moment, Picasso et George Braque entrent dans une longue période de recherche artistique, dans le but de détailler, dans un espace bidimensionnel, toutes les facettes d'un élément pictural.

L'influence du cubisme sur l'art contemporain est immense : le cubisme abolit la perspective, élément central de la peinture depuis la renaissance, et ouvre également la voie à l'abstraction.

La recherche artistique autour du cubisme qui unit depuis des années Picasso et Braque est stoppée nette en 1914, lorsque Braque est appelé au front. Il ne recommencera à peindre qu'en 1917.

Origines du cubisme

Le cubisme, qui apparaît officiellement vers 1908, s'inspire des théories artistiques de l'impressionniste Paul Cézanne ainsi que de l'art africain, qui arrive en Europe au début du 20e siècle.

L'appellation " cubisme " apparaît en 1908. Elle décrit les explorations artistiques conjointes de Georges Braque, Pablo Picasso, Juan Gris, Fernand Léger, Jean Metzinger et plusieurs autres artistes.

Inspiration du cubisme

La première source d'inspiration de Braque et de Picasso est l'œuvre de Paul Cézanne. Cézanne (1839-1906) est un impressionniste qui a exploré la déconstruction des figures et l'utilisation de formes géométriques pour représenter les différentes facettes de ces figures. Les premières recherches artistiques de Braque et de Picasso en matière de cubisme reprennent ces concepts de l'œuvre de Cézanne.

Le cubisme s'inspire également de l'art africain. Au début du 20e siècle, l'Europe s'ouvre à l'art africain, grâce au fauvisme, en particulier Henri Matisse et Paul Gauguin.

Oeuvre majeur cubiste

L'une des peintures qui illustrent le mieux les origines du cubisme est Les Demoiselles d'Avignon de Picasso. Dans cette œuvre, on peut observer à la fois l'influence africaine dans les traits des femmes qui ressemblent à des masques africains, et l'influence de Cézanne dans la palette de couleurs et la géométrie des corps.

Première utilisation du mot cubisme

Lorsque Louis Vauxcelles, le célèbre critique d'art français, utilise pour la première fois le terme de " cubisme ", c'est pour décrire des dessins de Georges Braque. En effet, la description classique du cubisme est celle de l'œuvre de Braque et de Picasso.

Cependant, plusieurs autres artistes ont tout autant fait partie du cubisme. C'est le cas des membres du Groupe de Puteaux, aussi connu sous le nom de la Section d'Or, qui a rassemblé Jean Metzinger, Henri le Fauconnier, Fernand Léger et Robert Delaunay. Delaunay, pour sa part, a aussi inventé l'orphisme, une branche du cubisme se rapprochant de l'abstraction.

Influence de l'art africain

À la fin du 19e et au début du 20e siècle, l'élite culturelle européenne découvrait l'art africain et amérindien d'Amérique pour la première fois. Des artistes tels que Paul Gauguin, Henri Matisse et Pablo Picasso ont été intrigués et inspirés par la puissance et la simplicité de ces styles provenant de cultures étrangères.

Autour de 1904, Picasso a rencontré Matisse avec l'aide de Gertrude Stein, à un moment où les deux artistes avaient récemment acquis un intérêt dans l'art africain et les masques de tribus africaines.

Ils sont devenus des rivaux amicaux et se sont concurrencés au long de leur carrière. Cela a peut-être même conduit Picasso à entrer dans une nouvelle période de son travail, en 1907, marquée par l'influence de l'art grec, ibérique et africain.

Les peintures de Picasso de 1907 ont été caractérisées comme Précubistes, notamment vu Les Demoiselles d'Avignon.

École cubiste de Montparnasse

Le cubisme a été repris par de nombreux artistes à Montparnasse et promu par le marchand d'art Daniel-Henry Kahnweiler. Devenant ainsi populaire tellement rapidement qu'en 1911, les critiques se réfèrèrent à une " école cubiste " des artistes.

Toutefois, bon nombre d'artistes qui se voyaient eux-mêmes comme cubistes sont allés dans des directions très différentes de Braque et de Picasso.

Les différentes phases du cubisme

La première phase du cubisme, nommée " précubisme " ou cubisme cézanien, est fortement influencée par l'art et les recherches de Paul Cézanne, qui s'intéresse déjà à la représentation de plusieurs perspectives et à l'utilisation de sphères, de cylindres et de cubes pour illustrer un objet.

Dès 1910, cependant, Braque et Picasso ont évolué vers un style qui leur est plus personnel, le cubisme analytique. Cette phase intermédiaire du cubisme est la plus hermétique : à force de détailler les différentes facettes d'un objet, celui-ci devient de plus en plus abstrait à l'œil du spectateur.

La dernière phase du cubisme est le cubisme synthétique (1912-1914), se veut un retour vers un style de peinture plus facile pour l'œil du spectateur, qui fait usage de techniques de trompe-l'œil, de collages et de mélange des matériaux.

L'historien anglais Douglas Cooper décrit trois phases du cubisme dans son livre " The Cubist Epoch ". Selon Cooper, il y a eu le petit cubisme (de 1906-1908), au cours duquel le mouvement a été initialement développé dans les studios de Picasso et de Braque, la deuxième phase est appelée le haut cubisme (de 1909 à 1914), au cours duquel Juan Gris a émergé comme figure importante et, enfin, Cooper se réfère à la fin du cubisme (de 1914 à 1921) comme la dernière phase radicale du cubisme.

Cubisme cézanien

Le cubisme cézanien, comme son nom l'indique, est largement inspiré de l'œuvre et des recherches de Paul Cézanne. Les œuvres de cette période ont été peintes entre 1907 et 1910.

Caractérisé par des angles prononcés, des corps en volumes et une brutalité parfois chaotique, le cubisme cézanien rassemble plusieurs grandes œuvres, dont Les demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso.

Paul Cézanne et le cubisme cézanien

Paul Cézanne (1839-1906), peintre français largement associé à l'impressionnisme, est à l'origine du cubisme qualifié de cézanien.

Sa maîtrise de la composition et de la conception de l'image, ainsi que de la couleur, ont inspiré la plupart des mouvements artistiques du 20e siècle. Grâce à de petits coups de pinceau, ses peintures représentent à la fois l'expression directe d'un sujet, ainsi que la sensation ressentie par l'œil du spectateur, plus abstraite.

Intéressé par la simplification des formes et la multiplication des perspectives, Cézanne a effectué dans ses dernières années beaucoup d'expérimentations optiques qui ont influencé Georges Braque et Pablo Picasso au début de leur carrière.

À partir de 1870, Cézanne peint une série de toiles où se baignent des hommes et des femmes, particulièrement influente pour les cubistes. Les corps des Baigneurs sont représentés tout en volumes et en couleurs, et dans leurs muscles, on voit la simplification des formes que recherchait Cézanne.

Oeuvres d'art célèbres du cubisme cézanien

Parmi les œuvres les plus célèbres du cubisme cézanien, on compte Les demoiselles d'Avignon de Picasso. Peinte en 1907, cette œuvre, maintenant exposée au MoMA de New York, est considérée comme la première toile cubiste. Jouant à la fois avec des contrastes de textures et de couleurs, des perspectives multiples et un sujet provoquant, cette toile se veut un pied-de-nez aux normes picturales et artistiques de l'époque.

Suite aux Demoiselles d'Avignon, Braque et Picasso, qui se rencontrent en 1907 par l'intermédiaire du poète Guillaume Apollinaire, mènent une série d'expérimentation avec les formes du cylindre, de la sphère et du cône qui, selon eux, peuvent contenir toute la nature.

Peu après les Demoiselles de Picasso, Georges Braque peint Le Grand nu, qui reprend largement l'idée de géométrification des corps de Cézanne. Comme le soutiennent plusieurs experts, le nu au centre de cette toile semble avoir été déplié, tel une construction en papier origami, afin que Braque puisse illustrer pour l'œil du spectateur toutes les facettes de son corps à la fois.

Le puissant contraste des couleurs froides et chaudes, que l'on retrouve également dans Les demoiselles d'Avignon de Picasso, semble être inspiré du fauve Henri Matisse.

Cubisme analytique

Entre 1910 et 1912, braque et Picasso décomposent les figures en toutes les facettes possibles. Les dessins géométriques ainsi formés font partie de la période analytique.

Entre 1910 et 1912, Braque et Picasso quittent le cubisme cézanien pour décomposer leurs sujets et en montrer au monde le plus de perspectives possible à la fois.

Le cubisme analytique cherche à représenter la réalité en n'utilisant, dans la mesure du possible, que des cylindres, des sphères et des cônes. À cette époque, Braque et Picasso s'intéressent surtout à la représentation humaine et fragmentent leur sujet afin d'offrir à l'œil du spectateur une multitude de points de vue à la fois.

Différences du cubisme analytique

Les œuvres issues de cette période du cubisme demandent un plus grand déchiffrage que les autres. En ce sens, on dit souvent qu'elles sont plus hermétiques. La plupart des œuvres produites selon le cubisme analytique sont monochromatiques, dans les tons de bleu, de gris ou d'ocre.

Les œuvres de cette période du cubisme se détachent de plus en plus de la représentation d'éléments du réel. C'est le cas, par exemple, de la Jeune fille à la mandoline de Picasso (1912), où le sujet, décomposé en une myriade de facettes, se confond avec l'arrière-plan, lui-même fragmenté. Ne serait-ce du titre et de quelques éléments facilement distinguables (les cordes de la mandoline, la chevelure de la jeune fille), l'œil du spectateur aurait sûrement du mal à déchiffrer cette toile.

Oeuvres du cubisme analytique

Au fil des mois du cubisme analytique, les œuvres de Braque et de Picasso se complexifient de plus en plus. Le Portugais de Braque (1911) en est un bon exemple. À force de décomposer le sujet de la peinture, celui-ci se perd, emmenant avec lui tout rapport à la réalité.

Juan Gris, qui s'est joint aux cubistes à l'époque du cubisme analytique, a également produit quelques œuvres se rattachant à cette branche. On compte parmi celles-ci Cruche, bouteille et verre, peinte en 1911, où une intéressante exploration des formes offre au spectateur une perspective distordue des trois objets nommés dans le titre, qui pourrait être vue à travers un morceau ciselé de verre.

Fin de la phase analytique

Souvent vu comme une phase d'exploration transitoire entre le cubisme cézanien et le cubisme synthétique, le cubisme analytique ne captive ni Braque, ni Picasso pendant très longtemps. Soucieux de conserver un lien à la réalité, les deux chefs de file du cubisme s'affairent, dès 1912, à le ramener dans leurs œuvres au moyen de divers dispositifs esthétiques.

Cubisme synthétique

De 1912 à 1914, la dernière phase du cubisme prend place. Il s'agit d'une clarification du style comparativement au cubisme analytique. Le cubisme synthétique se concentre plutôt sur les trompe-l'œil et des explorations artistiques plus libres.

Plutôt qu'une analyse des perspectives, le cubisme synthétique se veut un bilan des différentes perspectives d'un même objet. Entre 1912 et 1914, Georges Braque et Pablo Picasso explorent la peinture dans cette phase ultime du cubisme.

Techniques du cubisme synthétique

Retour à l'utilisation de couleurs vives, variation des matériaux et nouvelles techniques sont les caractéristiques esthétiques qui marquent le cubisme synthétique. Picasso explore le potentiel du faux bois, des toiles cirées, du tissu et du collage.

Georges Braque débute ses œuvres en papier collé, technique qui consiste à coller des morceaux de papier de diverses textures et provenances sur une toile en cours, afin de créer un trompe-l'œil pour le spectateur.

Entre les cubismes analytique et synthétique, Picasso et Braque emploient également des lettres dans leurs collages, dans l'optique de toujours conserver dans leur art un lien au réel. Dans Nature morte à la chaise cannée (1912), le premier collage à avoir été considéré comme une œuvre d'art, Picasso appose les lettres J O U, laissant le spectateur à se demander si elle signifient journal ou bien jeu/joue.

Nature morte à la chaise cannée, devenue l'une des plus illustres peintures de Picasso, a ouvert la voie à plusieurs techniques dadaïstes et surréalistes.

Influence du cubisme synthétique

Certains experts voient également dans cette nature morte un précurseur des Ready-made de Marcel Duchamp, car jamais auparavant un artiste n'a-t-il inclus des éléments externes, en l'occurrence déjà prêts, à une œuvre d'art.

Après avoir imité le bois peint dans Nature morte aux cartes à jouer, Georges Braque choisit, dans Compotier et verre (1912), d'inclure des adhésifs de faux-bois. Sortant de leur contexte habituel, les motifs tels celui du faux-bois ont pour fonction de rattacher la toile au réel, en rappelant des éléments de la vie quotidienne au spectateur.

Fin du cubisme synthétique

L'avènement de la Première Guerre mondiale, en 1914, marque la fin du cubisme synthétique, car Georges Braque est appelé pour aller au front.

Cela signe la fin de la compétition entre Picasso et son collègue. Picasso, par ailleurs, se désintéresse peu à peu du cubisme : les artistes s'étant joints au mouvement avec les années ne rejoignent plus ses idéaux, à la fois artistiques, politiques et esthétiques.

Parmi les nouveaux artistes cubistes, on compte Robert Delaunay, maître du cubisme orphique.

Cubisme orphique

Le cubisme orphique est une branche du mouvement qui s'approche de l'abstraction, caractérisée par des cercles concentriques et une utilisation plus libre des couleurs.

Entre 1914 et 1920, Robert Delaunay et sa femme s'éloignent quelque peu du cubisme analytique pour créer des œuvres plus lyriques, voire abstraites. Le cubisme orphique, caractérisé par des cercles concentriques et une utilisation plus libre de la couleur, est dynamique, rythmé et intrigant.

Qu'est-ce que le cubisme orphique?

Selon le poète Guillaume Apollinaire, le cubisme orphique est le point de rencontre de l'impressionnisme, du pointillisme, du fauvisme et du cubisme. L'orphisme tient par ailleurs son nom d'un poème d'Apollinaire, Orphée, où l'auteur fait l'éloge d'une beauté pure et abstraite qui transcenderait les arts.

Début de la phase orphique

L'orphisme apparaît pour la première fois en 1913, au Salon des indépendants. À ce salon participent entre autres Robert et Sonia Delaunay, un couple de peintres associés au cubisme, et les têtes d'affiche de l'orphisme.

Parmi les plus importants travaux de Robert Delaunay dans le domaine de l'orphisme, on compte Formes circulaires. Soleil n° 2, une toile qui s'inscrit dans une large série, dont les principales pièces appartiennent aujourd'hui au Centre Pompidou de Paris et au MoMA de New York.

Sonia Delaunay, quant à elle, a produit Contrastes simultanés, une série de trois œuvres qui fait partie d'une importante exploration nommée Fenêtres.

Grâce à leurs recherches et explorations, les Delaunay ont participé à affirmer la théorie de l'histoire de l'art qui veut que chaque représentation plastique d'un objet produit un sens particulier.

Une phase plus abstraite

Bien que le mouvement orphique évolue à la base du cubisme analytique, il a un penchant beaucoup plus abstrait que l'art de Picasso et Braque.

Plutôt que de détailler les objets en multiples facettes, comme le veut le cubisme analytique, le cubisme orphique créé ses propres représentations, se servant de la forme et de la couleur afin de causer des sensations chez le spectateur.

La plupart des œuvres du cubisme orphique se servent de cercles concentriques, de différentes couleurs.

Artistes du cubisme orphique

Outre les Delaunay, d'autres artistes ayant pris part au cubisme orphique sont František Kupka, Fernand Léger, Francis Picabia et Marcel Duchamp. Le mouvement artistique du synchronisme et le groupe allemand Blaue Reiter se sont également inspirés du cubisme orphique.

Artistes derrière le cubisme

Outre les pères du cubisme, plusieurs autres artistes ont participé à ériger ce monument de l'art contemporain. Parmi ceux-ci, Robert et Sonia Delaunay, inventeurs du cubisme orphique, une variation du cubisme analytique ; Fernand Léger, père du tubisme ; Henri le Fauconnier, Jean Metzinger et Juan Gris.

Bien que surtout présent en peinture, le cubisme a également connu quelques œuvres en 3 dimensions, réalisées par Picasso, Jacques Lipchitz ou Henri Laurens.

Le Groupe de Puteaux (Section d'or)

Le Groupe de Puteaux a été une importante scision au sein du mouvement cubiste. Il inclut Guillaume Apollinaire, Robert Delaunay, Marcel Duchamp, ses frères Raymond Duchamp-Villon et Jacques Villon, Fernand Léger et Francis Picabia ainsi que d'autres artistes associés au cubisme, notamment Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Max Weber, Diego Rivera, Marie Vorobieff, Louis Marcoussis, Jeanne Rij-Rousseau, Roger de La Fresnaye, Henri Le Fauconnier, Alexander Archipenko, František Kupka, Amédée Ozenfant, Léopold Survage et Patrick Henry Bruce, entre autres.

La Section d'Or est un autre nom pour un groupe comprenant un bon nombre de ces mêmes artistes qui étaient associés au cubisme et à l'orphisme.

Pour en savoir plus sur le Groupe de Puteaux, je vous invite à lire ce dossier totalement consacrer à ce groupe d'artiste.

Georges Braque

L'artiste Georges Braque, avec Picasso, a créé le cubisme et a, par le fait même, révolutionné l'histoire de l'art. Ce peintre créa des oeuvres cubistes jusqu'à ce qu'il dû quitter Paris pour aller se battre à la guerre.

Georges Braque (13 mai, 1882, au 31 août 1963) a été l'un des principaux peintres et sculpteurs français du 20e siècle. Il a, avec Pablo Picasso, créé le mouvement artistique du cubisme.

Intérêt pour la géométrie et la perspective simultanée

Les peintures de Braque, de 1908 à 1913, ont commencé à refléter son nouvel intérêt pour la géométrie et la perspective simultanée. Il a mené une intense étude sur les effets de la lumière, la perspective et les techniques que les peintres utilisent pour représenter ces effets.

Dans les scènes de son village, par exemple, Braque réduit souvent une structure architecturale en une forme géométrique se rapprochant de celle d'un cube. L'ombre de la structure, elle, donne l'illusion d'être plate et en trois dimensions en même temps. De cette façon, Braque place l'attention sur la nature même de l'illusion visuelle et de la représentation artistique.

Sa collaboration avec Picasso

À partir de 1909, Braque a commencé à travailler en étroite collaboration avec Pablo Picasso qui avait développé une approche similaire dans sa peinture.

L'invention du cubisme est un effort conjoint entre Picasso et Braque, puis les résidents de Montmartre, à Paris. Ces artistes ont été les principales figures de ce mouvement artistique innovateur.

Après s'être rencontrés en 1907, Braque et Picasso ont commencé à travailler sur le développement du cubisme, en 1908. Les deux artistes produisirent des peintures de couleur neutre et de forme complexe, à plusieurs facettes, maintenant étiquetées comme faisant partie du cubisme analytique.

En 1912, ils ont commencé à expérimenter le collage avec du papier collé.

Leur collaboration a continué et ils ont travaillé en étroite collaboration jusqu'au déclenchement de la Première Guerre mondiale, en 1914, lorsque Braque, enrôlé dans l'armée française, dû quitter Paris pour aller se battre.

Pour en savoir plus sur Braque, je vous recommande de consulter cet article totalement consacrer au peintre Georges Braque.

Pablo Picasso

Le célèbre peintre cubiste, figure incontournable de l'art, Pablo Picasso, est le co-fondateur du cubisme. Son oeuvre Les Demoiselles d'Avignon est considérée comme étant une oeuvre d'art pré-cubiste.

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad martyr Clito Patricio Ruiz y Picasso (25 octobre, 1881, au 8 avril 1973) est un peintre cubiste, dessinateur et sculpteur espagnol andalou. Un des plus reconnus dans l'histoire de l'art du XXe siècle.

Tête d'affiche du cubisme

Il est surtout connu pour être le co-fondateur du mouvement artistique cubiste et pour la grande variété de styles incorporés dans ses oeuvres d'art. Parmi les oeuvres de Picasso les plus célèbres, on trouve le tableau proto-cubiste Les Demoiselles d'Avignon (1907) et sa représentation du bombardement allemand de Guernica pendant la guerre civile espagnole, Guernica (1937).

Exposition de ses oeuvres

Le travail de Pablo Picasso est souvent classé par périodes. Alors que les noms de plusieurs de ses périodes ultérieures font l'objet de débats, les périodes les plus communément acceptées de son travail sont sa période bleue (1901-1904), sa période rose (1905-1907), sa période influencée par l'art africain (1908-1909), le cubisme analytique (1909-1912), et le cubisme synthétique (1912-1919).

En 1939, le "Museum of Modern Art" de New York, sous la supervision de son directeur Alfred Barr, un passionné des tableaux de Picasso, a mis en place une rétrospective de ses principales oeuvres d'art importante et très réussie.

En plus d'en mettre plein la vue au public, cette exposition fut très importante pour l'artiste et aboutit à une réinterprétation de son travail par les historiens de l'art contemporain et les chercheurs.

Influence de Picasso

L'influence de l'art africain, qui a duré de 1907 à 1909, a été la période où Pablo Picasso a peint avec un style fortement influencé par la sculpture africaine. Cette période, qui a suivi sa période bleue et sa période rose, a également été parfois qualifiée de période nègre ou période noire.

Après la peinture " Les Demoiselles d'Avignon ", Picasso a commencé à peindre dans un style influencé par les deux figures du côté droit du tableau qui étaient fondées sur l'art africain. Bien que cette peinture soit considérée comme la première oeuvre cubiste, avant même le début de sa phase cubiste, on peut clairement voir qu'il a passé plusieurs années à explorer l'art africain.

Pendant ce temps, l'empire français était en pleine expansion en Afrique et les artefacts d'Afrique ont été ramenés dans les musées Paris. La presse bourdonnait d'histoires exagérées, de cannibalisme et de contes exotiques à propos du royaume africain de Dahomey. La maltraitance des Africains dans le Congo belge était un sujet chaud.

Il était donc naturel, dans ce climat, que Picasso tourne son intérêt vers les objets africains comme source d'inspiration.

La période noire de Pablo Picasso a été suivie par Le cubisme analytique qui s'est également développé à partir de " Les Mademoiselle Mignonne ".

Plus précisément, cet intérêt de Picasso a été déclenché par Henri Matisse qui lui a montré un masque africain. Les chercheurs soutiennent que Matisse a acheté ce morceau à la boutique Emile Heymenn dans l'ouest de Paris.

Pour en savoir plus sur Picasso, je vous recommande de consulter cet article complètement dévouer au peintre Pablo Picasso.

Tous les artistes célèbres

Cubisme international

En 1913, les États-Unis ont été exposés au cubisme et à l'art moderne européen lorsque Jacques Villon présenta sept importantes et grandes oeuvres à la célèbre Armory Show de New York. Braque et Picasso ont eux-mêmes passé par plusieurs phases distinctes avant 1920, et certains de ces travaux ont été vus à New York, avant l'Armory Show.

Des artistes tchèques qui ont réalisé l'importance historique du cubisme de Picasso et de Braque ont tenté d'extraire ces éléments pour leur propre travail, dans toutes les branches de la création artistique - en particulier dans la peinture et l'architecture.

Ceci s'est développé en un cubisme tchèque qui est un art d'avant-garde du mouvement tchèque promoteur du cubisme actif, principalement à Prague, de 1910 à 1914.

La sculpture cubiste

Le cubisme a également été présent en sculpture. Picasso, notamment, en a réalisé plusieurs, tout comme Henri Laurens et Jacques Lipchitz.

L'ère de la sculpture cubiste dure moins longtemps encore que celle de la peinture, cependant plusieurs artistes de renom s'en inspirent pour créer de nouveaux mouvements artistiques : c'est le cas, par exemple, de Duchamp-Villon (futurisme), de Pablo Gargallo et d'Alexander Archipenko.

Influence du cubisme

L'influence du cubisme sur l'art contemporain est immense : le cubisme abolit la perspective, élément central de la peinture depuis la Renaissance, et ouvre également la voie à l'abstraction.

En ce sens, le cubisme a aidé l'émergence, après la Première Guerre mondiale, du Bauhaus, du dadaïsme, du futurisme et du rayonnisme.

Curieux pour en apprendre plus ? Voici les livres essentiels sur le cubisme!

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De 1907 à 1914, Pablo Picasso et George Braque, en compagnie d'une poignée d'autres artistes, dont Robert Delaunay et Fernand Léger, développent le cubisme, l'un des mouvements les plus innovateurs de l'histoire de l'art contemporain. Mouvement de très courte haleine, le cubisme n'a pratiquement duré que le temps de la carrière de son principal acteur, Pablo Picasso.

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Richard Hamilton - Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? - 1956

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Richard Hamilton - Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? - 1956

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peinture symbolique ; peinture à l'eau avec collage papier ; 42 x 30,2 cm.

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George Grosz -Daum Marries her Pedantic Automaton George in May 1920, John Heartfield is Very Glad of It - 1920

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George Grosz -Daum Marries her Pedantic Automaton George in May 1920, John Heartfield is Very Glad of It - 1920

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David Hockney - Gregory Watching The Snow Fall, Kyoto - 21/02/1983

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David Hockney - Gregory Watching The Snow Fall, Kyoto - 21/02/1983

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Jasper Johns - Color Numeral Series (ULAE 59-68) - 1969

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Jasper Johns - Color Numeral Series (ULAE 59-68) - 1969

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Portrait ; Exposé à Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany

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peinture à l'huile sur toile ; autoportrait.

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Peinture, feutre, , encre de Chine, crayon gras, collage de papier coloré et d'image imprimée sur feuille de carnet - 36 x 4 cm - Centre Pompidou, France

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Jean Tinguely - Méta-Harmonie disloqué - 1987

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Jean Tinguely - Méta-Harmonie disloqué - 1987

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Affiches lacérées marouflées sur toile - 65 × 54 cm - Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois

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Jacques Villeglé - Barcelone, Sagrada Familia - 2000

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Jacques Villeglé - Barcelone, Sagrada Familia - 2000

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Peinture à l'huile, émail et polymère synthétique sur panneau avec collage de publicités, plastique, ..., reproduction en couleur émaillée et encadrée et métal 

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Tom Wesselmann- Nature morte #30 - 1963 

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Tom Wesselmann- Nature morte #30 - 1963 

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QUELQUES NOMS

GALERIE

DATES CLÉS

Le terme " art de la construction " est utilisé avec dérision par Kazimir Malevitch afin de décrire le travail d'Alexandre Rodtchenko

Manifeste réaliste de Anton Pevsner et Naum Gabo

Le constructivisme est l'art officiel de la Révolution russe.

La prise du palais d'hiver : reconstitution des événements de la révolution d'octobre engage 8.000 personnes sous la direction de Nikolaï Evreinov

Début de la NEP (Nouvelle Politique Économique)

Suicide de Maîakovsky

Second Plan quinquennal de Staline

1932 - 1936

" Style de transition " dit postconstructiviste

CONTEXTE

Le constructivisme, naît dans un contexte social et économique difficile, dans le prolongement de la 1re guerre mondiale et de la révolution russe de 1917. La Russie, dans un état de grande pauvreté et pour moitié illettrée (seuls 2 adultes sur 5 savent lire en 1920), se voit bousculée et transformée par des symboles, des images, des slogans et des textes.

La Bolcheviks ont, à l'époque, des préoccupations multiples : informer de la politique du gouvernement, éduquer à l'idéologie communiste ou encore convertir une société paysanne en état industriel moderne. Ils ont parfaitement compris que pour s'adresser au peuple, ils doivent utiliser un autre moyen que les mots. Grâce notamment à une production d'affiches très importante (impression à plusieurs milliers d'exemplaires), ils diffusent à partir de 1919 leurs messages sous une forme plus graphique avec l'intention de parler au plus grand nombre. La solidarité avec l'armée rouge des révolutionnaires communiste contre l'armée blanche monarchiste, passe par cet effort de communication. Le constructivisme devient ainsi l'art officiel de la révolution russe.

Fenêtre Rosta

On voit alors apparaître ce que l'on appellera des " fenêtres Rosta " pendant la guerre civile : des affiches de type bande dessinée et caricaturales publiées par l'agence télégraphique russe. La période est terrible. La famine sévit et 5 millions de personnes meurent entre 1921 et 1922.

Aspects politiques

Lénine arrive ensuite au pouvoir et met en place sa Nouvelle Politique Economique (NEP) qui assouplit les règles autour du commerce. La production se développe alors sur d'autres domaines que la politique. Staline lui succède, déployant son plan quinquennal dont les objectifs seront détaillés en images : développer l'industrie lourde et forcer les paysans à la collectivisation pour éliminer la classe des " Koulaks ", propriétaires terriens. Le constructivisme entretient une relation très étroite avec la doctrine Marxiste et la révolution dont il est l'expression esthétique. Il tisse également des liens étroits avec le cinéma, notamment l'immense production des frères Vladimir et Georgy Stenberg.

LA NAISSANCE D'UN NOM

Le constructivisme naît dans la Russie du début du xxe siècle en parallèle d'un autre mouvement : le suprématisme de Kasimir Malevitch. Au départ, c'est Malevitch qui utilise le terme d' " art de la construction " pour qualifier le travail d'Alexander Rodtchenko. Le " manifeste réaliste " de Naum Gabo, paru en 1920, utilise le terme pour la première fois. A la suite, " le manifeste du constructivisme " de Anton Pevsner et Naum Gabo en pose les fondements.

QUELQUES EXPLICATIONS

Les constructivistes " furent amenés à donner une place importante aux matériaux qu'ils organisaient selon des principes techniques de la structure et de la construction pour mettre fin à l'illusion picturale et pour créer un art susceptible d'être compris par tous sans le prisme de la culture " bourgeoise "." (Noémi Blumenkranz).
Le constructivisme est un art fonctionnel avant tout, s'attelant à définir les structures de la création plutôt que de tenter d'imiter le monde sensible.

LANGAGE GRAPHIQUE

Symétrie et asymétrie

Formes géométriques

Bascule

Répétition

Flèches

Typo grande et grasse

Bas de casse

Rouge et noir (impression en 2 couleurs noir et rouge moins coûteuses)

Photomontage

TECHNIQUES

Dessin / illustration

Photomontage

Lithographie

INFLUENCE STYLISTIQUE

Le constructivisme russe est influencé par deux éléments culturels forts :

Les icônes religieuses peintes, vénérées par toutes les classes sociales

Les loubki, des représentations combinant texte et images dans les contes populaires

Le constructivisme puise ses sources dans plusieurs mouvances :

Le suprématisme, inventé en 1913 par Kasimir Malevitch et consistant en une abstraction géométrique pure (ne se limitant à ses débuts qu'au seul carré).

Le cubisme de Braque et Picasso et le futurisme de Marinetti

Il influence par la suite de nombreuses mouvances dont la plupart des avant-gardes européennes.

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Constructivisme - russie, avant-garde, graphisme - nůn - design & arts graphiques

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Le terme " art de la construction " est utilisé avec dérision par Kazimir Malevitch afin de décrire le travail d'Alexandre Rodtchenko Manifeste réaliste de Anton Pevsner et Naum Gabo Le constructivisme est l'art officiel de la Révolution russe.

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Alexandre Rodtchenko - Couverture du magazine LEF - 1923

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Alexandre Rodtchenko - Couverture du magazine LEF - 1923

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 Collage sur papier - 36 x 26,7 cm - Musée Karl Waldmann

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Le surréalisme s'inspire des théories psychanalytiques de Freud. À travers une exploration de l'inconscient et l'interprétation des rêves, les surréalistes proposent des images de mondes poétiques empreintes d'une atmosphère énigmatique.

Au début du siècle, les nouvelles théories de Freud sur l'inconscient et l'analyse des rêves intéressent et fascine nombre d'intellectuels. Cette nouvelle approche de la personnalité de l'individu et de l'être ouvre de nouvelles perspectives aux artistes qui voient à travers la création artistique une excellente manière d'explorer davantage ce monde énigmatique et intérieur qu'est le MOI.

Mais les surréalistes ne cherchent pas à interpréter les rêves ou l'inconscient. Ils les révèlent esthétiquement. C'est une sorte de création du rêve à travers la peinture. D'ailleurs, les artistes de ce mouvement tentent de se mettre en état de rêve pour créer. Leurs tableaux sont une expression du fonctionnement de la pensée.

Max Ernst propose des mondes étranges peuplés d'êtres hybrides fantastiques qui évoquent les représentations du passé médiéval de Jérôme Bosch ou des Riches Heures du Duc de Berry.

Magritte crée des images fortement symboliques, énigmes et de non-sens linguistiques. L'artiste semble s'amuser de jeux de mots ou jeux de sens en composant des images de mondes poétiques. C'est ainsi qu'il nous peint pas exemple le fameux tableau Ceci n'est pas une pipe (en effet, c'est la peinture d'une pipe), ou encore des visages sur lesquels se dessinent des nuages (on peut vraiment avoir la tête dans les nuages). Le style de ses tableaux est très net et a un caractère presque naïf comparé à celui de Dali.

En effet, la technique de Dali semble ancrée dans la pure tradition de la peinture de la Renaissance Italienne et du trompe l'oeil. La facture est extrêmement réaliste et les trompes l'oeil semblent si parfaits, que s'ils ne représentaient pas des images improbables, on croirait à leur réalité. Le rendu des textures est exceptionnel avec une précision incroyable dans le rendu tout en détails infimes des matières.

Si les images de Magritte peuvent parfois avoir un côté un peu naïf, fleur bleue (voir un peu mièvre à notre regard d'aujourd'hui), les œuvres de Dali sont beaucoup plus inquiétantes. Loin de l'aspect " premier degré " des images de Magritte, Dali nous ouvre des mondes plus complexes qui plongent vite le spectateur dans un abîme de pensées, un tourbillon de réflexions existentielles, voir presque métaphysiques.

Autant le sens des tableaux de Magritte semble relativement accessible à notre compréhension, autant les images de rêve de Dali sont plus intrigantes et il leur garde soigneusement cet aspect énigmatique sans nous en donner la clef. C'est sans doute pourquoi on ne se lasse pas de les observer, comme si on cherchait continuellement à trouver une réponse ou un sens, là où il n'y en a peut-être pas (ce qui est d'ailleurs parfois possible étant donné l'esprit facétieux de l'artiste).
Le surréalisme va aussi développer un nouveau style d'expression qui est l'écriture automatique. En littérature, les poètes écrivent des textes incongrus avec des mots sortis tout droit de leur inconscient, tels quels, sans queue ni tête, sans recherche particulière de sens.

Henri Michaux n'est pas seulement le grand poète écrivain que l'on connaît. Il est aussi adepte d'expérimentations en touts genres. Il développe une recherche graphique très riche dans laquelle il tente de trouver l'expression la plus profonde de l'inconscient. Il n'hésite pas pour cela à faire l'usage de drogues, notamment le mescal.

En effet, sous l'emprise de ces stupéfiants, la maîtrise de la conscience s'efface et l'artiste peut alors laisser librement sa main s'exprimer à travers des " dessins automatiques ". C'est d'ailleurs ces fameuses expériences qui donneront naissance à toute une série de dessins mescaliniens. Les images ne représentent rien de particulier, si ce n'est l'expression de la vibration et les sensations intenses du corps et de l'esprit lors de ces expériences.

Les oeuvres surréalistes sont bien sur très personnelles et intimes puisqu'elles parlent du MOI intérieur. Cet aspect très personnel se développera plus tard d'une manière peut-être moins psychanalytique mais tout aussi introspective à travers certaines œuvres du Body art. De fait, certaines œuvres du body-art semblent parler du vécu intérieur propre à l'artiste. Mais si les performances ne cherchent pas nécessairement à montrer le fonctionnement de l'inconscient comme le surréalisme, elles prennent parfois une forme d' " art-thérapie ".

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Le surréalisme s'inspire des théories psychanalytiques de Freud. À travers une exploration de l'inconscient et l'interprétation des rêves, les surréalistes proposent des images de mondes poétiques empreintes d'une atmosphère énigmatique. Au début du siècle, les nouvelles théories de Freud sur l'inconscient et l'analyse des rêves intéressent et fascine nombre d'intellectuels.

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Mouvement artistique qui s'est développé aux États-Unis et en Europe à partir des années 1960.

En liaison avec le courant du happening, il a organisé de nombreuses manifestations telles que concerts (auxquels ont participé T. Riley, La Monte Young, J. Cage), environnements et interventions diverses. Les artistes de Fluxus s'attachent particulièrement au caractère événementiel et éphémère de l'œuvre, à l'abolition du rapport spectateur-créateur et à un humour qui se veut destructeur des valeurs esthétiques. Citons entre autres les Américains George Maciunas et George Brecht, N. J. Paik, les Allemands Vostell et Beuys, le Suisse Ben, le Français Robert Filiou.

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Mouvement artistique qui s'est développé aux États-Unis et en Europe à partir des années 1960 En liaison avec le courant du happening il a organisé de nombreuses manifestations telles que concerts auxquels ont participé T Riley La Monte Young J Cage environnements et interventions diverses Les artistes de Fluxus s'attachent particulièrement au caractère événementiel et éphémère...

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140 x 200 cm - Bundesministerium des Innern, Bonn

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Collage de gravures et d'illustrations de magazine découpées sur papier - 25 x 16,8 cm - Centre Pompidou, France

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Yves Tanguy, André Breton, Jacqueline Lamba -Cadavre exquis - 1938

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Yves Tanguy, André Breton, Jacqueline Lamba -Cadavre exquis - 1938

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Armand Fernandez - Violons - 69 x 98 cm - Collage en couleur sur papier - 1994

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Armand Pierre Fernandez, dit Arman (1928-2005) - Violons - 1994

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Armand Pierre Fernandez, dit Arman (1928-2005) - Violons - 1994

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Hans Arp - Before my Birth - 43/8 x 35/8 inch - Collage - Dadaisme - 1914 - Collection Privée

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Enrico Baj - Hommage à Picasso - 76,8 x 60 cm - Collage textiles et sérigraphie sur papier - Cubisme - 1973 - Moma Museum, New York, USA

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Ben Benjamin Vautier - Le Bizart Baz'art - Assemblage d'objets divers - Fluxus - 2002

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Ben Benjamin Vautier - Le Bizart Baz'art - 2002

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Ben Benjamin Vautier - Le Bizart Baz'art - 2002

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Joseph Beuys - The Pack - Assemblage - Fluxus - 1969

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Blake Peter - Jockey Act - 72,4 x 51,1 cm - Collage et Aquarelle - Pop Art - 1957

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Victor Brauner - Talisman - 27,4 x 15,9 cm - Suif sur bois - Dada - 1943 - Moma Museum, New York City, USA

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Georges Braque - Still Life with a Violin - 47,8 x 62,1 cm - Collage de charbon et de "faux bois" sur papier - Cubisme - 1912 - Yale University Art Gallery, USA

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Georges Braque - Still Life with a Violin - 1912

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Georges Braque - Still Life with a Violin - 1912

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En 1909, l'écrivain italien Filippo Marinetti fait paraître le Manifeste du futurisme, qui déclenche une révolution artistique internationale. Les futuristes rejettent la notion d'esthétique et s'intéressent à la beauté de la mécanique, de la ville et de la vitesse.

Il a souligné et glorifié des thèmes associés à des concepts contemporains de l'avenir, la technologie, la jeunesse et la violence et des objets tels que la voiture, l'avion et la ville industrielle.

Le manifeste du futurisme

Le manifeste du futurisme fut pensé par le poète italien Filippo Tommaso Marinetti. Ce manifeste donna naissance à la philosophie artistique du futurisme.

C'était un rejet du passé, un rajeunissement et une modernisation culturelle de l'Italie du début du 20e siècle.

Philosophie artistique du futurisme

Le manifeste du futurisme fut écrit par le poète italien Filippo Tommaso Marinetti.

Il fut publié dans le quotidien italien Gazzetta dell'Emilia, à Bologne, le 5 février 1909, puis en français dans le Figaro, le 20 février 1909.

C'était le lancement d'une philosophie artistique, le futurisme, qui était un rejet du passé et une célébration de la vitesse, de la machinerie, de la violence, de la jeunesse et de l'industrie. C'était aussi un argument en faveur du rajeunissement et de la modernisation culturelle de l'Italie.

Artistes futuristes

Filippo Marinetti (1876-1944) rassemble dans un premier temps autour de lui plusieurs peintres, dont Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Gino Severini et Luigi Russolo.

Ces peintres utilisent des techniques du cubisme pour glorifier la modernité, en juxtaposant les couleurs et les formes pour créer des rythmes dynamiques et une énergie sans précédent.

Umberto Boccioni est l'un des premiers à se tourner également vers la sculpture : encore une fois, ses œuvres s'inspirent de grands artistes cubistes, tels que Duchamp-Villon. Boccioni a également largement participé à théoriser le mouvement futuriste : dans ses manifestes, il a longuement rejeté les arts nouveaux (le cinéma, la photographie), jugeant que ces médias n'impliquent pas suffisamment l'artiste pour que celui-ci puisse y transmettre l'atmosphère du monde moderne.

Des artistes de différents milieux

Les figures-clés du mouvement comprenaient les Italiens Filippo Tommaso Marinetti, Carlo Carrà, Boccioni Umberto, Giacomo Balla, Gino Severini et Antonio Sant'Elia, les Russes Natalia Gontcharova, Vladimir Maïakovski, Velimir Khlebnikov ainsi que le Portugais Negreiros Almada.

C'est en grande partie un phénomène italien, mais il y a eu des mouvements parallèles en Russie, en Angleterre et ailleurs.

Les futuristes pratiquaient dans chaque milieu de l'art :

Oeuvres futuristes

Les oeuvres futuristes les plus importantes sont sa pièce de littérature phare, Manifeste du Futurisme de Marinetti, ainsi que la sculpture de Boccioni, Formes uniques de continuité dans l'espace et la peinture de Balla, Vitesse abstraite, bruit.

Impact du futurisme

Plusieurs mouvements artistiques furent influencés par le futurisme tel que l'art déco, le constructivisme, le surréalisme, le dadaïsme et, à un plus haut degré, le précisionnisme, le rayonnisme et le vorticisme.

Futurisme en Italie

Le fondateur du futurisme est l'écrivain italien Filippo Tommaso Marinetti.

Les artistes futuristes, nationalistes passionnés, admiraient la vitesse, l'automobile, la technologie et la jeunesse. Ils se rebellèrent contre l'académie et glorifièrent la science.

Fondateurs du futurisme

Le fondateur du futurisme et sa personnalité la plus influente étaient l'écrivain italien Filippo Tommaso Marinetti.

Marinetti a lancé le mouvement dans son Manifeste du futurisme, publié pour la première fois le 5 février 1909 dans La Gazzetta dell'Emilia, puis traduit dans le quotidien français Le Figaro, le 20 février 1909. Il fut bientôt rejoint par les peintres Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà, Gino Severini et le compositeur Luigi Russolo.

Futurisme et triomphe technologique

Marinetti a exprimé une aversion passionnée de tout ce qui était âgé, en particulier la tradition politique et artistique. " Nous sommes sur le promontoire extrême des siècles ! ... Mais nous n'en voulons pas, nous, les jeunes, les forts et les vivants futuristes ! "

Les futuristes admiraient la vitesse, la technologie, la jeunesse et la violence ainsi que l'automobile, l'avion et la ville industrielle. Tout ce qui représentait le triomphe technologique de l'humanité sur la nature.

Ils étaient des nationalistes passionnés. Ils répudiaient le culte du passé et de toute imitation et saluaient l'originalité, aussi audacieuse ou violente qu'elle puisse être.

Ils considéraient les critiques d'art inutiles et les rejetèrent, se rebellèrent contre l'harmonie et le bon goût, balayèrent tous les thèmes et sujets d'art antérieur et glorifièrent la science.

L'édition de manifestes était une caractéristique du futurisme et les futuristes (généralement conduits ou incités par Marinetti) les écrivaient sur de nombreux sujets, y compris la peinture, l'architecture, la religion, les vêtements et la cuisine.

Le style futuriste

Les peintres futuristes prirent du temps à développer un style et un sujet distinctif.

En 1910 et en 1911, ils utilisèrent les techniques du divisionnisme, réduisant la lumière et la couleur en un champ de pointillés et de rayures, ce qui avait été créé à l'origine par Giovanni Segantini.

Plus tard, Severini, qui vivait à Paris, attribua leur retard du moment, en termes de style et de méthode, à leur éloignement de Paris, le centre de l'art d'avant-garde. Severini était le premier à entrer en contact avec le cubisme et à la suite d'une visite à Paris en 1911, les peintres futuristes adoptèrent les méthodes des cubistes. Le cubisme leur offrait un moyen d'analyser l'énergie dans les peintures et d'exprimer le dynamisme.

Ils peignirent souvent des scènes urbaines modernes.

Les Funérailles de Galli l'anarchiste de Carrà est une grande toile de 1910-1911 représentant des événements dans lesquels l'artiste avait lui-même été impliqué, en 1904. Une attaque de la police antiémeute y est représentée dynamiquement avec des diagonales et des plans brisés.

Mouvement futuriste des années 1920 et 1930

Durant les années 1920 et 1930, le mouvement futuriste italien s'associe, en partie, au fascisme.

Il en émergera le parti politique futuriste qui avait la capacité d'influencer la direction artistique de certains gros travaux, notamment en architecture.

Le fascisme italien

Plusieurs futuristes Italiens ont soutenu le fascisme dans l'espoir de moderniser un pays divisé en temps de guerre. Comme les fascistes, ces futuristes étaient des nationalistes italiens, des radicaux, des admirateurs de la violence, et étaient opposés à la démocratie parlementaire.

Au début de 1918, Marinetti fonda le Parti politique futuriste (Partito politico Futurista) qui fut absorbé dans les Faisceaux italiens de combat de Benito Mussolini en 1919, faisant de Marinetti l'un des premiers membres du Parti national fasciste.

Il s'opposera ensuite à l'exaltation du fascisme des institutions existantes, les qualifiant de " réactionnaires ", et quittera le congrès fasciste de 1920 en dégoût, se retirant de la vie politique pendant trois ans.

Cependant, il soutint le fascisme italien jusqu'à sa mort, en 1944. L'association des futuristes avec le fascisme après son triomphe en 1922 leur garantit l'acceptation officielle en Italie et la possibilité d'effectuer un travail important, en particulier dans l'architecture.

Après la Seconde Guerre mondiale, de nombreux artistes futuristes eurent de la difficulté dans leur carrière en raison de leur association avec un régime vaincu et discrédité.

Marinetti chercha à faire du futurisme l'art d'État officiel de l'Italie fasciste, mais ne réussit pas a le faire.

Mussolini

Mussolini était personnellement désintéressé par l'art et choisit de donner son patronage à de nombreux styles et mouvements afin de garder la loyauté des artistes.

Lors de l'ouverture de l'exposition d'art du groupe Novecento Italiano en 1923, il dit : " Je déclare que c'est loin d'être mon idée d'encourager quelque chose comme un art d'État. L'art appartient au domaine de l'individu. L'État n'a qu'un seul devoir : de ne pas saper l'art, de fournir des conditions humaines pour les artistes et de les encourager du point de vue artistique et national ".

La maîtresse de Mussolini, Margherita Sarfatti, qui était une entrepreneuse culturelle aussi compétente que Marinetti, promut avec succès le groupe rival Novecento et persuada même Marinetti de siéger à leur conseil d'administration.

Bien que, dans les premières années du fascisme italien, l'art moderne était toléré et même bien accueilli, vers la fin des années 1930, les fascistes de droite représentaient le concept de " l'art dégénéré " de l'Allemagne à l'Italie et condamnèrent le futurisme.

Dans les bonnes grâces du régime

Marinetti prit de nombreuses mesures pour s'attirer les bonnes grâces du régime, devenant de moins en moins radical et avant-gardiste avec chacune d'entre elles. Il déménagea de Milan à Rome pour être plus près du centre des choses.

Il devint académicien, malgré sa condamnation des académies, se maria malgré sa condamnation du mariage, promut l'art religieux après le Traité du Latran de 1929 et se réconcilia même avec l'Église catholique, déclarant que Jésus était un futuriste.

Opposition à Marinetti

Bien que le futurisme fut lié au fascisme, il avait des partisans de gauche et des partisans antifascistes. Ils avaient tendance à s'opposer à la direction artistique et politique de Marinetti et, en 1924, les socialistes, les communistes et les anarchistes quittèrent le Congrès futuriste de Milan.

Les voix antifascistes du futurisme ne furent pas complètement réduites au silence jusqu'à l'annexion de l'Abyssinie et du pacte italo-allemand de l'acier, en 1939. Cette association de fascistes, socialistes et anarchistes au sein du mouvement futuriste, pouvant sembler étrange aujourd'hui, peut être comparée l'influence de Georges Sorel dont les idées sur l'effet dégénératif de la violence politique eurent des adhérents dans tout le spectre politique.

Au-delà de la politique

Le futurisme prit de l'expansion pour finalement englober de nombreux domaines artistiques et inclut finalement la peinture, la sculpture, la céramique, le design graphique, le design industriel, le design d'intérieur, le design de théâtre, les textiles, le théâtre, la littérature, la musique et l'architecture.

Le futurisme en Russie

Les artistes russes qui se rallièrent au mouvement futuriste étaient fascinés par le dynamisme et la technologie, comme leurs pairs italiens. Cependant, le mouvement futuriste en Russie fut principalement littéraire.

Le futurisme russe consistait en un groupe de poètes et d'artistes russes qui ont adopté les principes du Manifeste du Futurisme de Marinetti.

Les débuts du futurisme russe

On peut croire que le futurisme russe fut initié en décembre 1912, lorsque le groupe littéraire Hyleïa publia un manifeste intitulé " Une gifle au goût du public ". Bien que Hyleïa soit généralement considéré comme le groupe le plus influent du futurisme russe, d'autres groupes ont été formés à Saint-Pétersbourg, comme les Ego futuristes d'Igor Severyanin, Moscou, Kiev, Kharkov et Odessa.

Tout comme leurs homologues italiens, les futuristes Russes étaient fascinés par le dynamisme, la vitesse, l'énergie des machines modernes et la vie urbaine. Ils cherchaient délibérément à susciter la controverse et à se faire de la publicité en répudiant l'art statique du passé.

Des artistes tels que Pouchkine et Dostoïevski, selon eux, auraient dû être " poussés par-dessus bord du bateau à vapeur de la modernité ". Ils ne reconnurent aucune autorité que ce soit, même Filippo Tommaso Marinetti - lorsqu'il arriva en Russie pour une visite de prosélytisme au cours de 1914 - fut obstrué par la plupart des futuristes Russes qui considéraient qu'ils ne lui devaient rien du tout.

Contrairement au cercle de Marinetti, le futurisme russe était principalement un courant littéraire plutôt qu'une philosophie plastique.

Un courant littéraire

Bien que de nombreux poètes (Maïakovski et Bourliouk, entre autres) s'essayèrent à peinture, leur intérêt était essentiellement littéraire.

Cependant, des artistes bien établis tels que Natalia Gontcharova, Mikhaïl Larionov et Kazimir Malevitch trouvèrent de l'inspiration dans l'imagerie rafraîchissante des poèmes futuristes et expérimentèrent avec la versification eux-mêmes. Les poètes et les peintres collaborèrent à des productions innovantes comme l'opéra composé la Victoire sur le soleil sur une musique de Mikhail Matiouchine, des textes de Kruchenykh et des ensembles de Malevitch.

Le cubo-futurisme

Les membres de Hyleïa élaborèrent la doctrine du cubo-futurisme et prirent le nom de budetlyane (à partir du mot russe " sera ").

Ils trouvèrent une signification dans la forme des lettres, dans l'agencement du texte sur la page, dans les détails de la typographie. Ils estimèrent qu'il n'y avait pas de différence substantielle entre les mots et les éléments matériels et donc que le poète devait organiser des mots dans ses poèmes comme l'artiste agence les couleurs et les lignes sur sa toile.

La grammaire, la syntaxe et la logique furent souvent écartées, de nombreux néologismes et des mots profanes furent introduits et les onomatopées furent déclarées texture universelle de la poésie. Khlebnikov, en particulier, développa " un mélange de mots incohérents et anarchiques, utilisés sans signification, mais pour leur son seul ", connue sous le nom de zaum.

Futurisme et politique

Malgré tout l'accent mis sur l'expérimentation formelle, certains futuristes n'étaient pas indifférents à la politique.

Les poèmes de Maïakovski, particulièrement, avec leur sensibilité lyrique, firent appel à un large éventail de lecteurs. Il s'opposait avec véhémence au massacre inutile de la Grande Guerre et salua la révolution russe comme la fin de ce mode de vie traditionnel que lui et d'autres futuristes ridiculisèrent avec tant de zèle.

Une fois que les bolcheviks prirent le pouvoir, le groupe de Maïakovski - patronné par Anatolie Lounatcharski, le ministre de l'Éducation de Lénine - aspira à dominer la culture soviétique. Leur influence était primordiale pendant les premières années après la révolution, jusqu'à ce que leur programme - ou plutôt son absence - soit soumis à la critique cinglante des autorités.

Au moment où OBERIU tenta de faire revivre certains des principes futuristes au cours des années 1920, le style futuriste en Russie avait déjà pris fin.

Les poètes futuristes les plus militants étaient soit décédés (Khlebnikov, Maïakovski) ou avaient adapté leur style très personnel à des exigences et tendances plus conventionnelles (Aseyev, Pasternak).

L'influence du futurisme sur les arts

Cependant, novateur et intrigant, le futurisme ne se limite pas longtemps aux arts classiques.

Outre la littérature, la peinture et la sculpture, l'architecture, le cinéma, la photographie, le théâtre, la musique, la danse, la typographie, la cuisine et même la céramique sont influencés par le futurisme.

Le futurisme et la musique

En musique, les futuristes s'intéressent aux bruits.

Francesco Pratella et Luigi Russolo effectuent un classement des bruits, les différenciant des sons, qui donne naissance au bruitisme et inspirera des grands musiciens tels que Pierre Schaeffer et Edgar Varèse, ainsi que le mouvement tout entier de la musique industrielle.

Le futurisme dans l'art de la performance

Les futuristes sont également les créateurs de l'art de la performance, qui connaîtra, au fil du 21e siècle, une popularité grandissante : mélangeant peinture, théâtre et musique, les artistes deviennent eux-mêmes des œuvres.

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Définition et caractéristiques du futurisme

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En 1909, l'écrivain italien Filippo Marinetti fait paraître le Manifeste du futurisme, qui déclenche une révolution artistique internationale. Les futuristes rejettent la notion d'esthétique et s'intéressent à la beauté de la mécanique, de la ville et de la vitesse.

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André Breton, Jacqueline Lamba, Yves Tanguy - Cadavre Exquis - 15,7x25,2 cm - Collage d'illustrations et de gravures sur papier - 1938 - Centre Pompidou, France

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André Breton, Jacqueline Lamba, Yves Tanguy - Cadavre Exquis - 1938

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André Breton, Jacqueline Lamba, Yves Tanguy - Cadavre Exquis - 1938

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Umberto Boccioni - The Charge of the Lancers - 50 x 32 cm - Collage, Tempéra, Carton - Futurisme - 1915 - Collection Privée

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Umberto Boccioni - The Charge of the Lancers - 1915

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Umberto Boccioni - The Charge of the Lancers - 1915

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Carlo Carrà - Interventionist Demonstration - 30 x 38,5 cm - Tempera, Crayon, Poudre de Mica, Papier Collé sur Carton - Futurisme, Cubisme - 1914

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Carlo Carrà - Interventionist Demonstration - 1914

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Carlo Carrà - Interventionist Demonstration - 1914

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Max Ernst - L'Ange du foyer ou Le Triomphe du surréalisme - 1937

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Max Ernst - L'Ange du foyer ou Le Triomphe du surréalisme - 1937

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Huile sur toile, 114 x 146 cm, collection particulière, Paris

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Huile sur toile, 64 x 79 cm, 	Musée Boijmans Van Beuningen

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Salvador Dalí - Le Visage de la guerre - 1940

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Salvador Dalí - Le Visage de la guerre - 1940

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Jiří Kolář -Serve to Muse, At Least Once - 1962

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Jiří Kolář -Serve to Muse, At Least Once - 1962

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Installation. Bois, fer, laiton, laine et feutrine, 200 x 1000 cm

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Robert Filiou -  Principe d’Équivalence : bien fait, mal fait, pas fait  - 1968

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Robert Filiou -  Principe d’Équivalence : bien fait, mal fait, pas fait  - 1968

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Huile sur toile, 200 x 228 cm, Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou

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Robert Delaunay - Rythme, Joie de vivre - 1930

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Robert Delaunay - Rythme, Joie de vivre - 1930

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Genre figurative, style Pop art, Tate Modern, Londres, Royaume - Uni

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Jean Dubuffet - Cafetière, tasse et sucrier II - 21 septembre 1965

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Jean Dubuffet - Cafetière, tasse et sucrier II - 21 septembre 1965

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Gerardo Dottori - Portrait de Benito Mussolini - 1933

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Gerardo Dottori - Portrait de Benito Mussolini - 1933

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Collage et encre sur papier signé en bas au centre - 74 x 110,5 cm - Galerie Jan Krugier, Genève

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Vladimir Velickovic - Fig. VI Birds - 1978

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Vladimir Velickovic - Fig. VI Birds - 1978

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Pierre Boucher - Electra - 17,8 x 23,7 cm - Collage, Photographie - 1961 - Centre Pömpidou, France

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tirage gélatino-argentique, 24,4 x 27,9 cm

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Lazar Lissitzky (Лазарь Лисицкий) -   'The Constructor' (autoportrait) - 1924 

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Lazar Lissitzky (Лазарь Лисицкий) -   'The Constructor' (autoportrait) - 1924 

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Alexandre Rodtchenko - Publicité pour la maison d’édition Knigi, à partir du portrait de Lili Brik - 1924

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Alexandre Rodtchenko - Publicité pour la maison d’édition Knigi, à partir du portrait de Lili Brik - 1924

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Jean-Michel Basquiat - Aboriginal - 196,6 x 223,5 cm - Collage sur papier et Acrylique - Néo-Expressionnisme - 1984 - Collection Privée, USA

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Jean-Michel Basquiat - Aboriginal - 1984

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Jean-Michel Basquiat - Aboriginal - 1984

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Gaston Chaissac - Composition à une Tête, Circa - 21 x 19 cm - Collage - Art Brut - 1955

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Gaston Chaissac - Composition à une Tête, Circa - 1955

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Gaston Chaissac - Composition à une Tête, Circa - 1955

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Le collagePop artthèmesculture de masse populaireBDobjets culturels mondainspubLe collagesouvent composé de pièces de travaux antérieurscréation d’une oeuvre composée d’éléments préexistantsTechniqueutilisation d’objet du quotidienreprésentation d’objet communDadaïsmerevoir le sens du “beau” et de l…